Artists: Luis Díaz, Diana de Solares, Darío Escobar, Sandra Monterroso, and Esvin Alarcón Lam.
January 29 – March 21, 2015
The 9.99 Gallery
Guatemala City, Guatemala.
Artists: Patrick Hamilton and Alejandro Almanza Pereda.
January 29 – March 21, 2015
The 9.99 Gallery
Guatemala City, Guatemala
“5 / RPM”. RPM (Revolutions Per Minute) is a unit related to a machine’s power and speed; in this case we have taken the concept to create an analogy, where the innovative vigor of the artists has been transformed into creative energy and whose works are the manifestation of that power and the movement of different generations of Guatemalans contemporary artists.
The temporal shift becomes real and the artists express it differently. Such that the RPM concept functions as a double bind. The works on display are based on various media that refer to the effect, the imprint, and the meaning of actual movement in reference to transportation or working machines, as well as the industrial materials with which they are built.
The gallery is pleased to invite for the first time the artist Luís Díaz, who has a long history with and a great influence on the Guatemalan artistic production. With “Documento” (Document) (1972), Díaz was a pioneer of conceptual art in Guatemala, placing a piece of cardboard on a manhole cover on which a spontaneous colography was performed within the street context in which it was found. Through colography, Díaz managed to capture the traces of passing cars, whose evidence is displayed in the exhibition in a circular composition inside a rectangle, tending to abstraction. With this gesture, Díaz documented an action whose testimony has managed to remain and transcend for over 40 years.
In “La demoledora” (Demolition woman) (2010) Sandra Monterroso documents an action using various modes of representation. The videoperformance shows the artist driving an industrial steamroller over tin pots of the kind used to cook tamales -objects associated with stereotypical domestic femininity. Violent, yet oddly liberating, Monterroso’s act equally rethinks and abolishes female roles. The installation is composed of the video documenting the action, the flattened pots, and several colographies made using a process akin to the one employed by Díaz in “Documento.” The colographies become an abstract representation of the action while affirming the dispossession of the pots’s original function.
In “ Construcción Geométrica # 5” (Geometric construction #5) (2014), one of the main interests of the artist Darío Escobar is brought into question. The wooden bodies of Guatemalan rural transport vehicles are the found objects that Escobar uses to pose questions regarding the Latin American geometric awareness. Through this aesthetic resource, the artist reflects on a modernity unconsciously acquired in nations that by definition do not meet the Western standard of having achieved homogeneous progress.
“Construcción Geométrica # 5” subtly critiques such national condition, yet it is not far from its industrial origin. As it hangs on the wall, the sculpture moves by means of hinges attached to its structure, allowing for the reconfiguration of the panels while adding some dynamism to the work.
Similarly, Lam Esvin Alarcón is known for resignifying objects within a national context, in this case, addressing public transportation, such as city buses. In “Desplazamiento No. 2” (Displacement No.2) (2014), the pieces achieve both chromatic and calculated harmony, turning into spontaneous geometric compositions as a result of careful formal conclusions.
The selection of materials chosen by the artist is motivated by his interest in evidencing the passage of time and the physical erosion caused by lived spaces. With this piece Alarcón Lam was invited to participate in the exhibition “Spatial Acts” at the Americas Society in New York last year.
Like Escobar, Diana de Solares recontextualizes the found object. In this instance an object that moves away from modernity and refers back to the pre-industrialization period. In “Existir en un estado de peligrosa distracción “ (Exist in a state of dangerous distraction) (2010-2014) Solares covers the plow with automotive paint, stripping it off of its agricultural functionality so that it can be perceived as a new object, a work of art suspended in time and space. As part of the composition, the artist added dried branches treated with curative wax to provide contrast between the materials; the juxtaposition between the organic and the industrial creates tension and highlights the fragility of the plow’s elements, alluding to the object’s temporality.
Due to her intuitive processes and attention to material combinations, Solares seeks to preserve a dose of mystery and enigma allowing the viewer to openly interpret her works. Such works become meaningful to talk about the human condition, related to the evolutionary and industrial development, physical and conceptual movement, and different ways to approach it, which proves the strength of the national creative power.
“5 / RPM” RPM. (Revoluciones por minuto) es una unidad que se relaciona con la potencia y velocidad del desplazamiento de una máquina; en este caso se ha retomado el concepto para hacer una analogía, donde la energía innovadora de los artistas se ha trasformado en energía creadora y cuyas obras se vuelven la manifestación de la potencia y el desplazamiento de diferentes generaciones de artistas contemporáneos guatemaltecos.
Este desplazamiento temporal se convierte en desplazamiento real y los artistas la representan de diferentes formas. De manera que el concepto de RPM funciona doblemente como aglutinante. Las obras en la exhibición se basan en medios heterogéneos para referirse al efecto, a la huella y al significado de desplazamiento real, en este caso aludiendo a los efectos de las máquinas de transporte o trabajo, al igual que a los materiales de los que son construidos industrialmente.
La galería tiene el placer de invitar por primera vez al artista Luis Díaz, quien goza de una extensa trayectoria y de gran influencia en la producción artística guatemalteca. Con “Documento” (1972), Díaz fue un pionero del arte conceptual en Guatemala, al colocar un pedazo de cartón sobre una tapa de alcantarilla, sobre la cual realizó una colografía espontánea, a la merced del contexto vial en que se encontró. Por medio de la colografía, Díaz logró captar la huella de la fuerza y del paso de los automóviles, cuya evidencia es representada en una composición circular adentro de un rectángulo, tendiendo a la abstracción. Con este gesto, Díaz documentó una acción cuyo testimonio ha logrado permanecer y trascender por más de 40 años.
En “La Demoledora” (2010) Sandra Monterroso documenta una acción utilizando diferentes representaciones. El gesto de Monterroso de repensar y abolir los roles femeninos de una manera violenta pero al mismo tiempo liberadora, al accionar contra ollas de hojalata para hacer tamales, objetos asociados al estereotipo de la feminidad doméstica, es presentado en diversos medios. El videoperformance muestra a la artista conduciendo una aplanadora industrial sobre las ollas, la instalación es conformada por las ollas aplanadas que luego las transfiere gráficamente en colografías, dónde la huella del objeto agredido es plasmado sobre papel, al igual que Diaz en “Documento” (1972), convirtiéndose en una representación abstracta de la acción y afirmando el despojo de su significado original.
En “Construcción Geométrica # 5” (2014), uno de los intereses principales del artista Darío Escobar se pone en cuestión. Las carrocerías de madera de vehículos de transporte rural guatemaltecos son el objeto encontrado en el que Escobar se basa para poner en cuestión la concientización geométrica latinoamericana. Por medio de este recurso estético, el artista reflexiona acerca de una modernidad adquirida desapercibidamente en naciones que por definición no cumplen con los estándares occidentales de haber alcanzado un progreso homogéneo, de tal manera que la obra tiene connotaciones críticas sobre una condición nacional. Al mismo tiempo la obra no se aleja de su origen industrial y conserva movimiento, ya que aunque se adhiera a la pared, las bisagras colocadas en la estructura permiten la reconfiguración de los paneles, lo cuál la vuelve dinámica.
De modo similar, Esvin Alarcón Lam se caracteriza por reconfigurar objetos pertenecientes al contexto nacional, en este caso, ligados al transporte público, como lo son los autobuses urbanos. En “Desplazamiento No. 2” (2014), como producto de un cuidado juicio formal, las piezas demuestran una gran armonía cromática y calculada, volviéndose composiciones geométricas espontáneas. La decisión del material elegido por el artista se origina por su interés en mostrar el paso del tiempo y las erosiones físicas causadas por el espacio habitado. Con esta pieza Alarcón Lam fue invitado a participar en la exhibición “Spatial Acts” en Americas Society en Nueva York el año pasado.
Diana de Solares, al igual que Escobar, recontextualiza el objeto encontrado, en este caso un objeto que se aleja de la modernidad y alude a la pre-industrialización. En “Existir en un estado de peligrosa distracción”
(2010-2014) al pintarlo con pintura automotriz, de Solares despoja al arado de su funcionalidad agrícola para que pueda ser percibido como un nuevo objeto, una obra de arte suspendida en tiempo y espacio.
Tales obras se vuelven significativas por hablar de una condición humana, relacionada con el desarrollo evolutivo e industrial, el desplazamiento físico y conceptual y las diferentes maneras de abordarlo, lo cual viene a probar la fuerza-potencia creadora nacional.
As part of the gallery’s agenda in 2015, the first Project Room opens with a dialogue between Patrick Hamilton and Alejandro Almanza Pereda, along with the exhibition “5 RPM” on Thursday January 29.
Hamilton ‘s work focuses on the processes of urban “cosmetization” that took place in Santiago de Chile after the dictatorship of Augusto Pinochet (1973-1990), during which many Modernist buildings were constructed. Using the technique of collage, Hamilton intervenes images of several buildings in the city’s new financial district with adhesive paper that imitates marble and precious woods textures, to cover up and give new meaning to the local architecture. “Proyectos de arquitecturas revestidas para la Ciudad de Santiago” (Architectural projects re-covered for the City of Santiago, 2008-2009) the artist proposes a social critique that denounces the deception caused by the powerful economic sector to the Chilean people.
In the piece “Balance No. 3, Ruca” (2013) Hamilton presents a picture of a still life—a pictorial composition of inanimate objects—, which appears to be real when reproduced photographically at actual scale. The decision to use specific objects like a postcard, two chains, and a rectangle of red acetate, comes from the story that each object holds but that the artist does not reveal. Hamilton implements multiple planes with objects to build a contemporary still life to add to its fragile balance.
In contrast, the sculpture of Alejandro Almanza “Sticks & Stones No. 4” (Palos y piedras, 2014) takes up objects in diverse make up and meaning and places them in a tense and unorthodox composition. Almanza relates a wooden table and a resin bust, acquired in the flea markets, with fluorescent light tubes, tubes, stones, and what appears to be a burnt stick—objects found in the country where he creates the work. The sculpture becomes a constellation of places, memories, and stories that talk of a temporal and spatial condition. “Sticks & Stones” is the title of several popular songs; however, its origin comes from a nursery rhyme that expresses the desire not to be hurt by insults even when sticks and stones may cause one physical pain.
Winning an honorable mention at the XVI Biennial of Photography in 2014 at the Centro de la Imagen in Mexico City, “The Less Things Change, the Less They Stay the Same” (Entre menos cambian las cosas, menos siguen iguales, 2014) documents the deconstruction of a metal bookshelf. A formal exercise that begins when a shelf is placed vertically resulting in endless variations, the shelf, no longer a utilitarian object, becomes a sculpture. The title of the work is a reversal of the well-known French epigram plus ça change, plus c’est la même chose (the more things change, the more they stay the same) implying that at a deep level, changes do not affect reality
Almanza, like Hamilton, focuses on the object, the material, and their inherent history and in the way they are intervened by the artist so that they retain their original meaning while adding a new one.
Como parte de la agenda de la galería para el 2015, se inaugura el primer Project Room con un diálogo entre Patrick Hamilton y Alejandro Almanza Pereda, junto con la exhibición “5 RPM” el día jueves 29 de enero.
La obra de Hamilton se centra en los procesos de “cosmetización” urbana que ocurrieron en Santiago de Chile después de la dictadura de Augusto Pinochet (1973-1990), periodo durante el cual se construyeron muchos edificios de estilo modernista. Empleando la técnica del collage, Hamilton interviene las imágenes de varios edificios del nuevo barrio financiero citadino con papel adhesivo que simula texturas de mármol y maderas preciosas, recubriendo, o maquillando por decir así, la arquitectura local para conferirle un nuevo significado. En “Proyectos de arquitecturas revestidas para la Ciudad de Santiago” (2008-2009), el artista propone una crítica social que denuncia el engaño efectuado por el poderoso sector económico al pueblo chileno
En la pieza “Equilibrio No. 3, Ruca” (2013) Hamilton presenta la fotografía de un bodegón—composición pictórica de objetos inanimados—que simula ser real al reproducirlo en escala natural. La decisión de utilizar objetos específicos como una postal, dos cadenas y un rectángulo de acetato rojo, proviene de la historia que retiene cada uno de ellos y que el artista no revela. Hamilton implementa múltiples planos con los objetos que construyen el bodegón contemporáneo en sí sumándose a su frágil equilibrio
En contraste, la escultura de Alejandro Almanza “Sticks & Stones No. 4” (Palos y piedras, 2014) retoma objetos variados en construcción y significado y los coloca en una composición heterodoxa en tensión. Almanza relaciona una mesa de madera y un busto de resina, adquiridos en los mercados de segunda mano, con tubos de luz flourecente, tubos, piedras y lo que parece ser un palo quemado, objetos que incorpora a la obra generalmente del país dónde la realiza. La escultura se vuelve una constelación de lugares, memorias e historias que habla de una condición temporal y espacial. “Sticks & Stones” es el título de varias canciones populares pero su origen proviene de una rima infantil que expresa el deseo de no dejarse herir por los insultos aun cuando los palos y las piedras le puedan causar dolor físico.
Ganadora de una mención honorífica en la XVI Bienal de Fotografía del 2014 en el Centro de la Imagen en México D.F., “The Less Things Change, the Less They Stay the Same” (Entre menos cambian las cosas, menos siguen iguales) documenta la deconstrucción de una estantería metálica. Ejercicio formal que empieza cuando un entrepaño se coloca verticalmente dando lugar a sin fin de variaciones, la estantería deja de ser objeto utilitario para convertirse en una escultura. El título de la obra es una inversión del popular epigrama francés plus ça change, plus c’est la même chose (entre más cambian las cosas, más siguen iguales) dando a entender que a un nivel profundo los cambios no afectan la realidad.
Almanza, al igual que Hamilton, se centra en el objeto, el material y su historia inherente y en la manera que al intervenir en ellos, retienen su significado original pero también adquieren otro.
Images: Exhibition view, Courtesy of The 9.99 Gallery, Guatemala.