Happenings

Artists: Alfadir Luna, Antonio Paucar, David Gremard Romero, Gabriel de la Mora, Gabriel Rossell Santillán, Marcos Castro, María García-Ibáñez, Miler Lagos, Pedro Reyes, and Santiago Borja.

Ruta Mística
March 8 – May 5, 2014
Museo Amparo
Puebla, Mexico

La exposición organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y curada por Gonzalo Ortega, presenta una revaloración de la noción del misticismo dentro del contexto latinoamericano actual a través de la obra de diez artistas que reflexionan sobre el modelo cultural poscolonial utilizando diversos medios como pintura, escultura, dibujo, fotografía, instalación y video.

La muestra colectiva incluye la obra de Alfadir Luna, Antonio Paucar, David Gremard Romero, Gabriel de la Mora, Gabriel Rossell Santillán, Marcos Castro, María García-Ibáñez, Miler Lagos, Pedro Reyes y Santiago Borja, quienes en su búsqueda de nuevos modelos ideológicos convincentes construyen sus propias identidades y canales de comunicación con lo trascendental al integrar aspectos ancestrales con otros nuevos elementos. En su mayoría se trata de propuestas conceptuales, resultado de la investigación y la recopilación de información.

En el caso de David Gremard Romero y Gabriel Rossell Santillán, su interés los ha llevado a revisar aspectos característicos de cultos de grupos indígenas. David Gremard se aboca a la cosmogonía y simbología azteca en El Tonalamatl Ollin, 2012, y a Gabriel Rossell, su investigación lo ha llevado a conocer de cerca la cultura huichol, dando como resultado la obra El quemado, 2013, y El primer hombre / Watakame (Archivo del Museo Etnológico de Dahlem), 2006.

La obra de Santiago Borja, SELF/Jungcatcher, 2013, banaliza los objetos rituales y cuestiona su valor espiritual, como es el caso de los “atrapa sueños”, objetos que han perdido su poder simbólico al popularizarse. Marcos Castro reflexiona sobre el mito fundacional de México y toma la figura del águila devorando a la serpiente como protagonista de su trabajo, como en la pieza de talavera Disuelve y coagula, 2012, y la instalación Sin título (águila), 2007.

Miler Lagos documenta la realidad actual, en su natal Colombia, de la ceiba, árbol sagrado para las culturas prehispánicas con una relevancia mística innegable, como en el video Nacidos antes de… (Intervención urbana, Cali, Colombia), 2009. Antonio Paucar erige un altar con sus propias manos en el video Altar, 2006, en donde las llamas de sus dedos representan algo inasible y mágico.

Alfadir Luna crea un mito en torno a un personaje ficticio con su proyecto de inserción social Procesión del Señor del maíz (Procesión para unir a un Hombre de maíz), 2011, en el cual involucra a los comerciantes y público del mercado de La Merced en la Ciudad de México. Pedro Reyes, por su parte, se inspira en Pico della Mirandola, pensador italiano renacentista, para realizar en piedra tallada, un gran monolito al que pueden insertarse pequeños ojos, cabellos, narices y bocas.

La muerte es invocada en la obra de Gabriel de la Mora y María García-Ibáñez. De la Mora recrea una reunión familiar con un estilo barroco tenebrista en la pieza Memoria I, 21.10.07, 2007, mientras que García-Ibáñez refiere el culto por los huesos al modelar con cerámica y con gran precisión piezas que luego decora con dibujos fusionando lo humano con lo místico en piezas como Huesos/Piedras/Flores, 2011 e Inmóviles, s/f.

*Images: Gabriel de la Mora, “Memory I”, 2007, Calcium sulfate with an application of cyanoacrylate, resin base, and stainless steel supports, Polyptych of 17 craniums, Dimensions variable.

Artist: Carola Zech

Instabile
Curator: Philippe Cyroulnik
March 7 – April 18, 2014
Galeria Vasari
Buenos Aires, Argentina

Instabile refers to the attribute of color being unstable. The aluminum and metallic colors give shape to this concept, accentuated by the magnetism, the levitating shapes and the inclined planes, all of which are incorporated to the working system. The notion of Instabile interacts with the concept of mobile and stable by Alexander Calder.

Artist: Thomas Glassford

Afterglow
March 13 – April 19, 2014
Sicardi Gallery
Houston, TX, USA

The exhibition consists of Glassford’s large-scale sculptural installation of the same name and a series of recent works on paper. Afterglow (2010) is built from the artist’s signature industrial materials: golden aluminum rods support transparent tubes filled with fluorescent liquid. An abundance of green Plexiglas “leaves” spring from the tubing, creating an environment that alludes to tropicalia while hinting at a futuristic, man-made landscape.

Originally commissioned by Mexico City’s Museo Experimental El Eco, Afterglow was shown at The Galleries at Moore College of Art & Design in 2013 for its debut in the United States. The piece suggests a synthesis of nature and geometry: Glassford engages with the human need to structure the organic. Afterglow‘s shape is informed by the architecture of jungle gyms, forms that simulate nature while using exact proportions. The scaffold-like installation, covered with invasive tropical growth, invites viewers to walk through it and move around it, an experience which evokes childhood exploration.

Born in Laredo, Texas, Thomas Glassford studied art at The University of Texas at Austin, where he received his BFA. He moved to Mexico City in 1990. His work is in several important public and private collections, including The Museum of Fine Arts, Houston; The Jumex Collection, Mexico; The Diane and Bruce Halle Collection, Arizona; Museo Universitario de Ciencias y Artes, MUCA, Mexico; CIFO Foundation, Miami; Des Moines Art Center, Iowa; and many others.

Artists: Fernanda Laguna, Manuel Mérida

ARCO 2014: #Solo projects, arte multidisciplinar con sello latino
Cultura & Arte
abc.es
Spain

El arte latinoamericano pasa por un magnífico momento, y ARCOmadrid, consciente de su potencial, ha querido reforzar, un año más, los lazos entre ambos continentes. En la sección Solo Projects: Focus Latinoamérica la feria presenta, a través de 21 proyectos de artistas latinos, una mirada renovada y multidisciplinar de su panorama artístico.

La selección de esta pléyade de galerías ha sido realizada por un equipo ecléctico de cuatro comisarios con una larga trayectoria curatorial y visiones muy diversas: Magali Arriola (México), Marcio Harum (Brasil), Sharon Lerner (Perú) y Tobías Ostrander (Estados Unidos). Pese a que ninguno de ellos es argentino, este año la participación de galerías bonaerenses se ha incrementado respecto del año anterior. No tanto por la exigua presencia dentro del Programa General, donde solo constan dos, sino por las seis que representan a artistas del país austral.

Este el caso de Nora Fisch, que presenta a Fernanda Laguna (1972), «una de las artistas más influyentes de su generación, no solo por su obra visual, sino también por sus libros de poesía y novelas», explica la galerista. En su reducido estand, ubicado en el pabellón 7 de Ifema, las pinturas entablan un diálogo con sus poemas. Las formas negras casi abstractas que protagonizan sus cuadros y que a veces parecen figuras humanas son una de sus características más recurrentes. «Los tajos y los recortes que aparecen en el lienzo son otra de las señas de identidad de Fernanda. Con ello pretende que se vea lo que hay detrás, quiere ir más allá de la realidad aparente», comenta Fisch. Esta es su forma de representar su experiencia como fundadora del proyecto «Eloísa Cartonera», una editorial argentina que reproduce sus libros con tapas compradas y diseñadas por los «cartoneros», las personas que recolectan cartones de los deshechos como forma de subsistencia en los suburbios de Buenos Aires.

Illy sustainArt concede todos los años un premio al mejor estand en esta sección. Este honor le ha correspondido en 2014 a Diego Bruno(1978). Él también nació en Argentina, pero ahora reside en Helsinki, y presenta Location de la mano de la galerista holandesa Mirta Demare. La obra ganadora explora la memoria histórica de su país de origen a través de una experiencia privada: «De forma oral reconstruye la casa en la que sus padres fueron torturados durante la dictadura argentina (1976-1983)», asegura la galerista. Un relato que configura en distintos soportes como el vídeo, el texto escrito, el dibujo y la fotografía.

Otro de las galerías europeas que cree en el potencial emergente de los artistas latinoamericanos es la francesa Espace Meyer Zafra, que apuesta por las creaciones de arte cinético del venezolano Manuel Mérida (1939). «En mis obras motorizadas trato de introducir el movimiento con la intención de evitar una fase fija y única y la posibilidad de cambio perpetuo para evidenciar la calidad de la materia y su comportamiento», explica el autor. «Los artistas venezolanos como Manuel Mérida –que es de la escuela de Jesús Soto– han sido precursores del arte cinético, que comenzó en los años 50, cuando en París aún ni se conocía», destaca Meyer Zafrany, uno de los responsables de la galería, resaltando así la importancia de América Latina en la escena artística contemporánea.

La única representación española en este espacio corre de la cuenta de la galería alicantina Aural, que exhibe una muestra de los trabajos más emblemáticos de la brasileña Anna Bella Geiger. «Una de las voces más versátiles de Brasil», según la directora de la galería, Begoña Martínez. Aunque debutan en Solo Projects por primera vez, han querido resumir las más de seis décadas de trayectoria de la artista en su estand. Se trata de una obra cargada de compromiso sociopolítico, crítica y cuestionamiento del binomio norte-sur.

Con espacios como Solo Projects, ARCOmadrid 2014 impulsa su vocación por tender puentes hacia un mercado que ya cuenta con sello y personalidad propios.

Artists: Lenora de Barros, Marcelo Cidade, Cláudio Tozzi, Laura Lima, Alair Gomes, Márcia Xavier, Carlos Zílio, Marcius Galan, Cildo Meireles, Antonio Henrique Amaral, Rubens Gerchman, Marcello Nitsche, Anna Bella Geiger, Nazareth Pacheco, and Paulo Bruscky.

140 Caracteres
January 28 – March 16, 2014
Museu de Arte Moderna de Sao Paulo
Sao Paulo, Brazil

The political mobilization through virtual communication is shaking forms of constituted power. The language used for mobilization through social networks is also new: short phrases, addresses of manifestation, very synthetic themes. The slogans adapt to the shape of social networks, taking advantage of existing communication virtual platforms. The social network Twitter is more synthetic, which accepts a maximum of 140 characters per message. Thus, the scale of language on Twitter becomes the thread of this exhibition.

140 works from the collection of MAM were selected to develop the theme of political mobilization. In the Great Room of the museum, the works are organized as an urban landscape, indicating the circumstances of the events and placing recent events. On the other hand, in the Paul Figueiredo exhibition room, the show generates a contrast to previous forms of political protest in Brazil during the military dictatorship, which began with the coup of 64.

140 characters is the result of the first Laboratório de Curadoria conducted by the Educational sector of MAM. Curation is shared by twenty students of the course, which also shared the authorship of the 140 commented tags of the exhibition. The exhibition is the result of a year of discussions between people of different backgrounds, who identified as a common interest, the new forms of political action. Thus, the authorship of the exhibition also diluted in a collective, assuming the force of mobilization without leaders.