Abstraction in Action Quisqueya Henríquez https://abstractioninaction.com/artists/quisqueya-henriquez/

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Mi obra aborda aspectos relacionados con estereotipos culturales y de género, la insularidad, los contrastes sociales y la estética popular en espacios urbanos y rurales, así como nociones preconcebidas que operan en el imaginario universal sobre la región del Caribe.

Trabajo desde el campo de la interdisciplinariedad, basándome en ideas e investigaciones sobre mi entorno socio-cultural y como estas se relacionan con la historia del arte occidental, el internet, y la globalización.

Me interesa cuestionar la permanencia de categorías obsoletas y las fronteras innecesarias, no solo en el proceso de creación, si no también en la dimensión social de la obra que proviene principalmente de la descontextualización y recontextualización de materiales, objetos y experiencias que uso en mi práctica artística.

Desarrollo varios cuerpos de obra de forma simultánea a través de procedimientos conceptuales como la apropiación de obras de arte y de imágenes de obras de arte, así como también imágenes de consumo masivo, en el carácter de levedad que le otorgan a estas las nuevas formas de circulación en plataformas de tecnología digital, paralelo a desmitificación de la autoría.

A través de la mezcla de recursos y disciplinas como el collage, el video, la acción, la impresión en soportes no convencionales, y la exhibición de proyectos -mucho de ellos efímeros- fuera de los espacios institucionales, mi trabajo examina lo cotidiano y lo histórico usando diversos lenguajes del quehacer artístico actual.

 

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January 14, 2017 Fredy Alzate https://abstractioninaction.com/artists/fredy-alzate/

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January 11, 2017 Claudia Fernández https://abstractioninaction.com/artists/claudia-fernandez/

Para mi la abstracción esta en todos lados y en todos los niveles. Nuestra mente o nuestro conocimiento sólo percibe algunos tipos de abstracción, pero si ahondamos en éste tema, lo pensamos y observamos, nuestra vida esta rodeada de abstracción.

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For me, abstraction is everywhere and at every level. Our mind or knowledge can just perceive some types of abstraction, but if we go deeper into the subject, think about it and observe it, our everyday life is surrounded by abstraction.

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January 11, 2017 Laercio Redondo https://abstractioninaction.com/artists/laercio-redondo/

About the Artist

My artistic research and work engage extensively with collective memory and its erasure in society.

The works are often based on the interpretation of specific events in relation to the city, architecture and historical representation in relation to the present, searching for new meanings to forgotten aspects of a conflictive lexicon in whose internal movement the writing of history is disputed.

My interest is to create installations and multimedia works that emerge from a deep research into cultural dynamics, that takes Brazilian architecture and its practitioners as central figures of my research.

Important architectonic icons like Casa França Brasil, The Gustavo Capanema Palace also known architecturally as the Ministry of Education and Health Building or the figures as Athos Bulcão, Lina Bo Bardi, and Lota de Macedo Soares or Carmen Miranda are many times the starting point to develop my research.

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Mi investigación artística y obra están involucrados extensivamente  con la memoria colectiva y su borramiento en la sociedad.

Las obras a menudo están basadas en la interpretación de eventos específicos en relación a la ciudad, la arquitectura y la representación histórica en relación al presente, buscando nuevos significados para los aspectos olvidados de un léxico conflictivo, en cuyo movimiento interno la escritura de la historia está en disputa.

Mi interés es el de crear instalaciones y obras multimedia que surgen de una investigación profunda sobre las dinámicas culturales, que toman a la arquitectura brasileña y sus practicantes como figuras centrales de mi investigación.

Importantes  iconos arquitectónicos como  Casa França Brazil, El Gustavo Capanema Palace también conocido arquitectónicamente como el  edificio del Ministerio de Educación y Salud; o las figuras como Athos Bulcão, Lina Bo Bardi, y Lota de Macedo Soares, or Carmen Miranda, son muchas veces los puntos de partida  para desarrollar mi investigación.

 

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January 10, 2017 Rafael Lozano-Hemmer https://abstractioninaction.com/artists/rafael-lozano-hemmer/

I’m an electronic-based artist. My work, often large scale, is made up of interactive installations in public space and usually deploys new technologies and physical interfaces. Using robotics, projections, sound, internet and mobile phones, sensors and other devices, I make examples of kinetic sculpture, responsive environments, video installations and photography which require the viewer to reconsider their conceptions of art, networks, language, code and meaning through human interactions and production of the ephemeral.

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Soy un artista electrónico, mi obra generalmente de gran escala, se conforma por instalaciones interactivas en espacios públicos, normalmente usando nuevas tecnologías e interfaces físicas. Por medio de la robótica, proyecciones, sonido, Internet y teléfonos móviles, sensores y otros dispositivos, creo ejemplos de escultura cinética, entornos interactivos, instalaciones de vídeo y fotografía que obligan a reconsiderar el concepto unidireccional del arte. Exploro y experimento con lo análogo y digital, con conceptos como el de red, lengua, código y significado a través de la presencia humana y de lo efímero.

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December 27, 2016 Alexandre Canonico https://abstractioninaction.com/artists/alexandre-canonico/

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My practice is influenced by the aesthetics and logic of architectural drawing and the legacy of geometric abstraction. However, instead of merely exploring the formal aspects associated to these disciplines, I am interested in investing my work with more playful, unstable or destabilising elements that disrupt the rigorous principles underlying traditional architecture and abstraction.

Over the past 5 years, I have been developing a series of wall-based sculptures/ drawings where three-dimensional elements (depth, shadow and movement) are used as a drawing tool, often incorporating elements from the surrounding space into the composition.

I had my first solo show in August 2015 at Galeria Marilia Razuk in São Paulo. The show was titled “Aonde”, which translates as “To where/ Where to”, implying the movement to or the search for a place. The works had in common a certain flexibility of boundaries and an interest in the space that contains or is contained by each piece.

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Mi práctica es influenciada por la estética y la lógica de dibujos arquitectónicos y el legado de la abstracción geométrica.  Sin embargo, en ves de únicamente explorar los aspectos formales asociados con esas disciplinas, estoy interesado en investir mi trabajo con elementos lúdicos, inestables y desestabilizadores, que interrumpen los principios rigurosos que  subyacen en la arquitectura tradicional y la abstracción.
Durante los últimos 5 años, he estado desarrollando una serie de esculturas de pared / dibujos, en los cuales elementos tridimensionales (profundidad, sombra y movimiento) son empleados como instrumentos de dibujo, a menudo incorporando elementos del espacio circundante en la composición.
Tuve mi primera exposición en agosto del 2015 en la Galería Marilia Razuk en São Paulo. La muestra titulada “Aonde”, que se traduce como “A donde/Hacia adonde”, implicando el movimiento hacia o la bísqueda por un lugar. Las obras tenían en común una cierta flexibilidad de limites y un interés en el espacio que contiene y es contenido por cada pieza.

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December 8, 2016 Martin Cordiano https://abstractioninaction.com/artists/martin-cordiano/

 

 

About the Artist

As a visual artist I aim to make constructions that offer an insight into the relationship with others and with the space that surrounds us; as well as to explore routine and the way we inhabit space. My practice is an exploration of the contradiction between the dynamic world we live in and the rigid structures of the building environment and architecture that contains it. As a result, art is used as lens to think and rethink this language, trying actively to renegotiate meaning through asking questions differently. Laying down the platform to engage in conversation to try to renegotiate these agreements.

Eminently simple yet complex in its implications, my work stands as a paradigm for a practice of making, which is beyond either art or architecture.

I experiment on and in the real world. Pulling apart the structures of our everyday life, playing with the materials out of which we construct our surroundings and our implements, and opening up new spaces within a world we thought we had defined. What remains inherent throughout my practice is the sense of experimentation and investigation that operates as an extension of our ability to be at home in the world, to remake our reality, and to question our existence through what we make.

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Como artista visual me propongo realizar construcciones que ofrecen una mirada sobre la relación con otros y con el espacio que nos rodea; como también de explorar la rutina y la forma como habitamos el espacio. Mi practica es una exploración de las contradicciones entre el mundo dinámico en el cual vivimos y las estructuras rígidas del paisaje construido y de la arquitectura que la contiene. Como resultado, el arte es empleado como un lente para pensar y repensar este lenguaje, de tratar activamente de renegociar el sentido, al preguntar de otras formas. Construir una plataforma para propiciar conversaciones e intentar renegociar estos acuerdos. 

Eminentemente simple pero a la vez complejas estas implicaciones, mi obra se plantea como un paradigma para la practica del hacer, que va mas allá del arte y de la arquitectura.

Yo experimento sobre y dentro del mundo real. Yo desarmo las estructuras del día a día, jugando con los materiales con los cuales construimos nuestros entornos y nuestros implementos,  y así abrir nuevos espacios dentro del mundo que pensamos habíamos definido. Lo que se mantiene inherente a lo largo de mi práctica es el sentido de experimentación e investigación que opera como extensión de nuestra habilidad de sentirnos en casa en el mundo, de rehacer nuestra realidad, y de interrogar nuestra existencia a través de lo que hacemos.

 

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December 6, 2016 Andrea Ostera https://abstractioninaction.com/artists/andrea-ostera/

 

 

About the Artist

My work is traversed by two conceptual axis. On the one hand, by the exploration of the conditions and limits of photography. The matter relating to physics and chemistry in the materials sensitive to light; the quotes about the history of the photographic representation; the tricks of the monocular device; and, more recently, the migration of images from the photographic paper to the screen. I have developed much of my work around these components.

On the other hand, I have dealt with issues of representation and translation between one medium and another. The mediation, an invariably imperfect operation, has been a field of play and manipulation in my work. The appearance of daily objects in my work, is simply a pretext for my work. The use of banal objects respond to the need of making with what is available, the material “at hand”, easy to find, and ready to be used.  The home, the neighborhood, are the stages where the work takes place: the objects, necessary actors, inevitable accomplices, are the condition of possibility of these images.

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Dos ejes conceptuales atraviesan mi obra. Por un lado, la exploración de las condiciones y los límites de la fotografía. Las cuestiones de física y química en los materiales sensibles a luz, las citas a la historia de la representación fotográfica, las trampas del aparato monocular y, más recientemente, la migración de las imágenes desde el papel fotográfico a la pantalla, componen una trama sobre la que se ha desarrollado gran parte de mi trabajo.

Por el otro, la experimentación con cuestiones de representación y traducción entre un medio y otro. La mediación, esa operación siempre imperfecta, ha sido en mi obra un terreno de juego y manipulación. La aparición de objetos cotidianos en mi trabajo no es más que un pretexto para mi obra. La utilización de objetos banales responde a la necesidad de un hacer con lo disponible: material “a mano”, fácil de conseguir y listo para ser usado. La casa, el vecindario son el escenario donde sucede la obra; los objetos, actores necesarios, cómplices inevitables, condición de posibilidad de estas imágenes.

 

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December 5, 2016 Magali Lara https://abstractioninaction.com/artists/magali-lara/

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My work is found in an intersection. Text and image coexist in different ways. As Siamese twins, that have developed different personalities but that, in the end, share a vital nucleus.

This is the way I understand as artists we come close to animation because it constitutes a fertile terrain to construct other ways of narrating. Firstly, because of the ease of the programs that are available today, that offer relatively simple ways of solving technical problems. Secondly, because animation, as comics in its moment, also allows to create sequences from a different place to cinema. It is as if drawing supports an exploration about subjectivity, and becoming fictional, it could excavate within memory with more freedom.

Many young artists are interested in exploring, like me, the narrative possibilities of animation. The basic difference between us, aside from the generational, is that even though we share the passion for comics, I’m interested in the evocation more than in the description of existential situations.  They, instead, feed themselves from a rich world that stems from manga, pornography, and commercial caricatures, moving away from the pictorial tradition.

The image in movement is a risky bet and it is related to temporality.

Sound experimentation, the inclusion of chance, the voice in the music sheet, sometimes as a gesture, and others as narration, feed many of my preoccupations, and open a panorama with many combinations. At the same time, present day animation allows me to understand that to employ figuration or abstraction imply different ways of constructing stories.  Figuration is closer to caricature and satire, or to a first person narrative. The visual abstract, sometimes used as a secondary element, appears more like an effect.

I feel closer to animation that uses a more abstract language, as in the movies of Norman McLaren. To want to tell not from the feminine body, but from the experience of the body that has seen, that knows that you do not tell all, and that sound makes the possible appear. Insinuation is sometimes more intense than the declaration.

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Mi trabajo se sitúa en la intersección. Texto e imagen conviven de diferentes maneras. Como hermanas siamesas que han desarrollado distintas personalidades pero que, al final, comparten un núcleo vital.

Así entiendo que muchos artistas nos aproximamos a la animación porque constituye un terreno fértil para construir otros modos de narrar. Primero, por la facilidad de los programas ahora disponibles, que ofrecen maneras relativamente sencillas de resolver problemas técnicos. Y en segundo lugar porque la animación, como el cómic en su momento, también permite hacer secuencias desde un lugar distinto del cine. Como si el dibujo apoyara una exploración sobre la subjetividad y, al hacerse ficticia, pudiera escarbar en la memoria con mayor libertad.

Muchos artistas jóvenes están interesados en explorar, como yo, sus posibilidades narrativas en la animación. La diferencia básica entre nosotros, aparte de la generacional, es que aunque compartimos la afición por los cómics, estoy interesada en una evocación más que en una descripción de situaciones existenciales. Ellos, en cambio, se nutren de un mundo riquísimo que viene tanto del manga, la pornografía, como de caricaturas comerciales, apartándose de la tradición pictórica tradicional.

La imagen en movimiento es una apuesta arriesgada y ligada a la temporalidad.

La experimentación sonora, la inclusión del azar y la voz en la partitura, a veces como gesto y otras como narración, alimentan muchas de mis inquietudes y abren un panorama de muchas combinaciones. Al mismo tiempo, la animación actual me permite entender que usar la figuración o la abstracción implica maneras diferentes de construir relatos. La figuración está más cercana a la caricatura y a la sátira, o a una narrativa en primera persona. Lo abstracto visual, a veces usado como elemento secundario, aparece más como efecto.

La animación que usa un lenguaje más abstracto, como las películas de Norman McLaren, me resulta más cercana. Querer contar no ya desde un cuerpo femenino, sino desde la experiencia del cuerpo que ha visto, que sabe que no lo dices todo, que el sonido hace aparecer lo posible. La insinuación a veces es más intensa que una declaración.

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December 1, 2016 Mercedes Elena González https://abstractioninaction.com/artists/mercedes-elena-gonzalez/

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September 1955

“Melancholy is the happiness of being sad”
Victor Hugo

“Melancholy is the sadness that has acquired lightness”
Italo Calvino

When I stumbled upon the Venezuelan magazine “Integral” (architecture and art) at the library, I became obsessed with the aesthetic of their covers, especially the September 1955 issues, designed by González Bogen.

Its patterns, color and smell transported me to a country, where, despite the evident progress of the arts, was experiencing a cruel dictatorship. Artists and architects were dreaming with a perfect modern world, a utopian island where it was impossible to wake up. These were the times of my earliest infancy. After came the nightmares and everything came tumbling down.

I amplify this image, I reduce it, refute it, trace it, deconstruct it. Its contours delineate new maps of unexplored territories, streaked by ‘black’, ink over the skin of my work. I rethink colors, creating layers of time and air, obsessive interlaces of a Lilliput like world. Between lights and shadows, I propose a new view at this historical time. A sort of melancholic geometry.

The drawings are in Chinese ink, gouache, graphite and watercolor on paper and on wall color samples.
2012-14

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Septiembre 1955

“La melancolía es la felicidad de estar triste”
Victor Hugo

“La melancolía es la tristeza que ha adquirido ligereza”
Italo Calvino

Cuando me tropecé en la biblioteca con las revistas venezolanas “Integral” (arquitectura y arte) me obsesioné con la estética de sus portadas, especialmente la de Septiembre de 1955 diseñada por GonzálezBogen.

Su patrón, color y olor me transportó a un país en que, a pesar del evidente progreso en las artes, se vivía en una cruel dictadura. Artistas y arquitectos soñaban con el perfecto mundo moderno, la isla Utopía en donde era imposible despertar. Eran los tiempos de mi más temprana infancia. Luego vinieron las pesadillas y todo se derrumbó.

Esta imagen la amplío, reduzco, rebato, calco, deconstruyo. Sus contornos delinean nuevos mapas de territorios inexplorados, surcados por “lo negro”, la tinta sobre la piel de mi obra. Replanteo colores, creando capas de tiempo y aire, entrelazados obsesivos de un mundo liliputiense. Entre luces y sombras planteó una nueva mirada a ese tiempo histórico. Una suerte de geometría melancólica.

Los dibujos son en tinta china, gouache, grafito y acuarela sobre papel y sobre mostrarios de colores de pared.
2012-2014.

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September 27, 2016 Vargas-Suarez Universal https://abstractioninaction.com/artists/vargas-suarez-universal/

I source scientific visualization to explore and create artworks directly informed by geometries and architectures from the spaceflight programs operated by the U.S., Russia, Japan and the E.U. The visual data mined results in site-specific murals, works on paper, oil paintings, sound art pieces and multi- media installations. Images and information from Mars remote sensing, aerospace architecture, earth observation, and materials sciences are amongst many of the constantly flowing and evolving real-time sources used in the studio and post-studio processes. Post-studio research has been conducted in Arecibo Telescope, Puerto Rico, NASA Ames Research Center, Mountain View, CA., JSC (NASA), Houston, TX; KSC (NASA), Cape Canaveral, FL; Gagarin Cosmonaut Training Center (Roscosmos), Korolyov, Moscow Oblast, Russia and the Baikonur Cosmodrome, Baikonur, Kazakhstan. My research and concerns enable me to understand, analyze and speculate on our relationship with nature, with each other and with ourselves.

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Mis obras esta basadas en visualizacion científica para explorar y crear obras de arte informadas por geometrías y arquitecturas a partir de los programas de vuelos espaciales operados por los Estados Unidos, Rusia, Japón y la Comunidad Europea. La data visual extraida resulta en murales site-specific, obras en papel, pinturas al oleo, piezas de arte de sonido e instalaciones multimedia. Imágenes e información de detección remota desde Marte, arquitectura aerospacial, observaciones de la tierra, y ciencias materiales son entre las muchas fuentes que fluyen y evolucionan constantemente a tiempo real en el estudio y en los procesos post estudio. Investigación post estudio han sido llevada a cabo en Arecibo Telescope, Puerto Rico; NASA Ames Research Center, Mountain View, California; JSC (NASA), Houston, Texas; KSC (NASA), Cape Canaveral, Florida; Gagarin Cosmonaut Training Center (Roscosmos), Korolyov, Moscú Oblast, Rusia; y el Baikonur Cosmodrome, Baikonur, Kazajstán. Mi investigación y preocupaciones me permiten comprender, analizar y especular acerca de nuestra relación  con la naturaleza, el uno al otro y con nosotros mismos.

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July 8, 2016 Rodrigo Canala https://abstractioninaction.com/artists/rodrigo-canala/

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En mi trabajo, por lo general volumétrico y otras veces gráfico, utilizo preferentemente materiales innobles, comunes o de bajo costo (madera aglomerada, escarcha metálica, polvo doméstico, luz artificial, pintura industrial). Éstos, a través de un tratamiento preciosista, obtienen una apariencia delicada e ilusoria. Muchas veces mis obras son acompañadas por aparatos eléctricos y electromecánicos, dotándolas de una condición móvil que acentúa dicho ilusionismo.

Basándome en una iconografía local popular (arquitectura pastiche, escenografía de televisión, estética de kermés o de pacotilla) y, por otra parte, en referencias artísticas como el arte óptico, cinético, abstracto y constructivista, recurro a diseños y patrones usualmente geométricos y decorativos (cercos, guirnaldas, rúbricas, destellos). Las obras muestran, finalmente, una parquedad y precariedad estructural, pero aún así cierta ostentación ornamental; están completa e irónicamente expuestas y, a su vez, son objeto de seducción y contemplación.

Mi trabajo, pienso, genera en el espectador una mezcla entre quietud y expectación, o lo que llamo “inercia óptica”. Se trata de una apariencia cautivante, hipnótica, “bella” y, a la vez, provocativa o amenazante, en la que se esconde en último término, una crítica paródica a una contingencia tendiente al espectáculo y a la exclusión, manifiesta no solo en el cotidiano y los mass media, sino también en el mismo arte.

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In my work, usually volumetric and sometimes graphic, I employ preferably ignoble, ordinary, or low cost materials, (chipboard, metallic chipping, domestic dust, artificial light, industrial paint). These, through an embellishing process, achieve a delicate and illusory appearance. Many times my works are accompanied by electric and electro mechanic equipment, which provide mobility, thus stressing the illusionary quality of the works.

Based on the one hand on local popular iconography (architecture, pastiche, television scenography, Kermés or trashy aesthetics) and on the other hand, it carries artistic references such as Op art, Kinetic art, abstract and constructivist art; I turn to designs and patterns which are usually geometric and decorative (wreaths, garlands, signs, glitter). The works show, finally a sparingness, a structural precariousness, though a certain ornamental ostentation. They are totally and ironically exposed, and at the same time, they are objects of seduction and contemplation.

My work, I think, generates in the spectator a combination of calm and expectation, or what I call “optical inertia.” It bears a captivating appearance, hypnotic, “beautiful”; and at the same time, provocative and threatening, in which what is hidden ultimately, is a parodic critique to a contingency which leans towards the spectacle and the exclusion, not only manifest in the daily, the mass media, but in art itself.

 

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June 15, 2016 Marcela Astorga https://abstractioninaction.com/artists/marcela-astorga/

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Trabajo en la realización de objetos,  instalaciones, videos, fotografías, acciones etc. A través de estos medios investigo y experimento con la intención de generar nuevas imágenes, en las cuales se produzca un encuentro entre las ideas,  formas y materiales y que éstas se fusionen y se pertenezcan.

Me motivan los lugares de contención, de pertenencia, de identificación, de protección, de construcción, y en ese sentido la PIEL es el concepto, el material, la representación, y la metáfora que me interesa.

Creo que es allí, en la piel como gran órgano sensor, donde está el registro de nuestra experiencia.

Ampliando su sentido, pienso que tenemos otras pieles: la ropa, la casa, la ciudad, el universo y,  este imaginario forma parte de mi práctica artística.

Valoro el poder de las imágenes cuando contienen la fuerza para despertarnos y en mi trabajo intento que sean las protagonistas.

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I work in the production of objects, installations, videos, photography, actions, etc. Through these mediums I research and experiment with the objective to generate new images, where the encounter between ideas, forms and materials merge and permeate with each other.

I’m motivated by places of contention, belonging, identification, protection and construction. In this way the SKIN is the concept, the material, the representation, and the metaphor that interests me.

I believe that the skin is the great organ- sensor where experience is registered.

Broadening its meaning, I think that we have other skins such as our clothes, the house, the city, the universe, and that this imaginary is part of my artistic practice.

I value the power of images when these contain the strength to awaken us, and in my work I attempt for these to be the protagonists.

 

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June 8, 2016 Ana Maria Tavares https://abstractioninaction.com/artists/ana-maria-tavares/

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June 1, 2016 Alejandro Dron https://abstractioninaction.com/artists/alejandro-dron/

 

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QUE PONGAS TU CUERPO, TU TIEMPO

Porque así vivo el arte, como una fuerza vital que se compromete con todo. Un fuego personal que da sentido al concepto hebraico de la realidad.
Me refiero al flujo temporal que derrite las imágenes congeladas, estáticas. Imagenes fijas que nada tienen que ver con el dios único, inefable, total, infinito, fluido, liminal de mis raices.

Para mi lo sustancial pasa de manera ‘diagonal’, como se ubica la mesuzah en el umbral de la puerta, esquivando el obstáculo, contemporizando extremos ortogonales y así creando una síntesis que ‘pase a través’, que fluya.

Se podría también decir que mis esculturas plegables y voladoras se parecen a letras hebreas, palabras, una sintaxis, una semiótica pero que no quedan ahí disciplinadas en la cabeza, sino que son totales por delimitar sus blancos de fondo y hacerlos uno con sus negros. Un ‘continum’ de letra/fondo real de infinitas posibilidades.

Mis obras intentan lo multifacético, lo multidireccional, lo multidimensional. Son eccentricas. No tienen posiciónes únicas. Están creadas para que yo las abra como a un libro. Si no para mi no valen, no tienen gracia. Las quiero totales e infinitas. Totales, absolutas y que comprendan a todas sus transformaciones. Cambios que apunten a mostrar la unidad invisible. No hay dos participantes que puedan ver o configurar lo mismo al mismo tiempo. Ni componerlas totalmente en un instante determinado. Mi tiempo ‘por etapas’ despliega lo invisible. La mitzva ‘azamra’ que me comanda a ‘ser feliz todo el tiempo’ me asiste a crear estos desplegables, y a leerlos también con mi cuerpo.

Soy un continuador de la obra de los artistas Agam y Kosice. Agam fue quien decidió concientemente darle una forma expresiva al concepto de realidad hebraico. Kosice por su obra articulable Royi, su aguas vitales controladas por la alegria genuina y sus ciudades hidro-espaciales de carácter mesiánico.

En el ultimo siglo vimos como la academia fue sobrepasada por la vanguardias. Como su refinamiento elitista sin vida fue suplantado por una fuerza cruda rejuvenecedora que tan bien nos hizo. Luego el ‘dada’ que nacio como rebeldía autentica contra la razón se volvió un comercio banal.  Un dada preciosista.Y por otro lado el arte político-ideologico de izquierda.

Yo entiendo que el arte tiene su origen en lo religioso. Y es allí donde reside su carácter verdaderamente político, porque es movido por una fuerza activa, que es ‘visión’ mesiánica. Trabajar hoy para esta fuerza activa – en contra de lo sin sentido que quiere impedir – demanda una ingeniería sofisticada. Se trata de ‘volver al origen’ a contracorriente de la colosal redundancia. Estamos en una lucha por la supervivencia espiritual.

Quizás siempre ha sido así para todo verdadero artista.
Como lo intento por mi parte? Como hago para escuchar en medio de este ensordecedor ruido? Escuchando a mis amigos de ruta que alcanzaron saber algo de ese origen y me señalan que queda allí, alla adelante!

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THAT YOU PUT FORWARD YOUR BODY, YOUR TIME

Because this is the way I live art, as a vital force that is committed with everything. It is a personal fire that gives meaning to the Hebraic concept of reality. I refer here to the temporary flux that melts frozen and static images. Fixed images that have nothing to do with the unique God, ineffable, total, infinite, fluid, liminal of my roots.

For me the essential takes place in a ‘diagonal’ manner, as you place the mezuzah on the door threshold, avoiding the obstacle, temporizing  the extremes orthogonal and thus creating a synthesis, that ‘goes through’, that flows.

We could also say that my foldable and flying sculptures look like Hebraic letters, words, that they are a syntax, a semiotic, that are not disciplined in the head, instead are totals to demarcate the white in the background, and create a unity with their blacks. This is a continuum of real letters/background of infinite possibilities.

My works attempt the multifaceted, the multidirectional, the multidimensional. They are eccentric.  They don’t have unique positions. They are created so that I can open them like a book. Otherwise the have no worth, they have no grace. I want them total and infinite. They should be total, absolute, and that they understand all their transformations. Their changes should point to an invisible unit. There are no two participants that can see or configure the same at the same time. They cannot compose them totally in a determined instant. My time ‘in stages’ unfolds the invisible. The Mitzva ‘azamra’ that commands me to ‘be happy all the time’ assists me in creating these foldable works, and also to read them with my body.

I carry on the work of artists Agam and Kosice. Agam was who decided consciously to give an expressive form to the concept of the Hebraic reality. Kosice with his movable Royi, with his controlled vital waters through the genuine happiness and his hydro spatial  cities of messianic character.

This last century we saw how the academy was overtaken by the Avant-gardes. We saw how their lifeless elitist refinement was replaced by a raw rejuvenating strength that did us good. Afterwards ‘Dada’ which was born as an authentic rebellion against reason, became a banal commerce; an affected Dada. We also find the political-ideological art of the left.

I understand that art has its origin in the religious. It is there where we find its true political character, because it is propelled by an active force, which is a messianic ‘vision’. To work today for this active force – against the nonsense which impedes- requires a sophisticated engineering.  It is about ‘returning to the origin’, in countercurrent  to the colossal redundancy. We are in a fight for the spiritual survival.

Perhaps it has always been this way for all true artists.

How do I attempt it on my side? How do I listen in the midst of the deafening noise? By listening to my friends of path,  that have achieved to knowing something of this origin and signal me that it is found there, ahead!

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May 4, 2016 Pachi Giustinian https://abstractioninaction.com/artists/pachi-giustinian/

 

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March 22, 2016 Nicolás Robbio https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-robbio/

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December 16, 2015 Ali Gonzalez https://abstractioninaction.com/artists/ali-gonzalez/

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December 16, 2015 Giancarlo Scaglia https://abstractioninaction.com/artists/giancarlo-scaglia/

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December 15, 2015 Ronny Quevedo https://abstractioninaction.com/artists/ronny-quevedo/

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December 14, 2015 André Komatsu https://abstractioninaction.com/artists/andre-komatsu/

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December 3, 2015 Clemencia Labin https://abstractioninaction.com/artists/clemencia-labin/

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December 1, 2015 Inés Raiteri https://abstractioninaction.com/artists/ines-raiteri/

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December 1, 2015 Rodolfo Edwards https://abstractioninaction.com/artists/rodolfo-edwards/

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November 10, 2015 Aníbal Vallejo https://abstractioninaction.com/artists/anibal-vallejo/

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November 10, 2015 Fernando Prieto https://abstractioninaction.com/artists/fernando-prieto/

Lo que vemos es el reflejo de lo que no.

Pienso en mi obra como una investigación en curso sobre cómo somos afectados por fenómenos constantes y sutiles en un nivel sensorial, afectivo, material y mental. Me interesa la relación existente entre lo que consideramos concreto y abstracto, entre la experiencia física directa y lo que esta produce en nuestro interior.

Me interesa construir espacios donde los fenómenos físicos puedan ser una metáfora de cómo un individuo puede percibirse y organizarse dentro de su cuerpo, espacios abiertos donde poder sentir y pensar nuestras reacciones ante lo otro.

Mi trabajo parte de una preocupación sobre los efectos de la violencia social en los individuos con la muestra Onda Expansiva en el 2012. Desde ahí se desarrolla hacia un plano más general, para pensar no solo la violencia y sus efectos sino para intentar ver desde dónde y cómo vivimos el fenómeno de la experiencia: Cómo somos afectados por la viviencia del contacto entre lo interior y lo exterior.

Hace un par de años que estoy inmerso en experiencias de meditación. En la actualidad la pienso como el método central de mi investigación artística. Es a partir de la experiencia de la meditación que mis nociones de la realidad se han expandido y nuevas preguntas han emergido y nutrido la creación de mi obra. Me interesa la intuición como una forma de conocimiento que escapa de nuestra construcción linguística del pensamiento y como el canal principal por el cual la gente se relacione con mi trabajo.

Mi obra intenta crear formas con las cuales mirar y mirarnos, formas para encontrar experiencias nuevas con lo ya conocido, formas para comprender.

—

What we see is the reflection of what is not.

I think that my work as an ongoing investigation about how we are affected by constant and subtle phenomena at the sensorial, affective, material and mental levels. I’m interested in the relationship that exists between what we consider concrete and abstract; between the direct physical experience and the one produced internally.

I’m interested in constructing spaces where the physical phenomena can be a metaphor about how an individual can perceive himself and organize within the body; as well as open spaces where we can feel and think our reactions in front of the other.

My work departs from a preoccupation about the effects of social violence on individuals as seen in the exhibition Onda Expansiva (Expansive Wave) in 2012. Since then my work is moving towards a more general arena, to think not only about violence and its effects, but to attempt to see from where and how we experience the phenomena of experience: How are we affected by experiencing the contact between the internal and the external.

For the past couple of years I have been immersed in experiences of meditation. At present I think of it as a method that is central to my artistic research. Stemming from my experiences of meditation my notions of reality have expanded, and new questions have emerged and enriched the creation of my work.

My work attempts to create ways through which we can see and see ourselves; ways to find new experiences with what we already know; ways of understanding.

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November 10, 2015 Óscar Abraham Pabón https://abstractioninaction.com/artists/oscar-abraham-pabon/

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October 9, 2015 Vicente Antonorsi https://abstractioninaction.com/artists/vicente-antonorsi/

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September 14, 2015 Lucía Pizzani https://abstractioninaction.com/artists/lucia-pizzani/

My work revolves around issues of gender, the body, and a lifelong interest in nature. This combination also draws from my various studies in Visual Communication, Conservation Biology and Fine Arts. In recent years I have been developing a visual approach that uses photography, performance, installation, sculpture and video. Through these processes I tackle issues that concerned the Surrealists and the body art of the seventies, while maintaining a contemporary approach through my research-based practice. I seek stories that often come from literary and artistic references in significant periods both in Europe and South America. Ultimately I mix a wide range of aesthetics, cultures and historical figures in my work.

 
Traducido del inglés

Mi trabajo gira en torno a las cuestiones de género, el cuerpo, y un interés de por vida hacia la naturaleza. Esta combinación se basa también en mis diversos estudios en Comunicación Visual, Biología de la Conservación y Bellas Artes. En los últimos años, he desarrollado un enfoque visual a través de la fotografía, performance, instalación, escultura y video. A través de estos procesos, abordo cuestiones que preocupaban a los Surrealistas y al arte del cuerpo en los años setenta, manteniendo un enfoque contemporáneo a través de mi práctica basada en la investigación. Busco historias que a menudo provienen de referencias literarias y artísticas en períodos significativos tanto en Europa y América del Sur. En última instancia, mezclo en mi trabajo una amplia gama de la estética, las culturas y figuras históricas.

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August 28, 2015 Esvin Alarcón Lam https://abstractioninaction.com/artists/esvin-alarcon-lam/

I construct abstractions with found materials that belong to my context, which also provide information since rust and visible aging suggest a hint of irony. At the same time, and through simple gestures such as re-composition, re-contextualization, repetition, etc., I establish a visual dialogue between materiality and historical art movements. In general, these works take specific events from social, cultural and/or political realities as their starting point.

I consider my works to be situated between painting, drawing and sculpture. I develop their narratives by overlaying residues in our imaginary: pop culture, modern painting and South American kinetic art. Through a quality of abstraction and a sense of materiality, the viewer can relate to these works in different ways, allowing each individual to have a unique experience.

Mi práctica artística se relaciona con las ideas y las formas materiales de la precariedad de la vida contemporánea, la memoria colectiva, el paso del tiempo y la arquitectura urbana, creando imágenes que evocan la modernidad a través de una perspectiva residual.

 
Traducido del inglés

Construyo abstracciones con materiales encontrados que provienen de mi contexto, que también proporciona información en sí, como la oxidación y el envejecimiento visibles que sugieren una pizca de ironía. Al mismo tiempo, y a través de gestos simples como la re-composición, re-contextualización, repetición, etc., establezco un diálogo visual entre materialidad y movimientos artísticos históricos. En general, estas obras toman forma de eventos desde las realidades sociales, culturales y/o políticas como punto de partida.

Considero que mis obras se sitúan entre la pintura, el dibujo y la escultura. Desarrollo sus narrativas mediante la superposición de los residuos de nuestro imaginario: la cultura pop, la pintura moderna y el arte cinético sudamericano. A través de una cualidad de la abstracción y de un sentido de la materialidad, el espectador puede relacionarse con estas obras de diferentes maneras, lo que permite a cada individuo tener una experiencia única.

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August 24, 2015 Camilo Leyva https://abstractioninaction.com/artists/camilo-leyva/

I have the habit of making installations and sculptures that focus on how a sign (or semiotic structure) can be constructed and communicated within the conventions of matter. I think about how memory and stories stay latent within matter and context, how those memories can be articulated into or revealed through a material statement. I want to understand the process of communication and propose a collective construction of meaning through my work that is at present participatory in nature. My work is a device or system for the acquisition of sense, the exploration of knowledge in context, and the examination of transmission and communication.

 
Traducido del inglés

Tengo la costumbre de hacer instalaciones y esculturas que se centran en cómo un signo (o estructura semiótica) pueden ser construidos y son comunicados dentro de las convenciones de la materia. Pienso en cómo la memoria y las historias permanecen latentes dentro de la materia y el contexto, cómo esos recuerdos pueden articularse dentro o revelado a través de una declaración material. Quiero entender el proceso de comunicación y proponer una construcción colectiva de significado a través de mi trabajo que es, en la actualidad, de carácter participativo. Mi trabajo es un dispositivo o sistema para la adquisición de sentido, una exploración de los conocimientos en el contexto, y un examinación de la transmisión y la comunicación.

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August 21, 2015 Pier Stockholm https://abstractioninaction.com/artists/pier-stockholm/

I incorporate the material function of my studio as a means of illustrating my artistic practice.

 
Traducido del inglés

Incorporo la función material de mi estudio como medio de ilustrar mi práctica artística.

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August 19, 2015 Elena Damiani https://abstractioninaction.com/artists/elena-damiani/

My conceptual interests –understanding the present by looking into the past and recognizing the potential of images to resonate and prompt a universe of associations in the collective memory– guide my practice of transforming found material into collages, sculptures, and video installations. In my investigation I turn to scientific studies such as geology, archeology, and cartography to explore forms of fragmentation and material reinterpretation. My work seeks to redefine natural realms and their generative processes, presenting them as incomplete and ambiguous spaces where multiple times and topographies seem to unfold in unison.

 

Mi práctica es guiada por intereses críticos relacionados al entendimiento del presente a través de una mirada al pasado y a la capacidad evocativa de las imágenes para resonar y desencadenar un universo de asociaciones en la memoria colectiva; estos intereses transforman materiales encontrados en collages, esculturas y video instalaciones. En mi investigación recurro a temas como la geología, arqueología y cartografía para explorar formas de fragmentación y reinterpretación de material documentado y racionalizado por la ciencia que estudia la composición, evolución e historia de la Tierra. Mi obra busca reinterpretar estadíos naturales y sus procesos generativos presentándolos como espacios incompletos y ambiguos en donde se fusionan múltiples tiempos y topografías.

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August 19, 2015 Mario Navarro https://abstractioninaction.com/artists/mario-navarro/

The formal aesthetics and syntax of my work stand as an alternative reference to certain classes of objects, just as words do not « refer » to things themselves in Saussure’s theory of linguistics. Objects and architectures have meanings as points and conceptual significations within an entire system of relations as each and every element evokes an idea different, let’s say, than that of another class of objects in virtue of their literal properties. I believe in creating a meta-class of language that questions both architecture and the way we look at it but in different terms. Architecture is re-contextualized.

Issues of perception, the combination of language and spatial elements, the sculptural properties of language, matter/materials and their representations are lines of research that I have been investigating lately. The relations between architectures and forms, and more specifically, the decomposition of architectural paradigms (balance, symmetry, organization of units and the figure of the architect) are some of the constant interests and explorations in the ongoing and never finalized propositions that I create.

 
Traducido del inglés

La estética formal y sintaxis de mi trabajo se destacan como una referencia alternativa a ciertas clases de objetos, de la misma forma que las palabras no se « refieren » a las cosas mismas, como en la teoría lingüística de Saussure. Los objetos y las arquitecturas tienen significados como puntos, y significaciones conceptuales dentro de todo un sistema de relaciones, así como cada elemento evoca una idea diferente, digamos, que la de otra clase de objetos en virtud de sus propiedades literales. Creo en la creación de un meta-lenguaje que cuestione tanto la arquitectura como el modo en que lo observamos, pero en diferentes términos. La arquitectura es re-contextualizada.

Las cuestiones de la percepción, la combinación del lenguaje y elementos espaciales, las propiedades escultóricas del lenguaje, materia / materiales y sus representaciones, son las líneas de investigación que he estado realizando últimamente. Las relaciones entre las arquitecturas y las formas, y más específicamente, la descomposición de los paradigmas arquitectónicos (el equilibrio, la simetría, la organización de unidades y la figura del arquitecto) son algunos de los intereses constantes y de las exploraciones de las proposiciones siempre inconclusas y en desarrollo.

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August 18, 2015 Pablo Méndez https://abstractioninaction.com/artists/pablo-mendez/

Poetry can lead us to the flow of wind. The words, or mental images can take us away, into trance. The relation with the unknown takes shape in that stopped time, and it’s up to us to give body to the experience. Everything is an abstraction. Let’s overlay this with words, feelings and movement.

 
Traducido del inglés

La poesía nos puede llevar al flujo del viento. Las palabras o imágenes mentales nos pueden llevar lejos, a un trance. La relación con lo desconocido toma forma en este tiempo detenido, y nos toca a nosotros darle cuerpo a esa experiencia. Todo es una abstracción. Vamos a poner palabras, sentimientos y movimiento sobre ésta.

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August 17, 2015 Felipe Arturo https://abstractioninaction.com/artists/felipe-arturo/
Translated from Spanish

My work integrates elements from fields such as urbanism, architecture and art as they relate to politics, history, geography, and economy. My projects are generally sculptures, installations and videos that originate from principles such as structure, sequence and material. My practice has been influenced by the idea of a vernacular architecture, which can be defined as construction techniques that reflect processes of assimilation and resistance to colonial and postcolonial processes.

 

Mi trabajo toma elementos de campos como el urbanismo, la arquitectura y el arte en relación con la política, la historia, la geografía y la economía. Mis proyectos son generalmente esculturas, instalaciones y videos que parten de principios como estructura, secuencia y materia. Mi práctica ha sido influenciada por la idea de una arquitectura vernácula, es decir por técnicas de construcción que reflejan procesos de asimilación y resistencia a procesos coloniales y postcoloniales.

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August 17, 2015 Alejandro Londoño (LBBDSS) https://abstractioninaction.com/artists/alejandro-londono/

Translated from Spanish

My work aims to explore, more than a medium or a technique, a historic moment, a moment in which information technologies appear to appropriate the world in order to make the limits between reality and fiction vanish. With the appearance of “new media”, and especially with the appearance of the computer, the complex circuit of the sign has collapsed. We have become immersed in a murky vat in which signified and signifier have lost all connection: signifiers, ubiquitously embodied through zeros and ones, complex and inaccessible, colliding with significances that are impossible to read through the tactile universe.

The source material for my work always seems to be related to codes and numbers, with algorithms, with complex computerized translations. Maybe this concern springs from a continually less tangible world, a world with a growing scarcity of materiality, a world that offers fiction and simulation as a synonym of progress. From an artistic perspective, particularly through material plasticity, I aim to revindicate the object from a world that has occupied itself with reducing human achievements and possessions into microscopic silicon devices incapable of discoursing by themselves. The gestures and processes present in my work, like the materials that I use, are mere signs that seek to empty the content from any attempts to reproduce realities through mechanisms that are external to the body itself.

Departing from the guidelines of the “conceptual art” of Sol Lewitt, in which the idea is the driving force for the artwork, I have developed different series and projects that attempt to exhaust the formal possibilities within a specific grouping of conceptual elements. All are desperate and aimless attempts to materialize information already codified in Bits, “inexistent” information depending on hypercomplex hyperstructures, fragile and volatile information stored in practically inaccessible electromagnetic cracks. While the universe tries to digitalize, every moment with more intensity and technology, the analog world, I try to recover, every time with more resignation, those memories that we forget in the digital era.

 

  

Mi trabajo pretende explorar, más que un medio o una técnica, un momento histórico, un momento en el que las máquinas informáticas parecen apropiarse del mundo para así desvanecer los límites entre la realidad y la ficción. Con la aparición de los “nuevos medios”, y  especialmente con la aparición del ordenador, el complejo circuito del signo se ha desgarrado y nos hemos visto inmersos en un lodazal en el que significado y significante han perdido cualquier conexión: significantes, por doquier encarnados por ceros y por unos, complejos e inaccesibles, chocando con significados imposibles de leer desde el universo táctil.

La materia prima de mi trabajo parece estar siempre relacionada con códigos y con números, con algoritmos, con complejas traducciones computarizadas. Tal vez esa preocupación surja de un mundo cada vez menos tangible, un mundo de creciente escasez de materialidad, un mundo que ofrece ficción y simulación como sinónimo de progreso. Desde una perspectiva artística, particularmente desde la plástica, pretendo reivindicar el objeto de un mundo que se ha encargado de reducir los logros y las posesiones humanas en microscópicos dispositivos de silicio incapaces de discursar por sí mismos. Los gestos y los procesos presentes en mi trabajo, así como los materiales que utilizo, son meros signos que buscan vaciar de contenido cualquier intento por reproducir realidades a través de dispositivos externos al cuerpo mismo.

Partiendo del concepto de “arte conceptual” de Sol Lewitt, concepto en el que la idea es el motor de la pieza artística, he desarrollado diferentes series y proyectos que pretenden agotar las posibilidades formales dentro de un conjunto específico de elementos conceptuales. Todos son intentos desesperados y sin propósito por materializar información ya codificada en Bits, información “inexistente” dependiente de hiperestructuras hipercomplejas, información frágil y volátil almacenada ranuras electromagnéticas prácticamente inasequibles. Mientras el universo intenta digitalizar, cada vez con mayor esfuerzo y tecnología la información del mundo análogo, yo intento recuperar, cada vez con más resignación, aquellos recuerdos que olvidamos en la era digital.

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August 14, 2015 Isabel Cisneros https://abstractioninaction.com/artists/isabel-cisneros/
Translated from Spanish

As an artist, I develop my work through an investigation of the histories and decorative elements of textiles and through the meticulous techniques of sewing, knitting, weaving, threading, and knot making. Thus I pay tribute to cultural contributions made by women and to the feminine esthetic.

Through the flexibility of my works I want to express life, the interconnection of beings and their adaptation to the environment. I achieve this flexibility through the interweaving of hundreds of small pieces in which the contrasts of rigidity-opacity and elasticity-translucency commingle.

My pieces are accumulations built to achieve the maximum possible size or density with the least amount of material. I work with small, serial units: clay forms, scales, seeds, and industrial objects like buttons, bolts, hoses, and cloth.

The final result is similar to a rug or carpet. Due to its flexibility, I can exhibit it in many different ways. For me it is important that the spectator can and will manipulate it and play with it freely to create an infinity of forms.

While my works are conceived as abstract objects derived from mathematical and geometrical calculations, the final result (texture, irregularity of the manual weaving and weight) evokes living beings in repose.

 

Como artista, investigo y centro mi trabajo en una constante revisión de las tramas y los elementos decorativos de los textiles y las meticulosas técnicas de cosido, bordado, tejido, ensartado y anudado. Es un tributo y reconocimiento al aporte cultural y estético femenino.

A través de la flexibilidad de mis obras quiero expresar la vida, las interconexiones de los seres y la adaptación al medio ambiente. Esta flexibilidad se logra mediante el entretejido de cientos de pequeñas piezas en las que conviven los contrastes de rigidez-opacidad y elasticidad-translucidez.

Mis piezas son acumulaciones estructuradas por el principio de lograr el mayor tamaño o densidad posible con la menor cantidad de material. Trabajo con pequeñas unidades seriadas: modelados en arcilla, escamas, semillas, y objetos industriales como botones, tuercas, mangueras y tela.

El resultado final es similar a un tapiz o alfombra. Su condición maleable me permite exhibirlo de diversas maneras. Para mí es importante que el espectador quiera y pueda manipularlo, jugar con él libremente y crear infinidad de formas.

Si bien mis piezas están concebidas como objetos abstractos y parten de cálculos matemáticos y geométricos, su resultado final (textura, irregularidad del tejido manual y peso) evoca a seres vivos en reposo.

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August 12, 2015 Raquel Rabinovich https://abstractioninaction.com/artists/raquel-rabinovich/

For many years I have been investigating the ineffable nature of things, objects, words, thoughts. My art has always been informed by an underlying awareness of the concealed and ephemeral aspects of existence that we don’t see or that appear to be invisible. Through the processes I have explored, I try to reveal how that which has been concealed emerges into view. Art is for me making visible the invisible. In working across mediums for the last fifty years, I go to the unknown in order to know. I go to the dark to see the light.

  
Traducido del inglés

Durante muchos años, he estado investigando la naturaleza inefable de las cosas, los objetos, las palabras, los pensamientos. Mi arte siempre ha sido informado por una conciencia subyacente de los aspectos ocultos y efímeros de la existencia que no vemos o que parece ser invisible. A través de los procesos que he explorado, trato de mostrar cómo lo que se ha ocultado surge a la vista. El arte es para mí hacer visible lo invisible. Al trabajar en distintos medios durante los últimos cincuenta años, me voy hacia lo desconocido con la finalidad de conocer. Voy a la oscuridad para ver la luz.

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August 11, 2015 Ximena Garrido-Lecca https://abstractioninaction.com/artists/ximena-garrido-lecca/

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May 26, 2015 Iván Amaya https://abstractioninaction.com/artists/ivan-amaya/
Translated from Spanish

Cities of Above is a personal investigative project that I have been developing since 2002. It addresses the urban esthetic of the city of Caracas, especially the unplanned urbanism of the marginal zones, commonly called “barrios” or “cerros de ranchos.”

The investigation develops through a contemplation of the arts, in which examples of previous artists who have approached the theme of the city with passion—in different places and times—guides an examination of “el rancho” as an aesthetic form.

It consists of demonstrating the plasticity of the materials and how they are used, situated and available for the construction of a house of the barrio. In addition, it speaks of the created object (the house), as a center of interest, which at the same time is approached through an active subject (its creator), who marks its action with an affective charge (love) for the achieved goal (the house).

In the end, we will observe the spacial relations between those who dwell in the house, the family and the multifunctional use that they assign to the inhabited space, where inside and outside meet their needs, and the limits of the habitat change constantly… they reinvent themselves.

For me this investigation is important because it brings to light a unique social aesthetic. It also involves art in a debate and discussion of new aspects of human vision in this century, understanding these aesthetics not only as a problem of judging the values of beauty or fidelity, but also as an ethical dilema. Despite the great differences between the societies of today and those of the past, many of the concepts and perspectives of the old realities persist with resistance.

It questions and confronts referencial patterns of values and aesthetics that appear in the cities of above, with the aim of analyzing the beauty as a totality and not fragmented, as we usually perceive it.

 

Ciudades de Arriba es un proyecto personal investigativo que vengo desarrollando desde el año 2002, el mismo aborda la estética urbana de la ciudad de Caracas, y en especial el urbanismo no planificado de las zonas marginadas, llamada comúnmente barrios o cerros de ranchos.

La investigación se desarrolla con una mirada contemplativa desde las artes, utilizando para ello antecedentes previos, de artistas que han abordado el tema de la ciudad con pasión, en distintas épocas, lugares y tiempos, para ello se emprende la tarea de indagar “el rancho” como elemento estético.

Consiste en mostrar la plasticidad de los materiales y como los mismos son utilizados, colocados y dispuestos para la construcción de la casa del barrio, además, se habla del objeto creado (la casa), como centro de interés, del mismo modo se abordará al sujeto activo (su creador), el cual le imprime a su acción, una carga afectiva de amor por la meta lograda (la casa).

Por último, veremos la relación espacial que se da entre los que habitan la casa, la familia y el uso multifuncional que le asignan al espacio habitado, donde el adentro y el afuera se adecuan a sus necesidades y los límites del hábitat cambian constantemente… se reinventan.

Para mi es importante esta investigación porque aporta al conocimiento antecedentes de una estética social particular, e introduce el arte al debate y discusión de nuevos elementos sobre la mirada del hombre de este siglo, entendiendo el hecho estético no sólo como un problema de juicios valorativos de belleza o fealdad, sino como un dilema ético, y a pesar de las enormes diferencias entre la sociedad de hoy y las de ayer, persisten con resistencia muchos de los conceptos y perspectivas de las viejas realidades.

Se indaga y confronta los patrones de referencia de los valores y estética que se presentan en las ciudades de arriba, con la finalidad de analizar a la belleza como un todo y no fragmentada como usualmente la percibimos.

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May 19, 2015 Jesús Matheus https://abstractioninaction.com/artists/jesus-matheus/

I am interested in a process of intermediation, in the admixture of media and the possibility of shaping their mutual resonances. What guides that process is a will to construct. Form takes root in those intermediary relations: form as the conceptual development of a tectonic sensation; form as the presentness of an object that migrates from one medium to the other. In each stage of my work, I have searched for that object, the place that cannot be framed within a medium-specific site. Detached from concrete objects, such a place is to be found between the works as a concept or idea in development. It is an ideogrammatic construction.

 
Traducido del inglés

Estoy interesado en un proceso de intermediación, en la mezcla de los medios y la posibilidad de transformar sus resonancias mutuas. Lo que guía este proceso es la voluntad de construir. La forma radica en esas relaciones de intermediación: la forma como el desarrollo conceptual de una sensación tectónica; la forma como el estado presente de un objeto que se desplaza de un medio a otro. En cada etapa de mi trabajo, he buscado para ese objeto el lugar que no se puede enmarcar dentro de un medio específico. Separado de objetos concretos, tal lugar se encuentra entre las obras como un concepto o idea en desarrollo. Se trata de una construcción ideogramática.

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May 18, 2015 Silvina Arismendi https://abstractioninaction.com/artists/silvina-arismendi/

My latest body of work is the result of an unrelenting research of materials and supplies. In an almost casual and brief gesture, I transform myriad of objects, gathered from everyday life, and compile them into different arrangements and situations. I attempt to give order by measuring my time, my work and my possibilities with certain materials and objects – obsessive repetition allows me to develop unique and personal systems. The work reveals in itself the process of its making, its failure or triumph.

I face every work with curiosity and try to understand how I can intervene the least to achieve the most. I look for an inner logic to my process that might lead the viewer to apparent conclusions.

I like to think of my work as an organized world that welcomes chaos and embraces the power of simplicity.

 

En los últimos ańos mi trabajo se enfoca en una continua investigación de materiales. En un gesto casi casual, transformo una infinidad de objetos, recolectados de la vida cotidiana y los compilo en diferentes arreglos y situaciones. Intento crear orden por medio de sistemas que me permiten medir mi tiempo, mi trabajo y mis posibilidades con ciertos materiales y objetos. La repetición obsesiva me permite crear sistemas únicos y personales. El trabajo revela en sí mismo el proceso de su elaboración , su fracaso o triunfo.

Me enfrento a cada trabajo con curiosidad y trato de entender cómo puedo hacer mínimas alteraciones para obtener máximos resultados, como puedo crear una lógica interna que pueda conducir al espectador a aparentes conclusiones.

Me gusta pensar en mi trabajo como un mundo organizado que acoge el caos y celebra el poder de la simplicidad.

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May 18, 2015 Eduardo Terrazas https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-terrazas/

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May 15, 2015 Alice Quaresma https://abstractioninaction.com/artists/alice-quaresma/

My work elaborates on life “displacements” that take you to an uncomfortable place and push you to your limits. The cultural remnants that I encounter living overseas as a foreigner have always inspired me to create work that deals with memory, identity and melancholy. I am fascinated by the unique moments I experience when I live away from my culture. Despite the visual clarity of my artwork, the pieces convey a sense of oddness and casual dysfunction. I am interested in materials within my art practice that do not blend, but overlap to hide sections of the composition and reveal others. The revelations in the work come through a sense of surprise. My current work draws great influence from painting and photography. My fascination with painting started as a kid and it is my biggest challenge. Every time I paint I grow restless and find it difficult to resolve an artwork. However, this challenge teaches me to appreciate the qualities of painting as a process in my work.

My work has an almost abstract quality. The precise marks and interventions (with paper, tape, wood, paint and oil pastel) directly on photographic prints – produce an authentic quality to the work. As a result, my artistic investigation transcends the language of photography and acquires qualities of painting. I have been intrigued by ways to break the qualities of the photographic medium in my art practice. One of the art movements that has been especially inspiring to me is the Neo-Concrete art movement from the 1960’s (Rio de Janeiro, Brazil) where artists were using geometry as a way to expand the possibilities of texture and sensorial qualities in art. The work’s often experimental qualities allowed it to undergo a process of self-transformation.

 
Traducido del inglés

Mi trabajo profundiza en los “desplazamientos” de la vida que te llevan a un lugar incómodo y que te empujan hasta sus límites. Los restos culturales con los que me encuentro al estar viviendo en el extranjero siempre me han inspirado a crear obra que tenga que ver con la memoria, la identidad y la melancolía. Tengo una fascinación por los momentos únicos que experimento cuando vivo lejos de mi cultura natal. A pesar de la claridad visual de mi obra, las piezas transmiten una sensación de extrañeza y disfunción casual. Como parte de mi práctica artística, me interesan los materiales que no se mezclan, pero que se superponen para ocultar secciones de la composición y revelar otras. Las revelaciones en mi trabajo vienen a través de un sentido de sorpresa. Mi trabajo actual tiene una gran influencia de la pintura y la fotografía. Mi fascinación por la pintura comenzó desde que era una niña y se ha convertido en mi mayor reto. Cada vez que pinto, crezco de manera inquieta, y me resulta difícil resolver de esta manera la obra de arte. Sin embargo, este reto me enseña a apreciar las cualidades de la pintura como un proceso en mi trabajo.

Mi obra tiene una cualidad casi abstracta. Las marcas e intervenciones (con papel, cinta, madera, pintura y pastel al óleo) hechas sobre impresiones fotográficas, producen una auténtica calidad de la obra. Como resultado, mi investigación artística trasciende el lenguaje de la fotografía y adquiere cualidades de la pintura. Me ha intrigado la manera de romper las cualidades del medio fotográfico como parte de mi práctica artística. Uno de los movimientos artísticos que ha sido especialmente inspirados para mí es el movimiento de arte Neo-concreto de la década de 1960 (Río de Janeiro, Brasil) en donde los artistas utilizaron la geometría como una forma de ampliar las posibilidades de la textura y las cualidades sensoriales en el arte. Las cualidades a menudo experimentales del trabajo, permiten que éste se someta a un proceso de auto-transformación.

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May 15, 2015 Jaime Davidovich https://abstractioninaction.com/artists/jaime-davidovich/

My taped projects are about surfaces, context and space.

I first started working with adhesive tape in 1966. Initially I used the tape to hold my paintings to the wall, but starting in 1970 I eliminated the painting and concentrated on the tapes as my primary medium. I wanted to explore the possibilities of using spaces where the viewer does not expect art to be found. This concept brought me to intervene staircases, landing platforms and outdoor walls and objects. Each work was created for a unique space. When covering a surface, the tape creates an additive grid full of amorphous patterns caused by air bubbles. When developing a tape project, sometimes paper or a photograph was the support and framework for the piece, but many times the project was able to become monumental as it seamlessly adapted to the architecture of the space. Also in 1970, I began to incorporate videotape as part of these projects. The taped projects became “Art on tape and tapes as art”.

 
Traducido del inglés

Mis proyectos con cinta tratan sobre superficies, contexto y espacio.

Comencé trabajando con cinta adhesiva en 1966. Inicialmente utilicé cinta para sostener mis pinturas sobre la pared, pero a partir de 1970, eliminé las pinturas y me concentré en las cintas como mi medio principal. Quería explorar las posibilidades del uso de espacios en donde el espectador no espera encontrar arte. Este concepto me llevó a intervenir escaleras, plataformas de aterrizaje, paredes exteriores y objetos. Cada obra fue creada para un espacio único. Al cubrir una superficie, la cinta crea una retícula de aditivo llena de patrones amorfos causados por burbujas de aire. Durante el desarrollo de un proyecto con cinta, a veces el papel o la fotografía era el soporte y el marco de la pieza, sin embargo, muchas de las veces, el proyecto fue capaz de convertirse en monumental al momento de adaptarse perfectamente a la arquitectura del espacio. También, en 1970, comencé a incorporar cinta de video como parte de estos proyectos. Los proyectos grabados se convirtieron en “Arte en cinta y las cintas como arte”.

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May 4, 2015 Nicola Noemi Coppola https://abstractioninaction.com/artists/nicola-noemi-coppola/
Translated from Spanish

The contact between two or more preexisting elements generates variations in the state of matter. This series of transformations can provide representations that unveil their synergetic state. The representation of invisible forces demands tools so that they may be seen, otherwise they would escape the senses and as a result be lost to understanding. This is the motor for a great part of the sciences: the necessity of representing the invisible to be able to “comprehend it.” Coming from a branch of the sciences, I try to represent the force of matter that continues to inscribe the history of its causes and effects. For me this is also an obsession with the infinitely small or the invisible, and it is therefore necessary to solidify the symbolic mark of society, and the voice of the environment that will never be silenced.

 

El contacto entre dos o más elementos pre-existentes genera variaciones del estado de la materia. Esta serie de transformaciones puede dar representaciones que develan su estado sinérgico. La representación de fuerzas invisibles precisan de utensilios para ser vistas, de lo contrario escaparían a los sentidos y así al entendimiento. Éste es el motor de gran parte de las ciencias: la necesidad de representación de lo invisible para así “comprenderlo”. Viniendo de una rama científica, intento representar la fuerza de la materia que sigue inscribiendo la historia de sus causas y efectos. Para mi también es una obsesión lo infinitamente pequeño o lo invisible, y resulta necesario así, dejar asentada la huella simbólica de la sociedad, y la voz del ambiente que nunca será callada.

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May 4, 2015 Fabiola Menchelli https://abstractioninaction.com/artists/fabiola-menchelli-2/

My work investigates photography in relation with architecture, drawing, sculpture and other media. Using the language of abstraction I construct images that speak about the architecture of a mental space. The Constructions series consists of simple installations built with paper and lit with digital projectors. The light surrounds the surface of the installations, connecting the physical matter, while the shadows allow the illusion of solid objects. Thus, the works transform and redefine the physical space through the interplay of light and shadow. The work focuses on architecture as a means of constructing ideas to show us the flexibility of mind in relation to the perception of space.

 

Mi trabajo investiga la relación de la fotografía con la arquitectura, el dibujo, la escultura y otros medios. Usando el lenguaje de la abstracción, construyo imágenes que hablan acerca de la arquitectura de un espacio mental. En la serie Constructions compuse sencillas instalaciones construidas con papel e iluminadas con proyectores digitales. La luz rodea la superficie de las instalaciones, conectando la materia física, mientras que las sombras permiten la ilusión de objetos sólidos. De este modo, las obras se transforman y redefinen el espacio físico a través de la interacción de la luz y de la sombra. El trabajo se centra en la arquitectura como un medio para la construcción de ideas para mostrarnos la flexibilidad de la mente en relación con la percepción del espacio.

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April 13, 2015 María Fernanda Plata https://abstractioninaction.com/artists/maria-fernanda-plata/
Translated from Spanish

My projects emerge from my interest about the urban habitat and the way in which we human beings relate to it. I reflect upon the way in which architectural constructions, in their apparent solidity and monumentality, conceal their transitoriness and vulnerability as places that provide refuge and security to their inhabitants.

My work refers to the fragility and fleetingness of things made by man and also the great effort and time that they demand to be completed. A fundamental part of my practice consists in challenging the very nature and structure of the materials I use. So I construct, for example, sculptures with paper that I have cut in large sections and that maintain themselves, three-dimensional drawings with compacted sand, notebooks that contain images made with cuts and therefore at greater detail the piece is more deteriorated, and most recently, works with cloth that is completely unravelled string by string.

 

Mis proyectos surgen de mi interés sobre el hábitat urbano y la manera en que los seres humanos nos relacionamos con él. Busco reflexionar sobre cómo las construcciones arquitectónicas en su aparente solidez y monumentalidad disimulan su transitoriedad y vulnerabilidad en cuanto lugar que procura refugio y seguridad a sus habitantes.

Mi trabajo se refiere a lo frágil y fugaz de las cosas construidas por el hombre y también al gran esfuerzo y tiempo que demandan para ser finalizadas. Parte fundamental de mi práctica consiste en retar a los materiales que uso en su propia naturaleza y estructura. Es así como construyo, por ejemplo, esculturas en papel que ha sido cortado en amplias áreas y que se sostienen por sí mismas; dibujos tridimensionales con arena apelmazada, cuadernos que contienen imágenes hechas con cortes y que por lo tanto a mayor detalle más deteriorada es la pieza, y, más recientemente, piezas de tela completamente deshechas hilo por hilo.

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March 2, 2015 Ivelisse Jiménez https://abstractioninaction.com/artists/ivelisse-jimenez/

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January 28, 2015 Rossana Martinez https://abstractioninaction.com/artists/rossana-martinez-2/

I am interested in creating an experience, and a dialogue between the body and common materials. The process and result are raw and unedited.  I investigate subtleties of balance and movement, breath and anatomy—based on the connection between a running and yoga practice, and my interest in dance, conceptual abstraction and performance art. My intention is to allow viewers to interpret and question the work according to their expectations about what art is and how it should appear.

 
Traducido del inglés

Me interesa crear una experiencia, un diálogo entre el cuerpo y los materiales comunes. El proceso y resultado es crudo e íntegro. Investigo las sutilezas del balance y del movimiento, de la respiración y la anatomía, basadas en las conexiones entre la práctica de yoga y correr, así como mi interés en la danza, la abstracción conceptual y el performance. Mi intención es el permitir a los espectadores interpretar y cuestionar la obra de acuerdo a sus expectativas de lo que el arte es y cómo debe verse.

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January 27, 2015 Cipriano Martínez https://abstractioninaction.com/artists/cipriano-martinez/

The rain of this valley
drags everything, slowly, toward its entrance,
it does not have another slope.

ITACA. For a homage to Konstantinos
Kavafis.  Eugenio Montejo.

Caracas, the place where I was born, is a city full of contrasts that grew exponentially in just half a century as a result of the oil boom. It is a place where memory is constantly blurred, and where another city grows from within. It is precisely this mutant character, this kind of patchwork, what makes it both complex and fascinating.

Serial repetitions, dislocated structures, changes in the scale of representation, frontal and aerial views, and obsessive patterns constitute the strategy that I use to approach a notion of chaos, or perhaps a desired order suitable of a city that appears in my paintings as a vestige.

In recent years, my oil paintings have become increasingly informed by my parallel interest in printmaking. These investigations of the printing process have lent my work a mathematical precision that I believe enforces the underlying themes of the work.

In the exhibition catalogue for Destructive Testing (Maddox Arts, 2012) Patricia Velasco writes “It is the changing geography and accidental  architecture of the city which captures the artist’s interest, the misshapen and vague  cartography, the metamorphosis of  architecture in a state of constant transformation, the variety and, from a temporal viewpoint, the unstable nature of the layout and tissue on which the modern city is built.”

 

La lluvia de este valle,
todo lo arrastra, despacio, hasta sus puertas,
no tiene otro declive.

ITACA. Para un homenaje a Konstantinos
Kavafis.  Eugenio Montejo.

Caracas, el lugar donde nací, es una ciudad llena de contrastes que creció exponencialmente en cuestión de medio siglo, como resultado del boom petrolero. Es un lugar donde la memoria se borra constantemente, y donde otra ciudad crece desde adentro. Es precisamente este carácter mutante, esa especie de patchwork lo que la hace compleja y fascinante a la vez.

Repeticiones seriales, estructuras dislocadas, cambios en la escala de representación, visiones frontal y cenital, ausencia de gesto, patrones obsesivos, forman parte de la estrategia que empleo para aproximarme a la noción de caos, o a un orden quizá deseado propio de una ciudad que aparece en mi pintura a modo de vestigio.

En los últimos años mis pinturas–óleo sobre tela–han recibido una influencia cada vez mayor de mi interés paralelo en las artes gráficas . Estas investigaciones en el proceso de impresión han ofrecido a mi trabajo una precisión que refuerza los temas fundamentales de la obra.

En la presentación del catálogo de la muestra Destructive Testing (Maddox Arts, 2012) Patricia Velasco escribe “Le interesa al artista la geografía cambiante y accidental de la ciudad, la cartografía mutante e imprecisa, la arquitectura que se metamorfosea y que está en constante transformación, la variabilidad y el carácter inestable desde el punto de vista temporal de los trazos y tejidos sobre los cuales se edifica la urbe moderna”

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January 21, 2015 Rafael Reveron-Pojan https://abstractioninaction.com/artists/rafael-reveron-pojan/
Translated from Spanish

Some notes about the politics in my work, called “automatic architectures…”

Join together, get shelter, protection, appropriation. Appropriation of the space, creation of place, object.

Attachment.

To demolish,

To build…

“All build-up is refuge against danger.”

Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973

To a large extent, my work lies beneath like an architecture, as a strategy of ideological appropriation of space, the conquest of place, of the object, of the contained body… Do not think, do not live, do not feel… Let me build you, win that battle of “abitare,” I build you and think you, I appropriate you, live in you, in your space, in that space in between which surrounds you, that makes you, that molds you, configures you, and figures you.

The “Empty Box” becomes imposed in its abstraction, its economy knows no rival, and its synthesis is undefeated. That subdivided, fragmented, quadratic, cubic, universal, reproducible, “built-up” space. Optimal, minimal.

The ultimate ending: winning

territory,

defeat the

weak.

Totalitarianism of the majority; nothing and no one can win the battle over this cubic formula…

Place,

Home.

My “automatic architectures,” are conceived as models of “creation and destruction.” Their origin is tangentially dominated by patterns, actions around the notion of “appropriation.” To make myself one with space, place, and object, through a predetermined and preconceived model. An ideological, formal structure that models actions. To think of void as a structural content, is that border between collapse and equilibrium of content and container… Lines that intersect, supremacy battles between horizontality and verticality of space, of the object and its drifts. The imminence of matter to be transformed into an object, regroup and reconcile as a new form. To join spaces… imposing the plural to the singular, to the individual… Making the indivisible visible. To join as defense, not as addition. Build up to distract, to sublimate, to delete, eliminate, destroy.

Lines draw themselves in a describing without writing. As with the spiral, the constructive space is an internal ideology; its limit emerges on every layer, from intimacy.

To build and destroy. Collapsing is not an improper accident of the structure, but an inevitable stage of existence itself. Collapse, implosion, deflation… Strategies in the poetics of the terminal. To build and destroy. Modernist therapy of an infinitely delayed agony. Running an incomplete defeat.

Matter is raw, quotidian, on the verge, cyclical, re-oriented, re-conceived, resented, re-lived… Every skin suggests its needlework, its stitches… in its reusing, a corner disappears; it’s filed down, making its own way, its exile. To sew and undo… String together and undo, and gain aerial space, the dream of “flying,” of the suspended, the pending. Always an imminent departure, or loss. Stringing together without completing the fabric… Weaving looms without instructions. Too many complications for the pre-functions. Improvisation of survival, of error, of the everyday, of the doing without thinking, of being without being, without permanence.

Today, the promised paradise… Looks more like hell.

I do not see, I do not speak, I do not listen, I do not feel…

I do not exist.

I only

Exist

For

The

Promised

“Paradise.”

 

Algunas notas sobre las políticas asumidas por mi trabajo en las llamadas “arquitecturas automáticas”…

Aglomerar, refugiarse, protegerse, apropiarse. Apropiación del espacio, creación del lugar, objeto.

Apego.

Demoler,

construir…

“Toda aglomeración es un refugio contra un peligro”.

Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973

En gran medida mi obra subyace como una arquitectura, como una estrategia de apropiación ideológica del espacio, la conquista del lugar, del objeto, del cuerpo contenido… No pienses, no vivas, no sientas… Déjame construirte, ganarte esa batalla del “abitare”, yo te construyo y te pienso, me apropio de ti, vivo en ti, en tu espacio, en ese intersticio que te bordea, que te hace, te moldea, te configura, te figura.

La “Caja vacía” se impone, en su abstracción, su economía no tiene adversarios, su síntesis esta invicta. Ese espacio subdividido, fragmentado, “cuadrático”, cúbico, universal, reproducible, “aglo-merable”. Optimo, mínimo.

El fin supremo: ganar

territorio,

vencer al

débil.

Totalitarismo de las mayorías, nadie, ni nada, puede ganarle la batalla a esta fórmula cúbica…

Lugar,

hogar.

Mis “arquitecturas automáticas”, se piensan como modelos del “crear y destruir”, su génesis viene dominada tangencialmente por patrones, acciones en torno a la noción de “apropiación”. Hacerme con el espacio, el lugar, el objeto a través de un modelo predeterminado, pre-pensado. Una estructura ideológica, formal, que modela las acciones. Pensar en el vacío como contenido estructural, es ese filo entre el colapso y el equilibrio del contenido y el contenedor… Líneas que se entrecruzan, batallas de supremacías entre la horizontalidad y la verticalidad del espacio, del objeto, de sus derivas. Esa inminencia de la materia por transformarse en objeto, reagruparse y conciliar una nueva forma. Aglomerar espacios… imponiendo lo plural a lo singular, al individuo… Haciendo invisible lo indivisible. Aglomerar como defensa, no como sumatoria. Aglomerar para distraer, para sublimar, para borrar, eliminar, destruir.

Las líneas se dibujan solas, es un describir sin escribir. Como en el caracol, el espacio constructivo es una ideología interna, su límite emerge capa a capa desde la intimidad.

Construir-destruir. El colapsar no es un accidente impropio de la estructura, es una fase inevitable de la existencia misma. Colapso, implosión, deflación… Estrategias en las poéticas de lo terminal. Construir-deconstruir. Terapia modernista de una agonía retardada al infinito. Gestión de una derrota inacabada.

La materia, es cruda, cotidiana, al borde, cíclica, re-orientada, re-pensada, re-sentida, re-vivida… Cada piel sugiere su costura, su punto y cruz… en el re-usar, la esquina desaparece, se lima, se hace su propio camino, destierro. Coser y descoser… Hilar y des-hilar y ganar el espacio aéreo, el ensueño de “lo volador”, de lo sus-pendido, colgante, siempre inminente partida, perdida. Hilar sin llegar nunca a completar la tela… Telares sin instrucciones, demasiadas complejidades para las pre-funciones. Improvisación de la supervivencia, del error, del cotidiano, del hacer sin pensar, del ser sin estar, sin permanencia.

Hoy, el paraíso prometido… Parece más un infierno.

No veo, no hablo, no escucho, no siento…

No existo.

Solo

existo

para

el

“paraíso”

prometido.

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January 21, 2015 Juan Raul Hoyos https://abstractioninaction.com/artists/juan-raul-hoyos/

Fortunately or unfortunately, I have had a formal artistic training. However, there is one aspect of it which has been decisive in the development of my career and it is that, almost unintentionally, I have fused photography and painting.

The interest I have always had in painting and architecture originates in the same source that my wish to draw near to photography springs from. In fact, the artists who have the strongest influence on my work are photographers or artists who work with photographic images.

The manner in which I have been working in recent years basically consists of manipulating photographic images I myself create, which I then process electronically. The images resulting from this method are then painted or printed with silkscreen frames. That is, I use this tool, the frame, as one of my paintbrushes.

Despite printing repeatedly, I have not produced numbered series or editions up to now. The works have always been individual modules, which, joined on a single surface, establish their own resonance.

They are really images of the city, urban landscapes of the place where I find myself.  They act as a frame, as ongoing reflections on a life between the domestic and the urban, as a sort of approach to the things which surround me. Like a zoom lens or a movie camera, my vision generally moves between the general and the particular and vice-versa, with neither a logical nor a consecutive chronology. At times, this technique unleashes a fairly meticulous approach to the objects and the portrait. On other occasions, the lens opens and I pause to observe the architecture of things. In short, my work is a constant exploration of the actual city which surrounds us.

 
Traducido del inglés

Afortunada o desafortunadamente, tuve una educación artística formal. Sin embargo, existe un aspecto de ella que ha sido decisivo en el desarrollo de mi carrera, el cual es que casi accidentalmente, he fusionado la fotografía con la pintura.

El interés que siempre he tenido en la pintura y la arquitectura tiene su origen en la misma fuente que mi deseo por acercarme a la fotografía. De hecho, los artistas que tienen mayor influencia sobre mi obra son fotógrafos o artistas que trabajan con imágenes fotográficas.

La forma en la que he estado trabajando en años recientes consiste en la manipulación de imágenes fotográficas que yo mismo creo, las cuales prosigo a procesar electrónicamente. Las imágenes derivadas de este proceso son pintadas o impresas con marcos de serigrafía. Es decir, utilizo esta herramienta, el marco, como uno de mis pinceles.

A pesar de imprimir continuamente no he producido series numeradas o ediciones hasta hoy. Las obras han sido siempre módulos individuales, los cuales al unirse en una sola superficie establecen su resonancia propia.

Son en realidad imágenes de la ciudad, paisajes urbanos del lugar donde me encuentro. Funcionan como un marco, como continuas reflexiones de una vida entre lo doméstico y lo urbano, como una especie de acercamiento a las cosas que me rodean. Tal como un lente de zoom o una cámara cinematográfica, mi visión generalmente se mueve entre lo general y lo particular y viceversa, sin una cronología lógica o consecutiva. En ocasiones, esta técnica desencadena una aproximación meticulosa a los objetos y el retrato. En otras ocasiones, el lente se abre y me detengo a observar la arquitectura de las cosas. En breve, mi obra es una constante búsqueda de la ciudad que nos rodea.

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January 21, 2015 José Olano https://abstractioninaction.com/artists/jose-olano/
Translated from Spanish

I am mainly a sculptor and my subject of study is balance and its relationship with fragility and chance. I work with everyday materials with which we interact on a daily basis; found or regular objects such as furniture, clothing, fruit, and glasses. The space that surrounds me is potentially artistic material. One can create a discourse, through the documentation or by rearranging the elements in the space at any moment. I use the materials without altering them, and I make the most out of their physical properties to create unstable structures that can evolve in time in space. Even if at the end the materials can be interchangeable, what becomes evident is the intention and the position of these elements. I am interested in the intersections between art and the everyday, to take the viewer out of his/her comfort zone, and to question the limits of what we consider “normal.”

 

Soy principalmente escultor y mi tema de exploración es el equilibrio y su relación con la fragilidad y el azar. Trabajo con materiales comunes con los que interactuamos cotidianamente, objetos encontrados o estándares, como muebles, ropa, frutas y vasos. El espacio que me rodea es potencialmente materia plástica, en cualquier momento, por medio del registro o re-acomodando los elementos en el espacio se puede crear un discurso. Uso los materiales sin intervenirlos y aprovecho sus propiedades físicas para crear estructuras inestables que pueden evolucionar en el espacio tiempo. Aunque al final los materiales son intercambiables, lo que salta a la vista es la intención y la posición de estos elementos. Me interesan las intersecciones entre el arte y lo cotidiano, sacar al espectador de su confort, y cuestionar los límites de la “normalidad”.

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December 23, 2014 Ricardo Carioba https://abstractioninaction.com/artists/ricardo-carioba/

I intent to create using the minimal elements of the visual and sound languages, often disturbing the habits of our sensibility.

Many of my works were developed after laws or concepts from physics and use light to reveal some characteristics of space, present but usually invisible. I always try to explore in different ways the intervals, the emptiness that defines space.

My intention is to disturb our linguistic and sensible habits in order to decondition it and make possible the birth of different forms of thinking and feeling.

My works are created after recognizing a space empty of desire – they act inside of these empty spaces.

 
Traducido del inglés

Intento crear usando elementos mínimos de lenguajes visuales y sonoros, a menudo distorsionando hábitos de nuestra sensibilidad.

Muchas de mis obras fueron desarrolladas a partir de leyes o conceptos de la física y utilizan luz para revelar algunas características sobre el espacio, que están presentes pero usualmente invisibles. Siempre trato de explorar los intervalos, el vacío que define el espacio, de diferentes maneras.

Mi intención es interrumpir nuestros hábitos sensibles o lingüísticos para desacondicionarlos y hacer posible el nacimiento de diferentes formas de sentir y pensar.

Mis obras son creadas a partir del reconocimiento de un espacio libre de deseo. Ellas actúan dentro de estos espacios vacíos.

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Education

  • 1995-2001: M.A. Visual Arts, Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo, Brazil.

Prizes / Fellowships

  • 1999-2000: Fellowship Award – 31° Anual de Arte FAAP, Fundação Armando Alvares Penteado, São Paulo, Brazil.
  • 2007-2008: Visiting Arts – Artist Links Residencies, Arts Council England and British Council, London, England.

Solo Exhibitions

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 Publicactions

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September 11, 2014 Kenji Nakama https://abstractioninaction.com/artists/kenji-nakama/

Selected Biographical Information

Education

  • 1999-2006: Bachiller, Facultad de Artes – PUCP, Lima, Perú.

Prizes / Fellowships

  • 2011-2012: Residencia , Cité Internationale des Arts , Paris, Francia.
  • 2010: XIII Concurso de artes visuales  ‘Pasaporte Para un Artista’ (primer puesto), Embajada de Francia en el Perú, Lima, Perú.
  • 2011: III Concurso de Pintura del BCR, Banco Central de la Reserva del Perú, Lima , Perú.
  • 2007: II Concurso de Artistas Jóvenes de Lima Metropolitana, Municipalidad de Lima, Lima, Perú.
  • 2006: Premio de la Crítica a la especialidad de pintura,  Facultad de Arte-PUCP,  Lima, Perú.
  • 2006: Premio Winternitz para sexto año de pIntura, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Perú.

Solo Exhibitions

  • 2013: “Estudios del Pliegue“, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú.
  • 2011: “Jardín“, Galería L’Imaginaire – Alianza Francesa de Miraflores, Lima, Perú.
  • 2011: “Mutación y Desborde“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.
  • 2009: “Pangea“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.

Group Exhibitions

September 8, 2014 Carla Guagliardi https://abstractioninaction.com/artists/carla-guagliardi/

“Where is the time I have left in this space?”

Over recent years my artistic path has predominantly followed sculptural research. The researches focus on time and concomitant duration as decisive agents, elaborating and extending my ideas across a wide variety of materials. I experiment with both organic and/or industrially rendered materials, these include such materials as plastic, iron, glass, wood, copper, steel, cotton, plants, and rubber among others. Similarly, the active-positive and entropic role of water plays a significant part in my art practice. The works render imminent (and, perhaps immanent) the action of time as it forms a mnemonic record on matter in space.

As can be seen in the enclosed photos of my work, there is the presence of a poetic language which recalls interactions between internal organic fluid forms, incorporating chance and speculation and experiencing the abstraction that results from their experience with the material.  Nevertheless, no artistic activity is free from the artist’s subjective intention, regardless of purely physical and material conditions. Such assemblings combine materials that create new properties through these combinations, emphasizing on many occasions a vocabulary of physical terms like balance, density, materiality, capillarity, etc. These works, in which the physical characteristics are not virtual, symbolic or representational but where they literally exist, are nonetheless subjective emotional assemblages.

My aim is to continue the project, extend its development, while at the same time perfect some of the aesthetic and visual questions that arise from my experimental works. In short to move ahead in the sense of working with space in its continuity and extension anxiety, but simultaneously always making use of the various material confrontations that emerge. Within this aesthetic frame the paradox of disruption and temporal suspension play their part, evoke a sense of moveable perception, while also confronting contemporary mankind’s feelings as to the uncertain, unstable and fickle situation in which we live.

 
Traducido del inglés

“¿Dónde está el tiempo que tengo en este espacio?”

En los últimos años mi carrera artística ha seguido predominantemente una línea de investigación sobre la escultura. Las investigaciones se enfocan en el tiempo y la duración concurrente como agentes decisivos, elaborando y expandiendo mis ideas por una amplia variedad de materiales. Experimento con materiales orgánicos y/o hechos de manera industrial, los cuales incluyen materiales como plástico,  hierro, vidrio, madera, cobre, acero, algodón, plantas y caucho, entre otros. De igual forma, el rol entrópico y activo-positivo del agua juega un papel importante en mi práctica. Las obras representan la inminente (y quizá inmanente) acción del tiempo mientras que forma un récord nemónico de la materia en el espacio.

Como puede ser visto en las fotos de mi obra, existe la presencia de un lenguaje poético que evoca interacciones entre formas orgánicas fluidas internas, incorporando el azar y la especulación y la abstracción que resulta de experiencia con el material. No obstante, ninguna actividad artística es libre de la intención subjetiva del artista, sin importar las condiciones puramente físicas o materiales. Tales combinaciones mezclan materiales que crean nuevas propiedades por medio de estas combinaciones, enfatizando en ocasiones un vocabulario de términos físicos tales como balance, densidad, materialidad, capilaridad, etc. Estas obras en las que las características físicas no son virtuales, simbólicas o representacionales, sino que existen literalmente en ellas, son no obstante ensamblajes emocionales y subjetivos.

Mi intención es continuar el proyecto, extender su desarrollo mientras que perfecciono la estética y cuestionamientos visuales que originan de mis obras experimentales. En breve, seguir adelante en el sentido de trabajar con el espacio en su ansiedad continua y extensa, pero siempre usando las confrontaciones materiales que puedan surgir simultáneamente. Dentro de este marco estético la paradoja de la interrupción y suspensión temporal juegan su rol, evocan un sentido de percepción movible mientras que confrontan sentimientos humanos contemporáneos de la situación incierta, inestable y frágil en la que vivimos.

Selected Biographical Information

Education

  • 1990-1991: Post-graduation in History of Art and Architecture in Brazil, Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1989-1987: Escola de Ates Visuais do Parque Lage/Rio de Janeiro, Brazil.

Prizes / Fellowships

  • 2010: Mostras de artistas no exterior/ Brasil Arte Contemporânea, Fundação Bienal de São Paulo e Ministério da Cultura, São Paulo/Brasília, Brazil.
  • 2008: Edital Artes Visuais, Secretaria de Cultura do Estado do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2007: Grant Guest artist in residence, Villa Aurora, Los Angeles, USA.
  • 2002: Grant workshop-exhibition in residence program, KHOJ , Mysore/Bangalore, India.
  • 2001: Grant Bolsa de Artes RIOARTE, RIOARTE, Prefeitura da Cidade do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2001: Grant Helsinki International Artist-in-residence Programme,, HIAP/ Cable Factory, Helsinki, Finland.
  • 1999-2000: Bolsa Virtuose, Ministério da Cultura do Brasil , Atelier Programm 1999  Kunstlerhaus Bethanien, Berlin, Germany.
  • 1996: Award Best show of the year, Galerias IBEU / Instituto Cultural Brasil-Estados Unidos, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1995: II Salão de Arte da Bahia , Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador, Brazil.

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September 5, 2014 Raul Mourão https://abstractioninaction.com/artists/raul-mourao/

Selected Biographical Information

Solo Exhibitions

  • 2014: “MOTO“, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil.
  • 2013: “Movimento Repouso“, Roberto Alban Galeria de Arte, Salvador, Brazil.
  • 2012: “Processo“, Estudio X, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Tração animal“, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Toque devagar“, Praça Tiradentes, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Homenagem ao cubo“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Chão, Parede e Gente“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2010: “Cuidado Quente“, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil.
  • 2010: “Balanço Geral“, Subterrânea,  Porto Alegre, Brazil.
  • 2007: “Fitografias“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2005: “LULADEPELÚCIA“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2004: “drama.doc“, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Niterói, Brazil.
  • 2004: “Entonces”, Paço Imperial, Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2003: “Pequenas frações“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2003: “Cego só bengala“, Centro Universitário Maria Antonia, São Paulo, Brazil.
  • 2002: “Portátil 98/02“, Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brazil.
  • 2002: “Carga Viva“, Celma Albuquerque Galeria de Arte,  Belo Horizonte, Brazil.
  • 1999: “Sintético“, Agora / Fundição Progresso,  Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1996: “Calouste“, Galeria Ismael Nery – Centro de Arte Calouste Gulbekian, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1993: “Humano“, Galeria Sérgio Porto, Rio de Janeiro, Brazil.

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September 3, 2014 Jaime Ávila https://abstractioninaction.com/artists/jaime-avila/
Translated from Spanish

When I was young I lived in a very small village, which nowadays is even smaller because people left and never came back. In that place lived the fantasy of building cities amongst the rubble, rocks, and dirt mountains. I drew them and spent the days playing with sticks and pieces of boxes. As a teenager I drew hyperrealist comic strips of cities I did not know, and when I arrived to the city to study engineering, the first thing I saw was a city that I had never imagined until then.

I feel like a tourist in it even today. I construct ideas that guard dislocated structures on the urban geography and inhabitants detached from their utopic legality. It surprises me how I can be disturbed by the great cultural difference between people that live in the same place, the same way I am surprised to find commonalities in remote landscapes, and that I am even more surprised to have found a city like the one I live in, which was just like any other city in a different time, as if it could predict something that already happened. Days go by, many times from the same place, and through photography, drawing, engraving, silkscreen, prints, installation, video, and sculpture, I develop projects that connect the actual urban ethnography with a mutant architecture archeology, which are often misinterpreted as if they were compact urban prosthetics that are woven exponentially over the horizon of that landscape I saw as a child.

 

Cuando era niño vivía en un pueblo muy pequeño, hoy en día es aún más pequeño porque la gente se fue y no volvió. Allí en ese lugar  vivía la fantasía de construir ciudades entre montañas de escombros, rocas y tierra. Las dibujaba y pasaba los días jugando con palos y pedazos de cajas, de adolescente dibuje historietas hiperrealistas de ciudades que no conocía; cuando llegué a la gran ciudad a estudiar ingeniería, lo primero que vi fue una ciudad que nunca imagine hasta entonces.

Hoy en día me siento aun turista en ella. Construyo ideas que acorazan estructuras desarticuladas sobre la geografía urbana y habitantes desconectados de su legalidad utópica. Me sorprende demasiado como me puede perturbar la gran diferencia cultural entre gente muy cercana que habita un mismo lugar, de igual manera me sorprende encontrar cosas en común en paisajes remotos y me sorprende aún más encontrar una ciudad como esta, donde habito, que fue igual a otra ciudad en otra época, como si pudiera predecir algo que ya paso. Pasan los días, muchas veces desde un mismo lugar y así, por medio de la fotografía, el dibujo, el grabado, la serigrafía, los impresos, la instalación, el video y la escultura elaboro proyectos  que conectan la actual etnografía urbana con una arqueología arquitectónica mutante, muchas veces violentada y materializada como si fueran prótesis urbanas compactas que se tejen exponencialmente  sobre el horizonte de ese paisaje que veía desde niño.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

  • 2001: Beca Residencia México, Ministerio de Cultura Colombia,  FONCA México, Ciudad de México-Tijuana, Mexico.
  • 2005: Artista invitado por la Universidad de Harvard , David Rockefeller Center para Estudios Latinoamericanos, Cambridge, USA.
  • 2008: Madrid Miradas, Ministerio de Asuntos Culturales y de Ministerio de Asuntos Culturales y de Cooperacion de España , Madrid, Spain.
  • 2005: Mención,Salón de Arte Bidimensional  , Fundación Gilberto Álzate Avendaño FUGA, Bogotá, Colombia.
  • 2003: Mención, Premio Luis Caballero, Instituto Distrital de las Artes IDARTES , Bogotá, Colombia.
  • 2001: Premio  Salón Regional de Artistas, Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
  • 2000: Primer Premio,Primer premio, IX Salón Internacional de Arte Joven MAC, Museo de Arte Contemporáneo , Bogotá, Colombia.
  • 1998: Beca impresos revista PLASTICA , Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
  • 1997: Primer Premio VII Salón de Arte Joven, Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.
  • 1993: Beca Colcultura Patios Urbanos, Colcultura, Bogotá, Colombia.
  • 1992: Mención Especial II Bienal de Arte de Bogotá, MAMBO Museo de Arte Moderno de Bogotá, Bogotá, Colombia.
  • 1991: Mención Especial, I salón de Arte Joven   , Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.

Solo Exhibitions

  • 2013: “Talento Pirata”, Nueveochenta Galería, Bogotá, Colombia.
  • 2012: “Bestiario”, M&R Galería, Cali, Colombia.
  • 2009: “Cinco Metros Cúbicos”, MUSAC, Montería, Colombia.
  • 2006: “Bombas”, Galería Alcuadrado,  Bogotá, Colombia.
  • 2005: “Life Is a Runway”, Harvard University, Cambridge, USA.
  • 2005: “4th World “, Sandra & Philip Gordon Gallery, Boston, USA.
  • 2005: “Life Is a Runway”, Museum of Fine Arts, St Petersburg, USA.
  • 2005: “Puntos de Fuga”, Galería El Museo, Bogotá, Colombia.
  • 2004: “Diez Metros Cúbicos”,  Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
  • 2003: “Cuarto Mundo: Diez metros Cúbicos “, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
  • 2001: “México: Un metro Cubico”, Museo Carrillo Gil, México DF, Mexico .
  • 2000: “Los Radioactivos”, Alianza Francesa,  Bogotá, Colombia.
  • 1997: “Comunicado de Washington “, Galería Espacio Alterno, Bogotá, Colombia.
  • 1994: “No Toque la Mercancía”, Galería Santafé, Bogotá, Colombia.
  • 1993: “Patios Urbanos”, Consejo Británico, Bogotá, Colombia.

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September 2, 2014 Erica Muralles Hazbun https://abstractioninaction.com/artists/erica-muralles-hazbun/

Through my work I revert the process in which form follows function, referring to actions that hold an established order in society. My purpose is not to build a closed, perfect system, but one that is interwoven with life. This is obtained by interlocking and linking a series of different materials consistently—from chaos to order—by weaving or joining them through other means. Where small changes in initial conditions can lead to large differences in future behavior, preventing long-term prediction.

My work comes from an empirical process that is in constant renewal, where the visual or formal aspects enter into dialogue with the symmetrical composition inherent in everything that human beings design and build. It is sensorial and appeals to a modular design or repetition as a starting point. Dynamic monotony is used as a creative impulse as a vital generator of inquiry. I analyze patterns of human behavior, the quotidian and what takes place in everyday life, what we perceive, and what defines our identity, our mission and place in our environment. My aesthetic concerns are immersed in the present reflecting change in my images. This process helps me to organize reality through representation.

 

En mi trabajo revierto el proceso en donde la forma sigue a la función, haciendo referencia a las acciones que tienen un orden establecido en la sociedad. Mi objetivo no es construir un sistema cerrado, perfecto, pero uno que se entrelaza con la vida, por lo azaroso e imprevisto. Esto lo obtengo mediante el enlace de series de distintos materiales de manera coherente –del caos al orden—al entrelazarlos o al unirlos por otros medios. En donde pequeñas variaciones en las condiciones iniciales pueden implicar grandes diferencias en el comportamiento futuro, dificultando la predicción a largo plazo.

Mi trabajo viene de un proceso empírico, que se encuentra en constante renovación, donde los aspectos visuales o formales dialogan con la composición simétrica inherente en todo lo que diseña o construye el ser humano. Es sensorial, apela a la modulación y a la repetición como método o punto de partida. La monotonía dinámica es utilizada como impulso creativo, como generador vital de indagación. Reflexiono sobre los patrones de comportamiento en el ser humano, lo cotidiano y lo que toma lugar en la vida diaria, lo que percibimos y nos define como personas, nuestro lugar y misión en nuestro entorno. Mis preocupaciones y estética están inmersos en el presente, lo que refleja el cambio en mis imágenes. Este proceso me ayuda a organizar la realidad a través de la representación.

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Prizes / Fellowships

  • 2011: Primer Lugar – Artista menor de 30 años –III Salón Nacional del Grabado-, Banco G&T Continental, Guatemala, Guatemala.

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August 29, 2014 Andrea Canepa https://abstractioninaction.com/artists/andrea-canepa/
Translated from Spanish

In recent years, I have focused on the modern tendency of trying to simplify the complexity of the world with the aim to control that which escapes the limits of our understanding.

We tend to categorize, organize, and administer reality as if it was a set of and independent phenomena, creating a system that we take as natural.

My work stems from the alteration of the order in which information is presented. In some cases this modification uncovers some meanings that used to remain hidden under the imposition of a logic that assumes itself as the “correct one.” In others, by schematizing the information previously schematized, both synthesis systems cancel each other out and return mere forms and colors lacking any functionality.

Through my work, I hope to make evident that the regularity of the world obeys a set of rules that as such, they could have been different. In other words. I hope to point out that all logic of functionality, whatever it is, could be different and thus not necessary in itself.

 

En los últimos años, me he enfocado en la tendencia moderna a intentar simplificar la complejidad del mundo con miras a controlar aquello que escapa los límites de nuestro entendimiento.

Tendemos a categorizar, organizar y administrar la realidad como si se tratase de un conjunto de fenómenos aislados e independientes, creando un sistema que tomamos como natural.

Mi trabajo parte de la alteración del orden en el que la información es presentada. En algunos casos esta modificación libera ciertos significados que permanecían ocultos bajo la imposición de una lógica que se asume como “la correcta”. En otros, al esquematizar la información previamente esquematizada, ambos sistemas de síntesis se anulan entre sí, devolviéndonos meras formas y colores desprovistos de cualquier sentido funcional.

A través de mi obra, pretendo dar cuenta de que la regularidad del mundo obedece a un conjunto de reglas que, como tales, podrían haber sido distintas. En otras palabras, intento señalar que toda lógica de funcionamiento, sea como sea, podría ser diferente y, por lo tanto, no es necesaria en sí misma.

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Education / Training

Prizes / Fellowships

  • 2014: Premio Miquel Casablancas, Sant Andreu Contemporani, Barcelona, Spain.
  • 2014: Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, Comunidad de Madrid, Madrid, Spain.
  • 2013: Premio Generaciones, Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
  • 2013: Beca Endesa para Artes Plásticas, Fundación Endesa, Teruel, Spain.
  • 2012: Pasaporte para un artista (segundo puesto), Alianza Francesa y Embajada de Francia en el Perú, Lima, Peru.
  • 2011: Beca de Formación Pilar Juncosa i Sotheby’s, Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca, Spain.
  • 2010: Premio Swab de Dibujo, Feria de Arte Contemporáneo Swab, Barcelona, Spain.
  • 2008: Certamen Jóvenes Creadores, Ayuntamiento de Madrid, Madrid, Spain.
  • 2006: Valencia Crea, Ayuntamiento de Valencia, Valencia, Spain.

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August 8, 2014 Cristina Ghetti https://abstractioninaction.com/artists/cristina-ghetti/

I work with geometric abstraction, the goal of my work is both the interest in the re-contextualization of the foundational ideas of Abstraction, incorporating contaminations and re-appropriations, mostly of works of the 60’s.

I’m interested in points from concrete art, constructivism, kinetic and op art, permitting free transits and reconnections between forms and ideas belonging to different periods, traditions and categories in my own work.

Most of my work is a study in progress about perception, or better the boundaries between perception and reality, and art practice is an interesting field to study this condition.

I’m now centralized in the use of digital tools to materialize art pieces of different formats, I’m focused to an evolution of abstract ad kinetic art, with special mention of Op art. Interrelating: geometry, color, movement and sound, using the languages developed in the conceptual territory of abstraction, in the context of new technologies and new ways of producing/diffusing the art work.  My production had been mostly centered in painting and installation, but recently I began to incorporate new media in my work believing that it can emphasize concepts as immersive spaces, synesthesia, interactivity and participation, analyzing how these characteristics can enrich the conceptual dimensions of the art work.

I’m interested also in using programming from a visual and creative perspective exploring the results in art pieces. My paintings are generated first in the computer, then translated to traditional painting, I like to mix and play with media crossings. As an artist, I’m interested in the connection with other fields, I’m working in team projects with infomaticians and mathematicians.

I have a Master of visual arts and multimedia at the UPV, Polytechnic University Valencia, Spain, and I actually develop my doctoral thesis “Post Medial Geometry,” where I make a research about the development of new geometries in visual arts.

 
Traducido del inglés

Trabajo con abstracción geométrica. El objetivo de mi trabajo es el interés en la recontextualización de las ideas fundacionales del abstraccionismo, incorporando contaminaciones y reapropiaciones, en su mayoría obras de la década de los sesenta.

Me interesan puntos del arte concreto, constructivismo, cinetismo y arte Op que permitan libre tránsito y reconexiones entre ideas y formas pertenecientes a diferentes periodos, tradiciones y categorías en mi propia obra.

La mayoría de mi obra es un estudio en proceso sobre la percepción o mejor dicho, los límites entre la percepción y la realidad y la práctica artística es un campo interesante para estudiar esta condición.

Hoy en día me centro en el uso de herramientas digitales para materializar obras en distintos formatos. Me enfoco en la evolución del arte abstracto y cinético con una mención especial al arte Op, interrelacionando geometría, color, movimiento y sonido, usando los lenguajes desarrollados en el territorio conceptual de la abstracción, en el contexto de nuevas tecnologías y nuevas formas de producir y difundir la obra. Mi producción se centraliza en pintura e instalación, pero recientemente comencé a incorporar nuevos medios en mi obra, puesto que creo que puede enfatizar conceptos tales como espacios inmersivos, sinestesia, interactividad y participación analizando cómo éstas características pueden enriquecer las dimensiones conceptuales de la obra.

Me interesa también utilizar programación desde una perspectiva visual y creativa explorando los resultados en las obras. Mis pinturas son primero generadas en la computadora, luego traducidos a pintura tradicional, puesto que me gusta mezclar y jugar con los cruces de medios. Como artista, me interesa la conexión con otros campos y trabajo en proyectos de equipo con especialistas de informática y matemáticos.

Tengo una maestría en artes visuales y multimedios de la Universidad Politécnica de Valencia, España y actualmente me encuentro desarrollando mi tesis doctoral “Geometría post-medios” en la que investigo la evolución de nuevas geometrías en las artes visuales.

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August 4, 2014 Alberto Borea https://abstractioninaction.com/artists/alberto-borea/

My work is characterized by the continuous displacement and use of diverse media and materials. The openness towards these media helps me defining the development of an artistic proposal, where the object’s time and history take a fundamental importance within the plastic discourse.

I am interested in the relation between different cultures and histories, between the so-called center and its periphery.

The concepts related to ruins and progress are part of my interests as an artist.

Raised in Lima in the 80’s during the Peruvian civil war influenced my practice and my relation with the objects and their symbolism.

The position of distance about cultural, economic and social events constitute an important part in the process and execution of my projects.

I find myself attracted to the residues of civilization and in mapping and conceptualizing these materials for my work.

 

Mi trabajo se caracteriza por el uso y continuo desplazamiento de diversos medios y materiales. La apertura hacia estos medios, me ayuda a definir el desarrollo de una propuesta artística, en donde el tiempo y la historia del objeto cobran una importancia  fundamental en el discurso plástico y en su proceso.

Me interesa la  relación entre distintas culturas e historias, entre el llamado centro y la periferia. Los conceptos relacionados con la ruina y la promesa de la modernidad son algunos de los intereses conceptuales en mi práctica.

Haber vivido en Lima durante la guerra interna de los años ochenta ha influido en mi práctica como artista así como en mi relación con los objetos y sus simbolismos.

La posición de distancia ante fenómenos culturales y económicos constituye una parte importante en el proceso y en la ejecución de mis proyectos.

Estoy atraído por los residuos de la civilización y en la idea de mapear y resignificar estos objetos en mi trabajo.

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July 7, 2014 Carla Arocha & Stephane Schraenen https://abstractioninaction.com/artists/carla-arocha-stephane-schraenen/

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April 29, 2014 Paula de Solminihac https://abstractioninaction.com/artists/paula-de-solminihac/
Translated from Spanish

My work consists on procedures that investigate the space between territory and language.

This space, which is the moment prior to the separation between the printer and the printed, is a moment of impossible visibility.

To be able to work on that impossibility, I have used strategies that range from the subjective to the objective, resorting to words and maps as working systems within that area, always showing the inaccuracy that happens in the translation of a subjective field or as a simple phenomenon itself.

Since work is defined through an action, it is difficult to settle in one material or formal support. Nevertheless, there is a repertoire that reiterates through time to build in that space where drawings, body actions on raw and baked clay, and photographs, articulate relationships between the experiential field and its archive.

Work is understood as an action, as mediation, as education, and regulation of the shapeless clay or of the dispersed dirt—just as the origin myths of pottery declare—to shape it in the form of a vessel that will contain the food, which after the digestive process will end up where it started, producing a never ending topology where there is no other option than to make again and again.

 

Mi trabajo son procedimientos que indagan el espacio entre territorio y lenguaje.

Ese espacio, que también es un momento antes de la separación entre lo impresor y lo impreso, es un momento de visibilidad imposible.

Para trabajar esa imposibilidad he utilizado estrategias que van de lo subjetivo a lo objetivo, recurriendo habitualmente a las palabras y los mapas como sistemas de trabajo al interior de esa zona, siempre evidenciando la inexactitud que sucede en la traducción de un campo subjetivo o como simple fenómeno en sí.

Dado que el trabajo se define en una acción, es difícil establecerse en un soporte material o formal, sin embargo existe un repertorio reiterado en el tiempo para construir en ese espacio en donde dibujos, acciones corporales sobre la arcilla cruda y cocida y fotografías van articulando relaciones entre el campo experiencial y su archivo.

El trabajo es entendido como acción, como mediación, como educación y regulación del barro informe o de la tierra dispersa en todos lados, como dicen los mitos de origen de la alfarería, para modelarla en la forma de una vasija que contendrá el alimento que al terminar su proceso de digestión terminará en el punto donde comenzó produciéndose un sinfín topológico en donde no queda más que volver a hacer una y otra vez.

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April 7, 2014 Pia Camil https://abstractioninaction.com/artists/pia-camil/

Through my work I have shown a proclivity to failure or the decaying associated to the Mexican urban landscape, aspects of modernist culture and traces of art history. My practice has explored the urban ruin – including paintings and photographs of halted projects along Mexico’s highways (Highway Follies); abandoned billboards that become theatre-like backdrops therefore theatricalizing failed capitalist strategies (Espectaculares), or the problems and contradictions that arise when engaging with iconic art works (No A trío A or Cuadrado Negro).

 
Traducido del inglés

A través de mi obra he mostrado una proclividad al fracaso o a la decadencia asociada al paisaje urbano de México, aspectos de la cultura modernista y las huellas de la historia del arte. Mi práctica ha explorado la ruina urbana, incluyendo pinturas y fotografías de proyectos inconclusos a lo largo de las carreteras de México (Highway Follies), espectaculares abandonados que se convierten en telones de fondo teatrales, por tanto teatralizando estrategias capitalistas fracasadas (Espectaculares) o los problemas y contradicciones que surgen al abordar obras de arte icónicas (No A trío A or Cuadrado Negro).

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February 25, 2014 Bernardo Ortiz https://abstractioninaction.com/artists/bernardo-ortiz/
Translated from Spanish

Statement 5 of 12 (“Formalist”)

“My work aims to point out a fissure (or a void, or a distance) between the support—a page, a sheet of paper, a wall—and its content—a mark, two words, several stains, a color. From this viewpoint, the work seems like a snake that bites its own tail. If content affects the support, the latter returns to affect the content. As a general rule, the interventions on the support are always minimal—hard pencils that leave very delicate and almost invisible lines, very light papers, very thin layers of paint. In this sense, the “page” determines what can happen in it. It can be for example the contrast between the transparency of the paper and the opacity of gouache, the weight of oil or the density of enamel. At other times these can be slight differences between two identical drawings. For example, a drawing that says “He found happiness” next to one that says “He found A happiness.” The way in which some formal strategies can be used to say things. In this sense, they are literary drawings about paintings. Reproductions within pages.”

 

Statement No. 5 de 12 (“Formalista”)

“Mi trabajo busca señalar una grieta (o un vacío, o una distancia) entre un soporte –una página, una hoja de papel, una pared– y su contenido –un rayón, dos palabras, varias manchas, un color. Visto así, el trabajo parece una serpiente que se muerde la cola. Porque si el contenido afecta al soporte, este se devuelve afectando el contenido. Como regla general, las intervenciones sobre el soporte son casi siempre mínimas –Lápices muy duros que dejan líneas muy delgadas y casi invisibles, papeles muy livianos, capas muy delgadas de pintura. En ese sentido la “página” determina lo que pueda pasar en ella. Puede ser, por ejemplo, el contraste entre la transparencia del papel y la opacidad del gouache, el peso del óleo o la densidad del esmalte. Otras veces pueden ser pequeñas diferencias entre dos dibujos iguales. Por ejemplo: un dibujo que dice “He found happiness” (él encontró la felicidad) al lado de otro que dice “He found A happiness” (él encontró UNA felicidad). La manera en que ciertas estrategias formales pueden ser aprovechadas para decir cosas. En ese sentido son dibujos literarios acerca de pinturas. Reproducciones en páginas”.

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February 25, 2014 David Peña Lopera https://abstractioninaction.com/artists/david-pena-lopera/
Translated from Spanish

Through deliberately diverse media, such as sculpture, drawing, video, and programming, and through processes highly influenced in a logic particular from digital image and programming, his work seeks to question regimes of representation, information, and knowledge.

 

A través de medios deliberadamente variados, como la escultura, dibujo, video y programación, y procesos altamente influenciados por lógicas particulares de la imagen digital y la programación, su obra busca interrogar regímenes de representación, información y conocimiento.

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February 25, 2014 Leyla Cárdenas https://abstractioninaction.com/artists/leyla-cardenas/

Over the last years I’ve been developing a series of sculptural works that seek to investigate the layers that constitute and construct things and places. Relating directly to the physicality of the space as a point of departure. Using found objects and places that accumulate layers of information, containing what is particular from a place. The superficial skin becomes a profound path to explore and discover in each step the intersection of different experiences of time. (The historic time, material time, the time of everyday, and perhaps a more existential/psychological time that has to do with the duration of the experience.) The gesture is sculptural but without making sculpted objects; using destruction as a way of construction, allowing an engagement to a particular place and all the confluences and dimensions within. My work is site-responsive; it takes in consideration the architecture and the context of the surroundings, generating a layered outcome.

 
Traducido del inglés

A lo largo del tiempo he desarrollado una serie de trabajos escultóricos que buscan investigar las capas que constituyen y construyen las cosas y los lugares. Están relacionados directamente con la cualidad física del espacio como punto de partida. Usando objetos encontrados y lugares que acumulan capas de información, conteniendo las particularidades de cada lugar. La piel superficial se vuelve en un camino profundo para explorar y descubrir a cada paso el cruce de diferentes experiencias del tiempo (del tiempo histórico, tiempo material, tiempo cotidiano y quizá un tiempo más existencial y psicológico que está relacionado con la duración de la experiencia.) El gesto es escultórico pero sin realizar objetos; usando destrucción como una forma de construcción, permitiendo una interacción con un sitio particular y todas las confluencias y dimensiones del mismo. Mi obra responde al lugar y toma en consideración la arquitectura y el contexto de sus alrededores, generando un resultado con muchos niveles.

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February 19, 2014 John Mario Ortiz https://abstractioninaction.com/artists/john-mario-ortiz/
Translated from Spanish

My work is inspired by the contradictions of urban development and the growth of the city. It reflects on how these phenomena influence the relationships we have with spaces. I am interested in examining the influences of the process of architectural modernization in the shaping of particular ways of spatial perception.

Through a variety of mediums including installation, sculpture, photography, drawing, and video, my recent projects explore the ways architecture is conceived and projected, paying especial attention to the tools and systems of representation that are used for this purpose, and which strongly determine  the configuration and nature of the constructions. In these works, the mechanisms of projection are compared to real physical spaces, proposing new relationships, and translating abstract codes of representation to concrete physical spaces to discover tensions and discrepancies between these two instances, as well as reveal ideological implications that lie beneath.

 

Mi trabajo se nutre de las contradicciones del desarrollo urbano y del crecimiento de la ciudad. Reflexiona acerca de cómo estos fenómenos inciden en las relaciones que establecemos con los espacios. Me intereso por examinar las influencias del proceso de modernización arquitectónica en el moldeamiento de formas particulares de percepción espacial.

A través de un variado repertorio de medios que incluyen instalación, escultura, fotografía, dibujo y video, mis proyectos recientes investigan las formas como se concibe y proyecta la arquitectura, prestando especial atención a los instrumentos y sistemas de representación que se emplean para este fin, que determinan poderosamente la configuración y la naturaleza las construcciones. En estas obras se confrontan los mecanismos de proyección con los espacios físicos reales, proponiendo nuevas relaciones, y se traducen los códigos abstractos de representación a los espacios físicos concretos, para descubrir tensiones y discrepancias entre estas dos instancias, así como para develar implicaciones ideológicas que allí subyacen.

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February 19, 2014 G. T. Pellizzi https://abstractioninaction.com/artists/g-t-pellizzi/

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February 19, 2014 Rosario López Parra https://abstractioninaction.com/artists/rosario-lopez-parra/
Translated from Spanish

As a visual artist, I have been interested in combining landscape photography with sculptural installation, in order to explore nature and the eruption of the invisible forces which exist within it. In this sense, I have discovered that elements such as wind, gravity, or temperature, can transform in tangible sensations. Using photographs of structures placed in the landscape, and their installation in a gallery, I am able to visualize the invisible and create a sculptural space between the object, the spectator, and the exhibition space.

Influenced by Minimalism and Land Art, my work seeks to move away from these traditions to be able to understand political notions of territory and its transcendence, install it in the gallery space, and in this way approach a continuum between nature and the white cube; landscape and its representation.

I live and work in Bogotá where I have a studio since more than 15 years ago, and I also work as professor of sculpture at the Universidad Nacional de Colombia (Colombia’s National University).

 

Como artista plástica, me he interesado en combinar la fotografía del paisaje y la instalación escultórica, para explorar la naturaleza y la erupción de las fuerzas invisibles que existen dentro de ella. En este sentido, he descubierto que los elementos como el viento, la gravedad, o la temperatura pueden convertirse en sensaciones tangibles, utilizando la fotografía de estructuras emplazadas en el paisaje, y la instalación de éstas estructuras dentro de la galería, para visualizar lo invisible y crear un espacio escultórico entre el objeto, el espectador  y el espacio de exposición.
Influenciada por el Minimalismo y el Land Art, mi trabajo busca apartarse de estas tradiciones, para comprender nociones políticas del territorio y su trascendencia, e instaurarlo en el espacio de la galería y plantear de esta manera un continuum entre la naturaleza y el cubo blanco, el paisaje y su representación.

Vivo y trabajo en Bogotá, donde tengo mi estudio desde hace más de 15 años y también dicto clases como profesora de Escultura en la Universidad Nacional de Colombia.

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February 19, 2014 Macaparana https://abstractioninaction.com/artists/macaparana/

My process of working is always about the development of one idea that starts first from little annotations, observations, and drawings, and then sometimes suggests a series, a sequence of a thought, using the same elements in different ways—sometimes concerned with the use of color or just in black and white, showing the strength and balance of the forms. I always need to be connected to music… because music is one of the most important things to me. In order to develop ideas, to think about colors, and even to define the compositions; music is essential all the time, as I work or think about new possibilities.

The artist is thinking all the time… trying to solve problems. First, it’s a mental process, I need to solve or to look for the better way to solve it before I start working, using different supports such as paper, hardboard, wood, or metal.

 
Traducido del inglés

Mi proceso de trabajo siempre consiste en el desarrollo de una idea que comienza primero desde pequeñas anotaciones, observaciones y dibujos y luego sugiere una serie, una secuencia de pensamiento, usando los mismos elementos de maneras diferentes, algunas veces preocupado por el uso de color o sólo en blanco y negro, mostrando la fuerza y el balance de las formas. Siempre tengo que estar conectado con la música… porque la música es una de las cosas más importantes para mí. Para poder desarrollar ideas, pensar en colores y hasta para definir composiciones, la música es esencial todo el tiempo, mientras que pienso o trabajo en nuevas posibilidades.

El artista está pensando todo el tiempo… tratando de solucionar problemas. Primero es un proceso mental; necesito solucionar o buscar la mejor manera de solucionar antes de comenzar a trabajar, utilizando diferentes soportes como el papel, aglomerado, madera, o metal.

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February 19, 2014 Fidel Sclavo https://abstractioninaction.com/artists/fidel-sclavo/
Translated from Spanish

I have always aimed for my work to speak of that which grazes silence, but it is full of voices.

Sometimes imperceptible, in others, in a very low volume.

In a similar way to what happens with the beginning of homeopathy, the more subtle the dissolution is, the more intense its effect will be. The slighter the stimulus is, the more powerful the reaction will be.

A whisper tends to be more powerful than a scream. A small noise in the garden ends up scaring more than a grandiloquent thunder.

To focus there, where there appears to be nothing—and after some careful attention—turns out to be a territory filled of things that speak in a low voice.

As soon as they are perceived and appear, they cannot be silenced.

A great part of my work on paper is like letters that have not been read. They have been written in a language that we don’t recognize at a first glance.

A list of what stands still. A detailed index of that which doesn’t exist.

A meticulous catalogue of the impossible.

The group of papers—sometimes paper cutting, whit incisions, marked, or with perforations—ends up generating an alphabet. A grid more or less uniform or disperse, from which we can device an unusual calligraphic system, with cuneiform memories, a sheet of writing which we do not know how to decipher, but we know it is there, latent,  under those signs and that order that forms words, phrases, and full sentences. We can sense their existence beyond their apparent secrecy. A fragile Rosetta stone. A letter that we receive, ethereal, from another place, but we don’t know in which language it has been written.

And it waits there, still.

Apparently monochromatic from the lights and shadows resulting from the cuts and interventions on the paper, they generate countless hues and semitones within each color, which increase the sense of range of each sign not written out.

 

Siempre he intentado que mi obra hablase sobre eso que roza el silencio, pero está lleno de voces.

A veces, imperceptible. En otras ocasiones, a un volumen muy bajo.

De manera similar a lo que sucede con el principio de la homeopatía, cuanto más sutil es la disolución, más intenso su efecto. Cuanto más leve el estímulo, más poderosa la reacción.

El susurro suele ser más poderoso que el grito. Y el pequeño ruido en el jardín termina asustando mucho más que el trueno grandilocuente.

Hacer foco allí, donde parece que no hay nada, y -tras unos minutos de atención- pasa a ser un territorio repleto de cosas que hablan en voz baja.

Y una vez que son percibidas y aparecen, ya no se callan.

Gran parte de mi obra sobre papel son como cartas no leídas. Escritas en un idioma que no reconocemos a simple vista.

Una lista de lo que permanece quieto. Un pormenorizado índice de lo inexistente.

Un minucioso catálogo de lo imposible.

El conjunto de papeles, a veces calados, con incisiones, marcados o con perforaciones termina generando un alfabeto. Una grilla más o menos uniforme o dispersa, de la que puede adivinarse un inusual sistema caligráfico, con reminiscencias cuneiformes, una plancha de escritura. La cual no sabemos decodificar del todo, pero sabemos que está allí, latente, bajo esos signos y ese orden que forman palabras, frases y oraciones completas, de las que llegamos a intuir su existencia, más allá de su aparente hermetismo. Una piedra de Roseta frágil. Una carta que nos llega, etérea, desde algún lado, pero no sabemos el idioma en que ha sido escrita.

Y allí espera, quieta.

En su aparente monocromía, las luces y sombras resultantes de los calados e intervenciones sobre el papel, generan incontables matices y semitonos dentro de cada color, que amplían el rango y sentido de cada signo no escrito.

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February 19, 2014 KIRIN https://abstractioninaction.com/artists/kirin/

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February 19, 2014 Bernardo Corces https://abstractioninaction.com/artists/bernardo-corces/

Somewhere or maybe everywhere … without script, perhaps like many others, restricted by a minimum budget or better yet, not thinking about budgets.

I choose to work from what I find, from that others have left. The image starts as a riddle formulated between the places I live, things and materials collected.

Someone observes from beyond. Maybe is a neighbor who sees me under the bridge collecting cans, or the gaze of that who finds those objects in an exhibition gallery, evoking what flows under the bridge. Both cases are for me acts of survival.

I try to synchronize myself with places, to hear what the material proposes and follow the way marked by the circumstances. The image is always provisional. It works, but barely, just enough.

I insist on a premise. I am aware that something magical could be happening.

 

En algún lugar o tal vez en todas partes… sin guiones, quizás como tantos otros, condicionado por un presupuesto mínimo o mejor aún, sin pensar en presupuestos.

Elijo trabajar desde lo encontrado, con lo que otros han dejado. La imagen se inicia como un acertijo que formulo entre los lugares que habito, las cosas y materiales recolectados.

Más allá, alguien observa. Tal vez un vecino que me ve bajo el puente recogiendo unas latas, o es la mirada de quien encuentra en una sala de exposición esos objetos evocando lo que corre bajo el puente. Ambos casos son para mí un acto de supervivencia.

Procuro afinarme con los espacios, escuchar lo que el material propone y seguir el rumbo que marcan las circunstancias. La imagen es siempre provisional. Funciona pero apenas, sólo lo justo.

Insisto en una premisa. Estoy atento de que algo mágico pueda estar ocurriendo.

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February 19, 2014 Eduardo Santiere https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-santiere/
Translated from Spanish

I consider myself sensitive to human relations, to the context of society and the future, to the multiple possibilities of existence, to imagination, to music… all that surrounds me is present in my work, and in the moment of creation.

I do not seek preconceived images. I find them in my work process, enjoying from the sharpest and flashy trace to the most delicate and imperceptible detail, creating an intimate atmosphere between the viewer and the work.

I define the image of my drawings with these words:

Partes fragmentadas de un todo

Que define un futuro incierto

La desaparición del ser humano

Convirtiéndose en más automático, más nada, más ilusión.

 

Me considero sensible a las relaciones humanas, al contexto de la sociedad y del futuro; a las múltiples posibilidades de la existencia, a la imaginación, a la música… todo lo que me circunda incide en mi obra, en el momento creativo.

No busco imágenes preconcebidas. Las encuentro en mi proceso de trabajo, gozando desde el trazo más punzante y llamativo hasta el delicado detalle, imperceptible, creando una atmósfera intimista entre el observador y la obra.

Defino la imagen de mis dibujos con estas pocas palabras:

Fragmented parts of a whole

Which defines an uncertain future

Disappearance of the human being

Becoming more automatic, more nothing, more illusion.

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February 19, 2014 Georgina Santos https://abstractioninaction.com/artists/georgina-santos/
Translated from Spanish

My artistic production in the last few years is the result of working in local contexts.

This is part of a personal position that is derived of questions around artistic representation, the incidence which creative processes have in specific groups and the way in which artists are involved in different realities.

My work seeks to create micro-windows that can reflect concepts such as violence, neglect, resistance, memory, collectivity, or identity.

 

Mi producción artística de los últimos años es resultado del trabajo en contextos locales.

Esto forma parte de una postura personal que se deriva de cuestionamientos entorno a la representación artística, la incidencia que los procesos creativos tienen en grupos específicos y la manera en que los artistas se involucran con distintas realidades.

Mi trabajo busca crear micro ventanas que reflejen conceptos como violencia, abandono, resistencia, memoria, colectividad o identidad.

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February 19, 2014 Santiago Reyes Villaveces https://abstractioninaction.com/artists/santiago-reyes-villaveces/

My work responds to an inquiry, obsession, fascination, and pleasure for the structures, assemblages and dynamics that evidence the state of transitivity and precariousness that appeal to a state of temporal indetermination. The works are located on the limit of their completion and resting in a residual plane. The works—installations, sculptures, drawings and photographs—are characterized by notions of scale, volume, weight, gravity, surface, pressure, contention, resistance, verticality, horizontality, limit and depth, creating an intimate relation with the space, architecture, the spectator’s body and the temporality of the exhibition and the pieces.

The works transform, determine, modify, and interfere in the physical space in which they operate as well as the social, political, economic and historical space they inhabit and its possible modes of production, exhibition and circulation.

My work has an interest for allegorical procedures, link to the fragment, the ruin, history, memory, identity and the city. These concepts are articulated with the inquiry on the construction process, provisional, precarious, transitory, and unstable structures.

  

Mi trabajo responde a una investigación, obsesión, fascinación y placer por  las estructuras, ensamblajes y dinámicas que evidencian estados de transitoriedad y precariedad. Situados en el límite de un estado de finalización y un plano residual. Mediante instalaciones, esculturas, dibujos y fotografías, las obras desarrolladas se caracterizan por nociones  de  escala, volumen, peso, gravedad, superficie, presión, contención, resistencia vertical, horizontal, límite y profundidad, generando una íntima relación con el espacio, la arquitectura, el cuerpo del espectador y la temporalidad de las piezas y de su exhibición.

Las obras operan en el espacio físico transformándolo, determinándolo, modificándolo e interfiriendo; los efectos producidos por las obras en lo físico resuenan con los espacios sociales, políticos, económicos e históricos en los que residen y se posibilita la producción, exposición y circulación de la obras.

Mi trabajo parte del interés por procedimientos alegóricos, vinculados  al fragmento, la ruina, la historia, memoria, identidad y la ciudad. Estos conceptos se articulan con la reflexión sobre los procesos constructivos, estructuras provisionales, precarias, transitorias e inestables.

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February 19, 2014 Rodrigo Sassi https://abstractioninaction.com/artists/rodrigo-sassi/
Translated from Portuguese

My artistic trajectory is characterized by the developing and practice of urban interventions, where I experienced and used the city as support of action, analysis, and inspiration in my work. After this experience, I began a new body of work in which all my research on urban intervention transformed into an aesthetic and conceptual reference for a work developed at my studio, which is currently dedicated to tridimensional work.

My works are made from the repurposing of discarded materials by construction companies, and through the creative use of techniques from construction as well, I recreate forms of reinforced concrete that lose their structural function to create architectural drawings in space, contrasting the rigidity and rawness of their materials to give a false sense of lightness through its curves and turns. Apart from emphasizing contrasts between materiality and flexibility, the work brings forth the marks from past lives of the materials, thus the traces of a city that is in constant motion.

 

Minha trajetória artística é marcada pelo desenvolvimento e prática de intervenções urbanas, onde vivenciei e utilizei da cidade como suporte de atuação, reflexão e inspiração para meus trabalhos. Após esta experiência, iniciei uma nova produção, onde toda minha pesquisa até então realizada sobre intervenção urbana se transformou em referência estética e conceitual para um trabalho desenvolvido em atelier, atualmente dedicado à área tridimensional.

Minhas obras são feitas apartir do reaproveitamento de materiais descartados por construtoras e, através do uso imaginativo de técnicas também provenientes da construção civil, recrio formas de concreto armado que perdem sua usual função estrutural para criar desenhos arquitetônicos no espaço, contrapondo à rigidez e brutalidade de seus materiais a uma falsa sensação de leveza criada por suas curvas e balanços. Além de se caracterizar pelos contrapontos entre sua matéria e a flexibilidade adquirida, o trabalho traz consigo marcas das vidas passadas de seus materiais, consequentemente rastros de uma cidade que se encontra em constante movimento.

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February 19, 2014 Nicolás Lamas https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-lamas/

My work derives from the interest and mistrust in constructed perceptions, which are considered to belong to a “natural order” and constantly build our notion of truth through a systematized knowledge. Most of my questioning focuses on examining the models associated with scientific research and the constant pursuit of order, measure, and control of the laws that govern the perceptible world. Through different guidelines, I analyze the relationship established between knowledge and power, and how that bond ideologically determines the way we perceive, interpret, and interact with our environment. I am interested in the search for the gaps and cracks generated in specific relations between representation systems and the notion of an objective and indisputable reality. In order to exemplify the perceived inconsistencies, I carefully manipulate images, texts, sounds and other elements that are associated with capturing, interpreting and transmitting information. Through this, I attempt to somehow put into evidence relativity, malleability, and the level of indetermination in all of which we aim to comprehend by trying to search for an objective and definite truth.

 

Mi trabajo parte del interés y la desconfianza hacia las percepciones construidas de aquello que pertenece a un “orden natural” y modela nuestras certezas a través de un conocimiento sistematizado. Gran parte de mis cuestionamientos se centran en examinar los modelos asociados a la investigación científica y la constante búsqueda por ordenar, medir y controlar las leyes que gobiernan el mundo perceptible. A través de ciertas consideraciones, analizo la relación que se establece entre conocimiento y poder, y cómo ese vínculo determina ideológicamente nuestro modo de percibir, interpretar e interactuar con nuestro entorno. Busco brechas y fisuras en la relación que se genera entre distintos sistemas de representación y lo que intentamos definir como realidad. Como parte de este proceso, opto por la manipulación selectiva de imágenes, textos, sonidos y otros elementos asociados a la captura, interpretación y transmisión de información. Con ello, evidencio la relatividad, maleabilidad y grado de indeterminación en todo aquello que intentamos comprender al vincularnos racionalmente en busca de una verdad objetiva y definitiva.

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February 19, 2014 Nicolás Consuegra https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-consuegra/
Translated from Spanish

In about ten years of professional experience, I have been interested in different transcultural processes from which I intend to build paragons between the local knowledge of my Colombian context and how these face each other, validate, or are opposed to foreign cultural discourses and production.

In this period of time I have focused on developing projects in which I can combine my interests in installation, sculpture, and video, and how these artistic mediums can (and must) be understood contextually. I find pertinent to mention that I am drawn to recognize and study the breaks I find in artistic and cultural discourses as in the information that originates from different contexts as mine. Following this line of thought, I remember constantly Brazilian Oswaldo de Andrade and his ideas about “anthropophagy,” since we constantly devour what belongs to someone else so we can produce something new.

 

Durante algo más de diez años de ejercicio profesional, he estado interesado en diversos procesos transculturales con los cuales pretendo construir parangones entre los saberes locales de mi contexto colombiano y cómo estos se enfrentan, validan u oponen a discursos y producciones culturales foráneas.

En este período de tiempo me he concentrado en desarrollar proyectos en los que puedo combinar mis intereses en la instalación, la escultura y vídeo, y cómo estos términos artísticos pueden (y deben) ser entendidos contextualmente. Me parece pertinente mencionar que me siento muy atraído por reconocer y estudiar las fisuras que encuentro tanto en los discursos artísticos y culturales como en la información que proviene de contextos diferentes al propio. En este orden de ideas, recuerdo constantemente al brasilero Oswaldo de Andrade y sus ideas sobre la “antropofagia”, pues constantemente devoramos lo que es ajeno para producir algo nuevo.

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February 19, 2014 María Ezcurra https://abstractioninaction.com/artists/maria-ezcurra/
Translated from Spanish

In my work, I use textiles—basically clothing—in order to explore a series of social and personal stereotypes, as well as their relationship with specific cultural codes, by reviewing and reflecting on the current and complex normative structures which define us and from which we participate. A great part of my work involves an analysis on the physical, emotional and social restrictions that are associated with gender roles, in particular feminine stereotypes. With my work, I do not only play with the material and formal possibilities of textile, but I also explore the aesthetic, symbolic, and cultural values of garments, based on deconstruction, re-contextualization or re-aggrupation models which put in evidence the social expectations that they intend to exhibit or cover. Thus I want to make visible the complex and often contradictory relationships we have constructed between the social and the individual, protection and image, beauty and comfort, violence and indifference, men and women, and all the ambiguous intermediate qualities which constitute us but do not necessarily define us.

 

En mi trabajo uso textiles—básicamente ropa—para explorar una serie de estereotipos sociales y personales, así como su relación con ciertos códigos culturales, revisando y reflejando las complejas estructuras normativas actuales que nos definen y en la que todos participamos. Gran parte de mi obra implica una reflexión sobre las restricciones físicas, emocionales y sociales asociadas a roles de género, particularmente a los estereotipos femeninos. Con mis piezas no sólo juego con las posibilidades materiales y formales de los textiles, sino que exploro los valores estéticos, simbólicos y culturales de las prendas de vestir, basándome en procesos de deconstrucción, recontextualización o reagrupación que evidencian las expectativas sociales que intentan exhibir, o cubrir. Quiero evidenciar así las complejas, y a veces contradictorias, relaciones que hemos creado entre lo social y lo individual, la protección y la imagen, la belleza y la comodidad, la violencia y la indiferencia, los hombres y mujeres, y todas las ambiguas cualidades intermedias que sutilmente nos forman sin necesariamente definirnos.

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February 19, 2014 Jorge Pedro Núñez https://abstractioninaction.com/artists/jorge-pedro-nunez/
Translated from Spanish

I am interested in combining and juxtaposing different historical referents that derive from diverse places and times, and which coexist in an object.

My work is related to drawing, sculpture, and painting rom their more basic properties, such as material and form, but the materials I use are mostly objects from other activities. I use recognizable icons stemming from modern art history, in the creation of a work that goes through deconstruction and the relationship of objects and ideas that question the link between abstraction, history, and contemporaneity.

 

Estoy interesado en mezclar y superponer diferentes referentes históricos que provienen de lugares y épocas distintas que cohabitan en un objeto.

Mi trabajo es relativo al dibujo, la escultura y la pintura desde sus propiedades más elementales como el material y la forma, pero los materiales que utilizo son en gran parte objetos de otras actividades. Utilizo iconos reconocibles provenientes de la historia del arte moderno  para la concepción de una obra que pasa por la deconstrucción y la puesta en relación de objetos e ideas que cuestionan la relación entre abstracción, historia y contemporaneidad.

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February 19, 2014 Jaime Ruiz Otis (RUIZCYCLE) https://abstractioninaction.com/artists/ruizcycle/
Translated from Spanish

From a very young age, I’ve been attracted by abandoned construction sites, vacant lots, useless things, and the tracks or traces that persist without intention. In these places I have discovered and collected all kinds of things, without a specific purpose in mind. It is until this moment in which I develop this statement that I can trace the origin of my work as artist in these explorations and discoveries of my first years of life.

My first formal experience working with residues was as a worker at a recycling plant, in which I was in charge of handling toxic industrial residues. This activity originated my series Las sobras (the leftovers). This series is comprised by materials and elements taken from waste—meaning that they pass through a double process of selection because I recover them from all that is rejected by factories and then by the recyclers.

Until today, I find the process of looking in industrial waste containers or recyclers, strongly linked to archaic human practices, such as those of the first nomads that learned to recognize and collect fruit, plants, insects, and materials for their survival, in the different territories they walked and lived in.

The work of the scavengers is completely underestimated against the patterns of production, consumption and massive waste of contemporary capitalist societies, even though it is more necessary than ever.

I am amazed by the quantity and I am attracted by the vast variety of materials that I hazardously find in waste containers. The diversity, qualities, and malleability of these materials is what trigger ideas and forms, and which determine what types of supports, media, and compositions I must use. To me, waste is not garbage but an opportunity to explore artistically, finding the most adequate uses and functions within the unusual forms and characteristics that I find. This practice allows me to meditate about existence, life’s origin, and the micro and macro.

The processes that are related with the homogenization of certain forms of life and consumption, which we call civilization, and from which the world is built from molds that are more generic every time, are in fact derived from entropy, and they leave several traces and cosmic tails that I find fascinating. The DNA of things captivates me and keeps me alert, waiting for the next surprise, the next great archeological discovery.

  

Desde pequeño me han fascinado las construcciones abandonadas, los terrenos baldíos, las cosas inservibles, las huellas o rastros que persisten sin que nadie se lo hubiera propuesto. En estos lugares he descubierto y recolectado todo tipo de cosas sin un objetivo específico en mente. Es hasta ahora que desarrollo esta declaración que puedo trazar el origen de mi trabajo como artista en estas exploraciones y descubrimientos de los primeros años de mi vida.

Mi primera experiencia formal trabajando con residuos fue como empleado en una planta recicladora, como encargado de manejo de residuos industriales tóxicos. Fue esta actividad la que dio origen a mi serie Las sobras. Esta serie se compone de materiales y elementos tomados de entre los desperdicios —es decir pasan por un doble proceso de selección, pues los recupero de entre aquello rechazado primero por las maquiladoras y después por las recicladoras.

Hasta la fecha, encuentro el proceso de buscar en los contenedores de basura industrial o recicladoras fuertemente conectado con prácticas humanas arcaicas: como los primeros nómadas que aprendían a reconocer y recolectar frutos, hierbas, insectos y materiales, para su subsistencia, en los distintos territorios que recorrían y habitaban.

La labor de los pepenadores está completamente subestimada en nuestros días frente a los patrones de producción, consumo y desecho masivo de las sociedades capitalistas contemporáneas, a pesar de ser más necesaria que nunca.

Me asombra la cantidad y me atrae la amplia variedad de materiales que azarosamente voy encontrando en los contenedores de basura. La diversidad, cualidades y maleabilidad de los mismos materiales son los que me disparan ideas y formas, y los que determinan qué clase de soportes, medios y composiciones debo utilizar. Para mí los residuos no son desperdicios sino una oportunidad de explorar plásticamente, encontrando el uso y función más adecuados entre las inusitadas formas y características que descubro. Esta práctica me permite meditar sobre la existencia, el origen mismo de la vida, lo micro y lo macro.

Los procesos que llamamos civilización, relacionados con la homogenización de ciertas formas de vida y consumo,  donde el mundo se construye bajo moldes cada vez más genéricos deriva, en cambio, en la entropía y dejan una diversidad de rastros, huellas y estelas que me resultan fascinantes. El ADN de las cosas, eso es lo que me cautiva y me mantiene atento, dispuesto a la próxima sorpresa, al siguiente gran hallazgo arqueológico.

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February 19, 2014 Gabriel Acevedo Velarde https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-acevedo-velarde/

“In general, all I want is to find my own way of doing politics.”

 
Traducido del inglés

“En general, lo único que quiero es encontrar mi propia manera de hacer política”.

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February 19, 2014 Edwin Monsalve https://abstractioninaction.com/artists/edwin-monsalve/
Translated from Spanish

In this series of works I focus my gaze in a common object: wood in its different ways of display for sale, in specialized stores. If on one hand I establish relationships between the exact copy of the visual aspects in a wood ribbon; on the other hand I stay aware of the natural and/or artificial phenomena can reveal in time, which involves being able to understand this process on the particular characteristics of each material.

My aim is to establish a game with the mimesis principle: by choosing carefully a color, to which I apply many glazes to represent it once more, applying many retouches. Through this procedure I emphasize volumes and shadows, and simulate light reflections. After the result, I see how my painting transforms into something else, I conceive it as an abstraction derived from a figurative dimension. I change the perspective from which pictorial representation has traditionally worked to make figuration a paradox of abstraction, where the artificial looks “natural” and where camouflage confuses because albeit present, we cannot perceive it. In this game of values, painting dissolves the illusion of the pictorial space to construct an image that is more real than the original model.

 

En esta serie de obras centro mi mirada en un objeto común: la madera en sus diferentes formas de exhibición para la venta en lugares especializados. Si por un lado establezco relaciones entre la copia fiel de apariencias visuales que suceden en un listón de madera, por el otro, me mantengo atento a lo que los fenómenos naturales y/o artificiales puedan revelar con el paso del tiempo, lo que implica entender los efectos de este transcurso sobre las características particulares de cada material.

Me propongo establecer un juego con el principio de mimesis: al escoger minuciosamente un color, al que aplico sucesivas veladuras para volverlo a representar -nuevamente- aplicando sucesivos retoques. En este procedimiento acentúo volúmenes y sombras, y simulo reflejos de luz. Después del resultado veo como mi pintura se transforma en otra cosa, la concibo como que es abstracción que deriva de una dimensión figurativa; cambio la perspectiva en que tradicionalmente ha funcionado la representación pictórica figurativa para hacer de la figuración una paradoja con la abstracción, donde lo artificial parece “natural” y donde el camuflaje desconcierta porque además de estar ahí presente, no lo percibimos. En este juego de valores, la pintura disuelve la ilusión del espacio pictórico para construir una imagen más real que el modelo original.

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February 19, 2014 Chiara Banfi https://abstractioninaction.com/artists/chiara-banfi/

About the Artist

I always thought of sound, volume and rhythm breaking through boundaries and barriers in search for a place by looking for ways in which to visualize how this sound could be “seen” if it were traveling in a room, a body, or a garden.

My present work is about exploring sound structures in a sensorial manner, where I feel that music and nature come together in a type of code.  In my earlier work I would attempt to ‘draw’ sound as it traveled through an architectural space. Visually it could be compared to a plant or bindweed traveling through space as it searches for its direction.

Presently, I am working on deconstructing that what produces sound by separating its parts. For instance, as in a musical instrument: I separated the body of the guitar from the neck, the cords and the pick guard.

By expanding the body of the instrument to the proportion of our bodies I want to express the explosion of sound through color and form.  Through my extensive research of instruments and its components, I arrived at the LPs, and the beauty and meaning of its covers and sleeves.  My generation received the last drop of the LP’s industry and the memory of listening to my parent’s records while looking at the covers reminded me how the visual part was so important.

Thirty by thirty cm cover is a huge area to represent the sound that is there, and to me the LP was always an object of awe and desire.  In my most recent work, I presented the records and sleeves in frames to relate them to the golden age of the music industry—now found in Music Museums with their walls covered with the platinum and golden records suggesting the completion of an anachronistic ritual of our days of MP3, which involved a different relation between the body (hearing) and sound.

—

Siempre pensé en cómo el sonido, volumen y ritmo cortan los límites y las barreras en busca de un lugar; buscando maneras de visualizar cómo este sonido podría ser “visto” si viajase en un cuarto, un cuerpo, o un jardín.

Mi obra reciente aborda la exploración de estructuras de sonido de una manera sensorial, desde la que siento que la música y la naturaleza se unen en un tipo de código. En mi obra más temprana intenté “dibujar” el sonido a medida que avanzaba en el espacio y buscaba su dirección.

Hoy en día estoy trabajando en deconstruir aquello que produce sonido, separando sus partes. Por ejemplo, en un instrumento musical separé el cuerpo de la guitarra del mástil, las cuerdas y la caja protectora.

Al expandir el cuerpo del instrumento a la proporción de nuestros cuerpos, quiero expresar la explosión de sonido por medio del color y la forma. Mediante mi extensa investigación sobre los instrumentos y sus componentes, llegué a los LPs y la belleza y significado de sus portadas y cubiertas. Mi generación recibió la última gota de la industria de los LPs y la memoria de escuchar los álbumes de mis padres mientras que las portadas me recordaban la importancia de la parte visual.

Una portada de treinta por treinta centímetros es un área muy amplia para representar el sonido que está dentro y para mí el LP siempre fue un objeto de asombro y deseo. En mi obra más reciente presento los discos y carátulas en cuadros, para relacionarlos con la época de oro de la industria musical que ahora se encuentra en museos de música y sus muros cubiertos de los discos de platino y oro, sugiriendo el fin del ritual anacrónico de nuestros días del MP3, los cuales significaron una relación diferente entre el cuerpo (la acción de escuchar) y el sonido.

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February 19, 2014 Barbarita Cardozo https://abstractioninaction.com/artists/barbarita-cardozo/
Translated from Spanish

Since 2009, my work has focused on the study of Op and geometric art, mainly how haute couture houses and readymade brands appropriated these avant-gardes for the creation of fashion trends. My works begin with the appropriation of patterns found in magazines, books, and websites about fashion. These appropriations are presented in installations, paintings and collages, using not only art techniques but also materials and techniques from fashion design and graphic design, such as studs, leather, and cutting plotter.

Optical Power is a project, developed in black and white, in which I focused on Op Art, recontextualizing designs by Rudi Gernreich, Rei Kawakuro, and Pucci, among others.  In Geometría Pura Mente Consumista (Pure Geometry Consumerist Mind) I wanted to include geometric patterns designed by haute couture brands and multinational corporations, but as collages in die-cut leather, with studs or cut and sewn pieces. I am developing the most recent work with polyurethane paint and polyester, and continue to appropriate geometric patterns—but in this case, the patterns are combined as diptychs and polyptychs that are loaded with color and content.

 

Desde el 2009 mi trabajo se ha enfocado en estudiar el arte óptico y geométrico, principalmente como las casas de alta costura y las marcas readymade se apropian de estas vanguardias para la creación de tendencias de moda.  La creación de mis trabajos parte de la apropiación de patrones encontrados en revistas, libros y páginas web sobre moda.  Estas apropiaciones son presentadas en instalaciones, pinturas y collages, utilizando no solamente las técnicas propias del arte sino a su vez materiales y técnicas del diseño de moda y el diseño gráfico como taches, cueros y plotter de corte.

Optical Power es un proyecto que se desarrollo en blanco y negro y donde me enfoque en el arte óptico, recontextualizando diseños de Rudi Gernreich, Rei Kawakuro y Pucci entre otros.  En Geometría Pura Mente Consumista quise abarcar los patrones geométricos diseñados por casas de alta costura y marcas multinacionales pero trabajados a manera de collage en cueros troquelados, con taches o piezas recortadas y cosidas.  El trabajo más reciente lo estoy desarrollando con pinturas en poliuretano y poliéster donde sigo apropiándome de patrones geométricos pero esta vez estos patrones son conjugados a manera de dípticos y polípticos tomando una fuerza de color y contenido.

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February 19, 2014 Ana Belén Cantoni https://abstractioninaction.com/artists/ana-belen-cantoni/

The core of my work lies in the dichotomy between interior and exterior space. I explore the idea of the urban architectural space as a restraint, one that denies both the body and the landscape. Lately I’ve been analyzing how the monumentality and infinity of landscape can relate to our perceptions of the body. My installations are ephemeral; they are intricate and expansive constructions, impossible geometries that are meant to be broken.

 

La idea que anima mi trabajo se encuentra en la dicotomía entre espacio interior y exterior, así exploro la arquitectura urbana como una limitación que niega tanto el cuerpo como el paisaje. En mis proyectos más recientes he analizado cómo la monumentalidad y lo ilimitado del paisaje natural pueden relacionarse con nuestras percepciones del cuerpo. Mis instalaciones son efímeras; son intrincadas y expansivas construcciones, geometrías imposibles que habrán de romperse.

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February 19, 2014 Óscar Figueroa https://abstractioninaction.com/artists/oscar-figueroa/
Translated from Spanish

A constant in my work is the restlessness and questioning of the social constructs of identity; whether territorial, individual, or artistic. Within that framework, I try to interpret what aspects are traditional constructions and which ones are new forms of economic and cultural “colonization” in the context of “globalization,” which helps define the contemporary situation but that hides the huge inequalities of a world that, to paraphrase George Orwell, is much more global to some than others. Both (or more) fields coexist, are combined and overlapped without really defining the clarity of one possible answer. It is in this boundary where my motivations come to the surface.

 

Una constante en mi trabajo es la inquietud y el cuestionamiento por las construcciones sociales de identidad, ya sean territoriales, individuales o artísticas; dentro de este marco, tratar de descifrar qué aspectos son construcciones tradicionales y cuales son nuevas formas de “colonización”, tanto económica como cultural, en el entorno de la “globalización”, que sirve para caracterizar la situación contemporánea, pero que esconde las enormes desigualdades de un mundo que, parafraseando a George Orwell, es mucho más global para unos que para otros. Ambos ámbitos (o más) conviven, se mezclan y se contraponen sin realmente definir la claridad de una posible respuesta; y es en este linde donde se ponen a flote mis motivaciones.

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February 19, 2014 Silvana Lacarra https://abstractioninaction.com/artists/silvana-lacarra/
Translated from Spanish

Artistic practice exists in the antithesis of what is considered solid: it moves forward blindly without reaching its destination, or in the best case scenario, simulating arrivals, fragmenting destinies. Every material, exposed in the abstraction of the work itself, tells a triple meaning. First, the history of itself, revealed as material. Secondly, its history in and through the objects, where material is in itself and ceases to be simultaneously, without changing; and finally, its own history, which is inflected through its existence as part of an everyday that ignores it because it does not belong to it—our own fragility.

 

El trabajo artístico está en las antípodas de lo que se considera sólido: avanza a tientas sin llegar a destino o, en el mejor de los casos, simulando las llegadas, fragmentando los destinos. Todo material, expuesto en la abstracción de la obra misma, cuenta un triple sentido: en primer lugar, la historia de sí mismo, develado como materia; en segundo, su historia en y a través de los objetos, donde el material es sí mismo y deja de serlo, al mismo tiempo, sin cambiar materialmente; por último, su propia historia, la que se conjuga a través de su existencia como parte de una cotidianeidad que ignora porque no le pertenece: la fragilidad de nosotros todos.

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February 18, 2014 Adrián S. Bará https://abstractioninaction.com/artists/adrian-bara/
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My work, influenced by my formation as a filmmaker and the constant contact with architecture, make me incorporate elements such as abstraction, geometry, memory, light, shadow, the relationships that exist in the creation processes and interaction with life itself.

The process is part of the result within itself, which makes us discover places or questions that we would not make if it wasn’t for that constant search and experimentation of situations and experiences.

The way I materialize my ideas—photography, painting, sculpture and video.

Based on the concept in which the goal is in the process of creation more than in the result, I always seek to let myself be guided by accidents and the unknown, to be able to explore new ideas of expression and abstraction.

 

Mi trabajo, influenciado por una formación como cinematógrafo y el constante contacto con la arquitectura hacen que incorpore elementos como la abstracción, la geometría, la memoria, la luz, la sombra, la relación que existe en los procesos de creación e interacción con la vida misma.

El proceso es parte del resultado en sí mismo; aquel que hace que descubramos lugares o preguntas que no nos formularíamos si no fuera por esa constante búsqueda y experimentación de situaciones y experiencias.

Las forma en la que materializo mis ideas son: fotografía, pintura, escultura y video.

Basado en el concepto de que la meta está en el proceso de creación más que en el resultado, siempre busco dejarme llevar por los accidentes y lo desconocido para explorar nuevas ideas de expresión y abstracción.

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December 3, 2013 Adriana Minoliti https://abstractioninaction.com/artists/adriana-minoliti/
Translated from Spanish

My practice is the result of my interest in the eroticism and geometry manifested through painting and installation. My recent work has largely referenced the human body and gender conditions; abstract and geometrical representations of bodies are made with diverse materials such as paint, sand, plaster, wood, fake fruits and shampoo, and more traditional oil paints. A more inclusive vision of sexuality can change and improve the way we live. This has been made apparent through the contributions of Feminism and queer theory. This is also a space where I locate dialogues that are informative for my work. I play with gender pictorially, mixing spiritual values, historical appreciations, aesthetics and styles. I am interested in the anthropological importance of decoration as a process and in its application in objects, and I play with this by challenging fixed ideas and unconscious meaning. How does the mind sense the materials and shapes of things? Why do we make decisions in one way and not in another? Is there a place where these dualities are simultaneously possible? I transform everyday materials into something new, as in Manzanas [Apples] where geometric forms adorn fake plastic fruits. My work as a painter engages a diversity of formats and media, from easel painting and installation, to the organization of cultural projects and results of the relationships between artists. I have participated actively with artist collectives like as Kiosko De Artistas, and in projects of col-leagues, clinical workshops and research meetings. I co-founded PintorAs [Female Painters], a project that includes 20 women artists from Argentina. As a curator, I organized the exhibitions Rework and Figuras [Figures], as a way to collectively investigate answers to questions of that arise from my own work.

 

Mi práctica es el resultado de mi interés en el erotismo y la geometría, manifiesto a través de la pintura pero también en otros medios como instalación. Mi trabajo reciente en gran medida hace referencia al cuerpo humano y a condiciones de género: representaciones abstractas y geométricas hechas con diversos materiales tales como pintura, arena, yeso, madera, frutas falsas y champú, y óleos. Una visión más integradora de la sexualidad puede cambiar y mejorar la forma en que vivimos. Esto ha sido evidente a través de las contribuciones de las teorías feministas y queer. En estas contribuciones, encuentro diálogos que son nutritivos para mi trabajo y desarrollo. También interpeló el género pictórico, mezclando los valores espirituales, la apreciación histórica, estéticas y estilos. Estoy interesada en la importancia escondida de la decoración como un mecanismo y en su aplicación en objetos y dispositivos. Busco desafiar las ideas fijas y los significados inconscientes. ¿Cómo la mente percibe las materialidades y formas de las cosas que nos rodean? ¿Por qué asumimos esa percepción de una manera natural y no en otra dirección? ¿Hay un lugar donde lo dado como opuestos son al mismo tiempo posibles e iguales? Busco convertir materiales de uso cotidiano en algo nuevo, como en Manzanas donde las formas geométricas adornan falsos frutos de plástico. Mi trabajo como pintora involucra una diversidad de formatos, soportes y medios, desde la pintura de caballete y la instalación, a la organización de proyectos culturales, muestras, y las relaciones entre los artistas. Fui co-fundadora de PintorAs, un proyecto que incluye 20 artistas de Argentina. Como artista-curadora, también organicé las muestras Rework y Figuras, siendo una manera de investigar colectivamente las preguntas que surgen en mi proceso de obras.

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November 9, 2013 Elias Crespin https://abstractioninaction.com/artists/elias-crespin/

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November 8, 2013 Juan Sebastián Bruno https://abstractioninaction.com/artists/juan-sebastian-bruno/
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I am interested in processes, that what impulses action; movement. I seek minimal spaces to build an objectual, spatial, formal and conceptual structure. I search for the limit of abstraction, of meaning, of the relationship with references in order to assign new functions. The tools and objects that I use have a relation with a personal experience, where I had a good time, as minor as that moment may have been. Therefore they are objects that have an emotional charge, no matter that the mechanism of selection is perceived in the work but that the spectator can have empathy with these objects and sense time in them.

 

Me interesan los procesos, lo que impulsa una acción, los movimientos. Busco los espacios mínimos para armar una estructura, objetual, espacial, formal y conceptual. Busco el límite de la abstracción, del significado, de la relación con los referentes, para poder asignar nuevas funciones. Las herramientas y objetos que uso tienen relación con alguna experiencia personal, en donde la pasé bien, por más mínimo que haya sido ese momento. O sea que son objetos que tienen una carga afectiva, sin interesar que este mecanismo de selección se perciba en la obra, pero sí que el espectador pueda tener empatía con esos objetos, intuir un tiempo en ellos. Este tiempo en los objetos, su memoria emotiva, la tensión que se puede producir entra dos puntos. Uso, pedazos que nos dan una estructura, la voluptuosidad de la distancia y el modo en que esos elementos se relacionan para expresar ese proceso que todavía vincula al arte con la vida cotidiana. Entonces: abstracción, pura forma + la expresión y homenaje a los autores de los que estamos hechos + el peso de los detalles: las cosas que evocan recuerdos. Uno de los mecanismos de trabajo son los anclajes, los referentes y los tributos “a la manera de un adolescente que cuelga pósters en su cuarto” Me armo un playslist, una biblioteca mental de posibilidades, que se va actualizando, y con esas unidades generar nuevos grupos. Me gusta que el trabajo oscile entre el taller y la pantalla, y desde esa acción marcar varios recorridos.

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November 8, 2013 Emilio Chapela https://abstractioninaction.com/artists/emilio-chapela/

*This artist statement has been generated by a computer.

Emilio Chapela lives and works both in Mexico City and the Forgotten Realms of the Earth.  He works with the latest technology from Japan and China. His artistic practice is concerned with the development of a system that allows the operator to control various processes such as those used for conventional and unconventional methods to determine the relative importance of individualized factors. He also investigates the effect of increasing importance of the different methods used to identify the specific factors involved in the production and dissemination of a particular type of information. In such a way, he has worked with several different methods to determine how the various systems respond to the needs identified through their own resources. He has participated in shows both at galleries, museums and other cultural institutions, at places like the U.S. Geological Society of America and at the Museum of Modern Art in New York. He was awarded with the prestigiou award for gallantry in the field of public procurement and disposal. In 2010, he published his first book on the history of the world. In the near future, he will be showing his work at the National Institute of Technology and Information Ethics in Washington DC.

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  • Miscomunication: Baragouins, Giberish and Googledygook. 2008. Catálogo de Expoisición. Die Kurt Gödel Bibliothek. 2014. Ed. Sicomoro.

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November 8, 2013 Aníbal López A-1 53167 https://abstractioninaction.com/artists/anibal-lopez/
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My work consists in propose to people a way of thinking that with plans or without them could unveil doubts or solutions. I would like to open a discourse where we could discuss themes that could help us solve our lives as a community. Basically, my work consists of questions and perspectives about the world with projections to the future, where armed conflicts are kids’ toys, for children that have faith in living and not in hating (to live without hate). Without forgetting to judge the ones who have brought us to these poverty conditions and misinformation. I do not consider myself conceptual or minimalist, but utilitarian of these mediums, as a precise way of approaching concrete subjects without much paraphernalia.

 

Mi trabajo consiste en proponer a las personas una forma de pensamiento que, con planes o sin ellos, descubran dudas o soluciones. Me gustaría poder entablar un discurso donde podamos discutir temas que nos ayuden a solucionar nuestras vidas en comunidad. Básicamente mi trabajo radica en interrogantes y perspectivas de un mundo con proyecciones al futuro donde los conflictos armados sean de juguete sin para niños que tengan fe en vivir y no en odiar (vivir sin odio). Pero sin olvidar juzgar a los que nos han llevado a estos estados de pobreza y mala información. No me considero conceptual ni minimalista, sino utilitario estos medios como forma precisa de abarcar temas más concretos sin tanta parafernalia.

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November 7, 2013 Fabián Burgos https://abstractioninaction.com/artists/fabian-burgos/
Translated from Spanish

The expressive possibilities and the contact with material that oil painting give me, are essential in the construction of my geometric paintings. I can even subordinate some of my ideas to the impulses of the material, as if it had a conscience parallel to my state of will. In this delicate balance, straight lines, angles, spirals, curves, accumulations of dots, and wavelengths appear on the surface of the canvas. Many of these elements of composition that I transfer from the field of scientific representation to the field of art, help me define my interest on some concepts: truth/false, my relationship with Op Art, the movement of the gaze and perception, among others. As an example, Líneas paralelas (parallel lines) is one of the works that questions reality or at least it questions it as a convention. A painting of straight lines that because of tonality, contrast, and arrangement of the squares, they look curved. Can we say they are not? Empirically, they are not, but they are to our perception, and in this case, this is what prevails. Isn’t “truth” what we see? Does accuracy matter in art? I think, for example, in Albers and his theory of color. In the same way, the works from the series Velocidad (speed) are fragments of the light spectrum, which I multiply forward, backwards, up and down. In this way, we see some of the colors that are the same, differently. Geometry interests me in this sense too.

Back when I began to draw still lives as an academy student, the teachers told me not to draw figures but the spaces between them. In a way, this originated in me the seed of geometric abstraction. I would say I still have a fascination for the process of abstracting the invisible from the visible. Years later, contemporary geometric art means to me the same as always: the supremacy of the forms and the invisible spaces over naturalism. We give noise or silence to a form through composition, and it is from that place where we are committing our position or view of the world. In this sense, I like to understand art in the words of these two Argentinean poets, Olga Orozco: “Art is a reflection of the invisible;” and Léonidas Lamborghini: “Poetry is not the music of the soul but the silence of intelligence.” It is as if art and poetry would appear when there is nothing else to say. In this sense, subtraction also operates in my paintings as a tool that I use to define concepts.

In the works of the exhibition El amor probablemente, 2005, I used some names and icons of art (Jesús Soto, Morandi, and Bridget Riley, among others) as a possibility for a historical “dialogue”, but this dialogue, due to the density and imprint of the artists, could not be made through derivation, continuity or contribution without misinterpretation. In a way, I had to destroy those works to make reverence afterwards. In the historical evolution, “conversations” amongst contemporary artists of from different eras, were often of consolidation or continuity of their postulates. But when Soto saw Mondrian, he asked himself how to continue with painting from there, how to follow from the place Mondrian had left of, and when he remembered the light with silver white in the water reflections from the paintings by Reverón, he saw the possibility of incorporating movement to his paintings and developing the idea of a more optical art. What is relevant to me from this historical moment is the need of the artist of relating to his/her equals. En el amor… (in love…) I tried to make a work from the author’s self-consciousness, a sort of painting inside a painting. It was a hinge in my work, in the sense that I added to my formal relationship with science the concept of painting as a legacy, or as a more intense dialogue with previous movements, and especially with some artists. Subtraction then functioned more indispensably to continue these close relationships.

I remember a work by Soto that inspired such love from me to it that I had to become physically involved. It was a background with lines in black and white and in the front had black metal wires hanging. When one moved, the background also produced movement. Soto said that to give movement to a work he didn’t need a motor. I partially reproduced this work but omitted the wire and substituted the black lines from the background for blue and then ochre. In this way, and due to the ability of oil to keep the “breathing” of the color underneath, that a simple effect of movement was increased substantially. Even without Soto’s wires, the work did not stop its motion, meaning that I understood that they were not necessary for the purpose of going beyond the plane. This work, just as more recent ones, are which give me the guidelines and desire to work more intensively within geometry.

 

Las posibilidades expresivas y el contacto con la materia que me proporciona la pintura al óleo son móviles esenciales en la construcción de mis cuadros geométricos. Puedo incluso subordinar algunas de mis ideas a los caprichos de la materia, como si ésta tuviera una conciencia paralela a mi estado de voluntad. En este delgado equilibrio van apareciendo o desplazándose sobre la superficie de la tela: formas rectas, ángulos, espirales, vértices, acumulaciones de puntos, longitudes de onda. Muchos de ellos elementos de composición que mudo del campo de las representaciones científicas al de las artes y que me sirven para delinear mi interés sobre algunos conceptos: verdad/falsedad, mi relación con el Op art, desplazamiento de la mirada y de la percepción, entre otros. A modo de ejemplo, Líneas paralelas es uno de los cuadros que pone en duda la verdad o al menos la cuestiona como convención. Un cuadro de líneas rectas que por un tema de valor de los tonos, contraste y desplazamiento de los cuadrados, se ven curvas. ¿Acaso podemos decir que no lo son?, empíricamente no, pero para nuestra percepción sí, y en tal caso, aquí eso es lo que prima. ¿No es acaso “verdad” lo que vemos?; ¿importa la comprobación en el arte? Pienso en Albers y su teoría de color por ejemplo. Del mismo modo, los cuadros de la serie Velocidad son fragmentos del espectro lumínico que multiplico hacia adelante, hacia atrás, para arriba y para abajo; de esta manera algunos colores que son iguales los vemos diferentes. La geometría me interesa en ese sentido también.

Cuando de estudiante en la academia comencé a dibujar naturalezas muertas, los profesores me decían que dibujara no las figuras sino los espacios entre ellas, de alguna manera esto creó en mí el germen de la abstracción geométrica. Diría que me quedó cierta fascinación por el proceso de abstraer lo invisible de lo visible. Años después, el arte geométrico contemporáneo significa para mí lo mismo que siempre: la supremacía de las formas y los espacios invisibles por sobre el naturalismo. El ruido o silencio de una forma lo damos en la composición y ahí es que estamos comprometiendo nuestra posición o mirada frente al mundo. En este sentido me gusta entender el arte en las frases de estos  dos poetas argentinos; Olga Orozco: “El arte es el reflejo de lo invisible” y  Leónidas Lamborghini: “La poesía no es la música del alma sino el silencio de la inteligencia”. Es como si el arte y la poesía aparecieran cuando ya no hay nada más para decir. En este sentido la sustracción también opera en mis pinturas como una herramienta que utilizo para la definición de conceptos.

En los cuadros de la muestra El amor probablemente, 2005, utilicé algunos nombres e iconos del arte (Jesús Soto, Morandi, Bridget Riley, entre otros) como posibilidad hacia alguna forma de “diálogo” histórico, pero este diálogo, por la espesura y huella de estos artistas, no podía darlo a partir de una derivación, continuidad o aporte hacia ellos sin antes violentarlos. De alguna manera debía destruir esos cuadros para poder reverenciarme luego.  En el devenir histórico las “conversaciones” entre artistas contemporáneos o de diferentes épocas solían ser muchas veces de profundización o continuidad de sus postulados. Pero cuando Soto observó a Mondrian se preguntó cómo seguir con la pintura a partir de ahí, cómo seguir desde el punto que Mondrian la había dejado, y recordando los golpes de luz con blanco de plata en los reflejos del agua de las pinturas de Reverón, vio como posibilidad el incorporar movimiento a sus pinturas e ir desarrollando la idea hasta la aparición  de un arte más óptico. Lo importante para mí en este episodio histórico, es la necesidad del artista en relacionarse con sus pares. “En el amor…”  intenté hacer un trabajo más desde la autoconciencia del pintor, una suerte de pintura dentro de la pintura. Fue una bisagra para mis trabajos en el sentido que sumé a mi relación formal con la ciencia el concepto de pintura como un legado, o en tal caso como un diálogo más intenso con los movimientos anteriores y en particular con algunos artistas. La sustracción entonces, operó aquí de una manera indispensable para continuar esas estrechas relaciones.

Recuerdo una obra de Soto que despertó tal amor de mí hacia ella que debí involucrarme físicamente.  Era un fondo de rayas en blanco y negro y delante colgaban unas varillas negras de metal. Al moverse uno, en el fondo también se producía movimiento. Soto decía que para poner en movimiento la obra no necesitaba ningún motor. Reproduje parcialmente esa obra pero le suprimí las varillas y sustituí el negro de las líneas del fondo, primero con azul y luego una última mano de ocre; de esa manera y por esa capacidad que tiene el óleo de mantener la “respiración” del color de abajo, un simple efecto de movimiento fue potenciado sustancialmente. Aún sin las varillas de Soto, el cuadro no detenía su movimiento, es decir que advertí que no era necesario para lograr ese fin, ir más allá del plano. Este trabajo como otros más actuales en mi producción son los que me van dando las pautas y el deseo de trabajar con intensidad dentro de la geometría.

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November 7, 2013 Adán Vallecillo https://abstractioninaction.com/artists/adan-vallecillo/
Translated from Spanish

Painting to me exists as an extension beyond the space-time limits where I put to test anti-epistemological values that aim to question some essentialist posture of the symbolic domain. They are sets, or sometimes equations that arise from a deliberate economy of resources and studies that explore the consequences of modernity in the representation of identitarian images (for example Casta paintings from the 19th century), or the conceptual limits of the history of modernity itself.

 

Para mi existe la pintura como una extensión más de los límites espacio-temporales donde pongo a prueba valores contra-epistemológicos que buscan cuestionar algunas posturas esencialistas del dominio simbólico. Son escalas, a veces ecuaciones que surgen de una deliberada economía de recursos y estudios que exploran las consecuencias de la modernidad en la representación de imágenes identitarias, (como por ejemplo la pintura de castas del siglo XIX) o bien, los límites conceptuales de la historia misma de la  modernidad.

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November 7, 2013 Gala Berger https://abstractioninaction.com/artists/gala-berger/

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  • 2013: “Disponibilidad Arriesgada”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
  • 2012: “Atlas”, Hora del Té, Buenos Aires, Argentina.
  • 2011: “Pollo Frito”, Rayo Lazer, Buenos Aires, Argentina.
  • 2011: “La Tierra Permanece”, Jardín Oculto Galería, Buenos Aires, Argentina.

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  • 2013: “Des)afectos”, Biquini Wax, Mexico City.
  • 2013: “Sucursal”, Darling Foundry, Montreal, Canada.
  • 2013: “Casa”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
  • 2012: “Monstruo II”, La Fábrica, Buenos Aires, Argentina.

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November 7, 2013 Jorge de León https://abstractioninaction.com/artists/jorge-de-leon/
Translated from Spanish

My work relates to everyday life in the city, specifically of a city like Guatemala, which is considered to be one of the most dangerous in Latin America. I try to take the behavior of a society, portraying the everyday in different ways.

 

Mi trabajo está ligado a la vida diaria de la ciudad, específicamente de una ciudad como Guatemala, considerada una de las más peligrosas de América Latina. Trato de llevar el comportamiento de una sociedad, retratando de diferentes maneras la cotidianidad.

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November 7, 2013 Edgar Guzmanruiz https://abstractioninaction.com/artists/edgar-guzmanruiz/
Translated from Spanish

My site-specific works aim to create relationship bridges between art and architecture, where the architectural space is affected. The visitors relate to each other through works that alter the perception of “reality.” The interventions intersect, juxtapose, overflow, or are contained in the exhibition space.

Some have their origin in the display of a drawing or a painting in space. While some works are more related to the context of the place of exhibition, others seek a universal communication, beyond a specific culture. Present in my works is the constant use of few elements, an interest in shadow, void, absence, the passage of time, death. The most recent work explores from the visual arts to the geometric impossibility of relating parallel worlds through narratives.

 

Mis trabajos site-specific buscan construir puentes de relación entre Arte y Arquitectura, en donde el espacio arquitectónico es afectado. Los visitantes se relacionan entre sí a través de obras que alteran la percepción de “realidad”. Las intervenciones intersectan, se superponen, desbordan o son contenidas por el espacio de exhibición.

Algunas tienen su origen en el despliegue de un dibujo o una pintura en el espacio. Mientras unos trabajos están más ligados al contexto del lugar de exposición, otros buscan una comunicación universal, más allá una cultura específica. En mis obras se puede leer una constante en la utilización de pocos elementos, y el interés por la sombra, el vacío, la ausencia, las huellas del tiempo, la muerte. El trabajo más reciente explora desde las artes plásticas la imposibilidad geométrica de relacionar mundos paralelos a través de narrativas.

 

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November 6, 2013 Lucia Koch https://abstractioninaction.com/artists/lucia-koch/

The first works I made that I consider founded my practice, were interventions on domestic spaces, but always having the public space in the horizon. That’s why I work mostly on the skin of the buildings, on windows, doors, and skylights that allow air and light – that are the vital substances of places – to circulate and put in contact the interior and exterior. This practice later was extended to institutional spaces and I was always driven to be assimilated by the environment, in mimetic strategies that made me study the architectural elements and the specific contexts I worked on. My works interact with architecture, creating altered states of the places by using filters that operate on the ambient light, affecting also people who visit them, regularly or for the first time. Printing color gradients on translucent materials or perforating surfaces that are later installed on windows or skylights, or even building freestanding walls, I think of the materials I use as devices for communication between inside and outside or two people placed in both sides of them. Mathematical logic was my mother language, as a child participating in experimental pedagogic studies in the early seventies. And this influence appears in my works called Concrete Materials, presented at “Matemática Moderna” exhibition in 2005. They were combinatory exercises with sets of photographs of facade tiles, open to different configurations that presume other people playing and reorganizing them constantly. But later I could see that I was in fact more interested in a reaction to the universalism of Modern Mathematics brought by a new approach to knowledge in the field of Ethnoscience. My works are actually more connected to the practice than the theory of sets. The surfaces where I draw and cut patterns inspired in elements of popular architecture like cobogós and lattices are pieces that I call sets of spontaneous mathematics. Though my understanding of space is more topological than geometrical, more experienced than represented, still geometry plays an important role in my practice: cut out patterns geometrically generated organize the surfaces, and being transparent (in different degrees) they are a sort of matrix to the experience of seeing through them, and also interfere with the light coming through them and projected in the interior, creating a pattern of vibration different than the usual one. The works in the series Matematica Espontânea (Conjunto A, Conjunto Ecletico, Conjunto B, Conjunto Nacional, etc.), reuse patterns found in domestic or public spaces in the cities, inspired in ornamental elements used to provide ventilation and shade. These breeze blocks are called COBOGÓS and have a great importance in modernist architecture in Brazil, and because they were spread beyond the buildings designed by authors – found in every city – through them we can identify the singularity of Brazilian modernity and also the aspect of it that became popular and was assimilated by everybody. The social practices that deal with the cobogós surfaces as communication devices justify its existence and we can recognize also a sort of taste for patterns (it happens with tiles too), for surfaces that are organized with a mathematical logic, therefore an intelligent composition, that is conceived despite of the lack of formal education in that area that is also spread in Brazilian cities. So, it’s an architecture made by non-architects, mathematics made by non-mathematicians, a proof of the creative intelligence of the population, that relate to abstract compositions to make the permeable surface that put in contact inside and outside, private and public. These “screens” are also a kind of filter when you see the other side of the walls, and interfere in the visual perception of the world. Color is also an important thing, initially seen as an attribute of things, again in a very logical way of displaying and classifying, but gradually converted into a key to recreate atmospheres, by altering light with color filters. From the color “sentences” to the gradients where almost all colors are compressed, my works are sort of extracts (according to the dictionary: noun |ˈekˌstrakt| 2 a preparation containing the active ingredient of a substance in concentrated form) of color and light experienced in specific landscapes. In the Degradês, the image is reduced to a color transition printed with pigment on a translucent canvas, to be stretched and attached to an existent architectural structure, and backlit by a natural or artificial light source. The gradients are inserted in the landscape they refer too, in a strategy that would be mimetic if they were not so different in nature of the environment. They are also hard to be explained for the viewer that “bumps” into them since they are images that have no obvious function comparing to the other screens installed in the city: there are no signal, text or advertising. It’s more like something filling a gap that wasn’t evident before. And in some cases it becomes similar to an intervention made with Photoshop, which makes us see (and think of) the world as image again…

 
Traducido del inglés

Las primeras obras que produje, las cuales considero fundaron mi práctica, fueron intervenciones en espacios domésticos, pero siempre teniendo el espacio público en el horizonte. Es por eso  que casi siempre trabajo con la piel de los edificios, sobre ventanas, puertas y claraboyas que permiten entrar aire y luz, las substancias vitales de un lugar, para circular y poner en contacto el interior y el exterior. Esta práctica luego se extendió a los espacios institucionales y siempre procuré que mi obra fuera asimilada por el ambiente, en estrategias de mimetismo que me hicieron estudiar los elementos arquitectónicos y los contextos específicos en los cuales trabajaba. Mis obras interactúan con la arquitectura, creando estados alterados de los lugares al usar filtros que funcionan con la luz ambiental, afectando también a la gente que los vistita, regularmente o por primera vez. Imprimo degradaciones de color sobre materiales translúcidos o perforo superficies que son después montadas sobre ventanas o tragaluces, o hasta en muros independientes de edificios, y pienso en los materiales que utilizo como recursos de comunicación entre adentro y afuera o entre dos personas situadas en ambos lados de ellos. La lógica matemática fue mi lengua madre, como niña participé en estudios de pedagogía experimental a principios de los años setenta. Esta influencia aparece en mis obras tituladas Materiales concretos, presentadas en la exposición Matemática Moderna en 2005. Fueron ejercicios de combinación con agrupaciones de fotografías en azulejos de fachadas, abiertos a configuraciones diferentes que asumen que otra gente jugará con ellos y los reorganizará constantemente. Después me percaté de que estaba más interesada en la reacción al universalismo de la matemática moderna llevado a un nuevo acercamiento al conocimiento en el campo de la etnociencia. Mi trabajo está más ligado a la práctica que a la teoría de conjuntos. Las superficies donde dibujo y corto patrones inspirados en elementos de arquitectura popular como cobogós y celosías, son piezas que llamo agrupaciones de matemáticas espontáneas. A pesar de que mi conocimiento del espacio es más topológico que geométrico, más vivido que representado, la geometría aún juega un papel importante en mi práctica: patrones recortados generados geométricamente, organizan las superficies, y al ser transparentes en diferentes grados, son un tipo de matriz de la experiencia de ver a través de ellos y también interfieren con la luz que sale de ellos y se proyecta al interior, creando un patrón de vibración diferente del común. Las obras en la serie Matemática espontánea (Conjunto A, Conjunto Eclético, Conjunto B, Conjunto Nacional, etc.), reutilizan patrones encontrados en espacios domésticos o espacios públicos en las ciudades, inspirados en elementos ornamentales que se usan para ventilar o dar sombra. Estos bloques son llamados cobogós y son muy importantes dentro de la arquitectura moderna en Brasil, y puesto que fueron distribuidos más allá de los edificios diseñados por autores (presentes en todas las ciudades), por medio de ellos podemos identificar la singularidad de la modernidad brasileña y el aspecto que los hizo populares y ser asimilados por todo el mundo. Las prácticas sociales que consideran las superficies de los cobogós como dispositivos de comunicación justifican su existencia, y podemos reconocer también un tipo de gusto por los patrones (sucede con los azulejos también); por superficies que son organizadas con una lógica matemática, por lo tanto en una composición inteligente, que fue concebida a pesar de la carencia de educación formal en esta área tan diseminada en las ciudades de Brasil. Entonces esta es una arquitectura hecha no por arquitectos, matemáticas por no matemáticos, una prueba de la inteligencia creativa de la población que se relaciona con composiciones abstractas para hacer las superficies permeables que ponen en contacto lo interior con lo exterior, lo privado y lo público, Estas “rejillas” son también una especie de filtro cuando ves los otros lados de los muros e interfieren con la percepción visual del mundo. El color también es un elemento importante, inicialmente visto como un atributo, de nuevo en una manera lógica de desplegar y clasificar, pero gradualmente convertido en una llave para recrear atmósferas, al alterar la luz con filtros de colores. De los “enunciados” de color a los gradientes donde casi todos los colores son comprimidos, mis obras son como extractos (de acuerdo al diccionario: una preparación que contiene el ingrediente activo de una sustancia de forma concentrada) de color y luz percibida en paisajes específicos. En los Degradês, la imagen es reducida a una transición de color impresa con pigmento sobre un lienzo translúcido, que es tensada  y puesta sobre una estructura arquitectónica existente e iluminada por detrás por luz artificial o natural. Los gradientes son insertados en el paisaje al que hacen referencia, como estrategia de mimetización si no fueran tan diferentes del ambiente. También es difícil explicar al espectador que se encuentra con ellos, ya que son imágenes que no tienen obvia función comparados con las otras rejillas de la ciudad: no hay señales, texto o anuncios. Es más como una cosa que llena un vacío que no era antes visible. En algunos casos se vuelve similar a una intervención hecha con Photoshop, lo que nos hace ver (y pensar sobre) el mundo como una imagen de nueva cuenta…

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November 6, 2013 Marcius Galan https://abstractioninaction.com/artists/marcius-galan/

Most part of my work explores the metaphorical capacities of space and our relation to it through his wide- ranging practice which includes installation, sculpture, photography and video. Using abstract geometry to delineate the political and social implications of his chosen environments, deconstructing the codes of objects established through everyday use. Whilst these configurations are always executed with graphic simplicity, the works are in fact complex material experiments that interrogate the functions, limits and frontiers of space and by extension, the socio-political systems which reside therein.

 
Traducido del inglés

La mayor parte de mi obra explora las capacidades metafóricas el espacio y nuestra relación con él mediante la amplia práctica que incluye instalación, escultura, fotografía y video. Utilizando geometría abstracta para delinear las implicaciones sociales y políticas de ambientes elegidos, deconstruyendo los códigos de los objetos establecidos mediante el uso cotidiano. Pese a que estas configuraciones son siempre ejecutadas con gran simplicidad, estas obras son de hecho complejos experimentos materiales que interrogan las funciones, límites y fronteras del espacio, y por ende, los sistemas socio-políticos en los que residen.

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November 6, 2013 José Luis Landet https://abstractioninaction.com/artists/jose-luis-landet/
Translated from Spanish

I like to think of my studio as a laboratory, a place that allows work to be developed into an accumulative process of the graphic experience. Drawing is a way of thinking that makes connections between acquired concepts and executed forms. Far from representing concepts, I try to present them, shape them, and give them a new type of classification to designate them. The act of drawing connects mind with hand, oral language with the sense of touch. The shape might come close to a raw, primary, organic translation of the mind.

 

Me gusta pensar en mi estudio como un laboratorio, un lugar que permite que el trabajo que hago se desarrolle en un proceso acumulativo de la experiencia gráfica. El dibujo es una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas. Lejos de tratar de representar conceptos trato de presentarlos, darles una forma, un nuevo tipo de clasificación para designarlos. El acto de dibujar conecta la mente con la mano, el lenguaje oral con el tacto. La forma podría acercarse a una traducción cruda, primaria y orgánica  de la mente.

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November 5, 2013 Christian Camacho Reynoso https://abstractioninaction.com/artists/christian-camacho-reynoso/

Work occurs inside the intermittent activity conducted between things immediate and things suspended in thought: the familiar, the unknown and its eventual recombination. The employment of shifting materials and the recurrence of abstraction acts inside the practice as a reminder of all that persists only through relation: ideas which cannot be reflected upon without being translated, altered or negated. It is under these conditions that several aspects of the work are introduced; namely its particular use of the observer’s point of view, its relationship to a specific time of reading and the idea of a fragmentary expectation being the conduct in which the minor and the major activate their difference.

 
Traducido del inglés

El uso de materiales cambiantes y la recurrencia de la abstracción actúan dentro de la práctica como recordatorio de todo lo que persiste sólo por relaciones: ideas que no pueden reflejarse sin ser traducidas, alteradas o negadas. Es dentro de estas condiciones que muchos aspectos de la obra son introducidos; concretamente el uso particular del punto de vista del espectador, su relación con un tiempo específico de lectura y la idea de una expectativa fragmentaria como el conducto a través del cual lo menor y lo mayor activan su diferencia.

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November 5, 2013 Magdalena Fernández https://abstractioninaction.com/artists/magdalena-fernandez/
Translated from Spanish

A look to the past has allowed me to confirm that, intuitively, instability has been a common thread in my research; though it would seem not to be present in all the works I have produced, it always appears in different ways. There are pieces in which I work with a structural instability in it, which is caused by the various possibilities offered by the connections and the links, allowing to change the work into potential forms that are prepared for a possible transformation. In other works instability is more subtle, made through the visibility of the material, for example, through the light that can make a work invisible in front of the spectator. In the last decade, with video, I have been able to introduce sound as a breaking element. Video has also given me the possibility to work with temporary nature. I believe instability refers to movement, break, or something that is ready for a possible transformation. When I work, I do so from “being with” and not from “going to.” I believe this has eliminated projection to the future and has turned the work more timeless, losing with this some historicity, and causing that the work would not be another place in a line. This “being with” is what opens the door to the world, to nature, and allows me, suddenly, to imagine a Mondrian in motion when I see a macaw or I listen to the rain.

 

Una mirada hacia atrás me ha permitido constatar que, intuitivamente, la inestabilidad ha sido un hilo conductor de mi investigación; a pesar de que pareciera no estar presente en la totalidad de las piezas que he hecho, siempre aparece de distintas maneras: hay obras en las que trabajo con una inestabilidad estructural propiamente dicha, la cual está dada por las distintas posibilidades que ofrecen las conexiones, los vínculos, y que logran convertir las obras en formas potenciales que se presentan dispuestas a una posible transformación; en otras obras la inestabilidad es elaborada más sutilmente, a través de la visibilidad del material; por ejemplo, gracias a la luz que puede hasta hacer desaparecer una pieza ante el observador; y en la última década,  con el  video, he podido introducir el sonido como elemento de quiebre. El video me ha dado, además, la posibilidad de trabajar la temporalidad. Creo que la inestabilidad habla del movimiento, del quiebre o de algo que está listo para una posible transformación. Cuando trabajo lo hago desde un “estar con”, y no de  “ir hacia”, siento que eso ha restado la orientación a futuro y ha vuelto el trabajo más atemporal; perdiendo con esto algo de historicidad, haciendo que el trabajo no sea únicamente  un lugar más en una línea. Ese “estar con” es el que abre la puerta al mundo, a la naturaleza;  y me permite, de pronto, imaginarme un Mondrian en movimiento cuando veo una guacamaya o escucho la lluvia.

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November 5, 2013 Thomas Glassford https://abstractioninaction.com/artists/thomas-glassford/

Extract from “A Touch of Anguish (or two peas in a pod and a self-serving gourd). A Conversation Bewteen Manuel Hernández, Cuauhtémoc Medina & Thomas Glassford,” In: Cádaver Exquisitio: Thomas Glassford, Universidad Nacional Autónoma de Mexico, 2006 (…) The work relates to questioning beauty, lowering itself to the banal and simplistic, which really is the issue of taste because beauty is simply a word based on fashion and the dictates of fashion. In case of art, it’s connected to collecting. For example, I collect containers made from bull’s scrota. As a collector of objects, I try to deal with banality and take it a step backwards from the personal –from corporeal provocation. When, for example, I see and Aster, obviously speaking in respect to sterility in this extreme, for me it’s related to the gourd. (…) I’m into the surface texture and wear of everyday street life, the influence it has on society, how it becomes a passing image in time, the aspect of its defacing one’s contemporary positioning or historic presence. If one waits long enough, what seems defacing becomes classic. (…) Art is a code or a way of encoding these kinds of anguishing thoughts. There isn’t a day when we can stop thinking about art since there isn’t a day when we can stop thinking about the wrinkle that keeps growing –the one we hadn’t noticed before- or about the spot we’re in or the breakdown we’re feeling, about the anguish of realizing we’re forty-something years old.”

 
Traducido del inglés

Fragmento de “A Touch of Anguish (or two peas in a pod and a self-serving gourd). A Conversation Bewteen Manuel Hernández, Cuauhtémoc Medina & Thomas Glassford,” en: Cádaver Exquisitio: Thomas Glassford, Universidad Nacional Autónoma de Mexico, 2006 (…) La obra se relaciona con la cuestión de la belleza, rebajándose a lo banal y simplista, que es en realidad un problema de gusto porque la belleza es simplemente una palabra basada en la moda y lo que ésta dicta. En el caso del arte está ligada al coleccionismo. Por ejemplo, yo colecciono contenedores hechos de genitales de toro. Como coleccionista de objetos, intento considerar la banalidad y dar un paso atrás desde lo personal, desde la provocación corpórea. Cuando veo por ejemplo Aster, obviamente hablando sobre la esterilidad en este extremo, para mí está relacionada con el guaje. (…) Me interesan las texturas de las superficies y el deterioro de la vida urbana cotidiana, la influencia que tiene en la sociedad, cómo se convierte en una imagen que pasa en el tiempo, el aspecto de vandalizar nuestra postura contemporánea o presencia histórica. Si uno espera lo suficiente, lo que parece vandalizado se vuelve clásico (…) El arte es un código o una manera de codificar estas ansiedades. No hay día en el que dejemos de pensar sobre el arte porque no hay un día en el que dejemos de pensar en la arruga que sigue creciendo, la que no habíamos notado antes, o en el lugar en el que estamos o en la crisis que sentimos sobre la angustia de darnos cuenta que tenemos cuarenta y tantos años”.

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November 5, 2013 Fernando Carbajal https://abstractioninaction.com/artists/fernando-carbajal/

My work is a platform of investigation where four lines of work converge. Arriving from different reflections on the idea of production and artistic product, I develop a personal questionnaire to resolve through concepts characteristic of art, beyond supports or specific media. The work begins years before its exhibition under a rigorous daily process –quotidian-­‐ where text and image start to determine the path of apparition of the object and, above all, a recognition of how far to go, so that both the construction process as well as the moments that follow the work: exhibit, documentation, collection, are conducive to a latent state of conditions. The first line of work then, runs and traverses over an Arbeit Journal (workbook) that is usually a container of written poetic acts, preparation drawings, synoptical paintings and new glossaries. In my work there is an interest in the belief that “The syntax is a quality of the soul”, as Paul Valéry said, so it substantially asks not a reading from the possible spectator, but a kind of co-­‐ responsibility from its own substance. My second and third lines to investigate are extremely formal, conceptual and plastic determinants from materiality and the inherent boundaries of each substance used. I try to meditate about sculpture, painting, drawing and photography from their humanistic affiliation, from its undeniable quality as anthropological links; which is why my work is a kind of tracking, punctual, specific, not of art history, but of gaps where, although special circumstances exist, an inexplicable and elusive emptiness evidences a human potential almost lost, forgotten. In these moments of rupture, these breaks on the folded surface of time and space are axes of my personal network, which has been formed 12 years ago. It allows me not only a congruent and organic structure between each work, but it favors territories mainly unique and close to my own entity. Around the idea of painting and sculpture, for example, the raw materials gesticulate their own resonance; they limit the scope of form that the tooling and hand dissect, while the drawing is that possibility of looking at what one desires, almost immediately, almost simultaneously to the desire, like photography. The last line of investigation is the one that defines the links. My work is a field of action for the spectator, an observatory, an inventory. The work is not hermetic but neither immediate. Requires and is required, softens up when seen, solidifies itself at the sight. In the meantime (sway), my interest is to proliferate –more than to explain-­‐ an interest for the questions. Try to make the spectator believe that we surely inhabit an enormous and indecipherable question, and as beings from that realm, we converse through questions, and not through answers, with things. This correspondence and exchange could explain the diversity of appearances in my work. It is not a reflex of a pretentious question. It is evidence of the simplest question that we haven’t been able to formulate. The art work, for me, is that one presence whose origin never distorts its aim, and whose aim extols every moment of its origin. It is my way to have a discussion and to generate bonds from small questions for a more and more extensive listing of answers

 

Mi obra es una plataforma de investigación en donde convergen cuatro líneas de trabajo. A partir de distintas reflexiones en torno a la idea de producción y producto artístico, desarrollo un interrogatorio personal a resolver mediante los conceptos propios del arte, más allá de soportes o medios específicos. El trabajo comienza años antes de su exhibición bajo un riguroso proceso diario –cotidiano-­‐ en donde texto e imágenes comienzan a determinar la ruta de aparición del objeto y, sobretodo, un reconocimiento de hasta dónde ha de detenerse, para que tanto proceso constructivo como los momentos que la a obra suceden: exhibición, documentación, coleccionismo, propicien un estado latente de condiciones. La primera línea de trabajo entonces, corre y atraviesa sobre un Arbeit Journal (libro de trabajo), que usualmente es contenedor de actos poéticos escritos, dibujos preparatorios, cuadros sinópticos y glosarios nuevos. En mi obra existe un interés en la creencia de que “La sintaxis es una cualidad del alma”, según Paul Valéry, por lo que sustancialmente solicita no una lectura del espectador posible, sino una especie de co-­‐responsabilidad desde su propia sustancia. Mi segunda y tercera línea a investigar son sumamente formales, determinantes conceptuales y plásticas a partir de la materialidad y los alcances propios de cada sustancia a utilizar. Intento reflexionar acerca de la escultura, la pintura, el dibujo y la fotografía desde su afiliación humanística, desde su innegable cualidad de eslabón antropológico; por ello, mi obra es una clase de rastreo, puntual, específico, no de la historia del arte, sino de las brechas en donde, si bien existen circunstancias particulares, un vacío inexplicable e inasible evidencia un potencial humano casi perdido, olvidado. Esos momentos de ruptura, esos quiebres sobre la superficie plegada del tiempo y el espacio, son ejes de mi red personal, que se ha venido conformando desde hace 12 años. Me permite no sólo una estructuración congruente y orgánica entre cada obra, sino que propicia territorios mayormente únicos y apegados a mi propia entidad. En torno a la idea de pintura y escultura, por ejemplo, las materias primas gesticulan su propia resonancia, delimitan en sí los alcances de la forma, que el herramental y la mano disecan, mientras que el dibujo es aquella posibilidad de mirar lo que se desea, casi inmediatamente, casi simultáneo al deseo, como la fotografía. La última línea de investigación es la que define: los vínculos. Mi obra es un campo de acción para el espectador, un observatorio, un inventario. No es una obra hermética pero tampoco inmediata. Exige y es exigida, se reblandece al ser vista, se solidifica en la mirada. En ese intervalo (vaivén), mi interés es el de contagiar -­‐más que explicar-­‐ el interés por las preguntas. Hacer creer que seguramente habitamos una pregunta enorme e indescifrable, y que como seres de ese paraje, dialogamos a través de preguntas, y no de respuestas, con las cosas. Esa correspondencia e intercambio podría explicar la diversidad de apariencias de mi trabajo. No es un reflejo de una respuesta pretenciosa. Es una evidencia de la pregunta más simple que no hemos sabido formular. La obra de arte para mí es aquella presencia que nunca tergiversa su fin, y cuyo fin enaltece cada momento de su origen

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November 2, 2013 Juane Odriozola https://abstractioninaction.com/artists/juane-odriozola/

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October 31, 2013 Horacio Zabala https://abstractioninaction.com/artists/horacio-zabala/

Translated from Spanish

Art is the world for a second time.

 

El arte es el mundo por segunda vez.

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October 16, 2013 Sergio Vega https://abstractioninaction.com/artists/sergio-vega/

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October 16, 2013 Fernando Uhía https://abstractioninaction.com/artists/fernando-uhia/

Translated from Spanish

For more than two decades I have tried to work (in negative), to make art that functions as a cleaning and disinfecting machine for a specially decadent version of Colombian rhetoric, a (blind) rhetoric that puts its loquaciousness at the service of foreign spaces that are dreamed, greco-latin, invisible, plagued with artists unable to get involved in the urgent need to modernize not only political and cultural institutions but also the general view of the nation. For this, the abstract appearance is useful, as well as the massive subjugation, since they place the spectator in front of materials and visual events that are concrete and unlimited. From tempered rubber on stretchers, passing through appropriations of famous modern artists, seasoned by infamous rhetoric, to drippings immersed in ultra-shinny Formica; the machine works at great speed while it leaves highly-visual restudies in a country submerged in the false illusion of an idealized poetic past, depressingly conservative. I oppose consciously and advantageously to the (poetically) anachronic national perception, systems of production that are prosaic and superficial.

 

Por más de dos décadas años he intentado trabajar <>, hacer  un arte que funcione como una máquina limpiadora y desinfectante para  una versión especialmente decadente de la retórica colombiana, una retórica <> que pone su verborrea al servicio de lugares ajenos, soñados, grecolatinos, invisibles, plagados de artistas incapaces de involucrarse en la urgente necesidad de modernizar tanto las instituciones políticas y culturales así como la visualidad general de la nación. Para esta labor es útil la apariencia abstracta y el avasallamiento por cantidad, pues ponen al espectador frente a materiales y hechos plásticos concretos e ilimitados. Desde hules templados en bastidores, pasando por apropiaciones de famosos modernistas, condimentados de la infame retórica, hasta chorreaduras inmersas en Formicas ultra brillantes, la máquina trabaja a gran velocidad mientras va dejando residuos altamente visuales en un país hundido en la falsa ilusión de un pasado poético idealizado, deprimentemente conservador. A una percepción nacional anacrónicamente <<poética>> le opongo consciente y alevosamente sistemas de hacer prosaicos y superficiales.

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October 16, 2013 Eduardo Stupía https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-stupia/

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October 16, 2013 Mariángeles Soto-Díaz https://abstractioninaction.com/artists/mariangeles-soto-diaz/

Most of my work has implicit connections to my native country, Venezuela, where oil production made the promise of modernism more tangible, and its failure more poignant, than elsewhere in Latin America. I ruminate on the future of abstraction while glancing back at Venezuela’s collapsed modernist project – its chromatic remains – through the fracturing prism of contemporary conditions. I use the language of abstraction as a way to materialize and connect ideas. Conceiving abstraction as the critical and poetic language of potential allows me to pierce the detached geometries of ordering structures, making them responsive and more pliable. I work with paint, paper, ink, slides, spices, felt and vinyl. But my favored material is paradox: the promise and perils of utopian abstraction, political formalisms, universal specificities, and the underlying order of chaos.

 

La mayor parte de mi trabajo tiene conexiones implícitas con mi país natal, Venezuela, donde la producción de petróleo hizo la promesa de la modernidad más tangible, y su fracaso más doloroso, que en otras partes de América Latina. Yo exploro el futuro a través de la abstracción, a su vez miro el pasado, estudiando el colapsado proyecto modernista de Venezuela – sus restos cromáticos – a través del prisma de la fractura de las condiciones contemporáneas. Uso el lenguaje de la abstracción como una forma de materializar y conectar ideas. Concebir la abstracción como lenguaje de crítica y poética de un potencial me permite perforar las geometrías de las estructuras adosadas y llevarlas hacia algo más sensible y más flexible. Trabajo con la pintura, el papel, la tinta, las diapositivas, las especias, el fieltro y vinilo. Pero mi materia favorita es la paradoja: la promesa y los peligros de la abstracción utópica, formalismos políticos, las especificidades universales, y el orden que ya subyace al caos.

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October 16, 2013 Osvaldo Romberg https://abstractioninaction.com/artists/osvaldo-romberg/

Art to Art. Life to Life
Osvaldo Romberg. 
The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 Art begins when life is not enough. In modern culture the acceptance of death signifies the loss of connection with the infinite. It is in this area of thinking, in the loss of the infinite, that art gives relief and new hopes for spirituality. Art makes evident (and occasionally succeeds in resolving) the conflict between being and integrating with the world. This is a dilemma which religion can no longer address.
 All the religions of the world are narratives. In these narratives are implicit mythologies and explanations which help people to survive the panic of death and solitude. In the past, art merely rearticulated these narratives. In recent years, however, I have observed that art is replacing religion by raising its own issues of morality, identity, mortality, and transcendence. Art used to be the illustration of the metaphysical. It has now become the metaphysical itself. The vitality and dynamism of contemporary art challenges religions ability to face the relevant issues at the end of the millennium: artificiality, reproduction of the species, and equality. Paraphrasing Martin Heidegger, we can say that the authentic dialogue with the art of an artist is artistic, as opposed to critical. There is no artistic dialogue between artists and those who do not believe in the power of art to contain essential truths. Art can be viewed as an antidote to the static and paralyzing force of religion in a post-capitalist, globalist era. The idea of art as a regenerative activity is described in The Glass Bead Game by Hermann Hesse, which I read in my adolescence. The book is about the translation of all information systems and human knowledge into one code, The Game. Once you enter this universal language, you can integrate all aspects of human experience. Marcel Duchamp is the “Magister Ludi.” Art today can surpass the two pervasive theories confronting our post-capitalist world: the pseudo-democratic relativism of postmodernism vs. the oppressive dictatorship of fundamentalism. Referring to The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even, in a 1966 interview with Pierre Cabanne, Duchamp said, “… I almost never put any calculations into the Large Glass. Simply, I thought of the idea of a projection, of an invisible fourth dimension, something you couldn’t see with your eyes.” Is this not the domain of the divine?

 
Traducido del inglés

El arte al arte, la vida a la vida. Osvaldo Romberg.
 The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 El arte comienza cuando la vida no es suficiente. En la cultura moderna, la aceptación de la muerte significa la pérdida de la conexión con lo infinito. Es dentro de esta área de pensamiento, en la pérdida de lo infinito, que el arte da alivio y nuevas esperanzas para una espiritualidad. El arte hace evidente (y en ocasiones tiene éxito en resolver) el conflicto entre ser e integrarse con el mundo. Este es un dilema que la religión no puede abordar. Todas las religiones del mundo son narrativas. En estas narrativas, mitologías y explicaciones que ayudan a la gente a sobrevivir el pánico de la muerte y la soledad se hacen implícitas. En el pasado, el arte simplemente expresaba estas narrativas.  En años recientes, sin embargo, he observado que el arte está reemplazando a la religión al manifestar sus propios problemas de moralidad, identidad, mortalidad y trascendencia. El arte solía ser la ilustración de lo metafísico. Hoy en día se ha vuelto lo metafísico. La vitalidad y el dinamismo del arte contemporáneo cuestionan la capacidad de la religión de enfrentar los temas del fin del milenio: artificialidad, reproducción de las especies, e igualdad. Parafraseando a Martin Heidegger, podemos decir que el diálogo auténtico con el arte de un artista es artístico, a diferencia de crítico. No existe un diálogo artístico entre los artistas y aquellos que no creen en el poder del arte de contener estas verdades esenciales. El arte puede ser visto como antídoto a la fuerza estática y paralizante de la religión en la era post-capitalista y global. La idea del arte como actividad regenerativa es descrita en El Juego de los Abalorios por Hermann Hesse, el cual leí en mi adolescencia. El libro es acerca de la traducción de todos los sistemas de información y el conocimiento humano en un sólo código: El Juego. Al entrar en este lenguaje universal, te puedes integrar a todos los aspectos de la experiencia humana. Marcel Ducham es el “Magister Ludi”. El arte hoy en día puede superar las dos teorías generalizadas que confrontan nuestro mundo post-capitalista: el relativismo pseudo-democrático  del posmodernismo vs. la dictadura opresora del fundamentalismo. Al referirse a La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso, en una entrevista de 1966 con Pierre Cabanne, Duchamp dijo “a pesar de que casi no haya incluido ningún cálculo en Le Grand Verre… Simplemente, pensé en la idea de una proyección, de una cuarta dimensión invisible puesto que no se puede ver con los ojos”. ¿No es este el dominio de lo divino?

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October 16, 2013 Túlio Pinto https://abstractioninaction.com/artists/tulio-pinto/

Over the past five years, I have developed a research work in sculpture and installation with industrial materials which denote, in the constitution and the way they are presented, my intention to hold encounters of different strengths and temperaments; of oppositions that support each other at their possible limits. In my visual speech that I seek to generate, I establish the dialogue through the laws of the world, metaphors that point to the “being’s” existence; where transformation and impermanence, from the subtlety of possible balance, translate into a place of experience and reflection.

 
Traducido del inglés

En los últimos cinco años he desarrollado un trabajo de investigación en la escultura e instalación con materiales industriales que denotan, en su constitución y la forma que son presentados, mi intención de contener encuentros de diferentes fuerzas y temperamentos; de oposiciones que se apoyan unas a las otras dentro de sus límites posibles. En mi discurso visual busco generar, estableciendo el diálogo por medio de las leyes del mundo, metáforas que apuntan a la existencia del ser, donde la transformación e impermanencia, desde lo sutil del posible balance, se traducen a un lugar de experiencia y reflexión.

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October 16, 2013 Antonio Pichillá https://abstractioninaction.com/artists/antonio-pichilla/

Translated from Spanish

Everything is amorphous, confusing. I restlessly look for a bond that integrates with the environment as something inaccurate, not codified. I struggle to give form to these transitory states. B’atz is the name of a day in the Maya calendar that means the beginning and the end, to roll and unroll, to tie and untie. The knot is the bond between beings and their beginnings; it is the union that allows to continue on a certain path. The knot is the articulation between kinfolk and/or enemies which maintains a structure and at the same time creates tension between them. This bond between two or more systems also represents a closure, a forced enclosure that grasps through the ropes and that hinders that liberation of a determined gesture: the knot in the throat that submerges the voice. We are beginning a new era of Maya world view that is associated with important events. Departing from an interdisciplinary investigation, anthropological approximately ten years, in the city as in the rural areas, I began to work in the reengagement of images, forms, codes, moorings, baskets, chests, Quipos, candles, Maya ceremonies, with meanings charged of deep energetic presence that mark the passage of time. I believe in artistic expression as a product of the everyday. I situate myself within this perspective, materializing though ephemeral objects, like a candle that is lit, is consumed and finished. That action indicates time. I propose to reprise ritual elements like candles, bundles or baskets, incense, flowers, and of course, energy, to create art objects. I am interested in constructing, intervening, wither the visible through the occult; from the private to the public.

 

Todo es amorfo, confuso busco con inquietud un lazo  que se integran al entorno como algo inexacto, no codificado, lucho por darle cuerpo a estados transitorios. B’atz es el nombre de un día del calendario maya, que significa el inicio y el final, enrollar y desenrollar, amarar y desamarrar. El nudo es el vínculo entre los seres y su principio; es la unión que permite continuar cierto trayecto. El nudo es la articulación entre los semejantes y/o entre los contrarios que mantiene una estructura y al mismo tiempo la tensa. Este lazo entre dos o más sistemas representa también un cierre, una fuerza de clausura que se empuña por los cabos y que impide la liberación de un gesto determinado: el nudo en la garganta sumerge la voz. Estamos empezando un nueva era en la cosmovisión maya que se asocia con eventos importantes. Partiendo de una investigación interdisciplinaria, aproximadamente 10 años en especial antropológica, tanto en la ciudad como en el área rural comencé a trabajar el reencuentro con imágenes, formas, códigos, amarres, tanates, bustos, quipos, candelas, ceremonias mayas, con significados cargados de profunda presencia energética que marcan el tiempo. Creo en la expresión artística como producto de lo cotidiano. Me ubico en esta perspectiva proponiéndome materializar a través de objetos efímeros, como una candela que se enciende, se consume y se termina. Así tal acción marca el tiempo. Me propongo retomar elementos rituales como candelas bultos o tanates, incienso, flores y por supuesto la energía, para crear objetos de arte. Me interesa construir, intervenir, marchitar a partir de lo oculto a lo visible  de lo privado a lo público.

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October 16, 2013 Manuel Mérida https://abstractioninaction.com/artists/manuel-merida/

Translated from Spanish

Artists have not conformed to being simply artists; they have also needed to create a theoretic framework. Generally, artists have been their own theorists, they have created their own arena as artists, have believed necessary to take a position not only in order to make their works but to create their own world, their own code… Everything we do and think exists, in only in a way. What happens is what we make evident. There are artists that speak about their own trade and who take great pleasure in giving explanations. In my case, I have a lot of issues when analyzing my own work. There are also artists that are better orators than creators… What I meant to say is that their theory often goes beyond their own work. The tendency to take theorist definitions about art, in some cases, traps them in their own creation. In my interactive or motorized works I try to introduce movement with the intention of avoiding a single and fixed phase, and the possibility of perpetual change to make evident the quality of matter and its behavior. I rely on manual or mechanic grounds to animate the work, in which mobility is an accident, creating changing situations just as it occurs at every moment in nature. When I say this, I am based on kinetic art concepts that I acquired very late, in the year ’68 when I arrived in Paris for the first time. It was shocking to discover new ways of tackling art, since I was a gestural artist… The encounter with artists such as Soto, Cruz-Diez, Camargo, Le Parc, Lygia Clark, etc., created a conflict in me, which took me to a contradiction of my previous work. Later I understood that the situation was a possible exit to a new way of seeing, to a new experience… Nevertheless, it is good to say that in my work method is closer to a gestural painter than to a constructivist or kinetic artist. In any case, what is proposed by an artist or creator is not to make “good paintings” or pay the bills, but to try to invent, modify certain established structures despite all the contradictions that this may represent…

 

Los artistas no se han conformado con simples artistas también han necesitado un marco teórico. Generalmente han sido sus propios teóricos, han creado su propio terreno como artistas, han creído necesario tomar posición no solamente para hacer obras, sino para fabricar su proprio mundo, su propio código… Todo lo que hacemos y pensamos existe de una cierta manera tan solo, lo que pasa, es que lo ponemos en evidencia. Hay artistas que hablan de su proprio oficio y que tienen gran placer en dar explicaciones. En mi caso, yo, tengo muchísimos problemas en analizar mi propia obra. También hay artistas que son mejores conversadores que creadores… lo que quiero decir es que su teoría muchas veces va más allá de su propia obra. La tendencia a tomar definiciones teóricas sobre el arte, en ciertos casos, los encierran en su propia creación. En mis obras manipulables o motorizadas, trato de introducir el movimiento con la intención de evitar una fase fija y única y la posibilidad del cambio perpetuo para evidenciar la calidad de la materia y su comportamiento. Me apoyo en fundamento mecánico o manual para animar la obra en la que la movilidad es un accidente creando situaciones siempre cambiantes como ocurre a cada instante en la naturaleza. Cuando digo esto, me baso en conceptos del arte cinético que yo adquirí bastante tarde en el año 68 cuando yo llegue a Paris por la primera vez. Para mí fue un impacto descubrir nuevas maneras de afrontar el arte, siendo yo un artista gestual… El contacto con artistas como Soto, Cruz-Diez, Camargo, Le Parc, Lygia Clark, etc… Crearon en mí un conflicto que me llevo a una contradicción con mi trabajo anterior. Pero luego comprendí que esa situación era una posible salida a una nueva manera de ver, a una nueva experiencia… Sin embargo, es bueno decir, que mi método de trabajo está más cerca de un pintor gestual, que de un artista cinético constructivista. En todo caso, lo que se propone un artista o creador no es de hacer “buena pintura” o buena factura sino trabar de inventar, modificar ciertas estructuras establecidas a pesar todas las contradicciones que esto pueda representar…

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 1950-1958: Fine art training. School of fine art – Arturo Michelena, Valencia, Venezuela.

Prizes / Fellowships

  • 14 prizes given by Venezuelan Salons and Museums along with a prize by Vitry City, France.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

  • 2012: “10 works in the shop windows”, Hermes of Paris, NY, Monaco, Hong-Kong.
  • 2012: “Fondation Datris”, L’Isle-sur-la-Sorgue, France.
  • 2011-2012: Espace Meyer Zafra, France.
  • 2009: “Atlas Sztuki”, Lodz, Poland.
  • 2006-2012: Art Paris Art Fair, Grand Palais, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2006: “Collective Show Une Histoire du Cinétisme”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2005: “Collective Show Autour de Soto”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2004: “Collective Show Movement and Abstraction”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2003: “4 Maitres du Venezuela”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.

Collections

  • Musèe des Beaux – Arts, Caracas, Venezuela.

Links

October 16, 2013 Montez Magno https://abstractioninaction.com/artists/montez-magno/

Translated from Portuguese

A great deal of my current work is based on things from here, from Recife, in the Northeast, but the Recifenses themselves do not realize it. I’m doing a survey or study of a forgotten and omitted side from Brazilian popular art: the abstractionist side. It is incredible what people do in terms of geometric abstraction. I am documenting with slides the diverse modalities of abstract geometric expression: party tents and blankets, patchwork, ice cream carts, popcorn, etc.; garage doors and other things that show up. It is fantastic, and you will sometimes find things of op-art, constructivism and concretism, all of this done in the most holly ignorance and naivety, but with a keen and intuitive sense of color and construction. These are the things from which I currently extract material for my work.

 

[…] Grande parte do meu trabalho atual é baseado em coisas daqui mesmo, do Recife, do Nordeste, mas os próprios recifenses não percebem isso. Estou fazendo uma pesquisa ou estudo do lado esquecido e omitido da arte popular brasileira: o lado abstracionista.

É incrível o que o povo faz em termos de abstração geométrica. Estou documentando com slides as diversas modalidades de expressão abstrato-geometrica: barracas de festa e de feira cobertas de retalhos, carroças de sorvete, de pipocas, etc; portões de garagem e outras coisas que vão aparecendo. É fantastico e voce encontra as vezes coisas de op-art, de concretismo e de construtivismo, tudo isso feito na mais santa ignorância e ingenuidade, mas com um agudo e intuitivo senso de cor e de construção. É dessas coisas que atualmente extraio material para meu trabalho.

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October 16, 2013 Pepe López https://abstractioninaction.com/artists/pepe-lopez/

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Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

  • 2014: “New Territories: Design, Art and Craft from Latin America 2000-2013”, Museum of arts and design New York City, USA.
  • 2014: “5×5 Real un-real”, Venezuelan American Endowment for the Arts, New York City, USA.
  • 2013: “Utopías de ilusión”, Kiosco, NUBE gallery, Santa Cruz, Bolivia.
  • 2012: “5×5, Real-un real”, Museo de arte Acarigua-Araure, Acarigua, Venezuela.
  • 2012: “The wave”, Molaa, Los Angeles, USA.
  • 2012: 6emme Bienal d’art contemporain de Marcigny, France.
  • 2012: “País en vilo”, Faria-Fábregas, Caracas, Venezuela.
  • 2012: “Línea crítica 2”, Artepuy, Caracas, Venezuela.
  • 2012: “Blanco y negro”, Galería Fernando Zubillaga, Caracas, Venezuela.
  • 2012: “Gego, testimonios y vigencia”, Museo de arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela.
  • 2011: “Línea crítica 1”, Artepuy, Caracas, Venezuela.
  • 2011: “Dibujo reposicionado”, 39 Galería, Caracas, Venezuela.

October 16, 2013 Silvia Gurfein https://abstractioninaction.com/artists/silvia-gurfein/

Translated from Spanish

We paint blindly, we see through the canvas, we perceive with more senses. Is painting tabula rasa? Is it writing over writing? I fall in love again and it is as if I would have lost the instructions or if I never had them. I exist between the intersection of two times—the one of my digital mind and the one that belongs to oil painting’s ancient times; in the crossroads between contemporary observation and painting’s historical practice. I think about art history as a palimpsest and I put in tension the discourse of the images by considering a blind painting. Present over present, I rip the canvas so that times can meet. I examine the minimal, looking for painting’s DNA, in such a way that when extracted from a totality it can be included in another, dragging its meaning. I work with reminders, with vestiges, the part that remains in everything, following the traces of what seems to have been left out of sight, what has been discarded from the history of painting and from my own history. The works manifest the preoccupations that surround my work since the beginning: the friction between the acceleration of the world and the delay of pictorial production, the flattening of history and its availability, the change from a narrative flow to the horizontal perception of time. The ludicrous acceleration that our visual perception is put through. I point out in which way painting, its production, as well as its perception and observation, can produce a temporary cradle, an extension of the perception of time and thus an enhancement of its accessibility.

 

Se pinta a ciegas, se ve a través del lienzo, se percibe con más sentidos. ¿Pintar es tabula rasa? ¿Es escritura sobre escritura? Me vuelvo a enamorar, y es como si hubiera perdido las instrucciones o nunca las hubiera tenido. Me sitúo en la intersección de dos tiempos, el de mi mente digital y el tiempo ancestral del óleo. En el cruce entre el mirar contemporáneo y la práctica histórica de la pintura. Pienso la historia del arte como un palimpsesto y pongo en tensión el propio discurso de las imágenes en el planteo de una pintura a ciegas. Presente sobre presente, rasgo el óleo, así los tiempos se encuentran. Examino lo pequeño, buscando el ADN de la pintura, de tal forma que extraído de una totalidad pueda ser incluido en otra, arrastrando el sentido. Trabajo con los restos, los vestigios, la parte que queda del todo, siguiendo los rastros de lo que parece haber quedado fuera de la vista, que ha sido desechado, en la historia de la pintura y en mi propia historia. Las obras manifiestan las preocupaciones que rondan mi trabajo desde el comienzo: la fricción entre la aceleración del mundo y la morosidad de la producción pictórica, el aplanamiento de la historia y su disponibilidad, el cambio del discurrir narrativo a la percepción horizontal de la temporalidad. La disparatada aceleración a la que es sometida nuestra percepción visual. Señalo de qué modo la pintura, su producción, pero también su percepción y observación, produce una cuña temporal, una ampliación de la percepción del tiempo y por lo tanto un aumento de su disponibilidad.

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October 16, 2013 Fernanda Laguna https://abstractioninaction.com/artists/fernanda-laguna/

Translated from Spanish

Extract from “Fernanda Laguna. Central desde los márgenes”  by Inés Katzenstein, in Otra Parte Revista de Letras y Artes, no. 28, Autumn-Winter, 2013 […] The artistic language is a language of communication; a language to speak outside of the art system, outside of the institution of art. It is a form of communication—it should not be a code within a closed system. […] To me, art allows a collective ritual from something personal. It is about sharing something. It is about revealing to other people a very personal experience through which an object or situation is created. […] Sometimes I depart from an idea, not always; sometimes I let myself be guided by the physicality of the act of painting. Sometimes I start by just moving the brush with a little bit of black acrylic paint because I am seduced by the shine of that color, and I begin with that first sensation of the need to paint. Then I paint a cat or anything, and I keep painting the following needs that come up, which sometimes are basic needs that arise from having seen something on the table, but I never say “I am going out to buy green yarn.” If I have pink yarn, I make everything with pink yarn—I think the reason it is there is because it’s calling me. And I let myself be taken by the emotion that the materials produce in me; the lines or curves, the colors… I see something such as a textured wall and I say “I will put a texture here,” and I avoid asking myself if that is good or bad (which is something that is hard for me, but I avoid thinking about it because many times I paint things that I don’t like) or if there is something that appears as a necessity and I don’t like it. And if I were to say “I don’t like it,” and would take it out, I would miss the opportunity of learning something new. Then I try to keep going or postpone, and at some point something will come out of that.

 

Fragmento de “Fernanda Laguna. Central desde los márgenes” por Inés Katzenstein, en Otra Parte Revista de Letras y Artes, no. 28, Otoño-Invierno, 2013 […] El lenguaje artístico es un lenguaje de comunicación, un idioma para hablar fuera del sistema del arte, fuera del instituto del arte. Es una forma de comunicación, no debería ser un código dentro de un sistema cerrado. […] Para mí el arte logra hacer un ritual colectivo de algo personal. Se trata de compartir algo. Se trata de revelar a otras personas una experiencia muy personal a partir de la cual se crea un objeto o situación. […] A veces parto de una idea, a veces no, a veces me dejo llevar bastante por lo físico del pintar. A veces empiezo solamente moviendo el pincel con un poco de acrílico negro porque me seduce el brillo de ese color, y empiezo con esa primera sensación de necesidad de pintar. Y entonces pinto una gata o cualquier cosa y sigo pintando las siguientes necesidades que me van surgiendo, que a veces son necesidades muy básicas que surgen de haber visto algo en la mesa, pero nunca me pasa que digo “voy a salir a comprar lana verde”. Si tengo lana rosa hago todo con lana rosa, igual si está ahí es porque me llama. Y voy dejándome llevar por la emoción que me producen los materiales, las rectas o las curvas, los colores… veo algo como una pared texturada y digo “voy a poner una textura acá”, y evito pensar si está bueno o no –algo que me cuesta, pero evito pensarlo porque muchas veces pinto cosas que no me gustan–, o hay algo que aparece como una necesidad y no me gusta. Y si dijera “no me gusta” y lo sacara, me perdería la posibilidad de conocer algo nuevo, entonces intento seguir y posponer y en algún momento algo se arma.

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October 16, 2013 Pablo Jansana https://abstractioninaction.com/artists/pablo-jansana/

A way to talk about the future while talking about the past. It is our present moment.

My multi-disciplinary practice, involving painting, sculpture, collages and manipulation.

Locations normally seen out the corner of the eye. The happy themes of arts, books, advertising, languages and different sources. Imagery from other eras where both treatment of the subject and the physical elements of the photography are current convention. Evoking narratives and memories through the juxtaposition of objects and images. I strive to create work that is highly charged and simultaneously empty.

My eclectic use of materials – including resin, aluminum, wood or clay—develops my fascination with the visual importance and presentation of objects. Working with photography, and painting my interests have evolved into the realms of 3D, presenting still images in an ever more engaging and dynamic set-up. Sometimes obscures parts of my found photographs and magazine cutting—playing on the interpretation and interplay between images—after my careful arrangement.

My work might also be interpreted as a comment on populist vs. elitist art. But they’re certainly not meant as criticism, as I am interested in both high and low culture and materials itself.

 
Traducido del inglés

Una forma de hablar sobre el futuro mientras se habla del pasado. Es nuestro momento presente. Una práctica multidisciplinaria, que incluye pintura, escultura, collage y manipulación. Lugares normalmente vistos de reojo. Los temas felices de las artes, libros, publicidad, lenguajes y diversas fuentes. Imágenes de otras eras donde el tratamiento del tema y los elementos físicos de la fotografía son la convención actual. Evocar narrativas y memorias por medio de la yuxtaposición de objetos e imágenes. Lucho por crear obra que está cargada de contenido y es vacía a la vez.

Mi uso ecléctico de materiales, incluyendo resina, aluminio, madera o arcilla, desarrolla mi fascinación con la importancia visual y la presentación de los objetos. Trabajando con fotografía y pintura, mis intereses han evolucionado hacia el campo de la tercera dimensión, presentando imágenes fijas en configuraciones más dinámicas e interesantes. Mi obra también puede ser interpretada como un comentario del arte populista vs. elitista, pero ciertamente no están hechas como crítica, puesto que también estoy interesado en materiales elevados y de cultura popular.

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October 15, 2013 Carmela Gross https://abstractioninaction.com/artists/carmela-gross/

[…] Similarly in the project, the initial drawing is mixed with the method of working that will constitute the work. It’s not the abstract condition of the work, just an idea. It contains all the stages, through which the work should pass — technical, specific, real work — all this is noted down in the drawing, just as the stages of the work. At the slaughterhouse, for example, the map of the BURACOS (HOLES) to be made on the ground was the result of an expansion in minor schematic notes, done as a resource of thought, and carried out during a meeting with a group of artists from the Arte/Cidade project. It is this expanded drawing that serves as a guide to place the holes.

 
Traducido del inglés

De manera similar en el proyecto, el dibujo inicial se combina con el método de trabajo que constituirá la obra. No es la condición abstracta de la obra sino sólo una idea. Contiene todas las fases por las que una obra debe pasar: lo técnico, lo específico, la obra real. Todas ellas consideradas en el dibujo, como fases de la obra. En el matadero, por ejemplo, el mapa de los Buracos que se debe hacer sobre el suelo, fue el resultado de la extensión de pequeñas notas esquemáticas, realizadas como recurso de pensamiento y llevadas a cabo durante una reunión con un grupo de artistas del proyecto Arte/Cidade. Es este dibujo expandido lo que sirve como guía para colocar los orificios.

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October 15, 2013 Fernando García Correa https://abstractioninaction.com/artists/fernando-garcia-correa/

Translated from Spanish

My work has been developing for the past few years as a study of the pictorial within an abstract perspective that many qualify as post-minimalist, and from which I seek to establish links and similarities with scientific thought, psychological experience and the organic and social models around us, through the development of comment based on visual experience.

 

Mi trabajo se desenvuelve desde hace varios años como una reflexión de lo pictórico dentro de una perspectiva abstracta que muchos califican de post-minimalista y en donde a través del desarrollo de comentarios basados en la experiencia visual, busco establecer vínculos y similitudes con el pensamiento científico, la experiencia psicológica y los modelos orgánicos y sociales que nos rodean.

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October 15, 2013 Danilo Dueñas https://abstractioninaction.com/artists/danilo-duenas/

On painting

A wall, the painting, the floor, the ceiling, the mist in the room.

The organ, the flute, the hemlock.

The truth, the specter, the real.

What is it that lives?, said the hare to the tortoise, is it the hemlock or the rose? The rose said, it is me, I shall always live, whilst the room shall grow and the sound shall ring in our ears. But my life shall never cease. Please testify to this never-ending truth and you too, shall live as me.

 
Traducido del inglés

Sobre la pintura

Un muro, la pintura, el piso, el techo, la neblina en la habitación.

El órgano, la flauta, la cicuta.

La verdad, el espectro, lo real.

¿Qué es lo que vive?, dijo la liebre a la tortuga, ¿es la cicuta o la rosa? La rosa dijo,

soy yo, siempre viviré, mientras que la habitación crezca y el sonido repique en nuestros oídos. Pero mi vida nunca terminará. Favor de testificar a esta verdad sinfín y tú también vivirás como yo.

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October 15, 2013 Jorge Cabieses https://abstractioninaction.com/artists/jorge-cabieses/

Translated from Spanish

Which god, which infinite being can cease to be reduced into a single volume? For the iconoclast, the divine is indescribable, and every image of it is a lie. Precisely, the status of the image as such is the constant questioning that structures my work. Since my first exhibitions, the pop-style images began to run out, little by little, in their own repetition, until reaching present times, in which a symbolic bankruptcy of the image expropriated radically from its meaning, is defined in my most recent work. My current work is inscribed in this same process—the liberation of any symbolic association with reality. I have tried to settle in this equation, a discrete critical bias to the post-modern, which tries to idolize the maker of images in detriment of the image. The painter himself disappears and the spectator, used to the discourse of the figurative, ends up lost, facing the annulation of history and the vindication of the essential: form and color. Thus, in my work, I aim to confront certain canons of the Latin American image, through a problematization of the space: the obsession for narrative, the extreme sentimentality, the morbid fascination with the private. Opposite to that there is a constructive tension in search for something more universal, in spite of my own anxiety for harmony and thanks to an intimate conviction to my own elements.

 

¿Qué dios, qué ser infinito puede dejarse reducir en un sólo volumen? Para el iconoclasta, lo divino es indescriptible; y toda imagen de este, una mentira. Precisamente, el estatus de la imagen como tal es el constante cuestionamiento que estructura mi obra. Desde mis primeras muestras, las imágenes de corte pop se agotaban exhaustas, poco a poco, en su propia repetición; hasta llegar a la actualidad, en que una bancarrota simbólica de la imagen, expropiada radicalmente de su sentido, se concreta en mi obra más reciente. En este mismo proceso se inscribe mi proyecto actual: la liberación de cualquier asociación simbólica con la realidad. He intentado en esta ecuación cuajar un discreto sesgo crítico a lo post-moderno, aquel que se dedica a sacralizar al fabricante de imágenes en desmedro de la imagen. El pintor mismo desaparece y el espectador acostumbrado al discurso de lo figurativo termina extraviado frente a la anulación de la historia y la reivindicación de lo esencial: la forma y el color. Así, en mi obra pretendo a través de una problematización del espacio, confrontarme a ciertos cánones de la imagen  latinoamericana: la obsesión por la narración, el sentimentalismo exacerbado, el morbo de lo privado. Frente a ellos se establece una tensión constructiva en búsqueda de algo más universal, a pesar de mi propia angustia por la armonía y gracias a una íntima convicción de mis propios elementos.

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October 15, 2013 Octavio Abúndez https://abstractioninaction.com/artists/octavio-abundez/
Translated from Spanish

I divide my artistic production in three simultaneous directions. The phenomenological; the epistemological; and the topological. Perception, culture and place. Every direction converges in the human condition. Each one of these directions has its own visual language. The works focused on perception are full of color, of light. They oscillate between geometry and minimalism. Those centered in culture are textual and monochromatic. They oscillate between the joke, the absurd, the messianic and the politically incorrect. The ones focused on place are the backbone of my work. Through trips and moves I determine and subjectively give signs and values to cities and places. An un-scientific anthropology. A unique language in each place, which goes from the figurative to land art. There is a back and forth between directions and visual languages. I find, through constant exploration, my work’s reason to be.

 

Divido mi producción artística en tres direcciones simultáneas. Lo fenoménico, lo epistemológico y lo topológico. La percepción, la cultura y el sitio. Todas las direcciones convergen en la condición humana. Cada una de estas direcciones tiene su lenguaje plástico particular. Las piezas enfocadas a la percepción están llenas de color, de luz. Oscilan entre la geometría y el minimalismo. Aquellas enfocadas a la cultura son textuales y monocromáticas. Oscilan entre la broma, el absurdo, lo mesiánico y lo políticamente incorrecto. Las piezas enfocadas al sitio son la columna vertebral de mi trabajo. A través de viajes y cambios de residencia determino y subjetivamente le doy signos y valores a ciudades y lugares. Una antropología acientífica. Un lenguaje único en cada sitio, que va desde lo figurativo al land art. Existe un ir y venir entre direcciones y entre lenguajes plásticos. Encuentro en una constante exploración la razón de ser de mi trabajo.

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October 15, 2013 Juan Pablo Garza https://abstractioninaction.com/artists/juan-pablo-garza/

About the Artist

My work aims to be an exploration on photography as a technique and as a language in itself, becoming an important aspect within my personal discourse. From this central idea derives my interest on the revision and dialogue between the photographic image and other representation mediums, as well as the investigation on the possible transformation of content in everyday spaces, in expressive subjects. I seek to approach the image not as a mere fact anchored to formal rules, but also being interested in the use of the image as a sort of container of ideas, as a vehicle of information. This has taken me, among other things, to the manipulation of found scenes, as well as the complete construction of images. I conceive the creative process as a tool for research and knowledge, as an active way of relating to the world, as an experience that transforms into a process of understanding. I believe as much in intuitive intelligence as in intellectual exercises. Whichever the case, I believe the constant questioning and the formulation of questions is vital for the beginning of new possibilities and directions in the creative endeavor.

—

Mi trabajo pretende ser una exploración en torno a la fotografía como recurso técnico y como lenguaje en sí mismo, convirtiéndose ésta en un factor determinante dentro de mi discurso personal. De esta idea central parte mi interés por la revisión y el diálogo entre la imagen fotográfica y otros medios de representación, así como también, la indagación en torno a la posible transformación del contenido de espacios cotidianos en materia expresiva. Busco entonces abordar la imagen, no como mero hecho anclado a leyes formales, sino interesándome también en el uso de la imagen como una suerte de contenedor de ideas, como vehículo de información. Esto último me ha llevado, entre otras cosas, tanto a la manipulación de escenas encontradas, como a la construcción completa de imágenes. Concibo el proceso creativo como una herramienta para la investigación y el conocimiento, como una manera activa de relacionarme con el mundo, como experiencias que se transforman de alguna manera en un proceso de comprensión. Creo tanto en la inteligencia intuitiva, como en el ejercicio intelectual. En cualquiera de los dos casos, el constante cuestionamiento, el planteamiento de preguntas me resulta vital para la apertura de nuevas posibilidades y direcciones del hacer creativo.

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October 9, 2013 Guido Ignatti https://abstractioninaction.com/artists/guido-ignatti/

Translated from Spanish

I explore aesthetic theories through site-specific intervention and installation. I appeal to experimentation as a fundamental medium and I combine it with other traditional elements in sculpture or painting, as well as appropriation and relocation of existing cultural patrimony. The everyday image of presentations and representations I produce, are the result of these tangled combinations. My work appeals to the judgment of apparent reality. Since the last few years I have been working intensively with installations and interventions, meaning that I work mainly in specific exhibition spaces. The works are conceptually materialized within and from the place where they will be exhibited. In my work, the de-codification of the space is clearly a place of departure. Sometimes this approach within the exhibition context helps to propose something new and other times to adapt a preexisting idea that works in the space. As modus operandi, I am interested not in forcing ideas nor relationships between them and the place. It is fundamental to perceive and understand the environment, establish and mature the works to then proceed to measure time between both parts. Whichever the process is in each case, it is always necessary to establish a relationship with the place before beginning the work process. In my work, I use the edition of recognizable objects and their symbolic charge to configure a new language. Truthfully, I think about objects as letters that allow me to make words that did not exist before this combination that I propose. In turn, the objects used also retain their initial aural signifier, issue that is not a minor factor in the decision of its use. There is a net of meanings and signifiers that structure each piece. I also write. I began to do it simultaneous to my first installations since it helped to put into words the research process as it was happening and, above all, taking into account that the work was going to be destined to disappear after the exhibition. Something similar happened with the Sauna-revista de arte texts. For me, to be critical is not only to think about the work of somebody else or an idea in particular. The act of writing helps me to re-read my work in relation to what I am speaking about. The questions I have as an artist are not the same as the ones I have when I produce a text. Clearly, I do not consider myself an art critic, but writing about what happens around me also functions as the research for my work.

 

Me dedico a la exploración de teorías estéticas a partir la intervención y la instalación de sitio específico. Apelo a la experimentación como medio fundamental y la combino con otros elementos de tradición escultórica y/o pictórica, así como también con la apropiación y reubicación de bienes culturales existentes. La imagen de cotidianidad de las presentaciones y representaciones a las que llego, son el resultado de tan entramadas combinaciones. Mi labor apela al juicio sobre la realidad aparente. En los últimos años vengo trabajando intensamente en instalaciones e intervenciones, quiero decir que trabajo mayormente a partir de los espacios de exhibición concretos. Las obras se materializan conceptualmente en y desde el lugar donde van a exhibirse: en mi obra la decodificación del espacio es claramente un punto de partida. Algunas veces esa aproximación con el contexto de exhibición sirve para plantear algo nuevo y otras veces para adaptar alguna idea preexistente que funciona con el lugar. Como modo de operar me interesa no forzar ideas ni relaciones entre ellas y el lugar. Percibir y entender el entorno, asentar y madurar las obras para luego medir el tiempo entre ambas partes es algo fundamental. Pero sea como sea el desarrollo específico de cada caso, siempre es necesario establecer una relación con el lugar antes de empezar el proceso de trabajo.   Por otro lado, en mis obras utilizo la edición de objetos reconocibles y de su carga simbólica para configurar un lenguaje nuevo. En realidad, pienso a los objetos como letras que me permiten armar palabras que no existían antes de esta combinación que propongo. A su vez, también los objetos usados conservan su aura significante inicial, cuestión que no es menor en la decisión de su uso. Hay una red de significados y significantes que estructuran cada pieza. También escribo. Comencé a hacerlo en simultáneo con mis primeras instalaciones, me servía poner en palabras el proceso de la investigación a medida que iba sucediendo y, sobretodo, teniendo en cuenta que la obra estaba destinada a desaparecer luego de su exhibición. Con los textos de Sauna-revista de arte pasa algo parecido. Para mi hacer una crítica no es solamnete pensar la obra de alguien o pensar alguna idea en particular, ese acto de escritura fundamentalmente me sirve para releer mi trabajo en relación a eso de lo que estoy hablando. Las preguntas que tengo como artista son las mismas que manifiesto cuando produzco un texto. Está claro que no me considero un crítico de arte pero escribir sobre lo que sucede en mi entorno también me sirve como parte de la investigación de lo que hago, de la investigación de mi obra.

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October 9, 2013 Patrick Hamilton https://abstractioninaction.com/artists/patrick-hamilton/

Translated from Spanish

I develop my work through photography, collage, objects and installation, and it comprises an analysis of concepts of inequality, architecture, and spectacle in Chile in the last twenty years—Chile after the dictatorship. In this sense, it presumes an aesthetic reflection of the consequences of the “neoliberal revolution,” imposed on Chile during the ‘80s, and its projection on the social and cultural field since then until this day. In the series Spike Drawings, 2010-2013, I make a type of drawing on the wall with simple geometric shapes such as squares, rhomboids, etc., which is constructed with a metal material that is used as protection on the walls of middle and high class houses in Santiago de Chile. The wall protections are very sharp and comply with the fight against crime and the protection to private property. These works describe the segregation and social divisions, confinement and limitations, in a very simple way, using basic but eloquent shapes such as the square, which is the simplest act of delimitation in geometry. These works also refer to a tradition in modern art linked to Constructivism, geometric abstract art and minimalism. In this sense, it is a series that joins an extreme formalism of minimal shapes, with social content.

 

Mi trabajo desarrollado en fotografía, collage, objeto e instalaciones, comprende una reflexión en torno a los conceptos de trabajo, desigualdad, arquitectura y espectaculo en el Chile de los últimos 20 años; en el Chile de la postdictadura. En este sentido, supone una reflexión estética sobre las consecuencias de la “revolución neoliberal” implantada en Chile durante los años 80´s y su proyección en el campo social y cultural desde entonces hasta ahora. En la serie “Spike drawings” (2010-2013) realizo un tipo de dibujo sobre la pared con formas geométricas simples -cuadrados, rombos, etc- que están construidos con un material de fierro que se usa como protección en los muros de las casas de gente clase media y media alta en Santiago de Chile. Las protecciones de muro son muy filosas y remiten a la lucha contra la delincuencia así como a la protección de la propiedad privada. Estos trabajos hablan de segregación y división social, de encierro y de límites, de una manera muy simple, usando formas muy básicas y elocuentes como el cuadrado que es el acto geométrico más simple de delimitación. Estos trabajos, hacen referencia también, a cierta tradición del arte moderno vinculada al constructivismo, al arte abstracto geométrico y al minimalismo. En este sentido, es una serie que vincula un formalismo extremo, de formas mínimas, con un contenido social.

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October 9, 2013 Jaime Gili https://abstractioninaction.com/artists/jaime-gili/

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Extract from inteview by Pablo León de la Barra with Jaime Gili (…) To be honest, I work a lot from painting; from the two-dimensional. Playing with planes is perhaps the only way that I have to be able to understand the three dimensional space. I admire how my mother, a wonderful seamstress, perfectly understands how a piece of fabric with a specific form can wrap around, drop on or cover a body. That is a mastery of the three-dimensional that I don’t possess. (…) There is no plan or specific project. I sense how I will finish a painting but I don’t plan it out. I am more about testing directly than planning and trying to duplicate on the canvas. Everything happens so fast in a painting. One single painting is made of hundreds of quickly executed small projects. (…) The same as with some interventions, I emphasize architectural elements and people pay more attention. The same happens with painting: when I apply the paint on a space in a certain way, I am making the color on the fabric, the space and profoundness that it could have, become more evident.

 

Extraído de una entrevista a Jaime Gili por Pablo León de la Barra (…) La verdad es que trabajo muy desde la pintura, desde las dos dimensiones. Jugar con los planos es quizá la única manera que tengo de entender el espacio tridimensional. Admiro como mi madre, maravillosa costurera, entiende perfectamente como un trozo de tela con una forma determinada puede envolver, caer o cubrir un cuerpo. Esa es una maestría de lo tridimensional a la que no llego. (…) No hay un plan, un proyecto específico. Intuyo como va a terminar la pintura pero no la planeo. Soy más de probar directamente que de planear e intentar repetir en la tela. En una pintura todo sucede muy rápido. Una pintura se compone de cientos de pequeños proyectos rápidamente ejecutados. (…)  Al igual que con algunas intervenciones subrayo elementos de arquitectura y la gente se fija más en ella, con la pintura pasa lo mismo: al colocar la pintura de cierta manera en un espacio, estoy haciendo que se haga más evidente en la tela el color, la cuestión espacial y la profundidad que pueda tener.

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October 9, 2013 Sandra Gamarra https://abstractioninaction.com/artists/sandra-gamarra/

Translated from Spanish

My work focuses on the use of mechanisms from the art world, commerce, exhibitions and creative processes, to develop an analysis about reality. Fiction and selection are large-scale processes that break up in spectacle. Through my practice I aim—by reducing the scale of the elements that intervene—to signal these processes to make them latent and to question our participation in them. From my position within the arts (making reference to my position in the world), I propose that one of the ways we use to respond and face these systems would be to utilize their own processes of creating reality in order to create fictions, through a re-selection of this presupposed totality, which is ultimately always partial.

 

Mi trabajo se centra en el uso de los mecanismos del mundo de arte, el comercio, la exhibición y los procesos de creación para hacer con ello una reflexión acerca de la realidad. La ficción y la selección son procesos que a gran escala se disuelven en el espectáculo. Mediante mi práctica intento, al reducir la escala de los elementos que intervienen, señalar estos procesos para hacerlos latentes y cuestionar nuestra participación en ellos. Desde mi posición en el arte, (haciendo referencia a mi posición en el mundo) propongo que una de las maneras que tenemos para responder y hacer frente a estos sistemas es utilizar sus propios procesos de crear realidad para crear ficciones mediante una re-selección de esta supuesta totalidad, que es finalmente siempre parcial.

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October 9, 2013 Diana de Solares https://abstractioninaction.com/artists/diana-de-solares/

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¨Where are we when we are in the world?¨

This question has led me to explore the notions of space and place.

My constructions and environments are mostly made out of various found objects, images and materials, some of them belonging to a domestic, industrial or construction milieu. The site, its space and architectural components are key in shaping the works. I use straight lines and the continuous expanse they occupy and define. Thus, my works approximate provisional drawings in space and about space, aiming at a perceptual, pre-reflexive experience.

The process begins with the creation of three-dimensional structures which in turn, give place to drawings on paper that allow me to complete the concept.

—

Construyo estructuras y ambientes condicionados por el sitio en cuestión, que se relacionan íntimamente con los elementos arquitectónicos vecinos. Se trata de corporeizar el espacio, volviéndolo parte esencial de la obra. Utilizo materiales y objetos encontrados pertenecientes a lo cotidiano, a la construcción y al desecho. Más que esculturas o instalaciones, se trata de dibujos provisionales en el espacio tendientes a desaparecer. Me interesa la experiencia perceptual, pre-reflexiva, que coloca al espectador en un instante de conciencia de sí mismo.

El proceso comienza con la creación de una estructura tridimensional, la cual a su vez, da lugar a dibujos sobre papel que me permiten completar la idea.

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October 9, 2013 José Dávila https://abstractioninaction.com/artists/jose-davila/

Translated from Spanish

My practice is based on an articulate recursion on the margins of homage, imitation, and critique. As a sort of mirage, I use different reproduction strategies which allow me to dismantle the relationships between form and content, as well as to manifest the virtues and lacks from my references.

My work has been engaged in questioning the limits of instrumental values through the use of everyday materials in the creation of sculptures, objects, and installation. More recently, I have explored photography and document as ways of recording and due to their possibilities of re-signification.

 

Mi práctica se vale de una elocuente recursividad que se encuentra en los márgenes del homenaje, la imitación y la crítica. Como una suerte de espejismo, utilizo distintas estrategias de reproducción que me permiten desmantelar las relaciones entre forma y contenido, así como manifestar las virtudes y carencias de mis referencias.

Mi trabajo se ha ocupado de cuestionar los límites de los valores instrumentales a través del uso de materiales ordinarios para la creación de esculturas, objetos e instalación. Recientemente, he explorado la fotografía y el documento como formas de registro y sus posibilidades de re-significación.

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October 9, 2013 Mariano Dal Verme https://abstractioninaction.com/artists/mariano-dal-verme/

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October 9, 2013 Emilia Azcárate https://abstractioninaction.com/artists/emilia-azcarate/

Translated from Spanish

My artistic research is based on the need to transmit and reveal what I live; it is a continuous self-observation. The initial impulse of creation comes from there, always under the construction of a very personal space that I combine with geometric and constructive traditions, more as a language related to my expressive necessities than as a conceptual avenue. My work is formally and conceptually mechanical, repetitive and obsessive. To constantly repeat a form or a phrase allows an elevated state, and I want to transmit through my work that energy, outwards. The letters, the dots, or bottle caps end up creating, in absolute coherence with my way of creating, a personal and sensorial language; a writing that travels parallel with my visual and spiritual history. I make the series of mandalas with bottle caps by cutting eight spikes to each cap. They turn into a weapon to harm but also to protect, in the form of chakras. The more oxidized and worn out is the cap, the more beautiful it is. I am also interested in their colors, and that the brand is also present. When I mix all the caps there is a light that sends me to the place where they were picked up. Though everything is made by chance, each mandala has its own energy and its particular form—when I arrange them, albeit their minor differences, no cap is the same as the other. Little by little I construct my maps from this unique element that is commonly found in every place of the world and that keeps an identity from each place. The caps have and will have many histories. My dedication to the work is total. There is a symbiosis with what I make, which is something very peculiar. It is not a masterpiece, but a footprint, something from within that is immensely vital and unique. The growth in my life is the growth of my work and vice versa.

 

Mi investigación artística se fundamenta en la necesidad de transmitir y revelar lo que vivo, es una auto observación continua. De ahí parte el impulso inicial de creación, siempre bajo la construcción de un espacio muy personal que conjugo con la tradición geométrica y constructiva, más como un lenguaje afín a mis necesidades expresivas que como una dirección conceptual en sí. Mi trabajo es mecánico, repetitivo y obsesivo tanto formal como conceptualmente. Repetir constantemente una forma o una frase crea un estado elevado, y en mis obras lo que quiero es transmitir esa energía hacia fuera. Las letras, los puntos, o chapas, terminan creando, en coherencia absoluta con mi manera de producir, un lenguaje personal y sensorial, una escritura que viaja en paralelo con mi historia visual y espiritual. La serie de mandalas de chapas las trabajo cortándole ocho picos a cada una de ellas. Se vuelven un arma cortante y también un arma protectora con forma de chacra. Mientras más oxidada y rota la chapa, más bella. Pero también me interesan sus colores, así como que esté presente la marca que se consume. Cuando mezclo todas las chapas se crea una luz que me remite al lugar donde fueron recogidas. Y aunque todo es al azar, cada mandala tiene su energía y su forma particular, porque al colocarlas, marcando pequeñas diferencias, ninguna resulta igual a la otra. Y así, poco a poco, voy construyendo mis mapas a partir de este único elemento que se encuentra comúnmente en todos los lugares del mundo y que guarda una identidad propia del mismo. Las chapas tienen y tendrán muchas historias. Mi entrega con mi trabajo es total, hay una simbiosis con lo que hago, que es como algo singular. No se trata de una obra maestra, sino de una huella, de algo ti que es inmensamente vital y único. El crecimiento en mi vida es el crecimiento en mi obra y viceversa.

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October 9, 2013 Mariella Agois https://abstractioninaction.com/artists/mariella-agois/

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October 9, 2013 Ishmael Randall Weeks https://abstractioninaction.com/artists/ishmael-randall-weeks/

My work encompasses site-specific installations, sculpture and video to works on paper.  In these works, issues of urbanization, transformation, regeneration, escape, collapse and nomadic existence have been predominant. While the work in the drawing studio serves as a means for a more intimate exploration of these issues, the foundation of my larger scale work lies in the alteration of found and recycled materials and environmental debris, often on site (including such source materials as books and printed matter, empty tins, old tires, bicycles, boat parts and building construction fragments) that are often altered to create sculptural objects and architectural spaces. These works take the visual form of functional objects while stripping them of their productivity to address notions of labor and utility, forcing an examination of our understanding of culturally specific forms while simultaneously exploiting and adapting their particular codes and associations.

 
Traducido del inglés

Mi obra abarca instalaciones de sitio específico, escultura y video hasta obra en papel. En estas obras, temas de urbanización, transformación, regeneración, escape, derrumbe y existencia nómada han sido predominantes. Mientras que el trabajo en el estudio de dibujo sirve como una forma más íntima de exploración de estas ideas, la base de mi obra a gran escala está en la alteración de materiales encontrados y reciclados y desechos ambientales, a menudo in situ (incluyendo fuentes como libros y material impreso, latas vacías, llantas viejas, bicicletas, partes de barco y fragmentos de construcción), que son a menudo modificados para crear objetos esculturales y espacios arquitectónicos. Estas obras toman la forma visual de objetos funcionales mientras que los despojan de su productividad para abordar nociones de labor y utilidad, forzando un análisis de nuestro entendimiento de formas culturalmente específicas, mientras que explotamos y adaptamos sus códigos y asociaciones particulares.

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October 9, 2013 Francisco Ugarte https://abstractioninaction.com/artists/francisco-ugarte/

Translated from Spanish

My work is supported by the fields of architecture and above all the creative process. The proposal is generated from the analysis of the environment and it is a reaction to it. It can be understood as a phenomenological exercise, from which reality is understood through the perception of phenomena and the essence of things. The works are self-referential, they speak about themselves. Perception, abstraction, intuition, light, time, change, place, the material and the universal, are some of the recurring themes of my work.

 

Mi trabajo se apoya en los terrenos de la arquitectura, y sobre todo en el del proceso creativo. La propuesta se genera a partir del análisis del entorno y es una respuesta a él. Se puede entender como un ejercicio fenomenológico, con el cual la realidad es conocida a través de la percepción de los fenómenos y las esencias de las cosas. Las obras son autorreferentes, hablan de sí mismas. La percepción, la abstracción, la intuición, la luz, el tiempo, los cambios, el lugar, lo material y lo universal son algunos de los temas recurrentes dentro de mi trabajo.

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October 9, 2013 Pedro Tyler https://abstractioninaction.com/artists/pedro-tyler/

I believe that the beauty of an artwork is connected to the way we get to know it. A knowledge that comes along with a pleasing sensation related to understanding. Comprehending and enjoying how its components interact between each other and their mechanisms of sustentation. This can be seen in my works when stacking coins, interlacing rulers or giving mobility to something that seems motionless. I relate beauty to the subtlety of instability. Those moments in which you understand or feel consciously that you are alive, that something overflows and is lost at every instant. I like the static at the moment it waits, like the calm before the storm, because it foretells it. The amazing moment before jumping or not to the void because of heights vertigo and its fall. Depths stillness where silence will listen to my body, or, on the other side, heights, for making me believe I am outside things and there is no center in them. Reflections, because of the question my eyes return. It delights me to know there is always something I can´t understand. Candlelight for not being steady, making shadows bigger and in obscurity, space more dense. I like altering things because I know they are not definitive and by doing so, apprehend them in a different way. The photo that shows the camera that took it, because it´s the perfect symmetry that I can´t achieve before a mirror. Cages, because they are spaces which are difficult to penetrate and from where you might not want to get out. I like art, that when I leave it, I feel like I`m losing something. Feeling the wind, the sun, the cold and the pain of a wound because they make me believe I am in a place. Glass and transparencies because they cut through space, whereas everything else occupies it, and what occupies it because it completes it. For the same reasons I like to think, for the moments in which I believe I learn and move forward, but more than anything, I like to think because I believe I don´t understand. In this search for understanding, is that I use everyday objects as material for my works, so as, by taking them out of context, appreciate them in another way. By putting water inside it, or chiseling its glass, a light bulb becomes, to me, a metaphor about the fragility of the body. How, thanks to that border that is our skin, we develop all our feelings and thoughts. With measuring tapes, wooden or steel rules, you can measure something linear as the body, but you can´t measure, for example, feelings inside that body. Measuring what can´t be measured. The measure of pain related to a close death, started a body of work that developed from a personal concern; how to analyze and reason about feelings. Although the artwork started being self-referential, I have come to know that the intimacy of this subject is universal. Each person interprets this experiences and concerns from his or hers perspective. And is from this perspective, unique and personal, that I hope they will relate to my artwork.

 

Creo que la belleza de una obra tiene que ver con nuestra manera de conocerla, y ese conocimiento acarrea una sensación placentera relacionada al entender. Entender y disfrutar cómo sus componentes interactúan unos con otros y sus mecanismos de sustentación. Esto puede verse al apilar monedas, entrelazar reglas o darle movilidad a algo aparentemente inmóvil.

Relaciono la belleza a la sutileza de la inestabilidad. Esos momentos de entender o sentir conscientemente que se está vivo, que algo se desborda y se pierde a cada instante. Me gusta lo estático en el momento que espera, al igual que la calma antes de la tormenta porque la presagia. El alucinante momento antes de saltar o no al vacío por el vértigo de la altura y la caída. La quietud de las profundidades donde el silencio escuchará mi cuerpo, o por otro lado, las alturas por creer que estoy fuera de las cosas y no hay un centro en ellas. Los reflejos por la pregunta que me devuelven mis ojos. Me agrada que siempre haya algo que no entienda. La luz de la vela por no ser constante, hace a las sombras más grandes y en la penumbra al espacio más denso.

Me gusta alterar las cosas porque sé que no son definitivas y así aprehenderlas de otra manera. La foto en la que sale la cámara que la sacó, porque es la perfecta simetría que ante un espejo no puedo lograr. Las jaulas porque son espacios en que es difícil penetrar y de los que tal vez no se quiera salir. Me gusta el arte que cuando lo dejo, me hace sentir que pierdo algo.  Sentir el viento, el sol, el frío y el dolor de una herida porque me hacen creer que soy en un lugar. El vidrio y las transparencias porque seccionan el espacio mientras que todo lo demás lo ocupa, y lo que lo ocupa porque lo completa. Por lo mismo me gusta pensar, por los momentos en que creo aprender y avanzar, pero más que nada me gusta pensar porque creo no entender.

En esa búsqueda por comprender, es que empleo objetos cotidianos como material de trabajo, para, sacándolos de su contexto, apreciarlos de otra manera.

Al poner agua en su interior, o cincelar su vidrio, una lamparita se convierte para mí en una metáfora de la fragilidad del cuerpo. Como, gracias a esta frontera que es la piel, desarrollamos todo nuestro sentir y pensar.

Con cintas métricas, reglas de madera o de acero, se puede medir algo lineal como el cuerpo, pero no se puede medir, por ejemplo, los sentimientos dentro de ese cuerpo. Medir lo que no se puede medir. La medida del dolor relacionada con una muerte cercana, dispara una serie de obras que nacen de una inquietud personal; cómo analizar y razonar sobre los sentimientos.

Si bien las obras partieron siendo auto referentes me he dado cuenta que la intimidad de estos temas resulta ser universal. Cada persona interpreta estas experiencias e inquietudes según su perspectiva. Y es desde esta perspectiva, única y personal, que espero se relacionen con mis obras.

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October 9, 2013 Clarissa Tossin https://abstractioninaction.com/artists/clarissa-tossin/

The notion of gesture is the primary impulse behind my work. My videos, photographs, installations, sculptures and drawings are the result of subtle gestures that intend to reveal what goes unseen or unexamined, be it architectural similarities between a settlement in the Amazon forest and a small town in Michigan or the intensive labor required to clean a pristine modernist government building in Brasília. Architecture, as a manifestation of identity, ideology and economic power is of great interest to me, as it is to investigate the invisible supporting structures of modernity, urban life and capitalism. In dialogue with these concerns are my interest in indexical processes and the cultural and historical connotations of a given material. My investment in indexicality stems from its intrinsic relationship to our bodies and therefore proximity to the real. Not unlike what happens with history and its material evidences. My works on paper exist in a place between bi and tridimensionality, as they usually hold object-like qualities. Double-sided prints, ink and paper disintegrated into dust, crushed folds and creases are some examples on how I treat surfaces as material. This approach triggers a tension between representation and trace while combining body movements to the articulation of ideas.

 
Traducido del inglés

La noción del gesto es el primer impulse detrás de mi obra. Mis videos, fotografías, instalaciones, esculturas y dibujos son el resultado de sutiles gestos que intentan revelar lo que pasa desapercibido o sin estudiarse, ya sea similitudes arquitectónicas entre una aldea en la selva Amazónica con un pueblito de Michigan; o la intensa labor requerida para limpiar un edificio gubernamental prístino en Brasilia. La arquitectura como manifestación de la identidad, ideología y poder económico es de gran interés para mí, como lo es investigar las estructuras de soporte de la modernidad que son invisibles, la vida y el capitalismo. En diálogo con estas preocupaciones está mi interés en los procesos de indicio y las connotaciones culturales e históricas de un material. Mi dedicación al indicio parte de su relación intrínseca con nuestros cuerpos y por tanto a la proximidad con lo real, no muy alejado de lo que pasa con la historia y sus evidencias materiales. Mi obra en papel existe en un lugar entre la bi y tridimensionalidad, ya que por lo regular poseen cualidades de objeto. Grabados de dos caras, tinta y pape desintegrados en polvo y dobleces machucados, son ejemplos de cómo manejo las superficies como material. Este acercamiento provoca una tensión entre la representación y el trazo mientras combino movimientos corporales a la articulación de las ideas.

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October 9, 2013 Ana Tiscornia https://abstractioninaction.com/artists/ana-tiscornia/

My visual rearrangements draw upon the paradoxical bond between architecture –a language of construction par excellence-with that of destruction and dislocation. In rearranging various materials I seek a potential poetics – a kind of cartography of social oblivion –that is simultaneously exposing but also recovering scattered fragments of an unrealized utopian project.

 
Traducido del inglés

Mis composiciones visuales recurren a la paradójica unión entre la arquitectura (un lenguaje de construcción por excelencia) con la destrucción y la dislocación. Al reconfigurar estos diferentes materiales busco una potencial poética, una especie de cartografía del olvido, que simultáneamente revela y también recobra fragmentos desperdigados de un proyecto utópico frustrado.

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Ana Tiscornia / Other impertinences

October 9, 2013 Renata Tassinari https://abstractioninaction.com/artists/renata-tassinari/

Translated from Portuguese

I consider how a painting can inhabit the world and what its place in it is.

An idea that interests me is the limit between what a painting is and what a simple object is. Considering this, I utilize heterogeneous surfaces that are almost incompatible: paint, acrylic laminate and wood.

In the work “MAR E MONTE”, I used four identical rectangles but with contrasting materials and colors. The rectangles unify the painting while the materials introduce stark contrasts.

In “CONGO”, the contrast is subtler, and occurs through the painting method: partially glossy (painted from inside the box of acrylic material) and partially matte (paint painted over the frame, enhancing the work’s edges and limits).

 
Traducido del portugués

Pienso en cómo una pintura puede habitar el mundo y cuál es su lugar en él.

Un punto que me interesa es el límite entre lo qué es una pintura y  lo que un simple objeto es. Para eso empleo una superficie con partes heterogéneas, casi incompatibles: pintura, material acrílico y madera.

La obra “MAR E MONTE” utiliza cuatro rectángulos iguales, pero con materiales y colores contrastantes. Los rectángulos unifican la obra. Los materiales introducen grandes diferencias.

En “CONGO” el contraste es más sutil y se obtiene a través de técnicas de pintura: el brillo (en la pintura hecha dentro de la caja del material acrílico) y el mate (pintura hecha por encima del marco, enfatizando así los límites y fronteras).

 

Penso em como uma quadro pode habitar o mundo, em qual é o seu lugar.

Um ponto  que me interessa é o limite entre o que é um quadro e o que é um simples objeto. Para isso emprego uma superfície com partes heterogêneas, quase incompatíveis: pintura, material acrílico e madeira.

Na obra “MAR E MONTE” utilizei quatro retângulos iguais, mas com materiais e cores são contrastantes. Os retângulos unificam a obra. Os materiais introduzem fortes diferenças.

Em “CONGO”, o contraste é mais sutil e se dá através das tintas da pintura: o brilho (na pintura feita por dentro da caixa com material acrílico) e o fosco, na pintura feita por cima da moldura, realçando assim a bordas e seus limites).

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October 9, 2013 Jaime Tarazona https://abstractioninaction.com/artists/jaime-tarazona/

Translated from Spanish

My interest on abstraction began approximately in 2006, as a result of a refusal to keep representing problems and situations linked to Colombian identity within my individual artistic process—thematic axis that I explored in my works since 1999 and from which I proposed various mediums such as installation, printing and painting. Since 2007 I began a series of projects in which I decided to produce works about the relevance of the international style, i.e., the great boom that the modern architecture movement has had since its origins in the second decade of last century in Europe, aiming to develop post-colonial and transcultural positions from the proposals in which I juxtapose different historical urban periods around the world, with the purpose of highlighting the overwhelming aspect of the modernist movement and vice versa.

 

Mi interés por la abstracción vino a darse hacia 2006 a raíz de un rechazo a seguir representando problemas y situaciones vinculadas a temas de identidad colombiana dentro de mi proceso individual como artista, eje temático que identificó mis trabajos desde 1999 y el cual planteé desde varios medios como la instalación, el grabado y la pintura. A partir de 2007 inicié una serie de proyectos en los que me propuse elaborar trabajos sobre la relevancia del estilo internacional, es decir, el gran auge que ha vivido el movimiento moderno de arquitectura desde que se inició en la segunda década del siglo pasado en Europa, buscando de esa manera desarrollar posiciones poscoloniales y transculturales desde propuestas en las que yuxtapongo  diferentes periodos históricos urbanos alrededor del mundo con el fin de resaltar el carácter avasallador del movimiento moderno y viceversa.

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October 9, 2013 Tatiana Stropp https://abstractioninaction.com/artists/tatiana-stropp/

Translated from Spanish

Color is a prominent aspect in these works. To value and explore different tones, opacity and transparency, the artist uses the technique of glazing. The clutters of ink are soft, mixed with aluminum, and creating effects of opacity and ambience light reflections on the surface of the painting. Tatiana Stropp’s work invites to observe and discover a universe of tonalities, formed by apparently easy streaks, which maintain a complexity of reflections.

 

El color es un aspecto notable en estas obras. Para valorar y explorar los diferentes tonos, la opacidad y la transparencia, la artista utiliza la técnica de veladura. Las camadas de tinta son tenues, proporcionando su mezcla en el aluminio, creando efectos de opacidad y de reflejos de la luz ambiente en la propia superficie de la pintura. Las obras de Tatiana Stropp invitan a observar y a descubrir un universo de tonalidades, formado por pinceladas aparentemente sencillas, pero que conservan una complejidad de reflejos.

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October 9, 2013 Pablo Siquier https://abstractioninaction.com/artists/pablo-siquier/

Translated from Spanish

-The different ways in which a cultural emanation is developed by different peoples or communities (for example, the constructive utopias of Brazil, Europe, Venezuela, or Argentina).

-The process through which a more specific answer is emptied out from the ideological content that generated it, and is used for different or even contrary purposes (the influence of Bauhaus in serial industrial production).

-The transformation experienced by style when it is transplanted to another physical and social reality (Vitruvius’ model of religious architecture in Spanish colonies in the American continent).

These sentences are some examples of what has always fascinated me sensually and intellectually: the impure condition of culture and the visual expressions of that complexity.

In a young country such as mine, this is an elemental everyday condition. Buenos Aires’ architecture is a proof of that.

I intend to register all of this in my work. If I have to summarize in two words the themes that inspire my work, these would be disease and contamination.

 

-Las diversas formas en que una emanación cultural es desarrollada por diferentes personas o comunidades (por ejemplo, las utopías constructivas en Brasil, Europa, Venezuela o Argentina).

-El proceso por el cual una respuesta formal específica, se vacía de los contenidos ideológicos que le dieron origen y se utiliza para fines diversos y aun opuestos (la influencia de la Bauhaus en la producción industrial en serie).

-La transformación experimentada por el estilo cuando se trasplanta a otra realidad física y social (el modelo de Vitruvio en la arquitectura religiosa en las colonias españolas de América).

Estos enunciados son algunos ejemplos de lo que siempre me ha fascinado, a la vez sensual e intelectualmente: la condición impura de la cultura y las expresiones visuales de esa complejidad.

En un país joven como el mío esto es una condición cotidiana y constitutiva. Buenos Aires y su arquitectura son prueba de ello.

Tengo la intención de registrar todo esto en mi trabajo. Si tengo que sintetizar en dos palabras los temas que inspiran mi trabajo serían enfermedad y contaminación.

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October 9, 2013 Gabriel Sierra https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-sierra/

I studied Architecture and Industrial Design. My artistic practice reflects in a highly distinctive way my training in these two dissimilar yet interconnected fields. My works include objects, sculptures, writings, spatial constructions and site-specific interventions, using a vocabulary that points directly to the history of art and architecture.

 
Traducido del inglés

Estudié arquitectura y diseño industrial. Mi práctica artística refleja de manera significativa mi educación en estos dos campos tan diferentes pero tan interrelacionados. Mis obras incluyen objetos, esculturas, escritos, construcciones espaciales e intervenciones de sitio específico, usando un vocabulario que apunta de manera directa a la historia del arte y la arquitectura.

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October 8, 2013 Valentino Sibadón https://abstractioninaction.com/artists/valentino-sibadon/
Translated from Spanish

I see art and the processes it implies; as a main root that include many useful aspects in life which go from instincts to measure; intuitive aesthetics to rational ethical’s mechanics. Being in this path is a constant study of the whole, going through experiences, observations and resolutions to understand it as a big unity.   This study helps me to obtain different perspectives for the experience of perceiving life in an analytical and contemplative way. With the appetite to keep making new findings; and understanding the mechanism by which different disciplines are related. This interest is the constant mark that motivates my work, acting and reacting starting from of one idea.

 

Entiendo el arte y los procesos que implican, como una rama madre que engloba muchos aspectos útiles para la vida, que van desde el instintivo hasta la mesura, desde la estética intuitiva hasta la ética racional mecánica. Estar en ese camino es un estudio constante del todo, avanzando por experiencias, observaciones, resoluciones para entenderlo como una gran unidad. Este estudio me ayuda a obtener perspectivas para la experiencia de percibir la vida, de forma analítica y contemplativa. Con apetito de seguir descubriendo más y comprender mecanismos en los que se relacionan las disciplinas. Este interés es la constante marca que motiva mi trabajo, accionando y reaccionando a partir de alguna idea.

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October 8, 2013 Mariela Scafati https://abstractioninaction.com/artists/mariela-scafati/

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October 8, 2013 Miguel Rothschild https://abstractioninaction.com/artists/miguel-rothschild/

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October 8, 2013 Luis Roldán https://abstractioninaction.com/artists/luis-roldan/

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October 8, 2013 Omar Rodríguez-Graham https://abstractioninaction.com/artists/omar-rodriguez-graham/

Translated from Spanish

My work creates an ambiguous relationship between abstraction and representation. I compose paintings that depict constructed scenes and objects that borrow from the language of painting, marks are constructed with wooden blocks and painted. By depicting these objects, or more directly the experience that they incite, I present the language of painting. While working within the tradition of still life painting, my process is taken to what must be its obvious conclusion. The objects painted must initially be that thing which they wish to re-present, the language of painting.

 

Mi obra crea una relación ambigua entre la abstracción y la representación. Realizo pinturas que representan escenas construidas y objetos que toman elementos del lenguaje pictórico, construyo marcas con bloques de madera pintada. Al presentar estos objetos, o más directamente la experiencia que incitan, presento el lenguaje de la pintura. Al trabajar desde la tradición de la naturaleza muerta, mi proceso se entiende como lo que debe ser la conclusión más obvia. Los objetos pintados deben ser inicialmente esa cosa que buscan representar; el lenguaje de la pintura.

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Education / Training

  • 2005: Tyler School of Art, M.F.A. Painting, Philadelphia, P.A. USA.
  • 2002: Drew University, B.F.A. Studio Art, Madison, N.J., USA.

Prizes / Fellowships

  • 2013-2014: Fonca Jovenes Creadores, Mexico.
  • 2010: Fonca / The Ban! Centre, Ban!, Alberta.
  • 2006-2007: Fonca Jovenes Creadores, Mexico.

Solo Exhibitions

  • 2013: “Mise en Abyme”, Bogota, Colombia.
  • 2012: “Pintura Construida”, Queretaro, Mexico.
  • 2011: “Variaciones sobre un Tema”, Mexico City, Mexico.
  • 2008: “Reposo”, Querétaro, Mexico.
  • 2008: “La Muerte Reina Bella y Melancólica”, Mexico City, Mexico.

Group Exhibitions

  • 2013: “After the Object”, Manhattan, USA.
  • 2013: “Ensamble”, Mexico City, Mexico.
  • 2012: “Sugar and Wood”, Dallas, USA.
  • 2011: Bienal de Pintura Tamayo, Mexico City, Mexico.
  • 2010: “Bella y Terca”, Mexico City, Mexico.

Publications

  • 2012: Ostrander, Tobias (Compilador), Castillo, Erik & Perez, Daniela: Omar Rodriguez-Graham, Arroniz. Print.

October 8, 2013 Ricardo Rendón https://abstractioninaction.com/artists/ricardo-rendon/

In the work process, in the process of shaping and changing the nature exterior to him, man is shaped and changes himself: My work is presented as a system of questioning of the creative practice, of the execution, productive realization and notion of work. A search of meaning in the activity that makes possible not only locate its motive, the why of creating, but that would also allow to establish a critical vision of the role that the subject plays in the work environment.  Revalue the creative practice and find meaning in the work through the experience in the continuous making: To determine my reality through the experience and practice of my creative abilities, whose activation allows the emergence of forms of subjectivity and one’s own knowledge. Therefore, experience, comprised of the development and accumulation of moments of execution and site-specific plastic exercise, allows me to establish a strategic and perspective relation from where to position facing that which surrounds us.

I recognize from the creative making my position as subject result of the possibilities, events, dialogue and interpretation. Place of continuous transformation, determined by the creative activity within the physical limitations of space and the materials. A scenario of action and experience.

My work is designed as a system of inquiry into creative practice. It is a search for meaning that not only uncovers motivation, answering the question of why to create, but also permits a critical appraisal of the role of the subject who performs personal work. Reassessing the creative process allows me to make sense of making art through experiencing its continual realization.

It consists of determining my subjective reality and setting in motion my creative faculties, which enable the emergence of new understandings. In this way, experience, consisting of the development and accumulation of moments of creation, informs my strategic orientation towards my surroundings.

Accordingly, I recognize that as the subject of creative doing, I am shaped by possibilities, events, dialogues and interpretations in a place of continual transformation, a setting of action and experience in which creative activity is restricted only by the physical limits of workspace and materials.

 

En el proceso del trabajo, en el proceso de moldear y cambiar la naturaleza exterior a él, el hombre se moldea y se cambia a sí mismo: Mi obra se presenta como un sistema de cuestionamiento de la práctica y del quehacer creativo, de la ejecución, realización productiva y la noción del trabajo. Una búsqueda de sentido en la actividad que posibilite no solo ubicar su motivación, el por qué crear, sino que también permita establecer una visión crítica del papel que desempeña el sujeto en el ambiente laboral.

Revalorizar la práctica creativa y encontrar sentido en el trabajo por medio de la experiencia en el hecho continuo de su realización: Determinar mi realidad por medio de la experiencia y puesta en marcha de mis facultades creativas, cuyo accionar permiten la emergencia de formas de subjetividad y conocimientos propios. Es así que la experiencia, constituida por el desarrollo y acumulación de momentos de ejecución y ejercicio plástico in situ, me permite el establecimiento de una relación estratégica y perspectiva desde donde situarse frente aquello que me rodea.

Reconozco desde el hacer creativo mi posición como sujeto fruto de lo eventual, el acontecimiento, el dialogo y la interpretación. Lugar de continua transformación, determinado por la actividad creativa dentro de los límites físicos del espacio y los materiales de trabajo. Un escenario de acción y experiencia.

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October 8, 2013 Pablo Rasgado https://abstractioninaction.com/artists/pablo-rasgado/

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October 8, 2013 Nuno Ramos https://abstractioninaction.com/artists/nuno-ramos/

Translated from Portuguese

I think that there is no art without something that doesn’t fit neither in life nor in time. You look at an ancient work and it seems as if it was done yesterday. The blue color in chapel Scrovegni, by Giotto (14th century), is as current as the blue color used by Yves Klein (1928-62). At the end, all art is contemporary.

 
Traducido del portugués

Pienso que no hay arte sin aquello que no tiene cabida ni en la vida ni en el tiempo. Al mirar un trabajo de la antigüedad, éste pareciera que fue hecho ayer. El color azul de la capilla Scrovegni, de Giotto (siglo XIV), es tan reciente como el azul de Yves Klein (1928-62). Al final, todo el arte es contemporáneo.

  

Acho que não há arte sem alguma coisa que não caiba na vida nem no tempo. Você olha uma coisa antiga e parece que ela foi feita ontem. O azul da capela Scrovegni, de Giotto [do século 14], é tão recente quanto o azul de Yves Klein [1928-62]. No fundo, toda arte é contemporânea.

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October 8, 2013 Amalia Pica https://abstractioninaction.com/artists/amalia-pica/

It has always been about the overlap between form and politics for me. I believe I need to occupy my own place in the world while taking responsibility for the way I do this, I have chosen to be an artist-this was not imposed upon me-and so I understand form to be my concern. I try to stay in the realm of the visual and the sensible as a means of defending that space itself, a space constantly open to redefinition-one in which subjectivity can be played out. This is why self-reflexivity can be important. To me it is a political stance. If one could say that art is concerned with the imagination, I believe that how imagination is formed is a pertinent question that also speaks to society in a larger sense. The ways we imagine and how we are conditioned to imagine are both artistic and political concerns to me.

 
Traducido del inglés

Para mí, siempre ha sido acerca de la superposición de la forma y la política. Creo que tengo que ocupar mi propio lugar en el mundo mientras me responsabilizo de la forma en la que lo hago. He elegido ser una artista—esto no fue impuesto sobre mí—así que entiendo la forma como interés. Intento permanecer en el ámbito de lo visual y lo sensible como modo de defender ese espacio, un espacio constantemente abierto a las redefiniciones, en el cual la subjetividad puede ser representada. Es por esto que la auto-reflexión puede ser importante. Es para mí una postura política. Si uno pudiera decir que el arte está interesado en la imaginación, creo que la manera en la que se forma la imaginación es también una pregunta pertinente que tiene que ver con la sociedad en un amplio sentido. Las formas en las que imaginaos y cómo estamos condicionados a imaginar son preocupaciones artísticas y políticas para mí.

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October 8, 2013 Martin Pelenur https://abstractioninaction.com/artists/martin-pelenur/

Translated from Spanish

I understand painting as a way of thinking and as an experimental practice. I think with images and then I try to conceive them. I work with premises. I think about walking as my form of resistance and about art as the ultimate frontier to redeem the desire to live in a different way. Surfer.

 

Entiendo a la pintura como una forma de pensamiento y como una práctica experimental. Pienso con imágenes y luego intento concebirlas.
Trabajo con premisas.
Pienso en el andar como mi forma de resistencia y al arte como la última frontera para reivindicar el deseo de vivir de forma distinta. Surfista.

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Education / Training

  • 2003: Analista en Economía. Facultad de Ciencias Económicas, Universidad de la República, Montevideo, Uruguay.
  • 2003: Formacion de taller con Fernando López Lage en el FAC (Fundación de Arte Contemporáneo) Montevideo, Uruguay.

Prizes / Fellowships

  • 2012-2014: Beca de creación FEFCA de la dirección Nacional de Cultura del MEC (Ministerio de Educación y Cultura) Montevideo, Uruguay.
  • 2012: Premio Nacional de pintura, Bartolmé Macció, San José, Uruguay.
  • 2012: Premio Paul Cezanne. Alliance Françoise, Montevideo, Uruguay.
  • 2011: Premio Pintura Bicentenario (selección). Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay.
  • 2011: Beca Instituto Goethe Montevideo-Berlin.

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  • 4 Museos + 40 Obras. Colección MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires), Buenos Aires, Argentina.
  • 54 Premio Nacional de Artes Visuales Carmelo Arden Quin. Montevideo, Uruguay.
  • Nuevas Vías de Acceso II. MNAV (Museo Nacional de Artes Visuales). Montevideo, Uruguay.
  • Absorciones. MEC (Ministerio de Educación y Cultura). Montevideo, Uruguay.

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October 8, 2013 Karina Peisajovich https://abstractioninaction.com/artists/karina-peisajovich/

Translated from Spanish

Extract from interview by Inés Katzenstein, as part of solo show “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “I never felt much love for objects. I never framed anything, and when I thought that I need it to do it, I decided to adopt the frame as a device of the work in the same way that artifacts are presented in installations before the artifice. Geometry is always present in my work. It keeps moving. In installations, geometry acts as a force that supports a space. It constructs a deception… In these new works, the geometric frame allows me to enclose a light situation. They are architectures of a luminous space that also have shadows (shadows produced from the same immateriality). I like frames that are not orthogonal because they are unstable. (…) The work took its own path, and although my impulses are more toxic, painting keeps being a substance that guides me. Even when my work centers on the act of seeing, what happens in the retina, in the illusion of vision itself. Everything departed from that. If I think about the first painters, to paint is also to do magic.”

 

Fragmento de la entrevista con Inés Katzenstein, como parte de la muestra individual “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “Nunca sentí mucho amor por los objetos. Nunca enmarqué nada, y cuando pensé que necesitaba hacerlo, decidí adoptar al marco como un dispositivo de la obra del mismo modo en que los artefactos se presentan en las instalaciones delatando el artificio. La geometría siempre está presente en mi obra. Se va trasladando. En las instalaciones, la geometría actúa como una fuerza que sostiene un espacio. Construye un engaño… En estas obras nuevas, el marco geométrico me sirve para acotar una situación de luz. Son arquitecturas de un espacio luminoso que también tienen penumbra (una penumbra que se produce en la misma inmaterialidad). Los marcos no ortogonales me gustan porque son inestables. (…) La obra fue tomando su propio rumbo, y aunque mis impulsos sean más tóxicos,  la pintura sigue siendo una sustancia que me orienta.  Incluso cuando trabajo en obras que se centran en el acto de ver, en lo que pasa en la retina, en la ilusión propia de la visualidad. De ahí salió todo. Si pienso en los primeros pintores, pintar es también hacer magia”.

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October 8, 2013 Ramiro Oller https://abstractioninaction.com/artists/ramiro-oller/

Thinking about the past is the perfect still life. To stop is one of the premises of painting.  It is as if thought, facing the past, acts as a force that fences or at least slows the speed of time and synchronizes the individual and collective velocities.

With the cold and electric light of thunderbolts, El Greco directs the film of Futurism, through which he strives to escape from Lascaux, but cannot. In the background, silvery mesh-like curtains make labyrinths of infinite casual correlations. Through opaque glass windows, crystal palaces interiors are reflected.

I think the only honest way to bond with painting today is to embrace the fact that it has survived over the ages, to look back with love and admiration for what has been done, and to discover the vast universe of what was created. The further back in time one looks, the more mysterious the findings become.

 
Traducido del inglés

Pensar en el pasado es el bodegón perfecto. El detenerse es una de las premisas del pintar. Es como si el pensamiento, de cara al pasado, actuara como una barrera o, al menos, detuviera el paso del tiempo y sincronizara las velocidades individuales y colectivas.

Con la luz fría y eléctrica de los rayos, El Greco dirige la película del Futurismo, a través de la cual se esfuerza por escapar de Lascaux, pero no puede. En el fondo, las cortinas de malla de plata hacen laberintos de correlaciones casuales infinitas. A través de las ventanas de cristal opaco, palacios de cristal interiores se reflejan.

Creo que la única manera honesta de vincular la pintura de hoy, es aceptar el hecho de que ha sobrevivido a lo largo de los siglos, para mirar hacia atrás con cariño y admiración por lo que se ha hecho, y para descubrir el vasto universo de lo que fue creado. Cuanto más atrás en el tiempo se mire, más misteriosos los hallazgos se  convierten.

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October 5, 2013 Iván Navarro https://abstractioninaction.com/artists/ivan-navarro/

Translated from Spanish

Electricity is the foundation of my work. Thanks to it, sculptures and installations can be perceived, and at the same time understood in different levels of relationships with the space that surrounds them, with the encircling architecture, with their social context or with spectators that directly interact with the work in a physical and psychological way.

The work’s content is in part due to the experiences during the period of dictatorship in Chile (1973-1989). This was a period which exerted great violence, intimidation and misinformation on the citizens. This climate of social instability also made evident an alert in the face of the lack of connection between the real and the apparent.

In another level of relationships, the works have a dialogue with the history of design and modern art, subverting its formal purity with their social content. The works presented here use electricity as power source, with a broad meaning: the electrical lights that often celebrate or honor a situation, show here the other side of their luminosity, i.e., darkness and fear, as simultaneous homage to seduction and alienation.

 

La electricidad es la base fundamental de mi trabajo, gracias a ella las esculturas e instalaciones  pueden ser percibidas y al mismo tiempo, comprendidas en distintos niveles de relaciones con el espacio que las rodea; con la arquitectura circundante,  con su contexto social o con espectadores que interactúan directamente con el trabajo en forma física y psicológica.

El contenido de las obras, en parte se debe a experiencias vividas durante el periodo de dictadura en Chile (1973-1989). Periodo que ejerció gran violencia, intimidación y desinformación en la ciudadanía. Este clima de inestabilidad social también evidenció una alerta ante la evidente desconexión entre lo aparente y lo verdadero.

En otro nivel de relaciones, los trabajos mantienen un dialogo con la historia del diseño y del arte moderno, subvirtiendo su pureza formal con sus contenidos sociales.

Los trabajos aquí presentados, ocupan la electricidad como fuente de poder con un amplio significado: las luces eléctricas que muchas veces celebran o festejan una situación, aquí muestran el otro lado de su luminosidad, es decir, la oscuridad y el miedo. Como homenajes simultáneos a la seducción y a la alienación.

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October 5, 2013 Sandra Nakamura https://abstractioninaction.com/artists/sandra-nakamura/

Translated from Spanish

My work derives from the critical analysis of spatial, social and economic conditions that shape our sense of identity and permanence. Thus, the fragility of the everyday, the symbolic and real meanings of property and the imminent transformation of the urban environment, are recurrent elements in my drawings, installations and interventions. More recent works extend these issues to the exhibition space, with the intention of pointing to the influence of the contemporary art market and the demands of the current exhibition models and the distribution of artworks in the artistic practice.

 

Mi trabajo se origina a partir de una reflexión crítica en torno a las condiciones espaciales, sociales y económicas que dan forma a nuestro sentido de identidad y permanencia. Así, la fragilidad de lo cotidiano, los significados tanto reales como simbólicos de la propiedad y la inminente transformación del entorno urbano figuran de manera recurrente en mis dibujos, instalaciones e intervenciones. Obras más recientes extienden estos cuestionamientos hacia los  espacios de exhibición con la intención de señalar la influencia del mercado de arte contemporáneo y las exigencias de los modelos actuales de exposición y distribución de obras en la práctica del artista.

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 2008-2009: Center for Contemporary Art Kitakyushu, Research Program, Kitakyushu, Japan.
  • 2005-2008: Bauhaus Universität Weimar, M.F.A. Art in Public Space, Weimar, Germany.
  • 2001-2003: University of California San Diego, B.A. Visual Arts, La Jolla, USA.

Prizes / Fellowships

  • 2009: Convocatoria de proyectos en espacio público Centro Abierto ’09, Museo de Arte de Lima + Centro Fundación Telefónica, Lima, Perú.
  • 2008: Beca para producción de proyectos, ARTIUM Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Spain.
  • 2007-2008: Beca para estudios de post-grado, Fundación Rosa Luxemburg, Berlín, Germany.
  • 2006: Art in Context Programme, Pépiniéres europennés pour jeunes artistes, París, France.

Solo Exhibitions

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Publications

  • Miguel López, “Tregua en el arenal”, Museo de Arte Contemporáneo Lima (2013).
  • Elida Román, El Comercio, (2013).
  • Nicole Cromartie y Sharon Lerner (entrevista), Catálogo de la exposición “We have as much time as it takes”, CCA Wattis Institute for Contemporary Art (2010).

Collections

  • Museo de Arte de Lima, Peru.

October 5, 2013 Magdalena Murua https://abstractioninaction.com/artists/magdalena-murua/

Translated from Spanish

My pleasure for handmade and handcraft work has allowed me to delve into the technique of collage, with which I work since several years ago. This technique lets me construct compositions of movement and color through diverse cut outs.  Thanks to an introspective work I can bring order to the chaos of the small cut outs—a more joyful order.

The amount of images to cut out is infinite, and they vary in their colors and textures. The shapes in which they can be cut out are infinite, such as circles, rectangles, squares, strips, rhombuses, or irregular geometric forms. Their layout in the surface of the work is unlimited; plot, pattern, repetition, overlap; diagonals, horizontally, vertically.

 

Mi gusto por el trabajo manual y artesanal, me ha llevado a profundizar en la técnica del collage, con la cual trabajo hace varios años. Esta técnica me permite construir, a través de distintos recortes, composiciones de movimiento y color. A través de un trabajo introspectivo puedo llevar orden al caos de los pequeños recortes, un orden más alegre.

Es infinita la cantidad de imágenes para recortar, que varían en sus colores o texturas. Ilimitadas las formas en que se pueden recortar como círculos, cuadrados, tiras, rombos o formas geométricas irregulares. Ilimitada es su disposición en el plano de la obra, trama, patrón, repetición, superposición, diagonales, horizontales, verticales.

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