Abstraction in Action “Ricardo Rendón – Vazio Contido / Contained Emptiness” https://abstractioninaction.com/contexts/ricardo-rendon-vazio-contido-contained-emptiness/

Screenshot 2014-02-04 16.20.36

Ricardo Rendón – Vazio Contido / Contained Emptiness, texts by Paula Braga and David Miranda, Zipper Galeria, Sao Paulo, 2013

In this catalogue, Paula Braga writes: “In his works, Ricardo Rendón proposes a renaissance in reverse, that emphasizes manual work, and exposes the worker face of conceptual art, that which values the process, the singularity of each gesture, which, as we learned with Sisyphus, is a redeeming attitude. Rendón, therefore, joins a school of Latin American artists like Hélio Oiticica who practiced a “cordial conceptualism”, in Marcelo Campos’ apt expression; cosa mentale, no doubt, but smoothened by the appreciation of banal materials.

The obsessive works in which Rendón pierces a felt, card or plaster surface are based on an idea of repetitive procedure that is no stranger to conceptual art. But it is not enough for this Mexican artist to offer the script, the algorithm that defines the repetitions to be executed; it’s necessary to present the object, to scatter on the floor the remains of the repetitive process of piercing the industrial felt, thus exhibiting a dimension of the object called time, even if what remains of the work is more of a void than actually matter; a void that points to the idea of corrosion, wear and tear, disappearing, dematerialization through division into small parts.”

Screenshot 2014-02-04 16.25.04

To download the full catalogue, click here

September 26, 2016 Public Abstraction https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/public-abstraction/


Public Abstraction
By Vlado Velkov (Author, Editor), Stefan Heidenreich (Author), Ana Teixeira Pinto (Author), Marcus Steinweg (Author), Petra Reichensperger (Author), Alexander Koch (Author), Gerrit Gohlke (Author), Raimar Stange (Author), Johannes Teiser (Foreword)
Published by Walther Koenig, 2015
300 pages

Could it be that fundamental aspects of abstraction remain to be discovered? Abstraction is usually conceived of formally and pictorially, whereby its underlying thought patterns often recede into the background. This book attempts to question the notion of abstraction and art history’s use of it by opening the term up to new interpretations in relation to the public and social spheres of activity. Numerous artistic contributions as well as essays by Gerrit Gohlke, Stefan Heidenreich, Alexander Koch, Ana Teixeira Pinto, Petra Reichensperger, Raimar Stange, Marcus Steinweg, and Vlado Velkov indicate various ways of reconsidering abstraction as a process and a method of artistic production.

Public Abstraction (Abstracción pública) editado por Vlado Velkov y publicado por Walther Koenig en el 2015

Pudiera ser que aspectos fundamentales de la abstracción están todavía por descubrirse? La abstracción es usualmente concebida formalmente y pictorialmente, de manera que sus patrones de pensamiento subyacente se desvanecen en el fondo. Este libro intenta cuestionar nociones de abstracción y  su uso por la historia del arte, al abrir el término a nuevas interpretaciones en relación a las esferas  de actividades públicas y sociales. Numerosas contribuciones artísticas y ensayos de Gerrit Gohlke, Stefan Heidenreich, Alexander Koch, Ana Teixeira Pinto, Petra Reichensperger, Raimar Stange, Marcus Steinweg, y Vlado Velkov, indican formas de reconsiderar la abstracción como proceso y método de producción artística.

September 13, 2016 Abstract Video: The Moving Image in Contemporary Art https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/abstract-video-moving-image-contemporary-art/


Abstract Video: The Moving Image in Contemporary Art
Edited by Gabrielle Jennings, Foreword by Kate Mondloch
Published by University of California Press, 2015
304 pages

Offering historical and theoretical positions from a variety of art historians, artists, curators, and writers, this groundbreaking collection is the first substantive sourcebook on abstraction in moving-image media. With a particular focus on art since 2000, Abstract Video addresses a longer history of experimentation in video, net art, installation, new media, expanded cinema, visual music, and experimental film. Editor Gabrielle Jennings—a video artist herself—reveals as never before how works of abstract video are not merely, as the renowned curator Kirk Varnedoe once put it, “pictures of nothing,” but rather amorphous, ungovernable spaces that encourage contemplation and innovation. In explorations of the work of celebrated artists such as Jeremy Blake, Mona Hatoum, Pierre Huyghe, Ryoji Ikeda, Takeshi Murata, Diana Thater, and Jennifer West, alongside emerging artists, this volume presents fresh and vigorous perspectives on a burgeoning and ever-changing arena of contemporary art.

Ofreciendo posiciones históricas y teóricas de una gama de historiadores del arte, curadores, y escritores, esta colección innovadora es la primera fuente sustantiva sobre abstracción en la imagen en movimiento. Con un enfoque particular en arte a partir del 2000, Abstract Video aborda una larga historia de experimentación en video, net art, instalación, nuevos medios, cinema expandido, música visual, y film experimental. La editora, Gabrielle Jennings, ella misma una video artista – revela como nunca antes, como obras de video arte abstracto no son meramente, como el renombrado curador Kirk Varnedoe una vez describió, “pinturas de nada”, pero mas bien espacios amorfos y no governables  que estimulan la contemplación y la innovación. En exploraciones de artistas celebrados tales como Jeremy Blake, Mona Hatoum, Pierre Huyghe, Ryoji Ikeda, Takeshi Murata, Diana Thater, y Jennifer West, junto a otros artistas emergentes, este volumen presenta perspectivas frescas y vigorosas sobre una arena del arte contemporáneo floreciente y siempre cambiante.

September 13, 2016 The Spiritual in Art: Abstract Painting 1980-1985 https://abstractioninaction.com/contexts/modern/spiritual-art-abstract-painting-1980-1985/


The Spiritual in Art: Abstract Painting 1980-1985
Organized by the Los Angeles County Museum of Art, by Maurice Tuchman with the assistance of Judi Freeman.
Published by Abbeville Press Publishers, New York, 1989
435 pages

The Spiritual in Art: Abstract Painting 1980-1985  was published by Abbeville Press Publishers, New York  in conjunction with the exhibition with the same name organized by the Los Angeles County Museum of Art, by Maurice Tuchman with the assistance of Judi Freeman. This collection of essays by over a dozen distinguished art historians reveals the many aspects of this profound undercurrent of abstract art.

From the 1890s through the present day, various forms of spirituality have influenced artists and inspired many important transitions from representational art to abstraction. Mystical and speculative philosophies with origins in both eastern and western cultures, as well as other utopian ideas, have been at the heart of the groundbreaking work of Paul Gauguin, Vasily Kandinsky, Piet Mondrian, Georgia O’Keeffe, Jackson Pollock, Joseph Beuys and many others. The seventeen essays in this provocative book provide a radical rethinking of abstraction, from the Symbolism that prefigured abstract art through the current manifestations of spiritual content in American and European painting.

The Spiritual in Art: Abstract Painting 1980-1985  (Lo espiritual en el arte: pintura abstracta 1980-1985) fue publicado por Abbeville Press Publishers, Nueva York  para la exhibición con el mismo título organizada por el  Los Angeles County Museum of Art, por Maurice Tuchman con la asistencia de Judi Freeman. Esta colección de ensayos de mas de doce distinguidos historiadores del arte revela  muchos aspectos de esta profunda tendencia subyacente del arte abstracto.

Desde 1890 al presente, varias formas de espiritualidad han influenciado artistas e inspirado muchas transiciones importantes del arte representativo hacia la abstracción. Filosofías místicas y especulativas con orígenes tanto en las culturas orientales como occidentales, como también otras ideas utópicas, se encuentran en el centro de la obra innovadora de Paul Gauguin, Vasily Kandinsky, Piet Mondrian, Georgia O’Keeffe, Jackson Pollock, Joseph Beuys y muchos otros artistas. Los diecisiete ensayos en este provocador libre provee una forma radical de repensar la abstracción, desde el Simbolismo que prefiguró el arte abstracto hasta las manifestaciones actuales de contenido espiritual en la pintura americana y europea.

September 13, 2016 The Stone & The Thread: Andean Roots of Abstract Art https://abstractioninaction.com/contexts/modern/stone-thread-andean-roots-abstract-art/


The Stone & The Thread: Andean Roots of Abstract Art
By Cesar Paternosto and translated by Esther Allen
Published by University of Texas Press, Austin,1996
296 pages

The ancient art of the Andes achieved its most sophisticated expression in weaving and painted pottery, as well as stone sculpture. Yet these objects have long been dismissed as craft items by observers for whom art means paintings on canvas and other manifestations of the European art tradition. In this major, paradigm-shifting book, first published in Buenos Aires in 1989 as Piedra abstracta, Cesar Paternosto offers the first comprehensive analysis of ancient Andean art in its own terms. Drawing all manifestations of Andean art–textiles, pottery, stone sculpture, carved rock outcrops, and the famous lines in the Nazca desert–into one coherent whole, he persuasively argues that these were the art media that fulfilled the symbol-making needs of a society that made no distinction between art and craft. Challenging the notion that abstraction is a development of the modern West, Paternosto reveals its deep roots as an indigenous American tradition and shows how that tradition reverberates in the work of twentieth-century artists such as Joaquin Torres Garcia, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, and Josef Albers. This section of the book, significantly expanded from the Spanish original, adds an important new chapter to the art history of the Americas. Engagingly written and beautifully illustrated, The Stone and the Thread unveils the masterpieces of ancient Andean art that have been long secluded in anthropological and natural history museums. It will open up new ways of seeing indigenous American art for a wide readership. A resident of New York City, Cesar Paternosto is a leading abstract artist who has exhibited widely in the Americas, Europe, and Japan.


La escultura inca: Una visión contemporánea César Paternosto
Fondo de Cultura Económica, Mexico, 1989

Olvidada durante largos siglos por los prejuicios que, bajo la máscara de la razón, alentaron la mirada occidental, la escultura lítica incaica fue despojada de los rasgos que le conferían singularidad estética y simbólica. Prácticamente ignorada por los primeros cronistas, despreciada por los antropólogos, expulsada, en fin, de la historia del arte, la escultura monumental de los Andes no había recibido, hasta el presente, la escrupulosa dedicación que se merecía.

En esta obra, César Paternosto, pintor y teórico del arte, indaga la materia desde perspectivas múltiples que, sin desdeñar los conocimientos que ofrecen las ciencias del hombre y de la cultura, rescata ante todo su dimensión estética. Apoyada en modelos interpretativos que no desconocen la evolución del arte de nuestro tiempo, la reflexión de Paternosto, no menos alejada de una etnocéntrica búsqueda isomórfica que de dudosas verbalizaciones formales, intenta una aproximación al sentido que las formas abstractas tenían en el pasado.

September 13, 2016 Pre-Columbian Art and the Post-Columbian World: Ancient American Sources of Modern Art https://abstractioninaction.com/contexts/modern/pre-columbian-art-post-columbian-world-ancient-american-sources-modern-art/


Pre-Columbian Art and the Post-Columbian World: Ancient American Sources of Modern Art
By Barbara Braun
Published by Harry N. Abrams in 1993
340 pages

Pre-Columbian Art and the Post-Columbian World: Ancient American Sources of Modern Art by Barbara Braun and published by Harry N. Abrams in 1993,  is one of the few books written on the relationship between modern art and Pre-Hispanic art. Whereas the subject of the influence of African sculpture on the European Avan-Garde of the early Twentieth century has been widely explored, little has been written on the Pre-Columbian sources of Modern Art. In this book Braun articulates how artists such as Paul Gauguin, Henry Moore, Louise Nevelson, Joaquín Torres-García, Paul Klee, Joseph Albers, Alfred Jensen, Tony Smith, Robert Smithson, and architect Frank Lloyd Wright, are indebted to ancient American forms and ideas, such as Mexican codices and murals, weavings, pottery, sculpture and Mesoamerican temples.

Pre-Columbian Art and the Post-Columbian World: Ancient American Sources of Modern Art  (Arte Precolombino y el mundo post-colombino: fuentes del arte moderno en la America antigua) de Barbara Braun y publicado por Harry N. Abrams en 1993, es uno de los pocos libros escritos sobre la relación entre el arte moderno y el arte prehispánico.  Mientras que el tema de la influencia de la escultura africana sobre la vanguardia europea de comienzos de siglo XX ha sido ampliamente explorada, poco se ha escrito sobre las fuentes del arte moderno inspiradas en el arte pre-colombino. En este libro Braun explica como artistas tales como Paul Gauguin, Henry Moore, Louise Nevelson, Joaquín Torres-García, Paul Klee, Joseph Albers, Alfred Jensen, Tony Smith, Robert Smithson, y el arquitecto Frank Lloyd Wright, están endeudados con las formas e ideas de la America Prehispánica, tales como los codices y murales Mexicanos, textiles, cerámica, escultura y templos mesoamericanos.

September 13, 2016 Reconditioned Abstraction https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/reconditioned-abstraction/


Reconditioned Abstraction
November 15, 1996–January 4, 1997
Contemporary Art Museum St. Louis

Reconditioned Abstraction is an exhibition catalog published by the Contemporary Art Museum St. Louis, for the show between November 15, 1996–January 4, 1997, featuring: Charles Clough, Lydia Dona, Moira Dryer, Rochelle Feinstein, Mary Heilmann, Jonathan Lasker, Fabian Marcaccio, David Reed and Philip Taaffe.

Martin Ball, the exhibition curator writes: “The idea of abstraction restored to a usable condition, or “reconditioned,” had its origins in my own practice as a painter, spurred on by a lecture given by artist and critic Saul Ostrow. Ostrow discussed the issue of whether recent abstract painting was new or merely renewed formalism, prompting me to re-evaluate my own views on recent neo-conceptual abstract painting. (…) Current abstraction (…) defamiliarizes historical conventions to express personal experience in the face of commercialized pleasures, by vernacularizing a prior set of rigid, idealized formal concepts, and internalizing the very theories that were presumed to deal a deadly blow to painting. (…)”Reconditioned” abstraction is an irritant in a politically perfect world of ideological piety.”


Reconditioned Abstraction (Abstracción reacondicionada) es un catálogo de exposición publicado por el Contemporary Art Museum St. Louis, para la exposición entre noviembre 15, 1996–enero 4, 1997. Incluye a los artistas: Charles Clough, Lydia Dona, Moira Dryer, Rochelle Feinstein, Mary Heilmann, Jonathan Lasker, Fabian Marcaccio, David Reed y Philip Taaffe.

Martin Ball, el curador de la muestra escribe: “La idea de la abstracción restaurada a una condición usable, o ‘reacondicionada’ tiene sus orígenes en mi propia práctica como pintor, estimulada por una charla del artista y crítico Saul Ostrow. Ostrow  discutió el problema de si la pintura abstracta reciente era nueva o simplemente un formalismo renovado, promoviendo que yo revaluara mis propias perspectivas sobre la reciente pintura abstracta neo conceptual. (…) La abstracción actual (…) desfamiliariza las convenciones históricas para expresar la experiencia personal en cara a los placeres comercializados, al vernacularizar una serie de conceptos formales anteriormente idealizados, e interiorizando las teorías que presumiblemente profirieron un golpe mortal a la pintura.(…) La Abstracción ‘reacondicionada’ is un irritante en un mundo políticamente perfecto de piedad ideológica.

September 13, 2016 Geométricos Hoy. Caminos en Expansión https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/geometricos-hoy-caminos-en-expansion/


Geométricos Hoy. Caminos en Expansión
Colección MACBA  Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires
Desde el 17 de mayo hasta el 29 de junio de 2012
Aldo Rubino: Idea y Dirección
Renata Cervetto: Curadora

Geométricos Hoy. Caminos en Expansión está conformada por parte del acervo patrimonial del MACBA – Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires. La exposición plantea un recorte de la escena artística rioplatense contemporánea, que tiene como protagonistas a varios de sus artistas más relevantes.

La exhibición se propone como un punto de confluencia, uno entre los posibles, para observar y pensar la producción de artistas que trabajan bajo el lenguaje de la abstracción geométrica, y busca generar nuevos abordajes de los múltiples caminos que este lenguaje ha adoptado desde la década del 90 hasta la actualidad.

Artists: Cecilia Biagini, Gabriela Böer, Marcelo Boullosa, Fabián Burgos, Natalia Cacchiarelli, Beto de Volder, Verónica Di Toro, Lucio Dorr, Mariano Ferrante, Jimena Fuertes, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, Silvana Lacarra, Inés Raiteri, Roberto Scafidi, Pablo Siquier, Andrés Sobrino, Carola Zech y Martín Pelenur.

Itineró a: UADE Art, Buenos Aires Director: Alejandro Cappelletti Fecha: 16 de mayo al 29 de junio Museo Emilio Caraffa, Córdoba Director: Jorge Torres Fecha: 12 de julio al 2 de septiembre Centro Cultural del Bicentenario, Santiago del Estero Directora: Sara Liendo Fecha: 6 de septiembre al 4 de noviembre Museo de Bellas Artes, Salta Directora: Andrea Elías Fecha: 8 de noviembre al 8 de diciembre.

September 13, 2016 Cecilia Fajardo-Hill: Abstractions/Abstracciones Significativas https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/cecilia-fajardo-hill-abstractionsabstracciones-significativas/


Cecilia Fajardo-Hill: Abstractions/Abstracciones Significativas
Published by Art Nexus, n. 92



September 13, 2016 Beyond the Supersquare: Art and Architecture in Latin America after Modernism https://abstractioninaction.com/contexts/beyond-the-supersquare/


Beyond the Supersquare: Art and Architecture in Latin America after Modernism
This exhibition is co-organized by Holly Block (New York City) and María Inés Rodríguez (Colombia), and designed by Benedeta Monteverde (Mexico).
May 1, 2014 to January 11, 2015
The Bronx Museum of the Arts 
New York, USA

Beyond the Supersquare explores the indelible influence of Latin American and Caribbean modernist architecture on contemporary art. The exhibition features over 30 artists and more than 60 artworks, including photography, video, sculpture, installation, and drawing, that respond to major Modernist architectural projects constructed in Latin America and the Caribbean from the 1920s through the 1960s. Beyond the Supersquare examines the complicated legacies of modernism through architecture and thought—as embodied by the political, economic, environmental, and social challenges faced by countries throughout Latin America—through the unique perspective of artists working today. This exhibition is co-organized by Holly Block (New York City) and María Inés Rodríguez (Colombia), and designed by Benedeta Monteverde (Mexico).

Artists in the exhibition include: Leonor Antunes (Portugal), Alexander Apóstol (Venezuela), Alexandre Arrechea (Cuba), Felipe Arturo (Colombia), Alessandro Balteo Yazbeck (Venezuela) and Media Farzin (USA), Alberto Baraya (Colombia), Carlos Bunga (Portugal), Los Carpinteros (Cuba), Jordi Colomer (Spain), Livia Corona Benjamin (Mexico), Felipe Dulzaides (Cuba), Fernanda Fragateiro (Portugal), Magdalena Fernández (Venezuela), Carlos Garaicoa (Cuba), Mario Garcia Torres (Mexico), Terence Gower (Canada), Patrick Hamilton (Belgium/Chile), Diango Hernández (Cuba), Quisqueya Henriquez (Cuba), Andre Komatsu (Brazil), Runo Lagomarsino (Argentina), Pablo Leon de la Barra (Mexico), Maria Martinez-Cañas (Cuba) and Rafael Domenech (Cuba), Daniela Ortiz (Peru), Jorge Pardo (Cuba), Manuel Piña (Cuba), Ishmael Randall-Weeks (Peru), Mauro Restiffe (Brazil), Pedro Reyes (Mexico), and Chemi Rosado-Seijo (Puerto Rico) and Roberto ‘Boly’ Cortéz (Puerto Rico).

A catalogue was produced for the show. Beyond the Supersquare: Art and Architecture in Latin America after ModernismEdited by Antonio Sergio Bessa with additional research by Mario Torres. Published by Fordham University Press and The Bronx Museum, New York, 2014


Beyond the Supersquare (Mas allá del supercubo) explora la indeleble influencia de la arquitectura modernista de America Latina y el Caribe en el arte contemporáneo.  La exhibición presenta mas de 30 artistas y mas de 60 obras, incluyendo fotografía, video, escultura, instalación, y dibujo, que responde a proyectos arquitectónicos modernistas importantes, construidos en América Latina y el Caribe desde los 20 hasta los años 60. Beyond the Supersquare examina los complejos legados modernistas a través de arquitectura y pensamiento – ejemplificado en en los retos políticos, económicos, ambientales que enfrentan los países de América Latina- a través de la perspectiva única de artistas hoy día. La exhibición fue co-organizada por: Holly Block (New York City) y María Inés Rodríguez (Colombia),  y diseñada por Benedeta Monteverde (Mexico).

Los artistas incluidos en la exhibición son: Leonor Antunes (Portugal), Alexander Apóstol (Venezuela), Alexandre Arrechea (Cuba), Felipe Arturo (Colombia), Alessandro Balteo Yazbeck (Venezuela) and Media Farzin (USA), Alberto Baraya (Colombia), Carlos Bunga (Portugal), Los Carpinteros (Cuba), Jordi Colomer (Spain), Livia Corona Benjamin (Mexico), Felipe Dulzaides (Cuba), Fernanda Fragateiro (Portugal), Magdalena Fernández (Venezuela), Carlos Garaicoa (Cuba), Mario Garcia Torres (Mexico), Terence Gower (Canada), Patrick Hamilton (Belgium/Chile), Diango Hernández (Cuba), Quisqueya Henriquez (Cuba), Andre Komatsu (Brazil), Runo Lagomarsino (Argentina), Pablo Leon de la Barra (Mexico), Maria Martinez-Cañas (Cuba) and Rafael Domenech (Cuba), Daniela Ortiz (Peru), Jorge Pardo (Cuba), Manuel Piña (Cuba), Ishmael Randall-Weeks (Peru), Mauro Restiffe (Brazil), Pedro Reyes (Mexico), y Chemi Rosado-Seijo (Puerto Rico) – Roberto ‘Boly’ Cortéz (Puerto Rico).

Un catálogo fue producido para la muestra: Beyond the Supersquare: Art and Architecture in Latin America after ModernismEditado por Antonio Sergio Bessa con investigación adicional de Mario Torres. Publicado por Fordham University Press y The Bronx Museum, New York, 2014

July 19, 2016 Lo[S] Cinético[S] https://abstractioninaction.com/contexts/los-cineticos/

Screen Shot 2016-07-18 at 4.56.58 PM

Lo[S] Cinético[S]
Curated by Osbel Suárez
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Madrid, Spain

The exhibition explores the presence of Kineticism from the beginning of modernity to the latest artistic expressions. For this reason, it explores its presence through a transversal perspective throughout more than a century, far from strict periodizations and classifications traditionally established, looking at tendencies such as Futurism, Constructivism, Dada, and Surrealism, which allowed to include artists that are not technically considered Kinetic. This exhibition proposes to reinterpret el reach and meaning of Kineticism in Latin America as their own contribution to the general discourse of modern art.

‘Lo[s] Cinético[s]’ stands, in this sense, in a space that attempts to crack the eurocentric vision of twentieth century art and to highlight the acknowledgment that Latin American artists made an important contribution to universal art.

Amongst the artists that participated in the show are: Alexander Apóstol, Carlos Cruz-Díez, Sandú Darié, Hugo Demarco, Horacio García-Rossi, Gyula Kosice,  Julio Le Parc, Antonio Maluf, Alejandro Otero, Abraham Palatnik, José Patricio, Matilde Pérez, Manera, Carmelo Arden Quin, Francisco Sobrino, Jesús Soto, Luis Tomasello, Víctor Valera, y Gregorio Vardánega.

For the exhibition an important catalogue was produced which includes essays by: Osbel Suárez, William Jeffett, Miguel Ángel García Hernández, Mathieu Poirier, Alexandre Quoi, Orestes Hurtado y Teresa Lanceta Aragonés. The catalogue includes more than 80 works by 45 artists, as well as texts on each one of the artists represented.


La muestra recorre la presencia del Cinetismo desde los inicios de la modernidad hasta las últimas manifestaciones artísticas. Por ello explora mediante una perspectiva transversal su presencia a lo largo de más de un siglo, lejos de las estrictas periodicidades y clasificaciones tradicionalmente establecidas, deteniéndose en corrientes como el Futurismo, el Constructivismo, el Dadaísmo o el Surrealismo, lo que permite  incorporar artistas no considerados técnicamente como cinéticos.

Por otra parte la exposición desea reinterpretar el alcance y significado del Cinetismo en América Latina como aportación propia al discurso general del arte moderno.

‘Lo[s] Cinético[s]’ se erige, en este sentido, en un espacio que intenta resquebrajar la visión eurocéntrica del arte del siglo XX y destacar el reconocimiento de artistas latinoamericanos que realizaron una importante contribución al arte universal.

Entre los artistas participantes se encuentran: Alexander Apóstol, Carlos Cruz-Díez, Sandú Darié, Hugo Demarco, Horacio García-Rossi, Gyula Kosice,  Julio Le Parc, Antonio Maluf, Alejandro Otero, Abraham Palatnik, José Patricio, Matilde Pérez, Manera, Carmelo Arden Quin, Francisco Sobrino, Jesús Soto, Luis Tomasello, Víctor Valera, y Gregorio Vardánega.

Para la exhibición se publicó un catálogo cuyos autores son: Osbel Suárez, William Jeffett, Miguel Ángel García Hernández, Mathieu Poirier, Alexandre Quoi, Orestes Hurtado y Teresa Lanceta Aragonés. El catálogo reúne más de 80 obras de 45 artistas, además de textos sobre cada artista representado.

July 19, 2016 América fría : la abstracción geométrica en Latinoamérica (1934 – 1973) https://abstractioninaction.com/contexts/america-fria-la-abstraccion-geometrica-en-latinoamerica-1934-1973/


América fría : la abstracción geométrica en Latinoamérica (1934 – 1973) 
Curated by Osbel Suárez
Fundación Juan March, Madrid, Spain

Cartografiar la historia —compleja y fragmentada— de la abstracción geométrica en Latinoamérica, para mostrar la renovación y el carácter diferenciado de sus invenciones y construcciones respecto a la abstracción geométrica europea es el propósito de la exposición. América fría. La abstracción geométrica en Latinoamérica (1934-1973). Pintura, fotografía, escultura y arquitectura están representadas en las casi 300 piezas–algunas de ellas nunca vistas fuera de sus países de origen— de más de 60 artistas procedentes de Argentina, Brasil, Colombia, Cuba, Uruguay, Venezuela y México. La muestra abarca un arco temporal definido por dos viajes de retorno de Europa a América: 1934, cuando Joaquín Torres–García regresa a Montevideo, y 1973, año de la vuelta del venezolano Jesús Rafael Soto para la inauguración de su museo en su ciudad natal, Ciudad Bolívar.

Cold America. Geometric Abstractionin Latin America (1934-1973) sets out to reveal the complex and fragmented history of geometric abstraction in Latin America and the way in which it renovated and also differed from European abstraction. Painting, photography, sculpture and architecture are represented through approximately 300 works, some never before viewed outside their country of origin, by 64 artists from Argentina, Brazil, Colombia, Cuba, Uruguay, Venezuela and Mexico, in a time frame defined by the dates in which two pivotal figures returned to Latin America from Europe: 1934, the year in which Joaquín Torres-García settled definitely in Montevideo, and 1973, when Venezuelan artist Jesús Rafael Soto traveled back to his native city of Ciudad Bolívar to inaugurate the museum that carries his name.

July 18, 2016 Geometric Abstraction in Latin America. Arte en Colombia / ArtNexus, Anthological Texts https://abstractioninaction.com/contexts/geometric-abstraction-latin-america-arte-en-colombia-artnexus-anthological-texts/


Geometric Abstraction in Latin America.
Arte en Colombia / ArtNexus, Anthological Texts
Edited by Ivonne Pini
ArtNexus- Spanish edition 
English and Spanish editions. 296 pages

This book groups an anthological selection of texts on geometric abstraction, published in Arte en Colombia/ArtNexus magazine. Abstraction has been present in the magazine since its inception during the 1970´s. The 1950´s represented a key moment for the Constructivist and Concrete Movements in Latin America, which were a starting point for generating an important production that influenced other related fields such as contemporary architecture and design.
From chapter 4 the book focuses of contemporary abstract artists such as: Vicente Antonorsi, Emilia Azcárate, Elías Crespín, Sigfredo Chacón, Marta Chilindrón, Marcolina Dipierro, Danilo Dueñas, Magdalena Fernández, Ricardo Rendón and Pablo Siquier.


July 18, 2016 Beyond Geometry: Experiments in Form, 1940s-1970s https://abstractioninaction.com/contexts/beyond-geometry-experiments-form-1940s-1970s/


Beyond Geometry: Experiments in Form, 1940s – 1970s 
Lynn Zelevansky (Editor)
June 1, 2004
Los Angeles County Museum of Art
240 pages

The 2004 LACMA-organized, Lynn Zelevansky curated Beyond Geometry: Experiments in Form, 1940s-70s exhibition provides a look at the art of an era that pulsated with the excitement of experimentation-when artists still believed in an avant-garde.  It examined the role of radically simplified form and systematic strategies in the evolution of vanguard art across the West; presented these issues art-historically, in a broad international framework which considered South American Concrete art outside of a regional context. Included 200 works by more than 130 artists, including examples of European and South American Concrete Art, Argentine Arte Madi, Brazilian Neo-Concretism, Kinetic and Op Art, U.S. Minimalism, and various forms of Post-Minimalism, including Process and Conceptual Art. Beyond Geometry includes work by such artists as Josef Albers, Bernd and Hilla Becher, Max Bill, Lucio Fontana, Eva Hesse, On Kawara, Sol LeWitt, Helio Oiticica, Blinky Palermo, Bridget Riley, Jesus Rafael Soto, and Victor Vasarely. It contains essays by Lynn Zelevansky, Ines Katzenstein, Valerie Hillings, Miklos Peternak, Peter Frank, and Brandon LaBelle that place the work in the context of art history and the aesthetic and social issues of the time.

La exhibición organizada por LACMA y curada por Lynn Zelevansky, Beyond Geometry: Experiments in Form, 1940s-70s, provee una mirada sobre el  arte de una era que pulsó con entusiasmo por la experimentación, cuando los artistas todavía creían en la vanguardia. Examina el rol de la forma radicalmente simplificada y estrategias sistematizadas en la evolución de la vanguardia en el occidente; presentó estos temas dentro de la historia del arte, en un marco amplio internacional que considera el arte concreto de Sur America fuera de su contexto regional. Incluyó mas de 200 obras por mas de 130 artistas, incluyendo ejemplos de arte concreto europeo y de Sur América, arte argentino Madi, neo concretismo brazilero, arte cinético y arte optico, minimalismo norteamericano, y varias formas de post-minimalismo, incluyendo  arte conceptual y procesual. Beyond Geometryincluye la obra de artistas tales como: Josef Albers, Bernd and Hilla Becher, Max Bill, Lucio Fontana, Eva Hesse, On Kawara, Sol LeWitt, Helio Oiticica, Blinky Palermo, Bridget Riley, Jesus Rafael Soto, y Victor Vasarely. El catálogo contiene ensayos de: Lynn Zelevansky, Ines Katzenstein, Valerie Hillings, Miklos Peternak, Peter Frank, and Brandon LaBelle  que colocan la obra en el contexto de la historia del arte y los temas estéticos y sociales de su tiempo.

July 16, 2016 Microhistorias y Macromundos Vol. 3 https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/microhistorias-y-macromundos-vol-3/

Screen Shot 2016-03-29 at 5.17.40 PM

Microhistorias y Macromundos Vol. 3.
Editor: Maria Lind, Museo Tamayo, Mexico City, 2010.
Authors: Ina Blom, Anthony Davies, Stephan Dillemuth, Matias Faldbakken, Liam Gillick, Peter Halley, Brian Holmes, Jakob Jakobsen, Maria Lind, Sven Lütticken, Nina Möntmann, Mai-Thu Perret, Gerald Raunig, Irit Rogoff, Emily Roysdon, Meyer Shapiro.
Publisher: Insituto Nacional de Bellas Artes

This anthology of texts by artists, critics, curators, writers and researchers was selected by Maria Lind, its editor and the guest curator of the exhibition Abstract Possible. Literature, critical theory and art history are disciplines  contained in this publication.  Abstract Possible proposes that abstraction not only relates to the formal in art, but that it is a concept which emerges from the economic, political, social and cultural relations that shape our lives, buy which abstraction is omnipresent. Authors: Ina Blom, Anthony Davies, Stephan Dillemuth, Matias Faldbakken, Liam Gillick, Peter Halley, Brian Holmes, Jakob Jakobsen, Maria Lind, Sven Lütticken, Nina Möntmann, Mai-Thu Perret, Gerald Raunig, Irit Rogoff, Emily Roysdon, Meyer Shapiro.

Microhistorias y Macromundos Vol. 3. Editora: Maria Lind, Museo Tamayo, Ciudad de Mexico, 2010.

Esta antología de textos por artistas, críticos, curadores, escritores e investigadores, fue seleccionada por Maria Lind, su editora y curadora invitada de la exhibición Abstracción Posible. La literatura, teoría crítica e historia del arte son las disciplinas contenidas en esta publicación. Abstracción Posible propone que la abstracción no solamente refiere a lo formal en el arte, sino que es un concepto que emerge de las relaciones económicas, sociales y culturales en que vivimos, por la cual la abstracción es omnipresente. Autores: Ina Blom, Anthony Davies, Stephan Dillemuth, Matias Faldbakken, Liam Gillick, Peter Halley, Brian Holmes, Jakob Jakobsen, Maria Lind, Sven Lütticken, Nina Möntmann, Mai-Thu Perret, Gerald Raunig, Irit Rogoff, Emily Roysdon, Meyer Shapiro.

March 30, 2016 Force Fields-Phases of the Kinetic https://abstractioninaction.com/contexts/modern/force-fields-phases-kinetic/


Force Fields-Phases of the Kinetic
By Guy Brett and Suzanne Cotter
July 1, 2000
ACTAR , Museu d’Art Contemporani de Barcelona
334 pages

A comprehensive study of the field of kinetic art which, although practiced by many notable artists, has remained relatively hidden from a large audience because of its under-representation in art museums and publications. Force Fields examines the entire history of the art form, covering works from the 1920’s through the 1980’s. Featured artists include Marcel Duchamp, Lazslo Moholy-Nagy, Alexander Calder, Lucio Fontana, Yves Klein, Piero Manzoni, Jean Tinguely, Henri Michaux, James Whitney, Takis, Fran ois Morellet, Jesus Rafael Soto, Pol Bury, Sergio Camargo, Sol LeWitt, Gego, Helio Oticia, Mira Schendel, Lygia Clark, Robert Smithson, Gordon Matta-Clark, Agnes Denes, Hans Haacke, Medalla, Dieter Roth, Len Lye, Liliane Lijn, Julio le Parc, Li Yuan-Chia, Dom Sylvester Houedard, Leandre Crist/fol and John Latham, among others.

March 20, 2015 The Experimental Exercise of Freedom: Lygia Clark, Gego, Mathias Goeritz, Helio Oiticica, And Mira Schendel https://abstractioninaction.com/contexts/modern/experimental-exercise-freedom-lygia-clark-gego-mathias-goeritz-helio-oiticica-mira-schendel/


The Experimental Exercise of Freedom: Lygia Clark, Gego, Mathias Goeritz, Helio Oiticica, And Mira Schendel
By Rian Carvajal and Alma Ruiz
Essays by Catherine David, Suely Rolnik, Sonia Salzstein, Osvaldo Sanchez
January 2, 2000
259 pages

This catalogue accompanied the exhibition Exercise of Freedom, on view at MOCA October 17 1999 – January 23, 2000.

Encompassing approximately one hundred pieces, this exhibition examined the contributions of five artists-Lygia Clark, Gego, Mathias Goeritz, Hélio Oiticica, and Mira Schendel-who created innovative and highly individualistic work in Latin America from the late 1950s to the 1970s. During the period highlighted by the exhibition, these artists moved away from traditional art forms such as paintings and sculpture, for a new aesthetic that connected directly with the cultures in which they lived.
January 21, 2015 The Geometry of Hope, Latin American Art from the Patricia Phelps de Cisneros Collection https://abstractioninaction.com/contexts/modern/geometry-hope-latin-american-art-patricia-phelps-de-cisneros-collection/


The Geometry of Hope, Latin American Art from the Patricia Phelps de Cisneros Collection
by Gabriel Perez-Barreiro (Author and Editor), Cecilia de Torres (Author), and Patricia Phelps de Cisnernos (Preface)
July 1, 2007
The Blanton Museum of Art
344 pages

Colorful and playful kinetic sculptures, experimental objects designed to be catalysts for community building, manifestos calling for joy and the negation of melancholy: these are the elements that have shaped The Geometry of Hope. The title of this richly illustrated, 340-page volume brings together two threads that epitomize postwar abstract art from Latin America: on the one hand, geometry, precision, clarity and reason; on the other, a utopian sense of hope. The book contains new scholarship by an international cast, with examinations of six key cities–Montevideo, Buenos Aires, Sao Paulo, Rio de Janeiro, Caracas and Paris–as well as insightful essays on individual works of art. It comes to us via the Cisneros Graduate Seminar, a collaborative program of the Blanton Museum in Austin, Texas, and the renowned Fundacion Cisneros, and covers more than four decades of art-making with works by 52 artists, among them Lygia Clark, Gego, Jesus Rafael Soto and Helio Oiticica.

August 26, 2014 The Sites of Latin American Abstraction https://abstractioninaction.com/contexts/modern/sites-latin-american-abstraction/


The Sites of Latin American Abstraction
Edited by Juan Ledezma. Foreword by Ella Fontanals-Cisneros. Introduction by Cecilia Fajardo-Hill
Charta / CIFO

The history of Latin American abstraction has not yet been completely written, but what has been written owes much to the Miami-based Cisneros Fontanals Art Foundation. This substantial new publication includes 146 abstract geometric artworks from the 1930s-1970s–drawings, paintings, sculptures and photography from such cultural centers as Argentina, Brazil, Mexico, Uruguay and Venezuela. It also elaborates on a new perspective: that Latin American identity greatly affected the art of the Modernist period. Art historian and curator Juan Ledezma creates unexpected connections and visual analogies across generational and national boundaries, offering, for example, socio-political corollaries between Latin American Concrete art and concurrent movements like Russian Constructivism and Suprematism.

August 1, 2014 Cecilia Fajardo-Hill: Abstraction as an Empty Sign https://abstractioninaction.com/contexts/modern/cecilia-fajardo-hill-abstraction-empty-sign/

Screenshot 2014-06-05 11.52.59

Cecilia Fajardo-Hill: Abstraction as an Empty Sign
May 8, 2014
Colección Patricia Phelps de Cisneros

International abstraction, and more specifically, abstract geometric art is considered one of the greatest, most ambitious and elegant forms of modernity, despite still being widely misunderstood and despite the pervasiveness  of representational art to the present day. In the same way that Mexican Muralism was seen as the height of Modern Art in Latin America in the 1970s and 1980s, whereas Geometric Abstraction was perceived as not displaying enough exotic or nationalist undertones to be authentically Latin American, we may see a return to older, more traditional models of modernity for Latin America when our present internationalist art market/art historical vein changes. The political and conceptual aspects of abstraction are easily neutralized through its aesthetic beauty, and for both the art market and art history at present, it is more palatable to promote Latin American Geometric Abstraction produced between the 1940s and the 1970s as the most legitimate, desirable and demonstrable modern art expression of the continent. The issue is not whether Geometric Abstraction is more or less modern, valid or important than Mexican Muralism for example, but why we think of Modern Art in Latin America as a polarized or unique idea of art related to abstraction. We know that Latin American art has been both international and specific since Colonial times; we also know that in each country during the 1940s-1970s many contradicting and important art expressions of great relevance took place simultaneously. Abstraction as a single model for modernity is at risk for turning into a canonical art form caricaturized by a speculative art market, and of quickly becoming obsolete like every trend or fashion in art and culture. Geometric abstraction needs to be discussed and studied in the context of other art expressions of the time, as part of a complex art historical fabric in order to avoid becoming an empty sign or a new stereotype of Latin American art.

June 16, 2014 Inverted Utopias, Avant-Garde Art in Latin America https://abstractioninaction.com/contexts/modern/inverted-utopias-avant-garde-art-latin-america/


Inverted Utopias, Avant-Garde Art in Latin America
Mari Carmen Ramírez and Héctor Olea et al.
August 11, 2004
608 pages

In the twentieth century, avant-garde artists from Mexico, Central and South America, and the Caribbean created extraordinary and highly innovative paintings, sculptures, assemblages, mixed-media works, and installations. This innovative book presents more than 250 works by some seventy of these artists (including Gego, Joaquín Torres-García, Xul Solar, and José Clemente Orozco) and artists’ groups, along with interpretive essays by leading authorities and newly translated manifestoes and other theoretical documents written by the artists. Together the images and texts showcase the astonishing artistic achievements of the Latin American avant-garde.

The book focuses on two decisive periods: the return from Europe in the 1920s of Latin American avant-garde pioneers; and the expansion of avant-garde activities throughout Latin America after World War II as artists expressed their independence from developments in Europe and the United States. As the authors explain, during these periods Latin American art was fueled by the belief that artistic creations could present a form of utopia—an inversion of the original premise that drove the European avant-garde—and serve as a model for a new society.

As an insightful source for new ideas about the nature and function of modern art, Inverted Utopias is an essential book that will become a classic text in the field.

Mari Carmen Ramírez is the Wortham Curator of Latin American Art and director of the International Center for the Arts of the Americas at The Museum of Fine Arts, Houston; Héctor Olea is an independent scholar and curator specializing in Latin American modern art.

May 20, 2014 Cecilia Fajardo-Hill: “Los libros de historia necesitan ser reescritos para incorporar al arte contemporáneo Latinoaméricano” https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/cecilia-fajardo-hill-los-libros-de-historia-necesitan-ser-reescritos-para-incorporar-al-arte-contemporaneo-latinoamericano/

Cecilia Fajardo-Hill: “Los libros de historia necesitan ser reescritos para incorporar al arte contemporáneo Latinoaméricano”
Interview by Diego Parra
March 28, 2014
Artishock -Revista de Arte Contemporáneo-

Abstraction in Action, una nueva plataforma de investigación y difusión para el arte abstracto contemporáneo producido en América Latina, es un proyecto curatorial en curso a cargo de Cecilia Fajardo-Hill. La curadora e historiadora del arte, que tiene una larga experiencia trabajando con la abstracción latinoamericana tanto moderna como contemporánea, reconoce que en los últimos años estas vertientes han dado cierta entrada a América Latina en la historia del arte universal. En ese sentido, este proyecto busca cultivar en el contexto norteamericano las curadurías y publicaciones sobre arte latinoamericano, para lo que se ha aliado con la Colección Sayago & Pardon y  un equipo de curadores que la asesoran desde diferentes puntos de América Latina.

“No existe suficiente exploración académica o crítica del fenómeno de la abstracción actual, y por lo tanto sigue siendo en parte invisible o se sigue exhibiendo una visión convencional y a veces retrógrada de la abstracción contemporánea. Se sabe que ha habido un retorno al interés por la abstracción en el mundo entero desde los 90, y América Latina no es la excepción, de allí que sea necesario crear plataformas para que se pueda promover, exhibir, estudiar y generar diálogo con el mundo, motivo por el que fundamos AIA”, dice Fajardo-Hill.

En esta entrevista, la curadora de origen venezolano-británico nos habla a profundidad de AIA, sus proyectos a futuro, su relación con el pasado moderno en Latinoamérica y cuál es el rol de nuestro continente hoy en día en el circuito internacional del arte contemporáneo.


Cecilia Fajardo-Hill. Foto Cortesía © Amalia Caputo, 2008, Todos los derechos reservados.


Diego Parra: Primero que todo, ¿cómo se origina Abstraction in Action (AIA)? ¿Cuál es el rol de la Colección Sayago & Pardon en tu proyecto?

Cecilia Fajardo-Hill: AIA nace de una inquietud de entender qué había sucedido con la tradición moderna abstracta en América Latina. En años recientes, la abstracción moderna -especialmente la geométrica- se ha transformado en una suerte de nuevo canon artístico que ha dado cierta entrada a Latinoamérica en la historia del arte universal. El tema es que de la misma manera que en un momento fue, por ejemplo, el Muralismo Mexicano el canon para América Latina, estas tendencias siempre generan nuevas exclusiones y cierta uniformidad en la historia que se proyecta en el presente. AIA inicialmente iba a ser una exhibición que revisaba la abstracción post-90’s, pero cuando el MOLAA (Museum of Latin American Art, Long Beach, California) prescindió de mi posición, también canceló este proyecto. Ya para ese entonces había investigado el campo por un año y sabía que era mucho más rico y diverso de lo que jamás me imaginé, y a la vez entendí que no había mucha investigación sistemática sobre el campo y por lo tanto era un proyecto importante de continuar. AIA se transformó entonces en una colaboración con la Colección Sayago & Pardon, a quien actualmente asesoro, y que está enfocada en la abstracción contemporánea de América Latina.

Puesto que Nicholas Pardon y Sammy Sayago trabajan en el ámbito de Internet y los nuevos medios, se propició crear desde un comienzo la plataforma digital y también una base de datos de artistas para promover, producir y propiciar nueva investigación, reflexión, y un entendimiento de un campo que es extremadamente complejo y dinámico. Sayago & Pardon han creado un equipo fantástico tanto para todo lo relacionado con el contenido del sitio web y la colección que es extremadamente relevante,  como con todo el apoyo y conocimiento sobre tecnología. También viajamos juntos, ya que estamos explorando el campo y buscando información. Ha sido una colaboración fantástica.


Carmela Gross (Brasil, 1946), Holes 2, 1994, agujeros en el piso, 18 x 18 m. Proyecto site-specific para el antiguo matadero municipal de Sao Paulo, Brasil. Foto: Rómulo Fialdini. Cortesía: AIA


D.P.: Actualmente, ¿en qué se encuentra el proyecto y cuáles son sus proyecciones a corto plazo?

C.F: En estos momentos Sayago & Pardon está por abrir una nueva sede en Orange County llamado The Space, que tendrá unas salas de exhibición, y para el verano estaremos inaugurando una primera muestra sobre el Monocromo contemporáneo en América Latina, para la cual estamos además preparando una importante publicación bilingüe. Estamos también organizando otra exhibición en colaboración con el Museo Carrillo Gil de México sobre abstracción y cultura material, o lo que se describe en inglés como popular culture, programada para el 2015. Estamos planificando que estas muestras itineren y ambas tengan buenos catálogos con distribución internacional.

Actualmente AIA está a punto de duplicar el numero de artistas en su sitio web, y al mismo tiempo está desarrollando contenidos que serán específicos de la plataforma digital, cuestiones que nos permitirán expandir nuestras nociones sobre la abstracción que por lo demás no concebimos -como se hacía tradicionalmente- como un campo separado de la realidad, sino que integrado dinámica y críticamente a ella. Por ejemplo, vamos a desarrollar colaboraciones con curadores invitados tanto en el espacio como en el sitio web, e incorporaremos géneros como el arte sonoro, cuya materia prima es ruido, abstracto e intangible visualmente. Para el sitio web desarrollaremos también una serie de publicaciones digitales sobre diversos temas y artistas individuales.

En lo personal, para mi lo más importante es producir conocimiento, documentos y publicaciones en colaboración con muchos colegas, para así desarrollar el campo a nivel teórico y luego promoverlo al mundo. Realmente hay información insuficiente sobre la abstracción contemporánea en Latinoamérica y se siguen escribiendo todos los libros sobre el campo excluyéndola, por la misma y triste razón de siempre: falta de información, indiferencia y cierto prejuicio.


Ricardo Alcaide (Venezuela, 1967), Untitled with elements No.5, 2013, de la serie: Intrusions, técnica mixta, 21,5 x 28 cm. Cortesía del artista y AIA


Iosu Aramburu (Perú, 1986), Ser de su tiempo XV (de la serie Ser de su tiempo), 2012, óleo sobre tela y luz neón, 60 x 40 cm. Lodevans Collection. Foto: Per Tomas Seppola Kjaervik. Cortesía: AIA


D.P.: ¿Cuál es tu relación con el concepto  “Latinoamérica” o “latinoamericano”? ¿Crees que es una categoría útil o suficiente para comprender el arte producido en esta área? Te lo pregunto porque hay múltiples voces que consideran esta noción como contenidista y simplificadora…

CF.: Se que el concepto de lo latinoamericano es problemático y siempre lo será, pero es un laboratorio de trabajo útil e imprescindible para seguir señalando la necesidad de investigar y apreciar una amplia zona de la cultura del mundo que pasa muchas veces desapercibida. Yo creo en la especificidad de, por ejemplo, Guatemala o México, pero también en la posibilidad de hablar desde un continente, y por ejemplo establecer una plataforma como AIA que se propone incluir a los protagonistas de todos estos países. La idea no es uniformar ni limitar, sino que crear redes de colaboración y diálogo entre nuestros países para establecer los puntos de encuentro y desencuentro y, a su vez, aprender y apreciar nuestras producciones artísticas. Cuando era directora de la Cisneros Fontanals Arts Foundation (CIFO) en Miami decidimos no mencionar la palabra latinoamericano, pero años después me di cuenta que esto no iba a borrar el problema, y que era más interesante y efectivo seguir trabajando desde su plataforma, con toda su amplitud, dificultad y paradigmas, siempre y cuando al final miremos las cosas específicamente. De allí que necesitemos las visiones de curadores de cada país y en AIA hemos iniciado el comité asesor con los primeros tres curadores que proponen artistas, y colaborarán con curadurías y escritos para el futuro desarrollo de este proyecto.



Christian Camacho Reynoso (México, 1985), Self-portrait as material, 2013, técnica mixta, 39 x 53 cm. Cortesía del artista y AIA


José Dávila (Mexico, 1974), Topologies of Light III, 2013, impresión digital, 250 x 500 cm (área total de instalación). Cortesía del artista y AIA


D.P.: ¿Crees que estamos viviendo un nuevo “boom latinoamericano”? Lo pregunto porque no sólo tu estás trabajando con el arte producido en Latinoamérica. En paralelo, la plataforma Red de Conceptualismos del Sur viene hace mucho trabajando, y ya lograron llevar una exposición importante al Museo Reina Sofía (Perder la Forma Humana, 2012), y junto con ellos la Colección Patricia Phelps de Cisneros llevó La Invención Concreta (2012) al mismo museo (fundación que, a su vez, tiene un amplio trabajo promocionando el arte geométrico en Latinoamérica).

C.F.: Yo soy escéptica de la idea de un boom latinoamericano. Como idea ha estado asociada al mercado más que a la representatividad de América Latina en el escenario mundial. Para mí Latinoamérica comenzó a adquirir un lugar mucho más interesante luego de las llamadas celebraciones del quinto centenario del descubrimiento de América en 1992. A partir de ese momento, América Latina comenzó a participar más desde si misma y con una visión crítica, más allá del fenómeno mediatizado y estereotipado del multiculturalismo de los 80. Claramente parte de esta visibilidad se debe a un conjunto de factores: hay muchos más curadores e historiadores del arte trabajando sobre este campo que están publicando y creando buenas exhibiciones tanto locales como internacionales, además de Bienales, y, en paralelo, están formando a las nuevas generaciones de investigadores, historiadores del arte y curadores. Muchos museos en América Latina están haciendo una labor extraordinaria y han logrado exportar sus exhibiciones y publicaciones, trabajando en colaboración con otros museos dentro y fuera de América Latina, tales como el Museo de Arte de Lima (MALI), en Perú, la Pinacoteca en Sao Paulo, el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) en México, y muchas instituciones más. Museos internacionales como la Tate, el Reina Sofia, el Museum of Fine Arts (MFA) de Houston, o el MoMA están haciendo esfuerzos con sus colecciones y programas expositivos. También colecciones privadas están haciendo importantes contribuciones; iniciativas de artistas como Oficina #1 en Caracas, o SOMA en Ciudad de México, por poner dos ejemplos. Sin embargo, no podría hablar de un boom, y en efecto no es deseable -la idea de estar de moda-, ya que sabemos que luego esto pasa. América Latina necesita sencillamente consolidarse como una protagonista en la escena del arte contemporáneo mundial y, a su vez, los libros de historia del arte necesitan ser reescritos pensando en incorporarla.


Nicolás Consuegra (Colombia, 1976), Noche (después de Ziraldo) y Día, 2012, 170 x 120 x 2.5 cm., serie de 3, acero. Colección Banco de la República de Colombia. Cortesía del artista y AIA



Mariela Scafati (Argentina, 1973), Soy rojo y rosa, 2012, acrílico sobre cartón gris, 138 x 140 cm. Foto: Facundo Pires. Cortesía: AIA


D.P.: En la medida en que el interés por la abstracción latinoamericana ha sido incentivado desde espacios privados, ¿crees que este “boom” que antes mencioné tenga una fecha de caducidad asociada a los vaivenes del mercado?

C.F.: Como explicaba antes, no creo en tal boom. Lo que ha ocurrido es que la abstracción geométrica latinoamericana ha adquirido una estelaridad importante, que ha propiciado una entrada a la palestra de la modernidad universal, distinta y más cosmopolita que la del Muralismo Mexicano. Ahora le está llegando el momento al arte conceptual de América Latina, que necesita ser mucho más explorado y puesto en diálogo con el resto del mundo. Es cierto que muchas exhibiciones claves sobre la abstracción han sido iniciativas privadas, pero no podemos negar que quien inició la exploración en el campo fueron curadores como Guy Brett en los años 60 en Londres, quien co-curó la muestra internacional Campos de Fuerza en el MACBA (España) en el 2001 e incluyó a muchos artistas abstractos de América Latina; o también muestras importantes como América Fría, curada por Osbel Suárez para la Fundación Juan March en el 2011. En los años 60, cuando Jesús Soto y Carlos Cruz-Diez -por mencionar a dos artistas importantes de ese momento- participaban en exhibiciones en toda Europa relacionadas con abstracción y cinetismo, eso también supone un antecedente. A partir de los 70, cuando se cimentaron los estereotipos de lo pintoresco y folclórico asociados a América Latina, es también cuando se desdibuja el internacionalismo de la abstracción latinoamericana, que vuelve a hacerse evidente en la década pasada. Veo difícil que la abstracción histórica de América Latina se vuelva a tergiversar con toda la investigación que ha habido y las colecciones que han adquirido obras y realizado exhibiciones.

Pablo Jansana (Chile, 1976), Untitled No.11, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 sobre MDF, fibra de vidrio, plexiglas, madera y aluminio. Dimensiones variables. Foto: Thelma García. Cortesía: AIA


Juan Pablo Garza (Venezuela, 1980), Cuadrado estrellado, 2011, tinta a chorro sobre papel de algodón, 70 x 70 cm. Cortesía del artista y AIA


D.P.: En relación con el trabajo que está haciendo AIA con artistas latinoamericanos contemporáneos, ¿crees que la situación internacional es más favorable para ellos en comparación a sus “antepasados” modernos? Aquí no sólo me refiero a la adquisición de sus obras por coleccionistas privados, sino que también de museos internacionales o bienales y ferias de arte.

C.F.: Pienso que la abstracción contemporánea en América Latina es interesante porque dialoga de manera dialéctica o crítica con sus propias tradiciones abstractas, junto con las complejas y difíciles modernidades del continente. Por otro lado, es también increíblemente experimental; además, no se plantea a si misma como una forma opuesta a la realidad sino en diálogo y como parte de la misma, ni se plantea si la cultura material que asume es híbrida, decolonial o del día a día. Se produce una abstracción que no es genérica ni “universal”, sino específica e innovadora y que a la vez puede dialogar en cualquier plataforma a partir de si misma. Como todo arte interesante, éste debería tener la posibilidad de ser exhibido, investigado y coleccionado. El tema es que no existe suficiente exploración académica o crítica del fenómeno de la abstracción actual, y por lo tanto sigue siendo en parte invisible o se sigue exhibiendo una visión convencional y a veces retrógrada de la abstracción contemporánea. Se sabe que ha habido un retorno al interés por la abstracción en el mundo entero desde los 90, y América Latina no es la excepción, de allí que sea necesario crear plataformas para que se pueda promover, exhibir, estudiar y generar diálogo con el mundo, motivo por el que fundamos AIA. Hoy el mercado es mucho más flexible, dinámico y amplio que cuando los artistas neo-concretos estaban trabajando, así que veo todo el potencial para que a muchos de los artistas contemporáneos trabajando en la abstracción tengan mercado. Hay muchos ejemplos de artistas que gozan de gran visibilidad y estabilidad de mercado.

Jorge Cabieses (Perú, 1971), S/T, 2011, parihuela, poliuretano, espejo, 50 x 111 cm. Foto: Juan Pablo Murrugarra. Cortesía: AIA


Patrick Hamilton (Chile, 1974), Intersección, 2013, protecciones de fierro esmaltadas, 11,30 x 2, 84 x 0,07 metros. Cortesía: Museo de Arte Contemporáneo de Chile (MAC) y AIA


D.P.: A la luz del actual escenario global, ¿consideras mucho más complejo que hace 20 años reconocer un elemento propiamente local en la producción artística latinoamericana contemporánea?

C.F.: Yo creo en la especificidad cultural, y por lo tanto el arte llamado “genérico” no me parece interesante. América Latina siempre ha sido híbrida, cosmopolita, diversa, ecléctica y definir un arte como “local” es problemático de por sí. Pienso que una de las razones por la cual el arte contemporáneo en América Latina es tan interesante es porque logra ser específico a la vez que “universal”, es decir, se manifiesta con la experimentalidad conceptual y material del arte de hoy, a la vez que aborda temáticas y materialidades propias.

Estoy en este momento trabajando con un equipo de curadores de la próxima Bienal de Arte Paiz de Guatemala -a inaugurarse el 5 de junio- y este es un buen ejemplo de un lugar poco reconocido por el mercado y el medio internacional, en el cual hay una escena artística local muy fuerte, de artistas que trabajan a partir de sus realidades históricas, sociales, materiales y de diversas culturas junto con sus propias formas de experimentalidad, que a nivel conceptual son absolutamente relevantes para pensar en muchos de los temas y problemas mas apremiantes del arte hoy día. La abstracción, que pudiera decirse que es el lenguaje más posiblemente “apolítico” y genérico, para mi ha probado ser todo lo contrario en nuestro continente, y cuando miras a tantas otras formas artísticas como el performance, el dibujo, la instalación, etc., encuentras muchas singularidades que son únicas sin que se puedan definir como clichés y folclorismos de los cuales se ha acusado tanto a América Latina, y que en realidad nada tienen que ver con ella, sino con los prejuicios del “otro” con poder.



Adán Vallecillo (Honduras, 1977), Provocación IV (de la serie Provocaciones a Mondrian), 2009, acrílico sobre tela con nivelador incrustado, 90 x 100 cm. Saxo Bank Collection, Dinamarca. Cortesía del artista y AIA


Jorge Pedro Núñez (Venezuela, 1976), Sin título (Smoked Walls), 2013, materiales diversos (incluido, trozo de pared encontrado en las calles de París), 60 x 90 x 60 cm.  Tiroche DeLeon Collection (Londres). Cortesía del artista y AIA


D.P.: ¿Consideras conciliables las vertientes abstractas de arte contemporáneo en Latinoamérica con las expresiones de un carácter político, mucho más ligadas con la contingencia de cada país, y que de alguna manera han sido también un sello de lo latinoamericano en los últimos 50 años?

C.F.: Por supuesto. Se ha estudiado bastante a Matias Goeritz, Helio Oiticica o Gego, por mencionar a tres artistas que estaban absolutamente conectados con los procesos de modernización de sus respectivas culturas y países, a la vez que participaron, dieron forma, incluso desde la crítica, a estas modernidades. La abstracción tuvo entonces una pausa en los 80 y luego se afianzó nuevamente, aunque algunos artistas tales como Eduardo Costa, Carmela Gross o Anna Maria Maiolino nunca detuvieron sus exploraciones en este campo. Hoy día artistas como Amadeo Azar muestran paradójicamente cómo un artista como Raúl Lozza en su obsesión abstracta ejercía una resistencia a la estética populista del Peronismo; o artistas como Adán Vallecillo, Sergio Vega y Fernanda Laguna están investigando y reinscribiendo modernidades heredadas y sus ideologías, al igual que hablan del presente de una manera crítica.

Acabo de hacer una investigación acerca del monocromo contemporáneo en América Latina para un libro que publicaremos con AIA y me encontré que este, el “género” artístico mas críptico y mudo, se esta reinscribiendo desde la materialidad del descarte y del día a día en nuestras culturas, subvirtiendo cualquier idea esencialista del monocromo que hemos heredado de comienzos del siglo XX desde Europa y luego del minimalismo norteamericano; creando fisuras en las superficies impecables del monocromo tradicional para hacerlo híbrido, otro.


Gabriel Sierra (Colombia, 1975), EndsMiddlesBeginnings, 2008-2012, proyecto site-specific de intervención en el espacio. Dimensiones variables. Cortesía del artista y AIA


Ishmael Randall Weeks (Perú, 1976), Mercado, 2008, espejos y madera. Dimensiones variables. Cortesía del artista y AIA


Ramiro Oller (Argentina, 1982), Concepto Futucubista, 2012, polarizado sobre vidrio, 180 x 500 cm. Oxenford Collection. Cortesía del artista y AIA


D.P.: En lo que respecta a la teoría e historia del arte, ¿cómo percibes el panorama de estudios sobre la abstracción moderna en Latinoamérica? A tu juicio, ¿la producción latinoamericana amerita un replanteamiento del paradigma teórico impuesto por Clement Greenberg (Modernist Painting, 1960) y Peter Burger (Teoría de la Vanguardia, 1974) para analizar el arte moderno?

C.F.: En los programas de estudio de historia del arte se necesita incluir la abstracción y no sólo la geométrica, sino que la informal, como también al arte conceptual. Se necesitan incluir a muchas más mujeres artistas también. Revisar en general las contribuciones del arte moderno provenientes de América Latina al arte “universal”. Para mi, Greenberg es básicamente irrelevante a la hora de pensar en la abstracción latinoamericana.

Sobre Peter Burger, este tiene un concepto que es absolutamente limitante para poder pensar en algún concepto de vanguardia para América Latina, porque nosotros no participamos de las vanguardias europeas que “lo gestaron todo”, según él, y en la etapa de las neo-vanguardias, donde recaería nuestro continente, la producción sería una mera repetición de dudoso valor. Es mucho más interesante la aproximación al tema de neo-vanguardia del October Group, con autores como Hal Foster y Rosalind Krauss, que piensan al tema de la vanguardia como el regreso de lo reprimido que puedes trabajar y entender a medida que lo reelaboras y revisitas. También podemos pensar en el concepto de duración de Bergson, o la idea de Agamben acerca de la contemporaneidad no concebida como estar en la luz, de centro de atención o de lo aceptado, sino explorar lo no-obvio, lo que está en las penumbras. También tenemos autores importantes que son una referencia para nosotros, como Juan Acha en los 70 y, más recientemente, aquellos que incluyen perspectivas críticas menos obsesionadas con la idea de modernidad, y que van de-construyendo nociones lineales de historia en las cuales no hemos participado, como Nestor García Canclini y Nelly Richard, por mencionar a dos autores. Necesitamos ser mucho más interdisciplinarios  y  estudiar  por ejemplo teoría postocolonial en autores como Enrique Dussel, Aníbal Quijan y Walter Mignolo, que informen los marcos conceptuales y críticos que necesitamos crear para teorizar nuestra propia historia del arte.


Nuno Ramos (Brasil, 1960), Sin título, 2006, materiales diversos. Cortesía del artista y AIA


Fernanda Laguna (Argentina, 1972), Para siempre (de la serie Formas Negras), 2012, acrílico sobre tela perforada, 67 x 115 cm (díptico). Cortesía de la artista y AIA


Cecilia Fajardo-Hill es historiadora del arte y curadora en arte moderno y contemporáneo especializada en arte latinoamericano, establecida en el sur de California. Fajardo-Hill realizó un doctorado en Historia del Arte en la Universidad de Essex, Inglaterra, y una maestría en historia del arte del siglo XX en el Courtauld Institute of Art, Londres. Fajardo-Hill fue la curadora en jefe del Museo de Arte Latinoamericano (MOLAA), de Long Beach, California, entre el 2009 y el 2012. Fue directora y curadora en jefe de la Cisneros Fontanals Arts Foundation (CIFO), Miami, Estados Unidos, entre el 2005 y el 2008. También fue directora general de la Sala Mendoza, en Caracas, Venezuela, entre 1997 y 2001. Ha curado numerosas exhibiciones de artistas contemporáneos internacionales y de América Latina y ha publicado sobre artistas tales como Débora Arango, Johanna Calle, Elías Crespin, Carlos Cruz-Diez, Leandro Erlich, Jimmie Durham, Mona Hatoum, Artur Lescher, Rafael Lozano-Hemmer y María Evelia Marmolejo. En estos momentos está co-curando, junto a Andrea Giunta, la exhibición El cuerpo político: mujeres radicales en América Latina 1960-1985, en el Hammer Museum de Los Angeles, para la iniciativa PST LA/LA de la Getty.

Fajardo-Hill es la curadora de Abstraction in Action, una plataforma múltiple sobre abstracción contemporánea en América Latina, iniciativa de Sayago & Pardon. También es la curadora de Ricardo Valverde: Experimental Sights, 1973-1996, a inaugurarse en mayo de 2014 en el Vincent Price Art Museum, Los Angeles, y es la curadora general de la XIX Bienal de Arte Paiz de Guatemala, que se inaugura en junio de 2014. Ha participado en numerosas conferencias internacionales y en el 2011 organizó el Simposio Entre la Teoría y la Práctica: Repensando el arte latinoamericano en el siglo 21 para la MOLAA, Long Beach, y MALI, Lima, en colaboración con el Getty Research Institute, Los Angeles.

April 14, 2014 Abstracción temporal (Temporary Abstraction), Museo Experimental El Eco 2010 https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/abstraccion-temporal-temporary-abstraction-museo-experimental-el-eco-2010/


Abstracción temporal (Temporary Abstraction), Museo Experimental El Eco 2010
Mexico City, Mexico

“Art in general, and naturally architecture as well, is a reflection of the spiritual state of the man of its time. But there is a sense that the modern architect, individualized and intellectual, exaggerates at times—perhaps due to having lost close contact with the community—when wanting to highlight architecture’s rational side excessively. […] Only by receiving true emotions from architecture, man can consider it again art.” This is an excerpt from the introduction of the book “Abstracción Temporal, Museo Experimental El Eco 2010,” which gathers different activities (or “experiments” as they call them) that took place in Museo Experimental El Eco the same year.


Based on Mathias Goeritz’s Emotional Architecture Manifesto from 1953, El Eco establishes its grounds to understand the reason why this museum is a space for creation, experimentation and emotion in different levels. This summary of “experiments” is an interesting book that presents more than 20 examples of visual arts, architecture, music, poetry, film, performance and dance. Projects such as Pabellón Eco, Archivo Vivo de El Eco (Eco Pavilion, Live Archive of El Eco), Cine Abierto (Open Cinema), and its curator and artist residency program, are presented through interviews, visual information and letters which enhance the way the reader interacts with the book. The publication includes works, interviews, actions and interventions by Thomas Glassford, Alex Hubbard, Karina Peisajovich, Georgina Bringas, Omar Barquet, Geoffrey Farmer, El Resplandor, Marcos Castro, My Barbarian, Inger-Reidun Olsen, Frida Escobedo, José León Cerrillo, Adriana Lara, Lázaro Valiente, Melanie Smith, Rafael Ortega, Alejandra Laviada, N’Goné Fall, Sharon Houkema, Adrian Notz, Postopolis!DF, Verbatim Vortex, and José Jiménez Ortiz.

Texts by José León Cerrillo, Rita Eder, N’Goné Fall, Geoffrey Farmer, Mathias Goeritz, José Jiménez Ortiz, Jennifer Josten, Adriana Lara, Alejandra Laviada, David Miranda, My Barbarian, Adrian Notz, Tobias Ostrander, Ricardo Pohlenz, El Resplandor, Inger-Reidun Olsen, and Paola Santoscoy.

*Images taken from Arquine

January 12, 2014 Abstract Possible, a research project on abstraction today https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/abstract-possible-research-project-abstraction-today/


Screenshot 2013-12-30 13.42.40

Abstract Possible is a research project that aims to explore notions of abstraction, taking contemporary art as its starting point. It includes the collaboration/participation of Doug Ashford, Claire Barclay, Yto Barrada, José León Cerrillo, Matias Faldbakken, Priscila Fernandes, Claudia Fernández, Zachary FormwaltLiam Gillick,Goldin+Senneby, Wade Guyton, Iman IssaGunilla Klingberg, David Maljkovic, Dorit MargreiterÅsa Norberg/Jennie Sundén, Mai-Thu Perret, Falke Pisano, Seth Price, Walid RaadEmily Roysdon, Salón, Bojan Sarcevic, Tommy StøckelMika Tajima, Ultra-Red, Anton Vidokle, and Haegue Yang.

January 12, 2014 Abstracción Posible / Abstract Possible: The Tamayo Take https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/abstraccion-posible-abstract-possible-tamayo-take/

Screenshot 2013-12-30 15.26.12


Artists: Doug Ashford, Claire Barclay, José León Cerrillo, Matias Faldbakken, Claudia Fernández, Goldin+Senneby, Liam Gillick, Wade Guyton, Gunilla Klingberg, David Maljković, Mai-Thu Perret, Seth Price, Walid Raad, Emily Roysdon, Salón, Bojan Šarčević, Ultra-red, Anton Vidokle

Abstract Possible is the latest installment in the series Minor Histories, Larger Worlds at the Museo Tamayo. It also forms part of a larger research project on abstraction and contemporary art, entitled Abstract Possible, that is being car- ried out over the course of two years in various locations, including Malmö, Zurich, Stockholm and Stuttgart. A collaboration is being developed in each of the host institutions and will be manifested through different formats such as group shows, a duo exhibition, a seminar, a webpage.

To read more about this event, click here

Microhistorias y Macromundos III

26 de marzo a 7 de agosto de 2011

Curator: Maria Lind

Sala A, Museo Rufino Tamayo

Mexico City, Mexico

January 12, 2014 “Discrepant Abstraction (Annotating Art’s Histories)” edited by Kobena Mercer https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/book-discrepant-abstraction-annotating-arts-histories-edited-by-kobena-mercer/


Kobena Mercer Ed. Discrepant Abstraction (Annotating Art’s Histories) The Institute of International Visual Arts (inIVA), The MIT Press, Cambridge, Massachusetts, London, England, 2006

For anyone who thinks the question of abstract art is settled, this book will come as a surprise. Discrepant abstraction is hybrid and partial, elusive and repetitive, obstinate and strange. It includes almost everything that does not neatly fit into the institutional narrative of abstract art as a monolithic quest for artistic purity. Exploring cross-cultural scenarios in twentieth-century art, this second volume in the Annotating Art’s Histories series alters our understanding of abstract art as a signifier of modernity by revealing the multiple directions it has taken in wide-ranging international contexts.

November 5, 2013 “Abstract Resistance” Exhibition curated by Yasmil Raymond https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/catalogue-abstract-resistance-exhibition-curated-by-yasmil-raymond/


Image: Thomas Hirschhorn, Abstract Resistance (Detail), 2006. Image extracted from www.walkerart.org

Abstract Resistance curated by Yasmil Raymond for the Walker Art Center, Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota, 2010

With a new commission and works dating back to the 1950s, the exhibition Abstract Resistance brings together now-legendary figures as well as younger artists who have revolted against the aesthetic orthodoxies of their times. While these pieces do not conform to a single theme, they are united in challenging what is expected of art, from the way it looks to the role it plays in society at large. The show considers the metaphor of “resistance” as a complex formal and political force, as is suggested by the title. The exhibition, drawn mostly from the Walker collection, highlights works in assemblage, collage, and photomontage.

November 5, 2013 “Abstraction: Documents of Contemporary Art” edited by Maria Lind https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/book-abstraction-documents-of-contemporary-art-edited-by-maria-lind/


Maria Lind Ed. Abstraction: Documents of Contemporary Art, Whitechapel Gallery, London & The MIT Press, Cambridge, Massachusetts, 2013

This anthology reconsiders crucial aspects of abstraction’s resurgence in contemporary art, exploring three equally significant strategies explored in current practice: formal abstraction, economic abstraction, and social abstraction. In the 1960s, movements as diverse as Latin American neo-concretism, op art and “eccentric abstraction” disrupted the homogeneity, universality, and rationality associated with abstraction. These modes of abstraction opened up new forms of engagement with the phenomenal world as well as the possibility of diverse readings of the same forms, ranging from formalist and transcendental to socio-economic and conceptual.

November 5, 2013 “Monochromes from Malevich to the Present” by Barbara Rose https://abstractioninaction.com/contexts/modern/book-monochromes-from-malevich-to-the-present-by-barbara-rose/


Barbara Rose. Monochromes from Malevich to the Present, University of California Press, Berkley, Los Angeles, London, 2004

The first comprehensive study of the modern history of monochrome art, Monochromes traces the development of single-color artwork—painting, sculpture, photography, video, and installations—up to the present. With almost 160 full-color reproductions, this stunning book examines fundamental aesthetic issues raised by the monochrome in a historical context. The authors ask whether the monochrome is the last and most radical phase of abstract painting or instead a point of departure for installations and environments. Among the many artists featured in this book are Alexander Rodchenko, Georgia O’Keeffe, Lucio Fontana, Yves Klein, Ad Reinhardt, Frank Stella, Andy Warhol, Robert Irwin, and Isamu Noguchi. The book includes writings on the monochrome by twenty-six artists, from Kasimir Malevich to Warhol, and from Carl Andre, Reinhardt, and Donald Judd to Ben Nicholson, Robert Ryman, and Anish Kapoor. In an engaging essay, Barbara Rose deftly surveys the divergent complex issues raised by the monochrome.

November 5, 2013 “Inventing Abstraction” by Briony Fer https://abstractioninaction.com/contexts/modern/articule-inventing-abstraction-by-briony-fer/

Screenshot 2013-12-27 17.03.46

Briony Fer. Inventing Abstraction, 1910-1925, ArtForum, June 2013

Few episodes in the History of Art attract so many origin myths as the history of abstraction. As a plotline, it’s hard to beat—an intoxicating, utopian rhetoric of a revolutionary new beginning through art—and ever more entrenched now…

November 5, 2013 “The Infinite Line, Re-making Art After Modernism” by Briony Fer https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/book-the-infinite-line-re-making-art-after-modernism-by-briony-fer/


Briony Fer. The Infinite Line, Re-making Art After Modernism, Yale University Press, New Haven and London, 2004

This landmark book offers a radical reinterpretation of the innovative art of the late 1950s and 1960s. Examining the work of major artists of the period—including Mark Rothko, Piero Manzoni, Agnes Martin, Dan Flavin, Eva Hesse, Blinky Palermo, and Louise Bourgeois—Briony Fer focuses on the overriding tendency toward repetition and seriality that occurred at the moment of modernism’s decline, gained ground in its aftermath, and continues to shape much of the art seen today.

November 5, 2013 “On Abstract Art” by Briony Fer https://abstractioninaction.com/contexts/modern/book-on-abstract-art-by-briony-fer/


On Abstract Art, Yale University Press, New Haven and London, 1997 (2008)

Many people are intrigued by the abstract work of artists like Mondrian and Jackson Pollock yet find it difficult to explain why. In this timely and original book, Briony Fer introduces abstract painting and sculpture of the twentieth century and explores new ways to think about abstract art and the problems of interpretation it raises.

November 5, 2013