Happenings

Artist: Elena Damiani.

Testigos: un catálogo de fragmentos / Sediments: an assemblage of remains
Curated by Cecilia Delgado and Amanda de la Garza
September 5, 2015 – February 7, 2016
MUAC Museo Universitario de Arte Contemporaneo
Mexico City, Mexico

La propuesta de Elena Damiani forma parte del programa curatorial Intemperie Sur, que parte de la idea del intersticio como hendidura que media entre dos partes de un mismo cuerpo. Opera desde la posibilidad de vincular el adentro y el afuera del museo, por ello propone que las intervenciones artísticas sucedan en terrazas y patios.

La instalación Testigos: un catálogo de fragmentos se presenta como un interludio espacio-temporal. Conformada por dos esculturas en travertino que aluden a la naturaleza discontinua del tiempo y a la aparición de espacios liminales dentro de éste, Damiani revela los intersticios que el propio material contiene. Estas fisuras -hiatos o lagunas en el tiempo geológico- son los puntos de interés crítico, ya que representan la evidencia de ciertos quiebres, filtraciones y discordancias, factores que señalan sutilmente la existencia de un ‘tiempo perdido’.

En los vacíos es donde se formula un espacio para el cuestionamiento de la continuidad y la estabilidad de lo que entendemos como espacio-tiempo. Si bien, se considera que el tiempo ayuda a revelar la esencia de las cosas: la apariencia de una ilustración cuyos bordes han sido manoseados por un número de personas, el tono oscurecido de un árbol o la rugosidad de una piedra son testigos silenciosos que en su composición material contienen una serie de capas de información que representan un transitar del tiempo.

La primera escultura es una serie de 34 piezas talladas en travertino, son prismas cortados a la vena provenientes de la misma piedra; este corte permite ver las diferentes capas de sedimentación características de la composición de este material. Cada uno se encuentra dispuesto uno junto al otro de manera secuencial sobre el muro, recomponiendo el patrón de estratificación original de la piedra, el cual se ve interrumpido por una incrustación de resina translucida en cada una. La segunda, son dos losas de travertino cortadas a la vena que rotan en uno de sus vértices para incorporarse la una con la otra ubicadas sobre el piso. El área donde se superponen es remplazada por un vidrio del mismo espesor de manera que las capas estratigráficas queden a modo de espejo.

En su conjunto, la instalación hace referencia a dialécticas de linealidad, ruptura y yuxtaposición, de superficie plana y volumen, de adentro y afuera; señalando la potencialidad de los materiales para retener y desplegar información o dejar que ésta se filtre a través de los huecos en las superficies segmentadas. Damiani integra a la instalación resina y vidrio en las fracturas del travertino, destacando la notoria intrusión de elementos ajenos entre los sedimentos naturales, generando así pequeños vanos o paréntesis que exponen una serie de quiebres en la continuidad de la composición morfológica de la piedra. La artista expande las posibilidades del collage como un medio para la escultura y la instalación, presentando una tensión dialéctica entre el todo y sus partes, donde la composición de las obras dispuestas en el espacio señalan la naturaleza fragmentaria, propia del collage, a través de los segmentos y las capas que se acoplan presentándose como un nuevo todo.

Artist: Paula de Solminihac.

Ceramix, Art and ceramics from Rodin to Schütte
Curated by Camille Morineau and Lucia Pesapane
October 16, 2015 – January 31, 2016
Bonnefantenmuseum
Masstricht, The Netherlands

Officielle
October 21-25, 2015
Paris, France

Les Noms Secrets (Hidden Names)
October 10 – November 7, 2015
Galerie DIX9
Paris, France

El reciente proyecto de Paula de Solminihac, Los Nombres Secretos, recupera residuos de materiales del trabajo de taller y recortes de sus cuadernos de trabajo, para producir obras que evocan vestigios arqueológicos y transforman los detritus de la experiencia artística en obras sometidas a la lógica de las operaciones alquímicas.

Restos de arcilla seca y hojas de los cuadernos que la artista usa a diario como laboratorio creativo, fueron combinados utilizando un método que intenta restituir los materiales a su condición inicial, la humedad de la arcilla y el vacío de la página en blanco. En concreto, mientras las arcillas fueron envueltas en trapos viejos y enterradas en arena y agua para devolverles la humedad, en las hojas de los cuadernos se orillaron a lápiz los espacios libres de anotaciones y dibujos, a fin de perfilar los vacíos y así poner de manifiesto las formas residuales del trabajo de exploración visual consignado en los cuadernos.

Su trabajo de investigación en torno a la cerámica lo realiza poniendo atención a los procesos y al trabajo sobre la materia, haciéndose parte del análisis de las dinámicas tecnológicas de la arqueología contemporánea, que en lugar de clasificar los objetos por sus rasgos formales, prefiere analizar los procesos a partir de los cuales los objetos han llegado a ser lo que son. A diferencia de las obras anteriores de Paula de Solminihac, donde la atención estaba puesta en el paso de lo crudo a lo cocido para producir mapas mentales o constelaciones de letras modeladas, actualmente centra su atención en el estado crudo-seco de la arcilla, y en su tránsito a lo crudo-húmedo y a lo calcinado como antesala de la descomposición de la materia.

El resultado es un conjunto de obras a base de capas o cortezas superpuestas, ya sea de materiales concretos como la tierra, ya sea de elementos simbólicos como las ideas que retornan una y otra vez en los cuadernos, todo esto hasta conformar un todo sin costuras entre la vida y el trabajo. Durante octubre del 2015, Los Nombres Secretos, tres cuerpos de obras relacionados entre sí, se presentará simultáneamente en el Bonnefantenmuseum, Maastricht, Holanda, en una gran muestra colectiva sobre cerámica contemporánea curada por Camille Morineau y Lucia Pesapane; en una muestra individual en galería Dix9, de París, y en un solo Project en la feria de arte contemporáneo Officielle, también en Paris.

Los Nombres Secretos / Ceramix

Organizada por tres instituciones europeas se presentará en el Bonnefantenmuseum en Maastricht, Holanda (16 de octubre 2015 al 5 de febrero, 2016), Maison Rouge, Fundación Antoine de Galbert, Paris y la Cité de la Céramique de Sèvres (2016).

Se mostrarán 13 bultos de arcilla negra que se hicieron amortajando papeles de arcilla sometidos simultáneamente a procesos de secado y humectación durante varios meses, haciendo reaccionar la materia de distintas formas. Junto con las piezas de cerámica se muestran dos fotos, una de un trozo de tela que se usó de envoltura en el proceso y otra de una ceniza de diario minúscula que sobrevivió al fuego de cocción.

Los Nombres Secretos / diarios de una transformación

Para su primera exhibición en Francia en la galería Dix9, Paula de Solminihac presenta una serie de objetos de cerámica y papel dispuestos taxonómicamente como evidencias de un proceso. Lo que se mostrará es un encadenamiento de piezas disímiles; en concreto: Soft Shells, una cuelga de trapos de algodón y lino usados como envoltorios; Archeological matter, serie de 24 clasificaciones de piedras de arcilla de colores modeladas espontáneamente en arena y agua; Diary pages, una serie de trabajos en papel con formas circulares que aluden a organismos vivos de estructuras complejas como la Victoria Amazónica, un loto gigante, y la Armillarea, un hongo que es el organismo mós grande del mundo y que vive oculto bajo tierra; Fungi print, 4 impresiones serigráficas de patrones de hongos que se estamparon en las telas usadas. Las reproducciones, hechas con tinta fluorecente, solo pueden ser vistas en la oscuridad y por un tiempo limitado hasta que se apaga la tinta; y, finalmente, Hard Shells, un collar de papel y lino que simboliza los procesos de rescate alquímico de lo desechable mediante su transmutación material y figurativa.

Los Nombres Secretos / Officielle

Para Officielleartfair, feria de arte contemporáneo que se realiza en París entre los días 21 y 25 de octubre, la artista ha diseñado un Solo Project en donde mostrará libros de arcilla y composiciones a partir de las hojas de sus cuadernos, una suerte de bitácora de papeles de distintas composiciones que ha ido acumulando en el tiempo.

En los tres paneles que conforman el espacio habrá un librero con 10 libros de arcillas de distintos colores y una columna hecha por el despliegue de uno de ellos, un segundo panel con 10 trabajos en papel y el tercer panel con tres fotografías.

Artists: Pablo Accinelli, Edgardo Aragón, Juan Araujo, Felipe Arturo, Nicolás Bacal, Milena Bonilla, Paloma Bosquê, Pia Camil, Bevenuto Chavajay, Marcelo Cidade, Donna Conlon & Jonathan Harker, Nicolás Consuegra, Minerva Cuevas, Elena Damiani, Mariana Castillo Deball, Ximena Garrido-Lecca, Federico Herrero, Voluspa Jarpa, Runo Lagomarsino, Adriana Lara, Engel Leonardo, Valentina Liernur, Mateo López, Renata Lucas, Daniel Steegmann Mangrané, Nicolás Paris, Amalia Pica, Pablo Rasgado, Pedro Reyes, Adrián Villar Rojas, Gabriel Sierra, Clarissa Tossin, Carla Zaccagnini.

United States of Latin America
Curated by Jens Hoffmann and Pablo León de la Barra
September 18, 2015 – January 3, 2016
Museum of Contemporary Art
Detroit, MI, USA

The exhibition United States of Latin America brings together more than thirty emerging artists from Latin America, many of whom will be exhibiting in the United States for the first time.

The show is based on an ongoing conversation between two curators, Jens Hoffmann and Pablo León de la Barra, who for a number of years have exchanged research and information about artists, artworks, and the overall development of the art world from Mexico to Argentina and the many countries in between. The exhibition is an extension of this dialogue into the galleries of the Museum of Contemporary Art Detroit via artworks suggested in dialogue format.

United States of Latin America features a wide range of works in a variety of mediums, for instance a series of photographs about housing in Havana, a film about the effects of gang violence in Mexico, sculptures reflecting on the involvement of the CIA in Latin American dictatorships, drawings of historical monuments from the future, a floor map about the selling of Brazilian rubber to the United States, boulders from a Colombian river that have been turned into flip-flops, and paintings about the interplay of modernist houses, tropical vegetation, and utopian architecture. The individual artworks touch upon themes such as geography, history, urbanism, memory, colonialism, architecture, war, modernism, social inequality, regionalism, and power. Given how Latin America’s realities oscillate between the colonial and the contemporary, between severe economic hardships and enormous financial expansions, between flourishing democracies and suppressive dictatorships, and between great progress and immense regression, the exhibition presents an intentionally fragmented survey, a deliberately disjointed overview, of the region and the art being made there. It allows the viewer a glimpse into a reality that may seem geographically near, but is in many ways far away and unfamiliar.

The curators invited a number of writers and curators from throughout Latin America to contribute to a glossary of terms that articulate the region’s historical landscape and conceptual syntax. This glossary will be published in the exhibition catalogue along with a conversation between the curators, texts on all of the artists, images of the exhibited artworks, and a roundtable discussion featuring a number of curators based in Latin America.

Developed in collaboration with Kadist Art Foundation, United States of Latin America is curated by Jens Hoffmann, MOCAD senior curator at large, and Pablo León de la Barra, guest curator. A range of public programs and educational activities will run concurrently with the exhibition, including a public conversation with the curators, lectures by some of the participating artists, film screenings, and performances.

Artist: Marco Maggi

Unfolding
September 10 – October 24, 2015
Josée Bienvenu Gallery
New York, NY, USA

Like in the Venice pavilion, Maggi separates the two basic elements of drawing. He draws with paper on the walls in the main space, and presents an installation of pencils in a separate area. “Drawing is a dialogue with a superficy and a certain superficiality. It is a superficial discipline that allows oneself to take distance from the depths of thinking in order to de-multiply an empathy for the insignificant. Drawing for me is like writing in a language that I don’t understand. I don’t believe in messages or ideas. Ideas have the tendency to become fixed and aspire ultimately to the status of ideology.” (Marco Maggi, 2015)

A portable kit composed of thousands of elements cut-out from self-adhesive paper becomes an insignificant alphabet folded and pasted onto the walls during the months preceding the exhibition. The diminutive papers are disseminated or connected following the traffic rules and syntax dictated by any accumulation of sediments. Some areas throughout the gallery are infected with color, the edge of the wall in red, blue or yellow, like the margins of a misprinted sheet of paper. The colonies of stickers on the walls enter in dialogue with the light upon them. Myriads of shadows and infinitesimal incandescent projections aim to slow down the viewer. The main ambition of the project is to promote pauses and make time visible.

In Putin’s Pencils, ten pencils are pointed against the wall, held by the tensions of bowstrings, ten arrows ready to be projected. The trajectory of these Soviet era color pencils is frozen, almost going backward in time. Leading to the project room, a ladder made of Fanfold, the already obsolete perforated computer paper, grows upward and downward from two dimensions to three-dimensional space in a symbiosis of hardware and software. Inside the room, two individual panels of cutout stickers face each other. Another wall installation, Stacking Quotes (Black Cachet), suspends bound sketchbooks with fragments of colored stickers pressed within their pages. These small referential stickers act as words cut out from a larger message, recoding the original context.

Born in Montevideo, Uruguay in 1957, Marco Maggi lives and works in New Paltz, NY and Montevideo, Uruguay. His work has been exhibited extensively throughout the United States, Europe, and Latin America in galleries, museums, and biennials. This year, he represents Uruguay at the 56th Venice Biennale, on view through November 22. His first monograph was published on this occasion. Maggi’s work is also on view at the concurrent exhibition Déplier Marco Maggi at Galerie Xippas, Paris. In 2013, he received the Premio Figari (Career Award). Selected exhibitions include Drawing Attention, Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO (2015); Embracing Modernism: Ten Years of Drawings Acquisitions, The Morgan Library & Museum, New York (2015); Functional Desinformation, Instituto Tomie Ohtake, Sao Paulo, Brazil (2012); Optimismo Radical, NC-arte, Bogota, Colombia (2011); New Perspectives in Latin American Art, 1930–2006, Museum of Modern Art, New York (2008); Poetics of the Handmade, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA (2007); Fifth Gwangju Biennial, Korea (2004); VIII Havana Biennial, Cuba (2003); 25th Sao Paulo Biennial, Sao Paulo, Brazil (2002); and Mercosul Biennial, Porto Alegre, Brazil (2001). Public collections include The Museum of Modern Art, New York; Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Whitney Museum of American Art, New York; Art Institute of Chicago; The Drawing Center, New York; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C.; Museum of Fine Arts, Boston; Fine Arts Museums of San Francisco; Walker Arts Center, Minneapolis; Museum of Latin American Art, Long Beach; El Museo del Barrio, New York; Cisneros Collection, New York; and Daros Foundation, Zurich.

Artists: Claudio Vera and Martin Pelenur.

Primordial Meditations
September 17th – October 24th, 2015
Artemisa Gallery
New York, NY, USA

It is embedded in human nature to be thoughtful and innovative for survival. Collectively, a dialogue surrounding this concept is excavated from Vera’s and Pelenur’s parallel bodies of work, to raise thought provoking questions that are inherent to humanity’s progression on earth, as well as, within society. How can humanity move forward in connection with the land, and how does one’s consciousness allow this process to unfold? Such primordial concerns with existence have continued through ancient times into contemporary civilization. To investigate Vera and Pelenur in this vein brings to light the association of physical and cerebral conditions, which are key to the balancing act that humanity must perform throughout time.