Happenings

Artist: Eduardo Santiere

Inter-Spaces
June 26 – August 1, 2014
Henrique Faria Fine Art
New York, USA

Today, most of us are quite comfortable with Google maps, and the ease with which we are able to shrink our search from a continental scope all the way down to a street view in a matter of seconds. The enhanced clarity that comes with each click of the mouse leads us to greater detail and ultimately to something we can easily relate to. In a similar way, one can easily become sucked into a drawing by Eduardo Santiere, graduating from an appreciation of the work as a cosmos on paper to getting lost in the most minute mark. The difference is that the map search takes us on a linear journey from macro to micro, whereas Santiere offers up every layer simultaneously, an entire world where neurons and Neptune are treated as equals.

Biologically, our brains are not wired for a non-hierarchical understanding of our world, either real or imagined, and we can’t help but impose some organization, even subconsciously. The smallest detail in any given quadrant of one of Santiere’s works—each blot, elliptical form, scratch or puncture— is arguably as significant as any other, or even as important as the piece in entirety. So while we may be programmed to organize these disparate parts into a global whole, something about his unique treatment of the forms forces us to look and perceive each part in a multi-textural way.

Santiere claims that he finds truth and beauty through the process of drawing. Without going from pre-conceived images, but rather allowing imperceptible traces and a kind of automatic marking process to guide him, he comes to a composition that vibrates with life. Once he turns these works out into the world, each of us digests that energy in a different way. The elements of his drawing have been likened to cells, computer circuitry, musical notation, outer space, utopian urban plans and dreamscapes, to name only a few. One thing each of these interpretations has in common, however, is growth or movement.

Santiere’s largest work to date, titled Inter-Space is unique in that he sticks to graphite solely, removing the color that is an integral part of much of his work. As the name implies, we see a complex web of stipple dots and clusters that conjure galactic bodies and constellations, seen in reverse negative. The individual dots seem to be magnetically drawn together at certain spots, perhaps slave to a pattern or rhythm of some unknown origin. It is somehow both violent and balletic, with markings that look to be the result of forceful contact with the paper, yet when viewed as a group seem to float and dance across the page.

In another series in the exhibition, titled Symphonies, we have a fairly encyclopedic sampling of Santiere’s gestural vocabulary. In particular, his “scratching”, as he calls it, is the result of his careful manipulation of the paper’s surface. This treatment creates a kind of relief that is similar to the burr created in the dry-point etching technique. The use of graphite and colored pencils adds yet another layer. In music, the term simultaneity is used to describe musical texture that occurs at the same time instead of in succession. In this musically-inspired series, it seems Santiere has visualized this construct.

Santiere’s incredible ability to render life and energy, both as whole forms and as individual stimuli, offers us a rare opportunity to experience art in a rich, textured way. Whether we are imagining our universe or an imaginary microscopic universe that exists on a speck of dust within our planet, experiencing simultaneity in art.

Ginger Gregg Duggan and Judith Hoos Fox, curators

Image: Eduardo Santiere, “Blind Date” (Detail), 2010, Graphite, colored pencil and scratching on paper, 11 1/8 x 15 in. (28.3 x 38 cm)

Artist: Omar Barquet

Ghost Variations
June 18 -20, 2014
Performance: June 17, 2014
MAAS Performance 
Long Island City, NY, USA

“Ghost Variations” is an interdisciplinary proposal launched in 2012 by artist Omar Barquet (Chetumal, México 1979), comprising a sequence of five projects organized like the movements of a symphony, as well as a series of five subprojects generated from experimental collaborations understood as “fugues”. Together they pose an analogy to the distinct evolutionary phases of a hurricane, emulating its intensities and movements, like the sketch of a spiral shape, mainly reflecting on the perception of time through the transformation cycles of a landscape.

2nd Fugue: The Groans of White Noise, brings forth an environment of tension which occurs at a sonorous and performatic level, carrying the spectator’s imagination into the most intense part of a hurricane. It is a project which is based in the emotional and physical tensions experienced in this phase of the meteorological phenomenon, occasionally verging on moments of delirium and using the acceleration of the pulse of the breath as patterns to elaborate the evolution of intensity.

This sonorous action also uses as reference a few fragments of the poems of Licofron, El Obscuro, where he constructs a labyrinth of associations around the ravings of Cassandra, Greek mythological character and Trojan princess.

This epiphany of catastrophe articulates a connecting link in which madness constitutes a repetition of certain phrases of the poem in a sort of mantra, whose progressive acceleration and intensity drift into meaninglessness, generating a confused and dense state, similar to the most intense phase of the storm creating a soundscape. The performance and sound experimentation will be in collaboration with sound and visual artist Richard Garet, and with experimental musician Javier Barquet. Both artists are based in New York City.

5th Fugue: The Broken Poem, is an action taken through video, based on a phrase from a poem by Paul Éluard. It is conceived from fragments of broken chairs, articulating a sculptural typography which quotes the poem slowly, and in fractures. Simultaneous to the projection of these phrases, there is a mound created randomly with the remains of the broken chairs, on a floor soaked with water, corresponding to the flood – the final phase of the Ghost Variations project sequence. Both these fugues depict an analogy of the storm and the chaotic nature of thought, where human emotionality manifests as an unstable and complex phase of the renewing energy of life cycles – a breath which changes in intensity, and as such, the state of things.

Omar Barquet was born in Chetumal, México, September 10th 1979. He received his Bachelor of Fine Arts from ENPEG La Esmeralda, in México City. He has exhibited in various national and international forums, in cities like New York, Tokyo, Buenos Aires, Sao Paulo, Lima, Miami, Basel, Madrid and México City. He is a founding member of the Segundo Piso art collective, composed of Augustin Gonzales, José Luis Landet y Moris. He was the recipient of the Jóvenes Creadores Arts and Culture Fund National Grant, as well as the Arte Actual Bancomer MACG Grant. In 2009, he obtained a two-month residency in Capacete, Rio de Janeiro, Brazil. In 2010, he performed his solo show REVERB, at the Museo Experimental El Eco, and in 2011 was commissioned to develop the LAPSES installation for the brand Hermés Paris – México. In 2013 he completed his residency for Casa Tomada art ists, which concluded with his solo show, entitled Ghost Variations’ 1st Fugue: “The Flock”, in Kunsthalle, Sao Paulo. For the second half of 2014, he is preparing a series of solo shows starting at the MACAY Museum in Mérida, Yucatán, a residency for his first solo show at Mandragoras Arts Space in New York, and a solo project at 123 Space in México City.  Since 2013, he collaborates in GRAMA RUINA, a visual and sound experimental collective with Fernando Soberanes, Javier Loyola, and Xavi Cunilleras.

Artists: Allora and Calzadilla, Andrei Monastyrski, André Severo, Ariel Orozco, Arthur Barrio, Christian Marclay, Cildo Meireles, Clarissa Tossin, Dennis Oppenheim, Emily Jacir, Francesco Arena, Francis Alÿs, Lygia Clark, Mario Garcia Torres, Meriç Algün Ringborg, Multiplicity, Richard Long, Runo Lagomarsino and Stanley Brouwn.

Liberdade em Movimento
Curator: Jacopo Crivelli Visconti
May 30 – August 10, 2014
Fundaçao Iberê Camargo
Porto Alegre, Brazil

Adotado esporadicamente desde a década de 1920, o caminhar se consolida e difunde como prática artística a partir do final dos anos 60, mais ou menos no mesmo período em que a Internacional Situacionista e seu mâitre a penser Guy Debord, autor do clássico Teoria da deriva, abandonam a atividade artísticaem favor de um engajamento político explícito e militante, motivado pelos acontecimentos de 1968. Próximas das derivas situacionistas, as ações dos artistas que, ao redor do mundo, se lançam a andar sem muito mais do que “uma câmera na mão e uma ideia na cabeça” (como diria em âmbito brasileiro e de uma perspectiva distinta, mas de certa maneira complementar, Glauber Rocha) buscavam consolidar a ideia de uma arte não comercializável, que pudesse minar as bases da sociedade capitalista recusando a obrigação de produzir obras tangíveis e vendáveis. Em alguns casos, essas ações se opunham diretamente ao clima político em que foram concebidas, mas logo o “campo expandido do movimento” se firmou em contextos menos conflituosos, resistindo como técnica artística até os dias de hoje, apesar das mudanças do clima político.

O conflito entre a unicidade e a efemeridade da ação, e o registro que, apesar de incompleto, é o que sobra dela e passa a ser conhecido pelo público constitui, sem dúvida, uma das idiossincrasias mais fascinantes e inegáveis do âmbito do movimento. Qualquer relato ou registro de uma ação é, por sua própria natureza, parcial, já que condensa algo muito maior: uma ação com uma determinada duração no tempo e extensão no espaço, um desenvolvimento, um acúmulo de experiências. Ao trabalhar frequentemente com materiais frágeis e em constante transformação (gelo, neve, areia, terraetc.), os artistas evidenciam essa condição, ao passo que apontam para a possibilidade de se criar laços mais duradouros, e uma noção de comunidade real e profunda, exatamente através do momento, do ato, do movimento que precisam ser vivenciados e experimentados. A disposição para entregar o aspecto final da obra ao acaso, pelo viés da intervenção mais ou menos direta dos outros,confirma o desinteresse dos artistas aqui reunidos para um objeto artístico convencional, perfeitamente acabado. Mesmo quando acontece em completa solidão, mais do que produzir algo novo essas ações visamà fusão do artista com o espaço,à simbiose com a sociedade. As trilhas espontâneas que se formam, em Brasília, em aberta contraposição e contravenção ao traço livre e poético, mas raramente prático, de quem desenhou a capital, sintetizam perfeitamente essas considerações: o movimento é o caminho para a liberdade.

Artist: Nuno Ramos

Ensaio sobre a Dádiva
May 29 – August 10, 2014
Fundação Iberê Camargo
Brazil

De 29 de maio a 10 de agosto de 2014, a Fundação Iberê Camargo apresenta a mostra Nuno Ramos – Ensaio sobre a dádiva. Pensando o conceito antropológico de dádiva – troca entre dois objetos distintos com base em valores simbólicos, e não econômicos – o artista desenvolveu o trabalho especialmente para o espaço do 4º andar da Fundação, em diálogo com a arquitetura do edifício. Na exposição, que tem curadoria do crítico de arte e filósofo Alberto Tassinari, objetos se lançam no vão do espaço expositivo e ocupam o interior das salas, acompanhados por doiscurtas-metragens intitulados Dádiva 1 – copod’águaporvioloncelo e Dádiva 2 – cavaloporPierrô, desenvolvidos pelo artista e produzidos em Porto Alegre pela Tokyo Filmes.

Toda a instalação gira em torno dessas duas trocas, que se desdobram em três formas: escultura, vídeo e réplica da escultura. Na sala de Dádiva 1, um pedaço de barco – elemento recorrente na obra de Nuno – se projeta sobre o parapeito da sala, sustentando um violoncelo sobre o vão do átrio e fazendo a ligação entre ele e o copo d’água. Na parede oposta, é exibido o curta-metragem correspondente, que mostra uma mulher recolhendo o copo d’água na praia, trocando o objeto por um violoncelo em um bar e devolvendo o violoncelo para a água. No roteiro original de Nuno, um mar calmo remete à metáfora purificadora da água marinha, porém, durante a produção, o mar virou o Guaíba e a Lagoa dos Patos.

O espaço dedicado a Dádiva 2 recebe um trilho de montanha russa que lança um cavalo de carrossel no vazio e o liga a Pierrô, aqui representado por um aparelho de som que toca o samba Pierrô Apaixonado, de Noel Rosa e Heitor dos Prazeres. O curta apresenta a história de um Pierrô, interpretado pelo artista Eduardo Climachauska, que é sequestrado por motociclistas em Porto Alegre e preso em uma casa, sendo devolvido um cavalo em seu lugar. Segundo o curador, a personagem tradicional e carnavalesca da Commedia dell’Arte, que, pela mão de artistas do início do século XX,  vira Pierrô Lunar, encarnação do artista, repete sua transformação na mostra de Nuno.

Na sala central, são colocadas réplicas em tamanho real das duas esculturas das salas anteriores, uma em latão e outra em alumínio, interligadas por tubos de vidro em que circulam dois líquidos diferentes, representando o sono e a vigília. Além das esculturas, são expostas gravuras produzidas pelo artista no Ateliê de Gravura da Fundação, com auxílio técnico de Eduardo Haesbaert.

Nascido em 1960, Nuno Ramos tem formação em Filosofia pela USP e se debruça sobre diversas formas artísticas, como pintura, desenho, escultura, vídeo, instalação, poesia, prosa e ensaio.  Na juventude, participou do ateliê Casa 7, integrando a Geração 80, responsável pela volta à pintura e fortemente influenciada por Iberê Camargo.

Em Ensaio Sobre a Dádiva, o público porto-alegrense terá a oportunidade de conferir de perto o trabalho de Nuno Ramos. A mostra será aberta no dia 29 de maio de 2014, às 19h.

Image: Ali se Vê – Objeto I”, 2013, Madeira, aço inox, alumínio, espelho, 9 x 9 x 31 cm, Ed. 2/2

Artist: Claudio Alvarez

Color, Light and Movement
May 30 – June 15, 2014
Ybakatu, Espaço de Arte
Curitiba PR, Brazil

Argentinean artist residente in Brazil will present the 3 pieces: “Isto não é uma lâmpada “This is not a Lamp”, “Ali se Vê – Objeto I” and “Sem Título”.

The exhibition “Color, Light and Movement” begins the project “Art and Industry”, which will accompany Marcantonio Vilaça Award for future editions . This initiative will enhance the relationships between the processes of artistic creation and industrial production. In the special edition , there will be a special room dedicated to Abraham Palatnik , pioneer of kinetic art in Brazil In this environment , will also be exposed productions of artists who provide provocative points of contact with the work of Palatnik.

Image: “S’título”, 2014, Stainless Steel and Acrylic, 110 x 24 x 17cm, Ed. 5/5

Image: “Isto não é uma Lâmpada” This is not a Lamp, 2013, Wood, stainnless steel, super led and eletric motor, 40 x 17 x 26cm.