Artist: Amadeo Azar

Shadowplay
May 11, 2016 – June 25, 2016
Arróniz Arte Contemporáneo
Mexico City, Mexico

“…certain types of perception of the world are poetic themselves. Everything that helps to dissolve the boundaries, making the world a homogeneous and poorly differentiated whole, is impregnated with poetic power (is the case of fog or twilight). Some objects have poetic impact, not as objects alone, but by breaking the delimitation of space and time with their mere presence, they induce a special psychological state. Poetry is not just another language; it’s a whole new beholding. One way to see the world, all objects in the world (both highways and serpents, flowers and parking lots).”¹ 

“… There is a dual operation at work, the desire to recreate a historical piece, on one hand, and to reinterpret geometric abstraction on the other. This dual intent is characteristic of the works Azar has made in recent years, accomplishing a strange association of scale and mood, a peculiar combination of figuration and abstraction, the coexistence of diverse temporalities: we see in them the image of something that once was coupled with new ways presented as a viable artistic path, today.” ²

“An image is an act, not a thing.” ³

“Using modernity as a catapult, as starting point for exploring new landscapes. Scrape the golden aura of modern practice, taking it closer to the imperfection of real societies to expose the corrosive air of today, to loosen the rust of the past and adapt to local hybrids. There is a new facade that makes use of the foundations planted in the quicksands of the tropic, where everything is malleable and voluptuous. An artistic act becomes transcendental when it crosses several layers of reality through its core, that’s when art, sharing the same room with the social and the political, becomes a historical event.  Abstraction builds a bridge to a world of ideas, built with ropes and lumber, where some steps are missing and others are loose or hanging. There is a musical curiosity in all creative processes, intuitive and poetic where we approach to Vanguardism as an extension of tyranny.” ⁴

1 Intervention 2, Michel Houellebecq, Flamitron, 2009.
2 El camino a la Semilla, Alejandra Aguado, 2015.
3 Jean Paul Sartre
4 Amadeo Azar

• Happenings

Artist: Amadeo Azar

La tormenta que imaginamos
September 18 – October 30, 2015
Nora Fisch
Buenos Aires, Argentina

¿Qué pasa cuando un artista pinta en acuarela la modernidad? ¿Pueden las formas del arte moderno inventarse otra vez, o descubrirse como si hubieran pasado siglos olvidadas y perdidas para deslumbrar con aliento renovado? ¿Cómo puede volverse a ellas libre de vicios? ¿O volverlas tema sin hacer revisionismo, sin ahondar en el fracaso del gran proyecto moderno y de la revolución? ¿Sin caer en un conceptualismo que se pretenda superador? Sumergido en su taller, Amadeo Azar emprende una aventura infinita hacia lo profundo de su interés por las formas de la modernidad guiado por el encantamiento romántico y puntilloso con el que se entrega a su trabajo de artista, fundamentalmente de pintor. Y de su combinación aparentemente incompatible de tema y método, resulta un trabajo delicado y conmovedor en el que las formas supuestamente anónimas y prácticas, neutras y absolutas de la modernidad, se despliegan en imágenes donde la naturaleza de la acuarela -veloz, difusa y transparente- las carga de ánimo y hace visibles en una atmósfera de gran intimidad.

Si a partir del camino abierto por la abstracción, el artista moderno intensifica su búsqueda por obras que signifiquen la pura invención y, por ende, la pura verdad, el trabajo de Azar retoma, a través de ellas, el camino de la ilusión y la referencialidad. Sus pinturas de esculturas de Naum Gabo, Enio Iommi, Gyula Kosice, de obras de Raúl Lozza, son imágenes de imágenes. Lo que presentan no son ya el movimiento, el volumen o el color irrumpiendo en el espacio, sino radiografías exquisitas que traen a la vista algo para su reconocimiento. Con estos estudios, Azar penetra no sólo en la intimidad de una obra sino también en el proceso de invención de quien la creó, hace de la pieza que mira un retrato psicológico, la recorre y reproduce para entender, desde el hacer, su forma, sus brillos, sus líneas, sus volúmenes, sus quiebres; para representarla en toda su materialidad y, por qué no, en su espiritualidad. Fantasmales, las pinturas -algunas incluso fotografiadas e impresas sobre el mismo tipo de papel sobre el que él pinta- parecen eternizar, aunque en composiciones más oscuras, su luminosidad.

En el otro extremo de esta serie de trabajos, que se reproducen como espejismos, Azar parece probar la modernidad por sí mismo. Aunque con toda la carga del siglo pasado en sus manos y en sus ojos de artista, perdido en el ensimismamiento en el que se entrega a pintar, algunos de sus papeles buscan conquistar como se hizo antaño el plano puro de pintura como habiendo llegado otra vez al punto en que la materia exige no ser más que ella misma. Y, silenciosas, se asocian a estas imágenes casi fotográficas de obras reconocidas, papeles donde la acuarela logra plenos audaces en que sólo ella se hace escuchar. Crujiendo sobre el papel, sin embargo, no hay en ellos exclusiva precisión, uniformidad y pureza de color; por el contrario, es imposible no sentir en ellos la evocación de la niebla, o de una bruma de paisaje romántico o renacentista. Si, por un lado, estos plenos intensifican la relación con las fuentes que inspiran el trabajo de Azar, y se alinean con ellas, por otro, parecen defender el valor de lo inacabado, difuso, sugerente y abierto frente a la obra concluida y perfecta.

Una serie de esculturas -piezas que recuerdan los primeros trabajos constructivistas de Vladimir Tatlin que combinan planos y volúmenes de materiales diversos-, también se animan a probar estos momentos iniciáticos de las vanguardias. Combinando libros, recortes de diarios, partes de yeso, restos de papeles pintados, Azar arma volúmenes en los que incluso la pintura se integra al espacio, poniéndola nuevamente a prueba. Continuando con el principio del arte abstracto de ser fiel a los materiales, estas piezas integran al trabajo el flujo de lo que rodea al artista en su taller y tal vez buscan compartir, en el acto de su descubrimiento y composición, algo del júbilo inventivo que los guiaba.

Si la modernidad pretendía redefinir la sensibilidad colectiva, la obra de Azar renueva nuestra sensibilidad hacia ella. En el tratamiento personal, íntimo y minucioso que da a este proyecto que se cantó concreto y puro, lo homenajea andando sobre sus propios pasos con silencio y más de su propia y única delicadeza.

Alejandra Aguado

Images courtesy of the artist.

• Happenings

Artists: Amadeo Azar, Daniel Barroca, Matt Bua, Onyedika Chuke, Annette Cords, Marcelo Moscheta, Zach Rockhill, and Lauren Seiden.

Name It by Trying to Name It
July 17 – August 30, 2015
The Drawing Center
New York, USA

Initiated in 2014, Open Sessions is a new program at The Drawing Center through which a large group of artists consider their relationship to drawing as medium, process, and metaphor. Working together over a two-year period, Open Sessions artists participate in ongoing studio visits and discussions, punctuated by small group exhibitions at The Drawing Center, as well as other self-organized shows in New York and abroad.

Name It by Trying to Name It: Open Sessions 2014-15 includes all artists in the program, giving the first floor of the museum over to an exploration of contemporary drawing, encompassing performance, video, sculpture, and installation, as well as traditional drawing forms. The show’s numerous collaborations, in which ideas and materials are shared, emphasize the medium’s flexibility and process-oriented nature. The exhibition will evolve over its six-week run, as some artworks enter and exit in two-week cycles, while others remain constant throughout the show’s run. Taken as a whole, Name It by Trying to Name It presents a window into nearly two years of thinking about drawing.

• Happenings

Artists: Marcelo Grosman, Sofía Bohtlingk y Alfredo Londaibere, Amadeo Azar, Julián Terán, Guido Ignatti, Silva Gurfein, Lux Lindner, Nicolás Gullotta, Ana Tiscornia and Tiziana Pierri.

Selección de trastienda
May 9 – June 12, 2015
Nora Fisch Arte Contemporáneo
Buenos Aires, Argentina

Group show, selected artists from gallery.

• Happenings

Artists: Jorge Miño and Amadeo Azar.

Los restos del triunfo (Dos por tres)
Curated by Valeria González
April 8, 2015
Fundación Federico Jorge Klemm
Buenos Aires, Argentina

Religiosa o no, una revelación es un acontecimiento que excede a sí mismo, señalando una verdad que lo precede. Aún antes de saberlo ellos mismos, las obras de Jorge Miño y Amadeo Azar avanzaban en sintonías paralelas. La experiencia artística que hoy nos presentan, en la que han trabajado como un auténtico dúo, es una desembocadura que ilumina y resignifica sus propios pasados.

A nadie habrá escapado que ambos comparten el interés por los idiomas geométricos de las utopías constructivas que brillaron antes de la segunda guerra mundial. Pero se trata aún de un rasgo demasiado genérico, casi consustancial al arte posmoderno. Para captar algo de la singularidad de su espíritu es preciso aclarar lo que ellos no hacen. Miño y Azar no condescienden a la risa triste de la ironía. No trabajan con cadáveres de proyectos fracasados (“fracaso” puede decir aquel que espera de la utopía una respuesta útil) sino con un acervo de inquietudes formales e imaginarias aún inagotable.

Para remarcar sus coincidencias, pero sobre todo cómo un repertorio acotado y riguroso es capaz de combinatorias infinitas, los artistas dicen todo en blanco, negro y rojo. En una gran retícula donde las fotografías de Miño y las acuarelas de Azar se intercalan, vemos que los colores netos del diseño ruso se abren a la multiplicación de matices sutiles, creando un efecto casi atmosférico.

Hace años, su pasión por las vanguardias geométricas los llevó a tensar los límites del plano: Azar comenzó sus piezas de papel plegado y Miño a multiplicar los efectos ópticos de sus distorsiones fotográficas. Aquí, por primera vez, integran sus lenguajes en una secuencia de piezas realizadas en conjunto.

En un tercer y último paso, los artistas ponen en diálogo dos obras individuales de gran tamaño. Visto musicalmente, el dúo se presenta entonces al compás de tres partituras diferentes. En el primer mural, las dos voces al unísono se integran en una melodía continua. Como instrumentos afinados en una misma clave, la copia sobre papel de algodón acerca su registro al de la acuarela. Gradientes cromáticos y lumínicos modulan la textura de esta gran superficie como suaves diferenciales sonoros de timbres y alturas.

La secuencia de piezas en coautoría puede pensarse como una segunda partitura compuesta de breves arreglos contrapuntísticos a intervalos mayores. Fotografía y papel plegado se superponen como dos interpretaciones vocales en base a un mismo motivo musical.

Por último, asistimos a la alternancia de dos cantos solistas de largo aliento. En tanto los papeles plegados de Azar componen una línea melódica en degradé continuo, la fotografía de Miño acude a los contrastes. Ambos pulsan la geometría hacia la incertidumbre de los reflejos y las reverberaciones lumínicas.

Dos artistas que jamás fueron a Rusia pueden volver a hacer del duro abecedario del constructivismo una experiencia estética de inesperadas resonancias.

Image: Amadeo Azar, 72 acuarelas sobre papel plegados, 2015, 120 x 520 x 20 cm

• Happenings

Artists: Amadeo Azar, Daniel Barroca, Lea Cetera, Youmna Chlala, Onyedika Chuke, Alexandra Lerman, Harold Mendez, Marcelo Moscheta, and Ronny Quevedo.

Open Sessions: Drawings in Context/Field
March 7, 2015
Queens Museum
NY, USA

Encompassing practices in video, photography, drawing and sculpture, this exhibition is focused on the notion of ‘field/context’ as a political, historical, spatial, and technological construct.

In order to analyze contexts and fields artists utilize various modes of making. The artists presented do not attempt to resolve or locate their practices within any given mode of representation. Encompassing practices in video, sound, photography, drawing, performance and sculpture the works herein negotiate with spaces both ambiguous and direct.

The participating artists in Open Sessions: Drawings in Context/Field are members of the Open Sessions program at The Drawing Center, which fosters a dynamic, ever-evolving conversation with new drawing practices and practitioners, viewing drawing as an activity rather than a product. The exhibition is organized by Onyedika Chuke, a participant in Queens Museum’s Artist Studio Program and The Drawing Center’s Open Sessions participant.

Schedule of Events:

1-4pm: Video Screenings, in the Theater on 2nd Floor

4-7pm: Opening Reception, Community Partnership Gallery

Note: There will be a free shuttlebus making loops from under the Mets/Willets Point 7 Train Stop and the Museum from 4:30-7:40pm.

• Happenings

Artist: Amadeo Azar

Patience is a Mine Field
September 11 – November 4, 2014
Alejandra von Hartz Gallery
Miami, FL, USA

An artist who wishes to introduce himself to a new context draws a map. He places the pieces in such a way so that we can understand the new fragments in the landscapes of those that preceded them, establishing a mental cartography where to hear one’s questions in reverse.

This exhibition is in the spirit of a retrospective in the sense of steering our sight both backwards and forwards so as to perceive the totality of his ideas. What does an Artist do when he creates a work? He formulates a plan. In this case to take the technique to the extreme so that it collapses. To become an expert in the tradition of the pictorial ingredient -this time the watercolor- in order to betray that capacity until it all but disappears.

Image: “Rusakov Club”, 2014, 132 photocopies on call, 84.65 x 128 inches. Edition 1/3

• Happenings

My work revisits the historical trajectory developed by the great utopias and ideologies of the 20^th century and how they transformed in the fears, skepticism and the “no future” of contemporary life. I am interested in history, sociology and architecture. I consider important in my work the exploration of the notion of ideologies and politics about phenomena rooted in the aesthetic. I work with monuments and projects that embody a certain view of the world and power plays; the tension between what could have been and isn’t. There is a melancholy for the ideal of a just society, an idea of nation that was repeatedly ill-fated. Because of this, I don’t want to transform my research about architecture or social phenomena into formulaic conceptual projects nor in illustrations of ideas, but my aim is to use them as a fertilizer to develop poetics.

Mi trabajo revisita el recorrido histórico desarrollado por las grandes utopías e ideologías del siglo XX y como se transformaron en los miedos, el escepticismo y el “no futuro” de la vida contemporánea.
Me interesa la historia, la sociología, la arquitectura. Considero muy importante en mi obra explorar la noción de ideologías y políticas en cuanto fenómenos enraizados en lo estético, trabajo con monumentos y proyectos que encarnan una cierta visión del mundo y de los juegos de poder, la tensión entre lo que pudo ser y lo que no fue. Hay una añoranza por ese ideal de sociedad justa, una idea de país luego reiteradamente malograda.
 No quiero por ello transformar mis investigaciones acerca de la arquitectura o fenómenos sociales en proyectos conceptuales de receta ni en una ilustración de ideas, sino usarlos como fertilizante para desarrollar una poética.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2004: Clínica de obra, Taller Pablo Siquier.
• 2001: Tecnicatura en fotografía, Escuela Superior Artes Visuales Martín A. Malharro.
• 1996: Realizador en artes Visuales., Escuela Suprior Artes Visuales Martín A. Malharro.

Prizes / Fellowships

• 2012: 2do Premio, Bienal de pintura Banco Nación, Casa del Bicentenario.
• 2012: 1ra Mención Salón Nacional de Rosario, Museo Juan B. Castagnino, Rosario, Argentina.
• 2006: Mención Especial del jurado, Premio Estímulo Banco Provincia de Buenos Aires, Argentina.
• 2002/03: Beca Fundación Antorchas, MAC, Bahía Blanca, Argentina.
• 2000: Primer Premio, Premio Telecom, Buenos Aires, Argentina.
• 2000: Beca Fundación Antorchas, MUMBAT, Tandil.

Solo Exhibitions

• 2012: “La mirada Perdida”, Centro Cultural Ricardo Rojas, UBA, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Cuando las cosas se convierten en kilos”, Nora Fisch, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “31512”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Cordialidad y otras formas de confort“, Nora Fisch, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Appetite for destruction”, Galeria Appetite, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Los limites de la niebla”, Sala Rivadavia, Diputación de Cadiz, Spain.
• 2006: “Dios opera en forma misteriosa”, Casa 13, Córdoba, Argentina.
• 2005: “Nervioso”, Galería Alberto Sendros, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “Vandalismo”, Balthar contemporáneo, Mar del Plata, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “Roberto Aizemberg, Trasendencia y Desendencia”, Museo Fortabat, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Ultimas Tendencias 2”, Museo Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Sobre el espacio y sus continuidades”, Fondo Nacional de la Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Abre Alas”, Galeria A gentil Carioca, Brazil.
• 2011: “Campo de Asociaciones, Dialogos y siléncios entre prácticas de dibujo”, MAAC, Ecuador.
• 2010: “Adquisiciones y Donaciones”, Colección de Arte Contemporáneo de Cadiz, Spain.
• 2010: Premio Klemm”, Fundacion Federico Klemm, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “El fulgor”, Galería Blanca Soto, Madrid, Spain.
• 2007: “Rancho”, Museo de arte contemporáneo de Bahia Blanca, Argentina.
• 2006: “Tautología”, Galería Jacob Karpio, Costa Rica.

Publications

• 2012: “Trozos de Materia Inacabada”, Daniel Molina, Diario Perfil.
• 2012: “Ultimas Tendencias 2”, Museo de Arte moderno de Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Rooms”, Art magazine, London.
• 2011: “Poeticas Contemporaneas”, Itinerarios en las artes visuales en la Argentina de los 90 al Fondo Nacional de las Artes, Argentina.
• 2010: “Utopias y distopías en acuarela”, Revista D MAG, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “La Pintura como Oficio”, Maximo Jacoby, Diario Crítica.
• 2008: “Revista Fake para el Musac en Frieze Art Fair”, Tolo Catello, London.
• 2008: “los limites de la Niebla”, Laura Revuelta, Spain.
• 2008: “Ramona 80”, Revista Ramona.
• 2006: “Tautología, Jhon Nadador”, Ancora Suplemento de Cultura Diario La Nación, Costa Rica.

Links

• www.lazycobra.net/?p=2783
• www.superalegria.blogspot.com

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