About the Artist

As a visual artist I aim to make constructions that offer an insight into the relationship with others and with the space that surrounds us; as well as to explore routine and the way we inhabit space. My practice is an exploration of the contradiction between the dynamic world we live in and the rigid structures of the building environment and architecture that contains it. As a result, art is used as lens to think and rethink this language, trying actively to renegotiate meaning through asking questions differently. Laying down the platform to engage in conversation to try to renegotiate these agreements.

Eminently simple yet complex in its implications, my work stands as a paradigm for a practice of making, which is beyond either art or architecture.

I experiment on and in the real world. Pulling apart the structures of our everyday life, playing with the materials out of which we construct our surroundings and our implements, and opening up new spaces within a world we thought we had defined. What remains inherent throughout my practice is the sense of experimentation and investigation that operates as an extension of our ability to be at home in the world, to remake our reality, and to question our existence through what we make.

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Como artista visual me propongo realizar construcciones que ofrecen una mirada sobre la relación con otros y con el espacio que nos rodea; como también de explorar la rutina y la forma como habitamos el espacio. Mi practica es una exploración de las contradicciones entre el mundo dinámico en el cual vivimos y las estructuras rígidas del paisaje construido y de la arquitectura que la contiene. Como resultado, el arte es empleado como un lente para pensar y repensar este lenguaje, de tratar activamente de renegociar el sentido, al preguntar de otras formas. Construir una plataforma para propiciar conversaciones e intentar renegociar estos acuerdos. 

Eminentemente simple pero a la vez complejas estas implicaciones, mi obra se plantea como un paradigma para la practica del hacer, que va mas allá del arte y de la arquitectura.

Yo experimento sobre y dentro del mundo real. Yo desarmo las estructuras del día a día, jugando con los materiales con los cuales construimos nuestros entornos y nuestros implementos,  y así abrir nuevos espacios dentro del mundo que pensamos habíamos definido. Lo que se mantiene inherente a lo largo de mi práctica es el sentido de experimentación e investigación que opera como extensión de nuestra habilidad de sentirnos en casa en el mundo, de rehacer nuestra realidad, y de interrogar nuestra existencia a través de lo que hacemos.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2011-2013: MA Fine Arts, Central Saint Martins College of Art and Design, University of the Arts, London, United Kingdom.

Prizes / Fellowships

• 2013: Bursary Awards 2013, Royal British Society of Sculptures, London, United Kingdom.
• 2012: Red Mansion Art Prize, Red Mansion Fundation, London, United Kingdom.
• 2011: Residency, MAC/VAL Residency. Musée d’Art Contemporain du Val-de-Marne, Paris, France.Lumen” en el barco Ms Bleichen.

Solo Exhibitions

• 2016: “Espacio de Uso“, Walden Gallery, Buenos Aires, Argentina.
• 2015: “Common Places”, Galerie Knoerle & Baettig, Winthertur, Switzerland .
• 2013: “Provisional for Life“, MPA Gallery, London, United Kingdom.

Group Exhibitions

• 2016: “Playhouse”, Open House, Argentine Ambassador’s Residency, London, United Kingdom.
• 2015: “My Buenos Aires“, La Maison Rouge, Paris, France.
• 2015: “Space intervention”, Obrera centro, DF, Mexico.
• 2014: “On Site”, TAP Temporary Arts Project, South End-on-Sea, UK.
• 2013: “Mom am I a Barberian”, 13th Istanbul Biennial, Istambul, Turkey.
• 2013: “Bursary Awards”, Royal British Society of Sculptors, London, United Kingdom.
• 2013: “Maps of the Present Past”, The Invisible line, London, United Kingdom.
• 2013: “Red Mansion Prize. “, Red Mansion Fundation, London, United Kingdom.
• 2013: “Future Maps 12”, Lethaby Gallery, London, United Kingdom.
• 2012: “Biens communs”, MAMCO,  Musée d’art moderne et contemporain, Geneve, Switzerland .
• 2011: “Dominio”, MAC-VAL. Musée d’Art Contemporain du Val-de-Marne., Paris, France.

Collections

• MAMCO,  Musée d’art moderne et contemporain, Geneve, Switzerland.

• Artists

Artist: Eduardo Stupía

Fossils and Sediments
September 20 – November 10, 2016
Jorge Mara . La Ruche
Buenos Aires, Argentina

The series Fossils consists of eleven pieces of acrylic paintings on medium sized paper. Here, the fold of the paper embedded in the porous material of acrylic produces an inspired and spectral imitation of the work of nature on itself, with the carbon effect of mono – copy.

The series Sediments displays graphic territories, in the way of a stratification of crystallized moments unfolded in the same plane as islets of representation derived from the various uses of graphite, pencil, charcoal, chalk pastel. The amphibious reality of this mixed universe once again puts into action the back and forth progression, from the spectral to calcareous, from the stony to smoky.

• Happenings

Artist: Eduardo Santiere

Multitudes
July 27, 2016 – September 7, 2016
Henrique Faria 
Buenos Aires, Argentina

This is Eduardo Santiere’s medium and matter: surface and volume. With graphite, colored pencils, sharp materials and infinite meticulousness, Santiere composes universes whose scale we cannot be sure of. He constructs a Scenario for an Empty World [Escenario para un mundo vacío] – one of his “scratchings” on exhibit – subjecting the paper’s surface to incisions and tearings that liberate it from the pressure that made it smooth and regular. He brings out sculptural reliefs that lightly dangle from the matter they have been detached from. It is a question of a morphological transformation that moves from the void to abundance.

The paper’s two-dimensionality is just as roughly subjugated in the works in which Santiere uses conventional drawing materials. Light graphite lines surround or connect points of color of various densities, colored ovoid forms – flat or on lacerated paper – are interconnected — the paper erupts and spumes like foam. We lose ourselves in studying the position, shape, movement and mutual relation of the microorganisms or heavenly bodies hovering over the white of the page. We waver between surrendering to arbitrariness or hunting for a system.

• Happenings

Artist: Bernardo Ortiz

Borrar
Solo show curated by Victoria Noorthoorn
May 14, 2016 – October 9, 2016
MAMBA Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Buenos Aires, Argentina

The work of Bernardo Ortiz (Bogota, 1972) explores the territories of drawing, writing and typography, and crosses the delicate boundary between the work of art that is created by writing and the drawing that is part of a larger narrative: the daily practice of an artist.

For this exhibition at MAMBA, Ortiz produced an architectural structure specially for the occasion, in order to enable the development of works and drawings. The visitor will go through the installation discovering the poetic operations of an artist obsessively dedicated to making possible new links between text and image, leaving aside all grandiloquence to emphasize the importance of small daily artistic gestures and its potential for transformation.

• Happenings

Artist: KIRIN

DIDERÓTICA
April 9th, 2016 -May 31st, 2016
Jorge Mara-La Ruche
Buenos Aires, Argentina

• Happenings

Artist: Horacio Zabala

La pureza está en la mezcla/Purity Is in the Mix
March, 2016 – July, 2016
Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat
Buenos Aires, Argentina

Horacio Zabala: La pureza está en la mezcla / Purity Is in the Mix,  is a retrospective exhibition curated by Rodrigo Alonso for the Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat in Buenos Aires. It is open to the public until July  and it will travel to the Phoenix art Museum to inaugurate in October and will be on public view until March of 2017.

• Happenings

Artist: Horacio Zabala 

Entre líneas
April 8, 2016 – May 9, 2016
Henrique Faria Buenos Aires
Buenos Aires, Argentina

La muestra de Horacio Zabala que presenta la galería Henrique Faria y que lleva por título Entre líneas, puede interpretarse a partir del acto de tachar. Si la escritura –como quería su inventor Thot– tiene como fin preservar la memoria, ¿qué sentido tiene la tachadura? ¿Qué es lo que sucede cuando se oculta lo escrito? ¿Se hace una impugnación de lo recordado, se censura un mensaje, se borra un acto de comunicación, se instaura un nuevo tipo de escritura que ya no sirve a la memoria sino al olvido? Horacio Zabala le quita a la tachadura todas las connotaciones negativas que posee para ponerla en un plano de la invención. Tachar y crear son, en su obra, un gesto único e indivisible. Y eso desencadena, por lo menos, tres procesos: la tachadura como manifestación sensorial, como investigación de la censura y como afirmación del monocromo.

La escritura, que en estas obras es el origen o el punto de partida, está escamoteada. Está dentro de los libros, pero son libros que no se pueden abrir. Está en los periódicos, aunque en palabras y números que no se dejan leer. Debería estar en los lomos pero lo único que ellos nos ofrecen son monocromos rojos. A la vez, esa escritura que se oculta es el andamiaje de la obra: regula el juego de líneas, impone sus límites. La primera operación de Zabala es pasar –con sus tachaduras– del orden de lo legible a lo visible, de la escritura al color. La mancha nos hace ver algo y, en ese mismo gesto, ver lo que no se puede pensar: visibiliza lo ininteligible.

Ese juego de borradura y ocultamiento hace pensar en la censura. Más cuando se sabe que Zabala participó en el arte político de los años setenta y vivió fuera del país en tiempos de la última dictadura militar. Mario Perniola, que leyó su obra bajo la noción psicoanalítica de censura, dijo que el artista “suprime todo con una determinación radical” y “opera la negación de la negación” porque en los periódicos ya operan mecanismos de silenciamiento y desinformación. ¿Al evidenciar los mecanismos de la censura –se pregunta el crítico italiano– se trata de regenerar el arte? La respuesta de Zabala es doble: política y existencial.

Por el lado político, sus obras nos extraen del entorno pero no lo olvidan nunca. El entorno siempre está ahí: tachado y por eso mismo visible. Los títulos de algunas obras lo evidencian al reponer las fechas del periódico que le dan origen: La Nación, jueves 14 de julio de 1988 o Le Monde Censurado – Bourse de Paris, 24-11-93. Ahí están como indicaciones de un día determinado. Ese momento nos remite a otros: imposible no pensar las rayas coloridas que tachan los registros de la Bolsa de París en relación con el

predominio de lo económico en la actualidad y con un lenguaje –el de los indicadores financieros– que apenas sabemos leer pero que influye tanto en nuestras vidas. Esa es la lectura contextual y, si se quiere, política: el mecanismo de la censura habla de la memoria pero también de las complejas apariciones del olvido involuntario o deliberado. Exhibe problemas de legibilidad y los resignifica en términos visuales. La máquina de arte debe procesar tanto las memorias como los olvidos, los recuerdos como lo que quedó reprimido o borrado. Al tachar, Zabala exhibe las diversas aristas de la censura.

La respuesta existencial no niega la lectura política sino que la potencia desde otro lugar. En Zabala, la tachadura es también el camino a un desamparo mayor como sus planos de cárceles o sus cálculos matemáticos. La cárcel no es sólo la represión del poder, también remite a la precariedad humana. La biblioteca sin palabras además de la cancelación de la lectura, es también la apertura a otras actividades humanas: mirar, clasificar, archivar, incorporar lo leído. Las obsesiones con la página de un periódico exceden la ironía sobre las jergas financieras para convertirse en una aventura del color y de la invención. En definitiva: el monocromo, en Zabala, es existencial, testimonio extremo en que la tachadura oculta tanto como revela, en el que lo sensible y lo conceptual se unen en el mismo momento en que se separan.

Horacio Zabala hizo sus primeras obras en la década del sesenta: a diferencia de otros artistas que fueron desplazándose hacia el arte conceptual, Zabala nació conceptual. Formado como arquitecto, en Zabala los anteproyectos son tan importantes como la obra misma: son todas transformaciones de una sensibilidad artística que se despliega, un pensamiento que se hace en imágenes. De ahí la importancia de esta muestra: en las bibliotecas monocromáticas, en los trabajos con los periódicos, en los avatares del rojo, el espectador (un lector de signos) puede acompañar los procesos de un arte dinámico que nos lleva a sensibilizarnos, a partir del color y la forma, sobre los actos de escribir, censurar, tachar, dibujar, planificar, componer y agregar un objeto al mundo.

Gonzalo Aguilar

• Happenings

Artists: Arnaiz, Greco, Grilo, Kemble, Kirin, Lecuona, Lío, F. Muro, Macaparana, Minujín, Pakovskà, Pucciarelli, Sacerdote, Sakai, Sclavo, and Stupía.

El color de los sueños
November 6 – December 30, 2015
Jorge Mara La Ruche
Buenos Aires, Argentina

A blue stain on the white fabric and beside it the words: ceci-est-la-couleur-de-mes- rêves. That is how Joan Miró named his monochrome picture.

Many other artists – before and after- felt attracted by the use of a single color in their works. Klee, Kandinsky, Fontana, Klein and Malevich painted monochrome works. Sometimes the dominance of one color is inextricably associated with the artist: Ives Klein is blue, Beuys and Jasper Johns are identified with gray, Rothko and Tapies with roasted reds. Black is Goya and Ad Reinhardt, Millares and Saura too. Gray evokes Joseph Beuys, Jasper Johns and Robert Morris. Blue is Miró; red belongs to Matisse and Newman. Roasted red belongs to Rothko and Tapies. Black is Goya and Millares, Ad Reinhardt, Saura …

Art history provides examples of various possible meanings for monochrome painting. This is sometimes negation and sometimes affirmation. The monochrome is a vacuum which, by definition, means absence of image. The rectangle of a single color is a tabula rasa on which the unique relationship that it counts is the one between the pictorial surface and the viewer.

The first fully monochrome paintings, three fabrics that Rodchenko painted in 1915, Red, Yellow, Blue, expressed a return to the primary colors, or in other words, the principle ones. For artists of the revolutionary vanguard, the goal was to go “beyond the painting”. The tabula rasa corresponds to the revolutionary impulse of starting over: Russian and Polish constructivists, the School of New York in the post-war, Burri, Fontana and Manzoni in Italy, Yves Klein in Paris and the Zero Group in Germany use monochromes in the immediate post war. During Franco’s dictatorship the Spanish abstraction is characterized by mostly almost black paintings. Blacks are typical Saura pictures, including a series based on the black paintings from Goya. In fact, the first specific identification of single color paintings in art history goes back to the series of frescoes painted by Goya in the Quinta del Sordo, known as “black paintings”. His Perro semi-hundido (1819) is certainly the first monochrome works of art history.
From there onwards, there were and are many artists who aspire- through the use of one color only – an eloquent silence, to an irradiation of light and color, or an unrelenting darkness. In this exhibition we present various works, mostly related to our gallery artists who explore in their works, and in their own way, this singular and complex way of using a dominant color.

• Happenings

Artist: Amadeo Azar

La tormenta que imaginamos
September 18 – October 30, 2015
Nora Fisch
Buenos Aires, Argentina

¿Qué pasa cuando un artista pinta en acuarela la modernidad? ¿Pueden las formas del arte moderno inventarse otra vez, o descubrirse como si hubieran pasado siglos olvidadas y perdidas para deslumbrar con aliento renovado? ¿Cómo puede volverse a ellas libre de vicios? ¿O volverlas tema sin hacer revisionismo, sin ahondar en el fracaso del gran proyecto moderno y de la revolución? ¿Sin caer en un conceptualismo que se pretenda superador? Sumergido en su taller, Amadeo Azar emprende una aventura infinita hacia lo profundo de su interés por las formas de la modernidad guiado por el encantamiento romántico y puntilloso con el que se entrega a su trabajo de artista, fundamentalmente de pintor. Y de su combinación aparentemente incompatible de tema y método, resulta un trabajo delicado y conmovedor en el que las formas supuestamente anónimas y prácticas, neutras y absolutas de la modernidad, se despliegan en imágenes donde la naturaleza de la acuarela -veloz, difusa y transparente- las carga de ánimo y hace visibles en una atmósfera de gran intimidad.

Si a partir del camino abierto por la abstracción, el artista moderno intensifica su búsqueda por obras que signifiquen la pura invención y, por ende, la pura verdad, el trabajo de Azar retoma, a través de ellas, el camino de la ilusión y la referencialidad. Sus pinturas de esculturas de Naum Gabo, Enio Iommi, Gyula Kosice, de obras de Raúl Lozza, son imágenes de imágenes. Lo que presentan no son ya el movimiento, el volumen o el color irrumpiendo en el espacio, sino radiografías exquisitas que traen a la vista algo para su reconocimiento. Con estos estudios, Azar penetra no sólo en la intimidad de una obra sino también en el proceso de invención de quien la creó, hace de la pieza que mira un retrato psicológico, la recorre y reproduce para entender, desde el hacer, su forma, sus brillos, sus líneas, sus volúmenes, sus quiebres; para representarla en toda su materialidad y, por qué no, en su espiritualidad. Fantasmales, las pinturas -algunas incluso fotografiadas e impresas sobre el mismo tipo de papel sobre el que él pinta- parecen eternizar, aunque en composiciones más oscuras, su luminosidad.

En el otro extremo de esta serie de trabajos, que se reproducen como espejismos, Azar parece probar la modernidad por sí mismo. Aunque con toda la carga del siglo pasado en sus manos y en sus ojos de artista, perdido en el ensimismamiento en el que se entrega a pintar, algunos de sus papeles buscan conquistar como se hizo antaño el plano puro de pintura como habiendo llegado otra vez al punto en que la materia exige no ser más que ella misma. Y, silenciosas, se asocian a estas imágenes casi fotográficas de obras reconocidas, papeles donde la acuarela logra plenos audaces en que sólo ella se hace escuchar. Crujiendo sobre el papel, sin embargo, no hay en ellos exclusiva precisión, uniformidad y pureza de color; por el contrario, es imposible no sentir en ellos la evocación de la niebla, o de una bruma de paisaje romántico o renacentista. Si, por un lado, estos plenos intensifican la relación con las fuentes que inspiran el trabajo de Azar, y se alinean con ellas, por otro, parecen defender el valor de lo inacabado, difuso, sugerente y abierto frente a la obra concluida y perfecta.

Una serie de esculturas -piezas que recuerdan los primeros trabajos constructivistas de Vladimir Tatlin que combinan planos y volúmenes de materiales diversos-, también se animan a probar estos momentos iniciáticos de las vanguardias. Combinando libros, recortes de diarios, partes de yeso, restos de papeles pintados, Azar arma volúmenes en los que incluso la pintura se integra al espacio, poniéndola nuevamente a prueba. Continuando con el principio del arte abstracto de ser fiel a los materiales, estas piezas integran al trabajo el flujo de lo que rodea al artista en su taller y tal vez buscan compartir, en el acto de su descubrimiento y composición, algo del júbilo inventivo que los guiaba.

Si la modernidad pretendía redefinir la sensibilidad colectiva, la obra de Azar renueva nuestra sensibilidad hacia ella. En el tratamiento personal, íntimo y minucioso que da a este proyecto que se cantó concreto y puro, lo homenajea andando sobre sus propios pasos con silencio y más de su propia y única delicadeza.

Alejandra Aguado

Images courtesy of the artist.

• Happenings

Artist: Lucila Amatista

Vida Primaria
Curator: Valeria González
August 20 – October 16, 2015
Ro Galería de Arte
Buenos Aires, Argentina

Lucila Amatista (Buenos Aires, 1978) presenta una selección de acuarelas y cerámicas que nos muestran entidades que no pueden ser definidas como una especie del reino animal o vegetal. Organismos que viven en un mundo rebosante de vida, tan monstruoso como bello, silencioso e inmóvil. La  forma de exhibición propone una mirada crítica sobre las ciencias naturales y sus métodos de investigación y exposición.

Como plantea Valeria González en el texto que acompaña la exposición:“Hagamos el esfuerzo de comprender que, si las manchas de pigmento acuoso –lo mismo que los trozos de arcilla- crecen pacientemente a través de mínimos matices y se multiplican flotantes sobre planos ingrávidos, no se trata simplemente de decisiones cromáticas y compositivas de una artista, sino de su esfuerzo por proceder con la materia del mismo modo en que la vida se auto produce microscópicamente. (…) Y así, la obra de Lucila Amatista podrá comprenderse, también, en sus implicancias éticas y políticas”.

Texto de la exposición

En uno de sus espacios de creación, Lucila Amatista genera lo que podrían ser los objetos o los rastros de un extraño personaje. Primorosas cajas donde ha atesorado rarezas naturales; o su mesa de observación, detenida en un instante, donde los especímenes, antes de ser guardados, participan de un cierto desorden en el que podemos espiar las curiosas relaciones entre las cosas que su mente imagina. Se trata, sin duda, de un coleccionista al margen de las ciencias, o de un tiempo anterior, en el que los gabinetes de curiosidades aún no habían sido atravesados –desmantelados- por el orden racional de las clasificaciones biológicas y geológicas.
Podríamos resumir en el nombre de Mark Dion todo un espacio del arte contemporáneo dedicado a la apropiación crítica de los saberes de las ciencias naturales y sus dispositivos de display. Este distanciamiento conceptual está lejos de la escala íntima, el cuidado artesanal y el espíritu amateur con que Lucila Amatista dota a su personaje.
Sin embargo, no importa cuán caprichoso o personal, se trata de un orden humano aplicado a especies naturales. Pero los organismos vivos, a diferencias de las ideas, se organizan a sí mismos y se auto reproducen. En un segundo espacio de creación, la artista no procede representando formas de la naturaleza, sino intentando emular su dinámica de génesis y multiplicación celular. He aquí el sentido primero –ya no de la cerámica y la acuarela como medios artísticos- sino del agua y la tierra como el sustrato desde donde se origina la vida primaria.
Si una semilla es capaz de hacer estallar a un muro ¿qué sentido tiene preguntarse por su forma? La única pregunta importante por hacerle a la semilla es ¿hasta dónde irás?. Esta es la lección que nos trae Deleuze para comprender la visión de Spinoza: no una jerarquía de seres organizados bajo el dominio de la mente humana –Dios creador por encima del mundo- sino un Dios-energía repartido en cantidades diferenciales de potencias que se expanden, combinan y cesan en un gran plano inmanente.
Hagamos el esfuerzo de comprender que, si las manchas de pigmento acuoso –lo mismo que los trozos de arcilla- crecen pacientemente a través de mínimos matices y se multiplican flotantes sobre planos ingrávidos, no se trata simplemente de decisiones cromáticas y compositivas de una artista, sino de su esfuerzo por proceder con la materia del mismo modo en que la vida se auto produce microscópicamente.
El esfuerzo no será menor si tenemos en cuenta que el destino último de las ciencias no es producir saber sino legalizar, mediante patentes de propiedad intelectual, la posesión empresaria de las capacidades generativas de los organismos vivos, separando poblaciones enteras del acceso a su propio medioambiente. Y así, la obra de Lucila Amatista podrá comprenderse, también, en sus implicancias éticas y políticas.

Valeria González

• Happenings

Artist: Guido Ignatti

Vista interior de una cámara
August 11 – 30, 2015
Centro Cultural Recoleta
Buenos Aires, Argentina

La muestra permite una lectura narrativa en relación al lugar donde está montada, contiene una escena que juega con la ficción y el enunciado conceptual de su sitio específico. La sala 10 oficia de cámara, un espacio aislado, quizá sagrado. Aunque el público puede ingresar a su interior solo por uno de sus accesos, el resto de las aberturas están bloqueadas por tapiados de madera que recuerdan su condición de claustro; que señalan su función concreta y simbólica de lugar íntimo donde se atesora un valor intangible. Lo cierto es que adentro, no hay más que soledad y la materialidad rústica de los tablones de madera. La cámara ha sido profanada. Su secreto ya no existe. Solo queda su atisbo aurático, las sombras de lo que fueron objetos de culto: ¿obras de arte?

• Happenings

Artist: Jorge Pedro Núñez

Fantasy
August 6, 2015
Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo
Buenos Aires, Argentina

…La tecnología historiográfica también nació con una distorsión inicialmente politizada: la convención de las periodizaciones de la historia se tomó prestada de la historiografía política y así se tradujo en la museología moderna. Los últimos trabajos de Jorge Pedro Núñez (Caracas, 1976) ponen en cuestión la lógica misma del museo. El marco o la vitrina, modalidades convencionales del parergon, de la delimitación del campo que contiene el signo artístico en su interior, son utilizados como un espacio de confrontación entre elementos históricos concatenados….

Manuel Sagade

• Happenings

Artists: Emilia Azcárate, Artur Barrio, Jacques Bedel, Coco Bedoya, Luis F. Benedit, Paulo Bruscky, Jorge Caraballo, Sigfredo Chacón, Emilio Chapela, Guillermo Deisler, Mirtha Dermisache, Anna Bella Geiger , León Ferrari, Jaime Higa, Eduardo Kac, Leandro Katz, Guillermo Kuitca, David Lamelas, Marie Orensanz , Clemente Padín, Claudio Perna, Federico Peralta Ramos, Dalila Puzzovio, Juan Pablo Renzi, Osvaldo Romberg, Juan Carlos Romero, Eduardo Santiere, Mira Schendel, Pablo Suarez, Horacio Zabala, and Carlos Zerpa.

Grafías y ecuaciones
June 1 – August 5, 2015
Henrique Faria Buenos Aires
Buenos Aires, Argentina

¿En qué momento una letra se convierte en una figura, un garabato en un signo, una línea en un significante, una imagen en una palabra, un poema en un dibujo, una consigna política en una afirmación de lo sensible? ¿En qué momento, en qué preciso momento, nuestra percepción se disloca para entrar en una zona de turbulencia en la  que se entreveran signos y figuras? Grafías y ecuaciones es una exploración en las obras de artistas que transitaron por esa zona de turbulencia donde las divisiones convencionales entre palabra e imagen ya no funcionan.

Las grafías de las obras que se exhiben en esta exposición son también ecuaciones: equivalencias y analogías que hace la imaginación para encontrarse con la diferencia, lo irreductible o el sinsentido en un laberinto de trazos metafísicos, políticos o plásticos. Sea como medición previa para cualquier obra, sea como traducción irrisoria o paródica, sea como pasaje de un sistema a otro, la diferencia entre signo lingüístico e imagen visual colapsa para dar lugar a un campo experimental que nos impulsa a una indagación por el Sentido y, al mismo tiempo, a una exploración de los sentidos.

Gonzalo Aguilar

• Happenings

Artist: Guido Ignatti

Sistemas de recuperación de la catástrofe
July 7 – August 7, 2015
Nora Fisch Arte Contemporáneo
Buenos Aires, Argentina

La instalación de Guido Ignatti presenta una serie de macetas caídas y rotas, como símbolo de un auge venido a menos, sus plantas con destino incierto están ahora sometidas a una serie de medidas para su recuperación, sostenidas por sistemas de alambres y flejes que las erigen nuevamente. Vienen acompañadas por instructivos para su multiplicación por sistema de esquejes. Las piezas que componen esta instalación funcionan como una metáfora del momento posterior a una tragedia y las posibilidades de recuperarse por medio de un tratamiento que circunstancialmente podría ser traumático. Cada pieza es una obra viva y en cierto modo performática, que se completa con un plan de acción tendiente a la supervivencia de la especie. Esta muestra es una precuela ya que se va a realizar en una escala mayor en el contexto de una exhibición individual de Ignatti en el Museum of Contemporary Art de Denver, Colorado, Estados Unidos, donde el artista presentará cuatro grandes instalaciones a mediados del 2016.

• Happenings

Artists: Gaspar Acebo, Marcolina Dipierro, Bruno Dubner, Sofía Durrieu, Bruno Gruppalli, Julián León Camargo, Guido Ignatti, Kirsten Mosel, Andrés Sobrino, Carola Zech.

About Line
July 3, 2015
Espacio Kamm
Buenos Aires, Argentina

Group show.

• Happenings

Artists: Marcolina Dipierro and María Carballo.

Acuerdo Formal
June 2 – July 10, 2015
Fondo Nacional de las Artes
Buenos Aires, Argentina

En una fotografía existe la tensión que proviene del no saber qué viene antes o después, uno está suspendido en la ficción de ese instante único, atrapado en el medio de algo que se hace y se deshace.

‘Acuerdo Formal’ es una imagen que refleja este instante precisamente. La sala parece estar multiplicándose ocultamente hasta que entramos y presenciamos su estado congelado en disyuntiva. Como un cristal de hielo cuyos dos elementos se ordenan radicalmente con el aumento de la presión, así la arquitectura de la misma se expande en una acumulación geométrica de tabiques y goma, una configuración que es sólo una de sus posibilidades infinitas.

Construímos pisos para sostener las paredes que nos circundan y cortamos agujeros para movilizarnos entre ellas. Dipierro y Carballo toman estos elementos estructurales, los componentes básicos de todo recinto arquitectónico, como su punto de encuentro. La sala tradicional es por definición un espacio neutro o “no espacio” que permite que los observadores se absorban en una obra de arte sin sentirse conscientes de una restricción física. Las artistas responden precisamente a este modelo familiar y lo invierten. Mediante la réplica meticulosa del piso y paredes como únicos materiales, nos presentan un espacio compuesto solamente de su arquitectura, enfatizando la materialidad de aquello que normalmente se ignora.

Al toparse con los tabiques y tener que esquivar los desniveles del piso, somos conscientes de que la narrativa de la instalación se relaciona con nuestros cuerpos y cómo nos trasladamos por ella.

Vemos cómo una simple operación arquitectónica puede hacernos reconsiderar una sala familiar y darnos una textura diferente de aire, luz, y sonido.

-Claudia Cortinez

• Happenings

Artists: Roberto Aizenberg, Nicanor Araoz, Marcela Astorga, Hugo Aveta, Nicolás Bacal, Ernesto Ballesteros, Eduardo Tomás Basualdo, Diego Bianchi, Joaquín Boz, Marcelo Brodsky, Eugenia Calvo, Gabriel Chaile, Nicola Costantino, Ariel Cusnir, Julián D’Angiolillo, Flavia Da Rin, Marina De Caro, Andrés Denegri, Mirtha Dermisache, Sebastián Diaz Morales, Matías Duville, Leandro Erlich, Tomás Espina & Martin Cordiano, León Ferrari, Ana Gallardo, Alberto Goldenstein, Gabriela Golder, Max Gómez Canle, Sebastián Gordin, Jorge Gumier Maier, Luján Fúnes, Graciela Hasper, Carlos Herrera, Carlos Huffmann, Roberto Jacoby, Magdalena Jitrik, Fabio Kacero, Guillermo Kuitca, Fernanda Laguna, Luciana Lamothe, José Luis Landet, Martín Legón, Catalina León, Donjo León, Marcos López, Jorge Macchi, Adriana Minoliti, Marta Minujín with Mark Brusse, Guillermina Mongan, Margarita Paksa, Esteban Pastorino, Marcelo Pombo, Santiago Porter, “Middle School Liliana Maresca Project” (Lorena Bossi, Ariel Cusnir, Sebastián Friedman, Leandro Tartaglia, Dani Zelko) with the students of highschool n°44 of La Cava de Fiorito, Pablo Reinoso, Marisa Rubio, Mariela Scafati, Pablo Siquier, Elisa Strada, Eduardo Stupía, Pablo Suárez, Luis Terán, Valeria Vilar, and Adrián Villar Rojas.

My Buenos Aires
June 20 – September 20, 2015
Maison Rouge
Buenos Aires, Argentina

My Buenos Aires at la maison rouge continues a series of exhibitions that showcases the art scene in cities worldwide. The series was launched in summer 2011 with Winnipeg, Canada, followed in 2013 by Johannesburg, South Africa. Some regret what they see as a “standardized” art world, laying the blame at globalization’s door, and so this seemed the opportune moment to look at centres of creativity which, though out of the spotlight, enjoy a thriving art scene of works infused with the city, its territory, history and myths.

Buenos Aires, a mystery reinvented

A mirror city, established twice (in 1536 and then again in 1580), “Our Lady of the Fair Winds” stands on Río de la Plata, the “silver river” that gave the country its name. Buenos Aires extends over two hundred square kilometres and is home to three million porteños (“port-dwellers” in Spanish). The Greater Buenos Aires conurbation has a population of fifteen and a half million, making it Latin America’s third most-populated agglomeration after Mexico City and São Paulo.

Described by Malraux as “the capital of an empire that never existed”, Buenos Aires fuels many fantasies. The mere mention of tango or beef, of Borges or Maradona, of Argentinean beauties will plunge anyone, even someone who has never set foot in the city, into dreamy nostalgia.

The visual and cultural familiarity that greets a European visitor can disappoint those in search of instant exoticism and pre-packaged emotions. Yet this is precisely where its power of seduction lies; in the (un)acquaintance of what we find when we peel away the masks of this tentacular city, which in 1914 was home to as many immigrants as Argentineans and where still today 40% of its residents were born elsewhere.

Buenos Aires is a child of immigration, whether voluntary or forced; a city haunted by absence. To live there is to accept estrangement and to overcome loss. Hardly surprisingly then, Buenos Aires shares New York’s love of psychoanalysis, and has one therapist for 120 inhabitants.

Seductive, Buenos Aires is no less sombre. It bears the stigmata of violence endured, of uprooting, dictatorship and the mourning of the many disappearances including, since the financial and economic crisis of 2001, that of its own image as a “major European power” that would inexplicably have alighted on the American continent.

The public protests that arose following the 2001 crisis have shown a capacity for counterpower that has no equivalent in the history of modern nations. Even in the throes of crisis, strikes and the pillaging of recent decades, Argentineans continue to wield sarcasm, dark humour and irony as a remedy against resignation.

A chameleon city, Buenos Aires comes with all the accoutrements of a modern conurbation – urban violence, air and noise pollution – yet behind the jacarandas that line its avenues it conserves the extraordinary capacity to reinvent itself and to reveal, unabashedly and sometimes even brutally, the pressing need to live better.

An artistic community that stand together

Authors and actors from all disciplines have in them this extraordinary and also determined capacity for reinvention. In the visual arts, decades of crisis and “getting by” have at least forged a community of artists who, irrespective of rivalries and conflicting views, face adversity as one.

Artists have responded to the lack of infrastructures and learning opportunities by throwing open their studios, hosting charlas (group discussions) where ideas can be brought out into the open. Those who do manage to enter the global art market willingly put their own money into supporting local creation. The grant endowed by painter Guillermo Kuitca, for example, gave an entire generation of artists between 1991 and 2011 access to a studio, and to critical and technical support with which to develop their work. Bola de nieve (“snowball”), a free website set up in 2005 by Ramona magazine, is a database of images where each artist invites another, thereby forming an endless chain. 1,135 artists now show their work there. In a similar spirit, an artist might often recommend visiting another artist’s studio, even when this means putting off visits to his or her own studio to another day.

A compelling movement

In the space of a few years, the map of Buenos Aires contemporary art has undergone substantial transformation to become more evenly spread between the city’s various neighbourhoods. Little by little, the art scene is moving away from the centre. Ruth Benzacar’s gallery, now in its fiftieth year, is leaving the historic Calle Florida for new premises west of the Palermo neighbourhood. New venues are opening in the north, such as Hotel de Inmigrantes. Further north still, the Haroldo Conti Memorial Cultural Centre includes a sculpture park that pays tribute to the men and women who disappeared during the dictatorship, and a cultural centre showing contemporary art. Di Tella, a private university with a famous past, launched an experimental research programme in 2010 under the directorship of the historian and curator Inés Katzenstein. To the south of the city, new director Victoria Noorthoorn is revolutionising the Buenos Aires Modern Art Museum (MAMBA).

The microcentro remains the city’s nerve centre at the heart of its history, and is still the site of numerous art venues, including the Fundación Osde, and galleries. The disgruntled still march on Plaza de Mayo while artists have begun to install works under the obelisk. This reconfiguration of Buenos Aires’ art venues symbolises a city that is gaining momentum, spreading its wings ready to fly. The direction it will take remains to be seen.

Cultural Policy

The city’s Culture Department is behind a number of initiatives which support this quality cultural provision.

The Patronage Law has forged stronger ties between business and the worlds of art and culture by encouraging the private sector to become involved with projects of cultural significance for the city. In a similar vein, thanks to the creation and development of the city’s southern zone (Polo Sur), artists have been able to revive parts of Buenos Aires which for decades languished outside the main exhibition circuits. Initiatives such as the arts district (Distrito de las Artes), the art factory (Usina del Arte), and numerous theatres, cultural centres and exhibition spaces have breathed new life into the south of the city whose industrial landscape now offers something new.

For several years, the successful Tandem programme has enabled art and culture taking place in Buenos Aires to resonate with comparable projects in other capital cities around the world, including Madrid, Amsterdam, Medellín and Paris.

Taking art into public spaces, installing sculptures in the city’s squares, organising open-air performances, launching new circuits such as in Calle Florida or the Borges Xul Solar walking tour… these and other initiatives illustrate the fusion between tradition and modernity, and show how new generations are embracing the city and its mythology.

My Buenos Aires, the exhibition

My Buenos Aires runs counter to the romantic vision of Buenos Aires. Paula Aisemberg and Albertine de Galbert seek to offer visitors to la maison rouge neither a portrait of the city nor a “who’s who” of Argentinean artists, but rather a sensation, an experience of the dynamics at work in the Argentine capital.

The exhibition moves back and forth between political and private, public space, the domestic and the unconscious, exploring themes such as instability, tension and explosion, masks, encryption and the strange.

Along their way, visitors will encounter remnants of facades, mutant scaffoldings, car bonnets, motorway junctions, burned-out houses and headless statues. They will decipher coded languages to the gentle sway of the music rising from the city and the whir of fans. When night falls, they can settle onto an old sofa and listen to a raspy tango, pick their way through the patched-up ruins of a kitchen that’s acting as though nothing was wrong, or study their reflection in the black ink of a white marble basin. They will sink into a waking dream inhabited by strangely unnerving doubles and faceless people falling from the sky, only to wake in the muffled folds of a stucco wedding cake.

With more than sixty artists working in all media, from installation to painting, sculpture, video and photography, four generations are represented. Established names such as León Ferrari, Guillermo Kuitca or Jorge Macchi will join others to be discovered. More than 15 of them will travel to Paris to work on in situ installations.

My Buenos Aires is an invitation to plunge into the mystery of Buenos Aires without attempting to resolve it, and to experience the unsettling strangeness of its multiple personalities.

• Happenings

Artists: Omar Barquet, Mauro Giaconi, and José Luis Landet.

Amplificar
May 30 – July 16, 2015
Document Art
Buenos Aires, Argentina

La simplicidad de la existencia: su agitación, su inquietud, su pena y su gozo, su espesor, su densidad, su cosa extensa, su tiempo convulso, desunido, su indisciplina, sus farfulladas, su inconciencia visceral y su lucidez no menos clavada al cuerpo… ̈Jean-Luc Nancy (1940).

Los artistas Omar Barquet (México), Mauro Giaconi y José Luis Landet (Argentina) se reúnen para plantear nuevamente una experiencia abierta, donde conceptos como paisaje, lenguaje y entorno son algunas de los ejes temáticos que traman esta propuesta.Ubicando al espectador como potencial protagonista y generando un espacio-terreno de juego, donde una serie de dispositivos lúdicos y simbólicos se disponen para ser activados, Barquet, Giaconi y Landet buscan desde la acción física e interactiva, amplificar el debate sostenido a larga distancia en forma de cadáver exquisito a través de medios de comunicación digitales.

• Happenings

Artists: Carlos Bissolino, Carlos Baragli, Daniel Callori, Julián León Camargo, Juan Giribaldi, Guido Ignatti, Julim Rosa, Leo Ocello, Luis Ortega, Sofi Quirno, Alejandro Taliano, and Natasha Voliakovsky.

Bonzo
May 16, 2015
Casa Uno
Buenos Aires, Argentina

Bonzo es un proyecto artístico que, gracias al apoyo de Metro Building, se aloja temporalmente en casas que serán demolidas, con el fin de establecer talleres de artistas y generar proyectos autónomos de investigación y experimentación en un tiempo denido por el propio lugar.

Las casas, ya deshabitadas y a la espera de su demolición, serán laboratorio de diversas experiencias. Cada casa albergará una propuesta determinada, y cada propuesta artistas, talleres e hipótesis de trabajo durante el tiempo en que esa casa espera para ser otra cosa.

Bonzo es cada una de las casas y todas a la vez. Cada espacio tendrá autonomía funcional y a su vez formará parte del proyecto total. Cada casa tendrá un núcleo creativo fuerte que será integrado por aquellos que quieran desarrollar un asunto en esa situación determinada, y que podrá incluir a los artistas responsables, a curadores y a invitados especiales que puedan potenciar la propuesta.

El ciclo de trabajo será entre cinco y ocho meses para los artistas que usen las instalaciones como taller/laboratorio y se evaluará cada caso particular en los artistas que propongan una muestra o acción especíca. Antes de la demolición, se harán al menos dos aperturas de cada casa con el fin de mostrar las producciones nales, así como también las que estén en proceso, tanto de los artistas en situación de taller como de los invitados especiales.

Cada nueva casa construida sobre un bonzo tendrá un espacio destinado a mencionar el proyecto que ahí se integró y a los artistas que lo compusieron, enlazando las etapas de la casa, como una transformación del espacio y como una memoria de lo sucedido.

Dependiendo de la propuesta de cada artista, algunos fragmentos u obras completas podrán resguardarse para formar parte del patrimonio del nuevo edificio.

Proyecto curaduría y gestión: Carlos Baragli, Juan Giribaldi y Guido Ignatti.

• Happenings

Artists: Marcelo Grosman, Sofía Bohtlingk y Alfredo Londaibere, Amadeo Azar, Julián Terán, Guido Ignatti, Silva Gurfein, Lux Lindner, Nicolás Gullotta, Ana Tiscornia and Tiziana Pierri.

Selección de trastienda
May 9 – June 12, 2015
Nora Fisch Arte Contemporáneo
Buenos Aires, Argentina

Group show, selected artists from gallery.

• Happenings

Artists: Ananké Asseff, Juan Becú, Joaquín Boz, Sofía Bohtlingk, Dino Bruzzone, Elena Dahn, Bruno Dubner, Matías Duville, Julieta Escardó, Raúl Flores, Margarita García Faure, Lisa Giménez, Alberto Goldenstein, Max Gómez Canle, Sebastiám Gordín, Diego Gravinese, Silvia Gurfein, Silvana Lacarra, Estefanía Landesmann, Marcos López, Eduardo Médici, Emiliano Miliyo, Jorge Miño, Andrea Ostera, Esteban Pastorino, Oscar Pintor, Santiago Porter, Dalila Puzzovio, Res, Jorge Roiger, Rosa Chancho, Mariela Scafati, Pablo Suárez, Rosana Schoijett, Paula Senderowicz, Rosana Simonassi, Cecilia Szalkowicz, Mariano Vilela, Martín Weber, Pablo Ziccarello.

In Fraganti
Curated by Valeria González
April 11 – July 18, 2015
ArtexArte
Buenos Aires, Argentina

Proyecto que investiga la “y” que une y separa, de manera fluctuante, a la pintura y la fotografía, no tanto como disciplinas estables sino los espacios intermedios, dialógicos o conflictivos, en que los lenguajes se cruzan y engendran nuevas prácticas y pensamientos.

Se trata sobre todo de cruces de dispositivos, algunos de los cuales advienen en la desembocadura de largos procesos históricos.

• Happenings

Artists: Jimena Croceri, Dana Ferrari, Adriana Minoliti and Fernanda Laguna.

Monumento
March 20 – April 18, 2015
Mite Galería
Buenos Aires, Argentina

Images: Fernanda Laguna, “Sin título”, 2014, Mixed media / Adriana Minoliti, “Geometría tropical”, 2015, Acrylic on fabric.

• Happenings

Artists: Jorge Miño and Amadeo Azar.

Los restos del triunfo (Dos por tres)
Curated by Valeria González
April 8, 2015
Fundación Federico Jorge Klemm
Buenos Aires, Argentina

Religiosa o no, una revelación es un acontecimiento que excede a sí mismo, señalando una verdad que lo precede. Aún antes de saberlo ellos mismos, las obras de Jorge Miño y Amadeo Azar avanzaban en sintonías paralelas. La experiencia artística que hoy nos presentan, en la que han trabajado como un auténtico dúo, es una desembocadura que ilumina y resignifica sus propios pasados.

A nadie habrá escapado que ambos comparten el interés por los idiomas geométricos de las utopías constructivas que brillaron antes de la segunda guerra mundial. Pero se trata aún de un rasgo demasiado genérico, casi consustancial al arte posmoderno. Para captar algo de la singularidad de su espíritu es preciso aclarar lo que ellos no hacen. Miño y Azar no condescienden a la risa triste de la ironía. No trabajan con cadáveres de proyectos fracasados (“fracaso” puede decir aquel que espera de la utopía una respuesta útil) sino con un acervo de inquietudes formales e imaginarias aún inagotable.

Para remarcar sus coincidencias, pero sobre todo cómo un repertorio acotado y riguroso es capaz de combinatorias infinitas, los artistas dicen todo en blanco, negro y rojo. En una gran retícula donde las fotografías de Miño y las acuarelas de Azar se intercalan, vemos que los colores netos del diseño ruso se abren a la multiplicación de matices sutiles, creando un efecto casi atmosférico.

Hace años, su pasión por las vanguardias geométricas los llevó a tensar los límites del plano: Azar comenzó sus piezas de papel plegado y Miño a multiplicar los efectos ópticos de sus distorsiones fotográficas. Aquí, por primera vez, integran sus lenguajes en una secuencia de piezas realizadas en conjunto.

En un tercer y último paso, los artistas ponen en diálogo dos obras individuales de gran tamaño. Visto musicalmente, el dúo se presenta entonces al compás de tres partituras diferentes. En el primer mural, las dos voces al unísono se integran en una melodía continua. Como instrumentos afinados en una misma clave, la copia sobre papel de algodón acerca su registro al de la acuarela. Gradientes cromáticos y lumínicos modulan la textura de esta gran superficie como suaves diferenciales sonoros de timbres y alturas.

La secuencia de piezas en coautoría puede pensarse como una segunda partitura compuesta de breves arreglos contrapuntísticos a intervalos mayores. Fotografía y papel plegado se superponen como dos interpretaciones vocales en base a un mismo motivo musical.

Por último, asistimos a la alternancia de dos cantos solistas de largo aliento. En tanto los papeles plegados de Azar componen una línea melódica en degradé continuo, la fotografía de Miño acude a los contrastes. Ambos pulsan la geometría hacia la incertidumbre de los reflejos y las reverberaciones lumínicas.

Dos artistas que jamás fueron a Rusia pueden volver a hacer del duro abecedario del constructivismo una experiencia estética de inesperadas resonancias.

Image: Amadeo Azar, 72 acuarelas sobre papel plegados, 2015, 120 x 520 x 20 cm

• Happenings

Artist: Camilo Guinot

La forma promiscua
March 12 – April 5, 2015
Centro Cultural Recoleta
Buenos Aires, Argentina

La propuesta del artista consiste en una instalación escultórica utilizando ramas de la poda pública. Guinot reúne, combina y tensiona la idea de producción humana y la de naturaleza. Asimismo involucra en la exposición las nociones de constructivismo austero, el antimonumento (escultura efímera), la sinergia, la ambigüedad temporal, además de aplicar la idea de lo promiscuo a la mezcla y la diversidad que subyace tanto en el proceso artístico como en el de la vida.
En el lenguaje del artista, la poda le otorga a las ramas el status de desecho. Las mismas son recolectadas y recontextualizadas formalmente en relación al entorno. Cada rama puede entenderse como patrón constructivo, y su vez como unidad de tiempo. Acumuladas y dispuestas en el espacio implican la traducción de tiempo a forma.

• Happenings

Artists: Abot Allievi, Arnaiz Dipierro, Grilo Hlito, Kirin, Macaparana, Lucía Mara, Fabio Miniotti, Fidel Sclavo, Eduardo Stupía, Ana Sacerdote.

Déjà Vu
November 17, 2014 – March 6, 2015
Galería Jorge Mara La Ruche
Buenos Aires, Argentina

Selección de obra de artistas de la galería.

• Happenings

Gomez
December 19, 2014
Document Art
Buenos Aires, Argentina

For more information about the exhibition, please refer to the following video narrated by the artist.

• Happenings

Artist: Alexis Minkiewicz and Santiago Rey.

Mecánico de Día
November 27, 2014 – March 2015
ZabaletaLab
Buenos Aires, Argentina

Imágenes (de arriba hacia abajo): “Nidos”, 2014 (detalle); “Piel”, 2014, Grafito y carbon sobre papel fabriano 300 gramos, 200 x 140 cm; “El origen del mundo”, 2014, Grafito y carbon sobre papel fabriano 300 gramos, 200 x 140 cm; “El origen del mundo”, 2014, Metal desplegado cable de acero, Pintura, Medidas variables 11 metros de Largo; “Nidos”, 2014, Metal desplegado, calbe de acero, varilla de acero, pintura, Medidas variables; Vistas de sala.

• Happenings

Artists: Sergio Avello, Chiachio & Gianonne, Flavia Da Rin, Tulio de Sagastizabal, Juan del Prete, Marcolina Dipierro, Jorge Gumier Maier, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, Magdalena Jitrik, Fabio Kacero, Fernanda Laguna, Alfredo Londaibere, Adriana Minoliti, Guillermina Mongan, Inés Raiteri, Mariela Scafati, Cristina Schiavi, Leila Tschopp, Paola Vega and Yente (Eugenia Crenovich).

El teatro de la pintura. Artistas argentinos en diálogo con Sonia Delaunay
November 8, 2014 – February 22, 2015
MAMBA
Buenos Aires, Argentina

La exposición, con curaduría de Jimena Ferreiro, toma como punto de partida las obras de Sonia Delaunay (Gradzihsk, Ucrania, 1885 – París, 1979) pertenecientes al patrimonio del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires para contar una nueva historia, en tiempo presente, que la hace convivir con artistas argentinos modernos y contemporáneos. Una propuesta que sitúa a Delaunay fuera del relato habitual –aquel que la confina a ser la única mujer en un mundo europeo, moderno y profundamente masculino– para ensayar otra historia que despliega secuencias temporales distantes entre sí, las cuales permiten establecer correspondencias entre artistas y contextos diversos.

Las obras de Sergio Avello, Chiachio & Gianonne, Flavia Da Rin, Tulio de Sagastizabal, Juan del Prete, Marcolina Dipierro, Jorge Gumier Maier, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, Magdalena Jitrik, Fabio Kacero, Fernanda Laguna, Alfredo Londaibere, Adriana Minoliti, Guillermina Mongan, Inés Raiteri, Mariela Scafati, Cristina Schiavi, Leila Tschopp, Paola Vega y Yente (Eugenia Crenovich), en diálogo con Sonia Delaunayprovocan la activación de otros sentidos de lo moderno, que permiten comprender las maneras en que estos artistas abordan la pintura y sus tradiciones. De este modo, más que una colección de imágenes que se aproximan por forma y color según el relato moderno tradicional, esta exposición convierte a Sonia Delaunay en un modo de hacer cuya fuerza irradiadora despliega una genealogía del arte local en clave abstracta, pero desobediente y sensual.

Imagen: Marcolina Dipierro, CME0002 – Instalación. Sin título. 7 círculos. Medidas variables sujetas a disposición -Madera, espejo, hierro y pintura acrílica – Año 2014

• Happenings

Artists: Silvia Gurfein, Guillermo Faivovich and Javier Villa.

Aguardamos conexión
November 1 -29, 2014
Diagonal
Buenos Aires, Argentina

En 1925, luego de cuatro años de trabajo, Howard Carter abre el sarcófago de Tutankamón y se convierte en la primera persona en enfrentarse a su máscara luego de más de 3.000 años. En 2009, se hunde el Polar Mist cerca del Estrecho de Magallanes con una carga de 9,5 toneladas de metal doré, una aleación de oro y plata. En Julio de 2015, la sonda New Horizons, después de viajar más de 5.000 millones de kilómetros, ofrecerá una nueva imagen de Plutón. Entre 2008 y 2009, durante su estadía en la academia Städelschule de Frankfurt, Alemania, Guillermo Faivovich investiga estos sucesos, quizás interesado por la imagen latente que en un momento dado es vista por un solo hombre y luego se expande hacia la cabeza de toda la humanidad, por una imagen tangible de la economía que, de un instante a otro, se vuelve pura abstracción y por las imágenes que aún no existen.

¿Si las imágenes son máquinas del tiempo lanzadas hacia dos direcciones, no navegarían en un bucle infinito y, por lo tanto, tendrían un espacio reservado en todo tiempo y lugar, situando al arte en el rol de un guardián que preserva viva, dentro de una cripta, la posibilidad de la imagen aún no vista?

En 1969, Silvia Gurfein asiste al estreno en Argentina de 2001: Odisea del Espacio. En la década del ochenta, ensaya la obra El esfuerzo del destino de Vivi Tellas; se prepara para esas sesiones escuchando cassettes que le provee Nora Loiseau, su prima astrofísica. Las cintas contienen radiaciones electromagnéticas en longitud de onda, obtenidas con la antena del IAR (Instituto Argentino de Radioastronomía,) y luego convertidas en audio. En 2009, durante un estudio abierto de la Städelschule, Faivovich exhibe una foto de la primera torre erigida para el Radiotelescopio de Arecibo, una mega construcción situada en Puerto Rico cuyo objetivo, de algún modo, es la búsqueda de nuevas imágenes.

¿Una imagen nunca vista puede ser reconocida como tal, o es necesario que arrastre consigo un rango de información reconocible que construya identificación con su receptor, al mismo tiempo que lanza datos al futuro para que, ante su llegada, los mismos ya formen parte de una experiencia adquirida y, por lo tanto, puedan ayudar a construir la percepción de nuevas imágenes que aún no podemos ver, situando al arte en el rol de un catapulta que envía señales hacia adelante para activar el espacio reservado de esas nuevas imágenes que ampliarán nuestro conocimiento y goce del mundo?

En 1913, Kasimir Malevich concibe Cuadrado negro sobre fondo blanco, siendo su primera materialización pictórica dos años posterior. El óleo de Malevich podría contener el pasado y un potencial futuro de la historia de la pintura. En 2001, Gurfein desarrolla su primera serie de espectrogramas, frecuencias de color realizadas al óleo que toman como referencia diversas pinturas de la antigüedad. Un espectrógrafo, entre otras cosas, permite conocer la composición de una estrella por el dibujo de los intervalos de luz. Gurfein toma un pequeño fragmento de un cuadro, identifica cada color de ese fragmento como una unidad de sentido y desarrolla esos colores, extrapolados, como una escritura de bandas cromáticas sobre la tela, convencida de que el óleo contiene toda la historia de la pintura como ADN que transporta en el tiempo la información de su génesis. La búsqueda de una mínima unidad que porte la información esencial, plegada, para luego ser arrastrada a otros soportes, trece años después se redirecciona hacia el sistema solar.

¿Si nunca antes la imagen se había impuesto con tanta fuerza en nuestro universo estético, técnico, cotidiano, político e histórico, no debería una sola imagen ser capaz, al mismo tiempo, de reunir todo lo anterior y ser entendida, por turnos, como documento y como objeto de sueño, obra y objeto de paso, monumento y objeto de montaje, no-saber y objeto de ciencia, un tesoro y una tumba de la memoria? ¿Si pensáramos a la historia de las imágenes como una historia de profecías, el arte sería aquello que hoy nos otorga la percepción más precisa de la experiencia contemporánea del tiempo, sin caer en linealidades evolutivas sino aportando relaciones cercanas a una idea de montaje, que escapa de las teleologías, hace visibles las supervivencias, los anacronismos, los encuentros de temporalidades contradictorias que afectan a cada objeto, cada acontecimiento, cada persona, cada gesto, conteniendo todos los estratos de la arqueología y todos los punteados del destino?

Obras exhibidas:
Sistema Solar espectral. Silvia Gurfein, 2014. Lapiz sobre papel, medidas variables – ángulos precisos.
Tower 1962. Guillermo Faivovich, 2009-2014. Impresión sobre papel, medidas variables (mural). Cortesía NAIC – Arecibo Observatory, a facility of the NSF.

Texto:
Javier Villa (basado en las charlas del trío y en las ideas de George Didi-Huberman).

• Happenings

Artists: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani, Mariano Vilela, Anna María Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão and Raúl Lozza.

Cromofobia
November 15, 2014 – March 1, 2015
Curator: Teresa Riccardi
MACBA
Buenos Aires, Argentina

Entre la luz y su ausencia, una reunión de imágenes, esculturas, dibujos y fotografías contemporáneas proyectan temporariamente  un espacio formal y acromático en MACBA.  Como si se tratara de una cámara resonante que desafía el umbral audible intensificándolo o neutralizándolo, las piezas que integran esta exhibición en blanco y negro ocupan la arquitectura del museo creando un relato que cancela la posibilidad expansiva e inmaterial que nos propone el color para pensar la gramática formal  que instalan los extremos lumínicos y opacos.

En esta constelación, la certeza gobierna sobre la inestabilidad sugerida por la variación de tintes y cromas, evitando los desvaríos del color, las explosiones y sus afinidades selectivas. Cromofobia  no intenta construir formas de interacción a partir de sus tintes, sino a partir de sus valores y significaciones. Donde cada intervalo de sentido se elabora en la superficie material, y las gradaciones o volúmenes espaciales se reparten entre las distintas intensidades de fuente lumínica. En esta manifestación, ciertas piezas, exteriorizan las progresiones intermedias que componen  la escala de los grises.

Cromofobia nos invita a percibir las obras, su planteo formal y nos acerca a la subjetividad que se inscribe detrás del conocimiento sensible y lenguaje de cada artista. Expone un modo posible de ver usos diversos del blanco y el negro, y en ello, de qué modo ésta elección adquiere un peso específico, una gravedad discursiva.  No obstante la restricción del color, la exhibición nos abre hacia otra lectura fenomenológica de los objetos, las cuales despliegan un horizonte de posibilidades para poder mirarlas y comprenderlas.

Esta exhibición reúne piezas de: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani y Mariano Vilela. También se incluyen obras de la Colección MACBA de los artistas Anna María Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão y Raúl Lozza.

MACBA presents Chromophobia, an exhibition that brings together works from its collection with the work of invited contemporary artists. The pieces included in this exhibition in black and white occupy the museum’s architecture creating a story that cancels the expansive and intangible possibilities of color in order to think of the formal grammar and senses installed by lighting and opaque matter extremes.

Chromophobia brings together works by: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani and Mariano Vilela. Works of the MACBA Collection by Anna Maria Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão and Raúl Lozza are also included.

It is a constellation of artists working on pieces that talk about the corporal experience of space, as in the case of Anna Maria Maiolino and Ascânio MMM of Brazil, which inspire and open the bet to other object-based and perceptual dialogues with Argentine artists of the same generation, such as Horacio Zabala and Leandro Katz, or new generations of artists as Eduardo Basualdo, Pablo Accinelli and Marcolina Dipierro. In all cases, their poetics- anchored in the gap between analytical reason and sensorial experience of space and language- suggest a palpable, tactile and visible condition of the body projected or absorbed into the surface of the material and conceptual pieces.

As if they were dissociated from the apparent reality, certain photographic pieces move metaphorically from the earthly to the spectrum, giving spatiality other senses. This is true in the series of photographs by Erica Bohm, Jorge Miño, Guido Yannitto and Leandro Katz, that transport us into a dimension disclosed only by the fictional pact.

Certain gestures, heirs of a formal and conceptual minimalism, dialogue with the MACBA Collection in pieces by Horacio Zabala, Andrés Sobrino, Marcolina Dipierro and Lucio Dorr, compositions that install a narrative space with geometry of minimal units.

The white corporeality is tested by other relationships: Pablo Accinelli, Silvana Lacarra and Ivana Vollaro reduce the image to a minimum in their works, revealing the sensitivity of the materials. Other subsections bodies and cutting materials take shape such as Marcela Sinclair’s intervention performed on a vintage photographs, and pieces of soot on paper with geometrical figures and mandalas of Tomas Espina. The black and white, the paper, the charcoal and the graphite come to life in the imaginary worlds of Matías Duville and abstract pieces by Mariano Vilela, respectively.

In this statement from Chromophobia, perceiving the works and their formal proposal is to see how the use of white and black acquires a specific weight, discursive and poetic gravity that empowers the spatial relationship with the viewer.

Images: Andrés Sobrino, Sin título, 2010, Esmalte sintético sobre multilaminado uréico (plywood), 75 x 55cm. cada uno / Guido Yannito, Perder el nombre, 2013, fotografía, 40x50cm / Horacio Zabala, Los siete días de la semana, 2014, serígrafía sobre papel, 70 x 490 cm. / Vista de sala / Tomás Espina, Sin título, 2013, hollín sobre papel, 32 x 23 cm. (1) / Mathieu Mercier, Sin título, 2012, impresión digital sobre papel baritado, 44 x 29,3 cm.

• Happenings

Artists: Juan Becú, Sofía Bohtlingk, Rosa Chancho, Silvia Gurfein, Guido Ignatti, Fernanda Laguna, Ramiro Oller, Tiziana Pierri, Marisa Rubio, Mariela Scafati and Juan Tessi.

Pintura Buenos Aires 2014
November 15 – December 31, 2014
Nora Fisch
Buenos Aires, Argentina

En Argentina se pinta.  La tradición pictórica es fuerte, y a pesar de la energía con que se despliegan otras prácticas artísticas a nivel local –ya sean relacionadas a la imagen en movimiento, lo conceptual o la performance– la pintura permanece viva, empujando sus propios límites, reconsiderándose, en el centro del foco de artistas de generaciones jóvenes e intermedias.  Esta muestra, que inaugura el nuevo espacio de la galería, aspira a ser un recorrido por algunas de estas obras, que empujan, fuerzan, tuercen, reconsideran lo pictórico, ya sea desde su lenguaje mismo (Pierri, Becú, Gurfein),  contaminándolo desde otros medios y materiales (Scaffatti, Oller, Bothlingk, Ignatti) o desde una mirada desde afuera, desde prácticas performáticas o esencialmente conceptuales (Rosa Chancho, Marisa Rubio).

Image: Guido Ignatti, Collage para cajones, collage, papel enmarcado en cajones, 60 x 44 cm, 2014

• Happenings

Artists: Leonardo Cavalcante, Diego Cirulli, Linhuel González, Miguel Harte, Santiago Licata, Brian Maltz, Alexis Minkiewicz, Tadeo Muleiro, Marcela Oliva, Jorge Opazo, Hernán Soriano, and Catalina Schliebener.

Fantasía Fantasma
November 7 – December 5, 2014
Curated by Lucas Marín
Mapa Líquido / Fundación Lebensohn
Buenos Aires, Argentina

Pintura, objeto, dibujo, escultura, video, collage y mural.

• Happenings

Artists: Guido Ignatti and Hernán Soriano.

Lo mismo, su eco, su sombra
November 6 – December 6, 2014
Curator: Mariano Soto
Fundación OSDE
Buenos Aires, Argentina

Resuena cierta tensión espacial, abstracta, ambigua, como tejida de pequeñas inexactitudes, de corrimientos sutiles, pero también de ajustes sorpresivos e innecesarios.
En la construcción de un espacio paralelo con realidades, circulaciones y códigos de habitabilidad superpuestos, el hecho artístico se traspasa al espectador, al que mira, al que recorre ese espacio, convirtiéndolo en catalizador, en el Capitán Morris del cuento de Bioy. ¿Cómo reaccionaríamos si al despertar una mañana nos encontráramos con una realidad físicaligeramente alterada?, y lo peor: ¿qué pasaría si ese ligeramente fuera la prueba irrefutable de que no somos ya quiénes y cómo éramos la noche anterior?
Entremos a la sala. Agucemos los sentidos. Veremos asomar guiños literarios donde lo ficcional se pone de uno y otro lado de la pared, alternadamente. Ficción por delante o ficción por detrás, pero, al final, lo que prevalece va más allá del cuento. El señalamiento principal pone el dedo en lo presente, en lo residual, en las presencias como huellas, en la posibilidad de la multiplicidad… y en el regodeo en ella.
Aquel “montaje de tiempos heterogéneos” del que habla Didi-Huberman, y que se me antoja (Bioy nos lleva irremediablemente a Borges, y este punto sería un buen tema al que volver en clave estética una y otra vez) tan central en la producción artística contemporánea, es un buen punto para detenerse a observar y pensar. ¿Qué posibilidades de ser leído y clasificado temporalmente tendrá en el futuro nuestro legado contemporáneo de imágenes, fábrica de citas y re-visitas del pasado artístico, rey indiscutido de la posproducción, el ensamble y el objet trouvé?
Pero ese no era el punto, aunque ayude a potenciarlo y darle densidad. El punto es el espacio en sí, la referencia a él, a los modos de habitarlo y sus derroteros; su condición de vórtice de tiempos yuxtapuestos. Es aquí y ahora en donde la irrupción de Ignatti y de Soriano convierten la densidad semántica (y ya altamente citacionista) del estilo Belle Époque en sombras desclasadas, en artefactos irracionalmente inútiles como eco de realidades abandonadas: un espejo retrovisor donde asomarse a la mismidad de las cosas y a nuestro torpe circular entre ellas.

Mariano Soto

• Happenings

Artist: Alejandra Barreda

Geometría extendida
Curator: Danielle Perret
September 18 – November 12, 2014
Ro Galería de Arte
Buenos Aires, Argentina

Según Danielle Perret, curadora independiente y autora del texto que acompaña la exposición: “La pintura de Barreda podría definirse, más que por el término de «geometría sensible» –utilizado por los críticos más o menos recientemente–, por el de «geometría prospectiva», es decir un arte (geométrico) que tiende, cada vez, a explorar el espacio pictórico comprendido también como un espacio significante que incluye, además, una dimensión metafórica.”

Alejandra Barreda vive y trabaja en Buenos Aires. Recientemente recibió el 2° premio del 9° Concurso Nacional de Pintura organizado por la Universidad Argentina de la Empresa (UADE). Su obra formó parte de numerosas exposiciones y entre las últimas se destacan Geometría al límite organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y Geometría desvíos y desmesuras, curada por Danielle Perret en Espacio de Arte de la Fundación OSDE. Su obra forma parte de colecciones privadas en Argentina y en el exterior, de la Colección MACBA (Buenos Aires) y la colección Sayago-Pardon (EE.UU)

• Happenings

Translated from Spanish

I have always aimed for my work to speak of that which grazes silence, but it is full of voices.

Sometimes imperceptible, in others, in a very low volume.

In a similar way to what happens with the beginning of homeopathy, the more subtle the dissolution is, the more intense its effect will be. The slighter the stimulus is, the more powerful the reaction will be.

A whisper tends to be more powerful than a scream. A small noise in the garden ends up scaring more than a grandiloquent thunder.

To focus there, where there appears to be nothing—and after some careful attention—turns out to be a territory filled of things that speak in a low voice.

As soon as they are perceived and appear, they cannot be silenced.

A great part of my work on paper is like letters that have not been read. They have been written in a language that we don’t recognize at a first glance.

A list of what stands still. A detailed index of that which doesn’t exist.

A meticulous catalogue of the impossible.

The group of papers—sometimes paper cutting, whit incisions, marked, or with perforations—ends up generating an alphabet. A grid more or less uniform or disperse, from which we can device an unusual calligraphic system, with cuneiform memories, a sheet of writing which we do not know how to decipher, but we know it is there, latent,  under those signs and that order that forms words, phrases, and full sentences. We can sense their existence beyond their apparent secrecy. A fragile Rosetta stone. A letter that we receive, ethereal, from another place, but we don’t know in which language it has been written.

And it waits there, still.

Apparently monochromatic from the lights and shadows resulting from the cuts and interventions on the paper, they generate countless hues and semitones within each color, which increase the sense of range of each sign not written out.

Siempre he intentado que mi obra hablase sobre eso que roza el silencio, pero está lleno de voces.

A veces, imperceptible. En otras ocasiones, a un volumen muy bajo.

De manera similar a lo que sucede con el principio de la homeopatía, cuanto más sutil es la disolución, más intenso su efecto. Cuanto más leve el estímulo, más poderosa la reacción.

El susurro suele ser más poderoso que el grito. Y el pequeño ruido en el jardín termina asustando mucho más que el trueno grandilocuente.

Hacer foco allí, donde parece que no hay nada, y -tras unos minutos de atención- pasa a ser un territorio repleto de cosas que hablan en voz baja.

Y una vez que son percibidas y aparecen, ya no se callan.

Gran parte de mi obra sobre papel son como cartas no leídas. Escritas en un idioma que no reconocemos a simple vista.

Una lista de lo que permanece quieto. Un pormenorizado índice de lo inexistente.

Un minucioso catálogo de lo imposible.

El conjunto de papeles, a veces calados, con incisiones, marcados o con perforaciones termina generando un alfabeto. Una grilla más o menos uniforme o dispersa, de la que puede adivinarse un inusual sistema caligráfico, con reminiscencias cuneiformes, una plancha de escritura. La cual no sabemos decodificar del todo, pero sabemos que está allí, latente, bajo esos signos y ese orden que forman palabras, frases y oraciones completas, de las que llegamos a intuir su existencia, más allá de su aparente hermetismo. Una piedra de Roseta frágil. Una carta que nos llega, etérea, desde algún lado, pero no sabemos el idioma en que ha sido escrita.

Y allí espera, quieta.

En su aparente monocromía, las luces y sombras resultantes de los calados e intervenciones sobre el papel, generan incontables matices y semitonos dentro de cada color, que amplían el rango y sentido de cada signo no escrito.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 1990: School of Visual Arts, New York, USA.
• 1979-1982: Facultad de Arquitectura, Montevideo, Uruguay.
• 1982-1985: Ciencias de la Comunicación, Universidad Católica del Uruguay.

Prizes / Fellowships

• 2001: Premio Salón Nacional del Uruguay.
• 2000: Premio Bienal de Salto, Uruguay.
• 1998: Gran Premio Salón Municipal de Montevideo, Uruguay.
• 1987: Beca Embajada Suiza, Montevideo, Uruguay.
• 1985: Premio Paul Cezanne, Montevideo/Paris.

Solo Exhibitions

• 2013: “Drawings”, BMoCA, Boulder, Colorado, USA.
• 2013: “Obra reciente”, Galería Jorge Mara-La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “Pinturas”, Galería del Paseo, Manantiales, Uruguay.
• 2011: “Pepeles y telas”, Centro Cultural de España, Montevideo, Uruguay.
• 2011: “Cartas no leídas”, Tiempos Modernos, Madrid, Spain.
• 2011: “Obra reciente”, Galería Jorge Mara-La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Obra sobre tela”, Galería del Paseo, Manantiales, Uruguay.
• 2008: “afterEgo”, Josee Bienvenu Gallery, New York, USA.
• 2006: “Mucha gente”, Galería Jorge Mara-La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
• 2001: “Silencio: obra reciente”, Galería del Paseo, Montevideo, Uruguay.

Group Exhibitions

• 2013: “Autocorrect”, Josee Bienvenu Gallery, New York, USA.
• 2013: “Blanco de silencio”, Galería Jorge Mara-La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Blanco casi blanco”, Tiempos modernos, Madrid, Spain.
• 2010: “Collages”, Galería Jorge Mara-La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “microwave 7”, Judi Rotenberg Gallery, Boston, USA.
• 2008: “unplugged 2”, Josee Bienvenu Gallery, New York, USA.
• 2008: “Satellites of love”, Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay.
• 2006: “The Drop”, Exit Art Gallery, New York, USA.
• 2005: “Dating Data”, Josee Bienvenu Gallery, New York, USA.
• 2004: “Composición de lugar”, Centro Cultural de España, Montevideo, Uruguay.

Publications

• Historias que quedan en nada, Montevideo, 2003.
• Servilletas de papel, Montevideo, 2003.
• Latin American Graphic Design, Taschen, Alemania, 2009.
• Unlucky Lucky Tales, Colorado, 2012.

Collections

• CIFO, Colección Cisneros Fontanals, Miami, USA.

• Artists

Selected Biographical Information

Solo Exhibitions

• 2011: “Kirin”, Galería Jorge Mara – La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
• 2007: “Uroboro”, Daniel Maman Fine Arts, Buenos Aires, Argentina.
• 2004: “Negro de Marfil”, Galería Jorge Mara – Galería van Riel, Buenos Aires, Argentina.
• 1999: “Naipes y Cartas”, Galería Sur, Punta del Este, Uruguay.
• 1996: “Arquitecturas y Lenguajes del Silencio”, Galería Sur, Punta del Este, Uruguay.
• 1995: Galería van Riel, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “Blanco de Silencio”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Collage”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
• 2004: “Homenaje a Galería van Riel”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2002: “Pequeño Formato”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
• 1992: “Surrealismo Nuevo Mundo”, Biblioteca Nacional, Buenos Aires, Argentina.

Publications

• 2011: Kirin, Ediciones Galería Jorge Mara.
• 2007: Kirin, Ediciones Daniel Maman Fine Arts.
• 2004: Kirin, Ediciones Galería Jorge Mara – Galería van Riel.
• 1999: Los Ángeles son las moscas del Paraíso. Kirin. Ediciones Galería Sur, (Collages y textos de Kirin).
• 1999: Arcanos Mayores. Kirin. Ediciones Galería Sur, (Selección de textos e introducción de Alejandro Puga y 22 collages de Kirin).
• 1991: Razón Poética, Vicente Z. Lema y Kirin. Ediciones Fin de Siglo, (Textos de V. Z. Lema y 50 collages de Kirin).
• 1986: El Diamante de la Noche cae entre las Plantas, Kirin. Ediciones de la Alondra, (Selección de textos de Juan Carlos Otaño y 23 collages de Kirin).

• Artists

Translated from Spanish

I consider myself sensitive to human relations, to the context of society and the future, to the multiple possibilities of existence, to imagination, to music… all that surrounds me is present in my work, and in the moment of creation.

I do not seek preconceived images. I find them in my work process, enjoying from the sharpest and flashy trace to the most delicate and imperceptible detail, creating an intimate atmosphere between the viewer and the work.

I define the image of my drawings with these words:

Partes fragmentadas de un todo

Que define un futuro incierto

La desaparición del ser humano

Convirtiéndose en más automático, más nada, más ilusión.

Me considero sensible a las relaciones humanas, al contexto de la sociedad y del futuro; a las múltiples posibilidades de la existencia, a la imaginación, a la música… todo lo que me circunda incide en mi obra, en el momento creativo.

No busco imágenes preconcebidas. Las encuentro en mi proceso de trabajo, gozando desde el trazo más punzante y llamativo hasta el delicado detalle, imperceptible, creando una atmósfera intimista entre el observador y la obra.

Defino la imagen de mis dibujos con estas pocas palabras:

Fragmented parts of a whole

Which defines an uncertain future

Disappearance of the human being

Becoming more automatic, more nothing, more illusion.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2003: MFA, University of Wisconsin at Madison, USA.
• 1992: Lic. en Ciencias de la Computacion, Universidad de Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2014: Artist residency, Hafnarborg Museum, Hafnarfjörður, Iceland.
• 2013: The Wassaic Project, New York, USA.
• 2010: Fundacion Valparaiso, Mojacar, Spain.
• 2005: Anderson Center for Interdisciplinary Studies, MinnesotaUSA.
• 2004: Ucross Foundation,Wyoming, USA.
• 2004: KHN Center for the Arts, Nebraska, USA.
• 2000: The MacDowell Colony, Milton and Sally Avery Fellow, New Hampshire, USA.
• 1999: Straumur Art Commune, Hafnarfjordur, Iceland.
• 1999: Vermont Studio Center, Nexus Latin American Award, Vermont, USA.
• 1998: Straumur Art Commune, Hafnarfjordur, Iceland.
• 1997: The MacDowell Colony, New Hampshire, USA.
• 1997: Vermont Studio Center, Vermont, USA.

Solo Exhibitions

• 2014: “Inter Spaces“, Henrique Faria Fine Art, New York, USA.
• 2012: “Caligrafias”, 11×7 Galeria, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Dibujos Concierto Detalle”, Faría+Fábregas Galeria, Caracas, Venezuela.
• 2011: “Bio-construcciones”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Calm Complexities”, Curator’s Office, Washington D.C., USA.
• 2008: “Draw in”, Haim Chanin Fine Arts, New York, NY, USA.
• 2005: “Project Room”, Wendy Cooper Gallery, Chicago, IL, USA.
• 2004: “In a not time, not place”, Wendy Cooper Gallery, Chicago, IL, USA.
• 2003: “The imperceptible”, 734 Gallery, Madison, WI, USA.
• 2001: “Guided by Voices”, Bascom Hall, Madison, WI, USA.
• 1999: “Norrænt landslag”,Listasafn Arnesinga, Art Museum, Selfoss, Iceland.
• 1999: “Drawings”, Red Mill Gallery, Johnson, VT.

Group Exhibitions

• 2014: “Lo contrario de la magia“, Museo de Arte Latino-Americano de Buenos Aires, Malba, Buenos Aires, Argentina.
• 2014: “Traces of creation“, Hafnarborg Museum, Hafnarfjörður, Iceland.
• 2014: “Drawings from the South of America”, Henrique Faria Fine Art, New York, USA.
• 2013: “Homeward found“, Wassaic Project, Wassaic, USA.
• 2013: “4 artistas + 11 preguntas a Marta Minujín”, 11×7 Galeria, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “The sight of sound”, 60 Wall Gallery/Deutsche Bank Collection, New York, USA.
• 2010: “GalacticoMal”, Nora Fisch Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Summer Shortcuts: a Drawing Forecast”, Josee Bienvenu Gallery, New York, USA.
• 2009: “Trends in paper works”, Texas State University, San Marcos, Texas, USA.
• 2009: “Summer Docks”, Curator’s Office, Washington D.C., USA.
• 2009: “Display/Displace”, Frederieke Taylor Gallery, New York, USA.
• 2008: “Paper and Space”, Galerie Thomas, Munich, Germany.
• 2008: “Mixology I: Paintings and Works on Paper”, Curator’s Office, Washington D.C., USA.
• 2008: “66 pieces of art”, Haim Chanin Fine Arts, New York, USA.
• 2008: “Blown Away”, Krannert Art Museum, IL, USA.
• 2007: “Microespacios toman el centro”, Centro Cultural de España in Buenos Aires, Argentina.
• 2007: “Levity: Selections Spring 2007”, The Drawing Center, New York, NY, USA.
• 2007: “Definition, delicacy and detail in drawing”, Curator’s Office, Washington D.C., USA.
• 2007: “Men & Math“, Southfirst Gallery, Brooklyn, New York, USA.
• 2006: “Darling Project”, Wendy Cooper Gallery, Chicago, IL, USA.
• 2005: “Serene Obsession”, Haim Chanin Fine Arts, New York, NY, USA.
• 2004: “Works on paper”, SouthFirst Gallery, Brooklyn, NY, U SA.
• 2004: “Mental Space”, Wendy Cooper Gallery, Madison, WI, USA.

Publications

• Celina Chatruc, “Punto de encuentro“, ADN Cultura, La Nacion, 05/23/14, 18.
• Lux Lindner, “La mas blanda de las ciencias duras”, Pagina 12, 06/09/14.
• Alicia DeBrincat, “Eduardo Santiere´s meticulous abstraction”, Artfile Magazine, 2013.
• Carmen Victoria Méndez, “Eduardo Santiere traza notas minimalistas sobre el papel“, El Nacional, 01/18/12, 3.
• “Entrevista a Eduardo Santiere”, El Universal, 19/12/12.
• LILIANA OCHOA BREIJO, “Se unen rasguños, colores y sinfonías”, Tal cual, 01/19/12.
• Jonathan Goodman , “Eduardo Santiere, Draw in”, Artcritical.com, 06/04/08.
• “In search of the new”, The Economist.com, 08/04/07.
• Holland Cotter, “Sampling Brooklyn, Keeper of Eclectic Frames”, The New York Times, Weekend Fine Arts, 01/23/04, 27.
• Bragi Asgeirsson, “Norrænt landslag”, Morgunbladid, 08/20/99, 27.

Collections

• Hafnarborg Museum, Hafnarfjörður, Iceland.
• Sayago & Pardon, California, USA.
• Deutsche Bank Collection, New York, USA.
• Progressive Corporation, Ohio, USA.

Links

• Art File Magazine

• Artists

Translated from Spanish

Artistic practice exists in the antithesis of what is considered solid: it moves forward blindly without reaching its destination, or in the best case scenario, simulating arrivals, fragmenting destinies. Every material, exposed in the abstraction of the work itself, tells a triple meaning. First, the history of itself, revealed as material. Secondly, its history in and through the objects, where material is in itself and ceases to be simultaneously, without changing; and finally, its own history, which is inflected through its existence as part of an everyday that ignores it because it does not belong to it—our own fragility.

El trabajo artístico está en las antípodas de lo que se considera sólido: avanza a tientas sin llegar a destino o, en el mejor de los casos, simulando las llegadas, fragmentando los destinos. Todo material, expuesto en la abstracción de la obra misma, cuenta un triple sentido: en primer lugar, la historia de sí mismo, develado como materia; en segundo, su historia en y a través de los objetos, donde el material es sí mismo y deja de serlo, al mismo tiempo, sin cambiar materialmente; por último, su propia historia, la que se conjuga a través de su existencia como parte de una cotidianeidad que ignora porque no le pertenece: la fragilidad de nosotros todos.

Selected Biographical Information

Prizes / Fellowships

• 2012: Mención del Jurado Premio Mac Salta, Museo de Arte Contemporáneo de Salta, Salta, Argentina.
• 2008: Premio Nacional de Pintura Banco Central (Segundo Premio), Banco Central de la República Argentina, Buenos Aires, Argentina.
• 2006: Premio Argentino de Artes Visuales (Primer Premio), Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
• 2006: Concurso de pintura contemporánea (Primera Mención), Fundación Deloitte, Buenos Aires, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2011: “Sólos y Dúos”, Galería Zabaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Surfaces”, Birdhouse Gallery, Austin/Texas, USA.
• 2009: “Retorno”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Open Space”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Dys Functional”, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
• 2007: “Sobremesa”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “Cuarto punto bis”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
• 2004: “Cuarto punto”, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 2002: “14 unidades mixtas”, Galería Dabbah  Torrejón , Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2014: “La suerte del aire”, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 2014: “ArteBa”, Zavaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
• 2014: “Itineraria 10 mujeres”, Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay.
• 2014: “Premio Fundación Klemm 2014”, Fundación Klemm, Buenos Aires, Argentina.
• 2014: “Cromofobia“, Museo de Arte Contemporáneo (MACBA), Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “Expansiva IV”, Teatro San Martín, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “Urra Residencia Internacional de Arte (artistas participantes)”, Urra Residencia Internacional de Arte , Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “Roberto Aizemberg. Trascendencia Descendencia”, Fundación Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Muestra Itinerante Museo de Arte Contemporáneo Buenos Aires (Macba)”, Museo Caraffa, Córdoba, Argentina.
• 2012: “Vytlacil Artists in Residency”, Vytlacil Residency, New York, USA.
• 2009: “Dialogues. Chapters of Latin American Art in the MOLAA permanent collection”, Museo de Arte Latinoamericano, Los Angeles, USA.

Publications

• AAVV, Poéticas contemporáneas. Itinerario de las artes visuales en Argentina de los ’90 al 2010 (Buenos Aires: Fondo Nacional de las Artes).
• Rossi, Cristina (coordinadora), Melé en diálogo (Buenos Aires: Expotrastiendas).
• Casanegra, Mercedes, “Cruce de caminos”, Diario La nación, 21-10-2011.
• Perez Bergliaffa, Mercedes, “La tierra y la abstracción en diálogo”, Diario Clarín, 08-10-2011.
• Legenblik, Fabián, “Ciertas transfiguraciones”, Diario Página 12, 18-08-2009.
• Damian, Carol, “Art Miami 2006”, Revista Art Nexus no. 60, Marzo 2006.
• López Anaya, Jorge, “Geometría de las sensaciones”, Diario La nación, 12-09-2004.
• Gainza, María, “Silvana Lacarra”, Revista Tema Celeste, Marzo 2003.

Collections

• Deutsche Bank Collection, Frankfurt, Germany.
• Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian, Washington, D.C., USA.
• Escala (Essex Collection of Art from Latin America), Colchester, UK.
• Museo de Arte Moderno, México DF, México.
• MUAC, UNAM, México DF, México.
• Kunsthaus Santa Fé, Espacio de Arte contemporáneo, San Miguel de Allende, Guanajuato, México.

Links

• Pueg, UNAM
• APT Global
• Fofa Gallery
• Vimeo

• Artists

Translated from Spanish

I am interested in processes, that what impulses action; movement. I seek minimal spaces to build an objectual, spatial, formal and conceptual structure. I search for the limit of abstraction, of meaning, of the relationship with references in order to assign new functions. The tools and objects that I use have a relation with a personal experience, where I had a good time, as minor as that moment may have been. Therefore they are objects that have an emotional charge, no matter that the mechanism of selection is perceived in the work but that the spectator can have empathy with these objects and sense time in them.

Me interesan los procesos, lo que impulsa una acción, los movimientos. Busco los espacios mínimos para armar una estructura, objetual, espacial, formal y conceptual. Busco el límite de la abstracción, del significado, de la relación con los referentes, para poder asignar nuevas funciones. Las herramientas y objetos que uso tienen relación con alguna experiencia personal, en donde la pasé bien, por más mínimo que haya sido ese momento. O sea que son objetos que tienen una carga afectiva, sin interesar que este mecanismo de selección se perciba en la obra, pero sí que el espectador pueda tener empatía con esos objetos, intuir un tiempo en ellos. Este tiempo en los objetos, su memoria emotiva, la tensión que se puede producir entra dos puntos. Uso, pedazos que nos dan una estructura, la voluptuosidad de la distancia y el modo en que esos elementos se relacionan para expresar ese proceso que todavía vincula al arte con la vida cotidiana. Entonces: abstracción, pura forma + la expresión y homenaje a los autores de los que estamos hechos + el peso de los detalles: las cosas que evocan recuerdos. Uno de los mecanismos de trabajo son los anclajes, los referentes y los tributos “a la manera de un adolescente que cuelga pósters en su cuarto” Me armo un playslist, una biblioteca mental de posibilidades, que se va actualizando, y con esas unidades generar nuevos grupos. Me gusta que el trabajo oscile entre el taller y la pantalla, y desde esa acción marcar varios recorridos.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 1993-1999: Universiario incompleto hasta tercer año de la carrera, Diseño Gráfico, Universidad de Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2010: Premio Foster Catena, Buenas Aires, Argentina.
• 2003-2005: Programa de Talleres para las Artes Visuales, C.C.R.Rojas, UBA Kuitca, Buenas Aires, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2013: “S/T, instalación”, Galería Foster Catena, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Polideportivo. Instalación y edición”, with Bruno Gruppalli, Galería Cultura Pasajera, Rosario, Argentina.
• 2011: “espacio tiempo. Instalación“, Galería Foster Catena, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Ya no te quiero, Instalación”, with Nadia Lawson, Mundo Dios,Mar del Plata, Argentina.
• 2010: “Rápìdo Vos”, (Segunda Parte) Instalación, Baltar Contemporáneo, Mar del Plata, Argentina.
• 2009: “Rápìdo Vos”, Instalación, Taller de Ernesto Ballesteros, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “Tundra Bus”, Instalación y edición. Boquitas Pintadas with Eubel, Buenos Aires, Argentina.
• 2003: “De vos a mi”, Instalación y edición, with Andi Nachon, Galería Belleza y Felicidad, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “Muestra F.D.A.C.M.A. Seccional Córdoba”, Universidad de Córdoba,Argentina.
• 2013: “Febrero”, Galería Foster Catena, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Cocktail de estrellas”, F.D.A.C.M.A. Colección Permanente, Galería Meridion, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “openning ceremony”, Espacio Baltar – Lawson, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “poetics of expansion“, Dot Fiftyone Gallery, Miami, USA.
• 2010: “work in progress”, Galería Mite, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Retratos”, Galería Chez Vautier, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Naturaleza Muerta”, Galería Chez Vautier, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: SAC semana del arte contemporáneo, Mar del Plata, Argentina.
• 2008: “No es fácil decir adios”, Pop Hotel Boquitas Pintadas, Bs. As. Buenos Aires, Argentina.

Collections

• Sayago & Pardon, USA.
• Alejandro Ikonicoff, Buenos Aires, Argentina.
• Esteban Tedesco, Buenos Aires, Argentina.
• Ricardo Brito, San Pablo, Brazil.

Links

• Digital publication
• Digital catalogue -Polideportivo
• Digital publication -Antes de la Nada
• Digital publication -Distribuídos en el espacio y contenidos en el tiempo

• Artists

Translated from Spanish

The expressive possibilities and the contact with material that oil painting give me, are essential in the construction of my geometric paintings. I can even subordinate some of my ideas to the impulses of the material, as if it had a conscience parallel to my state of will. In this delicate balance, straight lines, angles, spirals, curves, accumulations of dots, and wavelengths appear on the surface of the canvas. Many of these elements of composition that I transfer from the field of scientific representation to the field of art, help me define my interest on some concepts: truth/false, my relationship with Op Art, the movement of the gaze and perception, among others. As an example, Líneas paralelas (parallel lines) is one of the works that questions reality or at least it questions it as a convention. A painting of straight lines that because of tonality, contrast, and arrangement of the squares, they look curved. Can we say they are not? Empirically, they are not, but they are to our perception, and in this case, this is what prevails. Isn’t “truth” what we see? Does accuracy matter in art? I think, for example, in Albers and his theory of color. In the same way, the works from the series Velocidad (speed) are fragments of the light spectrum, which I multiply forward, backwards, up and down. In this way, we see some of the colors that are the same, differently. Geometry interests me in this sense too.

Back when I began to draw still lives as an academy student, the teachers told me not to draw figures but the spaces between them. In a way, this originated in me the seed of geometric abstraction. I would say I still have a fascination for the process of abstracting the invisible from the visible. Years later, contemporary geometric art means to me the same as always: the supremacy of the forms and the invisible spaces over naturalism. We give noise or silence to a form through composition, and it is from that place where we are committing our position or view of the world. In this sense, I like to understand art in the words of these two Argentinean poets, Olga Orozco: “Art is a reflection of the invisible;” and Léonidas Lamborghini: “Poetry is not the music of the soul but the silence of intelligence.” It is as if art and poetry would appear when there is nothing else to say. In this sense, subtraction also operates in my paintings as a tool that I use to define concepts.

In the works of the exhibition El amor probablemente, 2005, I used some names and icons of art (Jesús Soto, Morandi, and Bridget Riley, among others) as a possibility for a historical “dialogue”, but this dialogue, due to the density and imprint of the artists, could not be made through derivation, continuity or contribution without misinterpretation. In a way, I had to destroy those works to make reverence afterwards. In the historical evolution, “conversations” amongst contemporary artists of from different eras, were often of consolidation or continuity of their postulates. But when Soto saw Mondrian, he asked himself how to continue with painting from there, how to follow from the place Mondrian had left of, and when he remembered the light with silver white in the water reflections from the paintings by Reverón, he saw the possibility of incorporating movement to his paintings and developing the idea of a more optical art. What is relevant to me from this historical moment is the need of the artist of relating to his/her equals. En el amor… (in love…) I tried to make a work from the author’s self-consciousness, a sort of painting inside a painting. It was a hinge in my work, in the sense that I added to my formal relationship with science the concept of painting as a legacy, or as a more intense dialogue with previous movements, and especially with some artists. Subtraction then functioned more indispensably to continue these close relationships.

I remember a work by Soto that inspired such love from me to it that I had to become physically involved. It was a background with lines in black and white and in the front had black metal wires hanging. When one moved, the background also produced movement. Soto said that to give movement to a work he didn’t need a motor. I partially reproduced this work but omitted the wire and substituted the black lines from the background for blue and then ochre. In this way, and due to the ability of oil to keep the “breathing” of the color underneath, that a simple effect of movement was increased substantially. Even without Soto’s wires, the work did not stop its motion, meaning that I understood that they were not necessary for the purpose of going beyond the plane. This work, just as more recent ones, are which give me the guidelines and desire to work more intensively within geometry.

Las posibilidades expresivas y el contacto con la materia que me proporciona la pintura al óleo son móviles esenciales en la construcción de mis cuadros geométricos. Puedo incluso subordinar algunas de mis ideas a los caprichos de la materia, como si ésta tuviera una conciencia paralela a mi estado de voluntad. En este delgado equilibrio van apareciendo o desplazándose sobre la superficie de la tela: formas rectas, ángulos, espirales, vértices, acumulaciones de puntos, longitudes de onda. Muchos de ellos elementos de composición que mudo del campo de las representaciones científicas al de las artes y que me sirven para delinear mi interés sobre algunos conceptos: verdad/falsedad, mi relación con el Op art, desplazamiento de la mirada y de la percepción, entre otros. A modo de ejemplo, Líneas paralelas es uno de los cuadros que pone en duda la verdad o al menos la cuestiona como convención. Un cuadro de líneas rectas que por un tema de valor de los tonos, contraste y desplazamiento de los cuadrados, se ven curvas. ¿Acaso podemos decir que no lo son?, empíricamente no, pero para nuestra percepción sí, y en tal caso, aquí eso es lo que prima. ¿No es acaso “verdad” lo que vemos?; ¿importa la comprobación en el arte? Pienso en Albers y su teoría de color por ejemplo. Del mismo modo, los cuadros de la serie Velocidad son fragmentos del espectro lumínico que multiplico hacia adelante, hacia atrás, para arriba y para abajo; de esta manera algunos colores que son iguales los vemos diferentes. La geometría me interesa en ese sentido también.

Cuando de estudiante en la academia comencé a dibujar naturalezas muertas, los profesores me decían que dibujara no las figuras sino los espacios entre ellas, de alguna manera esto creó en mí el germen de la abstracción geométrica. Diría que me quedó cierta fascinación por el proceso de abstraer lo invisible de lo visible. Años después, el arte geométrico contemporáneo significa para mí lo mismo que siempre: la supremacía de las formas y los espacios invisibles por sobre el naturalismo. El ruido o silencio de una forma lo damos en la composición y ahí es que estamos comprometiendo nuestra posición o mirada frente al mundo. En este sentido me gusta entender el arte en las frases de estos  dos poetas argentinos; Olga Orozco: “El arte es el reflejo de lo invisible” y  Leónidas Lamborghini: “La poesía no es la música del alma sino el silencio de la inteligencia”. Es como si el arte y la poesía aparecieran cuando ya no hay nada más para decir. En este sentido la sustracción también opera en mis pinturas como una herramienta que utilizo para la definición de conceptos.

En los cuadros de la muestra El amor probablemente, 2005, utilicé algunos nombres e iconos del arte (Jesús Soto, Morandi, Bridget Riley, entre otros) como posibilidad hacia alguna forma de “diálogo” histórico, pero este diálogo, por la espesura y huella de estos artistas, no podía darlo a partir de una derivación, continuidad o aporte hacia ellos sin antes violentarlos. De alguna manera debía destruir esos cuadros para poder reverenciarme luego.  En el devenir histórico las “conversaciones” entre artistas contemporáneos o de diferentes épocas solían ser muchas veces de profundización o continuidad de sus postulados. Pero cuando Soto observó a Mondrian se preguntó cómo seguir con la pintura a partir de ahí, cómo seguir desde el punto que Mondrian la había dejado, y recordando los golpes de luz con blanco de plata en los reflejos del agua de las pinturas de Reverón, vio como posibilidad el incorporar movimiento a sus pinturas e ir desarrollando la idea hasta la aparición  de un arte más óptico. Lo importante para mí en este episodio histórico, es la necesidad del artista en relacionarse con sus pares. “En el amor…”  intenté hacer un trabajo más desde la autoconciencia del pintor, una suerte de pintura dentro de la pintura. Fue una bisagra para mis trabajos en el sentido que sumé a mi relación formal con la ciencia el concepto de pintura como un legado, o en tal caso como un diálogo más intenso con los movimientos anteriores y en particular con algunos artistas. La sustracción entonces, operó aquí de una manera indispensable para continuar esas estrechas relaciones.

Recuerdo una obra de Soto que despertó tal amor de mí hacia ella que debí involucrarme físicamente.  Era un fondo de rayas en blanco y negro y delante colgaban unas varillas negras de metal. Al moverse uno, en el fondo también se producía movimiento. Soto decía que para poner en movimiento la obra no necesitaba ningún motor. Reproduje parcialmente esa obra pero le suprimí las varillas y sustituí el negro de las líneas del fondo, primero con azul y luego una última mano de ocre; de esa manera y por esa capacidad que tiene el óleo de mantener la “respiración” del color de abajo, un simple efecto de movimiento fue potenciado sustancialmente. Aún sin las varillas de Soto, el cuadro no detenía su movimiento, es decir que advertí que no era necesario para lograr ese fin, ir más allá del plano. Este trabajo como otros más actuales en mi producción son los que me van dando las pautas y el deseo de trabajar con intensidad dentro de la geometría.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 1993-91: Beca de la Fundación Antorchas, coordinada por Guillermo Kuitca, Buenos Aires, Argentina.
• 1988-87: Taller de Ahuva Szlimowicz, Buenos Aires, Argentina.
• 1987-85: Taller de Felipe Noé, Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 1993-91: Beca de la Fundación Antorchas, coordinada por Guillermo Kuitca. Buenos Aires, Argentina.
• 2002: Segundo premio, Premio Aerolíneas Argentinas a las Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina.
• 1996: Subsidio Anual a la Creación, Fundación Antorchas, Buenos Aires, Argentina.
• 1991: Mención de Honor, Premio Nuevo Mundo para jóvenes artistas, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 1987: Mención especial, Premio Quinquela Martín, Museo Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2013: “Comiéndose a Raúl“, Galería Vasari, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Abstracta”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
• 2007: “Conferencia de Prensa“, Galería Alejandra Von Hartz, Miami, USA.
• 2007: “Fabián Burgos”, Galería de Arte 5006, Hotel Design Suites, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “El amor probablemente”, Galería Dabbah Torrejon, Buenos Aires, Argentina.
• 2003: “MC5 Misceláneas”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2003: “MC5 Misceláneas”, Teatro Auditorium, Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina.
• 2000: “Fabián Burgos”, Annina Nosei Gallery, Nueva York, USA.
• 2000: “Ilusión de ver”, Galería Dabbah Torrejon, Buenos Aires, Argentina.
• 1997: “Works on canvas”, Annina Nosei Gallery, Nueva York, USA.
• 1994: Centro Cultural Ricardo Rojas, Buenos Aires, Argentina.
• 1993: ICI, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2011: Espacio Arte American Express, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “Recovering Beauty: The 1990s in Buenos Aires”, Blanton Museum of Art, Houston, Texas, USA.
• 2011: “Punto Línea Curva”, Curator Philippe Cyroulnik, Galería del Infinito, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: Subasta 2011, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: Art First, Colección MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Fundación Pablo Atchugarry, Manantiales, Punta del Este, Uruguay.
• 2011: “4 Museos + 40 Obras. Muestra Itinerante de Colección MACBA”, Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén, Argentina, Museo Emilio Caraffa, Córdoba, Argentina, Centro Cultural del Bicentenario de Santiago del Estero, Argentina, Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “30 Años”, Subasta, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Arte en el Plata”, Intervención artística sobre la fachada del Edificio del Plata, Buenos Aires, Argentina. Curators: Inés Katztenstein y Eva Grinstein.
• 2009: “El color en toda su diversidad”, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina, Curator: Philippe Cyroulnik.
• 2009: “Geometrías dislocadas”, Burgos, Door, Siquier, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
• 2009: “All Boys”, en el Rosa x 6, in charged: Rocío Paladini, Santa Fe, Argentina.
• 2009: “Escuelismo. Arte argentino de los 90”, MALBA Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.

Publications

• 2011: Pintura Latinoamericana Contemporánea. Edward Shaw. Santiago de Chile. Chile.
• 2011: Catálogo 4 Museos + 40 Obras. Colección MACBA. Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires. Argentina.
• 2011: Catálogo Recovering Beauty: The 1990s in Buenos Aires .Published by The Blanton Museum of Art at the University of Texas at Austin. Houston.Texas. USA.
• 2010: Arte Cinético y neocinetismo. Hitos y nuevas manifestaciones en el siglo XXI. Elena Oliveras. Emecé Arte
• 2009: Como el amor. Valeria González y Máximo Jacoby.  Libros del Rojas. Universidad de Buenos Aires. Buenos Aires. Argentina.
• 2006: Revista Inrockuptibles, Buenos Aires, Argentina / Rial Ungaro, Santiago, Radar, diario Página 12, Buenos Aires, Argentina / López Anaya, Jorge, diario La Nación, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: Curadores. Entrevistas.  Gumier Maier. Libros del Rojas. Universidad de Buenos Aires. Buenos Aires. Argentina.
• 2003: Rial Ungaro, Santiago, “El Coleccionista” Radar, diario Página 12, 6 de julio de 2003. Buenos Aires, Argentina / Bouts, Fernando, “Fabián Burgos y sus recortes”, revista Ricardito. Agosto de 2003, Buenos Aires, Argentina.
• 2001: Pintura Argentina. Final del siglo XX (II). Ediciones Banco Velox. Buenos Aires. Argentina.
• 2000: De Ambrosini, Silvia, “Broche ciencia-arte”, revista Artinf, Nro. 110, 2000, Buenos Aires, Argentina / López Anaya, Jorge, “Versiones del mismo mundo”, diario La Nación, 15 de octubre de 2000, buenos Aires, Argentina / Grinstein, Eva, “La realidad, una ilusión que se percibe con los cinco sentidos”, diario El Cronista Comercial, 27 de septiembre de 2000, Buenos Aires, Argentina / Diéguez Videla, Albino, “ El valor y el “precio” del arte”, diario La Prensa, 24 de septiembre de 2000, Buenos Aires, Argentina / Kuropatwa, Alejandro, “Al agua patawa”; Bruzzone, Gustavo.
• 2000: “Exaltando la óptica”; Baccetti, R, “Otra Galería otra!”; Moyal, M, “Cuadros de adictiva vibración”, revista Ramona, Octubre de 2000, Buenos Aires, Argentina.
• 1999: “Artistas argentinos de los `90” (Fondo nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina, 1999). Págs. 100,101,219-224 y 225.
• 1998: Grinstein, Eva, “ArteBA, cambios y persistencias”, diario El Cronista Comercial, 20 de mayo de 1998, Buenos Aires, Argentina.
• 1996: Katzenstein, Inés, “Ballesteros, Burgos y Kacero: la plástica y la ciencia en contacto”, diario El Cronista Comercial, 31 de julio de 1996, Buenos Aires, Argentina / Lebenglik, Fabián, “Consecuencias insospechadas” diario Página 12, 30 de julio de 1996, Buenos Aires, Argentina.
• 1995: Tager, Alisa, “Report from Buenos Aires: Argentine Artifice” revista Art in America, septiembre 1995. Miami, USA.
• 1992: Dibar, Juan Carlos, “Dos muestras de artistas argentinos”, diario El Cronista Comercial, 21 de junio de 1992, Buenos Aires, Argentina / Oliveras, Elena, “Pluralismo”, diario Clarín, 10 de octubre de 1992, Buenos Aires, Argentina.

• Artists

Selected Biographical Information

Education / Training

Publications

• Artists

Translated from Spanish

I like to think of my studio as a laboratory, a place that allows work to be developed into an accumulative process of the graphic experience. Drawing is a way of thinking that makes connections between acquired concepts and executed forms. Far from representing concepts, I try to present them, shape them, and give them a new type of classification to designate them. The act of drawing connects mind with hand, oral language with the sense of touch. The shape might come close to a raw, primary, organic translation of the mind.

Me gusta pensar en mi estudio como un laboratorio, un lugar que permite que el trabajo que hago se desarrolle en un proceso acumulativo de la experiencia gráfica. El dibujo es una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas. Lejos de tratar de representar conceptos trato de presentarlos, darles una forma, un nuevo tipo de clasificación para designarlos. El acto de dibujar conecta la mente con la mano, el lenguaje oral con el tacto. La forma podría acercarse a una traducción cruda, primaria y orgánica  de la mente.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2010: Residencia Revolver galería, Lima Peru.
• 2009: Residencia “La Curtiduría”, TAGA Taller de Gráfica Actual, Oaxaca, Mexico.
• 2000-2005: Licenciatura en artes visuales: Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” ENPEG CENART, Mexico City, Mexico.

Prizes / Fellowships

• 2014-2016: Becario del FONCA Sistema Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA INBA, Mexico City, Mexico.
• 2013: Becario del FNA Fondo Nacional de las Artes, Bs As Argentina.
• 2010: Becario de CIA Centro de Investigaciones Artísticas, Bs As Argentina.
• 2007-2008: Becario del FONCA Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA  INBA, Mexico City, Mexico.

Solo Exhibitions

• 2013: “Taxonomía de un paisaje”, Dot fifityone gallery, Miami, USA.
• 2013: “Verosímil – Ficcional”, Document Art galería, Bs As Argentina.
• 2012: “Paisaje recuperado”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
• 2011: “Taxonomía de un hallazgo”, MAM Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
• 2010: “Frag-mentes (sistema de interpretación)”, Revolver galería, Lima, Peru.
• 2010: “Sesera”, Dot fiftyone gallery, Miami, USA.
• 2009: “La Razón a Voluntad”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
• 2007: “Cambios de sitio”, Casa del Lago UNAM, Mexico City, Mexico.
• 2006: “Basura Afortunada”, Claustro de Sor Juana / Celda de Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.

Group Exhibitions

• 2013: “Abstracción”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
• 2013: “Open Studio 8”, Fundación Rozemblun, Bs As Argentina, Curator: Teresa Riccardi.
• 2013: “Rudimentum” Christinger de Mayo galería and Arróniz galería, Zürich, Switzerland.
• 2013: “Utopías de ilusión”, Art Nube (Kiosco) galería and Dot fiftyone gallery, Santa cruz de la Sierra, Bolivia.
• 2013: “Arróniz galería en Lima Perú”, Lima, Peru.
• 2013: “Building Bridges”, Fundación Rozemblum and Nosco Gallery, Bs As Argentina.
• 2012: Colectivo 2do piso, Agustín González, Moris, Omar Barquet y José Luis Landet, Baro galería, Sao Paulo, Brazil.
• 2012: “Open Studio 6”, Fundación Rozemblum, Bs As Argentina, Curator: Rodrigo Alonso.
• 2012: “Lo común y lo colectivo”. Artistas de Arróniz galería en galería Libertad, Querétaro, Mexico.
• 2012: “Discourse of the non-representational”, Dot Fiftyone gallery, Miami. USA.
• 2009: “20 años del FONCA”, magna exposición retrospectiva, Biblioteca Vasconcelos, Mexico City, Mexico.
• 2009 “Proyectos”, Revolver galería, Lima, Peru.

Publications

• Bola de nieve
• Lastro
• Centro de Investigaciones Artisticas
• Revolver Galeria

Links

• Taxonomy of a discovery | Jose Luis Landet
• Mexico: Agustín González, José Luis Landet, Moris and Omar Barquet
• Revista Magenta – Jose Luis Landet
• Arte Aldia – Jose Luis Landet

• Artists

Selected Biographical Information

Education / Training

• 1999-2008: FADU, UBA, Diseño de Imagen y Sonido, CABA.
• 2012: Centro de Investigaciones Artísticas,  CIA, CABA.
• 2009-2010: Universidad Torcuato Di Tella, Programa Artistas, CABA.
• 2010: Clínica de obra con Ernesto Ballesteros.
• 2008: Clínica de obra con Fabián Burgos.
• 2006: Clínica de obra con Leopoldo Estol.
• 2011: Taller “Solocolor” con Karina Peisajovick.

Prizes / Fellowships

• 2012: CIA, Centro de Investigaciones Artísticas, CABA.
• 2009-2010, Programa Artistas, UTDT, CABA.
• 2010: Adjetiva, encuentro de teoría y práctica artística, Centro de producción e investigación en artes (Cepia) y Escuela Provincial de Bellas Artes “Dr. Figueroa Alcorta”, Córdoba, Argentina.
• 2006: Taller sobre Arte Interactivo II, Espacio Fundación Telefónica, CABA.
• 2010: Seleccionado al Premio Curriculum Cero, Galería Ruth Benzacar, CABA.
• 2010: Seleccionado al Premio arteBA-Petrobras 7º Edición. (Integrando Colectivo Doble Suspensión). ArteBA´10, CABA.
• 2006: Seleccionado, Premio MAMBA-Fundación Telefónica, EFT, CABA.
• 2006: Mención, Premio MAMBA-Fundación Telefónica, EFT, CABA.

Solo Exhibitions

• 2013: “Nada rima con nada”, La ene, CABA.
• 2012: “Las lunas de Bitmap”, Once Libre, CABA.
• 2010: “Ciclo OJO DE AGUA JUAN E. ODRIOZOLA SI!”, Galería en Ruinas, Salta, Argentina.
• 2009: “Lo concreto, lo abstracto y lo real”, Fotolog/ noseporquelohago, Internet.
• 2008: “Amanecer es amaneceres”, Fotolog/ noseporquelohago, Internet.

Group Exhibitions

• 2013: “DURO”, Galería Peña, CABA.
• 2012: “0.1.3.”, MMAMM, Mendoza, Argentina.
• 2012: “La Dispersión”, Centro de Investigaciones Artísticas (CIA), CABA.
• 2011: “0.1.2.”, Museo Castagnino, Rosario, Argentina.
• 2010: “(Colectivo Doble Suspensión)”, MAC, Salta, Argentina.
• 2010: “Randómica”, Galería Mite, CABA.
• 2010: “NVA (nuevo video argentino)”, Galería 713, CABA.
• 2010: “Estrellas y constelaciones”, Muestra del programa de Artistas.
• 2010: “DAF”, Filmtage Frankfur (muestra de video; selecc. Marcelo Galindo), Feria del libro de Frankfurt, Alemania.
• 2009: “SOPORTE#2”, Grupo Soporte, CABA.

Collections

• Sayago & Pardon, California, USA.
• Alec Oxenford, Buenos Aires, Argentina.
• Banco Supervielle, Buenos Aires, Argentina.
• Colección Andres Brun y Juan Jose Cattaneo, Buenos Aires, Argentina.
• Hernan Ponce, Buenos Aires, Argentina.

Links

• Originarte Interview
• Nada Rima con Nada
• Fotolog

• Artists

Translated from Spanish

Art is the world for a second time.

El arte es el mundo por segunda vez.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

• Artists

Selected Biographical Information

Education / Training

• BFA, National School of Fine Arts, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2007: Grand Prix of Honour in Drawing, National Award Exhibition of Fine Arts.
• 2002: Platinum Konex Award in Drawing.
• 2002: Konex Foundation Merit Achievement Diploma as one of the Best Hundred Argentine Artists of the Decade.
• 2000: Leonardo Award: Artist of the Year, National Museum of Fine Art, Buenos Aires.
• 1999: First Prize in Drawing – “Manuel Belgrano” Visual Arts Award.
• 1999: First Prize in Drawing, Museum Sívori, Buenos Aires.
• 1997: Alberto J. Trabucco Award: Special Mention, National Academy of Fine Art, Buenos Aires.
• 1996: Hugo Lane Award: Special Mention, Museum of Modern Art, Buenos Aires.
• 1995: First Prize in Drawing, Arawak Art Foundation, Santo Domingo, Dominican Republic.

Solo Exhibitions

• 2013: Rosenfeld Porcini, London, UK.
• 2011: “Recortes de Inventario”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: Galería Jorge Mara – La Ruche, arteBA, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: Obra Reciente, IVAM (Institut Valencia d’Art Modern), Valencia, Spain.
• 2010: Jorge Mara – La Ruche, ARCO, Madrid, Spain.
• 2010: “Highlights”, Jorge Mara – La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: Jorge Mara – La Ruche, arteBA, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: Collages, Centro Cultural Parque España de Rosario, Santa Fe, Argentina.

Group Exhibitions

• 2011: “The Continuation of Romance”, Rosenfeld Porcini, London, UK.
• 2011: “Eduardo Stupia – Juan Andrés Videla”, Sasha D. Espacio de Arte, Córdoba, Argentina.
• 2010: “Ink on Paper: Prints, original drawings and books of Eudeba and Ceal”, National Library, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Mi Torito de Pucara: Pottery of Peru by Argentinean Artists”, Museo de Arte Popular José Hernández, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Southern Identity: Contemporary Argentinean Art”, Smithsonian Institution, USA.
• 2010: “Reality and Utopia: Argentina’s Artistic Journey to the Present”, Akademie der Künste, Berlin, Germany.
• 2010: “Pequeno Formato”, Casa Museo Yrurtia, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Argentinean Chronicles”, Pasaje 17 Gallery, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Litho-Grafica Berlin 2010”, Argentinean Embassy, Berlin, Germany.
• 2010: “Landscape and Memory”, Recoleta Cultural Centre, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Black and White”, Empatía Gallery, Buenos Aires, Argentina.

Collections

• Museum of Modern Art (MoMA), New York, USA.
• Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Argentina.
• Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
• Museum of Modern Art, Buenos Aires, Argentina.
• Museo Municipal de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
• Palais de Glace, Buenos Aires, Argentina.
• Museo Caraffa, Córdoba, Argentina.
• Talca University, Chile.
• Arché Foundation, Buenos Aires, Argentina.

• Artists

Translated from Spanish

We paint blindly, we see through the canvas, we perceive with more senses. Is painting tabula rasa? Is it writing over writing? I fall in love again and it is as if I would have lost the instructions or if I never had them. I exist between the intersection of two times—the one of my digital mind and the one that belongs to oil painting’s ancient times; in the crossroads between contemporary observation and painting’s historical practice. I think about art history as a palimpsest and I put in tension the discourse of the images by considering a blind painting. Present over present, I rip the canvas so that times can meet. I examine the minimal, looking for painting’s DNA, in such a way that when extracted from a totality it can be included in another, dragging its meaning. I work with reminders, with vestiges, the part that remains in everything, following the traces of what seems to have been left out of sight, what has been discarded from the history of painting and from my own history. The works manifest the preoccupations that surround my work since the beginning: the friction between the acceleration of the world and the delay of pictorial production, the flattening of history and its availability, the change from a narrative flow to the horizontal perception of time. The ludicrous acceleration that our visual perception is put through. I point out in which way painting, its production, as well as its perception and observation, can produce a temporary cradle, an extension of the perception of time and thus an enhancement of its accessibility.

Se pinta a ciegas, se ve a través del lienzo, se percibe con más sentidos. ¿Pintar es tabula rasa? ¿Es escritura sobre escritura? Me vuelvo a enamorar, y es como si hubiera perdido las instrucciones o nunca las hubiera tenido. Me sitúo en la intersección de dos tiempos, el de mi mente digital y el tiempo ancestral del óleo. En el cruce entre el mirar contemporáneo y la práctica histórica de la pintura. Pienso la historia del arte como un palimpsesto y pongo en tensión el propio discurso de las imágenes en el planteo de una pintura a ciegas. Presente sobre presente, rasgo el óleo, así los tiempos se encuentran. Examino lo pequeño, buscando el ADN de la pintura, de tal forma que extraído de una totalidad pueda ser incluido en otra, arrastrando el sentido. Trabajo con los restos, los vestigios, la parte que queda del todo, siguiendo los rastros de lo que parece haber quedado fuera de la vista, que ha sido desechado, en la historia de la pintura y en mi propia historia. Las obras manifiestan las preocupaciones que rondan mi trabajo desde el comienzo: la fricción entre la aceleración del mundo y la morosidad de la producción pictórica, el aplanamiento de la historia y su disponibilidad, el cambio del discurrir narrativo a la percepción horizontal de la temporalidad. La disparatada aceleración a la que es sometida nuestra percepción visual. Señalo de qué modo la pintura, su producción, pero también su percepción y observación, produce una cuña temporal, una ampliación de la percepción del tiempo y por lo tanto un aumento de su disponibilidad.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 1978-1979: Universidad de Buenos Aires, Facultad de Filosofía y Letras, Carrera de Filosofía, Buenos Aires, Argentina.
• 1999-2000: Clínicas de Análisis de Obra con Tulio de Sagastizabal, Buenos Aires (Argentina). 2001-2007: maestra en el Posgrado de la Universidad de Buenos Aires, Argentina.
• 2010: El texto de la obra, taller de escritura para artistas, que dicta de modo particular y en diversas instituciones, como Centro de Investigaciones Contemporáneas (2012) y Universidad Di Tella (2014).

Prizes / Fellowships

• 2012: Beca Nacional a la Creación en Artes Visuales,  Fondo Nacional de las Artes, Argentina.
• 2011: Primer Premio, XV Premio Klemm a las Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: Premio Itinerancia Andreani con PintorAs, Buenos Aires, Rosario, Salta, Corrientes, Argentina.
• 2005: Beca Programa Intercampos Fundación Telefónica, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: Mención Especial del Jurado, Concurso de Pintura Fundación Deloitte, Buenos Aires, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2013. “Lo Intratable”, Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “La Celebración De La Materia, El Color Y La Forma”, Praxis, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “El Libro De Las Excepciones”, Casa Triangulo, Sao Paulo, Brazil, and Zavaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
• 2007: “Temporal”, Zavaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
• 2006: “Concentrada”, Casa Triangulo, San Pablo, Brazil.

Group Exhibitions

• 2013: “Algunos Artistas 90 / Hoy”, Proa, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “Diálogo De Musas”, Osde, Rosario, Argentina.
• 2012: “Últimas Tendencias Ii”, Mamba, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Geométricos Hoy-Caminos En Expansión”, Museo Caraffa, Córdoba, Mac, Salta.
• 2011: “PintorAs”, Paris, Francia /V Premio Banco Central, Buenos Aires, Argentina.

Publications

• 2013: Daniel Molina / El discreto arte de la sedimentación /Perfil / 29 de septiembre de 2013.
• 2013. Rosario Bléfari / La función del otro lado / Catálogo / Octubre de 2013.
• 2011: Ana María Battistozzi / El camino hacia la abstracción / Revista eñe Suplemento cultural de Clarin / 6 de Diciembre de 2011.
• 2010: Verónica Gómez / Los ríos de la mente / Diario Página 12 Suplemento Radar / 10 de Octubre de 2010.
• 2010: Dolores Curia / Íntima Excepción / Diario Página 12 Suplemento las 12 / 1 de Octubre de 2010.

Collections

• Oxenford, Buenos Aires, Argentina.
• Alejandro Ikonicoff, Buenos Aires, Argentina.
• Esteban Tedesco, Buenos Aires, Argentina.
• James Martin, Washington, U.S.A.
• Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO), Rosario, Argentina.

• Artists

Translated from Spanish

Extract from “Fernanda Laguna. Central desde los márgenes”  by Inés Katzenstein, in Otra Parte Revista de Letras y Artes, no. 28, Autumn-Winter, 2013 […] The artistic language is a language of communication; a language to speak outside of the art system, outside of the institution of art. It is a form of communication—it should not be a code within a closed system. […] To me, art allows a collective ritual from something personal. It is about sharing something. It is about revealing to other people a very personal experience through which an object or situation is created. […] Sometimes I depart from an idea, not always; sometimes I let myself be guided by the physicality of the act of painting. Sometimes I start by just moving the brush with a little bit of black acrylic paint because I am seduced by the shine of that color, and I begin with that first sensation of the need to paint. Then I paint a cat or anything, and I keep painting the following needs that come up, which sometimes are basic needs that arise from having seen something on the table, but I never say “I am going out to buy green yarn.” If I have pink yarn, I make everything with pink yarn—I think the reason it is there is because it’s calling me. And I let myself be taken by the emotion that the materials produce in me; the lines or curves, the colors… I see something such as a textured wall and I say “I will put a texture here,” and I avoid asking myself if that is good or bad (which is something that is hard for me, but I avoid thinking about it because many times I paint things that I don’t like) or if there is something that appears as a necessity and I don’t like it. And if I were to say “I don’t like it,” and would take it out, I would miss the opportunity of learning something new. Then I try to keep going or postpone, and at some point something will come out of that.

Fragmento de “Fernanda Laguna. Central desde los márgenes” por Inés Katzenstein, en Otra Parte Revista de Letras y Artes, no. 28, Otoño-Invierno, 2013 […] El lenguaje artístico es un lenguaje de comunicación, un idioma para hablar fuera del sistema del arte, fuera del instituto del arte. Es una forma de comunicación, no debería ser un código dentro de un sistema cerrado. […] Para mí el arte logra hacer un ritual colectivo de algo personal. Se trata de compartir algo. Se trata de revelar a otras personas una experiencia muy personal a partir de la cual se crea un objeto o situación. […] A veces parto de una idea, a veces no, a veces me dejo llevar bastante por lo físico del pintar. A veces empiezo solamente moviendo el pincel con un poco de acrílico negro porque me seduce el brillo de ese color, y empiezo con esa primera sensación de necesidad de pintar. Y entonces pinto una gata o cualquier cosa y sigo pintando las siguientes necesidades que me van surgiendo, que a veces son necesidades muy básicas que surgen de haber visto algo en la mesa, pero nunca me pasa que digo “voy a salir a comprar lana verde”. Si tengo lana rosa hago todo con lana rosa, igual si está ahí es porque me llama. Y voy dejándome llevar por la emoción que me producen los materiales, las rectas o las curvas, los colores… veo algo como una pared texturada y digo “voy a poner una textura acá”, y evito pensar si está bueno o no –algo que me cuesta, pero evito pensarlo porque muchas veces pinto cosas que no me gustan–, o hay algo que aparece como una necesidad y no me gusta. Y si dijera “no me gusta” y lo sacara, me perdería la posibilidad de conocer algo nuevo, entonces intento seguir y posponer y en algún momento algo se arma.

Selected Biographical Information

Education / Training

• Escuela Superior de Artes Visuales Prilidiano Pueyrredón, Profesora Nacional de dibujo y pintura, Estudios completos, Ciudad de Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 1994: Beca Kuitca, Ciudad de Buenos Aires, Argentina.
• 2006-2009-2001:  Beca Fondo Nacional de las Artes.
• 2007: Beca Foundation for Arts Iniciatives.

Solo Exhibitions

• 2012: “No confíes en lo que ves”, Galería Nora Fisch, Bs.As. Argentina.
• 2010: “Individual”, Galería Mite, Bs.As, Argentina.
• 2009: “El mensaje de las formas”, Galería Miaumiau, Bs.As. Argentina.
• 2008: “La ama de casa”, Galería Dabdah-torrejón, Bs.As. Argentina.
• 2004: “Ella está viva”, Espacio SUBTE, Montevideo, Uruguay.

Group Exhibitions

• 2013: 9 Bienal del MERCOSUR, Porto Allegre, Brazil.
• 2010: “Fetiches críticos”, Centro de arte dos de Mayo, Spain.
• 2010: “Colectiva”, Larissa Goldston Gallery, New York, USA.
• 2009: “Escuelismo”, Museo de Arte Latinoamericano, Argentina.
• 2009: “Vínculos rituales y retazos de Magia”, Galería Alberto Sendrós, Arte BA, Bs.As. Argentina.

Publications

• 2012: Prince Claus Awards texto por César Aira.
• 2011: Desbunde y felicidad Editotial Blatt y Ríos.
• 2010: Poéticas contemporánes Fondo Nacional de las Artes.
• 2009: Escuelismo Museo de Arte Latinoamericano.
• 2008: Industria Argentina arte contemporáneo en construcción.

Links

• Bombsite Revista Otra Parte (1)
• Revista Otra Parte (2)

• Artists

Translated from Spanish

I explore aesthetic theories through site-specific intervention and installation. I appeal to experimentation as a fundamental medium and I combine it with other traditional elements in sculpture or painting, as well as appropriation and relocation of existing cultural patrimony. The everyday image of presentations and representations I produce, are the result of these tangled combinations. My work appeals to the judgment of apparent reality. Since the last few years I have been working intensively with installations and interventions, meaning that I work mainly in specific exhibition spaces. The works are conceptually materialized within and from the place where they will be exhibited. In my work, the de-codification of the space is clearly a place of departure. Sometimes this approach within the exhibition context helps to propose something new and other times to adapt a preexisting idea that works in the space. As modus operandi, I am interested not in forcing ideas nor relationships between them and the place. It is fundamental to perceive and understand the environment, establish and mature the works to then proceed to measure time between both parts. Whichever the process is in each case, it is always necessary to establish a relationship with the place before beginning the work process. In my work, I use the edition of recognizable objects and their symbolic charge to configure a new language. Truthfully, I think about objects as letters that allow me to make words that did not exist before this combination that I propose. In turn, the objects used also retain their initial aural signifier, issue that is not a minor factor in the decision of its use. There is a net of meanings and signifiers that structure each piece. I also write. I began to do it simultaneous to my first installations since it helped to put into words the research process as it was happening and, above all, taking into account that the work was going to be destined to disappear after the exhibition. Something similar happened with the Sauna-revista de arte texts. For me, to be critical is not only to think about the work of somebody else or an idea in particular. The act of writing helps me to re-read my work in relation to what I am speaking about. The questions I have as an artist are not the same as the ones I have when I produce a text. Clearly, I do not consider myself an art critic, but writing about what happens around me also functions as the research for my work.

Me dedico a la exploración de teorías estéticas a partir la intervención y la instalación de sitio específico. Apelo a la experimentación como medio fundamental y la combino con otros elementos de tradición escultórica y/o pictórica, así como también con la apropiación y reubicación de bienes culturales existentes. La imagen de cotidianidad de las presentaciones y representaciones a las que llego, son el resultado de tan entramadas combinaciones. Mi labor apela al juicio sobre la realidad aparente. En los últimos años vengo trabajando intensamente en instalaciones e intervenciones, quiero decir que trabajo mayormente a partir de los espacios de exhibición concretos. Las obras se materializan conceptualmente en y desde el lugar donde van a exhibirse: en mi obra la decodificación del espacio es claramente un punto de partida. Algunas veces esa aproximación con el contexto de exhibición sirve para plantear algo nuevo y otras veces para adaptar alguna idea preexistente que funciona con el lugar. Como modo de operar me interesa no forzar ideas ni relaciones entre ellas y el lugar. Percibir y entender el entorno, asentar y madurar las obras para luego medir el tiempo entre ambas partes es algo fundamental. Pero sea como sea el desarrollo específico de cada caso, siempre es necesario establecer una relación con el lugar antes de empezar el proceso de trabajo.   Por otro lado, en mis obras utilizo la edición de objetos reconocibles y de su carga simbólica para configurar un lenguaje nuevo. En realidad, pienso a los objetos como letras que me permiten armar palabras que no existían antes de esta combinación que propongo. A su vez, también los objetos usados conservan su aura significante inicial, cuestión que no es menor en la decisión de su uso. Hay una red de significados y significantes que estructuran cada pieza. También escribo. Comencé a hacerlo en simultáneo con mis primeras instalaciones, me servía poner en palabras el proceso de la investigación a medida que iba sucediendo y, sobretodo, teniendo en cuenta que la obra estaba destinada a desaparecer luego de su exhibición. Con los textos de Sauna-revista de arte pasa algo parecido. Para mi hacer una crítica no es solamnete pensar la obra de alguien o pensar alguna idea en particular, ese acto de escritura fundamentalmente me sirve para releer mi trabajo en relación a eso de lo que estoy hablando. Las preguntas que tengo como artista son las mismas que manifiesto cuando produzco un texto. Está claro que no me considero un crítico de arte pero escribir sobre lo que sucede en mi entorno también me sirve como parte de la investigación de lo que hago, de la investigación de mi obra.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2001-2005: Lic. en Artes Visuales, orientación en Escultura – IUNA. Buenos Aires, Argentina.
• 2000-2001: Caracterizador Escénico – Instituto del Teatro Colón. Buenos Aires, Argentina.
• 1995-2000: Dibujante Publicitario, Técnico en Publicidad – E.T. 15 “Maipú”. Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2013: Premio estímulo de la Fundación Castagnino para artistas emergentes del XVII Salón Nacional de Rosario Castagnino-MACRO.
• 2013: Mención especial II Premio Lucio Fontana, Buenos Aires, Argentina.
• 2012-2013: Premio Itaú Cultural, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: Salón Nacional de Pintura del Banco Nación en la Casa del Bicentenario.
• 2012: Segundo premio del 101º Salón Nacional de Artes Visuales en Nuevos soportes e instalaciones en el Palais de Glace.
• 2010-2011: Premio del Centro Cultural de España en BA de artistas jóvenes en el Palais de Glace y Centro Cultural Parque España Rosario.

Solo Exhibitions

• 2012: “Suite en 3 actos: presentación, auge y caída”, La Ira de Dios, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “La Consulta”, Nora Fisch Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “Collages y colaboraciones”, Barraca Vorticista, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “El Techo”, Centro Cultural de España en BA, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “El Capricho”, ThisIsNotAGallery, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Sin título (publicidad exterior)”, Intervención urbana, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Habitación”, Humboldt 1564, Palermo, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “Riña de gallos”, Rusia Galería, Tucumán, Argentina.
• 2013: “Espacios parasitados”, Espacio de Arte Universidad Católica Argentina, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Fuen7e”, Lordi Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “Habitat”, Nora Fisch Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Exit/Salida 3ª ed.”, Barraca Vorticista, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Diálogo”, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires. Festival Visual Brasil, Barcelona, Spain.
• 2009: “Coronal”, Braga Menéndez Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Holyhome”, See you at home, Artist studio, London, UK.
• 2008: “La forma absurda”, La Munich contemporánea, Dir. Gral. de Museos de la Ciudad, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Poética intimista en un espacio que no le corresponde”, WarClub Appetite, Buenos Aires, Argentina.

Publications

• SAUNA revista de arte. Editor y co-fundador. Buenos Aires, Argentina. Agosto 2010/2013. www.revistasauna.com.ar
• Premio CCEBA de arte joven argentino. Buenos Aires, Argentina. 1era ed. Octubre 2010. www.cceba.org.ar RAMONA 100.
• Poéticas.  Buenos Aires, Argentina. Mayo 2010. www.ramona.org.ar LATE (los artistas también escriben), Guido Ignatti. Buenos Aires, Argentina. Mayo 2009. www.proyecto-late.blogspot.com

Links

• Guido Ignatti WEB
• Revista Sauna
• Suite en 3 actos

• Artists

Selected Biographical Information

Education / Training

• 1997: Escuela Nacional de  Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” (Instituto Universitario Nacional del Arte), Profesorado Nacional de Pintura, Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2008: Residency: Lugar a dudas, Cali, Colombia.

Solo Exhibitions

• 2013: “On Drawing”, Sicardi Gallery, Houston, USA.
• 2009: “Firmamento”, Turbo Galeria, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “La conquista del espacio, segunda parte, Star Worse”,with Andrés Toro, Le bar Buenos Aires, Argentina.
• 2007: Exposición sin título, Galeria Ruth Benzacar, Buenos Aires, Argentina.
• 2007: “Fiesta”, instalación en vitrina, CCEBA, with Bárbara Kaplan, Buenos Aires, Argentina.
• 2006: “For Esport”, instalación de sitio especifico en la vidriera del CCEBA, Buenos Aires, Argentina, with Andrés Toro y Fernando Brizuela.
• 2005: “Grafito sobre papel”, Alianza Francesa, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “Star Worse”, Sonoridad Amarilla, with Andrés Toro, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “Dibujos”, El Borde Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
• 2001: “Fiat Lux”, exposición de objetos, Espacio Giesso Reich, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: Open Studio #7 “Poéticas en tránsito”, BSM art Building, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Ultimas tendencias II”, Museo de arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Vantage point”, The Mission, Chicago, USA.
• 2011: “Transition”, The Mission, Chicago, USA.
• 2011: “Campo de asociaciones”, Centro Cultural Simón Bolivar, Guayaquil, Ecuador.
• 2011: “x200mas”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: Pinta Art Fair, Cecilia de Torres Gallery, New York, USA.
• 2010: “Del piso al techo”, Chez Gautier Galería.
• 2008: Carolina ruiz, Florencia Guillen y Mariano Dal Verme. Exposición en las habitaciones de la residencia Lugar a dudas, Cali, Colombia.
• 2008: “Las  entrañas del arte”, Espacio Imago, Buenos Aires, Argentina.
• 2006: “Dibujo próximo”, Centro Cultural Rojas, Buenos Aires, Argentina.
• 2006: Premio OSDE, (disciplina: dibujo).
• 2005:  Bienal de Bahía Blanca, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “Z-lab, (una selección una exposición en proceso)”, Zabaleta Lab, Curator: Victoria Noorthoorn.

Publications

• Poéticas contemporaneas, Apuntes y aproximaciones, Itinerario de las artes visuales en Argentina de los 90 al 2010, Fondo Nacional de las Artes.

Collections

• Malba, Colección Costantini, Buenos Aires, Argentina.
• Colección  Herlitzka, Buenos Aires, Argentina.
• Colección Bruzzone, Buenos Aires, Argentina.
• Colección Tedesco, Buenos Aires, Argentina.
• Adler collection, Houston, TX, USA.
• J. M Gille Collection, Brusels, Belgium.

Links

• Mariano Dal Verme – On Drawing

• Artists

Translated from Spanish

-The different ways in which a cultural emanation is developed by different peoples or communities (for example, the constructive utopias of Brazil, Europe, Venezuela, or Argentina).

-The process through which a more specific answer is emptied out from the ideological content that generated it, and is used for different or even contrary purposes (the influence of Bauhaus in serial industrial production).

-The transformation experienced by style when it is transplanted to another physical and social reality (Vitruvius’ model of religious architecture in Spanish colonies in the American continent).

These sentences are some examples of what has always fascinated me sensually and intellectually: the impure condition of culture and the visual expressions of that complexity.

In a young country such as mine, this is an elemental everyday condition. Buenos Aires’ architecture is a proof of that.

I intend to register all of this in my work. If I have to summarize in two words the themes that inspire my work, these would be disease and contamination.

-Las diversas formas en que una emanación cultural es desarrollada por diferentes personas o comunidades (por ejemplo, las utopías constructivas en Brasil, Europa, Venezuela o Argentina).

-El proceso por el cual una respuesta formal específica, se vacía de los contenidos ideológicos que le dieron origen y se utiliza para fines diversos y aun opuestos (la influencia de la Bauhaus en la producción industrial en serie).

-La transformación experimentada por el estilo cuando se trasplanta a otra realidad física y social (el modelo de Vitruvio en la arquitectura religiosa en las colonias españolas de América).

Estos enunciados son algunos ejemplos de lo que siempre me ha fascinado, a la vez sensual e intelectualmente: la condición impura de la cultura y las expresiones visuales de esa complejidad.

En un país joven como el mío esto es una condición cotidiana y constitutiva. Buenos Aires y su arquitectura son prueba de ello.

Tengo la intención de registrar todo esto en mi trabajo. Si tengo que sintetizar en dos palabras los temas que inspiran mi trabajo serían enfermedad y contaminación.

Selected Biographical Information

Education / Training

• Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, 3 years in 1980s, Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2002: Fundacion Civitella Ranieri, Fellowship, Umbertide, Italy.
• 2000: Fundación Costantini, Honorific Award, Buenos Aires, Argentina.
• 1998: “Young Artist of the Year” by the Argentine Art Critics Association, Buenos Aires, Argentina.
• 1997: Novartis Awards, First Prize, INET Awards, Honorific Award, Costantini, Honorific Award, Buenos Aires, Argentina.
• 1996: Nominated “Best Solo Exhibition” by the Argentine Art Critics Association, Buenos Aires, Argentina.
• 1995: Nominated “Young Artist of the Year” by the Argentine Art Critics Association, Buenos Aires, Argentina.
• 1995: National Endowment for the Arts, “Grant for Creation in the Visual Arts”, Buenos Aires, Argentina.
• 1995: Gunther, Honorific Award, Buenos Aires, Argentina.
• 1992: Nomination for the Konex ’92 awards (Installation), Buenos Aires, Argentina.
• 1991: Ministry of Cultural Affairs from Spain, Fellowship, Spain.

Solo Exhibitions

• 2013: “Structure”, Sicardi Gallery, Houston, Texas, USA.
• 2012: Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: Museo Pedro de Osma, Lima, Peru.
• 2009: Baró Cruz Gallery, Sao Paulo, Brazil.
• 2008: Sicardi Gallery, Houston, Texas, USA.
• 2007: Ruth Benzacar Gallery, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Palacio Velazquez, Madrid, Spain.
• 2003: Ruth Benzacar Gallery, Buenos Aires, Argentina.
• 2001: Sicardi Gallery, Houston, Texas, USA.
• 2001: Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 1997: Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 1997: Annina Nosei Gallery, New York, New York, USA.

Group Exhibitions

• 2011: “Southern Identity”, Smithsonian Institutions, The Smithsonian International Gallery, S. Dillon Ripley Center, Washington, D.C., USA.
• 2010: “Beuys y más alla”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Painting With a Hammer to Nail the Crotch of Civilization”, Manila Contemporary, Makati City, Philippines.
• 2010: Sicardi Gallery, Houston, Texas, USA.
• 2009: “Slow Paintings”, Museum Morsbroich, Leverksusen, Germany.
• 2009: “Geomtrías dislocadas”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
• 2009: “Talismán se busca Parte II”, Ruth Benzacar Gallery, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Argentina hoy”, Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo and Rio de Janeiro, Brazil.
• 2009: “All Boys”, Museo Provincial Rosa Galisteo, Santa Fe, Argentina.
• 2009: “White Noise”, DePauw University, Greencastle, Indiana.
• 2008: School Gallery, Paris, France.
• 2007: “La espiral de Moebius”, Centro Cultural Parque de España, Rosario, Argentina.
• 2006: 9ª Bienal de La Habana, Havana, Cuba.
• 2005: “Arte abstracto (hoy) = Frafilidad + Resiliencia”, Centro Cultural de España, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “Contrabandistas de imágenes”, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
• 2004: 26ª Bienal de Sao Paulo, Brazil.
• 2003: Project Artgentina, Miami, Florida, USA.
• 2002: “Ultimas Tendencias en la coleccion del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires“, Buenos Aires, Argentina.
• 2002: “The city of temptations”, Ediciones Madrid, Madrid, Spain.
• 2002: “Ballesteros Siquier”, Museo de Arte Contemporáneo, Posadas, Misiones, Argentina.
• 2002: “Los amigos de Cippolini”, Belleza y Felicidad, Buenos Aires, Argentina.

Publications

• 2010: Battistozzi, Ana María y Alberto Giudice. Un recorrido por el arte contemporáneo argentino, Buenos Aires, Papers Editores.
• 2009: Sarlo, Beatriz. La ciudad vista, Buenos Aires, Siglo XXI.
• 2007: Civale, Cristina. Industria argentina: Arte contemporáneo en construcción, Buenos Aires, Civale + Maravillarte.
• 2006: Arestizábal, Irma, Olivier Debroise, Ticio Escobar et al. 100 Artistas Latinoamericanos, Madrid, Exit.
• 2005: López Anaya, Jorge. Arte argentine: Cuatro siglos de historia, Buenos Aires, Emecé.
• 2000: Golonbek, Claudio. Guía para invertis en el Mercado de arte argentine, Buenos Aires, Patricia Rizzo Editora.
• 1999: Benedit, Luis F., Jorge Gumier Maier y Marcelo E. Pacheco. Artistas argentines de los 90, Buenos Aires, Fondo Nacional de las Artes.
• 1997: López Anaya, Jorge. Historia del arte argentino, Buenos Aires, Emecé.
• 1997: Escher, Joris y Martijn Kielstra. Platform 1: 70 Young Modern Artists from Asia and Latin America, Amsterdam, Canvas World Art Foundation.
• 1992: Glusberg, Jorge. Del constructivismo a la geometría sensible, Buenos Aires, Centro de Arte y Comunicación.

Collections

• Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain.
• Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
• The Jack S. Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, Texas, USA.
• Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Argentina.
• Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina.
• Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina.

Additional Links

• Los Molinos Building
• Group Show – de la Mora, Maggi, Muñoz, Rojas & Siquier
• Structure
• Flickr

• Artists

Selected Biographical Information

Education / Training

• 1992-1997: Profesorado de Artes Visuales. Escuela Superior de Artes Visuales “Lino Enea Spilimbergo, Bahía Blanca, Argentina.
• 1992-1995: Diseño Gráfico. Escuela Superior de Artes Visuales “Lino Enea Spilimbergo”, Bahía Blanca, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2012: Premio Petrobras, ArteBA 2012,  con el proyecto “La Multisectorial Invisible”, junto a Guillermina Mongan, Ana Gallardo, Elisa Strada, Gustavo Doliner  y Lola Granillo http://lamultisectorialinvisible.tumblr.com/
• 2012: Premio Institucional Fondo Nacional de las Artes,  LXVI Salón Nacional de Rosario, Argentina.
• 2010/2011: Beca Centro de Investigaciones Artísticas, Buenos Aires, Argentina.
• 2006: Beca Nacional, Artes Plásticas, Fondo Nacional de las Artes, Argentina.
• 2003: Workshop Bogo-día, Centre du Soleil d’Afrique, coordinado por Trama y RAIN (red de iniciativa de artistas) Bienal Nacional de Fotografía, Bamako, Mali, África.
• 2003: Residencia, Centre de Art Contemporain 19, Montbeliard, Francia.
• 1998-1999: Mención Especial y Premio de Pintura “Banco Provincia”, ArteBA , Buenos Aires, Argentina.
• 1997/1999: Programa de becas para artistas jóvenes Guillermo Kuitca, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.
• 1996: Premio Adquisición Bienal Reg. de Bahía Blanca, Museo de Arte Contemporáneo, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2013: “Pinturas donde estoy(1998-2013)”, curated by Claudio Iglesias, feria Eggo, Centro Cultural Recoleta, Argentina.
• 2013: “Ni verdaderas ni falsas”, Instituto de Investigaciones Gino Germani, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “Windows”, galería Daniel Abate, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Sos un sueño”, galería Daniel Abate, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “¡Teléfono!”, ciclo en diálogo con Lidy Prati, curated by Ana Gallardo, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “Scafati, un cuadro”, Belleza y felicidad, Buenos Aires, Argentina.
• 2004: “Mariam Traoré”, Escuelita Belleza y felicidad de Villa Fiorito, provincia de Buenos Aires, Argentina.
• 2002: “Óleo”, Espacio Lelé de Troya, curated by Ana Gallardo, Buenos Aires, Argentina.
• 2001: “Pintura gustosa,curada por Marcelo de la Fuente”, Casona de los Olivera, Parque Avellaneda, Buenos Aires, Argentina.
• 2001: “SHOW ME YOUR PINK”, galería Bis, Rosario, Santa Fé, Argentina.
• 2001: “He venido para decirte que me voy”, galería Belleza y felicidad, Buenos Aires, Argentina.
• 2000: “Pinturas y pared”, galería Belleza y felicidad, Buenos Aires, Argentina.

Publications

• Pinturas donde estoy (1998-2013), Sayago & Pardon.
• Revista Otra parte Nº 29, 2013, Buenos Aires, Argentina.
• Revista CIA Nº1, 2012, Buenos Aires, Argentina.

Collections

• Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca (MACBA), Argentina.
• Museo de Arte Contemporáneo de Salta (MACSA), Argentina.
• Colección Sayago & Pardon, California, USA.
• Colección de Gustavo Bruzonne, Buenos Aires, Argentina.
• Colección  de Alejandro Ikonicof, Buenos Aires, Argentina.
• Colección de Alec Oxenford, Buenos Aires, Argentina.
• Colección Banco Supervielle.
• Colección Banco Provincia.

• Artists

Translated from Spanish

Extract from interview by Inés Katzenstein, as part of solo show “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “I never felt much love for objects. I never framed anything, and when I thought that I need it to do it, I decided to adopt the frame as a device of the work in the same way that artifacts are presented in installations before the artifice. Geometry is always present in my work. It keeps moving. In installations, geometry acts as a force that supports a space. It constructs a deception… In these new works, the geometric frame allows me to enclose a light situation. They are architectures of a luminous space that also have shadows (shadows produced from the same immateriality). I like frames that are not orthogonal because they are unstable. (…) The work took its own path, and although my impulses are more toxic, painting keeps being a substance that guides me. Even when my work centers on the act of seeing, what happens in the retina, in the illusion of vision itself. Everything departed from that. If I think about the first painters, to paint is also to do magic.”

Fragmento de la entrevista con Inés Katzenstein, como parte de la muestra individual “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “Nunca sentí mucho amor por los objetos. Nunca enmarqué nada, y cuando pensé que necesitaba hacerlo, decidí adoptar al marco como un dispositivo de la obra del mismo modo en que los artefactos se presentan en las instalaciones delatando el artificio. La geometría siempre está presente en mi obra. Se va trasladando. En las instalaciones, la geometría actúa como una fuerza que sostiene un espacio. Construye un engaño… En estas obras nuevas, el marco geométrico me sirve para acotar una situación de luz. Son arquitecturas de un espacio luminoso que también tienen penumbra (una penumbra que se produce en la misma inmaterialidad). Los marcos no ortogonales me gustan porque son inestables. (…) La obra fue tomando su propio rumbo, y aunque mis impulsos sean más tóxicos,  la pintura sigue siendo una sustancia que me orienta.  Incluso cuando trabajo en obras que se centran en el acto de ver, en lo que pasa en la retina, en la ilusión propia de la visualidad. De ahí salió todo. Si pienso en los primeros pintores, pintar es también hacer magia”.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 1993: Taller de Pintura con Ahuva Szlimowicz, Buenos Aires, Argentina.
• 1988: Escuela Nacional de Bellas Artes, Profesora Nacional de Pintura, Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2012: Premio Konex Artes Visuales, Instalación, Fundación Konex, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: Primera Mención honorífica, LXVl Salón Nacional, Museo Castagnino, Rosario, Argentina.
• 2009: Tercer premio, Fundación Andreani, Museo Caraffa, Córdoba, Spain.
• 2008: Mención honorífica, Premio Roggio, Museo Caraffa, Córdoba, Spain.
• 2002: Beca Fulbright, otorgada por el Fondo Nacional de las Artes – Comisión Fulbright.  ISCP International Studio and Curatorial Program, New York, USA.
• 2000: Mención especial del jurado, Premio Universidad de Palermo, MNBA, Buenos Aires, Argentina.
• 1999: ART/OMI, International Residency Program, New York, USA.
• 1999: Subsidio para la creación, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 1995: Programa de perfeccionamiento para artistas dirigido por Guillermo Kuitca, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2013: “Lejos del Sol”, Centro Cultural San Martín, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “El aire tomará esta forma”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Totalmente, Tácitamente”, Galería Vasari, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Soloprojects”, Galería Vasari, Arco, Madrid, Spain.
• 2011: “Ensayo de Situación”, curated by Inés Katzsenstein, Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “The Eyes Sometimes”, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
• 2011: “RGB/CMY”, U-Turn Project Room, curado por Abaseh Mirvali, Arte Ba, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Karina Peisajovich”, curated by Tobias Ostrander, Museo Experimental El Eco, Mexico.
• 2010: “Teorías”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2002: “Paisaje Domestico”, Casa de América, Madrid, Spain.
• 1999: “Luces, Belleza y Felicidad”, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “Permanencia del Arte Geométrico”, Wu Galería, Lima Perú.
• 2012: “El color: instrucciones de uso”, curated by Phillipe Cyroulnik, Galería Vasari, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “Color on Color”, Frost Art Museum, Miami, USA.
• 2009: “7ma Bienal de Porto Alegre”, curated by Victoria Noorthoorn, Porto Alegre, Brazil.
• 2006: “Iluminaciones”, curated by Victoria Verlichack, Malba, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “Surface Charge”, curated by Gregory Volk y Sabina Russ, VCU Anderson Gallery, Richmond, Virginia. USA.
• 2005: “The Shadow”, Vestsjaeland Kunst Museum, Sorø, Denamrk.
• 2004: Lodz Bienale, Critic’s choice, Lodz, Poland.

Publications

• “Resplandores maravillosos o brillos inesperados,” por Victoria Verlichak, Revista Arte al Día #135, Junio 2011.
• “Juego de luces,” por Julio Sanchez, Diario La Nación, Suplemento ADN, Diciembre 2012.
• “Ensayo sobre la luz y el color,” por Ana Battistozzi, Diario Clarin, Revista ñ, Diciembre 2012.
• “Oda al color,” por Felisa Blaquier, Revista G7 #97, Julio 2012.
• “Influyentes e influidos,” por Eva Grinstein, Revista ArtNexus #72, Marzo/Abril 2009.
• “Los rayos misteriosos,” por Pola Oloixarac, Suplemento Radar, Página 12, Enero 2009 .
• “El ojo del que mira, artistas de los 90,” Victoria Verlichack, 1998.
• “Patrimonio,” Museo de Arte Modernos de Buenos Aires, 2012.
• “Intercambio Global.” Abstracción Geométrica desde1950, MACBA, Buenos Aires. 2012.
• “The Eyes, Sometimes, texto de Gregory Volk,” Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, 2011.
• “Color on Color,” curado por Constanza Cerullo, Frost Art Museum y Macba, Miami, 2011.
• “SmART,” curado por Sonia Becce. Freedom Tower, Miami Dade College, Miami, 2010.
• “Poéticas Contemporáneas,” apuntes y aproximaciones, Fondo Nacional de las Artes, 2010.
• “Ensayos y Desvíos,” Fondo Nacional de las Artes, Bs. As., 2010.
• “7ma Bienal del Mercosur,” Grito e Escuta, Porto Alegre, Brasil, 2009.
• “Surface Charge,” texto de Gregory Volk y Sabine Russ. VCU Anderson Gallery, Richmond, US, 2005.
• “The Shadow,” texto de Christine Bhul Anderson. Vestsjaelland kunstmuseum, Sorø, Denmark, 2005.
• “Paintbox extensions,” texto de Anne Ring Petersen y Trine Møller Madsen Copenhagen, Denmark, 2004.
• “Paisaje doméstico,” texto de Eva Grinstein, Casa de América, Madrid España, 2002.
• “Karina Peisajovich,” texto de Eva Grinstein, Centro Cultural Borges, 1998.

Collections

• MACBA, Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Argentina.
• MAMBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
• MACRO, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Argentina.
• MAM, Miami Art Museum, Miami, USA.

• Artists

Translated from Spanish

My pleasure for handmade and handcraft work has allowed me to delve into the technique of collage, with which I work since several years ago. This technique lets me construct compositions of movement and color through diverse cut outs.  Thanks to an introspective work I can bring order to the chaos of the small cut outs—a more joyful order.

The amount of images to cut out is infinite, and they vary in their colors and textures. The shapes in which they can be cut out are infinite, such as circles, rectangles, squares, strips, rhombuses, or irregular geometric forms. Their layout in the surface of the work is unlimited; plot, pattern, repetition, overlap; diagonals, horizontally, vertically.

Mi gusto por el trabajo manual y artesanal, me ha llevado a profundizar en la técnica del collage, con la cual trabajo hace varios años. Esta técnica me permite construir, a través de distintos recortes, composiciones de movimiento y color. A través de un trabajo introspectivo puedo llevar orden al caos de los pequeños recortes, un orden más alegre.

Es infinita la cantidad de imágenes para recortar, que varían en sus colores o texturas. Ilimitadas las formas en que se pueden recortar como círculos, cuadrados, tiras, rombos o formas geométricas irregulares. Ilimitada es su disposición en el plano de la obra, trama, patrón, repetición, superposición, diagonales, horizontales, verticales.

Selected Biographical Information

Education / Training

• Studied painting with Roberto Fernández, Roberto Scafidi, Juan Doffo and Paula Socolovsky.

Prizes / Fellowships

• 2008: Salón Nacional de Pintura Fundación Banco de la Nación Argentina, mención honorífica, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: Fundación Williams de Arte Joven, mención honorífica, Buenos Aires, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2015: “Magic Jungle”, Now Contemporary Art, Miami, USA.
• 2012: “Fragments of Expression”, Now Contemporary Art, Miami, USA.
• 2010: “Variaciones Geométricas”, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Ordenador Serial”, Espacio de Arte Filadelfia ESEADE, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “Timeless Matter”, Now Contemporary Art, Miami, USA.
• 2013: “Before the Alarm”, Sayago & Pardon Latin American Art Collection, Bank of America Gallery, Three Stages, Folsom Lake College, Folsom, California, USA.
• 2011: “Wonderstuck”, Praxis Internacional Art, New York, USA.
• 2010: “Super Cluster”, Praxis Internacional Art, Miami, USA.
• 2010: “Palais de Glace”, Salón Nacional de Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Palais de Glace”, Salón Nacional de Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Femenino”, Mil100 Art Gallery, Buenos Aires, Argentina.
• 2006: “IMAGO Espacio de Arte”, Premio Argentino de Artes Visuales Fundación OSDE, Buenos Aires, Argentina.

Publications

• “Before the Alarm: Selections from the Sayago & Pardon Latin American Art Collection,” 2013.
• Magdalena Murua “Fragments of Expression”, Now Contemporary Art, 2012.

Collections

• Sayago & Pardon, CA, USA

Links

• Magui Murua trabajando
• Fragments of Expression

• Artists

Translated from Spanish

The series of works that I present addresses metamorphosis and change; processes. Taking shape through figuration and expansion and the dialogue between materials as a point of tension between the static and the dynamic.

The title of this series is Variations (on the intermediate state), which I take from the Tibetan book of the dead called Bardo Thodol. Its translation means: The Liberation Through Hearing During the Intermediate State, making reference to the moment of transition between death and reincarnation.

La serie de trabajos que presento aborda nuevamente la metamorfosis y el cambio, los procesos. Tomando forma a través de la figuración y la expansión y el dialogo entre los materiales como punto de tensión entre lo estático y lo dinámico.

El título de esta serie es Variaciones (sobre el estado intermedio),  lo tomo del libro tibetano de los muertos, llamado Bardo Thodol la traducción es: Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio, haciendo referencia a esa instancia de transición entre la muerte y la reencarnación.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2013: Asistencia en producción de obra para los artistas Nicanor Araoz, Diego Bianchi, Fabian Bercic, Oligatega Numeric, Mariano Giraud, Miguel Harte.
• 2012: Taller Clínica con Luis Terán.
• 2011: Taller Dolores Casares.
• 2008: Licenciatura en Artes Visuales, IUNA.

Prizes / Fellowships

• 2012: Primer premio Concurso Mural APOC. “La emancipación de los Trabajadores a de ser obra de los trabajadores mismos”.
• 2006: Beca Proyectarte.

Solo Exhibitions

• 2013: “El doble es Uno”, Galeria Aldo de Sousa, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: ArtMiami, Miami, FL, USA.
• 2013: ArtToronto, Canada.
• 2012: ArteBA, Galería Aldo de Sousa, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Polinomio”, Galería Aldo de Sousa, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: Art WynWood, Miami, FL, USA.
• 2011: “Feria en el Pasaje”, galería Pasaje 17, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: Simposio de Escultura, Santa Cruz, Bolivia.
• 2010: Diverso y Singular, Centro Cultural Borges.
• 2010: “Retratos”, galería Pasaje 17, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Glory Hole”,galería Pasaje 17, Buenos Aires, Argentina.

Collections

• Sayago & Pardon, California, USA.

• Artists

Translated from Spanish

My work consists in looking for connections between things and to make them visible. I usually work with reminders, material and discursive discards. I have always felt irresistibly attracted by discarded construction materials in the street. I recognize in those residual products the face that the world of objects shows me. Nevertheless, by utilizing these discarded materials I do not seek to reproduce or restore the world to which they belonged to, I am not interested in that fiction. On the contrary, my interest on that waste is based precisely on their quality as fragments, as incomplete, in the fact that they are segments of the other narratives they have been ripped apart from. They are extracts, pieces of a story that they cannot tell in its totality, paragraphs of a forever lost text or even words, syllables, letters that by being placed next to each other form new units of meaning, new histories; collage. This possibility of relating them to each other in a new and whimsical way, changing them, modifying them, assembling them—it is a way to operate and in this sense, to think, of configuring and reconfiguring, if desired, of knocking over to generate new orders or understandings of them. Painting, photography, sculpture, writing, drawing, or any of the different artistic disciplines are to me means, not of communication, but of experimentation, tools of formal connection and meaning which limits are dissolved. What is true is that as the rest of the world, I look for a meaning; my life is so fragmented that each time I find a connection between two fragments, I feel tempted to find a meaning. The connection exists, but to give it a meaning would be to build an imaginary world within the real world, and I know that this would not be possible. In moments of courage I adopt the unsensical as basic principle, but then I understand that my role is to see what I have in front of me (even if it is inside of me too) and describe it, understand it, experiment it. Art, according to my experience, is the experimental exercise of reality.

Mi trabajo consiste en buscar conexiones entre las cosas y hacerlas visibles. Suelo trabajar con restos, desechos materiales y discursivos. Siempre me he sentido irresistiblemente atraído por los desechos en la calle provenientes de la construcción. Reconozco en esos productos residuales el rostro que el mundo de los objetos me muestra. Sin embargo al utilizar esos desechos no busco reproducir o restaurar el mundo del que hacían parte, no me interesa esa ficción, por el contrario, mi interés en esos desechos se basa precisamente en su cualidad de fragmentos, en su incompletud, en el hecho de que son segmentos de otras narrativas de las que han sido arrancados; extractos, trozos de una historia que no pueden contar en su totalidad, párrafos de un texto perdido para siempre o incluso palabras, silabas, letras que al ser colocadas unas junto a otras forman nuevas unidades de sentido, nuevas historias; collage. Esa posibilidad  de relacionarlos entre sí, de manera nueva y caprichosa, cambiándolos, modificándolos, montándolos “es una forma de operar y en ese sentido, de pensar, de configurar y reconfigurar, si se quiere, de revolcar para generar nuevos “órdenes” o “líneas de entendimiento” sobre los mismos.  La pintura, la fotografía, la escultura, la escritura, el dibujo o cualquiera de las diferentes disciplinas artísticas no son para mí más que medios más no de comunicación sino de experimentación, herramientas de conexión formal y de sentido cuyas fronteras resultan bastante disueltas. Lo cierto es que “al igual que todo el mundo busco un significado; mi vida está tan fragmentada que cada vez que encuentro una conexión entre dos fragmentos, siento la tentación de buscarle un significado. La conexión existe, pero otorgarle un significado, sería construir un mundo imaginario dentro del mundo real, y sé que ese mundo no se sostendría. En los momentos de mayor valentía, adopto el sinsentido como principio básico; pero luego comprendo que mi papel es ver lo que tengo delante (aunque también este en mi interior) y describirlo”, conocerlo, experimentarlo; arte, según mi experiencia, es el ejercicio experimental de la realidad.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2013: Posgrado; Programa de Artistas, Departamento de Arte, Universidad Torcuato di Tella, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: Magister. Maestría en Historia del Arte Latinoamericano. IDAES (Instituto de Altos Estudios Sociales), Universidad de San Martín. Buenos Aires, Argentina.
• 2009: Posgrado. Especialización en Medios y Tecnologías para la Producción Pictórica. IUNA (Instituto Universitario Nacional del Arte), Buenos Aires, Argentina.
• 2006: Artes Plásticas. Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.

Prizes / Fellowships

• 2008: Mención de Honor; 4 Salón de arte Joven, Galería El Nogal, Bogotá, Colombia.
• 2007: Artista en residencia; NGBK, Berlín, Germany.
• 2005: Tesis Laureada; Departamento de Arte, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.

Solo Exhibitions

• 2012: “Buró para la investigación de lo contingente”, Galería Artexarte, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Variaciones sobre aquel asunto”, Galería Jenny Vila, Cali, Colombia.
• 2007: “Una historia del arte en 4 entregas”, Sox 36, Berlin, Germany.
• 2006: “Restos”, Sala de Proyectos, Departamento de Arte, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
• 2004: “Cercano Oriente”, Sala de Proyectos, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.

Group Exhibitions

• 2013: “Intemperie”, Galería Cecilia Caballero, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: ”Nada y Todo”, Curator: Rodrigo Alonso, Galeria Gachi Prieto, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Salto al Vacío”, Curator: William Contreras, Departamento de Arte, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
• 2012: “Despues de todo”, Salón Nacional de Artistas, Bogotá, Colombia.
• 2011: “Black, Negro, Schwarz”, Galería Consorcio de arte, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Caja Abierta”, Galería Artexarte, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Interfaces Visuales”, Centro Cultural Coreano, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: 4to Salón de Arte Joven Galeria el Nogal, Bogotá, Colombia.
• 2007: “The Intricate Journey”, NGBK, Berlín, Germany.

Publications

• Volume 1, Revista de exposiciones, Departamento de arte, Universidad de los Andes, Bogotá, 2008.
• Revista digital Opus No. 10, Magazine de arte contemporáneo, Buenos Aires, 2013.

Links

• Variaciones Sobre Aquel Asunto
• Opus
• “Nada y todo” Kirsten Mosel, Tadeo Muleiro, Diego Atucha y Julián León Camargo.

• Artists

Translated from Spanish

I am interested in the relationship between culture and nature. My work consists in manipulating everyday materials by questioning the mechanisms of perception through which we understand the world.

Me interesa la relación entre cultura y naturaleza. Mi trabajo consiste en manipular materiales cotidianos cuestionando los mecanismos perceptivos a través de los cuales comprendemos el mundo.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 1997-1999: Escuela de Arte Nº2 , Mercedes, Bs. As., Argentina.
• 2003:2004: Clínica de obra con Pablo Siquier, BA, Argentina.
• 2007: Programa de Tutorías Artes Visuales,  Centro Cultural Ricardo Rojas- UBA, BA.
• LIPAC (Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas).
• 2008: Centro Cultural Ricardo Rojas- UBA, BA.

Prizes/Fellowships:

• 2014: Beca Nacional Medios Audiovisuales , Fondo Nacional de las Artes (FNA), Buenos Aires , Argentina.
• 2014: Beca de Intercambio Cultural entre Colombia y Argentina. Residencia Lugar a dudas, Cali, Ministerio de Cultura de Colombia y Ministerio de Cultura de Argentina, Cali, Colombia.
• 2013: Beca Residencia en la Antártida, Dirección Nacional del Antártico (DNA), Base Esperanza, Antártida, Argentina.
• 2013: Premio Adquisición Igualdad Cultural, Secretaría de Cultura de la Nación, BA, Argentina.
• 2012: SITA, Sitios Tangentes III, Concurso de Intervenciones Públicas, S. M. de Tucumán, Argentina.
• 2011: Premio Itaú Cultural, BA (3º premio).
• 2010: SITA, Sitios Tangentes II, Concurso de Intervenciones Públicas, S. M. de Tucumán, Argentina.
• 2010: Beca Residencia en San Javier, Museo Castagnino y Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Rosario, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2015: “La forma promiscua“, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “Móvil recurrente”, RO Galería de Arte, Argentina.
• 2009: “Pulso Variable”, Oficina Proyectista, BA, Argentina.
• 2008: “Delta”, Complejo Cultural Carlos Marín, Mercedes, BA, Argentina.
• 2006: “Trama”, Appetite Galería de Arte Contemporáneo, BA, Argentina.
• 2005: “Tiempo en unidades”, Casona de los Oliveras, BA, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “Premio Igualdad Cultural“, Casa del Bicentenario, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “Matrix/Collective Memory”, Black Square Gallery, Miami, USA.
• 2012: “Sobre el espacio y sus continuidades”, Casa de la Cultura, Fondo Nacional de las Artes, BA, Argentina.
• 2011: “Residencia San Javier”, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO), SF, Argentina.
• 2011: “Back To Back/ La Copia Infiel”, videos, Museo de Arte Contemporáneo (MAC), Salta, Argentina.
• 2010: “Elementos”, Fundación Esteban Lisa-Mapa Líquido Nómade, BA, Argentina.

Publications

• 2013: Desplegar la mirada, Hebe Miriam Roux, Editorial Biblos, BA.
• 2012: Sculpture Magazine, por M. Carolina Baulo, Vol. 31 nº 2, págs., 42, 43, 44, 45, Marzo.
• 2011: Residencia en el Mundo, Castagnino-MACRO, R. Echen e/ otros, Rosario, SF.
• 2005: La Espera, editorial CONTENTOTRAVEZ, BA.

Collections

• Museo Provincial Bellas Artes Emilio Caraffa, Córdoba, Argentina.
• Sayago & Pardon, CA, USA.
• Fundación Itaú Cultural, Buenos Aires, Argentina.

Links

• La forma promiscua
• Premio Itau
• Unión física y provisoria entre la Oficina Proyectista y el FNA (2011), video
• International Sculpture Center

• Artists

Translated from Spanish

I research photography through what is put in front of it; I research what is put in front of the camera through photography. I am interested in photography as a medium and end in itself. This simultaneity is the raw material that I work with.

Investigo la fotografía a través de lo que se sitúa frente a la cámara, investigo lo que se sitúa frente a la cámara a través de la fotografía. Me interesa lo fotográfico como medio y como un fin en sí mismo. Esta simultaneidad es la materia prima con la cual trabajo.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2013: “Problemas a contramano: modos inusuales de pensar el cuerpo, la vida y la técnica”, Seminario dictado por Christian Ferrer y Margarita Martínez, Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires, Argentina.
• 2007: Programa de Tutorías del Centro Cultural Ricardo Rojas, Buenos Aires, Argentina.
• 2007: Solocolor, seminario dictado por Karina Peisajovich, Buenos Aires, Argentina.
• 2004: Taller de Juan Travnik, Buenos Aires, Argentina.
• 2001-2003: Escuela de Fotografía Creativa, Técnico en fotografía, Buenos Aires, Argentina.
• 1995-1998: Grupos de Filosofía dictados por Luis Jalfen, Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2009: Seleccionado Premio ArteBA Petrobrás, obra “Locutores Profesionales Leen el Capital de Karl Marx” (co-autoría con Rodrigo Moreno), Buenos Aires.
• 2006: Premio Platt, Mención, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: Primer Premio Adquisición, Salón Nacional de Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2013: “Las muertas”, Foster Catena, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “Ajeno”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “Transformar y reflejar”, Foster Catena, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Testimonio de un contacto”, VVV Gallery, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Indice negro”, Fotogalería del Teatro San Martin, Buenos Aires, Argentina.
• 2007: “Vigilia”, VVV Gallery, Buenos Aires, Argentina.
• 2006: ”Vigilia”, Fotogalería del Centro Cultural Ricardo Rojas, Buenos Aires, Argentina.
• 2004: “Impresiones urbanas”, Fotogalería de la Municipalidad de Santa Fé, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “The Itinerant Languages of Photography”, Princeton University Art Museum, NJ, USA.
• 2012: “Visible, Móvil, Vidente”, Centro Párraga, Murcia, Spain.
• 2012: “Ultimas tendencias II”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “Poetics of Expansion: Eight Views of Contemporary Argentine Photography”, Dot Fiftyone Gallery, Miami, USA.
• 2009: “Fotógrafos de Buenos Aires”, Galerie Bruneau Munier, Paris, France.
• 2009: “Experimentaciones. Dos muestras, dos contextos”, Embajada de Brasil en Bs. As., Argentina.
• 2008: “Ver en la Oscuridad”, Fundación Klemm, Argentina.

Collections

• Princeton University Art Museum. NJ. USA.
• Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
• Palais de Glace, Buenos Aires, Argentina.
• Distintas colecciones privadas de Argentina, Peru, Germany, France and USA.

• Artists

Translated from Spanish

In the current development of my work, I’ve seen necessary to incorporate physical and concrete objectual elements so they dialogue directly with the walls and floors in spaces of determinate spaces, pursuing a more architectural ideal more adapted and articulated to the exhibition space. I am interested on encountering the space by creating spatial and formal connections with the shadows and their materiality, subjecting the surfaces and physical limits of the space, unlimiting it formally, visually and perceptively.

In some cases, I work with a series of “objectual pieces,” consisting of basic geometric elements: volumes, planes and lines made with simple materials, to continue with the idea of space as protagonizer, beyond the materiality of the forms. To develop them I use linear forms of stainless steel, aluminum or carbon fiber, and other materials such as acrylic and woods. Some of the works are constructed in modules so they can adapt to different exhibition spaces and so that I can make combinations subject to the space where they would finally be placed at. This series of works that I have been producing, are an account of my most current analysis about the unlimited possibilities that the space offers as support to the work, as a constructive tool.

En el desarrollo actual de mi trabajo he visto necesaria la incorporación de elementos físicos y objetuales concretos para que dialoguen directamente con muros y pisos en ángulos de determinados espacios persiguiendo una idea más arquitectónica, más acoplada y articulada al espacio expositivo. Me interesa salir al encuentro del espacio estableciendo vínculos espaciales y formales con las sombras y las materialidades de las mismas subjetivizando las superficies y fronteras físicas del espacio, ilimitándolo formal, visual y perceptivamente.

En algunos casos, trabajo con una serie de “piezas objetuales” conformadas por elementos geométricos básicos: volúmenes, planos y líneas elaborados en materiales simples, para continuar con la idea del espacio como materia protagónica más allá de la materialidad de las mismas. Para su desarrollo utilizo  formas lineales y planas de acero inoxidable, aluminio ó fibra de carbono, así como también materiales como el acrílico y  madera de diferentes calidades.

Algunas de las obras son construídas en módulos de modo de poder adaptarse a diferentes espacios expositivos y para permitirme realizar con ellas combinaciones supeditadas al espacio donde serán finalmente emplazadas.

Esta serie de obras en las que vengo trabajando dan cuenta de mis últimas investigaciones en las posibilidades ilimitadas que ofrece el espacio como soporte de la obra, como herramienta constructora.

Selected Biographical Information

Education / Training

• Profesorado de Pintura, egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” (dependiente del IUNA dec.1404/96).

Prizes / Fellowships

• 2013: Beca a la creación otorgada por el Fondo Nacional de las Artes. Buenos Aires, Argentina.
• 2013: Premio Concurso Igualdad Cultural. Buenos Aires, Argentina.
• 2007: Beca Fonca – Conaculta para programa de residencias artisticas para creadores de Iberoamerica y de Haití en México.

Solo Exhibitions

• 2014: “….in circle”, Alejandra von Hartz Gallery, Miami, USA.
• 2012: “Encuadre”, Galería Jorge Mara La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “…en ángulo”, SALA 8, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Papel Protagónico”, Oficina Proyectista, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Collages”, María Casado Gallery, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Marcolina Dipierro en Planograf”, Zavaleta Lab / Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2012: “Agencia de asuntos subtropicales”, Curated by: Teresa Riccardi – EAC, Espacio de Arte contemporáneo, Uruguay.
• 2012: “Muestra colectiva”, Ciclo Pertenencias, Casa de la Cultura de FNA, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Últimas Tendencias II”, Colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, MAMBA, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “RAM”, Espacio contemporáneo, Intervenciones, Fundación PROA, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Beloved Structure: The Argentine Legacy”, Alejandra von Hartz Gallery, Miami, USA.

Publications

• Marcolina Dipierro. Catálogo. Galeria Jorge Mara La Ruche.
• “Entre la volumetría del plano y la planimetría del espacio”. Marcolina Dipierro en Galería Jorge Mara-La Ruche. Nota para ArtNexus nº 88 por María Amalia García.
• “La potencia de la geometría” Nota de Ana Marìa Battistozzi, sobre muestra individual en Galería Jorge Mara La Ruche. Publicada Diciembre del 2012, en Suplemento Ñ del diario Clarín. Buenos Aires, Argentina.
• “Tiempo coagulado en madera y metal“ Nota de Daniel Molina sobre muestra individual en Galería Jorge Mara La Ruche. Publicada el domingo 23Diciembre del 2012, en Diario Perfil. Buenos Aires, Argentina.
• “Los micromundos sin trama”,  Nota por Daniel Molina sobre muestra “en planograf”,publicada el Domingo 30 de mayo de 2010 en Diario Perfil. Buenos Aires, Argentina.

Links

• Exhibitions
• Texts

• Artists

My “volumetric paintings” are created by adding layers over layers of acrylic paint with brush and spatula. Volume is obtained with no materiality other than acrylic pigment and the eventual thickener.

My pieces include representational and abstract examples. In representational paintings –fruits, people– I work not only the surface of subjects but also the internal space.

A volumetric painting of a watermelon is green in the surface, white and red inside.  A head portrait is as true to the internal organs, muscles, bones–which will be invisible– as to the visible features shown in flat painting or in sculpture.

The geometric abstractions are usually monochromes painted the same color through and through. The knowledge of all the color we do not see completes conceptually the visual perception of the work. When a viewer knows he or she is seeing a volumetric, pure monochrome, he will integrate into the resulting perception an element of imagination: A mass of the same color he is sampling with his eyes.

I am hoping my volumetric paintings will change art teaching. Currently acrylic paint is taught as if it was oil based. There is at least one basic difference; utilizing the appropriate techniques, acrylic paint can be employed to build volumes.

Traducido del inglés

Mis “pinturas volumétricas” son creadas al añadir capas sobre capas de pintura acrílica con pincel y espátula. Se obtiene volumen sin otra materialidad que el pigmento acrílico y el aglutinante.

Mis piezas incluyen ejemplos representacionales y abstractos. En las pinturas representacionales (frutas, gente), no trabajo sólo con la superficie de los temas sino también de sus espacios interiores.

Las abstracciones geométricas son a menudo monocromos pintados con el mismo color de principio a fin. La comprensión de todo el color que no vemos completa la visión perceptual de la obra. Cuando un espectador sabe que él o ella está viendo un monocromo puro y volumétrico, integrará a la percepción final un elemento de la imaginación: una masa del mismo color que está siendo percibido con sus ojos.

Espero que mis pinturas volumétricas cambien la manera en la que se enseña el arte. Hoy en día se enseña a pintar con acrílico como si fuese óleo. Existe por lo menos una diferencia; utilizando técnicas adecuadas, la pintura acrílica puede ser utilizada para crear volúmenes.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 1958-1965: Profesor en Letras (Master equivalent), Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires. Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 1972 & 1973: Universidad de Buenos Aires, Argentina.
• Pollock-Krasner Foundation, USA.

Solo Exhibitions

• 2004: “La Lección de Anatomía”, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 2003: “El Salto de la Imaginación”, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, Argentina.
• 2002: “The Biology of Painting”, The Artist Network, NYC, USA.
• 2001: “Eduardo Costa: The Geometric Works”, Cecilia de Torres Gallery, NYC, USA.
• 1998: “La Pintura Dura, Pura”, ICI, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “Fussiform Gyrus”, Lisson Gallery, London, UK.
• 2012-2013: “Pop, realismo y Politica”, PROA, Buenos Aires, Argentina; GAMEC, Bergamo, Italia; MAM Rio de Janeiro, Brazil.
• 2011: “Ver Sacrum. The Death of the Audience”, Vienna Secession, Vienna.
• 2009: “7º bienal do Mercosul: Grito e Escuta”, Porto Alegre, Brazil.
• 2009: “An (Unrully) History of the Readymade”, Jumex Foundation, Mexico City, Mexico.

Publications

• Ver Sacrum: The Death of the Audience, Vienna Secession and CAC Brétigny, Pierre, Bal-blanc, 2011.
• Deborah Cullen, A Part and Apart: Contextualising Asco, in Asco, Elite of the Obscure, Hatje Cantz, with LACMA and Williams College.
• Miguel A. Lopez, How Do We Know What Latin American Conceptualism Looks Like? Afterall magazine, Nº 23, 2010.
• William Oliver, The Death of the Audience, The Art Newspaper, 9/09.
• Brigitte Huck, The Death of the Audience, Art Forum, 10/09.

Collections

• MOMA, NY, USA.
• Metropolitan Museum of Art, NY, USA.
• Museum de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil
• Museo de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
• Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
• Coleccion Jumex, Mexico City, Mexico.
• Colección Banco Mercantil, Caracas, Venezuela / New York, USA.
• Colección Patricia Cisneros, Caracas, Venezuela / New York, USA.
• Colección Sayago & Pardon, California, USA.
• Bernard Chappard, Caracas, Venezuela.

• Artists

Translated from Spanish

I work within the framework of geometric abstraction traditions, in correlation with the contemporary world. I research the net of relationships established between painting and spatial context, so that the installation becomes part of the work and each project becomes inseparable from the specific space in which is inserted. On one hand, I resort to working in series, which prevents that the gaze converges to a fixed point in front of the multiplicity of canvases. On the other hand, I work systematically with lines, which produce a continuity effect and expand the pictorial surface.

Trabajo en el marco de la tradición de la abstracción geométrica, en resonancia con el mundo contemporáneo. Investigo la red de relaciones que se establece entre la pintura y el contexto espacial, de modo que el montaje se vuelve una parte de la obra y cada proyecto se vuelve inseparable del espacio específico en que se inserta. Por un lado, recurro a las series, que impiden que la mirada converja hacia un punto fijo frente a la multiplicidad de bastidores. Por otra parte, trabajo sistemáticamente con líneas, que producen ante la mirada un efecto de continuidad y una expansión de la superficie pictórica.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2006-2007: Instituto Universitario Nacional de Arte, Licenciada en Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina.
• 1977-1981: Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, Profesora Nacional de Pintura, Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2014: 2° Premio en 9° Concurso Nacional UADE de Pintura, UADE, Buenos Aires, Argentina.
• 2014: 2° Premio en 3°Bienal de Artes visuales Areatec, Areatec, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: 4º Premio Estímulo “Asociación amigos del museo”, 3ª Bienal Nacional de Pintura de Rafaela, Provincia de Santa Fe, Argentina.
• 2007: Residencia de artista, Château Blacons, Mirabel et Blacons, France.
• 2007: Mención especial, 2ª Bienal de Pintura de Rafaela, Provincia de Santa Fe, Argentina.
• 2005: Residencia de artista, Sitio Gingko, Troyes, France.

Solo Exhibitions

• 2014: “Geometría extendida“, RO Galería de Arte, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “Quieto vaivén”, Alianza Francesa de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Geometría orgánica”, Galería 1/1 caja de arte, with Daniel van de Velde (1964, France), Buenos Aires, Argentina.
• 2007: Exposición en colaboración con Daniel van de Velde como culminación de residencia de artista, Galería L’arbre de vie, Mirabel et Blacons, France.
• 2006: “Visiblement”, exposición en colaboración barreda/devande, Galería Le Garage, Lorgues, France.
• 2005: Exposición como culminación de residencia de artista, Galería Eric Dumont, Troyes, France.

Group Exhibitions

• 2014: “LIX Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano”, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
• 2014: “103° Salón Nacional de Artes visuales, Pintura”, Palacio Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “XVII Premio Federico Jorge Klemm a las Artes Visuales”, Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “LVIII Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano”, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “Geometría al límite“, Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “Geometría: desvíos y desmesuras”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: “8° Concurso Nacional UADE de Pintura”, Buenos Aires, Argentina.
• 2013: Feria de arte Eggo, stand Galería RO, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “LVII Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano”, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Bienal de Artes Visuales Areatec”, Buenos Aires, Argentina.

Collections

• Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
• Sayago & Pardon, CA, USA.
• Areatec, Buenos Aires, Argentina.
• Private collections in France and Argentina.

Links

• Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires
• Espacio de Arte Fundación OSDE
• Alianza Francesa

• Artists

My work revisits the historical trajectory developed by the great utopias and ideologies of the 20^th century and how they transformed in the fears, skepticism and the “no future” of contemporary life. I am interested in history, sociology and architecture. I consider important in my work the exploration of the notion of ideologies and politics about phenomena rooted in the aesthetic. I work with monuments and projects that embody a certain view of the world and power plays; the tension between what could have been and isn’t. There is a melancholy for the ideal of a just society, an idea of nation that was repeatedly ill-fated. Because of this, I don’t want to transform my research about architecture or social phenomena into formulaic conceptual projects nor in illustrations of ideas, but my aim is to use them as a fertilizer to develop poetics.

Mi trabajo revisita el recorrido histórico desarrollado por las grandes utopías e ideologías del siglo XX y como se transformaron en los miedos, el escepticismo y el “no futuro” de la vida contemporánea.
Me interesa la historia, la sociología, la arquitectura. Considero muy importante en mi obra explorar la noción de ideologías y políticas en cuanto fenómenos enraizados en lo estético, trabajo con monumentos y proyectos que encarnan una cierta visión del mundo y de los juegos de poder, la tensión entre lo que pudo ser y lo que no fue. Hay una añoranza por ese ideal de sociedad justa, una idea de país luego reiteradamente malograda.
 No quiero por ello transformar mis investigaciones acerca de la arquitectura o fenómenos sociales en proyectos conceptuales de receta ni en una ilustración de ideas, sino usarlos como fertilizante para desarrollar una poética.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2004: Clínica de obra, Taller Pablo Siquier.
• 2001: Tecnicatura en fotografía, Escuela Superior Artes Visuales Martín A. Malharro.
• 1996: Realizador en artes Visuales., Escuela Suprior Artes Visuales Martín A. Malharro.

Prizes / Fellowships

• 2012: 2do Premio, Bienal de pintura Banco Nación, Casa del Bicentenario.
• 2012: 1ra Mención Salón Nacional de Rosario, Museo Juan B. Castagnino, Rosario, Argentina.
• 2006: Mención Especial del jurado, Premio Estímulo Banco Provincia de Buenos Aires, Argentina.
• 2002/03: Beca Fundación Antorchas, MAC, Bahía Blanca, Argentina.
• 2000: Primer Premio, Premio Telecom, Buenos Aires, Argentina.
• 2000: Beca Fundación Antorchas, MUMBAT, Tandil.

Solo Exhibitions

• 2012: “La mirada Perdida”, Centro Cultural Ricardo Rojas, UBA, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Cuando las cosas se convierten en kilos”, Nora Fisch, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “31512”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “Cordialidad y otras formas de confort“, Nora Fisch, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Appetite for destruction”, Galeria Appetite, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “Los limites de la niebla”, Sala Rivadavia, Diputación de Cadiz, Spain.
• 2006: “Dios opera en forma misteriosa”, Casa 13, Córdoba, Argentina.
• 2005: “Nervioso”, Galería Alberto Sendros, Buenos Aires, Argentina.
• 2005: “Vandalismo”, Balthar contemporáneo, Mar del Plata, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “Roberto Aizemberg, Trasendencia y Desendencia”, Museo Fortabat, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Ultimas Tendencias 2”, Museo Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Sobre el espacio y sus continuidades”, Fondo Nacional de la Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Abre Alas”, Galeria A gentil Carioca, Brazil.
• 2011: “Campo de Asociaciones, Dialogos y siléncios entre prácticas de dibujo”, MAAC, Ecuador.
• 2010: “Adquisiciones y Donaciones”, Colección de Arte Contemporáneo de Cadiz, Spain.
• 2010: Premio Klemm”, Fundacion Federico Klemm, Buenos Aires, Argentina.
• 2008: “El fulgor”, Galería Blanca Soto, Madrid, Spain.
• 2007: “Rancho”, Museo de arte contemporáneo de Bahia Blanca, Argentina.
• 2006: “Tautología”, Galería Jacob Karpio, Costa Rica.

Publications

• 2012: “Trozos de Materia Inacabada”, Daniel Molina, Diario Perfil.
• 2012: “Ultimas Tendencias 2”, Museo de Arte moderno de Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Rooms”, Art magazine, London.
• 2011: “Poeticas Contemporaneas”, Itinerarios en las artes visuales en la Argentina de los 90 al Fondo Nacional de las Artes, Argentina.
• 2010: “Utopias y distopías en acuarela”, Revista D MAG, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “La Pintura como Oficio”, Maximo Jacoby, Diario Crítica.
• 2008: “Revista Fake para el Musac en Frieze Art Fair”, Tolo Catello, London.
• 2008: “los limites de la Niebla”, Laura Revuelta, Spain.
• 2008: “Ramona 80”, Revista Ramona.
• 2006: “Tautología, Jhon Nadador”, Ancora Suplemento de Cultura Diario La Nación, Costa Rica.

Links

• www.lazycobra.net/?p=2783
• www.superalegria.blogspot.com

• Artists

Translated from Spanish

A superimposition of seemingly ordered geometric layers is tensed, breaking its logic and generating a succession of unpredictable patterns, producing the combination of a rational and systematic work with another one that is freer. Thread, pencil and ink are headed towards a more lyrical abstraction, closer to an organic growth. Nets that form a great cartographic weave, multiply, so it can repeat itself infinitely—spaces of accumulation and emptiness. Macro and micro cosmos. This body of work is the result of an extremely repetitive mechanism generated by a single gesture; the same compulsive action of creating weaves.

Una superposición de capas geométricas  en aparente orden  se tensiona, quiebra su lógica, generando una sucesión de patrones imprevisibles. Dando lugar a la combinación de un trabajo sistemático racional con otro más libre. El hilo, el lápiz y la tinta se encaminan hacia una abstracción más lírica, y cercana a un crecimiento orgánico. Proliferan redes que conforman una gran trama cartográfica que podría repetirse al  infinito.  Espacios de acumulación y vacío.  Macro y microcosmos.   Esta familia de obras es consecuencia de  un trabajo sumamente repetitivo generado por un mismo gesto, la misma acción compulsiva a crear tramas.

Selected Biographical Information

Education / Training

• 2015: Taller de posgrado “Entrenamiento sistemático de dibujo” a cargo de Eduardo Stupía, Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires, Argentina.
• Profesora Nacional de Pintura, Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, Argentina.
• Facultad de Filosofía y Letras, UBA, cursó materias de la carrera de Licenciatura en Artes Plásticas, Buenos Aires, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2015: “Vida primaria”, RO Galería de Arte, Buenos Aires, Argentina.
• 2007: “Dibujos”, Galería Crimson, Bs. As.
• 2002: “Mapas”, Casona de los Olivera, Bs. As.

Group Exhibitions

• 2013: Arte BA, Bisagra Galería de Arte Contemporáneo, Bs. As.
• 2012: “Bakalarz/Amatista”, Bisagra Galería de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Seleccionada XVI Premio Federico Jorge Klemm a las Artes Visuales 2012”, Fundación F. J Klemm, Bs. As.
• 2011: “About Change”, The World Bank, Washington D.C, EE. UU. Curators: Marina Galvani y Valeria González.
• 2010: “Participó como curadora y artista de la exposición colectiva Geometrías 2”, RO Galería de Arte, Bs. As.
• 2008: “Intercambios, programa de análisis de obra y discusión de proyectos artísticos”, Galería Arte x Arte, Bs. As. Curators: Valeria González, Patricia Hakim.
• 2008: Seleccionada Salón Nacional de Arte Textil 2008, 97° Edición, Palais de Glace, Bs. As.
• 2004: “Z-lab, (una selección una exposición en proceso)”, Galería Zavaleta Lab/Arte contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.

Collections

• Private collections in Buenos Aires, Argentina.
• Private collection in Washington DC, Estados Unidos.

Additional Links

• Bola de Nieve
• Clarin
• ICBC Fundación

• Artists

About the Artist

I see and think of colors as magnets that go through space. When two shapes attract each other they connect together visually. In the same way, the viewer’s perception is impregnated of this quality when looking. We look at what attracts us, to where we feel attracted to. Magnético (Magnetic) is a project that relates color to magnetism, and proposes a parallel reading of both concepts. Its aim is to show magnetic quality as a reality of space, color, and form.

I like to think that what exists in the nature of a color combination could be similar to what happens with the nature of human temper. In this sense, I can imagine colors with name and last name and people of diverse colors. In the same way, I imagine magnetic fields that expand our energy towards that of others whom interact getting closer or moving away from each other. A color is shown; it can be named and thought of through the chromatic predominance present in the configuration of its mixture. The specificity of this proportion, in the form and space which contains it, result in a color being what it is. Its location in a specific environment generates a unique situation. Each color module establishes a relationship determined by the affinity or rejection with others, and by going through this magnetic relationship, they will come out of this experience being different from what they were. It happens with colors, and people as well.

To dialogue with the context is the seed of my system of production, and it situates my experiences in a place of reflection that I combine with my two-dimensional production. Magnético is a methodological system of production comprised by magnets and based in simple geometric forms painted in metallic two-layer enamel colors used for car painting, which display their mode of operation in the specificity of the exhibition or public space, from their inherent qualities, moving forward on the wall and the tridimensional space, and becoming part of the work. This system incorporates aluminum as one of the basic colors of its palette.

—

Pienso y veo los colores como imanes que atraviesan el espacio. Cuando dos formas se atraen, se unen visualmente. Del mismo modo, la percepción del espectador está impregnada de esta cualidad al mirar. Uno mira lo que lo atrae, hacia donde se siente atraído. Magnético es un proyecto que relaciona color con magnetismo, proponiendo una lectura paralela de los dos conceptos. Tiene como objetivo mostrar la cualidad de lo magnético como realidad del espacio, el color y la forma.

Me gusta pensar que lo que hay en la naturaleza de la mezcla de un color podría ser similar a lo que sucede con la naturaleza del temperamento humano. En este sentido podría imaginar colores con nombre y apellido y personas de diversos colores, del mismo modo, imagino campos magnéticos que expanden nuestra energía hacia la de los demás y que interactúan acercándose o alejándose. Un color se muestra, puede ser nombrado y pensado por el predominio cromático presente en la conformación de su mezcla. La especificidad de esta proporción, de la forma que lo contiene y del espacio que le da albergue, hace que ese color sea lo que es. Su ubicación en un entorno determinado genera una situación única. Cada módulo de color establece una relación determinada por la afinidad o rechazo con los demás y atravesados por esa mutua relación magnética, saldrán de esta experiencia siendo otros diferentes a los que eran. Sucede entre los colores, así como sucede entre las personas.

Dialogar con el contexto es germen en mi sistema de trabajo y coloca mis experiencias  en un lugar de reflexión, que mezclo con mi producción bidimensional. Magnético es un sistema metodológico de trabajo compuesto por imanes y basado en formas geométricas simples, pintadas con colores metalizados bicapa para autos, que despliegan su dinámica de funcionamiento en el espacio específico de la sala  y/o del espacio público, desde sus inherentes cualidades, avanzando sobre el muro y el espacio tridimensional, constituyéndose así en parte de la obra. Este sistema incorpora al aluminio como uno de los colores básicos de su paleta.

Selected Biographical Information

Education / Training

• Licenciada en Artes Visuales, Instituto Universitario Nacional del Arte, Departamento de Artes Visuales Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, Argentina. Año de egreso 2003.
• Profesora Nacional de Escultura. Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon. Buenos Aires, Argentina. Año de egreso 1991.
• 2011: Investigadora en Artes Visuales de CONEAU (Comision Nacional de Evaluacion y Acreditacion Universitaria). Categoria III. Buenos Aires, Argentina.  Directora de Proyectos de Investigación en Artes Visuales.
• 2008: Fundacion Telefonica. Seleccionada para participar de Interactivos.
• 2008.  Arte y Tecnología. Proyectos de arte interactivo. Duración un año. Coordinación: Rodrigo Alonso, Mariano Sardón.
• 2002, 2003 y 2004: Seminarios de Posgrado, Forma y Color I, II, III. Prof. Juan Astica, Instituto Universitario Nacional del Arte. Buenos Aires, Argentina.
• 2004: Libro de Artista. Prof. Juan Carlos Romero, Instituto Universitario Nacional del Arte. Buenos Aires, Argentina.

Prizes / Fellowships

• 2013: Gran Premio de Honor. Escultura. Salon Nacional de Artes Visuales. Secretaria de Cultura, Presidencia de la Nacion. Buenos Aires, Argentina.
• 2012: Primer Premio Salon Nacional de Artes Visuales. Escultura. Secretaria de Cultura de Presidencia de la Nacion. Buenos Aires, Argentina.
• 2011: Segundo Premio Honorable Legislatura de Tucuman, XL Salon Provincial de Pintura de Tucuman. Museo Timoteo Navarro. Tucuman, Argentina.
• 2009: Convocatoria para Participación en eventos internacionales. Secretaría de Politicas Universitarias. Ministerio de Educacion. Instituto Universitario Nacional del Arte. Departamento de Artes Visuales Prilidiano Pueyrredón. Buenos Aires, Argentina. Otorgamiento de beca por un pasaje aéreo a la ciudad de Hamburgo y vuelta a Buenos Aires para la realización del proyecto “Lux et Lumen” en el barco Ms Bleichen.
• 2008: Primer Premio Escultura Salón Manuel Belgrano, Museo Sívori, Gobierno  Autónomo de la Ciudad de Buenos Aires. Buenos Aires, Argentina.
• 2005: Fondo de Cultura BA junto al Grupo Periferia. Gobierno Autónomo de la Ciudad de Buenos Aires. Otorgamiento de beca para realización de proyección “Memoria” realizada en muros del Cabildo el 24 de mayo de 2005. Buenos Aires, Argentina.
• 1993: Premio Aldo Paparella. Mención de honor. Fondo Nacional de las Artes. Buenos Aires, Argentina.

Solo Exhibitions

• 2013: “Magnetico”, Curator: Philippe Cyroulnik, Sala C del Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
• 2009: “Proyecto Lux et Lumen”, bodega del barco Ms Bleichen, Hafenmuseum, Hamburgo, Germany.
• 2007: “Múltiples magnéticos”, Galería Vasari, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

• 2013: “Geometria: Desvios y desmesuras”, Curator: Danielle Perret, Fundacion Osde, Buenos Aires, Argentina.
• 2012: “Geométicos Hoy. Caminos en Expansión”, Colección MACBA, Muestra itinerante por Uade Art. Museo Caraffa de Cordoba, Centro Cultural del Bicentenario de Santiago del Estero, Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén, Museo Provincial de Bellas Artes de Salta, Argentina.
• 2012: “101 Salon Nacional de Artes Visuales”, Secretaria de Cultura, Presidencia de la Nacion, Buenos Aires, Argentina.
• 2011: “Punto, línea, curva”, Cutador: Philippe Cyroulnik, Centro Cultural Borges Contemporaneo and Galeria Vasari, Buenos Aires, Argentina.
• 2010: “El Espacio en Cuestión”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
• 2009 y 2010: “III y IV Premio Nacional de Pintura Banco Central”, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
• 2009 y 2012:  “Premio a las Artes Visuales Federico Klemm”, Fundación Federico Klemm, Buenos Aires, Argentina
• 2008: “Kreuzwege, Intervenciones en el espacio público”, Hamburgo, Germany.
• 2007: “Vogelfrei 7”, Wintergarten, Kunstentdeckungen in Privatgärten, Darmstadt, Germany.
• 2005  y 2004: “Estudio Abierto Apostadero Naval”, Estudio Abierto Palacio Barolo, Curator: Ana Maria Battistozzi, Buenos Aires, Argentina.

Publications

• 2013:  “El magnetismo y sus metáforas”. Eduardo Villar. Diario Clarin, 28/3/13.
• 2013: “Magnetico”, por Philippe Cyroulnik, marzo de 2013. Catalogo.
• 2013: “Excelentes muestras de Zech y Toto Blake en Recoleta”, Diario Ambito Financiero. 11/3/13.
• 2013: “Geometria: Desvios y desmesuras” Danielle Perret. Catalogo. 2/5/2013.
• 2013: “El arte de calibrar la materia” Daniel Molina. Revista Perfil. 8/6/2013.
• 2012: “Geometricos hoy: Caminos en Expansion” Renata Cervetto. Catalogo de la muestra.
• 2010: “Los artistas y sus obras, en el espacio”. Fabian Lebenglik, Diario Pagina 12. 30/11/2010.
• 2010: “Bajo la lupa”, Bengt Oldenburg. Diario La Nacion, ADN Cultura. 17/12/2010.
• 2010: “Alto nivel de excelencia en espacio-gravitacion-color”, Laura Feinsilber, Diario Ambito Financiero. 26/11/2010.
• 2010: “El espacio de lo contemporáneo”, Mercedes Perez Bergliaffa. Diario Clarin, Revista Ñ . 15-12-2010.
• 2009:  “Donde domina la escultura”, artículo escrito por Mercedes Bergliaffa, Diario Clarín, revista Ñ, 28/3/2009.
• 2007: Texto presentación muestra “Múltiples magnéticos” por Ana María Battistozzi Libro “Estudio Abierto. Experiencias de Arte y Cultura Contemporánea en Buenos Aires” Ana María Batistozzi, Marcelo Grosman. 171 páginas. Editorial Gobierno Autónomo de la Ciudad de Buenos Aires. “Abstracción geométrica en la Argentina. Panorama desde 1915 hasta hoy”. Revista Barzón, artículo escrito por Mercedes Casanegra, “La ciudad premia a sus artistas” artículo escrito por Laura Casanovas. La Nación, suplemento Cultura.

Collections

• Secretaria de Cultura Presidencia de la Nacion Argentina.
• Museo de Bellas Artes de Santa Fé, Santa Fe, Argentina.
• Museo Timoteo Navarro de Tucuman, Tucuman, Argentina.
• Museo de Bellas Artes de La Plata, Buenos Aires, Argentina.
• Museo de Arte Contemporaneo de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
• Museo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
• Municipalidad de Vicente López, Buenos Aires, Argentina.
• Private collections in Argentina and Chile.

• Artists