Abstraction in Action Sigfredo Chacón: Pinturasparadaltónicos https://abstractioninaction.com/happenings/sigfredo-chacon-pinturasparadaltonicos/

Sigfredo Chancon

Artist: Sigfredo Chacón

Pinturasparadaltónicos
July 17, 2016 – September 18, 2016
Trasnocho Cultural
Caracas, Venezuela

La exposición Pinturasparadaltónicos del artista venezolano Sigfredo Chacón (Caracas, 1950), presenta una selección de obras sobre tela y papel realizadas entre 2011 y 2016, donde el autor propone un alfabeto cromático diferente al que se maneja convencionalmente, basado en la percepción de sus dos hijos daltónicos. Aquí, como en parte de su obra precedente, establece un contrapunto entre lo visual y lo textual, poniendo al descubierto la no coincidencia entre el color estándar y sus equivalentes daltonianos.

August 15, 2016 Jesús Matheus: Neoglifos https://abstractioninaction.com/happenings/jesus-matheus-neoglifos/

•Invitación Leufert3

Artist: Jesús Matheus

Neoglifos
November 1, 2015
Beatriz Gil Galería
Las Mercedes, Caracas, Venezuela

Solo show by artist Jesús Matheus

 

November 20, 2015 Alexander Apóstol, Carla Arocha & Stephane Schraenen: BIG https://abstractioninaction.com/happenings/carla-arocha-stephane-schraenen-big/

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Artists: Carla Arocha & Stephane Schraenen, Alexander Apóstol, Miguel Braceli, Alberto Cavalieri, Arturo Herrera, Suwon Lee, Victor Lucena, Alfredo Ramírez.

BIG
September 27 – December 20, 2015
Espacio Monitor
Caracas, Venezuela

Ocho piezas de gran formato componen la muestra que está tejida por lo efímero y las imposibilidades. Alexander Apóstol, Carla Arocha-Stéphane Schraenen, Miguel Braceli, Alberto Cavalieri, Arturo Herrera, Suwon Lee, Víctor Lucena y Alfredo Ramírez son los nueve creadores –cuatro de ellos no residen en el país– que dan forma a la muestra que cuenta con la curaduría de Miguel Miguel.

La exposición abre con una pieza de Ramírez, quien continúa trabajando sobre el cuerpo humano. Esta vez el artista presenta Tercero excluido, una progresión helicoidal de piezas fabricadas con una aleación de hierro y acero.

“Hacer las obras cuesta 10 veces más que antes, no solo en dinero sino en esfuerzo para conseguir los materiales. Hay que negociar en cada esquina, pero es algo que sigo haciendo con mucho placer”, indica el creador.

Entretanto, del techo de la sala cuelga una inmensa viga, anudada, presentada por Alberto Cavalieri con el título Estructural IPN-200.

“Esta obra resume varios códigos formales de mi propuesta artística, que es darle características que no corresponden a las formas ni a los materiales de los objetos que utilizo”, indicó el artista, quien piensa que en el país el arte continúa vivo a pesar de las dificultades para desarrollar las investigaciones.

Arturo Herrera creó el mural Victoria, que ocupa toda una pared. En magenta y verde establece un diálogo entre el interior de la sala y el jardín del Centro de Arte Los Galpones. En la pintura, las formas confunden su apariencia entre lo orgánico y lo abstracto.

El más joven de la muestra es Miguel Braceli, quien en esta exposición presenta Horizontes, una serie de 28 fotografías realizadas durante un performance de participación colectiva en Catamarca, Argentina, en las que una tela blanca es afectada por el viento del valle y esta, a su vez, modifica el paisaje.

“Algo que descubrí luego son las dos líneas que se van dibujando. Una que hace la tela, donde el tiempo y la velocidad cambian constantemente, y el horizonte que se ha edificado por miles de siglos en el tiempo. Esa lectura, esas dos velocidades, esos cambios y el contraste entre lo efímero y lo estático, y cómo ambas son productos de la naturaleza”, aseguró Braceli.

Para Miguel Miguel, el curador de la muestra, BIG tiene carácter museístico: “Tenemos el deber de contribuir. Nunca una galería sustituirá a un museo, pero tenemos la responsabilidad y el compromiso con el arte venezolano”.

La muestra se completa con Marauder, una pieza elaborada por Carla Arocha y Stéphane Schraenen; What I’m Looking For de Alexander Apóstol; la serie fotográfica Caracas crepuscular de Suwon Lee y Space Shock Dimension TAU (09) de Víctor Lucena.

Karla Franceschi C.

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November 10, 2015 Vicente Antonorsi https://abstractioninaction.com/artists/vicente-antonorsi/

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September 14, 2015 Lucía Pizzani https://abstractioninaction.com/artists/lucia-pizzani/

My work revolves around issues of gender, the body, and a lifelong interest in nature. This combination also draws from my various studies in Visual Communication, Conservation Biology and Fine Arts. In recent years I have been developing a visual approach that uses photography, performance, installation, sculpture and video. Through these processes I tackle issues that concerned the Surrealists and the body art of the seventies, while maintaining a contemporary approach through my research-based practice. I seek stories that often come from literary and artistic references in significant periods both in Europe and South America. Ultimately I mix a wide range of aesthetics, cultures and historical figures in my work.

 
Traducido del inglés

Mi trabajo gira en torno a las cuestiones de género, el cuerpo, y un interés de por vida hacia la naturaleza. Esta combinación se basa también en mis diversos estudios en Comunicación Visual, Biología de la Conservación y Bellas Artes. En los últimos años, he desarrollado un enfoque visual a través de la fotografía, performance, instalación, escultura y video. A través de estos procesos, abordo cuestiones que preocupaban a los Surrealistas y al arte del cuerpo en los años setenta, manteniendo un enfoque contemporáneo a través de mi práctica basada en la investigación. Busco historias que a menudo provienen de referencias literarias y artísticas en períodos significativos tanto en Europa y América del Sur. En última instancia, mezclo en mi trabajo una amplia gama de la estética, las culturas y figuras históricas.

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August 28, 2015 Isabel Cisneros https://abstractioninaction.com/artists/isabel-cisneros/
Translated from Spanish

As an artist, I develop my work through an investigation of the histories and decorative elements of textiles and through the meticulous techniques of sewing, knitting, weaving, threading, and knot making. Thus I pay tribute to cultural contributions made by women and to the feminine esthetic.

Through the flexibility of my works I want to express life, the interconnection of beings and their adaptation to the environment. I achieve this flexibility through the interweaving of hundreds of small pieces in which the contrasts of rigidity-opacity and elasticity-translucency commingle.

My pieces are accumulations built to achieve the maximum possible size or density with the least amount of material. I work with small, serial units: clay forms, scales, seeds, and industrial objects like buttons, bolts, hoses, and cloth.

The final result is similar to a rug or carpet. Due to its flexibility, I can exhibit it in many different ways. For me it is important that the spectator can and will manipulate it and play with it freely to create an infinity of forms.

While my works are conceived as abstract objects derived from mathematical and geometrical calculations, the final result (texture, irregularity of the manual weaving and weight) evokes living beings in repose.

 

Como artista, investigo y centro mi trabajo en una constante revisión de las tramas y los elementos decorativos de los textiles y las meticulosas técnicas de cosido, bordado, tejido, ensartado y anudado. Es un tributo y reconocimiento al aporte cultural y estético femenino.

A través de la flexibilidad de mis obras quiero expresar la vida, las interconexiones de los seres y la adaptación al medio ambiente. Esta flexibilidad se logra mediante el entretejido de cientos de pequeñas piezas en las que conviven los contrastes de rigidez-opacidad y elasticidad-translucidez.

Mis piezas son acumulaciones estructuradas por el principio de lograr el mayor tamaño o densidad posible con la menor cantidad de material. Trabajo con pequeñas unidades seriadas: modelados en arcilla, escamas, semillas, y objetos industriales como botones, tuercas, mangueras y tela.

El resultado final es similar a un tapiz o alfombra. Su condición maleable me permite exhibirlo de diversas maneras. Para mí es importante que el espectador quiera y pueda manipularlo, jugar con él libremente y crear infinidad de formas.

Si bien mis piezas están concebidas como objetos abstractos y parten de cálculos matemáticos y geométricos, su resultado final (textura, irregularidad del tejido manual y peso) evoca a seres vivos en reposo.

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August 12, 2015 Iván Amaya https://abstractioninaction.com/artists/ivan-amaya/
Translated from Spanish

Cities of Above is a personal investigative project that I have been developing since 2002. It addresses the urban esthetic of the city of Caracas, especially the unplanned urbanism of the marginal zones, commonly called “barrios” or “cerros de ranchos.”

The investigation develops through a contemplation of the arts, in which examples of previous artists who have approached the theme of the city with passion—in different places and times—guides an examination of “el rancho” as an aesthetic form.

It consists of demonstrating the plasticity of the materials and how they are used, situated and available for the construction of a house of the barrio. In addition, it speaks of the created object (the house), as a center of interest, which at the same time is approached through an active subject (its creator), who marks its action with an affective charge (love) for the achieved goal (the house).

In the end, we will observe the spacial relations between those who dwell in the house, the family and the multifunctional use that they assign to the inhabited space, where inside and outside meet their needs, and the limits of the habitat change constantly… they reinvent themselves.

For me this investigation is important because it brings to light a unique social aesthetic. It also involves art in a debate and discussion of new aspects of human vision in this century, understanding these aesthetics not only as a problem of judging the values of beauty or fidelity, but also as an ethical dilema. Despite the great differences between the societies of today and those of the past, many of the concepts and perspectives of the old realities persist with resistance.

It questions and confronts referencial patterns of values and aesthetics that appear in the cities of above, with the aim of analyzing the beauty as a totality and not fragmented, as we usually perceive it.

 

Ciudades de Arriba es un proyecto personal investigativo que vengo desarrollando desde el año 2002, el mismo aborda la estética urbana de la ciudad de Caracas, y en especial el urbanismo no planificado de las zonas marginadas, llamada comúnmente barrios o cerros de ranchos.

La investigación se desarrolla con una mirada contemplativa desde las artes, utilizando para ello antecedentes previos, de artistas que han abordado el tema de la ciudad con pasión, en distintas épocas, lugares y tiempos, para ello se emprende la tarea de indagar “el rancho” como elemento estético.

Consiste en mostrar la plasticidad de los materiales y como los mismos son utilizados, colocados y dispuestos para la construcción de la casa del barrio, además, se habla del objeto creado (la casa), como centro de interés, del mismo modo se abordará al sujeto activo (su creador), el cual le imprime a su acción, una carga afectiva de amor por la meta lograda (la casa).

Por último, veremos la relación espacial que se da entre los que habitan la casa, la familia y el uso multifuncional que le asignan al espacio habitado, donde el adentro y el afuera se adecuan a sus necesidades y los límites del hábitat cambian constantemente… se reinventan.

Para mi es importante esta investigación porque aporta al conocimiento antecedentes de una estética social particular, e introduce el arte al debate y discusión de nuevos elementos sobre la mirada del hombre de este siglo, entendiendo el hecho estético no sólo como un problema de juicios valorativos de belleza o fealdad, sino como un dilema ético, y a pesar de las enormes diferencias entre la sociedad de hoy y las de ayer, persisten con resistencia muchos de los conceptos y perspectivas de las viejas realidades.

Se indaga y confronta los patrones de referencia de los valores y estética que se presentan en las ciudades de arriba, con la finalidad de analizar a la belleza como un todo y no fragmentada como usualmente la percibimos.

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May 19, 2015 Rafael Reveron-Pojan https://abstractioninaction.com/artists/rafael-reveron-pojan/
Translated from Spanish

Some notes about the politics in my work, called “automatic architectures…”

Join together, get shelter, protection, appropriation. Appropriation of the space, creation of place, object.

Attachment.

To demolish,

To build…

“All build-up is refuge against danger.”

Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973

To a large extent, my work lies beneath like an architecture, as a strategy of ideological appropriation of space, the conquest of place, of the object, of the contained body… Do not think, do not live, do not feel… Let me build you, win that battle of “abitare,” I build you and think you, I appropriate you, live in you, in your space, in that space in between which surrounds you, that makes you, that molds you, configures you, and figures you.

The “Empty Box” becomes imposed in its abstraction, its economy knows no rival, and its synthesis is undefeated. That subdivided, fragmented, quadratic, cubic, universal, reproducible, “built-up” space. Optimal, minimal.

The ultimate ending: winning

territory,

defeat the

weak.

Totalitarianism of the majority; nothing and no one can win the battle over this cubic formula…

Place,

Home.

My “automatic architectures,” are conceived as models of “creation and destruction.” Their origin is tangentially dominated by patterns, actions around the notion of “appropriation.” To make myself one with space, place, and object, through a predetermined and preconceived model. An ideological, formal structure that models actions. To think of void as a structural content, is that border between collapse and equilibrium of content and container… Lines that intersect, supremacy battles between horizontality and verticality of space, of the object and its drifts. The imminence of matter to be transformed into an object, regroup and reconcile as a new form. To join spaces… imposing the plural to the singular, to the individual… Making the indivisible visible. To join as defense, not as addition. Build up to distract, to sublimate, to delete, eliminate, destroy.

Lines draw themselves in a describing without writing. As with the spiral, the constructive space is an internal ideology; its limit emerges on every layer, from intimacy.

To build and destroy. Collapsing is not an improper accident of the structure, but an inevitable stage of existence itself. Collapse, implosion, deflation… Strategies in the poetics of the terminal. To build and destroy. Modernist therapy of an infinitely delayed agony. Running an incomplete defeat.

Matter is raw, quotidian, on the verge, cyclical, re-oriented, re-conceived, resented, re-lived… Every skin suggests its needlework, its stitches… in its reusing, a corner disappears; it’s filed down, making its own way, its exile. To sew and undo… String together and undo, and gain aerial space, the dream of “flying,” of the suspended, the pending. Always an imminent departure, or loss. Stringing together without completing the fabric… Weaving looms without instructions. Too many complications for the pre-functions. Improvisation of survival, of error, of the everyday, of the doing without thinking, of being without being, without permanence.

Today, the promised paradise… Looks more like hell.

I do not see, I do not speak, I do not listen, I do not feel…

I do not exist.

I only

Exist

For

The

Promised

“Paradise.”

 

Algunas notas sobre las políticas asumidas por mi trabajo en las llamadas “arquitecturas automáticas”…

Aglomerar, refugiarse, protegerse, apropiarse. Apropiación del espacio, creación del lugar, objeto.

Apego.

Demoler,

construir…

“Toda aglomeración es un refugio contra un peligro”.

Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973

En gran medida mi obra subyace como una arquitectura, como una estrategia de apropiación ideológica del espacio, la conquista del lugar, del objeto, del cuerpo contenido… No pienses, no vivas, no sientas… Déjame construirte, ganarte esa batalla del “abitare”, yo te construyo y te pienso, me apropio de ti, vivo en ti, en tu espacio, en ese intersticio que te bordea, que te hace, te moldea, te configura, te figura.

La “Caja vacía” se impone, en su abstracción, su economía no tiene adversarios, su síntesis esta invicta. Ese espacio subdividido, fragmentado, “cuadrático”, cúbico, universal, reproducible, “aglo-merable”. Optimo, mínimo.

El fin supremo: ganar

territorio,

vencer al

débil.

Totalitarismo de las mayorías, nadie, ni nada, puede ganarle la batalla a esta fórmula cúbica…

Lugar,

hogar.

Mis “arquitecturas automáticas”, se piensan como modelos del “crear y destruir”, su génesis viene dominada tangencialmente por patrones, acciones en torno a la noción de “apropiación”. Hacerme con el espacio, el lugar, el objeto a través de un modelo predeterminado, pre-pensado. Una estructura ideológica, formal, que modela las acciones. Pensar en el vacío como contenido estructural, es ese filo entre el colapso y el equilibrio del contenido y el contenedor… Líneas que se entrecruzan, batallas de supremacías entre la horizontalidad y la verticalidad del espacio, del objeto, de sus derivas. Esa inminencia de la materia por transformarse en objeto, reagruparse y conciliar una nueva forma. Aglomerar espacios… imponiendo lo plural a lo singular, al individuo… Haciendo invisible lo indivisible. Aglomerar como defensa, no como sumatoria. Aglomerar para distraer, para sublimar, para borrar, eliminar, destruir.

Las líneas se dibujan solas, es un describir sin escribir. Como en el caracol, el espacio constructivo es una ideología interna, su límite emerge capa a capa desde la intimidad.

Construir-destruir. El colapsar no es un accidente impropio de la estructura, es una fase inevitable de la existencia misma. Colapso, implosión, deflación… Estrategias en las poéticas de lo terminal. Construir-deconstruir. Terapia modernista de una agonía retardada al infinito. Gestión de una derrota inacabada.

La materia, es cruda, cotidiana, al borde, cíclica, re-orientada, re-pensada, re-sentida, re-vivida… Cada piel sugiere su costura, su punto y cruz… en el re-usar, la esquina desaparece, se lima, se hace su propio camino, destierro. Coser y descoser… Hilar y des-hilar y ganar el espacio aéreo, el ensueño de “lo volador”, de lo sus-pendido, colgante, siempre inminente partida, perdida. Hilar sin llegar nunca a completar la tela… Telares sin instrucciones, demasiadas complejidades para las pre-funciones. Improvisación de la supervivencia, del error, del cotidiano, del hacer sin pensar, del ser sin estar, sin permanencia.

Hoy, el paraíso prometido… Parece más un infierno.

No veo, no hablo, no escucho, no siento…

No existo.

Solo

existo

para

el

“paraíso”

prometido.

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January 21, 2015 Juan Pablo Garza: Sin Título con Amarillo https://abstractioninaction.com/happenings/juan-pablo-garza-sin-titulo-con-amarillo/

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Juan Pablo Garza

Sin Título con Amarillo
February 2 – March 16, 2014
Oficina #1
Caracas, Venezuela

El domingo 2 de febrero Oficina #1 inicia su programación del 2014 con la apertura de su nueva sala de exhibiciones y las exposiciones individuales de los artistas Juan Pablo Garza y Jaime Gili.

Como parte de su compromiso con el arte contemporáneo y emergente en Venezuela, Oficina #1 suma una nueva sala de exposiciones (el Galpón G6 del Centro de Arte los Galpones) a su programa expositivo con el propósito de brindar una oferta más amplia y dinámica dentro de su trabajo de difusión y proyección de la obra de los creadores locales.

Así este próximo domingo 2 de febrero inauguran simuntáneamente en Oficina #1 las exposiciones Droits de Succession de Jaime Gili en el galpón G9 y Sin título con amarillo de Juan Pablo Garza en el G6.

Con la muestra Sin título con amarillo de Juan Pablo Garza, Oficina #1 inaugura su nueva sala de exhibiciones en el galpón G6. En ésta, la tercera exposición de Garza en Oficina #1, es posible adentrarse en el universo de elementos, conexiones y procesos que han habitado la obra del artista.

Desde una visión actualizada y personal del género de las naturalezas muertas, Garza propone un sistema de objetos y relaciones que se construye con un vasto despliegue de medios. Así, en Sin título con amarillo se desencadena un entramado de conexiones que se formalizan desde la pintura, la fotografía, la gráfica, los ensamblajes y la escultura para develar ese espacio íntimo con el que el artista ha construido su obra. En este sentido, Sin título con amarillo pudiera entenderse como un punto de encuentro entre las diversas inquietudes presentes en la corta pero abundante producción artística de Garza.

Juan Pablo Garza (Maracaibo, 1980), ha realizado las muestras individuales “Evidence multigrade Light”, Alejandra von Hartz Gallery, Miami (2012); “Them Elementals”, Goldrushfineart, Maine, USA (2012); “Reforma del ahora”, AlBorde, Maracaibo (2012); Nuevas Consecuencias, Oficina#1, Caracas (2011); Dos Series, Oficina#1, Caracas (2009); Instantáneas, Espacio PP Hotel Paseo las Mercedes, Caracas, (2009); Puesto por los Caminos, Galería de la Escuela de Fotografía Julio Vengoechea, Maracaibo, Venezuela (2005). De igual manera ha participado en diversas muestras colectivas, entre ellas, “XII Edición Premio Eugenio Mendoza”, Sala Mendoza, Caracas (2013); “Pedazos de País II”, Oficina#1, Caracas (2012); “Lugares de tránsito”, Tabacalera, Madrid, España (2012); “Papeles”, Oficina # 1, Caracas (2012); Expedientes FOTOFIA 2011, Los Secaderos, Centro Cultural La Trinidad, Caracas, Venezuela (2011); Affinity, Kulter Gallery, Holanda, Amsterdam (2011); Enemies of my enemies, OCAD University Graduate Gallery, Toronto, Canada (2011); Una vez once, Al Borde, Maracaibo, Venezuela (2011); 6to Salón Regional de Jóvenes Artistas, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maracaibo, Venezuela (2010); XIII Salón SuperCable Jóvenes con Fia, Centro Cultural Corp Banca, Caracas, Venezuela (2010); entre otras. Entre sus premios y distinciones destacan: Primer premio, 6to Salón Regional de Jóvenes Artistas, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, (2010). Primer premio, XII Salón SuperCable Jóvenes con FIA (2010).

February 5, 2014 Jaime Gili: Droits de Succession https://abstractioninaction.com/happenings/jaime-gili-droits-de-succession/

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Jaime Gili

Droits de Succession
February 2 – March 16, 2014
Oficina #1
Caracas, Venezuela

El domingo 2 de febrero Oficina #1 inicia su programación del 2014 con la apertura de su nueva sala de exhibiciones y las exposiciones individuales de los artistas Juan Pablo Garza y Jaime Gili.

Como parte de su compromiso con el arte contemporáneo y emergente en Venezuela, Oficina #1 suma una nueva sala de exposiciones (el Galpón G6 del Centro de Arte los Galpones) a su programa expositivo con el propósito de brindar una oferta más amplia y dinámica dentro de su trabajo de difusión y proyección de la obra de los creadores locales.

Así este próximo domingo 2 de febrero inauguran simuntáneamente en Oficina #1 las exposiciones Droits de Succession de Jaime Gili en el galpón G9 y Sin título con amarillo de Juan Pablo Garza en el G6.

Droits de Succession es la segunda exposición que realiza en Oficina #1 el artista venezolano residenciado en Londres Jaime Gili, en la cual se exhibe un conjunto de dibujos recientes en los que el artista realiza intervenciones directas sobre obras gráficas de artistas como Cruz Diez, Marcel Floris o Morellet. Gili establece un diálogo directo con la obra de artistas que como él pero en tiempo precedentes han avanzado en la investigación de la abstracción en la pintura.

Completa la muestra un mural, una intervención sobre una forma de Jean Arp tomada del libro “Jean Arp, Pensieri Poesie Disegni Collages”, compilado por Serio Grandini en Lugano en 1976. Esta forma que nunca pretendió salir del papel a la pared sirve de base para una propuesta sobre los vidrios de la galería con la que Gili rinde tributo a este artista, un tributo a las herencias tal y como señala el título de la muestra Droits de Succession. La muestra también cuenta con la colaboración especial del escritor venezolano Federico Vegas quien ha realizado el texto que acompaña esta exposición titulado Tres acercamientos a Jaime Gili.

Jaime Gili (Caracas, 1972), vive y trabaja desde 1996 en Londres, Inglaterra. Su obra ha sido exhibida en numerosas exposiciones individuales y colectivas así como en proyectos de arte público en diferentes ciudades del mundo. Entre sus exposiciones individuales se cuentan “The Lakes”, Riflemaker, Londres (2011); “La Toma”, Magda Bellotti, Madrid (2011); “Jaime Gili Afuera”, Periférico Caracas(2010); COMMA04, Bloomberg space, Londres (2009); “Bill at Pittier”, Kunsthalle Winterthur, Zurich (2009); “Everything is borrowed”, Alejandra von Hartz, Miami (2009); “Superestrellas”, Riflemaker, Soho Square, Londres, (2008);  “Coda”, Oficina#1, Caracas (2008); “Superstars”, Buia Gallery, Nueva York (2007); “Jaime Gili makes things triangular at Riflemaker”, Riflemaker, Londres (2006); “Las tres Calaveras”, Periférico Caracas, Espacio 0, Caracas (2006); entre otras. Recientemente ha participado en las exposiciones colectivas “Horizontal”, La Central, Bogotá (2013); “Ex-Culturas”, Periférico Caracas, Caracas (2013); “Red, White, and Blue – Pop, Punk, Politics, Place”, Chelsea Space, Londres (2012); “LA to LA”, Artcore Brewerly Annex, Los Angeles (2012); “We are Gramar”, Pratt Manhattan Gallery, Nueva York (2011); “Friendship of the peoples”, Simon Oldfield Gallery, Londres (2011); “Demons Yarns and Tales”, James Cohan Gallery, Nueva York (2010); “The constructive élan”, Alejandra von Hartz, Miami (2010); “Newspeak: British Art Now”, Saatchi Gallery, Londres (2010); “Concrete Geometries”, Research Cluster at the Architectural Association, Londres (2010); “Coalesce : Happenstance”, Smart Project Space, Amsterdam (2009); Down by Law, Crévecoeur, París (2008); “6a Bienal do Mercosul”, Porto Alegre (2007); “Jump Cuts”, Colección del Banco Mercantil, CIFO, Miami (2007). Entre sus diversos proyectos de arte público se encuentran: 16 tanques de petróleo en Portland, Maine (2008-2010); “Diamante de las semillitas”, Barrio José Félix Ribas, Palo Verde, Caracas (2010); “Health, Safety, Signs”, The Royal London Hospital, Whitechapel, Londres (2009); “Mashrabiya” COMMA04, Bloomberg, Londres (2009);”Ruta Rota” London Architecture Biennale, Londres (2006).

February 3, 2014 Pepe López https://abstractioninaction.com/artists/pepe-lopez/

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Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

  • 2014: “New Territories: Design, Art and Craft from Latin America 2000-2013”, Museum of arts and design New York City, USA.
  • 2014: “5×5 Real un-real”, Venezuelan American Endowment for the Arts, New York City, USA.
  • 2013: “Utopías de ilusión”, Kiosco, NUBE gallery, Santa Cruz, Bolivia.
  • 2012: “5×5, Real-un real”, Museo de arte Acarigua-Araure, Acarigua, Venezuela.
  • 2012: “The wave”, Molaa, Los Angeles, USA.
  • 2012: 6emme Bienal d’art contemporain de Marcigny, France.
  • 2012: “País en vilo”, Faria-Fábregas, Caracas, Venezuela.
  • 2012: “Línea crítica 2”, Artepuy, Caracas, Venezuela.
  • 2012: “Blanco y negro”, Galería Fernando Zubillaga, Caracas, Venezuela.
  • 2012: “Gego, testimonios y vigencia”, Museo de arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela.
  • 2011: “Línea crítica 1”, Artepuy, Caracas, Venezuela.
  • 2011: “Dibujo reposicionado”, 39 Galería, Caracas, Venezuela.

October 16, 2013 Sigfredo Chacón https://abstractioninaction.com/artists/sigfredo-chacon/

Translated from Spanish

My plastic research is developed through consecutive series, for example:

Serie Dibujos (Drawing Series) 1974/1989, Serie Monocroma (Monochrome Series) 1991/1993, Serie Pinturasparlantes (Talkingpaintings Series) 1993/1995, Serie Rejillas (Grilles Series), 1993 until today, Serie Purapinturabstracta (Pureabstractpainting Series) 1995, divided into: Drippings, Dibujosdepintura (Paintdrawings), Pinturastropicales (Tropicalpaintings), Crucigramasconmoscas (Crosswordswithflies), Purapintura (Purepainting), Emotionalpaintings, Serie Do you copy? (Do you copy? Series), Serie Pinturaparadaltónicos (Paintingforthecolorblind), Serie Berlinpaintings (Berlinpaintings Series).

All of this is being superimposed parallel to consecutive series in simultaneous periods. I mix one series with another and experimenting with ideas, little by little weaving the conceptual cobweb, giving a renewed sense to all the work process, always faithful to the original idea, for example that of Pureabstractpainting.

This is like a mathematical equation. I try in every moment to keep the process clear and clean, where the mother or medullar idea prevails: that painting is the medium and end of all the creative discourse, and that any reference would be painting itself.

 

Mi investigación plástica se desarrolla por series consecutivas, por ejemplo:

Serie Dibujos 1974/1989, Serie Monocroma 1991/1993, Serie Pinturasparlantes1993/1995, Serie Rejillas, 1993 hasta hoy, Serie Purapinturabstracta 1995 dividida en: Drippings, Dibujosdepintura, Pinturastropicales, Crucigramasconmoscas, Purapintura, Emotinalpaintings, Serie Do you copy?, Serie Pinturaparadaltónicos, Serie Berlinpaintings.

Todo esto se va sobreponiendo paralelamente en series consecutivas en periodos simultáneos, voy mezclando una serie con otra y exprimiendo las ideas, así poco a poco se va tejiendo la telaraña conceptual, dándole un sentido renovado a todo el proceso de trabajo, siempre fiel a la idea original por ejemplo de Purapinturabstracta.

Esto es como una ecuación matemática, trato en todo momento que el proceso sea muy claro y limpio, donde lo que prevalezca sea la idea madre o medular: que la pintura sea el medio y el fin de todo el discurso creativo y que cualquier referencia sea la pintura misma.

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October 4, 2013