Abstraction in Action Laercio Redondo https://abstractioninaction.com/artists/laercio-redondo/

About the Artist

My artistic research and work engage extensively with collective memory and its erasure in society.

The works are often based on the interpretation of specific events in relation to the city, architecture and historical representation in relation to the present, searching for new meanings to forgotten aspects of a conflictive lexicon in whose internal movement the writing of history is disputed.

My interest is to create installations and multimedia works that emerge from a deep research into cultural dynamics, that takes Brazilian architecture and its practitioners as central figures of my research.

Important architectonic icons like Casa França Brasil, The Gustavo Capanema Palace also known architecturally as the Ministry of Education and Health Building or the figures as Athos Bulcão, Lina Bo Bardi, and Lota de Macedo Soares or Carmen Miranda are many times the starting point to develop my research.


Mi investigación artística y obra están involucrados extensivamente  con la memoria colectiva su borramiento en la sociedad.

Las obras a menudo están basadas en la interpretación de eventos específicos en relación a la ciudad, la arquitectura y la representación histórica en relación al presente, buscando nuevos significados para los aspectos olvidados de un léxico conflictivo, en cuyo movimiento interno la escritura de la historia está en disputa.

Mi interés es el de crear instalaciones y obras multimedia que surgen de una investigación profunda sobre las dinámicas culturales, que toman a la arquitectura brasileña y sus practicantes como figuras centrales de mi investigación.

Importantes  iconos arquitectónicos como  Casa França Brazil, El Gustavo Capanema Palace también conocido arquitectónicamente como el  edificio del Ministerio de Educación y Salud; o las figuras como Athos Bulcão, Lina Bo Bardi, y Lota de Macedo Soares, or Carmen Miranda, son muchas veces los puntos de partida  para desarrollar mi investigación.

 

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January 10, 2017 Elena Damiani https://abstractioninaction.com/artists/elena-damiani/

My conceptual interests –understanding the present by looking into the past and recognizing the potential of images to resonate and prompt a universe of associations in the collective memory– guide my practice of transforming found material into collages, sculptures, and video installations. In my investigation I turn to scientific studies such as geology, archeology, and cartography to explore forms of fragmentation and material reinterpretation. My work seeks to redefine natural realms and their generative processes, presenting them as incomplete and ambiguous spaces where multiple times and topographies seem to unfold in unison.

 

Mi práctica es guiada por intereses críticos relacionados al entendimiento del presente a través de una mirada al pasado y a la capacidad evocativa de las imágenes para resonar y desencadenar un universo de asociaciones en la memoria colectiva; estos intereses transforman materiales encontrados en collages, esculturas y video instalaciones. En mi investigación recurro a temas como la geología, arqueología y cartografía para explorar formas de fragmentación y reinterpretación de material documentado y racionalizado por la ciencia que estudia la composición, evolución e historia de la Tierra. Mi obra busca reinterpretar estadíos naturales y sus procesos generativos presentándolos como espacios incompletos y ambiguos en donde se fusionan múltiples tiempos y topografías.

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August 19, 2015 Mario Navarro https://abstractioninaction.com/artists/mario-navarro/

The formal aesthetics and syntax of my work stand as an alternative reference to certain classes of objects, just as words do not « refer » to things themselves in Saussure’s theory of linguistics. Objects and architectures have meanings as points and conceptual significations within an entire system of relations as each and every element evokes an idea different, let’s say, than that of another class of objects in virtue of their literal properties. I believe in creating a meta-class of language that questions both architecture and the way we look at it but in different terms. Architecture is re-contextualized.

Issues of perception, the combination of language and spatial elements, the sculptural properties of language, matter/materials and their representations are lines of research that I have been investigating lately. The relations between architectures and forms, and more specifically, the decomposition of architectural paradigms (balance, symmetry, organization of units and the figure of the architect) are some of the constant interests and explorations in the ongoing and never finalized propositions that I create.

 
Traducido del inglés

La estética formal y sintaxis de mi trabajo se destacan como una referencia alternativa a ciertas clases de objetos, de la misma forma que las palabras no se « refieren » a las cosas mismas, como en la teoría lingüística de Saussure. Los objetos y las arquitecturas tienen significados como puntos, y significaciones conceptuales dentro de todo un sistema de relaciones, así como cada elemento evoca una idea diferente, digamos, que la de otra clase de objetos en virtud de sus propiedades literales. Creo en la creación de un meta-lenguaje que cuestione tanto la arquitectura como el modo en que lo observamos, pero en diferentes términos. La arquitectura es re-contextualizada.

Las cuestiones de la percepción, la combinación del lenguaje y elementos espaciales, las propiedades escultóricas del lenguaje, materia / materiales y sus representaciones, son las líneas de investigación que he estado realizando últimamente. Las relaciones entre las arquitecturas y las formas, y más específicamente, la descomposición de los paradigmas arquitectónicos (el equilibrio, la simetría, la organización de unidades y la figura del arquitecto) son algunos de los intereses constantes y de las exploraciones de las proposiciones siempre inconclusas y en desarrollo.

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August 18, 2015 Alice Quaresma https://abstractioninaction.com/artists/alice-quaresma/

My work elaborates on life “displacements” that take you to an uncomfortable place and push you to your limits. The cultural remnants that I encounter living overseas as a foreigner have always inspired me to create work that deals with memory, identity and melancholy. I am fascinated by the unique moments I experience when I live away from my culture. Despite the visual clarity of my artwork, the pieces convey a sense of oddness and casual dysfunction. I am interested in materials within my art practice that do not blend, but overlap to hide sections of the composition and reveal others. The revelations in the work come through a sense of surprise. My current work draws great influence from painting and photography. My fascination with painting started as a kid and it is my biggest challenge. Every time I paint I grow restless and find it difficult to resolve an artwork. However, this challenge teaches me to appreciate the qualities of painting as a process in my work.

My work has an almost abstract quality. The precise marks and interventions (with paper, tape, wood, paint and oil pastel) directly on photographic prints – produce an authentic quality to the work. As a result, my artistic investigation transcends the language of photography and acquires qualities of painting. I have been intrigued by ways to break the qualities of the photographic medium in my art practice. One of the art movements that has been especially inspiring to me is the Neo-Concrete art movement from the 1960’s (Rio de Janeiro, Brazil) where artists were using geometry as a way to expand the possibilities of texture and sensorial qualities in art. The work’s often experimental qualities allowed it to undergo a process of self-transformation.

 
Traducido del inglés

Mi trabajo profundiza en los “desplazamientos” de la vida que te llevan a un lugar incómodo y que te empujan hasta sus límites. Los restos culturales con los que me encuentro al estar viviendo en el extranjero siempre me han inspirado a crear obra que tenga que ver con la memoria, la identidad y la melancolía. Tengo una fascinación por los momentos únicos que experimento cuando vivo lejos de mi cultura natal. A pesar de la claridad visual de mi obra, las piezas transmiten una sensación de extrañeza y disfunción casual. Como parte de mi práctica artística, me interesan los materiales que no se mezclan, pero que se superponen para ocultar secciones de la composición y revelar otras. Las revelaciones en mi trabajo vienen a través de un sentido de sorpresa. Mi trabajo actual tiene una gran influencia de la pintura y la fotografía. Mi fascinación por la pintura comenzó desde que era una niña y se ha convertido en mi mayor reto. Cada vez que pinto, crezco de manera inquieta, y me resulta difícil resolver de esta manera la obra de arte. Sin embargo, este reto me enseña a apreciar las cualidades de la pintura como un proceso en mi trabajo.

Mi obra tiene una cualidad casi abstracta. Las marcas e intervenciones (con papel, cinta, madera, pintura y pastel al óleo) hechas sobre impresiones fotográficas, producen una auténtica calidad de la obra. Como resultado, mi investigación artística trasciende el lenguaje de la fotografía y adquiere cualidades de la pintura. Me ha intrigado la manera de romper las cualidades del medio fotográfico como parte de mi práctica artística. Uno de los movimientos artísticos que ha sido especialmente inspirados para mí es el movimiento de arte Neo-concreto de la década de 1960 (Río de Janeiro, Brasil) en donde los artistas utilizaron la geometría como una forma de ampliar las posibilidades de la textura y las cualidades sensoriales en el arte. Las cualidades a menudo experimentales del trabajo, permiten que éste se someta a un proceso de auto-transformación.

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May 15, 2015 Ivelisse Jiménez https://abstractioninaction.com/artists/ivelisse-jimenez/

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January 28, 2015 Rafael Reveron-Pojan https://abstractioninaction.com/artists/rafael-reveron-pojan/
Translated from Spanish

Some notes about the politics in my work, called “automatic architectures…”

Join together, get shelter, protection, appropriation. Appropriation of the space, creation of place, object.

Attachment.

To demolish,

To build…

“All build-up is refuge against danger.”

Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973

To a large extent, my work lies beneath like an architecture, as a strategy of ideological appropriation of space, the conquest of place, of the object, of the contained body… Do not think, do not live, do not feel… Let me build you, win that battle of “abitare,” I build you and think you, I appropriate you, live in you, in your space, in that space in between which surrounds you, that makes you, that molds you, configures you, and figures you.

The “Empty Box” becomes imposed in its abstraction, its economy knows no rival, and its synthesis is undefeated. That subdivided, fragmented, quadratic, cubic, universal, reproducible, “built-up” space. Optimal, minimal.

The ultimate ending: winning

territory,

defeat the

weak.

Totalitarianism of the majority; nothing and no one can win the battle over this cubic formula…

Place,

Home.

My “automatic architectures,” are conceived as models of “creation and destruction.” Their origin is tangentially dominated by patterns, actions around the notion of “appropriation.” To make myself one with space, place, and object, through a predetermined and preconceived model. An ideological, formal structure that models actions. To think of void as a structural content, is that border between collapse and equilibrium of content and container… Lines that intersect, supremacy battles between horizontality and verticality of space, of the object and its drifts. The imminence of matter to be transformed into an object, regroup and reconcile as a new form. To join spaces… imposing the plural to the singular, to the individual… Making the indivisible visible. To join as defense, not as addition. Build up to distract, to sublimate, to delete, eliminate, destroy.

Lines draw themselves in a describing without writing. As with the spiral, the constructive space is an internal ideology; its limit emerges on every layer, from intimacy.

To build and destroy. Collapsing is not an improper accident of the structure, but an inevitable stage of existence itself. Collapse, implosion, deflation… Strategies in the poetics of the terminal. To build and destroy. Modernist therapy of an infinitely delayed agony. Running an incomplete defeat.

Matter is raw, quotidian, on the verge, cyclical, re-oriented, re-conceived, resented, re-lived… Every skin suggests its needlework, its stitches… in its reusing, a corner disappears; it’s filed down, making its own way, its exile. To sew and undo… String together and undo, and gain aerial space, the dream of “flying,” of the suspended, the pending. Always an imminent departure, or loss. Stringing together without completing the fabric… Weaving looms without instructions. Too many complications for the pre-functions. Improvisation of survival, of error, of the everyday, of the doing without thinking, of being without being, without permanence.

Today, the promised paradise… Looks more like hell.

I do not see, I do not speak, I do not listen, I do not feel…

I do not exist.

I only

Exist

For

The

Promised

“Paradise.”

 

Algunas notas sobre las políticas asumidas por mi trabajo en las llamadas “arquitecturas automáticas”…

Aglomerar, refugiarse, protegerse, apropiarse. Apropiación del espacio, creación del lugar, objeto.

Apego.

Demoler,

construir…

“Toda aglomeración es un refugio contra un peligro”.

Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973

En gran medida mi obra subyace como una arquitectura, como una estrategia de apropiación ideológica del espacio, la conquista del lugar, del objeto, del cuerpo contenido… No pienses, no vivas, no sientas… Déjame construirte, ganarte esa batalla del “abitare”, yo te construyo y te pienso, me apropio de ti, vivo en ti, en tu espacio, en ese intersticio que te bordea, que te hace, te moldea, te configura, te figura.

La “Caja vacía” se impone, en su abstracción, su economía no tiene adversarios, su síntesis esta invicta. Ese espacio subdividido, fragmentado, “cuadrático”, cúbico, universal, reproducible, “aglo-merable”. Optimo, mínimo.

El fin supremo: ganar

territorio,

vencer al

débil.

Totalitarismo de las mayorías, nadie, ni nada, puede ganarle la batalla a esta fórmula cúbica…

Lugar,

hogar.

Mis “arquitecturas automáticas”, se piensan como modelos del “crear y destruir”, su génesis viene dominada tangencialmente por patrones, acciones en torno a la noción de “apropiación”. Hacerme con el espacio, el lugar, el objeto a través de un modelo predeterminado, pre-pensado. Una estructura ideológica, formal, que modela las acciones. Pensar en el vacío como contenido estructural, es ese filo entre el colapso y el equilibrio del contenido y el contenedor… Líneas que se entrecruzan, batallas de supremacías entre la horizontalidad y la verticalidad del espacio, del objeto, de sus derivas. Esa inminencia de la materia por transformarse en objeto, reagruparse y conciliar una nueva forma. Aglomerar espacios… imponiendo lo plural a lo singular, al individuo… Haciendo invisible lo indivisible. Aglomerar como defensa, no como sumatoria. Aglomerar para distraer, para sublimar, para borrar, eliminar, destruir.

Las líneas se dibujan solas, es un describir sin escribir. Como en el caracol, el espacio constructivo es una ideología interna, su límite emerge capa a capa desde la intimidad.

Construir-destruir. El colapsar no es un accidente impropio de la estructura, es una fase inevitable de la existencia misma. Colapso, implosión, deflación… Estrategias en las poéticas de lo terminal. Construir-deconstruir. Terapia modernista de una agonía retardada al infinito. Gestión de una derrota inacabada.

La materia, es cruda, cotidiana, al borde, cíclica, re-orientada, re-pensada, re-sentida, re-vivida… Cada piel sugiere su costura, su punto y cruz… en el re-usar, la esquina desaparece, se lima, se hace su propio camino, destierro. Coser y descoser… Hilar y des-hilar y ganar el espacio aéreo, el ensueño de “lo volador”, de lo sus-pendido, colgante, siempre inminente partida, perdida. Hilar sin llegar nunca a completar la tela… Telares sin instrucciones, demasiadas complejidades para las pre-funciones. Improvisación de la supervivencia, del error, del cotidiano, del hacer sin pensar, del ser sin estar, sin permanencia.

Hoy, el paraíso prometido… Parece más un infierno.

No veo, no hablo, no escucho, no siento…

No existo.

Solo

existo

para

el

“paraíso”

prometido.

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January 21, 2015 Kenji Nakama https://abstractioninaction.com/artists/kenji-nakama/

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Education

  • 1999-2006: Bachiller, Facultad de Artes – PUCP, Lima, Perú.

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  • 2011-2012: Residencia , Cité Internationale des Arts , Paris, Francia.
  • 2010: XIII Concurso de artes visuales  ‘Pasaporte Para un Artista’ (primer puesto), Embajada de Francia en el Perú, Lima, Perú.
  • 2011: III Concurso de Pintura del BCR, Banco Central de la Reserva del Perú, Lima , Perú.
  • 2007: II Concurso de Artistas Jóvenes de Lima Metropolitana, Municipalidad de Lima, Lima, Perú.
  • 2006: Premio de la Crítica a la especialidad de pintura,  Facultad de Arte-PUCP,  Lima, Perú.
  • 2006: Premio Winternitz para sexto año de pIntura, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Perú.

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  • 2013: “Estudios del Pliegue“, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú.
  • 2011: “Jardín“, Galería L’Imaginaire – Alianza Francesa de Miraflores, Lima, Perú.
  • 2011: “Mutación y Desborde“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.
  • 2009: “Pangea“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.

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September 8, 2014 Leyla Cárdenas https://abstractioninaction.com/artists/leyla-cardenas/

Over the last years I’ve been developing a series of sculptural works that seek to investigate the layers that constitute and construct things and places. Relating directly to the physicality of the space as a point of departure. Using found objects and places that accumulate layers of information, containing what is particular from a place. The superficial skin becomes a profound path to explore and discover in each step the intersection of different experiences of time. (The historic time, material time, the time of everyday, and perhaps a more existential/psychological time that has to do with the duration of the experience.) The gesture is sculptural but without making sculpted objects; using destruction as a way of construction, allowing an engagement to a particular place and all the confluences and dimensions within. My work is site-responsive; it takes in consideration the architecture and the context of the surroundings, generating a layered outcome.

 
Traducido del inglés

A lo largo del tiempo he desarrollado una serie de trabajos escultóricos que buscan investigar las capas que constituyen y construyen las cosas y los lugares. Están relacionados directamente con la cualidad física del espacio como punto de partida. Usando objetos encontrados y lugares que acumulan capas de información, conteniendo las particularidades de cada lugar. La piel superficial se vuelve en un camino profundo para explorar y descubrir a cada paso el cruce de diferentes experiencias del tiempo (del tiempo histórico, tiempo material, tiempo cotidiano y quizá un tiempo más existencial y psicológico que está relacionado con la duración de la experiencia.) El gesto es escultórico pero sin realizar objetos; usando destrucción como una forma de construcción, permitiendo una interacción con un sitio particular y todas las confluencias y dimensiones del mismo. Mi obra responde al lugar y toma en consideración la arquitectura y el contexto de sus alrededores, generando un resultado con muchos niveles.

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February 19, 2014 Macaparana https://abstractioninaction.com/artists/macaparana/

My process of working is always about the development of one idea that starts first from little annotations, observations, and drawings, and then sometimes suggests a series, a sequence of a thought, using the same elements in different ways—sometimes concerned with the use of color or just in black and white, showing the strength and balance of the forms. I always need to be connected to music… because music is one of the most important things to me. In order to develop ideas, to think about colors, and even to define the compositions; music is essential all the time, as I work or think about new possibilities.

The artist is thinking all the time… trying to solve problems. First, it’s a mental process, I need to solve or to look for the better way to solve it before I start working, using different supports such as paper, hardboard, wood, or metal.

 
Traducido del inglés

Mi proceso de trabajo siempre consiste en el desarrollo de una idea que comienza primero desde pequeñas anotaciones, observaciones y dibujos y luego sugiere una serie, una secuencia de pensamiento, usando los mismos elementos de maneras diferentes, algunas veces preocupado por el uso de color o sólo en blanco y negro, mostrando la fuerza y el balance de las formas. Siempre tengo que estar conectado con la música… porque la música es una de las cosas más importantes para mí. Para poder desarrollar ideas, pensar en colores y hasta para definir composiciones, la música es esencial todo el tiempo, mientras que pienso o trabajo en nuevas posibilidades.

El artista está pensando todo el tiempo… tratando de solucionar problemas. Primero es un proceso mental; necesito solucionar o buscar la mejor manera de solucionar antes de comenzar a trabajar, utilizando diferentes soportes como el papel, aglomerado, madera, o metal.

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February 19, 2014 KIRIN https://abstractioninaction.com/artists/kirin/

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February 19, 2014 Jorge Pedro Núñez https://abstractioninaction.com/artists/jorge-pedro-nunez/
Translated from Spanish

I am interested in combining and juxtaposing different historical referents that derive from diverse places and times, and which coexist in an object.

My work is related to drawing, sculpture, and painting rom their more basic properties, such as material and form, but the materials I use are mostly objects from other activities. I use recognizable icons stemming from modern art history, in the creation of a work that goes through deconstruction and the relationship of objects and ideas that question the link between abstraction, history, and contemporaneity.

 

Estoy interesado en mezclar y superponer diferentes referentes históricos que provienen de lugares y épocas distintas que cohabitan en un objeto.

Mi trabajo es relativo al dibujo, la escultura y la pintura desde sus propiedades más elementales como el material y la forma, pero los materiales que utilizo son en gran parte objetos de otras actividades. Utilizo iconos reconocibles provenientes de la historia del arte moderno  para la concepción de una obra que pasa por la deconstrucción y la puesta en relación de objetos e ideas que cuestionan la relación entre abstracción, historia y contemporaneidad.

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February 19, 2014 Jaime Ruiz Otis (RUIZCYCLE) https://abstractioninaction.com/artists/ruizcycle/
Translated from Spanish

From a very young age, I’ve been attracted by abandoned construction sites, vacant lots, useless things, and the tracks or traces that persist without intention. In these places I have discovered and collected all kinds of things, without a specific purpose in mind. It is until this moment in which I develop this statement that I can trace the origin of my work as artist in these explorations and discoveries of my first years of life.

My first formal experience working with residues was as a worker at a recycling plant, in which I was in charge of handling toxic industrial residues. This activity originated my series Las sobras (the leftovers). This series is comprised by materials and elements taken from waste—meaning that they pass through a double process of selection because I recover them from all that is rejected by factories and then by the recyclers.

Until today, I find the process of looking in industrial waste containers or recyclers, strongly linked to archaic human practices, such as those of the first nomads that learned to recognize and collect fruit, plants, insects, and materials for their survival, in the different territories they walked and lived in.

The work of the scavengers is completely underestimated against the patterns of production, consumption and massive waste of contemporary capitalist societies, even though it is more necessary than ever.

I am amazed by the quantity and I am attracted by the vast variety of materials that I hazardously find in waste containers. The diversity, qualities, and malleability of these materials is what trigger ideas and forms, and which determine what types of supports, media, and compositions I must use. To me, waste is not garbage but an opportunity to explore artistically, finding the most adequate uses and functions within the unusual forms and characteristics that I find. This practice allows me to meditate about existence, life’s origin, and the micro and macro.

The processes that are related with the homogenization of certain forms of life and consumption, which we call civilization, and from which the world is built from molds that are more generic every time, are in fact derived from entropy, and they leave several traces and cosmic tails that I find fascinating. The DNA of things captivates me and keeps me alert, waiting for the next surprise, the next great archeological discovery.

  

Desde pequeño me han fascinado las construcciones abandonadas, los terrenos baldíos, las cosas inservibles, las huellas o rastros que persisten sin que nadie se lo hubiera propuesto. En estos lugares he descubierto y recolectado todo tipo de cosas sin un objetivo específico en mente. Es hasta ahora que desarrollo esta declaración que puedo trazar el origen de mi trabajo como artista en estas exploraciones y descubrimientos de los primeros años de mi vida.

Mi primera experiencia formal trabajando con residuos fue como empleado en una planta recicladora, como encargado de manejo de residuos industriales tóxicos. Fue esta actividad la que dio origen a mi serie Las sobras. Esta serie se compone de materiales y elementos tomados de entre los desperdicios —es decir pasan por un doble proceso de selección, pues los recupero de entre aquello rechazado primero por las maquiladoras y después por las recicladoras.

Hasta la fecha, encuentro el proceso de buscar en los contenedores de basura industrial o recicladoras fuertemente conectado con prácticas humanas arcaicas: como los primeros nómadas que aprendían a reconocer y recolectar frutos, hierbas, insectos y materiales, para su subsistencia, en los distintos territorios que recorrían y habitaban.

La labor de los pepenadores está completamente subestimada en nuestros días frente a los patrones de producción, consumo y desecho masivo de las sociedades capitalistas contemporáneas, a pesar de ser más necesaria que nunca.

Me asombra la cantidad y me atrae la amplia variedad de materiales que azarosamente voy encontrando en los contenedores de basura. La diversidad, cualidades y maleabilidad de los mismos materiales son los que me disparan ideas y formas, y los que determinan qué clase de soportes, medios y composiciones debo utilizar. Para mí los residuos no son desperdicios sino una oportunidad de explorar plásticamente, encontrando el uso y función más adecuados entre las inusitadas formas y características que descubro. Esta práctica me permite meditar sobre la existencia, el origen mismo de la vida, lo micro y lo macro.

Los procesos que llamamos civilización, relacionados con la homogenización de ciertas formas de vida y consumo,  donde el mundo se construye bajo moldes cada vez más genéricos deriva, en cambio, en la entropía y dejan una diversidad de rastros, huellas y estelas que me resultan fascinantes. El ADN de las cosas, eso es lo que me cautiva y me mantiene atento, dispuesto a la próxima sorpresa, al siguiente gran hallazgo arqueológico.

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February 19, 2014 Gabriel Acevedo Velarde https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-acevedo-velarde/

“In general, all I want is to find my own way of doing politics.”

 
Traducido del inglés

“En general, lo único que quiero es encontrar mi propia manera de hacer política”.

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February 19, 2014 Barbarita Cardozo https://abstractioninaction.com/artists/barbarita-cardozo/
Translated from Spanish

Since 2009, my work has focused on the study of Op and geometric art, mainly how haute couture houses and readymade brands appropriated these avant-gardes for the creation of fashion trends. My works begin with the appropriation of patterns found in magazines, books, and websites about fashion. These appropriations are presented in installations, paintings and collages, using not only art techniques but also materials and techniques from fashion design and graphic design, such as studs, leather, and cutting plotter.

Optical Power is a project, developed in black and white, in which I focused on Op Art, recontextualizing designs by Rudi Gernreich, Rei Kawakuro, and Pucci, among others.  In Geometría Pura Mente Consumista (Pure Geometry Consumerist Mind) I wanted to include geometric patterns designed by haute couture brands and multinational corporations, but as collages in die-cut leather, with studs or cut and sewn pieces. I am developing the most recent work with polyurethane paint and polyester, and continue to appropriate geometric patterns—but in this case, the patterns are combined as diptychs and polyptychs that are loaded with color and content.

 

Desde el 2009 mi trabajo se ha enfocado en estudiar el arte óptico y geométrico, principalmente como las casas de alta costura y las marcas readymade se apropian de estas vanguardias para la creación de tendencias de moda.  La creación de mis trabajos parte de la apropiación de patrones encontrados en revistas, libros y páginas web sobre moda.  Estas apropiaciones son presentadas en instalaciones, pinturas y collages, utilizando no solamente las técnicas propias del arte sino a su vez materiales y técnicas del diseño de moda y el diseño gráfico como taches, cueros y plotter de corte.

Optical Power es un proyecto que se desarrollo en blanco y negro y donde me enfoque en el arte óptico, recontextualizando diseños de Rudi Gernreich, Rei Kawakuro y Pucci entre otros.  En Geometría Pura Mente Consumista quise abarcar los patrones geométricos diseñados por casas de alta costura y marcas multinacionales pero trabajados a manera de collage en cueros troquelados, con taches o piezas recortadas y cosidas.  El trabajo más reciente lo estoy desarrollando con pinturas en poliuretano y poliéster donde sigo apropiándome de patrones geométricos pero esta vez estos patrones son conjugados a manera de dípticos y polípticos tomando una fuerza de color y contenido.

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February 19, 2014 Adrián S. Bará https://abstractioninaction.com/artists/adrian-bara/
Translated from Spanish

My work, influenced by my formation as a filmmaker and the constant contact with architecture, make me incorporate elements such as abstraction, geometry, memory, light, shadow, the relationships that exist in the creation processes and interaction with life itself.

The process is part of the result within itself, which makes us discover places or questions that we would not make if it wasn’t for that constant search and experimentation of situations and experiences.

The way I materialize my ideas—photography, painting, sculpture and video.

Based on the concept in which the goal is in the process of creation more than in the result, I always seek to let myself be guided by accidents and the unknown, to be able to explore new ideas of expression and abstraction.

 

Mi trabajo, influenciado por una formación como cinematógrafo y el constante contacto con la arquitectura hacen que incorpore elementos como la abstracción, la geometría, la memoria, la luz, la sombra, la relación que existe en los procesos de creación e interacción con la vida misma.

El proceso es parte del resultado en sí mismo; aquel que hace que descubramos lugares o preguntas que no nos formularíamos si no fuera por esa constante búsqueda y experimentación de situaciones y experiencias.

Las forma en la que materializo mis ideas son: fotografía, pintura, escultura y video.

Basado en el concepto de que la meta está en el proceso de creación más que en el resultado, siempre busco dejarme llevar por los accidentes y lo desconocido para explorar nuevas ideas de expresión y abstracción.

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December 3, 2013 Adriana Minoliti https://abstractioninaction.com/artists/adriana-minoliti/
Translated from Spanish

My practice is the result of my interest in the eroticism and geometry manifested through painting and installation. My recent work has largely referenced the human body and gender conditions; abstract and geometrical representations of bodies are made with diverse materials such as paint, sand, plaster, wood, fake fruits and shampoo, and more traditional oil paints. A more inclusive vision of sexuality can change and improve the way we live. This has been made apparent through the contributions of Feminism and queer theory. This is also a space where I locate dialogues that are informative for my work. I play with gender pictorially, mixing spiritual values, historical appreciations, aesthetics and styles. I am interested in the anthropological importance of decoration as a process and in its application in objects, and I play with this by challenging fixed ideas and unconscious meaning. How does the mind sense the materials and shapes of things? Why do we make decisions in one way and not in another? Is there a place where these dualities are simultaneously possible? I transform everyday materials into something new, as in Manzanas [Apples] where geometric forms adorn fake plastic fruits. My work as a painter engages a diversity of formats and media, from easel painting and installation, to the organization of cultural projects and results of the relationships between artists. I have participated actively with artist collectives like as Kiosko De Artistas, and in projects of col-leagues, clinical workshops and research meetings. I co-founded PintorAs [Female Painters], a project that includes 20 women artists from Argentina. As a curator, I organized the exhibitions Rework and Figuras [Figures], as a way to collectively investigate answers to questions of that arise from my own work.

 

Mi práctica es el resultado de mi interés en el erotismo y la geometría, manifiesto a través de la pintura pero también en otros medios como instalación. Mi trabajo reciente en gran medida hace referencia al cuerpo humano y a condiciones de género: representaciones abstractas y geométricas hechas con diversos materiales tales como pintura, arena, yeso, madera, frutas falsas y champú, y óleos. Una visión más integradora de la sexualidad puede cambiar y mejorar la forma en que vivimos. Esto ha sido evidente a través de las contribuciones de las teorías feministas y queer. En estas contribuciones, encuentro diálogos que son nutritivos para mi trabajo y desarrollo. También interpeló el género pictórico, mezclando los valores espirituales, la apreciación histórica, estéticas y estilos. Estoy interesada en la importancia escondida de la decoración como un mecanismo y en su aplicación en objetos y dispositivos. Busco desafiar las ideas fijas y los significados inconscientes. ¿Cómo la mente percibe las materialidades y formas de las cosas que nos rodean? ¿Por qué asumimos esa percepción de una manera natural y no en otra dirección? ¿Hay un lugar donde lo dado como opuestos son al mismo tiempo posibles e iguales? Busco convertir materiales de uso cotidiano en algo nuevo, como en Manzanas donde las formas geométricas adornan falsos frutos de plástico. Mi trabajo como pintora involucra una diversidad de formatos, soportes y medios, desde la pintura de caballete y la instalación, a la organización de proyectos culturales, muestras, y las relaciones entre los artistas. Fui co-fundadora de PintorAs, un proyecto que incluye 20 artistas de Argentina. Como artista-curadora, también organicé las muestras Rework y Figuras, siendo una manera de investigar colectivamente las preguntas que surgen en mi proceso de obras.

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November 9, 2013 José Luis Landet https://abstractioninaction.com/artists/jose-luis-landet/
Translated from Spanish

I like to think of my studio as a laboratory, a place that allows work to be developed into an accumulative process of the graphic experience. Drawing is a way of thinking that makes connections between acquired concepts and executed forms. Far from representing concepts, I try to present them, shape them, and give them a new type of classification to designate them. The act of drawing connects mind with hand, oral language with the sense of touch. The shape might come close to a raw, primary, organic translation of the mind.

 

Me gusta pensar en mi estudio como un laboratorio, un lugar que permite que el trabajo que hago se desarrolle en un proceso acumulativo de la experiencia gráfica. El dibujo es una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas. Lejos de tratar de representar conceptos trato de presentarlos, darles una forma, un nuevo tipo de clasificación para designarlos. El acto de dibujar conecta la mente con la mano, el lenguaje oral con el tacto. La forma podría acercarse a una traducción cruda, primaria y orgánica  de la mente.

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November 5, 2013 Christian Camacho Reynoso https://abstractioninaction.com/artists/christian-camacho-reynoso/

Work occurs inside the intermittent activity conducted between things immediate and things suspended in thought: the familiar, the unknown and its eventual recombination. The employment of shifting materials and the recurrence of abstraction acts inside the practice as a reminder of all that persists only through relation: ideas which cannot be reflected upon without being translated, altered or negated. It is under these conditions that several aspects of the work are introduced; namely its particular use of the observer’s point of view, its relationship to a specific time of reading and the idea of a fragmentary expectation being the conduct in which the minor and the major activate their difference.

 
Traducido del inglés

El uso de materiales cambiantes y la recurrencia de la abstracción actúan dentro de la práctica como recordatorio de todo lo que persiste sólo por relaciones: ideas que no pueden reflejarse sin ser traducidas, alteradas o negadas. Es dentro de estas condiciones que muchos aspectos de la obra son introducidos; concretamente el uso particular del punto de vista del espectador, su relación con un tiempo específico de lectura y la idea de una expectativa fragmentaria como el conducto a través del cual lo menor y lo mayor activan su diferencia.

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November 5, 2013 Osvaldo Romberg https://abstractioninaction.com/artists/osvaldo-romberg/

Art to Art. Life to Life
Osvaldo Romberg. 
The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 Art begins when life is not enough. In modern culture the acceptance of death signifies the loss of connection with the infinite. It is in this area of thinking, in the loss of the infinite, that art gives relief and new hopes for spirituality. Art makes evident (and occasionally succeeds in resolving) the conflict between being and integrating with the world. This is a dilemma which religion can no longer address.
 All the religions of the world are narratives. In these narratives are implicit mythologies and explanations which help people to survive the panic of death and solitude. In the past, art merely rearticulated these narratives. In recent years, however, I have observed that art is replacing religion by raising its own issues of morality, identity, mortality, and transcendence. Art used to be the illustration of the metaphysical. It has now become the metaphysical itself. The vitality and dynamism of contemporary art challenges religions ability to face the relevant issues at the end of the millennium: artificiality, reproduction of the species, and equality. Paraphrasing Martin Heidegger, we can say that the authentic dialogue with the art of an artist is artistic, as opposed to critical. There is no artistic dialogue between artists and those who do not believe in the power of art to contain essential truths. Art can be viewed as an antidote to the static and paralyzing force of religion in a post-capitalist, globalist era. The idea of art as a regenerative activity is described in The Glass Bead Game by Hermann Hesse, which I read in my adolescence. The book is about the translation of all information systems and human knowledge into one code, The Game. Once you enter this universal language, you can integrate all aspects of human experience. Marcel Duchamp is the “Magister Ludi.” Art today can surpass the two pervasive theories confronting our post-capitalist world: the pseudo-democratic relativism of postmodernism vs. the oppressive dictatorship of fundamentalism. Referring to The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even, in a 1966 interview with Pierre Cabanne, Duchamp said, “… I almost never put any calculations into the Large Glass. Simply, I thought of the idea of a projection, of an invisible fourth dimension, something you couldn’t see with your eyes.” Is this not the domain of the divine?

 
Traducido del inglés

El arte al arte, la vida a la vida. Osvaldo Romberg.
 The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 El arte comienza cuando la vida no es suficiente. En la cultura moderna, la aceptación de la muerte significa la pérdida de la conexión con lo infinito. Es dentro de esta área de pensamiento, en la pérdida de lo infinito, que el arte da alivio y nuevas esperanzas para una espiritualidad. El arte hace evidente (y en ocasiones tiene éxito en resolver) el conflicto entre ser e integrarse con el mundo. Este es un dilema que la religión no puede abordar. Todas las religiones del mundo son narrativas. En estas narrativas, mitologías y explicaciones que ayudan a la gente a sobrevivir el pánico de la muerte y la soledad se hacen implícitas. En el pasado, el arte simplemente expresaba estas narrativas.  En años recientes, sin embargo, he observado que el arte está reemplazando a la religión al manifestar sus propios problemas de moralidad, identidad, mortalidad y trascendencia. El arte solía ser la ilustración de lo metafísico. Hoy en día se ha vuelto lo metafísico. La vitalidad y el dinamismo del arte contemporáneo cuestionan la capacidad de la religión de enfrentar los temas del fin del milenio: artificialidad, reproducción de las especies, e igualdad. Parafraseando a Martin Heidegger, podemos decir que el diálogo auténtico con el arte de un artista es artístico, a diferencia de crítico. No existe un diálogo artístico entre los artistas y aquellos que no creen en el poder del arte de contener estas verdades esenciales. El arte puede ser visto como antídoto a la fuerza estática y paralizante de la religión en la era post-capitalista y global. La idea del arte como actividad regenerativa es descrita en El Juego de los Abalorios por Hermann Hesse, el cual leí en mi adolescencia. El libro es acerca de la traducción de todos los sistemas de información y el conocimiento humano en un sólo código: El Juego. Al entrar en este lenguaje universal, te puedes integrar a todos los aspectos de la experiencia humana. Marcel Ducham es el “Magister Ludi”. El arte hoy en día puede superar las dos teorías generalizadas que confrontan nuestro mundo post-capitalista: el relativismo pseudo-democrático  del posmodernismo vs. la dictadura opresora del fundamentalismo. Al referirse a La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso, en una entrevista de 1966 con Pierre Cabanne, Duchamp dijo “a pesar de que casi no haya incluido ningún cálculo en Le Grand Verre… Simplemente, pensé en la idea de una proyección, de una cuarta dimensión invisible puesto que no se puede ver con los ojos”. ¿No es este el dominio de lo divino?

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October 16, 2013 Pablo Jansana https://abstractioninaction.com/artists/pablo-jansana/

A way to talk about the future while talking about the past. It is our present moment.

My multi-disciplinary practice, involving painting, sculpture, collages and manipulation.

Locations normally seen out the corner of the eye. The happy themes of arts, books, advertising, languages and different sources. Imagery from other eras where both treatment of the subject and the physical elements of the photography are current convention. Evoking narratives and memories through the juxtaposition of objects and images. I strive to create work that is highly charged and simultaneously empty.

My eclectic use of materials – including resin, aluminum, wood or clay—develops my fascination with the visual importance and presentation of objects. Working with photography, and painting my interests have evolved into the realms of 3D, presenting still images in an ever more engaging and dynamic set-up. Sometimes obscures parts of my found photographs and magazine cutting—playing on the interpretation and interplay between images—after my careful arrangement.

My work might also be interpreted as a comment on populist vs. elitist art. But they’re certainly not meant as criticism, as I am interested in both high and low culture and materials itself.

 
Traducido del inglés

Una forma de hablar sobre el futuro mientras se habla del pasado. Es nuestro momento presente. Una práctica multidisciplinaria, que incluye pintura, escultura, collage y manipulación. Lugares normalmente vistos de reojo. Los temas felices de las artes, libros, publicidad, lenguajes y diversas fuentes. Imágenes de otras eras donde el tratamiento del tema y los elementos físicos de la fotografía son la convención actual. Evocar narrativas y memorias por medio de la yuxtaposición de objetos e imágenes. Lucho por crear obra que está cargada de contenido y es vacía a la vez.

Mi uso ecléctico de materiales, incluyendo resina, aluminio, madera o arcilla, desarrolla mi fascinación con la importancia visual y la presentación de los objetos. Trabajando con fotografía y pintura, mis intereses han evolucionado hacia el campo de la tercera dimensión, presentando imágenes fijas en configuraciones más dinámicas e interesantes. Mi obra también puede ser interpretada como un comentario del arte populista vs. elitista, pero ciertamente no están hechas como crítica, puesto que también estoy interesado en materiales elevados y de cultura popular.

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October 15, 2013 Jorge Cabieses https://abstractioninaction.com/artists/jorge-cabieses/

Translated from Spanish

Which god, which infinite being can cease to be reduced into a single volume? For the iconoclast, the divine is indescribable, and every image of it is a lie. Precisely, the status of the image as such is the constant questioning that structures my work. Since my first exhibitions, the pop-style images began to run out, little by little, in their own repetition, until reaching present times, in which a symbolic bankruptcy of the image expropriated radically from its meaning, is defined in my most recent work. My current work is inscribed in this same process—the liberation of any symbolic association with reality. I have tried to settle in this equation, a discrete critical bias to the post-modern, which tries to idolize the maker of images in detriment of the image. The painter himself disappears and the spectator, used to the discourse of the figurative, ends up lost, facing the annulation of history and the vindication of the essential: form and color. Thus, in my work, I aim to confront certain canons of the Latin American image, through a problematization of the space: the obsession for narrative, the extreme sentimentality, the morbid fascination with the private. Opposite to that there is a constructive tension in search for something more universal, in spite of my own anxiety for harmony and thanks to an intimate conviction to my own elements.

 

¿Qué dios, qué ser infinito puede dejarse reducir en un sólo volumen? Para el iconoclasta, lo divino es indescriptible; y toda imagen de este, una mentira. Precisamente, el estatus de la imagen como tal es el constante cuestionamiento que estructura mi obra. Desde mis primeras muestras, las imágenes de corte pop se agotaban exhaustas, poco a poco, en su propia repetición; hasta llegar a la actualidad, en que una bancarrota simbólica de la imagen, expropiada radicalmente de su sentido, se concreta en mi obra más reciente. En este mismo proceso se inscribe mi proyecto actual: la liberación de cualquier asociación simbólica con la realidad. He intentado en esta ecuación cuajar un discreto sesgo crítico a lo post-moderno, aquel que se dedica a sacralizar al fabricante de imágenes en desmedro de la imagen. El pintor mismo desaparece y el espectador acostumbrado al discurso de lo figurativo termina extraviado frente a la anulación de la historia y la reivindicación de lo esencial: la forma y el color. Así, en mi obra pretendo a través de una problematización del espacio, confrontarme a ciertos cánones de la imagen  latinoamericana: la obsesión por la narración, el sentimentalismo exacerbado, el morbo de lo privado. Frente a ellos se establece una tensión constructiva en búsqueda de algo más universal, a pesar de mi propia angustia por la armonía y gracias a una íntima convicción de mis propios elementos.

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October 15, 2013 Guido Ignatti https://abstractioninaction.com/artists/guido-ignatti/

Translated from Spanish

I explore aesthetic theories through site-specific intervention and installation. I appeal to experimentation as a fundamental medium and I combine it with other traditional elements in sculpture or painting, as well as appropriation and relocation of existing cultural patrimony. The everyday image of presentations and representations I produce, are the result of these tangled combinations. My work appeals to the judgment of apparent reality. Since the last few years I have been working intensively with installations and interventions, meaning that I work mainly in specific exhibition spaces. The works are conceptually materialized within and from the place where they will be exhibited. In my work, the de-codification of the space is clearly a place of departure. Sometimes this approach within the exhibition context helps to propose something new and other times to adapt a preexisting idea that works in the space. As modus operandi, I am interested not in forcing ideas nor relationships between them and the place. It is fundamental to perceive and understand the environment, establish and mature the works to then proceed to measure time between both parts. Whichever the process is in each case, it is always necessary to establish a relationship with the place before beginning the work process. In my work, I use the edition of recognizable objects and their symbolic charge to configure a new language. Truthfully, I think about objects as letters that allow me to make words that did not exist before this combination that I propose. In turn, the objects used also retain their initial aural signifier, issue that is not a minor factor in the decision of its use. There is a net of meanings and signifiers that structure each piece. I also write. I began to do it simultaneous to my first installations since it helped to put into words the research process as it was happening and, above all, taking into account that the work was going to be destined to disappear after the exhibition. Something similar happened with the Sauna-revista de arte texts. For me, to be critical is not only to think about the work of somebody else or an idea in particular. The act of writing helps me to re-read my work in relation to what I am speaking about. The questions I have as an artist are not the same as the ones I have when I produce a text. Clearly, I do not consider myself an art critic, but writing about what happens around me also functions as the research for my work.

 

Me dedico a la exploración de teorías estéticas a partir la intervención y la instalación de sitio específico. Apelo a la experimentación como medio fundamental y la combino con otros elementos de tradición escultórica y/o pictórica, así como también con la apropiación y reubicación de bienes culturales existentes. La imagen de cotidianidad de las presentaciones y representaciones a las que llego, son el resultado de tan entramadas combinaciones. Mi labor apela al juicio sobre la realidad aparente. En los últimos años vengo trabajando intensamente en instalaciones e intervenciones, quiero decir que trabajo mayormente a partir de los espacios de exhibición concretos. Las obras se materializan conceptualmente en y desde el lugar donde van a exhibirse: en mi obra la decodificación del espacio es claramente un punto de partida. Algunas veces esa aproximación con el contexto de exhibición sirve para plantear algo nuevo y otras veces para adaptar alguna idea preexistente que funciona con el lugar. Como modo de operar me interesa no forzar ideas ni relaciones entre ellas y el lugar. Percibir y entender el entorno, asentar y madurar las obras para luego medir el tiempo entre ambas partes es algo fundamental. Pero sea como sea el desarrollo específico de cada caso, siempre es necesario establecer una relación con el lugar antes de empezar el proceso de trabajo.   Por otro lado, en mis obras utilizo la edición de objetos reconocibles y de su carga simbólica para configurar un lenguaje nuevo. En realidad, pienso a los objetos como letras que me permiten armar palabras que no existían antes de esta combinación que propongo. A su vez, también los objetos usados conservan su aura significante inicial, cuestión que no es menor en la decisión de su uso. Hay una red de significados y significantes que estructuran cada pieza. También escribo. Comencé a hacerlo en simultáneo con mis primeras instalaciones, me servía poner en palabras el proceso de la investigación a medida que iba sucediendo y, sobretodo, teniendo en cuenta que la obra estaba destinada a desaparecer luego de su exhibición. Con los textos de Sauna-revista de arte pasa algo parecido. Para mi hacer una crítica no es solamnete pensar la obra de alguien o pensar alguna idea en particular, ese acto de escritura fundamentalmente me sirve para releer mi trabajo en relación a eso de lo que estoy hablando. Las preguntas que tengo como artista son las mismas que manifiesto cuando produzco un texto. Está claro que no me considero un crítico de arte pero escribir sobre lo que sucede en mi entorno también me sirve como parte de la investigación de lo que hago, de la investigación de mi obra.

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October 9, 2013 Patrick Hamilton https://abstractioninaction.com/artists/patrick-hamilton/

Translated from Spanish

I develop my work through photography, collage, objects and installation, and it comprises an analysis of concepts of inequality, architecture, and spectacle in Chile in the last twenty years—Chile after the dictatorship. In this sense, it presumes an aesthetic reflection of the consequences of the “neoliberal revolution,” imposed on Chile during the ‘80s, and its projection on the social and cultural field since then until this day. In the series Spike Drawings, 2010-2013, I make a type of drawing on the wall with simple geometric shapes such as squares, rhomboids, etc., which is constructed with a metal material that is used as protection on the walls of middle and high class houses in Santiago de Chile. The wall protections are very sharp and comply with the fight against crime and the protection to private property. These works describe the segregation and social divisions, confinement and limitations, in a very simple way, using basic but eloquent shapes such as the square, which is the simplest act of delimitation in geometry. These works also refer to a tradition in modern art linked to Constructivism, geometric abstract art and minimalism. In this sense, it is a series that joins an extreme formalism of minimal shapes, with social content.

 

Mi trabajo desarrollado en fotografía, collage, objeto e instalaciones, comprende una reflexión en torno a los conceptos de trabajo, desigualdad, arquitectura y espectaculo en el Chile de los últimos 20 años; en el Chile de la postdictadura. En este sentido, supone una reflexión estética sobre las consecuencias de la “revolución neoliberal” implantada en Chile durante los años 80´s y su proyección en el campo social y cultural desde entonces hasta ahora. En la serie “Spike drawings” (2010-2013) realizo un tipo de dibujo sobre la pared con formas geométricas simples -cuadrados, rombos, etc- que están construidos con un material de fierro que se usa como protección en los muros de las casas de gente clase media y media alta en Santiago de Chile. Las protecciones de muro son muy filosas y remiten a la lucha contra la delincuencia así como a la protección de la propiedad privada. Estos trabajos hablan de segregación y división social, de encierro y de límites, de una manera muy simple, usando formas muy básicas y elocuentes como el cuadrado que es el acto geométrico más simple de delimitación. Estos trabajos, hacen referencia también, a cierta tradición del arte moderno vinculada al constructivismo, al arte abstracto geométrico y al minimalismo. En este sentido, es una serie que vincula un formalismo extremo, de formas mínimas, con un contenido social.

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October 9, 2013 Ishmael Randall Weeks https://abstractioninaction.com/artists/ishmael-randall-weeks/

My work encompasses site-specific installations, sculpture and video to works on paper.  In these works, issues of urbanization, transformation, regeneration, escape, collapse and nomadic existence have been predominant. While the work in the drawing studio serves as a means for a more intimate exploration of these issues, the foundation of my larger scale work lies in the alteration of found and recycled materials and environmental debris, often on site (including such source materials as books and printed matter, empty tins, old tires, bicycles, boat parts and building construction fragments) that are often altered to create sculptural objects and architectural spaces. These works take the visual form of functional objects while stripping them of their productivity to address notions of labor and utility, forcing an examination of our understanding of culturally specific forms while simultaneously exploiting and adapting their particular codes and associations.

 
Traducido del inglés

Mi obra abarca instalaciones de sitio específico, escultura y video hasta obra en papel. En estas obras, temas de urbanización, transformación, regeneración, escape, derrumbe y existencia nómada han sido predominantes. Mientras que el trabajo en el estudio de dibujo sirve como una forma más íntima de exploración de estas ideas, la base de mi obra a gran escala está en la alteración de materiales encontrados y reciclados y desechos ambientales, a menudo in situ (incluyendo fuentes como libros y material impreso, latas vacías, llantas viejas, bicicletas, partes de barco y fragmentos de construcción), que son a menudo modificados para crear objetos esculturales y espacios arquitectónicos. Estas obras toman la forma visual de objetos funcionales mientras que los despojan de su productividad para abordar nociones de labor y utilidad, forzando un análisis de nuestro entendimiento de formas culturalmente específicas, mientras que explotamos y adaptamos sus códigos y asociaciones particulares.

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October 9, 2013 Ana Tiscornia https://abstractioninaction.com/artists/ana-tiscornia/

My visual rearrangements draw upon the paradoxical bond between architecture –a language of construction par excellence-with that of destruction and dislocation. In rearranging various materials I seek a potential poetics – a kind of cartography of social oblivion –that is simultaneously exposing but also recovering scattered fragments of an unrealized utopian project.

 
Traducido del inglés

Mis composiciones visuales recurren a la paradójica unión entre la arquitectura (un lenguaje de construcción por excelencia) con la destrucción y la dislocación. Al reconfigurar estos diferentes materiales busco una potencial poética, una especie de cartografía del olvido, que simultáneamente revela y también recobra fragmentos desperdigados de un proyecto utópico frustrado.

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Ana Tiscornia / Other impertinences

October 9, 2013 Jaime Tarazona https://abstractioninaction.com/artists/jaime-tarazona/

Translated from Spanish

My interest on abstraction began approximately in 2006, as a result of a refusal to keep representing problems and situations linked to Colombian identity within my individual artistic process—thematic axis that I explored in my works since 1999 and from which I proposed various mediums such as installation, printing and painting. Since 2007 I began a series of projects in which I decided to produce works about the relevance of the international style, i.e., the great boom that the modern architecture movement has had since its origins in the second decade of last century in Europe, aiming to develop post-colonial and transcultural positions from the proposals in which I juxtapose different historical urban periods around the world, with the purpose of highlighting the overwhelming aspect of the modernist movement and vice versa.

 

Mi interés por la abstracción vino a darse hacia 2006 a raíz de un rechazo a seguir representando problemas y situaciones vinculadas a temas de identidad colombiana dentro de mi proceso individual como artista, eje temático que identificó mis trabajos desde 1999 y el cual planteé desde varios medios como la instalación, el grabado y la pintura. A partir de 2007 inicié una serie de proyectos en los que me propuse elaborar trabajos sobre la relevancia del estilo internacional, es decir, el gran auge que ha vivido el movimiento moderno de arquitectura desde que se inició en la segunda década del siglo pasado en Europa, buscando de esa manera desarrollar posiciones poscoloniales y transculturales desde propuestas en las que yuxtapongo  diferentes periodos históricos urbanos alrededor del mundo con el fin de resaltar el carácter avasallador del movimiento moderno y viceversa.

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October 9, 2013 Luis Roldán https://abstractioninaction.com/artists/luis-roldan/

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October 8, 2013 Nuno Ramos https://abstractioninaction.com/artists/nuno-ramos/

Translated from Portuguese

I think that there is no art without something that doesn’t fit neither in life nor in time. You look at an ancient work and it seems as if it was done yesterday. The blue color in chapel Scrovegni, by Giotto (14th century), is as current as the blue color used by Yves Klein (1928-62). At the end, all art is contemporary.

 
Traducido del portugués

Pienso que no hay arte sin aquello que no tiene cabida ni en la vida ni en el tiempo. Al mirar un trabajo de la antigüedad, éste pareciera que fue hecho ayer. El color azul de la capilla Scrovegni, de Giotto (siglo XIV), es tan reciente como el azul de Yves Klein (1928-62). Al final, todo el arte es contemporáneo.

  

Acho que não há arte sem alguma coisa que não caiba na vida nem no tempo. Você olha uma coisa antiga e parece que ela foi feita ontem. O azul da capela Scrovegni, de Giotto [do século 14], é tão recente quanto o azul de Yves Klein [1928-62]. No fundo, toda arte é contemporânea.

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October 8, 2013 Martin Pelenur https://abstractioninaction.com/artists/martin-pelenur/

Translated from Spanish

I understand painting as a way of thinking and as an experimental practice. I think with images and then I try to conceive them. I work with premises. I think about walking as my form of resistance and about art as the ultimate frontier to redeem the desire to live in a different way. Surfer.

 

Entiendo a la pintura como una forma de pensamiento y como una práctica experimental. Pienso con imágenes y luego intento concebirlas.
Trabajo con premisas.
Pienso en el andar como mi forma de resistencia y al arte como la última frontera para reivindicar el deseo de vivir de forma distinta. Surfista.

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Education / Training

  • 2003: Analista en Economía. Facultad de Ciencias Económicas, Universidad de la República, Montevideo, Uruguay.
  • 2003: Formacion de taller con Fernando López Lage en el FAC (Fundación de Arte Contemporáneo) Montevideo, Uruguay.

Prizes / Fellowships

  • 2012-2014: Beca de creación FEFCA de la dirección Nacional de Cultura del MEC (Ministerio de Educación y Cultura) Montevideo, Uruguay.
  • 2012: Premio Nacional de pintura, Bartolmé Macció, San José, Uruguay.
  • 2012: Premio Paul Cezanne. Alliance Françoise, Montevideo, Uruguay.
  • 2011: Premio Pintura Bicentenario (selección). Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay.
  • 2011: Beca Instituto Goethe Montevideo-Berlin.

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Publications

  • 4 Museos + 40 Obras. Colección MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires), Buenos Aires, Argentina.
  • 54 Premio Nacional de Artes Visuales Carmelo Arden Quin. Montevideo, Uruguay.
  • Nuevas Vías de Acceso II. MNAV (Museo Nacional de Artes Visuales). Montevideo, Uruguay.
  • Absorciones. MEC (Ministerio de Educación y Cultura). Montevideo, Uruguay.

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October 8, 2013 Ramiro Oller https://abstractioninaction.com/artists/ramiro-oller/

Thinking about the past is the perfect still life. To stop is one of the premises of painting.  It is as if thought, facing the past, acts as a force that fences or at least slows the speed of time and synchronizes the individual and collective velocities.

With the cold and electric light of thunderbolts, El Greco directs the film of Futurism, through which he strives to escape from Lascaux, but cannot. In the background, silvery mesh-like curtains make labyrinths of infinite casual correlations. Through opaque glass windows, crystal palaces interiors are reflected.

I think the only honest way to bond with painting today is to embrace the fact that it has survived over the ages, to look back with love and admiration for what has been done, and to discover the vast universe of what was created. The further back in time one looks, the more mysterious the findings become.

 
Traducido del inglés

Pensar en el pasado es el bodegón perfecto. El detenerse es una de las premisas del pintar. Es como si el pensamiento, de cara al pasado, actuara como una barrera o, al menos, detuviera el paso del tiempo y sincronizara las velocidades individuales y colectivas.

Con la luz fría y eléctrica de los rayos, El Greco dirige la película del Futurismo, a través de la cual se esfuerza por escapar de Lascaux, pero no puede. En el fondo, las cortinas de malla de plata hacen laberintos de correlaciones casuales infinitas. A través de las ventanas de cristal opaco, palacios de cristal interiores se reflejan.

Creo que la única manera honesta de vincular la pintura de hoy, es aceptar el hecho de que ha sobrevivido a lo largo de los siglos, para mirar hacia atrás con cariño y admiración por lo que se ha hecho, y para descubrir el vasto universo de lo que fue creado. Cuanto más atrás en el tiempo se mire, más misteriosos los hallazgos se  convierten.

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October 5, 2013 Magdalena Murua https://abstractioninaction.com/artists/magdalena-murua/

Translated from Spanish

My pleasure for handmade and handcraft work has allowed me to delve into the technique of collage, with which I work since several years ago. This technique lets me construct compositions of movement and color through diverse cut outs.  Thanks to an introspective work I can bring order to the chaos of the small cut outs—a more joyful order.

The amount of images to cut out is infinite, and they vary in their colors and textures. The shapes in which they can be cut out are infinite, such as circles, rectangles, squares, strips, rhombuses, or irregular geometric forms. Their layout in the surface of the work is unlimited; plot, pattern, repetition, overlap; diagonals, horizontally, vertically.

 

Mi gusto por el trabajo manual y artesanal, me ha llevado a profundizar en la técnica del collage, con la cual trabajo hace varios años. Esta técnica me permite construir, a través de distintos recortes, composiciones de movimiento y color. A través de un trabajo introspectivo puedo llevar orden al caos de los pequeños recortes, un orden más alegre.

Es infinita la cantidad de imágenes para recortar, que varían en sus colores o texturas. Ilimitadas las formas en que se pueden recortar como círculos, cuadrados, tiras, rombos o formas geométricas irregulares. Ilimitada es su disposición en el plano de la obra, trama, patrón, repetición, superposición, diagonales, horizontales, verticales.

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October 5, 2013 Marcolina Dipierro https://abstractioninaction.com/artists/marcolina-dipierro/

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In the current development of my work, I’ve seen necessary to incorporate physical and concrete objectual elements so they dialogue directly with the walls and floors in spaces of determinate spaces, pursuing a more architectural ideal more adapted and articulated to the exhibition space. I am interested on encountering the space by creating spatial and formal connections with the shadows and their materiality, subjecting the surfaces and physical limits of the space, unlimiting it formally, visually and perceptively.

In some cases, I work with a series of “objectual pieces,” consisting of basic geometric elements: volumes, planes and lines made with simple materials, to continue with the idea of space as protagonizer, beyond the materiality of the forms. To develop them I use linear forms of stainless steel, aluminum or carbon fiber, and other materials such as acrylic and woods. Some of the works are constructed in modules so they can adapt to different exhibition spaces and so that I can make combinations subject to the space where they would finally be placed at. This series of works that I have been producing, are an account of my most current analysis about the unlimited possibilities that the space offers as support to the work, as a constructive tool.

 

En el desarrollo actual de mi trabajo he visto necesaria la incorporación de elementos físicos y objetuales concretos para que dialoguen directamente con muros y pisos en ángulos de determinados espacios persiguiendo una idea más arquitectónica, más acoplada y articulada al espacio expositivo. Me interesa salir al encuentro del espacio estableciendo vínculos espaciales y formales con las sombras y las materialidades de las mismas subjetivizando las superficies y fronteras físicas del espacio, ilimitándolo formal, visual y perceptivamente.

En algunos casos, trabajo con una serie de “piezas objetuales” conformadas por elementos geométricos básicos: volúmenes, planos y líneas elaborados en materiales simples, para continuar con la idea del espacio como materia protagónica más allá de la materialidad de las mismas. Para su desarrollo utilizo  formas lineales y planas de acero inoxidable, aluminio ó fibra de carbono, así como también materiales como el acrílico y  madera de diferentes calidades.

Algunas de las obras son construídas en módulos de modo de poder adaptarse a diferentes espacios expositivos y para permitirme realizar con ellas combinaciones supeditadas al espacio donde serán finalmente emplazadas.

Esta serie de obras en las que vengo trabajando dan cuenta de mis últimas investigaciones en las posibilidades ilimitadas que ofrece el espacio como soporte de la obra, como herramienta constructora.

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October 5, 2013 Gabriel de la Mora https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-de-la-mora/

Translated from Spanish

I always knew that when I would leave architecture, someday I would return to it, not as an architect, but as an artist. I do not consider myself a painter, sculptor, draftsman, or photographer. I find reducing art to one technique to be unfair. I am an artist who works with ideas, possibilities and concepts, where each work requires a particular technique. Since I was a child I have struggled to distinguish fantasy from reality; now I constantly try to transform figuration in abstraction and vice versa. I have always liked to surprise myself and surprise everyone else. When this is incorporated into the fact that the work leaves you thinking, the work becomes complete. I am interested in finding the balance between the formal and the conceptual; between the left and the right. I am left-handed and dyslexic, therefore I write backwards in a natural way since I was 4 years old, using the right hemisphere of the brain; where emotional expression, sign language, musical sensibility and artistic sensibility are located. I work, think and speak with numbers, information, counting, figures, in a repetitive, obsessive way, organized within chaos. I constantly seek originality through repetition; I like something to be universal and particular. I am at the same time minimalist and baroque. I have 6.5 cm between my two pupils. The first impression with any work of art will always be visual, as conceptual as this may be. Thus I am interested in experimenting with different ways of “seeing” that are not only through the eyes. To achieve this I often use psychics and blind people, since I am certain of the parallel that exists between a clairvoyant and an artist. I am drawn by paranormal phenomena, criminology, music and meditation, among many other things. I am interested in accumulating objects from 1860 to 1960, approximately, focused on photography and architectural elements, among others. I look for and find “things” that ceased to fulfill the function they were made for and before they are turned into waste, I negotiate them, exchange them or buy them to turn them into something else. My studio is a sort of laboratory where experimentation is fundamental to the process and development in series. All the processes are documented and are part of an archive. When I make a mistake, it is not fixed or patched up; the work is simply discarded and I begin another one from scratch. I like to question and create through a process of destruction. Also to create something to then undo it, then something that apparently does not take me anywhere ends up being the work itself, through the trace, the mark or the document that remains. Work produces work, work produces more work, and work also produces ideas and ideas generate more ideas and also more work. The workshop functions infinitely and circularly, with a team of people that go from the ordinary to the extraordinary. I buy, collect and accumulate a great diversity of archives that ultimately will be a work in themselves, or the raw material of different series to be developed. I write ideas, projects, phrases, words and quantities in my notebooks every day. I always work in different series or projects simultaneously, in some I have absolute control of the work, and in others everything is random. Some works are a 100% created in the studio, while others are found or transformed from garbage to something else. Time, gravity, fragility, waste, and accident are the constants in any series or any work. The energy factor of the works, the objects and the things in general is an important element, such that my definition of art is parallel to the definition of energy: Art is neither created nor destroyed, it can only be transformed.

 

Siempre supe que al dejar la arquitectura, algún día regresaría a ella, pero ya no más como arquitecto, sino como artista. No me considero pintor, escultor, dibujante, ni fotógrafo; reducir el arte a una técnica me parece injusto. Soy un artista que trabaja con ideas, posibilidades y conceptos, en donde cada obra pide una técnica en particular. Desde pequeño me ha costado diferenciar la fantasía de la realidad; ahora constantemente trato de transformar la figuración en abstracción y viceversa. Siempre me ha gustado sorprenderme y generar sorpresa en los demás, cuando esto se une a que la obra te deje pensando, se completa la pieza. Me interesa encontrar el balance entre lo formal y lo conceptual; entre la izquierda y la derecha. Soy zurdo y disléxico, por lo que escribo al revés desde los 4 años de forma natural, utilizando el hemisferio derecho del cerebro; en donde se localiza la expresión emocional, el lenguaje mímico, la sensibilidad musical y la sensibilidad artística. Trabajo, pienso y hablo con números, información, conteos, cifras, de una forma repetitiva, obsesiva y ordenada dentro de un caos. Busco constantemente la originalidad a través de la repetición, me gusta que algo sea universal y particular; soy minimalista y barroco al mismo tiempo. Tengo 6.5 cm entre cada una de mis dos pupilas. El primer impacto con cualquier obra de arte siempre será visual, por más conceptual que esta sea; por lo que me interesa experimentar con diversas formas de “ver”, que no sea únicamente con los ojos; para lograr esto suelo utilizar videntes e invidentes, ya que estoy seguro del paralelo que existe entre un vidente y un artista. Me llaman la atención los fenómenos paranormales, la criminología, la música y la meditación entre muchas cosas más. Me interesa acumular objetos que van de 1860 a 1960 aproximadamente, enfocados en fotografía y elementos arquitectónicos principalmente, entre muchos más. Busco y encuentro “cosas” que dejaron de cumplir su función para las que fueron hechas y antes de convertirse en un desecho, negociarlas, intercambiarlas o comprarlas para convertirlas en algo más. Mi estudio es una especie de laboratorio, en donde la experimentación es la parte fundamental en el proceso y desarrollo de serie. Todos los procesos quedan documentados y forman parte de un archivo. Cuando cometo un error, no se compone o parcha, simplemente la pieza se descarta y se comienza una nueva desde cero. Me gusta cuestionar y crear mediante de un proceso de destrucción, así como también hacer algo para después deshacerlo y lo que aparentemente no me lleva a nada, en realidad es la obra en sí, a través de la huella, la marca o el registro que queda. El trabajo genera trabajo, el trabajo genera más trabajo, el trabajo genera también ideas y las ideas generan más ideas y a la vez también más trabajo, y así infinitamente y en círculo es la forma en la que funciona el taller, con un equipo de personas que van de lo ordinario a lo extraordinario. Compro, colecciono y acumulo una gran diversidad de archivos que al final serán una obra en sí o la materia prima de diversas series por desarrollar. Todos los días escribo en mis cuadernos ideas, proyectos, frases, palabras y cantidades. Siempre trabajo en varias series o proyectos al mismo tiempo, en algunos tengo un control absoluto de la pieza, en otros todo queda al azar. Algunas obras son creadas al 100% en el estudio, mientras otras son encontradas o transformadas de un desecho a algo más. El tiempo, la gravedad, la fragilidad, el desecho, el accidente, son constantes el cualquier serie o en cualquier pieza. El factor energético de las piezas, de los objetos y las cosas en general es un elemento importante, tanto así que mi definición de arte es un paralelo a la definición de energía: El arte ni se crea ni se destruye, tan solo se transforma.

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October 5, 2013 Célio Braga https://abstractioninaction.com/artists/celio-braga/

The inspiration for my recent work lies in Brazilian popular culture: its rituals and colours, and processes of patient making that are often based on repetition. This is a culture where materials become infused with beliefs and desires, ritually suffused with the promise of future realisation. Aware of this permeability between the everyday and the spiritual, between concrete matter and intangible memories and wishes, I employ objects as materials that reflect the way desires are ritualized through matter: medical information leaflets and containers, Bonfim wish ribbons and textile fragments become the ground that supports the work, both materially and symbolically. Ingesting medicine and tying knots on Bonfim ribbons are a way of making wishes, and of anxiously awaiting for blessings; fragments of textiles speak of the desire to remember and to be close. In common, these material elements point to the desire of a body that wishes for health, intimacy, love and prosperity; a fragile body that fears mortality.

Influenced by practices of weaving, knotting, tying, cutting, mending, darning, sewing, embroidering and covering, I interweave gestures, rhythms and improvisations based on the repetition of lines and colours. In the Doloridos series, I cover medical leaflets with white gouache, hushing them, and trace horizontal or vertical lines in blue, red, green or yellow. This series is predominantly white, and silent. Ladainhas, on the other hand, is a colourful and vibrant series, in which I use cut paper, Bonfim wish ribbons, textile fragments and colour pencils. It reflects the simple popular geometry of rag rugs and patchwork quilts, but contains voids, around which the lines form grids that resonate as voices in ecstasy or supplication.

These are abstractions where visual perception and bodily pulsation merge. They draw the gaze and invite the viewer to come closer, attracted by what is apparently a rigorous minimalist grid or a rich profusion of colours. As a reward to the attentive and unhurried gaze, the work unveils a surprise – its own materiality and traces of texts from the ribbons and leaflets, now illegible, offer other readings. The work is the white hush that silences words, the interval between voices. It is the colourful voices that cannot be silenced, and intone other words, words that convey belief and desire. The work relates to rituals of cure, purification and protection, and is intended as a materialization of songs of joy and pain.

These works are lamentations and litanies presented as white or colourful geometry.

 
Traducido del inglés

La inspiración en mi obra más reciente yace en la cultura popular de Brasil: sus rituales, colores y pacientes procesos de elaboración que a menudo se basan en la repetición. Esta es una cultura donde los materiales se funden con las creencias y los anhelos, ritualmente cubiertos con la promesa de realización futura. Al tanto de esta permeabilidad entre lo cotidiano y lo espiritual, entre la materia concreta y las memorias y deseos intangibles, uso objetos como materiales que reflejan la forma en la que los deseos son ritualizados por medio de la materia: folletos y contenedores de información médica, listones de deseos de Bonfim y fragmentos de textiles, se vuelven la base que soporta la obra, de manera material y simbólica. Ingerir medicina y hacer nudos en listones de Bonfim son ambas maneras de tener un deseo y de esperar ansiosamente por bendiciones. Piezas de textiles hablan del deseo de recordar y permanecer cercano. En común, estos elementos materiales apuntan al deseo de un cuerpo que anhela salud, intimidad, amor y prosperidad; un cuerpo frágil que teme a la mortalidad.

Influido por prácticas de tejido, anudado, amarrado, cortado, reparado, zurcido, costura, bordado y recubrimiento, entrelazo gestos, ritmos e improvisaciones basadas en la repetición de líneas y colores. En la serie Doloridos, cubro folletos médicos con gouache, silenciándolos y trazando líneas horizontales o verticales en azul, rojo, verde o amarillo. Esta serie es predominantemente blanca y silenciosa. Ladainhas, por otro lado, es una serie colorida y vibrante, en la que uso papel cortado, listones de deseos de Bonfim, fragmentos de textil y lápices de colores. La serie refleja la simple geometría popular de tapetes de trapo y colchas de retazos, pero contiene vacíos alrededor de los cuales las líneas forman retículas que resuenan como voces en éxtasis o suplicio.

Estas son abstracciones donde la percepción visual y la pulsación corporal se unen. Atraen la mirada e invitan al espectador a acercarse, intrigado por lo que aparenta ser una rigurosa cuadrícula minimalista o una rica abundancia de colores. Como recompensa a la mirada atenta y parsimoniosa, la obra revela una sorpresa: su propia materialidad y huellas de textos de los listones y folletos, ahora legibles, producen otras lecturas. La obra es el blanco silencio que calla las palabras, el intervalo entre voces. Son las voces coloridas que no pueden ser silenciadas y entonan otras palabras; palabras que transmiten creencia y deseo. La obra se relaciona con rituales de sanación, purificación y protección y es concebida como una materialización de canciones de alegría y dolor.

Estas obras son lamentos y letanías presentadas como geometría blanca o de colores.

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October 4, 2013 Iosu Aramburu https://abstractioninaction.com/artists/iosu-aramburu/

My practice is centred on an exchange of glances between Peruvian modernity and its internal conflicts, and the romantic observation of ruins.  I work with archival images and texts mainly about the modern architecture boom of the 1940s and 1950s in Latin America, especially in Peru. I try to make these images collide with each other; producing a series of new relationships that seek to reveal hidden aspects of the official discourses that loaded each image. I use architecture as a clear example of the promise of a modernity that never fully arrives.

 

Mi práctica se centra en el intercambio de miradas entre la modernidad peruana y sus conflictos internos, y la observación romántica de las ruinas. Trabajo con imágenes de archivo y textos sobre el auge de la arquitectura moderna de los años 1940 y 1950 en América Latina y especialmente en el Perú. Me interesa hacer chocar estas imágenes entre sí, produciendo nuevas relaciones que traten de revelar aspectos ocultos de los discursos oficiales que cargaba cada imagen. Utilizo a la arquitectura como un ejemplo claro de la promesa de una modernidad que jamás termina de llegar.

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