Abstraction in Action Magdalena Fernandez, Marcius Galan, Felipe Mujica: De lo Espiritual en el Arte. Obertura https://abstractioninaction.com/happenings/magdalena-fernandez-marcius-galan-felipe-mujica-de-lo-espiritual-en-el-arte-obertura/

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Artists: Claudia Andujar, Margarita Azurdia, Nicolás Bacal, Manuel Casanueva, Gregorio Cuartas, Magdalena Fernández, Marcius Galan, Mónica Giron, César González, Gertrude “Gego” Goldschmidt, Ariel Guzik, Mateo López, Anna Maria Maiolino, Felipe Mujica, Gabriel Orozco, John Mario Ortiz, Nicolás París, Carlos Rojas, Bispo do Rosario, Armando Reverón, Xul Solar, Juan Diego Tobalina.

De lo Espiritual en el Arte. Obertura
July 14th, 2016 – September 11, 2016
Museo de Arte Moderno de Medellín
Medellín, Colombia

Es probable que la noción de lo integral sea tan decisiva a esta centuria como la de relatividad lo fue para el siglo XX.

Las ideas que se han trazado hasta el momento con el fin de superar la emergencia ecológica demandan con urgencia el reemplazo de los modelos que amenazan la continuidad de la existencia en el planeta, por prácticas integrales que van de la mano de comprensiones sistémicas y holísticas.

Los desarrollos alcanzados hasta el momento por las ciencias naturales y humanas ofrecen oportunidades ideales para llegar a esas metas. A ellos se debe la existencia de herramientas de conocimiento, investigación, educación, conexión y difusión como no hubo antes en la historia y, también, la claridad de que las actitudes integrales son inconcebibles sin el desarrollo de la consciencia espiritual y sin una educación diseñada con ese propósito.

Los análisis sistémicos revelan el desequilibrio que conlleva el favorecimiento de la razón sobre otros ámbitos de la vida y fortalecen el interés en formas de conocimiento generadas en la órbita del espíritu. Estas formas advierten que desde el territorio del espíritu se ingresa con respeto hacia otra ciencia que es exigente, compleja, complementaria a la empírica, y que emerge en un espacio distinto: el interior.

A ese respecto, el arte representa un invaluable campo vivo de observación y entendimiento en tanto que es uno de los medios que le da rostros al espíritu. En esa medida, su historia guarda una herencia apreciable cuya investigación y reinterpretación contribuye a recuperar lo que largos años de materialismo y dominio de la razón ensombrecieron. A causa de la inmensidad y variedad de su riqueza, sin embargo, esta herencia tomará años de estudio y recuperaciones.

Con esa consciencia, esta exhibición fue concebida como una obertura, como el ingreso desde distintas sendas a un universo enorme, múltiple y en eterna y necesaria construcción. De allí que los artistas contemporáneos, cuyas obras representan caminos de exploración necesarios para las comprensiones a que se ha abierto el presente, compartan estas salas con grandes maestros de la historia del arte que los han influido directa o indirectamente, ya sea como pilares de su gramática visual o como intérpretes que abarcan el mundo al que pertenecen y que con su contribución descubren de modo continuo.

El común denominador que une a estos artistas, que trabajan desde distintos lugares e intereses, es el desarrollo lúcido de las visiones complejas y unitarias que se requieren hoy, las cuales reclaman un lugar importante en el diálogo en el que se definen las nuevas convenciones que representarán al ser y al universo.

Sin que necesariamente pertenezcan a una religión, algunos de los artistas aquí convocados se alimentaron de los saberes codificados en ellas, o en las herencias ancestrales, con la idea de desentrañar las lecciones que nos dan sobre luz, geometría, matemática, y sobre la manera en que éstas estructuran la forma o la materia. De este modo, rescataron culturas y filosofías arcanas que en la actualidad son de gran interés y mantuvieron vibrando para nosotros el espacio de la sabiduría milenaria.

August 1, 2016 Bernardo Ortiz: Borrar https://abstractioninaction.com/happenings/bernardo-ortiz-borrar-2/

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Artist: Bernardo Ortiz 

Borrar
May 18, 2016 – October 9, 2016
Museo de Arte Moderno 
Buenos Aires, Argentina

La obra de Bernardo Ortiz (Bogotá, Colombia, 1972) explora los territorios del dibujo, la escritura y la tipografía, y cruza la delicada frontera entre la obra de arte que se crea escribiendo y el dibujo que forma parte de un texto mayor: el de la práctica cotidiana del artista.

Ortiz es un artista preocupado por el acto de ver y sus dobleces. Con su trabajo, nos invita a agudizar la mirada y a preguntarnos cómo se construye una imagen y qué constituye una obra de arte. Y nos provoca abiertamente al titular su exposición Borrar.

Para esta exhibición en el Moderno, Bernardo Ortiz ha producido una estructura arquitectónica especialmente diseñada para la ocasión, con el objetivo de permitir el despliegue de obras y dibujos. El espectador recorrerá la instalación descubriendo las operaciones poéticas de un artista dedicado obsesivamente a hacer posibles nuevos vínculos entre el texto y la imagen, que dejan de lado toda grandilocuencia para enfatizar la importancia del pequeño gesto artístico cotidiano y su potencial de transformación.

Ortiz se define como “dibujante” y señala: “Siempre he pensado que el dibujo permite mantener viva la potencialidad de lo que no fue hecho. Dibujar es una forma de hacer visible algo que todavía no existe del todo. Una ingeniera diseñando un puente, alguien que dibuja un mapa para otra persona, etc.”.

Sus medios son simples: una hoja de papel, un retazo de seda, una computadora portátil, tinta o un lápiz negro y duro. Esta modestia de recursos impone un ritual riguroso para la creación de ciertos trabajos: el regreso cotidiano a diversas series de obras a través de las cuales el artista se compromete a usar el dibujo para hacer visible el paso del tiempo.

July 14, 2016 Fernando Uhía: Impresionismo Multinacional https://abstractioninaction.com/happenings/fernando-uhia-impresionismo-multinacional/

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Artist: Fernando Uhía

Impresionismo Multinacional
May 19, 2016 – June 28, 2016
Galería Nueveochenta Arte Contemporáneo
Bogotá, Colombia

June 21, 2016 Pedro Tyler: Lo Bello & lo Sublime https://abstractioninaction.com/happenings/pedro-tyler-lo-bello-lo-sublime/

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Artists: Ángela Wilson, Andrés Vio, Eugenia Vargas Pereira, Pedro Tyler, Catalina Prado, Francisco Peró, Teresa Ortúzar, Carolina Oltra, Lorenzo Moya, Catalina Mena, Alicia Larraín, Hernán Gana, Amelia Errázuriz y Rodrigo Bruna.

Lo Bello & lo Sublime
April 14, 2016 – May 21, 2016
Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá – MAC
Bogotá, Colombia

El sentimiento más delicado, según Kant, se bifurca en dos especies; una es el sentimiento de lo bello y el otro es el sentimiento de lo sublime. Donde la afección para ambos es agradable, pero de manera muy diferente, así vemos que el día es bello y la astucia es pequeña y bella. Grandes lineamientos para comprender a este filosofo alemán, al expresar que el día es bello y la noche es sublime, esta sensacion tiene varios niveles, que van desde lo melancolico, al horror. Desde lo grande que es sublime a lo bello que es pequeño, pero nada es tan certero, ni tan definido. Asi se traspasan estas  especies provocando  sentimientos que nos llevan desde lo bello a lo sublime.

El entendimiento  es sublime, el ingenio es bello, la audacia es sublime y grandiosa, en esta construcción  arbitraria construida en el año 1765, al año siguiente en un compendio de notas, donde las cuestiones morales  y antropológicas hablan de un mundo eurocentrista, antes de aparecer  la extensión de lo sublime en el nuevo mundo, donde los caracteres asignados a lo europeo y sus diversas  nacionalidades dan paso las mesticismos, donde los aportes de los pueblos originarios unidos a lo europeos, más un nuevo ingrediente, que son las culturas africanas, producen seres con una historia llena de nuevas fuentes.  Las ideas de Kant se enriquecen y al citarlo, nos conduce a un desarrollo nuevo de interés.

Existen espacios inconclusos en el arte latinoamericano, producto de contingencias socio culturales y que son causantes de un desarrollo tardío en el quehacer local. Las peripecias de nuestro arte en lo formal se aprecian en salas donde se atiborran la recepción de proyectos que al final no dieron a la luz.  Lo social y politico, factores inherentes, se agrupan como testigos de los quehaceres de nuestros artistas.  En este plano esta exposición se compone en una revisión de nuestro arte, considerando lo interno, cuyos contenidos aluden a situaciones inherentes a las realidades contingentes.

 

 

May 19, 2016 Emilia Azcarate, Magdalena Fernandez, Ximena Garrido-Lecca: MDE 15 Medellín https://abstractioninaction.com/happenings/emilia-azcarate-magdalena-fernandez-ximena-garrido-lecca-mde-15-medellin/

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Artists: Adrián Balseca, Adrian Paci, Adriana Escobar, Alexandra McCormick, Allan Sekula and Noël Burch, Amar Kanwar, Ana Patricia Palacios, Annaleen Louwes, Anri Sala, Antonio Caro, Antonio Paucar, Arquitectura Expandida and Caldo de Cultivo, Camila Botero, Camilo Cantor, Camilo Restrepo, Carlos Motta, Clara Ianni and Debora da Silva, Claudio Perna, Colectivo Nomanada, Cráter Invertido, Dan Perjovschi, Daniela Ortiz, Elena Vargas Tisnés, Élkin Calderón Guevara, Emilia Azcárate, Fernando Arias, Giuseppe Campuzano, Gülsün Karamustafa, Halil Altindere, Jordi Colomer, Jorge Alonso Zapata, Jorge Andrés Marín, José Alejandro Restrepo, Juan Javier Salazar, Juan Obando, Libia Posada, Liliana Angulo, Magdalena Fernández, Mapa Teatro, María Buenaventura, Michael Soi, Miguel Ángel Rojas, Mónica Mayer, Mujeres Creando, Myriam Lefkowitz, Natalia Giraldo Giraldo, Nathalie Djurberg and Hans Berg, Nathaly Rubio, Núria Güell, Paromita Vohra, Phil Collins, Santiago Vélez, Sislej Xhafa, Tercerunquinto, Todo por la Praxis, Tricilab, William Engelen, Wilson Díaz, Ximena Garrido-Lecca, Yoel Díaz Vázquez.

MDE 15 Medellín
Curated by Nydia Gutiérrez, Tony Evanko, Fernando Escobar, Sharon Lerner, Edi Muka.
October 2015 – March 2016
Museo de Antioquia
Medellín, Colombia

The theme of Local Stories/Global Practices has been conceived to create a space of reflection and engagement with the recent transformation of Medellín since the turn of the millennium. Medellín, considered to be a progressive Latin American city that has implemented innovative programs to stimulate social and urban development, is part of a larger picture. While the results of these processes are real and tangible, the dynamics they have generated are particularly complex from an ethical standpoint. In order to understand their implications we propose to focus on these processes of change and explore them through commissioned projects, works of artists and other socially oriented initiatives, sometimes inserted in spaces beyond the artistic field.

MDE15 inserts itself in the social fabric of the city while sharing stories, experiences and practices from elsewhere in the world. Transformative changes can elicit psychological, physical and social responses that range from issues of trust and security to economic well-being. The stories that result from observations and from the direct experiences of people in communities, often address the coping mechanisms that are required to survive and flourish amid those changes, which often occur at a pace that outstrips the citizens and society’s ability to assimilate them. MDE15 aims at focusing on the unsaid and the less visible aspects of the everyday, such as memory, the past, the persistence of structural problems, but also the resilience of life in the city. It also relies on the potential of art to harness the capacity of individual and collective imagination to re-signify complex situations.

It is in this context and in the context of a critical standpoint in which the definition of artistic practice is constantly being challenged, that the MDE15 unfolds.

Topics

  1. Violence, conflict and memory
  2. Local stories in a global context
  3. Exertion of power over the body
  4. The institutional teasing
  5. Resilient city: dreams, desires and possibilities
January 29, 2016 Ricardo Rendón: Equilibrio y concentración https://abstractioninaction.com/happenings/ricardo-rendon-equilibrio-y-concentracion/

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Artist: Ricardo Rendón

Equilibrio y concentración
November 21 – December 18, 2015
Nueveochenta
Bogotá, Colombia

La obra de Ricardo Rendón se ha mantenido como un comentario constante de las posibilidades espaciales y materiales de la práctica escultórica, en busca de la concepción de atmósferas creadas para la reflexión sensorial de la forma y los materiales que la detonan. Su trabajo discurre en los limites de los formatos industriales y los propios de la práctica artesanal, y propone con su antonimia de producción una plataforma de especulación de lo que podría identificarse como nuestra “actual naturaleza”, cargada de soportes y disciplinas para comprender la materia de manera no científica, sino emocional.

David Miranda

November 25, 2015 Alexander Apostol, Leyla Cárdenas, Nicolás Consuegra & Elena Damiani: En y Entre Geografías https://abstractioninaction.com/happenings/alexander-apostol-leyla-cardenas-nicolas-consuegra-elena-damiani-en-y-entre-geografias/

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Artists: Adolfo Bernal, Alex Cerveny, Alexander Apostol, Anna Bella Geiger, Armando Miguelez, Bouchra Khalili, Camille Henrot, Carolina Caycedo, Christy Gast, Dora Mejia, Elena Damiani, Jose Castrellon, Leyla Cardenas, Libia Posada, Luis Hernandez Mellizo, Manuela Ribadeneira, Margarita Pineda, Milena Bonilla, Monica Paez, Nicolas Consuegra, Oscar Farfan, Paola Monzillo, Sebastian Fierro, Tania Bruguera, Tulio Restrepo.

En y Entre Geografías / In and In Between Geographie
Curated by Emiliano Valdés
September 2 – November 9, 2015
MAMM Museo de Arte Moderno
Medellín, Colombia

After almost four decades of existence, the Medellín Museum of Modern Art begins a new phase with the opening of its Expansion in September. For the opening, the Museum will present En y entre Geografías (In and In Between Geographies) among eight other exhibitions. In and In Between Geographies brings together a group of international artists who incorporate in their practices research and physical, cultural and political thinking aspects that determine the location of human beings and how such aspects affect life conditions, including subjective parameters like desire and intellectual production. The exhibition is structured in three sections that address mobility in the early 21st century through a variety of research approaches: formal, political, and metaphorical.

September 24, 2015 Nicolás Gómez: Parque estacionario https://abstractioninaction.com/happenings/nicolas-gomez-parque-estacionario/

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Artist: Nicolás Gómez

Parque estacionario
September 18 – November 8, 2015
Museo de Arte de Pereira
Pereira, Colombia

En la Sala Principal del Museo el Artista Nicolás Gómez Echeverri, nos presenta una serie de proyectos y piezas que hacen parte de la investigación que el artista realiza en torno a la historia de la pintura y su legado en la comprensión colectiva del paisaje. Estos trabajos no se apoyan en la pintura para hacer una ficción del espacio contemplado, Por el contrario, parten de los códigos pictóricos existentes en los espacios recorridos a diario, que en su manifestación dan cuenta de un potencial simbólico de efecto en nuestras vidas.

September 18, 2015 Luis Roldán: Rompecabezas https://abstractioninaction.com/happenings/luis-roldan-rompecabezas/

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Artist: Luis Roldán

Rompecabezas
Curated by Alejandro Martín
July 24 – October 25, 2015
Museo La Tertulia
Cali, Colombia

Son tan distintas las obras que ha realizado Luis Roldán durante su vida que en una primera mirada cuesta entender que sea la misma persona quien las haya hecho. ¿Pero qué es ser una misma persona? Hay distintas formas de entender la identidad: una salida es buscar aquello común, aquello que es siempre igual, y otra asumir la complejidad, viendo las partes con cuidado y estudiando las formas en que se conectan y se relacionan. Ante el conjunto de las piezas, al ser pensadas como una unidad, es en quien las aprehende donde se produce el clic que genera la conexión.

El trabajo de Roldán se configura en conjuntos de obras en las que las piezas se agrupan de modos muy diferentes. Es posible reunirlas en series, a la manera clásica, como sucede con su serie de pinturas Reflexiones (1989) y la de esculturas-pinturas Eidola (2015), pero también es posible hacerlo en conjuntos muy heterogéneos que más bien es posible pensar como “rompecabezas”, entre los cuales están aquellos que ocupan las salas principales de esta muestra: Circunstancias (2009) y Secreta prudencia (2014). En estos “rompecabezas”, Roldán presenta a la vez dibujos, pinturas, collages, instalaciones y objetos intervenidos que, reunidos, dan cuenta de su exploración tras una cierta pista, del seguimiento de una serie de intuiciones en cadena a partir de un impulso inicial. Al ver las piezas juntas, el espectador es quien debe armar el todo, atender a los detalles y dejarse guiar por su sensibilidad para llevarse consigo una emoción o una inquietud, más que un mensaje o una idea.

Circunstancias parte de una anécdota de En busca del tiempo perdido de Marcel Proust. En este libro se cuenta el último día de la vida de Bergotte, el escritor, y la forma en la que una crítica de arte que lee lo impulsa a visitar en el museo la Vista de Delft, de Vermeer, para buscar un detalle que allí se menciona y que no había notado en un cuadro que él creía conocer muy bien. Esa pequeña pared amarilla que mira con cuidado por primera vez lo lleva a pensar: “Así debería haber escrito yo. Mis libros son demasiado secos, tendría que haberles dado capas de color, que mi frase fuera preciosa por ella misma, como ese pequeño panel amarillo”. Esa pared amarilla, que tiene eso inasible que hace la obra de arte, hace eco de la frase musical que obsesiona a Swann, otro de los personajes de la novela, y a través de los dos motivos Proust va dando forma a su concepción de la belleza: en particular, sobre cómo ella se nos presenta y nos somete de modo implacable y caprichoso a la vez [1].

Secreta prudencia, por su lado, va configurándose al rededor de la lectura del libro Los tiempos de Stalin, de Anton Antonov-Ovseyenko (1920-2013), quien fue hijo de uno de los líderes revolucionarios bolcheviques traicionados, perseguidos y ejecutados por el gobierno de Stalin. El autor, que a su vez fue víctima del encerramiento injusto en campos de trabajo por trece años, intenta reconstruir en su libro los horrores sucedidos bajo el poder de Stalin y cuyo rastro ha intentado ser borrado de la historia. A partir de allí, Roldán produce obras que crean una situación inquietante, en las que se hacen presente la mirada policiva, la represión y las distintas estrategias para sobrevivir. Pero es clave notar cómo, si bien en la instalación hay elementos de representación literal como la gorra soviética o las gafas que nos hablan de la casi total ceguera de Antonov, la exploración del artista en todos los casos se apoya en esos gestos para dar un salto y crear otras piezas, en las que cada una crea su propio enigma, realiza su propia exploración con los materiales y las formas o da cuenta de un particular hallazgo o conexión.

En la serie Sueños (2003), Roldán cose sobre papel dibujos con hilos cargados de grafito que crean distintas estructuras dispersas y que también pueden ser vistas como códigos o partituras. Al seguir la metáfora sugerida por el título, uno puede tomarlos como diagramas de una consciencia intermitente: esquemas para pensar el yo no como una línea continua, sino como una línea que puede atenuarse y subrayarse, que a veces duda, que da vueltas, que se bifurca. Parte de esos Sueños son los Rotos (2005). En este caso, el papel, que era una superficie continua sobre la que sucedía el dibujo, se rasga y las líneas de hilo se tornan telarañas, marañas. La situación se troca: ahora el fondo no es el papel sino el espacio, el dibujo se curva, se tuerce y se hace tridimensional y ya no nos preguntamos por la unidad de la línea, sino de la superficie. Esos papeles quebrados están ahora a punto de separarse y permanecen frágilmente unidos por los hilos. La ruptura ya no es discontinuidad, sino quiebre y nos enfrentamos al vilo, a la tensión, al suspenso.

Esta exposición busca pensar los fragmentos, las rupturas, los quiebres y las formas. Invita a imaginar cómo a partir de allí se pueden hilar memorias o relatos, ligar intuiciones o emociones, trazando líneas que intenten unir, pero que son siempre conscientes de lo vulnerables que son los lazos que crean.

[1] «A la idea filosófica de “método” opone Proust la doble idea de “coacción” y de “azar”. La verdad depende de que demos con algo que nos obligue a pensar y a buscar lo verdadero. El azar de los hallazgos, la presión de las coacciones son los dos temas fundamentales de Proust. Es precisamente el signo el que establece el objeto de un hallazgo, el que ejerce sobre nosotros esta violencia. El azar del encuentro es lo que garantiza la necesidad de lo pensado»
(Deleuze [1971]. “Proust y los signos”. Ideas y Valores. Bogotá: Universidad Nacional de Colombia).

August 25, 2015 Barbarita Cardozo: Tigersprung https://abstractioninaction.com/happenings/barbarita-cardozo-tigersprung-2/

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Artist: Barbarita Cardozo

Tigersprung
July 16- August 23, 2015
Museo Iglesia Santa Clara
Bogotá, Colombia

Esta exposición parte de una revisión a las colecciones del traje del siglo XVIII y XIX de algunos museos de la ciudad y el concepto Tigersprung de Walter Benjamín, que propone una mirada a los trajes de la época, para abordar de manera contemporánea temáticas propias de la moda: el vestuario, el accesorio y la imagen. La exposición presenta un recorrido por trajes creados por Cardozo, en colaboración con la diseñadora de modas Olga Piedrahíta; accesorios históricos de las colecciones del Museo Colonial, Museo de la Independencia – Casa del Florero y de colecciones privadas de moda; y acuarelas inspiradas en las acuarelas de usos y costumbres.

August 6, 2015 Barbarita Cardozo: Tigersprung https://abstractioninaction.com/happenings/barbarita-cardozo-tigersprung/

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Artist: Barbarita Cardozo

Tigersprung
July 16 – August 23, 2015
Museo Iglesia Santa Clara
Bogotá, Colombia

Para Benjamin, las arcadas, como objeto histórico significativo e “imagen del deseo y del sueño del colectivo”,xiv son también el Jano de doble rostro: lo que él llama la “ambiguedad de las arcadas”xv las transforma en lo que, en el sugerente término empleado por su asociado y comentarista Theodor Adorno, es una “imagen dialéctica”,xvi apuntando en dos direcciones al mismo tiempo y expresión tanto de la opresión (por la ideología del consumismo) y de la liberación (dentro de la utopía de la abundancia).

Christopher Rollason

July 16, 2015 Bernardo Ortiz: 180615 https://abstractioninaction.com/happenings/bernardo-ortiz-180615/

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Artist: Bernardo Ortiz

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June 18 – July 31, 2015
Casas Riegner
Bogotá, Colombia

En varios de sus escritos Gilles Deleuze dejó consignado que el pensamiento se produce a partir de un campo de posibilidades, de allí se deriva lo que denominó “la imagen del pensamiento”: aquello que nos permite hacerlo visible o enunciable. De forma similar, Bernardo Ortiz busca develar en su obra soportes y recursos que posibilitan la experiencia visual: la imagen como resultado de una amalgama de soluciones técnicas y materiales — como texto hecho de capas— se hace presente en dibujos, instalaciones e intervenciones.

Para 180615, su más reciente exposición individual en Casas Riegner, Ortiz continúa explorando entre posibilidades o límites que, de forma particular, se hacen evidentes en el arte: lo perceptible y lo imperceptible, lo reproducible y lo irreproducible, lo actual y lo potencial, lo real y lo ficticio. Haciendo uso de soluciones formales que van desde sobreponer dibujos, intervenir los soportes con distintas capas de gouache o perforaciones, contrastar colores afectando la legibilidad de las palabras, o reuniendo trazos hechos a mano con impresos — al igual que trazos precisos con pinceladas despreocupadas— el artista busca acercar lo conceptual a lo material. De tal forma, la muestra compone una narrativa marcada por gestos, referencias y acentos, que además emplea como recurso la ruptura de escala, ubicando dibujos de gran tamaño sobre diferentes soportes como una gran estructura en madera de balso.

De forma particular, en 180615 también están presentes técnicas en desuso como la digitalización de imágenes en TeX (1) y las impresiones heliográficas, métodos que enfatizan la cualidad fotográfica de la imagen y aluden a procesos obsoletos que evidencian sus límites: tanto la fotografía, la pintura, el dibujo como la proyección, están compuestas por unidades mínimas. Así, la reproducción, la copia, el dibujo del dibujo o la foto del dibujo, convergen borrando los límites entre técnicas, conceptos y discursos.

Si a cada época han correspondido diversas formas de producir una imagen, Ortiz se da a la tarea de crear instantáneas en las que se hacen perceptibles sus mecanismos. Después de todo, la experiencia visual, que muchas veces parece reducida a la imagen, es el producto de un complejo sustrato.

Bernardo Ortiz (Bogotá, 1972) estudió Artes Plásticas, Filosofía y Literatura. Ha realizado muestras individuales en Bogotá, São Paulo y Sevilla, y ha participado en renombradas exposiciones internacionales entre las cuales se destacan: II Biennale d’Art Contemporain de Lyon, Lyon, Francia (2011); Air de Lyon, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina (2011); 30 Bienal de São Paulo, São Paulo, Brasil (2012); Prix Canson Nominees Exhibition, Petit Palais, París, Francia (2013); Marking Language, Drawing Room, Londres, Inglaterra (2013); 11 Bienal de Monterrey, Monterrey, México (2014); y 12 Bienal de Cuenca (2014).  Su obra hace parte de importantes colecciones como la del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Tate Modern (Londres), Deutsche Bank (Frankfurt), Colección Patricia Phelps de Cisneros (Nueva York), Centre National des Arts Plastiques (CNAP, París) y Kadist Art Foundation, (París).

(1) Software de diseño gráfico de gran popularidad en la década del 70 para digitalizar imágenes.

July 6, 2015 Rosario López Parra: Los Acueductos https://abstractioninaction.com/happenings/rosario-lopez-parra-los-acueductos/

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Artist: Rosario López Parra.

Los Acueductos
July 5 – November 6, 2015
La Oficina del Dcotor, Casas Riegner
Bogotá, Colombia

Este proyecto desarrollado a partir de un archivo fotográfico de obras de ingeniería civil, “se basa en el poder de la fotografía como documento, pero también como objeto escultórico. Es decir, las fotografías recuperadas, independientemente que fueran obras de ingeniería sanitaria, proponen una apertura en el pensamiento contemporáneo de la escultura. Se leen como obras tridimensionales de gran envergadura que trascienden su funcionalidad y, en su emplazamiento, señalan un territorio apropiado y fragmentado del paisaje circundante”.

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June 26, 2015 Barbarita Cardozo: Remembranza https://abstractioninaction.com/happenings/barbarita-cardozo-remembranza/

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Artists: Jenny Patricia Ariza, Jonathan Blanco, Nicolás Cadavid, Jennifer Cristancho, María Angélica Martínez, Rafael Prada, Rafael Valenzuela, Luis Carlos Reyes, Freddy Saúl Serrano, and Rossely Ramírez Villamizar.

Remembranza
Curated by Plegable Colectivo (Barbarita Cardozo y Laura Lucia Serrano)
May 8-29, 2015
Centro Cultural del Oriente
Bucaramanga, Colombia

Remembranza” es la segunda curaduría de Plegable Colectivo en donde el tema de interés gira en torno a la naturaleza, ésta vez, desde proyectos de artistas emergentes y jóvenes de Santander, que al apuntar a tan amplía variedad de connotaciones de tipo simbólico, conceptual, cultural o histórico, abren un espectro a las diferentes formas en las que nos relacionamos con ella.

Los recorridos mentales y de desplazamiento presentes en la mayoría de las piezas denotan la necesidad del ser humano por contemplar, estudiar, representar, registrar o apropiar la naturaleza.

May 26, 2015 Emilia Azcárate, Leyla Cárdenas, Danilo Dueñas, Bernardo Ortiz, Rosario López & Luis Roldán: Why Abstract Art? https://abstractioninaction.com/happenings/emilia-azcarate-leyla-cardenas-danilo-duenas-bernardo-ortiz-rosario-lopez-luis-roldan-abstract-art/

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Artists: Emilia Azcárate, Leyla Cárdenas, Danilo Dueñas, Bernardo Ortiz, Adolfo Bernal, Carlos Bunga, Feliza Bursztyn, Beatriz Eugenia Díaz, Fernando Fragateiro, Rosario López, Delcy Morelos, Aleex Rodríguez, Carlos Rojas, Luis Roldán, Rosemberg Sandoval, José Antonio Suárez Londoño and Icaro Zorbar.

Why Abstract Art? (¿Por qué el arte abstracto?)
May 7 – June 11, 2015
Casas Riegner
Bogotá, Colombia

Group show.

May 6, 2015 Iván Navarro: Feio https://abstractioninaction.com/happenings/ivan-navarro-feio/

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Artists: Iván Navarro and Ricardo Muñoz.

Feio
February 12, 2015
Sketch
Bogotá, Colombia

En la sala de proyectos se mostrará un atlas cartografiado del artista Iván Navarro. Este proyecto de dibujo llamado “FEO” surge a partir de su interés por la estética, la asimetría, el error, la rareza típicas de la individualidad humana. Esta exposición está acompañada por el lanzamiento de la publicación FEIO editada por La Silueta en el año 2014.

En la sala princcipal de la galería, Ricardo Muñon Izquierdo, mostrará obra sobre papel producida en los últimos cuatro años. A través de yuxtaposiciones absurdas de iconos del arte, con humor, cinismo, y deformación alegórica acentúa tensiones dialéctivas entre lo público y lo privado, lo culto y lo marginal.

March 5, 2015 María Fernanda Plata https://abstractioninaction.com/artists/maria-fernanda-plata/
Translated from Spanish

My projects emerge from my interest about the urban habitat and the way in which we human beings relate to it. I reflect upon the way in which architectural constructions, in their apparent solidity and monumentality, conceal their transitoriness and vulnerability as places that provide refuge and security to their inhabitants.

My work refers to the fragility and fleetingness of things made by man and also the great effort and time that they demand to be completed. A fundamental part of my practice consists in challenging the very nature and structure of the materials I use. So I construct, for example, sculptures with paper that I have cut in large sections and that maintain themselves, three-dimensional drawings with compacted sand, notebooks that contain images made with cuts and therefore at greater detail the piece is more deteriorated, and most recently, works with cloth that is completely unravelled string by string.

 

Mis proyectos surgen de mi interés sobre el hábitat urbano y la manera en que los seres humanos nos relacionamos con él. Busco reflexionar sobre cómo las construcciones arquitectónicas en su aparente solidez y monumentalidad disimulan su transitoriedad y vulnerabilidad en cuanto lugar que procura refugio y seguridad a sus habitantes.

Mi trabajo se refiere a lo frágil y fugaz de las cosas construidas por el hombre y también al gran esfuerzo y tiempo que demandan para ser finalizadas. Parte fundamental de mi práctica consiste en retar a los materiales que uso en su propia naturaleza y estructura. Es así como construyo, por ejemplo, esculturas en papel que ha sido cortado en amplias áreas y que se sostienen por sí mismas; dibujos tridimensionales con arena apelmazada, cuadernos que contienen imágenes hechas con cortes y que por lo tanto a mayor detalle más deteriorada es la pieza, y, más recientemente, piezas de tela completamente deshechas hilo por hilo.

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March 2, 2015 José Olano https://abstractioninaction.com/artists/jose-olano/
Translated from Spanish

I am mainly a sculptor and my subject of study is balance and its relationship with fragility and chance. I work with everyday materials with which we interact on a daily basis; found or regular objects such as furniture, clothing, fruit, and glasses. The space that surrounds me is potentially artistic material. One can create a discourse, through the documentation or by rearranging the elements in the space at any moment. I use the materials without altering them, and I make the most out of their physical properties to create unstable structures that can evolve in time in space. Even if at the end the materials can be interchangeable, what becomes evident is the intention and the position of these elements. I am interested in the intersections between art and the everyday, to take the viewer out of his/her comfort zone, and to question the limits of what we consider “normal.”

 

Soy principalmente escultor y mi tema de exploración es el equilibrio y su relación con la fragilidad y el azar. Trabajo con materiales comunes con los que interactuamos cotidianamente, objetos encontrados o estándares, como muebles, ropa, frutas y vasos. El espacio que me rodea es potencialmente materia plástica, en cualquier momento, por medio del registro o re-acomodando los elementos en el espacio se puede crear un discurso. Uso los materiales sin intervenirlos y aprovecho sus propiedades físicas para crear estructuras inestables que pueden evolucionar en el espacio tiempo. Aunque al final los materiales son intercambiables, lo que salta a la vista es la intención y la posición de estos elementos. Me interesan las intersecciones entre el arte y lo cotidiano, sacar al espectador de su confort, y cuestionar los límites de la “normalidad”.

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December 23, 2014 Luis Roldán: Secreta prudencia https://abstractioninaction.com/happenings/luis-roldan-secreta-prudencia/

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Artist: Luis Roldán

Secreta prudencia
November 13, 2014 – February 15, 2015
Fundación Gilberto Alzate Avedaño
Bogotá, Colombia

Con disimulo alguien observa o escucha lo que pasa para comunicárselo a otros. Lo inculpan por traición y se redime trayendo su historia política al presente con sueños de expiación. Un prisionero político aguarda su tortura en el lugar de encarcelamiento; trabaja forzadamente hasta el agotamiento grabando insignias en piedras y en grandes obras de ingeniería. Estas micronarrativas y sus vestigios, se enlazan en un lugar compartimentado con secreta prudencia.

November 20, 2014 Danilo Dueñas: Como Es https://abstractioninaction.com/happenings/danilo-duenas-como-es/

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Artist: Danilo Dueñas

Como Es
August 28 – September 27, 2014
Casas Riegner
Bogotá, Colombia

For over three decades, artist Danilo Dueñas has been experimenting with abandoned materials and found objects for the creation of pictorial constructions that offer multiple interpretations. Adjusting harmoniously to their exhibition context, Dueñas’ uncanny installations manage to question, evoke and destabilize the viewer.

Dueñas’ most recent solo exhibition titled COMO ES (As It Is), elucidates the artist’s astounding ability to experiment with forms and materials. On this particular occasion however, this experimentation process is induced by the artist’s profound reflection on the human condition, which stems from his personal reading of Saint Augustine’s teachings. According to Possidius, Augustine’s biographer, while on his deathbed the Saint wept over his sins upon studying the penitential psalms which he had posted on the walls of this room. Inspired by the specific circumstances leading up to Augustine’s death, and by the presence of sacred words visualized on the saint’s wall, Dueñas revitalizes and expands his utilization of text dating back to the 90s, by emphasizing its formal power and grandeur. Recalling the functional nature of the medieval artistic object, the words “HOLY GHOST”, “SCRIPTURE”, “COVENANT” and “PSALM”, written out in black adhesive vinyl along several walls of the gallery, become the leading actors of the exhibition thanks to their enormous scale, austere form and visual and cognitive impact.

The visual alteration of the exhibition context and the harmonious and often unsettling presence of found objects such as used books, discarded pedestals and rusted architectural elements, all of which seem to be faded and warn out, comprise a powerful one room installation imbued with the artist’s personal religiosity. This artful orchestration of heterogeneous elements however, is brought into existence thanks to Dueñas’ profound ability to grant new life to abandoned spaces and objects.

Danilo Dueñas was born in Cali, Colombia in 1965. He has participated in numerous group and solo exhibitions including: Sense of Mendicity, Alejandra von Hartz, Miami, USA (2013); A Door Repeated and the Wardrobe Fell Corner Space, Galerie Thomas Schulte, Berlin, Germany (2012); Flying, Kunstlerhaus Bethanien, Berlin, Germany (2012); Beuys y más allá – El enseñar como arte, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá, Colombia (2011); La vitrina abierta, Lugar a Dudas, Cali, Colombia (2010); y A Flight (Un vuelo), Casas Riegner, Bogotá, Colombia (2009). In 2011, Dueñas took part in the Artists-in-Berlin Program, Berliner Künstlerprogramm, one of the most renowned international programs offering grants to artists in the Visual Arts. His work can be found in important art collections in Latin America including: Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro (Rio de Janeiro, Brazil); Museo de Arte de la Universidad Nacional (Bogotá, Colombia); Museo de Bellas Artes de Caracas (Caracas, Venezuela); and Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Sofia Imber (Caracas, Venezuela).

 

September 5, 2014 Jaime Ávila https://abstractioninaction.com/artists/jaime-avila/
Translated from Spanish

When I was young I lived in a very small village, which nowadays is even smaller because people left and never came back. In that place lived the fantasy of building cities amongst the rubble, rocks, and dirt mountains. I drew them and spent the days playing with sticks and pieces of boxes. As a teenager I drew hyperrealist comic strips of cities I did not know, and when I arrived to the city to study engineering, the first thing I saw was a city that I had never imagined until then.

I feel like a tourist in it even today. I construct ideas that guard dislocated structures on the urban geography and inhabitants detached from their utopic legality. It surprises me how I can be disturbed by the great cultural difference between people that live in the same place, the same way I am surprised to find commonalities in remote landscapes, and that I am even more surprised to have found a city like the one I live in, which was just like any other city in a different time, as if it could predict something that already happened. Days go by, many times from the same place, and through photography, drawing, engraving, silkscreen, prints, installation, video, and sculpture, I develop projects that connect the actual urban ethnography with a mutant architecture archeology, which are often misinterpreted as if they were compact urban prosthetics that are woven exponentially over the horizon of that landscape I saw as a child.

 

Cuando era niño vivía en un pueblo muy pequeño, hoy en día es aún más pequeño porque la gente se fue y no volvió. Allí en ese lugar  vivía la fantasía de construir ciudades entre montañas de escombros, rocas y tierra. Las dibujaba y pasaba los días jugando con palos y pedazos de cajas, de adolescente dibuje historietas hiperrealistas de ciudades que no conocía; cuando llegué a la gran ciudad a estudiar ingeniería, lo primero que vi fue una ciudad que nunca imagine hasta entonces.

Hoy en día me siento aun turista en ella. Construyo ideas que acorazan estructuras desarticuladas sobre la geografía urbana y habitantes desconectados de su legalidad utópica. Me sorprende demasiado como me puede perturbar la gran diferencia cultural entre gente muy cercana que habita un mismo lugar, de igual manera me sorprende encontrar cosas en común en paisajes remotos y me sorprende aún más encontrar una ciudad como esta, donde habito, que fue igual a otra ciudad en otra época, como si pudiera predecir algo que ya paso. Pasan los días, muchas veces desde un mismo lugar y así, por medio de la fotografía, el dibujo, el grabado, la serigrafía, los impresos, la instalación, el video y la escultura elaboro proyectos  que conectan la actual etnografía urbana con una arqueología arquitectónica mutante, muchas veces violentada y materializada como si fueran prótesis urbanas compactas que se tejen exponencialmente  sobre el horizonte de ese paisaje que veía desde niño.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

  • 2001: Beca Residencia México, Ministerio de Cultura Colombia,  FONCA México, Ciudad de México-Tijuana, Mexico.
  • 2005: Artista invitado por la Universidad de Harvard , David Rockefeller Center para Estudios Latinoamericanos, Cambridge, USA.
  • 2008: Madrid Miradas, Ministerio de Asuntos Culturales y de Ministerio de Asuntos Culturales y de Cooperacion de España , Madrid, Spain.
  • 2005: Mención,Salón de Arte Bidimensional  , Fundación Gilberto Álzate Avendaño FUGA, Bogotá, Colombia.
  • 2003: Mención, Premio Luis Caballero, Instituto Distrital de las Artes IDARTES , Bogotá, Colombia.
  • 2001: Premio  Salón Regional de Artistas, Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
  • 2000: Primer Premio,Primer premio, IX Salón Internacional de Arte Joven MAC, Museo de Arte Contemporáneo , Bogotá, Colombia.
  • 1998: Beca impresos revista PLASTICA , Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
  • 1997: Primer Premio VII Salón de Arte Joven, Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.
  • 1993: Beca Colcultura Patios Urbanos, Colcultura, Bogotá, Colombia.
  • 1992: Mención Especial II Bienal de Arte de Bogotá, MAMBO Museo de Arte Moderno de Bogotá, Bogotá, Colombia.
  • 1991: Mención Especial, I salón de Arte Joven   , Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.

Solo Exhibitions

  • 2013: “Talento Pirata”, Nueveochenta Galería, Bogotá, Colombia.
  • 2012: “Bestiario”, M&R Galería, Cali, Colombia.
  • 2009: “Cinco Metros Cúbicos”, MUSAC, Montería, Colombia.
  • 2006: “Bombas”, Galería Alcuadrado,  Bogotá, Colombia.
  • 2005: “Life Is a Runway”, Harvard University, Cambridge, USA.
  • 2005: “4th World “, Sandra & Philip Gordon Gallery, Boston, USA.
  • 2005: “Life Is a Runway”, Museum of Fine Arts, St Petersburg, USA.
  • 2005: “Puntos de Fuga”, Galería El Museo, Bogotá, Colombia.
  • 2004: “Diez Metros Cúbicos”,  Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
  • 2003: “Cuarto Mundo: Diez metros Cúbicos “, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
  • 2001: “México: Un metro Cubico”, Museo Carrillo Gil, México DF, Mexico .
  • 2000: “Los Radioactivos”, Alianza Francesa,  Bogotá, Colombia.
  • 1997: “Comunicado de Washington “, Galería Espacio Alterno, Bogotá, Colombia.
  • 1994: “No Toque la Mercancía”, Galería Santafé, Bogotá, Colombia.
  • 1993: “Patios Urbanos”, Consejo Británico, Bogotá, Colombia.

Group Exhibitions

Publications

Collections

September 2, 2014 David Peña Lopera: Meñique https://abstractioninaction.com/happenings/david-pena-lopera-menique/

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Artist: David Peña Lopera

Meñique
August 8, 2014
LA Galería
Bogotá, Colombia

“Meñique” reúne un grupo de obras que especulan sobre la escala humana a través del diálogo con disciplinas que la problematizan: astronomía, anatomía, ergonomía, arquitectura y dibujo.

La exposición incluye piezas recientes y otras que proceden de proyectos anteriores. A través de múltiples estrategias formales y referencias a elementos de diversas capas de la cultura, estas obras, en conjunto,sugieren una genealogía de ideas recurrentes en el trabajo actual de David Peña: los límites de la percepción y de la representación visual, del conocimiento y de la memoria.

Image: “Catedral”, 2014, Drum set stand and glass.
August 25, 2014 Nicolás Gómez: Highway https://abstractioninaction.com/happenings/nicolas-gomez-highway/

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Artist: Nicolás Gómez

Highway
May 15, 2014
Galería Nueveochenta
Bogotá, Colombia

June 2, 2014 Edwin Monsalve: Contraexpediciones, Más allá de los mapas https://abstractioninaction.com/happenings/edwin-monsalve-contraexpediciones-mas-alla-de-los-mapas/

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Artists: Mauricio Carmona, Colectivo La Colmena, Eulalia Valdenebro, Patricia Lara, Gloria Jaramillo, Paola Rincón, Santiago Vélez, María Antonia Pérez y Ana Lucia Cárdenas, Leonel Vásquez, Antena Mutante, Fernando Escobar, Julián García, Edwin Monsalve, Julián Urrego.

Contraexpediciones, Más allá de los mapas
April 8 – June 30, 2014
Curators: Carolina Chacón Bernal, Juan Alberto Gaviria, José Roca and Ana María Lozano
Museo de Antioquía
Medellín, Colombia

Contraexpediciones. Más allá de los mapas es una reflexión desde diversas prácticas artísticas sobre las formas en que las comunidades antioqueñas habitan sus territorios. Esta muestra aborda, a través del arte, temas como medio ambiente, biodiversidad, saberes ancestrales, agricultura, memoria comunitaria, desarrollo urbano, poblaciones indígenas y rurales.

La exposición revisará conceptos como el paisaje, no solo como un género del arte, sino, también, como una representación que evidencia la forma en que los grupos humanos se relacionan con el territorio desde sus contextos culturales y problemáticas sociales. El nombre de la exposición es una respuesta al imaginario colonizador, imperialista y eurocéntrico implícito en el término expediciones, como las ocurridas en Colombia en el siglo XIX, lo que motivó al Museo de Antioquia a plantear una serie de contraexpediciones que visibilizan las múltiples miradas a los territorios y la construcción colaborativa de conocimiento sobre estos.

Contraexpediciones contribuye a la discusión sobre la responsabilidad que, como grupos humanos, tenemos ante la actual crisis ambiental, y aporta desde el campo artístico alternativas de cambio frente a ella. La exposición presenta un fragmento del estado actual de diversas problemáticas ambientales, así como los conocimientos comunitarios y las alternativas micropolíticas que han surgido para combatirlas, ubicando todo esto en un contexto más amplio de conflictos socio-ambientales en el país.

Este proyecto cierra la Plataforma Antioquias, realizada desde 2013 con motivo del Bicentenario de la Independencia del departamento, y que estuvo conformada, además, por las exposicionesAntioquias, diversidad e imaginarios de identidad y ¡Mandinga sea! África en Antioquia

May 9, 2014 Luis Roldán: Presión y Flujo https://abstractioninaction.com/happenings/luis-roldan-presion-y-flujo/

Detalle obra de Luis Roldán

Artist: Luis Roldán

Presión y Flujo
April 23 – June 5, 2014
Galeria Casas Riegner
Bogotá, Colombia

 

May 3, 2014 Barbarita Cardozo: In Situ https://abstractioninaction.com/happenings/barbarita-cardozo-situ/

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Artist: Barbarita Cardozo

In Situ
April 4 – 30, 2014
Sala Macaregua, Sede Bucarica
Bucaramanga, Colombia

Esta exposición esta enmarcada en el evento ¨Las Salas abiertas¨. Estará abierta todo el mes de abril y en la inauguración nos acompañara Navegante, proyecto musical creado por el solista Oscar Gómez.

April 14, 2014 Bernardo Ortiz https://abstractioninaction.com/artists/bernardo-ortiz/
Translated from Spanish

Statement 5 of 12 (“Formalist”)

“My work aims to point out a fissure (or a void, or a distance) between the support—a page, a sheet of paper, a wall—and its content—a mark, two words, several stains, a color. From this viewpoint, the work seems like a snake that bites its own tail. If content affects the support, the latter returns to affect the content. As a general rule, the interventions on the support are always minimal—hard pencils that leave very delicate and almost invisible lines, very light papers, very thin layers of paint. In this sense, the “page” determines what can happen in it. It can be for example the contrast between the transparency of the paper and the opacity of gouache, the weight of oil or the density of enamel. At other times these can be slight differences between two identical drawings. For example, a drawing that says “He found happiness” next to one that says “He found A happiness.” The way in which some formal strategies can be used to say things. In this sense, they are literary drawings about paintings. Reproductions within pages.”

 

Statement No. 5 de 12 (“Formalista”)

“Mi trabajo busca señalar una grieta (o un vacío, o una distancia) entre un soporte –una página, una hoja de papel, una pared– y su contenido –un rayón, dos palabras, varias manchas, un color. Visto así, el trabajo parece una serpiente que se muerde la cola. Porque si el contenido afecta al soporte, este se devuelve afectando el contenido. Como regla general, las intervenciones sobre el soporte son casi siempre mínimas –Lápices muy duros que dejan líneas muy delgadas y casi invisibles, papeles muy livianos, capas muy delgadas de pintura. En ese sentido la “página” determina lo que pueda pasar en ella. Puede ser, por ejemplo, el contraste entre la transparencia del papel y la opacidad del gouache, el peso del óleo o la densidad del esmalte. Otras veces pueden ser pequeñas diferencias entre dos dibujos iguales. Por ejemplo: un dibujo que dice “He found happiness” (él encontró la felicidad) al lado de otro que dice “He found A happiness” (él encontró UNA felicidad). La manera en que ciertas estrategias formales pueden ser aprovechadas para decir cosas. En ese sentido son dibujos literarios acerca de pinturas. Reproducciones en páginas”.

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February 25, 2014 David Peña Lopera https://abstractioninaction.com/artists/david-pena-lopera/
Translated from Spanish

Through deliberately diverse media, such as sculpture, drawing, video, and programming, and through processes highly influenced in a logic particular from digital image and programming, his work seeks to question regimes of representation, information, and knowledge.

 

A través de medios deliberadamente variados, como la escultura, dibujo, video y programación, y procesos altamente influenciados por lógicas particulares de la imagen digital y la programación, su obra busca interrogar regímenes de representación, información y conocimiento.

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February 25, 2014 Leyla Cárdenas https://abstractioninaction.com/artists/leyla-cardenas/

Over the last years I’ve been developing a series of sculptural works that seek to investigate the layers that constitute and construct things and places. Relating directly to the physicality of the space as a point of departure. Using found objects and places that accumulate layers of information, containing what is particular from a place. The superficial skin becomes a profound path to explore and discover in each step the intersection of different experiences of time. (The historic time, material time, the time of everyday, and perhaps a more existential/psychological time that has to do with the duration of the experience.) The gesture is sculptural but without making sculpted objects; using destruction as a way of construction, allowing an engagement to a particular place and all the confluences and dimensions within. My work is site-responsive; it takes in consideration the architecture and the context of the surroundings, generating a layered outcome.

 
Traducido del inglés

A lo largo del tiempo he desarrollado una serie de trabajos escultóricos que buscan investigar las capas que constituyen y construyen las cosas y los lugares. Están relacionados directamente con la cualidad física del espacio como punto de partida. Usando objetos encontrados y lugares que acumulan capas de información, conteniendo las particularidades de cada lugar. La piel superficial se vuelve en un camino profundo para explorar y descubrir a cada paso el cruce de diferentes experiencias del tiempo (del tiempo histórico, tiempo material, tiempo cotidiano y quizá un tiempo más existencial y psicológico que está relacionado con la duración de la experiencia.) El gesto es escultórico pero sin realizar objetos; usando destrucción como una forma de construcción, permitiendo una interacción con un sitio particular y todas las confluencias y dimensiones del mismo. Mi obra responde al lugar y toma en consideración la arquitectura y el contexto de sus alrededores, generando un resultado con muchos niveles.

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February 19, 2014 John Mario Ortiz https://abstractioninaction.com/artists/john-mario-ortiz/
Translated from Spanish

My work is inspired by the contradictions of urban development and the growth of the city. It reflects on how these phenomena influence the relationships we have with spaces. I am interested in examining the influences of the process of architectural modernization in the shaping of particular ways of spatial perception.

Through a variety of mediums including installation, sculpture, photography, drawing, and video, my recent projects explore the ways architecture is conceived and projected, paying especial attention to the tools and systems of representation that are used for this purpose, and which strongly determine  the configuration and nature of the constructions. In these works, the mechanisms of projection are compared to real physical spaces, proposing new relationships, and translating abstract codes of representation to concrete physical spaces to discover tensions and discrepancies between these two instances, as well as reveal ideological implications that lie beneath.

 

Mi trabajo se nutre de las contradicciones del desarrollo urbano y del crecimiento de la ciudad. Reflexiona acerca de cómo estos fenómenos inciden en las relaciones que establecemos con los espacios. Me intereso por examinar las influencias del proceso de modernización arquitectónica en el moldeamiento de formas particulares de percepción espacial.

A través de un variado repertorio de medios que incluyen instalación, escultura, fotografía, dibujo y video, mis proyectos recientes investigan las formas como se concibe y proyecta la arquitectura, prestando especial atención a los instrumentos y sistemas de representación que se emplean para este fin, que determinan poderosamente la configuración y la naturaleza las construcciones. En estas obras se confrontan los mecanismos de proyección con los espacios físicos reales, proponiendo nuevas relaciones, y se traducen los códigos abstractos de representación a los espacios físicos concretos, para descubrir tensiones y discrepancias entre estas dos instancias, así como para develar implicaciones ideológicas que allí subyacen.

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February 19, 2014 Rosario López Parra https://abstractioninaction.com/artists/rosario-lopez-parra/
Translated from Spanish

As a visual artist, I have been interested in combining landscape photography with sculptural installation, in order to explore nature and the eruption of the invisible forces which exist within it. In this sense, I have discovered that elements such as wind, gravity, or temperature, can transform in tangible sensations. Using photographs of structures placed in the landscape, and their installation in a gallery, I am able to visualize the invisible and create a sculptural space between the object, the spectator, and the exhibition space.

Influenced by Minimalism and Land Art, my work seeks to move away from these traditions to be able to understand political notions of territory and its transcendence, install it in the gallery space, and in this way approach a continuum between nature and the white cube; landscape and its representation.

I live and work in Bogotá where I have a studio since more than 15 years ago, and I also work as professor of sculpture at the Universidad Nacional de Colombia (Colombia’s National University).

 

Como artista plástica, me he interesado en combinar la fotografía del paisaje y la instalación escultórica, para explorar la naturaleza y la erupción de las fuerzas invisibles que existen dentro de ella. En este sentido, he descubierto que los elementos como el viento, la gravedad, o la temperatura pueden convertirse en sensaciones tangibles, utilizando la fotografía de estructuras emplazadas en el paisaje, y la instalación de éstas estructuras dentro de la galería, para visualizar lo invisible y crear un espacio escultórico entre el objeto, el espectador  y el espacio de exposición.
Influenciada por el Minimalismo y el Land Art, mi trabajo busca apartarse de estas tradiciones, para comprender nociones políticas del territorio y su trascendencia, e instaurarlo en el espacio de la galería y plantear de esta manera un continuum entre la naturaleza y el cubo blanco, el paisaje y su representación.

Vivo y trabajo en Bogotá, donde tengo mi estudio desde hace más de 15 años y también dicto clases como profesora de Escultura en la Universidad Nacional de Colombia.

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February 19, 2014 Santiago Reyes Villaveces https://abstractioninaction.com/artists/santiago-reyes-villaveces/

My work responds to an inquiry, obsession, fascination, and pleasure for the structures, assemblages and dynamics that evidence the state of transitivity and precariousness that appeal to a state of temporal indetermination. The works are located on the limit of their completion and resting in a residual plane. The works—installations, sculptures, drawings and photographs—are characterized by notions of scale, volume, weight, gravity, surface, pressure, contention, resistance, verticality, horizontality, limit and depth, creating an intimate relation with the space, architecture, the spectator’s body and the temporality of the exhibition and the pieces.

The works transform, determine, modify, and interfere in the physical space in which they operate as well as the social, political, economic and historical space they inhabit and its possible modes of production, exhibition and circulation.

My work has an interest for allegorical procedures, link to the fragment, the ruin, history, memory, identity and the city. These concepts are articulated with the inquiry on the construction process, provisional, precarious, transitory, and unstable structures.

  

Mi trabajo responde a una investigación, obsesión, fascinación y placer por  las estructuras, ensamblajes y dinámicas que evidencian estados de transitoriedad y precariedad. Situados en el límite de un estado de finalización y un plano residual. Mediante instalaciones, esculturas, dibujos y fotografías, las obras desarrolladas se caracterizan por nociones  de  escala, volumen, peso, gravedad, superficie, presión, contención, resistencia vertical, horizontal, límite y profundidad, generando una íntima relación con el espacio, la arquitectura, el cuerpo del espectador y la temporalidad de las piezas y de su exhibición.

Las obras operan en el espacio físico transformándolo, determinándolo, modificándolo e interfiriendo; los efectos producidos por las obras en lo físico resuenan con los espacios sociales, políticos, económicos e históricos en los que residen y se posibilita la producción, exposición y circulación de la obras.

Mi trabajo parte del interés por procedimientos alegóricos, vinculados  al fragmento, la ruina, la historia, memoria, identidad y la ciudad. Estos conceptos se articulan con la reflexión sobre los procesos constructivos, estructuras provisionales, precarias, transitorias e inestables.

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February 19, 2014 Nicolás Consuegra https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-consuegra/
Translated from Spanish

In about ten years of professional experience, I have been interested in different transcultural processes from which I intend to build paragons between the local knowledge of my Colombian context and how these face each other, validate, or are opposed to foreign cultural discourses and production.

In this period of time I have focused on developing projects in which I can combine my interests in installation, sculpture, and video, and how these artistic mediums can (and must) be understood contextually. I find pertinent to mention that I am drawn to recognize and study the breaks I find in artistic and cultural discourses as in the information that originates from different contexts as mine. Following this line of thought, I remember constantly Brazilian Oswaldo de Andrade and his ideas about “anthropophagy,” since we constantly devour what belongs to someone else so we can produce something new.

 

Durante algo más de diez años de ejercicio profesional, he estado interesado en diversos procesos transculturales con los cuales pretendo construir parangones entre los saberes locales de mi contexto colombiano y cómo estos se enfrentan, validan u oponen a discursos y producciones culturales foráneas.

En este período de tiempo me he concentrado en desarrollar proyectos en los que puedo combinar mis intereses en la instalación, la escultura y vídeo, y cómo estos términos artísticos pueden (y deben) ser entendidos contextualmente. Me parece pertinente mencionar que me siento muy atraído por reconocer y estudiar las fisuras que encuentro tanto en los discursos artísticos y culturales como en la información que proviene de contextos diferentes al propio. En este orden de ideas, recuerdo constantemente al brasilero Oswaldo de Andrade y sus ideas sobre la “antropofagia”, pues constantemente devoramos lo que es ajeno para producir algo nuevo.

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February 19, 2014 Edwin Monsalve https://abstractioninaction.com/artists/edwin-monsalve/
Translated from Spanish

In this series of works I focus my gaze in a common object: wood in its different ways of display for sale, in specialized stores. If on one hand I establish relationships between the exact copy of the visual aspects in a wood ribbon; on the other hand I stay aware of the natural and/or artificial phenomena can reveal in time, which involves being able to understand this process on the particular characteristics of each material.

My aim is to establish a game with the mimesis principle: by choosing carefully a color, to which I apply many glazes to represent it once more, applying many retouches. Through this procedure I emphasize volumes and shadows, and simulate light reflections. After the result, I see how my painting transforms into something else, I conceive it as an abstraction derived from a figurative dimension. I change the perspective from which pictorial representation has traditionally worked to make figuration a paradox of abstraction, where the artificial looks “natural” and where camouflage confuses because albeit present, we cannot perceive it. In this game of values, painting dissolves the illusion of the pictorial space to construct an image that is more real than the original model.

 

En esta serie de obras centro mi mirada en un objeto común: la madera en sus diferentes formas de exhibición para la venta en lugares especializados. Si por un lado establezco relaciones entre la copia fiel de apariencias visuales que suceden en un listón de madera, por el otro, me mantengo atento a lo que los fenómenos naturales y/o artificiales puedan revelar con el paso del tiempo, lo que implica entender los efectos de este transcurso sobre las características particulares de cada material.

Me propongo establecer un juego con el principio de mimesis: al escoger minuciosamente un color, al que aplico sucesivas veladuras para volverlo a representar -nuevamente- aplicando sucesivos retoques. En este procedimiento acentúo volúmenes y sombras, y simulo reflejos de luz. Después del resultado veo como mi pintura se transforma en otra cosa, la concibo como que es abstracción que deriva de una dimensión figurativa; cambio la perspectiva en que tradicionalmente ha funcionado la representación pictórica figurativa para hacer de la figuración una paradoja con la abstracción, donde lo artificial parece “natural” y donde el camuflaje desconcierta porque además de estar ahí presente, no lo percibimos. En este juego de valores, la pintura disuelve la ilusión del espacio pictórico para construir una imagen más real que el modelo original.

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February 19, 2014 Barbarita Cardozo https://abstractioninaction.com/artists/barbarita-cardozo/
Translated from Spanish

Since 2009, my work has focused on the study of Op and geometric art, mainly how haute couture houses and readymade brands appropriated these avant-gardes for the creation of fashion trends. My works begin with the appropriation of patterns found in magazines, books, and websites about fashion. These appropriations are presented in installations, paintings and collages, using not only art techniques but also materials and techniques from fashion design and graphic design, such as studs, leather, and cutting plotter.

Optical Power is a project, developed in black and white, in which I focused on Op Art, recontextualizing designs by Rudi Gernreich, Rei Kawakuro, and Pucci, among others.  In Geometría Pura Mente Consumista (Pure Geometry Consumerist Mind) I wanted to include geometric patterns designed by haute couture brands and multinational corporations, but as collages in die-cut leather, with studs or cut and sewn pieces. I am developing the most recent work with polyurethane paint and polyester, and continue to appropriate geometric patterns—but in this case, the patterns are combined as diptychs and polyptychs that are loaded with color and content.

 

Desde el 2009 mi trabajo se ha enfocado en estudiar el arte óptico y geométrico, principalmente como las casas de alta costura y las marcas readymade se apropian de estas vanguardias para la creación de tendencias de moda.  La creación de mis trabajos parte de la apropiación de patrones encontrados en revistas, libros y páginas web sobre moda.  Estas apropiaciones son presentadas en instalaciones, pinturas y collages, utilizando no solamente las técnicas propias del arte sino a su vez materiales y técnicas del diseño de moda y el diseño gráfico como taches, cueros y plotter de corte.

Optical Power es un proyecto que se desarrollo en blanco y negro y donde me enfoque en el arte óptico, recontextualizando diseños de Rudi Gernreich, Rei Kawakuro y Pucci entre otros.  En Geometría Pura Mente Consumista quise abarcar los patrones geométricos diseñados por casas de alta costura y marcas multinacionales pero trabajados a manera de collage en cueros troquelados, con taches o piezas recortadas y cosidas.  El trabajo más reciente lo estoy desarrollando con pinturas en poliuretano y poliéster donde sigo apropiándome de patrones geométricos pero esta vez estos patrones son conjugados a manera de dípticos y polípticos tomando una fuerza de color y contenido.

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February 19, 2014 Ana Belén Cantoni https://abstractioninaction.com/artists/ana-belen-cantoni/

The core of my work lies in the dichotomy between interior and exterior space. I explore the idea of the urban architectural space as a restraint, one that denies both the body and the landscape. Lately I’ve been analyzing how the monumentality and infinity of landscape can relate to our perceptions of the body. My installations are ephemeral; they are intricate and expansive constructions, impossible geometries that are meant to be broken.

 

La idea que anima mi trabajo se encuentra en la dicotomía entre espacio interior y exterior, así exploro la arquitectura urbana como una limitación que niega tanto el cuerpo como el paisaje. En mis proyectos más recientes he analizado cómo la monumentalidad y lo ilimitado del paisaje natural pueden relacionarse con nuestras percepciones del cuerpo. Mis instalaciones son efímeras; son intrincadas y expansivas construcciones, geometrías imposibles que habrán de romperse.

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February 19, 2014 Richard Garet, Adán Vallecillo, Sergio Vega & Luis Roldán: Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias https://abstractioninaction.com/happenings/richard-garet-adan-vallecillo-sergio-vega-luis-roldan-biennial-contemporary-art-cartagena-de-indias/

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The First International Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias
#1: Cartagena
February 7–April 7, 2014
Cartagena de Indias, Colombia

#1: Cartagena is an issue-oriented project with works spread throughout the historic district. #1: Cartagena reflects on the cultural traditions of the people, the history and the deep connections to the colonial past, as well as encompassing literature, cinema, music, dance and crafts. The Biennial focuses on the idea of presence in its multitude of meanings, conveying how the past continues with us in the present. Structured as a hypertext, the macro project of the Biennial proposes a discontinuous journey through nine locations, each one presenting a multiplicity of narratives and memories. This structure also promotes the re-signification of the city as a monument. The viewer decides their own itinerary, making links from one space to another, stopping here and there to look at the city-monuments, and endowing their chosen circuit with the power, excitement and soul of the city. This personal journey gives meaning to the macro text: the Biennial and its exhibitions, site-specific projects, performances, film program and lectures.

Founded in 1533, Cartagena de Indias is a colonial town located in the center of the northeastern coast of Colombia. Surrounded by the Caribbean Sea, Cartagena has received a unique and interesting confluence of influences over its 500-year history that include pre-Columbian native Aboriginal, Spanish, African and Arab cultures. It is rich in multicultural folklore, and widely considered to be one of the most beautiful cities in the Caribbean.

The Biennial´s Artistic Director is international curator and writer Berta Sichel. For this project, she worked with three co-curators: Bisi Silva, the Center for Contemporary Art, Lagos; Barbara Krulik, independent curator; and Paul Willemsen, film scholar. She also consulted with critics and other curators in the formation of the Biennial.

#1: Cartagenainternational exhibition
Suzanne Anker, Eduardo Abaroa, Helena Almeida, Julieta Aranda, Maria Jose Arjona, Charles Atlas, Radcliffe Bailey, Rosa Barba, Perry Bard, Yto Barrada, Lothar Baumgarten, Terry Berkowitz, Janet Biggs, Anna Boghiguian, Francois Bucher, Trisha Brown, Fernando Bryce, Anna Camner, Peter Campus, Nuria Carrasco, Nick Cave, Willie Cole, Bill Culvert, Elena del Rivero, William Engelen, Nezaket Ekici, Richard Garet, Ximena Garrido-Leca, Justine Graham, Asta Gröting, Federico Guzman, Romuald Hazoume, Diango Hernandez, Kirsten Heshusius, Sheila Hicks, Maria Teresa Hincapie, Candida Höfer, Katie Holten, Shirazeh Houshiary, Satch Hoyt, Marine Hugonnier, Jesper Just, Clemencia Labin, Dana Levy, Ligorano/Reese, Christiane Löhr, Inés Lombardi, Oswaldo Maciá, Lucía Madriz, Marcellvs L., Jenny Marketou, Billy Martin, Julie Mehretu, Zwelethu Methethwa, Marta Minujín, Guillermo Mora, Carlos Motta, Beth Moyses, Maria Nepomuceno, Lorraine O’Grady, Emeka Ogboh, Uche Opka-Iroha, Kristin Oppenheim, Trevor Paglen, Guillermo Paneque, Periferica, João Penalva, Libia Posada, Freya Powell, Khalil Rabah, Jessica Rankin, Luis Fernando Ramirez, Alvaro Restrepo and El Colegio de Cuerpo, Steven Roden, Lotty Rosenfeld, Ruby Rumié, Eduardo Sarabia, Carlos Schwartz, Teresa Serrano, Hassan Sharif, Yinka Shonibare, Kimsooja, Philip Taaffe, Tallur L.N., Alison Elizabeth Taylor, Mickalene Thomas, Ana Torfs, Adán Vallecillo, Raúl Gómez Valverde, Sergio Vega, Anton Vidokle, Leo Villareal, Bill Viola, Stephen Vitiello, Gijs van Bon, Svetlin Velchev, Friedemann von Stockhausen, Pawl Wojtaski, Ming Wong, Betty Woodman, Yin Xiuzhen, Suda Yoshihiro, Dolores Zinny and Juan Maidagan

Imperfect Idler or When Things DisappearColombian artists exhibition
Felipe Arturo, Jaime Avila, Andrés Felipe Castaño, Colectivo Octavo Plastico (Roberto Carlos Pérez, Ana Victoria Padilla, and Emanuel Julio Pinilla), Nicolás Consuegra, Wilson Díaz, Julián Dupont, Juan Manuel Echavarría, Clemencia Echeverri, Adrián Gaitán, Elías Heim, Leonardo Herrera, Juan David Laserna, Verónica Lehner, Diego Mendoza, Ana Maria Millan, Óscar Muñoz, Oscar Murillo, José Olano, Juan Obando, Bernardo Ortiz, Juan Peláez, María Fernanda Plata, Luis Roldan, Miguel Angel Rojas, Maria Isabel Rueda, Wilger Sotelo, Paola Tafur, Pablo Gomez Uribe

January 25, 2014 Marcius Galan: Diagrama https://abstractioninaction.com/happenings/marcius-galan-diagrama/

NcArteUltimodiadeDiagrama

Marcius Galan: Diagrama
October 26 – December 14, 2013
NC-arte in collaboration Galería Luisa Strina
Bogota, Colombia

Es bastante extendida la idea de que hay mayor conceptualización o carga ideológica en la creación abstracta que en la que no lo es y, por esa misma razón, suele considerarse que la propuesta abstracta es más exigente en términos intelectuales. Lo que se deja de atender en esta interpretación es que toda noción sobre la realidad también es una conceptualización y, por lo mismo, una creación generada a partir de abstracciones.

Un buen ejemplo acerca de la articulación de abstracciones sobre la cual se edifica la materialidad o el mundo que llamamos concreto lo ilustra Peter Galison en la conocida investigación Relojes de Einstein, Mapas de Poincaré. Este historiador de ciencia reconoce en ese texto como un impulso que potenció la formulación de la teoría de la relatividad el hecho de que Einstein trabajara en ese momento en la renombrada oficina de patentes en que empezó su ejercicio como profesional. El trabajo del físico en aquel entonces consistía en analizar, desbaratar y volver a armar relojes – fundamentalmente-, a fin de comprobar su correcta confección y funcionamiento, antes de que les fuera otorgado un permiso de comercialización responsable. Era el momento histórico en que se ampliaba el uso de relojes, públicos e individuales, y en el que la medida de tiempo unificada en el meridiano de Greenwich extendía raíces a nivel planetario, en medio del desarrollo de los primeros proyectos de conexiones mundiales.

Deconstruir hasta sus últimos extremos los mecanismos del tiempo creado por cuestiones prácticas, fue el ejercicio a partir del cual Einstein pudo llegar en forma más directa a lo enteramente abstracto, para generar desde allí, ecuaciones que contribuyeran a entender a la energía, como a su comportamiento y movimiento en el infinito, fuera de la línea de tiempo. Esas lecturas derrocaban sin más, la interpretación de un tiempo absoluto desarrollada por Newton y sobre la cual se basó por varios siglos la concepción de la vida en los más diversos campos. No obstante, a pesar de tan significativas reevaluaciones esa interpretación aún pervive entre múltiples contradicciones.

Por lo general se olvida que la realidad existe en la medida en que ha sido creada con base en las observaciones de los distintos individuos y en las del colectivo que ellos conforman y que, por ese mismo motivo, ella depende del contexto y del alcance de la visión o de las visiones que la enuncian.

Las formas que adopta la realidad tienen que cambiar cuando se agota su oportunidad o su función, dando lugar entonces a distintos momentos en la línea que se traza con el relato que conocemos como historia. No obstante, lo cierto es que los reemplazos ideológicos o formales no ocurren fácil ni consensuadamente sino entre fuertes debates y contradicciones, puesto que la tendencia es que los mecanismos prácticos se petrifiquen mientras se instala familiaridad con ellos.

Las convenciones se establecen justamente por razones de conveniencia y el riesgo entonces es que los hábitos borren la memoria de las condiciones que les dieron origen y entretanto, cieguen la duda hacia ellas, hasta que llegan a concebirse como lo normal, lo verdadero o sencillamente, lo correcto e incuestionable.

El arte es el territorio en el que, a través de metáforas y de llamadas a la observación detenida, se recuerda continuamente que el mundo esencial, que es el que nos sostiene, no tiene formas ni límite alguno, y que es imposible en tanto, asirlo entre los bordes conceptuales. Todo contacto con el universo esencial se logra a través de conmociones o del llamado a sentimientos que remueven lo profundo del ser, cuestión a la que se puede acceder desde las más diversas perspectivas y siempre de la mano de la belleza.

Con un lenguaje particular, que se puede ubicar entre lo realista y lo abstracto, Marcius Galan señala insistentemente que todo lo que se admite como concreto viene de la nada y que, en esa medida, las cosas o las ideas son, antes que cuerpos o formas, un asunto mental. Así, realismo en el trabajo de este artista se entiende como carga histórica o de conocimiento sobre los objetos o las imágenes.

De muy distintas maneras Marcius Galan hace comprender los engaños que comporta la percepción ligera o el acatamiento sin reflexión de las proposiciones acerca de la perfección o de lo real, haciendo claridad al mismo tiempo en el hecho de que se tiene por dado un mundo que no existe en términos concretos. Es decir, que se toma como decisivo a un mundo que sencillamente es un planteamiento abstracto y variable, como todos los que soportan la vida práctica.

Con mecanismos sutiles, todo el proyecto de este artista señala la falacia que se puede estructurar sobre convenciones que se dejan de entender como lo que son, mientras pasan a ser aceptadas como certidumbres, como puntos de partida exactos o como límites irrevocables.

Sección diagonal (2008), es una de las propuestas que permite comprender esos planteamientos de manera abarcadora. Esta instalación pictórica, con muy escasos elementos genera un impactante extrañamiento con respecto al mundo que reconoce la mirada y con respecto también, al rol que la perspectiva juega en ello.

En forma categórica Sección diagonal clarifica que lo que se presenta ante los ojos es bastante diverso de lo que reconoce una visión adiestrada por las fronteras culturales. De esa manera, esta obra despliega lecturas en muy diversos órdenes (artístico, filosófico, geométrico, arquitectónico, histórico y político), al tiempo que ofrece una referencia básica sobre la versatilidad del artista en distintos lenguajes.

El trabajo de Marcius Galan transita con desenvoltura territorios de la pintura, de la instalación, del dibujo y de la escultura, permitiendo entender siempre como abstracto a lo que se considera realista o haciendo ver también la convención realista que acogen los planteamientos más abstractos, como pueden ser el punto, la línea o las formas geométricas básicas. El artista insiste de diversas maneras en que convenciones como el punto y la línea, nacen de igual manera, del análisis y de acuerdos y, que, a pesar de ser tan fundamentales y ordenadoras en su definición, se descubren igualmente en el caos que edifican las prácticas cotidianas.

Diagrama en planta y elevación, instalación producida especialmente para esta exposición (2013), es un claro ejemplo de ello. El trazado con el que comienza la exposición está inspirado en las formas con las que se propone una organización para el público en espacios institucionales, en los que la carga burocrática entra en conflicto con los parámetros de orden que se pretenden establecer. Con esa lógica, las líneas se internan progresivamente en un laberinto que invade en varias direcciones la arquitectura, hasta rehacerla en el movimiento de sus impulsos, descuidos y pasiones.

Esa estrategia de ocupar el espacio dentro de la desorientación se revela también en el conjunto de Pinturas burocráticas, en las cuales el resultado abstracto toma como soporte formas fiscales que el artista completa con pintura negra. La composición en estas obras está determinada entonces por las directrices de los formatos para descubrir en formas geométricas básicas sus planteamientos, por lo general complejos.

Con una lógica similar en Sobre la Imprecisión (2013) dos mecanismos abiertos de relojería intentan paralelamente y con instrumentos precarios, dibujar el paso del tiempo y su ritmo sobre la pared de la sala. En la belleza del ejercicio, queda claro que lo perfecto no es el código a través de cual se miden los minutos, los segundos y las horas, sino, el intento de registrar el movimiento en la existencia, con toda la ternura y la voluntad de comprender que hay en él.

-María A Iovino

Click here to view Marcius Galan on Abstraction in Action.

December 10, 2013 Edgar Guzmanruiz https://abstractioninaction.com/artists/edgar-guzmanruiz/
Translated from Spanish

My site-specific works aim to create relationship bridges between art and architecture, where the architectural space is affected. The visitors relate to each other through works that alter the perception of “reality.” The interventions intersect, juxtapose, overflow, or are contained in the exhibition space.

Some have their origin in the display of a drawing or a painting in space. While some works are more related to the context of the place of exhibition, others seek a universal communication, beyond a specific culture. Present in my works is the constant use of few elements, an interest in shadow, void, absence, the passage of time, death. The most recent work explores from the visual arts to the geometric impossibility of relating parallel worlds through narratives.

 

Mis trabajos site-specific buscan construir puentes de relación entre Arte y Arquitectura, en donde el espacio arquitectónico es afectado. Los visitantes se relacionan entre sí a través de obras que alteran la percepción de “realidad”. Las intervenciones intersectan, se superponen, desbordan o son contenidas por el espacio de exhibición.

Algunas tienen su origen en el despliegue de un dibujo o una pintura en el espacio. Mientras unos trabajos están más ligados al contexto del lugar de exposición, otros buscan una comunicación universal, más allá una cultura específica. En mis obras se puede leer una constante en la utilización de pocos elementos, y el interés por la sombra, el vacío, la ausencia, las huellas del tiempo, la muerte. El trabajo más reciente explora desde las artes plásticas la imposibilidad geométrica de relacionar mundos paralelos a través de narrativas.

 

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November 6, 2013 Fernando Uhía https://abstractioninaction.com/artists/fernando-uhia/

Translated from Spanish

For more than two decades I have tried to work (in negative), to make art that functions as a cleaning and disinfecting machine for a specially decadent version of Colombian rhetoric, a (blind) rhetoric that puts its loquaciousness at the service of foreign spaces that are dreamed, greco-latin, invisible, plagued with artists unable to get involved in the urgent need to modernize not only political and cultural institutions but also the general view of the nation. For this, the abstract appearance is useful, as well as the massive subjugation, since they place the spectator in front of materials and visual events that are concrete and unlimited. From tempered rubber on stretchers, passing through appropriations of famous modern artists, seasoned by infamous rhetoric, to drippings immersed in ultra-shinny Formica; the machine works at great speed while it leaves highly-visual restudies in a country submerged in the false illusion of an idealized poetic past, depressingly conservative. I oppose consciously and advantageously to the (poetically) anachronic national perception, systems of production that are prosaic and superficial.

 

Por más de dos décadas años he intentado trabajar <>, hacer  un arte que funcione como una máquina limpiadora y desinfectante para  una versión especialmente decadente de la retórica colombiana, una retórica <> que pone su verborrea al servicio de lugares ajenos, soñados, grecolatinos, invisibles, plagados de artistas incapaces de involucrarse en la urgente necesidad de modernizar tanto las instituciones políticas y culturales así como la visualidad general de la nación. Para esta labor es útil la apariencia abstracta y el avasallamiento por cantidad, pues ponen al espectador frente a materiales y hechos plásticos concretos e ilimitados. Desde hules templados en bastidores, pasando por apropiaciones de famosos modernistas, condimentados de la infame retórica, hasta chorreaduras inmersas en Formicas ultra brillantes, la máquina trabaja a gran velocidad mientras va dejando residuos altamente visuales en un país hundido en la falsa ilusión de un pasado poético idealizado, deprimentemente conservador. A una percepción nacional anacrónicamente <<poética>> le opongo consciente y alevosamente sistemas de hacer prosaicos y superficiales.

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October 16, 2013 Danilo Dueñas https://abstractioninaction.com/artists/danilo-duenas/

On painting

A wall, the painting, the floor, the ceiling, the mist in the room.

The organ, the flute, the hemlock.

The truth, the specter, the real.

What is it that lives?, said the hare to the tortoise, is it the hemlock or the rose? The rose said, it is me, I shall always live, whilst the room shall grow and the sound shall ring in our ears. But my life shall never cease. Please testify to this never-ending truth and you too, shall live as me.

 
Traducido del inglés

Sobre la pintura

Un muro, la pintura, el piso, el techo, la neblina en la habitación.

El órgano, la flauta, la cicuta.

La verdad, el espectro, lo real.

¿Qué es lo que vive?, dijo la liebre a la tortuga, ¿es la cicuta o la rosa? La rosa dijo,

soy yo, siempre viviré, mientras que la habitación crezca y el sonido repique en nuestros oídos. Pero mi vida nunca terminará. Favor de testificar a esta verdad sinfín y tú también vivirás como yo.

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October 15, 2013 Jaime Tarazona https://abstractioninaction.com/artists/jaime-tarazona/

Translated from Spanish

My interest on abstraction began approximately in 2006, as a result of a refusal to keep representing problems and situations linked to Colombian identity within my individual artistic process—thematic axis that I explored in my works since 1999 and from which I proposed various mediums such as installation, printing and painting. Since 2007 I began a series of projects in which I decided to produce works about the relevance of the international style, i.e., the great boom that the modern architecture movement has had since its origins in the second decade of last century in Europe, aiming to develop post-colonial and transcultural positions from the proposals in which I juxtapose different historical urban periods around the world, with the purpose of highlighting the overwhelming aspect of the modernist movement and vice versa.

 

Mi interés por la abstracción vino a darse hacia 2006 a raíz de un rechazo a seguir representando problemas y situaciones vinculadas a temas de identidad colombiana dentro de mi proceso individual como artista, eje temático que identificó mis trabajos desde 1999 y el cual planteé desde varios medios como la instalación, el grabado y la pintura. A partir de 2007 inicié una serie de proyectos en los que me propuse elaborar trabajos sobre la relevancia del estilo internacional, es decir, el gran auge que ha vivido el movimiento moderno de arquitectura desde que se inició en la segunda década del siglo pasado en Europa, buscando de esa manera desarrollar posiciones poscoloniales y transculturales desde propuestas en las que yuxtapongo  diferentes periodos históricos urbanos alrededor del mundo con el fin de resaltar el carácter avasallador del movimiento moderno y viceversa.

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October 9, 2013 Gabriel Sierra https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-sierra/

I studied Architecture and Industrial Design. My artistic practice reflects in a highly distinctive way my training in these two dissimilar yet interconnected fields. My works include objects, sculptures, writings, spatial constructions and site-specific interventions, using a vocabulary that points directly to the history of art and architecture.

 
Traducido del inglés

Estudié arquitectura y diseño industrial. Mi práctica artística refleja de manera significativa mi educación en estos dos campos tan diferentes pero tan interrelacionados. Mis obras incluyen objetos, esculturas, escritos, construcciones espaciales e intervenciones de sitio específico, usando un vocabulario que apunta de manera directa a la historia del arte y la arquitectura.

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October 8, 2013 Luis Roldán https://abstractioninaction.com/artists/luis-roldan/

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October 8, 2013 Julián León https://abstractioninaction.com/artists/julian-leon/

Translated from Spanish

My work consists in looking for connections between things and to make them visible. I usually work with reminders, material and discursive discards. I have always felt irresistibly attracted by discarded construction materials in the street. I recognize in those residual products the face that the world of objects shows me. Nevertheless, by utilizing these discarded materials I do not seek to reproduce or restore the world to which they belonged to, I am not interested in that fiction. On the contrary, my interest on that waste is based precisely on their quality as fragments, as incomplete, in the fact that they are segments of the other narratives they have been ripped apart from. They are extracts, pieces of a story that they cannot tell in its totality, paragraphs of a forever lost text or even words, syllables, letters that by being placed next to each other form new units of meaning, new histories; collage. This possibility of relating them to each other in a new and whimsical way, changing them, modifying them, assembling them—it is a way to operate and in this sense, to think, of configuring and reconfiguring, if desired, of knocking over to generate new orders or understandings of them. Painting, photography, sculpture, writing, drawing, or any of the different artistic disciplines are to me means, not of communication, but of experimentation, tools of formal connection and meaning which limits are dissolved. What is true is that as the rest of the world, I look for a meaning; my life is so fragmented that each time I find a connection between two fragments, I feel tempted to find a meaning. The connection exists, but to give it a meaning would be to build an imaginary world within the real world, and I know that this would not be possible. In moments of courage I adopt the unsensical as basic principle, but then I understand that my role is to see what I have in front of me (even if it is inside of me too) and describe it, understand it, experiment it. Art, according to my experience, is the experimental exercise of reality.

 

Mi trabajo consiste en buscar conexiones entre las cosas y hacerlas visibles. Suelo trabajar con restos, desechos materiales y discursivos. Siempre me he sentido irresistiblemente atraído por los desechos en la calle provenientes de la construcción. Reconozco en esos productos residuales el rostro que el mundo de los objetos me muestra. Sin embargo al utilizar esos desechos no busco reproducir o restaurar el mundo del que hacían parte, no me interesa esa ficción, por el contrario, mi interés en esos desechos se basa precisamente en su cualidad de fragmentos, en su incompletud, en el hecho de que son segmentos de otras narrativas de las que han sido arrancados; extractos, trozos de una historia que no pueden contar en su totalidad, párrafos de un texto perdido para siempre o incluso palabras, silabas, letras que al ser colocadas unas junto a otras forman nuevas unidades de sentido, nuevas historias; collage. Esa posibilidad  de relacionarlos entre sí, de manera nueva y caprichosa, cambiándolos, modificándolos, montándolos “es una forma de operar y en ese sentido, de pensar, de configurar y reconfigurar, si se quiere, de revolcar para generar nuevos “órdenes” o “líneas de entendimiento” sobre los mismos.  La pintura, la fotografía, la escultura, la escritura, el dibujo o cualquiera de las diferentes disciplinas artísticas no son para mí más que medios más no de comunicación sino de experimentación, herramientas de conexión formal y de sentido cuyas fronteras resultan bastante disueltas. Lo cierto es que “al igual que todo el mundo busco un significado; mi vida está tan fragmentada que cada vez que encuentro una conexión entre dos fragmentos, siento la tentación de buscarle un significado. La conexión existe, pero otorgarle un significado, sería construir un mundo imaginario dentro del mundo real, y sé que ese mundo no se sostendría. En los momentos de mayor valentía, adopto el sinsentido como principio básico; pero luego comprendo que mi papel es ver lo que tengo delante (aunque también este en mi interior) y describirlo”, conocerlo, experimentarlo; arte, según mi experiencia, es el ejercicio experimental de la realidad.

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October 5, 2013 Nicolás Gómez https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-gomez/

Through the exploration on different mediums—primarily painting and sculpture—, I explore codes to represent space’s sensorial and perceptive experience. In this sense, I work with objects and images that reveal the existing tension between the natural and the artificial, and the subjective experience related to science and language’s cataloguing and measuring schemes. In both my artistic and research work, I have delved in modern and contemporary art’s references to rural and urban landscape, as well as in the development and validity of abstraction.

 

A través de la exploración con diferentes medios —principalmente la pintura y la escultura— exploro códigos para la representación de la experiencia sensorial y perceptiva del espacio. En este sentido, trabajo con objetos e imágenes que develan las tensiones entre lo artificial y lo natural, y la experiencia subjetiva con relación a los sistemas de categorización y medición de la ciencia y del lenguaje. Tanto en mi obra artística como en mi trabajo de investigación, he profundizado en las referencias al paisaje rural y urbano en el arte moderno y contemporáneo, así como el desarrollo y vigencia de la abstracción.

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October 5, 2013