Abstraction in Action Emilio Chapela https://abstractioninaction.com/artists/emilio-chapela/

*This artist statement has been generated by a computer.

Emilio Chapela lives and works both in Mexico City and the Forgotten Realms of the Earth.  He works with the latest technology from Japan and China. His artistic practice is concerned with the development of a system that allows the operator to control various processes such as those used for conventional and unconventional methods to determine the relative importance of individualized factors. He also investigates the effect of increasing importance of the different methods used to identify the specific factors involved in the production and dissemination of a particular type of information. In such a way, he has worked with several different methods to determine how the various systems respond to the needs identified through their own resources. He has participated in shows both at galleries, museums and other cultural institutions, at places like the U.S. Geological Society of America and at the Museum of Modern Art in New York. He was awarded with the prestigiou award for gallantry in the field of public procurement and disposal. In 2010, he published his first book on the history of the world. In the near future, he will be showing his work at the National Institute of Technology and Information Ethics in Washington DC.

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  • Miscomunication: Baragouins, Giberish and Googledygook. 2008. Catálogo de Expoisición. Die Kurt Gödel Bibliothek. 2014. Ed. Sicomoro.

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November 8, 2013 Fabián Burgos https://abstractioninaction.com/artists/fabian-burgos/
Translated from Spanish

The expressive possibilities and the contact with material that oil painting give me, are essential in the construction of my geometric paintings. I can even subordinate some of my ideas to the impulses of the material, as if it had a conscience parallel to my state of will. In this delicate balance, straight lines, angles, spirals, curves, accumulations of dots, and wavelengths appear on the surface of the canvas. Many of these elements of composition that I transfer from the field of scientific representation to the field of art, help me define my interest on some concepts: truth/false, my relationship with Op Art, the movement of the gaze and perception, among others. As an example, Líneas paralelas (parallel lines) is one of the works that questions reality or at least it questions it as a convention. A painting of straight lines that because of tonality, contrast, and arrangement of the squares, they look curved. Can we say they are not? Empirically, they are not, but they are to our perception, and in this case, this is what prevails. Isn’t “truth” what we see? Does accuracy matter in art? I think, for example, in Albers and his theory of color. In the same way, the works from the series Velocidad (speed) are fragments of the light spectrum, which I multiply forward, backwards, up and down. In this way, we see some of the colors that are the same, differently. Geometry interests me in this sense too.

Back when I began to draw still lives as an academy student, the teachers told me not to draw figures but the spaces between them. In a way, this originated in me the seed of geometric abstraction. I would say I still have a fascination for the process of abstracting the invisible from the visible. Years later, contemporary geometric art means to me the same as always: the supremacy of the forms and the invisible spaces over naturalism. We give noise or silence to a form through composition, and it is from that place where we are committing our position or view of the world. In this sense, I like to understand art in the words of these two Argentinean poets, Olga Orozco: “Art is a reflection of the invisible;” and Léonidas Lamborghini: “Poetry is not the music of the soul but the silence of intelligence.” It is as if art and poetry would appear when there is nothing else to say. In this sense, subtraction also operates in my paintings as a tool that I use to define concepts.

In the works of the exhibition El amor probablemente, 2005, I used some names and icons of art (Jesús Soto, Morandi, and Bridget Riley, among others) as a possibility for a historical “dialogue”, but this dialogue, due to the density and imprint of the artists, could not be made through derivation, continuity or contribution without misinterpretation. In a way, I had to destroy those works to make reverence afterwards. In the historical evolution, “conversations” amongst contemporary artists of from different eras, were often of consolidation or continuity of their postulates. But when Soto saw Mondrian, he asked himself how to continue with painting from there, how to follow from the place Mondrian had left of, and when he remembered the light with silver white in the water reflections from the paintings by Reverón, he saw the possibility of incorporating movement to his paintings and developing the idea of a more optical art. What is relevant to me from this historical moment is the need of the artist of relating to his/her equals. En el amor… (in love…) I tried to make a work from the author’s self-consciousness, a sort of painting inside a painting. It was a hinge in my work, in the sense that I added to my formal relationship with science the concept of painting as a legacy, or as a more intense dialogue with previous movements, and especially with some artists. Subtraction then functioned more indispensably to continue these close relationships.

I remember a work by Soto that inspired such love from me to it that I had to become physically involved. It was a background with lines in black and white and in the front had black metal wires hanging. When one moved, the background also produced movement. Soto said that to give movement to a work he didn’t need a motor. I partially reproduced this work but omitted the wire and substituted the black lines from the background for blue and then ochre. In this way, and due to the ability of oil to keep the “breathing” of the color underneath, that a simple effect of movement was increased substantially. Even without Soto’s wires, the work did not stop its motion, meaning that I understood that they were not necessary for the purpose of going beyond the plane. This work, just as more recent ones, are which give me the guidelines and desire to work more intensively within geometry.

 

Las posibilidades expresivas y el contacto con la materia que me proporciona la pintura al óleo son móviles esenciales en la construcción de mis cuadros geométricos. Puedo incluso subordinar algunas de mis ideas a los caprichos de la materia, como si ésta tuviera una conciencia paralela a mi estado de voluntad. En este delgado equilibrio van apareciendo o desplazándose sobre la superficie de la tela: formas rectas, ángulos, espirales, vértices, acumulaciones de puntos, longitudes de onda. Muchos de ellos elementos de composición que mudo del campo de las representaciones científicas al de las artes y que me sirven para delinear mi interés sobre algunos conceptos: verdad/falsedad, mi relación con el Op art, desplazamiento de la mirada y de la percepción, entre otros. A modo de ejemplo, Líneas paralelas es uno de los cuadros que pone en duda la verdad o al menos la cuestiona como convención. Un cuadro de líneas rectas que por un tema de valor de los tonos, contraste y desplazamiento de los cuadrados, se ven curvas. ¿Acaso podemos decir que no lo son?, empíricamente no, pero para nuestra percepción sí, y en tal caso, aquí eso es lo que prima. ¿No es acaso “verdad” lo que vemos?; ¿importa la comprobación en el arte? Pienso en Albers y su teoría de color por ejemplo. Del mismo modo, los cuadros de la serie Velocidad son fragmentos del espectro lumínico que multiplico hacia adelante, hacia atrás, para arriba y para abajo; de esta manera algunos colores que son iguales los vemos diferentes. La geometría me interesa en ese sentido también.

Cuando de estudiante en la academia comencé a dibujar naturalezas muertas, los profesores me decían que dibujara no las figuras sino los espacios entre ellas, de alguna manera esto creó en mí el germen de la abstracción geométrica. Diría que me quedó cierta fascinación por el proceso de abstraer lo invisible de lo visible. Años después, el arte geométrico contemporáneo significa para mí lo mismo que siempre: la supremacía de las formas y los espacios invisibles por sobre el naturalismo. El ruido o silencio de una forma lo damos en la composición y ahí es que estamos comprometiendo nuestra posición o mirada frente al mundo. En este sentido me gusta entender el arte en las frases de estos  dos poetas argentinos; Olga Orozco: “El arte es el reflejo de lo invisible” y  Leónidas Lamborghini: “La poesía no es la música del alma sino el silencio de la inteligencia”. Es como si el arte y la poesía aparecieran cuando ya no hay nada más para decir. En este sentido la sustracción también opera en mis pinturas como una herramienta que utilizo para la definición de conceptos.

En los cuadros de la muestra El amor probablemente, 2005, utilicé algunos nombres e iconos del arte (Jesús Soto, Morandi, Bridget Riley, entre otros) como posibilidad hacia alguna forma de “diálogo” histórico, pero este diálogo, por la espesura y huella de estos artistas, no podía darlo a partir de una derivación, continuidad o aporte hacia ellos sin antes violentarlos. De alguna manera debía destruir esos cuadros para poder reverenciarme luego.  En el devenir histórico las “conversaciones” entre artistas contemporáneos o de diferentes épocas solían ser muchas veces de profundización o continuidad de sus postulados. Pero cuando Soto observó a Mondrian se preguntó cómo seguir con la pintura a partir de ahí, cómo seguir desde el punto que Mondrian la había dejado, y recordando los golpes de luz con blanco de plata en los reflejos del agua de las pinturas de Reverón, vio como posibilidad el incorporar movimiento a sus pinturas e ir desarrollando la idea hasta la aparición  de un arte más óptico. Lo importante para mí en este episodio histórico, es la necesidad del artista en relacionarse con sus pares. “En el amor…”  intenté hacer un trabajo más desde la autoconciencia del pintor, una suerte de pintura dentro de la pintura. Fue una bisagra para mis trabajos en el sentido que sumé a mi relación formal con la ciencia el concepto de pintura como un legado, o en tal caso como un diálogo más intenso con los movimientos anteriores y en particular con algunos artistas. La sustracción entonces, operó aquí de una manera indispensable para continuar esas estrechas relaciones.

Recuerdo una obra de Soto que despertó tal amor de mí hacia ella que debí involucrarme físicamente.  Era un fondo de rayas en blanco y negro y delante colgaban unas varillas negras de metal. Al moverse uno, en el fondo también se producía movimiento. Soto decía que para poner en movimiento la obra no necesitaba ningún motor. Reproduje parcialmente esa obra pero le suprimí las varillas y sustituí el negro de las líneas del fondo, primero con azul y luego una última mano de ocre; de esa manera y por esa capacidad que tiene el óleo de mantener la “respiración” del color de abajo, un simple efecto de movimiento fue potenciado sustancialmente. Aún sin las varillas de Soto, el cuadro no detenía su movimiento, es decir que advertí que no era necesario para lograr ese fin, ir más allá del plano. Este trabajo como otros más actuales en mi producción son los que me van dando las pautas y el deseo de trabajar con intensidad dentro de la geometría.

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November 7, 2013 Jorge Cabieses https://abstractioninaction.com/artists/jorge-cabieses/

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Which god, which infinite being can cease to be reduced into a single volume? For the iconoclast, the divine is indescribable, and every image of it is a lie. Precisely, the status of the image as such is the constant questioning that structures my work. Since my first exhibitions, the pop-style images began to run out, little by little, in their own repetition, until reaching present times, in which a symbolic bankruptcy of the image expropriated radically from its meaning, is defined in my most recent work. My current work is inscribed in this same process—the liberation of any symbolic association with reality. I have tried to settle in this equation, a discrete critical bias to the post-modern, which tries to idolize the maker of images in detriment of the image. The painter himself disappears and the spectator, used to the discourse of the figurative, ends up lost, facing the annulation of history and the vindication of the essential: form and color. Thus, in my work, I aim to confront certain canons of the Latin American image, through a problematization of the space: the obsession for narrative, the extreme sentimentality, the morbid fascination with the private. Opposite to that there is a constructive tension in search for something more universal, in spite of my own anxiety for harmony and thanks to an intimate conviction to my own elements.

 

¿Qué dios, qué ser infinito puede dejarse reducir en un sólo volumen? Para el iconoclasta, lo divino es indescriptible; y toda imagen de este, una mentira. Precisamente, el estatus de la imagen como tal es el constante cuestionamiento que estructura mi obra. Desde mis primeras muestras, las imágenes de corte pop se agotaban exhaustas, poco a poco, en su propia repetición; hasta llegar a la actualidad, en que una bancarrota simbólica de la imagen, expropiada radicalmente de su sentido, se concreta en mi obra más reciente. En este mismo proceso se inscribe mi proyecto actual: la liberación de cualquier asociación simbólica con la realidad. He intentado en esta ecuación cuajar un discreto sesgo crítico a lo post-moderno, aquel que se dedica a sacralizar al fabricante de imágenes en desmedro de la imagen. El pintor mismo desaparece y el espectador acostumbrado al discurso de lo figurativo termina extraviado frente a la anulación de la historia y la reivindicación de lo esencial: la forma y el color. Así, en mi obra pretendo a través de una problematización del espacio, confrontarme a ciertos cánones de la imagen  latinoamericana: la obsesión por la narración, el sentimentalismo exacerbado, el morbo de lo privado. Frente a ellos se establece una tensión constructiva en búsqueda de algo más universal, a pesar de mi propia angustia por la armonía y gracias a una íntima convicción de mis propios elementos.

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October 15, 2013 Octavio Abúndez https://abstractioninaction.com/artists/octavio-abundez/
Translated from Spanish

I divide my artistic production in three simultaneous directions. The phenomenological; the epistemological; and the topological. Perception, culture and place. Every direction converges in the human condition. Each one of these directions has its own visual language. The works focused on perception are full of color, of light. They oscillate between geometry and minimalism. Those centered in culture are textual and monochromatic. They oscillate between the joke, the absurd, the messianic and the politically incorrect. The ones focused on place are the backbone of my work. Through trips and moves I determine and subjectively give signs and values to cities and places. An un-scientific anthropology. A unique language in each place, which goes from the figurative to land art. There is a back and forth between directions and visual languages. I find, through constant exploration, my work’s reason to be.

 

Divido mi producción artística en tres direcciones simultáneas. Lo fenoménico, lo epistemológico y lo topológico. La percepción, la cultura y el sitio. Todas las direcciones convergen en la condición humana. Cada una de estas direcciones tiene su lenguaje plástico particular. Las piezas enfocadas a la percepción están llenas de color, de luz. Oscilan entre la geometría y el minimalismo. Aquellas enfocadas a la cultura son textuales y monocromáticas. Oscilan entre la broma, el absurdo, lo mesiánico y lo políticamente incorrecto. Las piezas enfocadas al sitio son la columna vertebral de mi trabajo. A través de viajes y cambios de residencia determino y subjetivamente le doy signos y valores a ciudades y lugares. Una antropología acientífica. Un lenguaje único en cada sitio, que va desde lo figurativo al land art. Existe un ir y venir entre direcciones y entre lenguajes plásticos. Encuentro en una constante exploración la razón de ser de mi trabajo.

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October 15, 2013 Karina Peisajovich https://abstractioninaction.com/artists/karina-peisajovich/

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Extract from interview by Inés Katzenstein, as part of solo show “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “I never felt much love for objects. I never framed anything, and when I thought that I need it to do it, I decided to adopt the frame as a device of the work in the same way that artifacts are presented in installations before the artifice. Geometry is always present in my work. It keeps moving. In installations, geometry acts as a force that supports a space. It constructs a deception… In these new works, the geometric frame allows me to enclose a light situation. They are architectures of a luminous space that also have shadows (shadows produced from the same immateriality). I like frames that are not orthogonal because they are unstable. (…) The work took its own path, and although my impulses are more toxic, painting keeps being a substance that guides me. Even when my work centers on the act of seeing, what happens in the retina, in the illusion of vision itself. Everything departed from that. If I think about the first painters, to paint is also to do magic.”

 

Fragmento de la entrevista con Inés Katzenstein, como parte de la muestra individual “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “Nunca sentí mucho amor por los objetos. Nunca enmarqué nada, y cuando pensé que necesitaba hacerlo, decidí adoptar al marco como un dispositivo de la obra del mismo modo en que los artefactos se presentan en las instalaciones delatando el artificio. La geometría siempre está presente en mi obra. Se va trasladando. En las instalaciones, la geometría actúa como una fuerza que sostiene un espacio. Construye un engaño… En estas obras nuevas, el marco geométrico me sirve para acotar una situación de luz. Son arquitecturas de un espacio luminoso que también tienen penumbra (una penumbra que se produce en la misma inmaterialidad). Los marcos no ortogonales me gustan porque son inestables. (…) La obra fue tomando su propio rumbo, y aunque mis impulsos sean más tóxicos,  la pintura sigue siendo una sustancia que me orienta.  Incluso cuando trabajo en obras que se centran en el acto de ver, en lo que pasa en la retina, en la ilusión propia de la visualidad. De ahí salió todo. Si pienso en los primeros pintores, pintar es también hacer magia”.

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October 8, 2013 tepeu choc https://abstractioninaction.com/artists/tepeu-choc/

Translated from Spanish

The constant elements in my work are color, space and form, departing from understanding that, by dedicating to bidimensionality I will never achieve tridimensionality. This compels me to carefully study the space that is available to me, to situate shapes, to build with available elements and materials. From the sketch, I begin the process of the work in which I do not allow changes or improvisations, since I depart from a series of studies on movement, color portions, distance and color. I appropriate existing forms; I modify them and give them a new role, in addition to use the materials which I work with in my favor—thread, wire mesh, color pencils, etc. I am interested in the connection with the viewer, through the play of dimensions of the medium of my work, as well as the application of my palette of colors in different tonalities. Until this day, I have been working with different branches of the visual arts, focusing in some of them, for example drawing, engraving, painting, sculpture and photography. Nevertheless, one of my most ambitious projects, which began in 2008, is the one where I aim to take the dimensional to sculptures that are interact with the public.

 

Las constantes en mi trabajo son el color, el espacio y la forma, parto de la comprensión de que al dedicarme a la bidimensionalidad nunca podré lograr la tercera dimensión, esto me obliga a estudiar detenidamente el espacio del que dispongo, a situar las formas, construir con elementos y materiales disponibles, a partir del boceto empiezo el proceso de la pieza en el cual ya no admito cambios ni improvisaciones ya que parto de una variedad de estudios de movimientos, porción de colores, distancias y colores. Me apropio de formas que ya existen, las modifico y les doy un nuevo carácter, además de utilizar a mi favor los materiales con los que trabajo, hilo, metal reticulado, lápices de colores, etc. Me interesa la conexión con el espectador, a través del juego de dimensiones del soporte de mi trabajo, además de la aplicación de mi paleta de colores en diversas tonalidades. Hasta ahora trabajo  varias ramas de las artes plásticas enfocándome en algunas de ellas como, dibujo, grabado, pintura, escultura y fotografía, sin embargo uno de mis  proyectos más ambiciosos el cual ha sido iniciado desde el 2008 en el que pretendo llevar de lo dimensional  a esculturas interactivas con el público.

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October 4, 2013 Marta Chilindrón https://abstractioninaction.com/artists/marta-chilindron/

My focus has always been on questioning the accuracy of our perception, our interpretation of reality.  I have tried to capture the state of flux of everything. Participation of the viewer is important because it brings the person into the sculpture; the public is the performer and the viewer, and that dual involvement is an important element of my work. I explore the ideas of sequencing, beginning and end, making objects that are simple networks with no definite shape and that exist between the second and third dimension with infinite possible configurations.

 
Traducido del inglés

Mi enfoque siempre ha sido el cuestionar la precisión de nuestra percepción, de nuestra interpretación de la realidad. He intentado capturar el estado de flujo de todas las cosas. La participación del espectador es importante porque trae a la persona dentro de la escultura; el público es el que realiza el performance y el espectador, y esa participación binaria es un elemento importante de mi obra. Exploro ideas de secuencia, principio y fin, realizando objetos que son redes simples sin forma definida y que existen entre la segunda y tercera dimensión, con configuraciones posibles infinitas.

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October 4, 2013 Aníbal Catalán https://abstractioninaction.com/artists/anibal-catalan/

Translated from Spanish

My work is based in the fusion of two-dimensional and three-dimensional mediums, from traditional painting to site-specific installations, using architecture as a language that allows me to dialogue within different forms of representation.

The Works emerge and are comprised of traditional basics in visual compositions, adjusting to the limits of the utilized support, in this case, the architectural space.

Architecture is transformed not only in a form of rational and constructive processes in the use of matter in a functional manner. In my work, architecture transforms itself in something that goes beyond. Everything in this world, each thing, as simple as it may be, has architecture of its own. To me, the real meaning of architecture is found in its perception, visualization and reception, in terms of a formal-conceptual production of visual elements. Improvisation is a basic principle related to necessities that have to be solved. The most basic and ancient architecture is based on improvisation, to be adjusted to certain functions and aesthetic solutions.

The principle of my sculptural installations has avant-garde aesthetics from the beginning of the 20th century as their main reference, using Russian Constructivism as a model, and integrating thoughts and aesthetics derived from de-constructivism.

The use of pictorial and sculptural elements establishes a dialogic resistance and interaction. On the other hand, it represents a compositional structure that works in relation to elements of tension and suspension, where time and contemplation provoke a state of uncertainty, through the improvisation of forms, used construction elements and materials and arranged in real spaces, as a tactic of domestic, utopic and experimental architecture.

 

Mi trabajo se basa en la fusión de medios bidimensionales y tridimensionales; de pintura tradicional a instalaciones de sitio específico. Utilizando la arquitectura como un lenguaje que me permite el diálogo entre diferentes formas de representación.

Las obras surgen y se componen de fundamentos tradicionales en composiciones plásticas, ajustándose a los límites del soporte utilizado, en este caso, el espacio arquitectónico.

La arquitectura se convierte no sólo en una forma de procesos racionales y constructivos del uso de masas de una manera funcional. En mi trabajo la arquitectura se convierte en algo que va más allá. Todo en este mundo, cada cosa, por más simple que sea tiene una arquitectura en sí misma, para mí el significado real de la arquitectura se encuentra en su percepcion, visualizacion y recepcion, en términos de una producción formal-conceptual de elementos plasticos.

La improvisación es un principio básico en relación con todas las necesidades que tienen que ser resueltas. La arquitectura en sus formas más básicas y antiguas es en primer termino improvisación para ajustarse a determinadas funciones y soluciones esteticas.

El principio de mis instalaciones escultóricas tiene como referencia principal a  estéticas de la vanguardia de principios del siglo XX, teniendo como modelo el Constructivismo ruso principalmente e integrando pensamientos y esteticas derivados del deconstructivismo.

El uso de elementos pictóricos y escultóricos establece, en un sentido, una resistencia y una interacción dialógica. Por otro lado, representa una estructura compositiva que trabaja en relación con elementos de tensión y suspenso, en donde el tiempo y la contemplación provocan un estado de incertidumbre, a través de la improvisación de formas, elementos y materiales constructivos usados y dispuestos en espacios reales como una forma de arquitectura doméstica, utopica y experimental.

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October 4, 2013 Roberto Behar & Rosario Marquardt https://abstractioninaction.com/artists/roberto-behar-rosario-marquardt/

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October 4, 2013 Alejandra Barreda https://abstractioninaction.com/artists/alejandra-barreda/

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I work within the framework of geometric abstraction traditions, in correlation with the contemporary world. I research the net of relationships established between painting and spatial context, so that the installation becomes part of the work and each project becomes inseparable from the specific space in which is inserted. On one hand, I resort to working in series, which prevents that the gaze converges to a fixed point in front of the multiplicity of canvases. On the other hand, I work systematically with lines, which produce a continuity effect and expand the pictorial surface.

 

Trabajo en el marco de la tradición de la abstracción geométrica, en resonancia con el mundo contemporáneo. Investigo la red de relaciones que se establece entre la pintura y el contexto espacial, de modo que el montaje se vuelve una parte de la obra y cada proyecto se vuelve inseparable del espacio específico en que se inserta. Por un lado, recurro a las series, que impiden que la mirada converja hacia un punto fijo frente a la multiplicidad de bastidores. Por otra parte, trabajo sistemáticamente con líneas, que producen ante la mirada un efecto de continuidad y una expansión de la superficie pictórica.

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October 4, 2013