Abstraction in Action Laercio Redondo https://abstractioninaction.com/artists/laercio-redondo/

About the Artist

My artistic research and work engage extensively with collective memory and its erasure in society.

The works are often based on the interpretation of specific events in relation to the city, architecture and historical representation in relation to the present, searching for new meanings to forgotten aspects of a conflictive lexicon in whose internal movement the writing of history is disputed.

My interest is to create installations and multimedia works that emerge from a deep research into cultural dynamics, that takes Brazilian architecture and its practitioners as central figures of my research.

Important architectonic icons like Casa França Brasil, The Gustavo Capanema Palace also known architecturally as the Ministry of Education and Health Building or the figures as Athos Bulcão, Lina Bo Bardi, and Lota de Macedo Soares or Carmen Miranda are many times the starting point to develop my research.

—
Mi investigación artística y obra están involucrados extensivamente  con la memoria colectiva y su borramiento en la sociedad.

Las obras a menudo están basadas en la interpretación de eventos específicos en relación a la ciudad, la arquitectura y la representación histórica en relación al presente, buscando nuevos significados para los aspectos olvidados de un léxico conflictivo, en cuyo movimiento interno la escritura de la historia está en disputa.

Mi interés es el de crear instalaciones y obras multimedia que surgen de una investigación profunda sobre las dinámicas culturales, que toman a la arquitectura brasileña y sus practicantes como figuras centrales de mi investigación.

Importantes  iconos arquitectónicos como  Casa França Brazil, El Gustavo Capanema Palace también conocido arquitectónicamente como el  edificio del Ministerio de Educación y Salud; o las figuras como Athos Bulcão, Lina Bo Bardi, y Lota de Macedo Soares, or Carmen Miranda, son muchas veces los puntos de partida  para desarrollar mi investigación.

 

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

January 10, 2017 Alexandre Canonico https://abstractioninaction.com/artists/alexandre-canonico/

About the Artist

My practice is influenced by the aesthetics and logic of architectural drawing and the legacy of geometric abstraction. However, instead of merely exploring the formal aspects associated to these disciplines, I am interested in investing my work with more playful, unstable or destabilising elements that disrupt the rigorous principles underlying traditional architecture and abstraction.

Over the past 5 years, I have been developing a series of wall-based sculptures/ drawings where three-dimensional elements (depth, shadow and movement) are used as a drawing tool, often incorporating elements from the surrounding space into the composition.

I had my first solo show in August 2015 at Galeria Marilia Razuk in São Paulo. The show was titled “Aonde”, which translates as “To where/ Where to”, implying the movement to or the search for a place. The works had in common a certain flexibility of boundaries and an interest in the space that contains or is contained by each piece.

—

Mi práctica es influenciada por la estética y la lógica de dibujos arquitectónicos y el legado de la abstracción geométrica.  Sin embargo, en ves de únicamente explorar los aspectos formales asociados con esas disciplinas, estoy interesado en investir mi trabajo con elementos lúdicos, inestables y desestabilizadores, que interrumpen los principios rigurosos que  subyacen en la arquitectura tradicional y la abstracción.
Durante los últimos 5 años, he estado desarrollando una serie de esculturas de pared / dibujos, en los cuales elementos tridimensionales (profundidad, sombra y movimiento) son empleados como instrumentos de dibujo, a menudo incorporando elementos del espacio circundante en la composición.
Tuve mi primera exposición en agosto del 2015 en la Galería Marilia Razuk en São Paulo. La muestra titulada “Aonde”, que se traduce como “A donde/Hacia adonde”, implicando el movimiento hacia o la bísqueda por un lugar. Las obras tenían en común una cierta flexibilidad de limites y un interés en el espacio que contiene y es contenido por cada pieza.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

December 8, 2016 Martin Cordiano https://abstractioninaction.com/artists/martin-cordiano/

 

 

About the Artist

As a visual artist I aim to make constructions that offer an insight into the relationship with others and with the space that surrounds us; as well as to explore routine and the way we inhabit space. My practice is an exploration of the contradiction between the dynamic world we live in and the rigid structures of the building environment and architecture that contains it. As a result, art is used as lens to think and rethink this language, trying actively to renegotiate meaning through asking questions differently. Laying down the platform to engage in conversation to try to renegotiate these agreements.

Eminently simple yet complex in its implications, my work stands as a paradigm for a practice of making, which is beyond either art or architecture.

I experiment on and in the real world. Pulling apart the structures of our everyday life, playing with the materials out of which we construct our surroundings and our implements, and opening up new spaces within a world we thought we had defined. What remains inherent throughout my practice is the sense of experimentation and investigation that operates as an extension of our ability to be at home in the world, to remake our reality, and to question our existence through what we make.

—

Como artista visual me propongo realizar construcciones que ofrecen una mirada sobre la relación con otros y con el espacio que nos rodea; como también de explorar la rutina y la forma como habitamos el espacio. Mi practica es una exploración de las contradicciones entre el mundo dinámico en el cual vivimos y las estructuras rígidas del paisaje construido y de la arquitectura que la contiene. Como resultado, el arte es empleado como un lente para pensar y repensar este lenguaje, de tratar activamente de renegociar el sentido, al preguntar de otras formas. Construir una plataforma para propiciar conversaciones e intentar renegociar estos acuerdos. 

Eminentemente simple pero a la vez complejas estas implicaciones, mi obra se plantea como un paradigma para la practica del hacer, que va mas allá del arte y de la arquitectura.

Yo experimento sobre y dentro del mundo real. Yo desarmo las estructuras del día a día, jugando con los materiales con los cuales construimos nuestros entornos y nuestros implementos,  y así abrir nuevos espacios dentro del mundo que pensamos habíamos definido. Lo que se mantiene inherente a lo largo de mi práctica es el sentido de experimentación e investigación que opera como extensión de nuestra habilidad de sentirnos en casa en el mundo, de rehacer nuestra realidad, y de interrogar nuestra existencia a través de lo que hacemos.

 

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

December 6, 2016 Andrea Ostera https://abstractioninaction.com/artists/andrea-ostera/

 

 

About the Artist

My work is traversed by two conceptual axis. On the one hand, by the exploration of the conditions and limits of photography. The matter relating to physics and chemistry in the materials sensitive to light; the quotes about the history of the photographic representation; the tricks of the monocular device; and, more recently, the migration of images from the photographic paper to the screen. I have developed much of my work around these components.

On the other hand, I have dealt with issues of representation and translation between one medium and another. The mediation, an invariably imperfect operation, has been a field of play and manipulation in my work. The appearance of daily objects in my work, is simply a pretext for my work. The use of banal objects respond to the need of making with what is available, the material “at hand”, easy to find, and ready to be used.  The home, the neighborhood, are the stages where the work takes place: the objects, necessary actors, inevitable accomplices, are the condition of possibility of these images.

—

Dos ejes conceptuales atraviesan mi obra. Por un lado, la exploración de las condiciones y los límites de la fotografía. Las cuestiones de física y química en los materiales sensibles a luz, las citas a la historia de la representación fotográfica, las trampas del aparato monocular y, más recientemente, la migración de las imágenes desde el papel fotográfico a la pantalla, componen una trama sobre la que se ha desarrollado gran parte de mi trabajo.

Por el otro, la experimentación con cuestiones de representación y traducción entre un medio y otro. La mediación, esa operación siempre imperfecta, ha sido en mi obra un terreno de juego y manipulación. La aparición de objetos cotidianos en mi trabajo no es más que un pretexto para mi obra. La utilización de objetos banales responde a la necesidad de un hacer con lo disponible: material “a mano”, fácil de conseguir y listo para ser usado. La casa, el vecindario son el escenario donde sucede la obra; los objetos, actores necesarios, cómplices inevitables, condición de posibilidad de estas imágenes.

 

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

December 5, 2016 Magali Lara https://abstractioninaction.com/artists/magali-lara/

About the Artist

My work is found in an intersection. Text and image coexist in different ways. As Siamese twins, that have developed different personalities but that, in the end, share a vital nucleus.

This is the way I understand as artists we come close to animation because it constitutes a fertile terrain to construct other ways of narrating. Firstly, because of the ease of the programs that are available today, that offer relatively simple ways of solving technical problems. Secondly, because animation, as comics in its moment, also allows to create sequences from a different place to cinema. It is as if drawing supports an exploration about subjectivity, and becoming fictional, it could excavate within memory with more freedom.

Many young artists are interested in exploring, like me, the narrative possibilities of animation. The basic difference between us, aside from the generational, is that even though we share the passion for comics, I’m interested in the evocation more than in the description of existential situations.  They, instead, feed themselves from a rich world that stems from manga, pornography, and commercial caricatures, moving away from the pictorial tradition.

The image in movement is a risky bet and it is related to temporality.

Sound experimentation, the inclusion of chance, the voice in the music sheet, sometimes as a gesture, and others as narration, feed many of my preoccupations, and open a panorama with many combinations. At the same time, present day animation allows me to understand that to employ figuration or abstraction imply different ways of constructing stories.  Figuration is closer to caricature and satire, or to a first person narrative. The visual abstract, sometimes used as a secondary element, appears more like an effect.

I feel closer to animation that uses a more abstract language, as in the movies of Norman McLaren. To want to tell not from the feminine body, but from the experience of the body that has seen, that knows that you do not tell all, and that sound makes the possible appear. Insinuation is sometimes more intense than the declaration.

—

Mi trabajo se sitúa en la intersección. Texto e imagen conviven de diferentes maneras. Como hermanas siamesas que han desarrollado distintas personalidades pero que, al final, comparten un núcleo vital.

Así entiendo que muchos artistas nos aproximamos a la animación porque constituye un terreno fértil para construir otros modos de narrar. Primero, por la facilidad de los programas ahora disponibles, que ofrecen maneras relativamente sencillas de resolver problemas técnicos. Y en segundo lugar porque la animación, como el cómic en su momento, también permite hacer secuencias desde un lugar distinto del cine. Como si el dibujo apoyara una exploración sobre la subjetividad y, al hacerse ficticia, pudiera escarbar en la memoria con mayor libertad.

Muchos artistas jóvenes están interesados en explorar, como yo, sus posibilidades narrativas en la animación. La diferencia básica entre nosotros, aparte de la generacional, es que aunque compartimos la afición por los cómics, estoy interesada en una evocación más que en una descripción de situaciones existenciales. Ellos, en cambio, se nutren de un mundo riquísimo que viene tanto del manga, la pornografía, como de caricaturas comerciales, apartándose de la tradición pictórica tradicional.

La imagen en movimiento es una apuesta arriesgada y ligada a la temporalidad.

La experimentación sonora, la inclusión del azar y la voz en la partitura, a veces como gesto y otras como narración, alimentan muchas de mis inquietudes y abren un panorama de muchas combinaciones. Al mismo tiempo, la animación actual me permite entender que usar la figuración o la abstracción implica maneras diferentes de construir relatos. La figuración está más cercana a la caricatura y a la sátira, o a una narrativa en primera persona. Lo abstracto visual, a veces usado como elemento secundario, aparece más como efecto.

La animación que usa un lenguaje más abstracto, como las películas de Norman McLaren, me resulta más cercana. Querer contar no ya desde un cuerpo femenino, sino desde la experiencia del cuerpo que ha visto, que sabe que no lo dices todo, que el sonido hace aparecer lo posible. La insinuación a veces es más intensa que una declaración.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

December 1, 2016 Óscar Abraham Pabón https://abstractioninaction.com/artists/oscar-abraham-pabon/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 9, 2015 Lucía Pizzani https://abstractioninaction.com/artists/lucia-pizzani/

My work revolves around issues of gender, the body, and a lifelong interest in nature. This combination also draws from my various studies in Visual Communication, Conservation Biology and Fine Arts. In recent years I have been developing a visual approach that uses photography, performance, installation, sculpture and video. Through these processes I tackle issues that concerned the Surrealists and the body art of the seventies, while maintaining a contemporary approach through my research-based practice. I seek stories that often come from literary and artistic references in significant periods both in Europe and South America. Ultimately I mix a wide range of aesthetics, cultures and historical figures in my work.

 
Traducido del inglés

Mi trabajo gira en torno a las cuestiones de género, el cuerpo, y un interés de por vida hacia la naturaleza. Esta combinación se basa también en mis diversos estudios en Comunicación Visual, Biología de la Conservación y Bellas Artes. En los últimos años, he desarrollado un enfoque visual a través de la fotografía, performance, instalación, escultura y video. A través de estos procesos, abordo cuestiones que preocupaban a los Surrealistas y al arte del cuerpo en los años setenta, manteniendo un enfoque contemporáneo a través de mi práctica basada en la investigación. Busco historias que a menudo provienen de referencias literarias y artísticas en períodos significativos tanto en Europa y América del Sur. En última instancia, mezclo en mi trabajo una amplia gama de la estética, las culturas y figuras históricas.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

August 28, 2015 Pier Stockholm https://abstractioninaction.com/artists/pier-stockholm/

I incorporate the material function of my studio as a means of illustrating my artistic practice.

 
Traducido del inglés

Incorporo la función material de mi estudio como medio de ilustrar mi práctica artística.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

August 19, 2015 Elena Damiani https://abstractioninaction.com/artists/elena-damiani/

My conceptual interests –understanding the present by looking into the past and recognizing the potential of images to resonate and prompt a universe of associations in the collective memory– guide my practice of transforming found material into collages, sculptures, and video installations. In my investigation I turn to scientific studies such as geology, archeology, and cartography to explore forms of fragmentation and material reinterpretation. My work seeks to redefine natural realms and their generative processes, presenting them as incomplete and ambiguous spaces where multiple times and topographies seem to unfold in unison.

 

Mi práctica es guiada por intereses críticos relacionados al entendimiento del presente a través de una mirada al pasado y a la capacidad evocativa de las imágenes para resonar y desencadenar un universo de asociaciones en la memoria colectiva; estos intereses transforman materiales encontrados en collages, esculturas y video instalaciones. En mi investigación recurro a temas como la geología, arqueología y cartografía para explorar formas de fragmentación y reinterpretación de material documentado y racionalizado por la ciencia que estudia la composición, evolución e historia de la Tierra. Mi obra busca reinterpretar estadíos naturales y sus procesos generativos presentándolos como espacios incompletos y ambiguos en donde se fusionan múltiples tiempos y topografías.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

August 19, 2015 Mario Navarro https://abstractioninaction.com/artists/mario-navarro/

The formal aesthetics and syntax of my work stand as an alternative reference to certain classes of objects, just as words do not « refer » to things themselves in Saussure’s theory of linguistics. Objects and architectures have meanings as points and conceptual significations within an entire system of relations as each and every element evokes an idea different, let’s say, than that of another class of objects in virtue of their literal properties. I believe in creating a meta-class of language that questions both architecture and the way we look at it but in different terms. Architecture is re-contextualized.

Issues of perception, the combination of language and spatial elements, the sculptural properties of language, matter/materials and their representations are lines of research that I have been investigating lately. The relations between architectures and forms, and more specifically, the decomposition of architectural paradigms (balance, symmetry, organization of units and the figure of the architect) are some of the constant interests and explorations in the ongoing and never finalized propositions that I create.

 
Traducido del inglés

La estética formal y sintaxis de mi trabajo se destacan como una referencia alternativa a ciertas clases de objetos, de la misma forma que las palabras no se « refieren » a las cosas mismas, como en la teoría lingüística de Saussure. Los objetos y las arquitecturas tienen significados como puntos, y significaciones conceptuales dentro de todo un sistema de relaciones, así como cada elemento evoca una idea diferente, digamos, que la de otra clase de objetos en virtud de sus propiedades literales. Creo en la creación de un meta-lenguaje que cuestione tanto la arquitectura como el modo en que lo observamos, pero en diferentes términos. La arquitectura es re-contextualizada.

Las cuestiones de la percepción, la combinación del lenguaje y elementos espaciales, las propiedades escultóricas del lenguaje, materia / materiales y sus representaciones, son las líneas de investigación que he estado realizando últimamente. Las relaciones entre las arquitecturas y las formas, y más específicamente, la descomposición de los paradigmas arquitectónicos (el equilibrio, la simetría, la organización de unidades y la figura del arquitecto) son algunos de los intereses constantes y de las exploraciones de las proposiciones siempre inconclusas y en desarrollo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

 

August 18, 2015 Pablo Méndez https://abstractioninaction.com/artists/pablo-mendez/

Poetry can lead us to the flow of wind. The words, or mental images can take us away, into trance. The relation with the unknown takes shape in that stopped time, and it’s up to us to give body to the experience. Everything is an abstraction. Let’s overlay this with words, feelings and movement.

 
Traducido del inglés

La poesía nos puede llevar al flujo del viento. Las palabras o imágenes mentales nos pueden llevar lejos, a un trance. La relación con lo desconocido toma forma en este tiempo detenido, y nos toca a nosotros darle cuerpo a esa experiencia. Todo es una abstracción. Vamos a poner palabras, sentimientos y movimiento sobre ésta.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

August 17, 2015 Isabel Cisneros https://abstractioninaction.com/artists/isabel-cisneros/
Translated from Spanish

As an artist, I develop my work through an investigation of the histories and decorative elements of textiles and through the meticulous techniques of sewing, knitting, weaving, threading, and knot making. Thus I pay tribute to cultural contributions made by women and to the feminine esthetic.

Through the flexibility of my works I want to express life, the interconnection of beings and their adaptation to the environment. I achieve this flexibility through the interweaving of hundreds of small pieces in which the contrasts of rigidity-opacity and elasticity-translucency commingle.

My pieces are accumulations built to achieve the maximum possible size or density with the least amount of material. I work with small, serial units: clay forms, scales, seeds, and industrial objects like buttons, bolts, hoses, and cloth.

The final result is similar to a rug or carpet. Due to its flexibility, I can exhibit it in many different ways. For me it is important that the spectator can and will manipulate it and play with it freely to create an infinity of forms.

While my works are conceived as abstract objects derived from mathematical and geometrical calculations, the final result (texture, irregularity of the manual weaving and weight) evokes living beings in repose.

 

Como artista, investigo y centro mi trabajo en una constante revisión de las tramas y los elementos decorativos de los textiles y las meticulosas técnicas de cosido, bordado, tejido, ensartado y anudado. Es un tributo y reconocimiento al aporte cultural y estético femenino.

A través de la flexibilidad de mis obras quiero expresar la vida, las interconexiones de los seres y la adaptación al medio ambiente. Esta flexibilidad se logra mediante el entretejido de cientos de pequeñas piezas en las que conviven los contrastes de rigidez-opacidad y elasticidad-translucidez.

Mis piezas son acumulaciones estructuradas por el principio de lograr el mayor tamaño o densidad posible con la menor cantidad de material. Trabajo con pequeñas unidades seriadas: modelados en arcilla, escamas, semillas, y objetos industriales como botones, tuercas, mangueras y tela.

El resultado final es similar a un tapiz o alfombra. Su condición maleable me permite exhibirlo de diversas maneras. Para mí es importante que el espectador quiera y pueda manipularlo, jugar con él libremente y crear infinidad de formas.

Si bien mis piezas están concebidas como objetos abstractos y parten de cálculos matemáticos y geométricos, su resultado final (textura, irregularidad del tejido manual y peso) evoca a seres vivos en reposo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

August 12, 2015 Raquel Rabinovich https://abstractioninaction.com/artists/raquel-rabinovich/

For many years I have been investigating the ineffable nature of things, objects, words, thoughts. My art has always been informed by an underlying awareness of the concealed and ephemeral aspects of existence that we don’t see or that appear to be invisible. Through the processes I have explored, I try to reveal how that which has been concealed emerges into view. Art is for me making visible the invisible. In working across mediums for the last fifty years, I go to the unknown in order to know. I go to the dark to see the light.

  
Traducido del inglés

Durante muchos años, he estado investigando la naturaleza inefable de las cosas, los objetos, las palabras, los pensamientos. Mi arte siempre ha sido informado por una conciencia subyacente de los aspectos ocultos y efímeros de la existencia que no vemos o que parece ser invisible. A través de los procesos que he explorado, trato de mostrar cómo lo que se ha ocultado surge a la vista. El arte es para mí hacer visible lo invisible. Al trabajar en distintos medios durante los últimos cincuenta años, me voy hacia lo desconocido con la finalidad de conocer. Voy a la oscuridad para ver la luz.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

August 11, 2015 Ximena Garrido-Lecca https://abstractioninaction.com/artists/ximena-garrido-lecca/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

May 26, 2015 Jesús Matheus https://abstractioninaction.com/artists/jesus-matheus/

I am interested in a process of intermediation, in the admixture of media and the possibility of shaping their mutual resonances. What guides that process is a will to construct. Form takes root in those intermediary relations: form as the conceptual development of a tectonic sensation; form as the presentness of an object that migrates from one medium to the other. In each stage of my work, I have searched for that object, the place that cannot be framed within a medium-specific site. Detached from concrete objects, such a place is to be found between the works as a concept or idea in development. It is an ideogrammatic construction.

 
Traducido del inglés

Estoy interesado en un proceso de intermediación, en la mezcla de los medios y la posibilidad de transformar sus resonancias mutuas. Lo que guía este proceso es la voluntad de construir. La forma radica en esas relaciones de intermediación: la forma como el desarrollo conceptual de una sensación tectónica; la forma como el estado presente de un objeto que se desplaza de un medio a otro. En cada etapa de mi trabajo, he buscado para ese objeto el lugar que no se puede enmarcar dentro de un medio específico. Separado de objetos concretos, tal lugar se encuentra entre las obras como un concepto o idea en desarrollo. Se trata de una construcción ideogramática.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

May 18, 2015 Eduardo Terrazas https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-terrazas/

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

May 15, 2015 Alice Quaresma https://abstractioninaction.com/artists/alice-quaresma/

My work elaborates on life “displacements” that take you to an uncomfortable place and push you to your limits. The cultural remnants that I encounter living overseas as a foreigner have always inspired me to create work that deals with memory, identity and melancholy. I am fascinated by the unique moments I experience when I live away from my culture. Despite the visual clarity of my artwork, the pieces convey a sense of oddness and casual dysfunction. I am interested in materials within my art practice that do not blend, but overlap to hide sections of the composition and reveal others. The revelations in the work come through a sense of surprise. My current work draws great influence from painting and photography. My fascination with painting started as a kid and it is my biggest challenge. Every time I paint I grow restless and find it difficult to resolve an artwork. However, this challenge teaches me to appreciate the qualities of painting as a process in my work.

My work has an almost abstract quality. The precise marks and interventions (with paper, tape, wood, paint and oil pastel) directly on photographic prints – produce an authentic quality to the work. As a result, my artistic investigation transcends the language of photography and acquires qualities of painting. I have been intrigued by ways to break the qualities of the photographic medium in my art practice. One of the art movements that has been especially inspiring to me is the Neo-Concrete art movement from the 1960’s (Rio de Janeiro, Brazil) where artists were using geometry as a way to expand the possibilities of texture and sensorial qualities in art. The work’s often experimental qualities allowed it to undergo a process of self-transformation.

 
Traducido del inglés

Mi trabajo profundiza en los “desplazamientos” de la vida que te llevan a un lugar incómodo y que te empujan hasta sus límites. Los restos culturales con los que me encuentro al estar viviendo en el extranjero siempre me han inspirado a crear obra que tenga que ver con la memoria, la identidad y la melancolía. Tengo una fascinación por los momentos únicos que experimento cuando vivo lejos de mi cultura natal. A pesar de la claridad visual de mi obra, las piezas transmiten una sensación de extrañeza y disfunción casual. Como parte de mi práctica artística, me interesan los materiales que no se mezclan, pero que se superponen para ocultar secciones de la composición y revelar otras. Las revelaciones en mi trabajo vienen a través de un sentido de sorpresa. Mi trabajo actual tiene una gran influencia de la pintura y la fotografía. Mi fascinación por la pintura comenzó desde que era una niña y se ha convertido en mi mayor reto. Cada vez que pinto, crezco de manera inquieta, y me resulta difícil resolver de esta manera la obra de arte. Sin embargo, este reto me enseña a apreciar las cualidades de la pintura como un proceso en mi trabajo.

Mi obra tiene una cualidad casi abstracta. Las marcas e intervenciones (con papel, cinta, madera, pintura y pastel al óleo) hechas sobre impresiones fotográficas, producen una auténtica calidad de la obra. Como resultado, mi investigación artística trasciende el lenguaje de la fotografía y adquiere cualidades de la pintura. Me ha intrigado la manera de romper las cualidades del medio fotográfico como parte de mi práctica artística. Uno de los movimientos artísticos que ha sido especialmente inspirados para mí es el movimiento de arte Neo-concreto de la década de 1960 (Río de Janeiro, Brasil) en donde los artistas utilizaron la geometría como una forma de ampliar las posibilidades de la textura y las cualidades sensoriales en el arte. Las cualidades a menudo experimentales del trabajo, permiten que éste se someta a un proceso de auto-transformación.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

May 15, 2015 Jaime Davidovich https://abstractioninaction.com/artists/jaime-davidovich/

My taped projects are about surfaces, context and space.

I first started working with adhesive tape in 1966. Initially I used the tape to hold my paintings to the wall, but starting in 1970 I eliminated the painting and concentrated on the tapes as my primary medium. I wanted to explore the possibilities of using spaces where the viewer does not expect art to be found. This concept brought me to intervene staircases, landing platforms and outdoor walls and objects. Each work was created for a unique space. When covering a surface, the tape creates an additive grid full of amorphous patterns caused by air bubbles. When developing a tape project, sometimes paper or a photograph was the support and framework for the piece, but many times the project was able to become monumental as it seamlessly adapted to the architecture of the space. Also in 1970, I began to incorporate videotape as part of these projects. The taped projects became “Art on tape and tapes as art”.

 
Traducido del inglés

Mis proyectos con cinta tratan sobre superficies, contexto y espacio.

Comencé trabajando con cinta adhesiva en 1966. Inicialmente utilicé cinta para sostener mis pinturas sobre la pared, pero a partir de 1970, eliminé las pinturas y me concentré en las cintas como mi medio principal. Quería explorar las posibilidades del uso de espacios en donde el espectador no espera encontrar arte. Este concepto me llevó a intervenir escaleras, plataformas de aterrizaje, paredes exteriores y objetos. Cada obra fue creada para un espacio único. Al cubrir una superficie, la cinta crea una retícula de aditivo llena de patrones amorfos causados por burbujas de aire. Durante el desarrollo de un proyecto con cinta, a veces el papel o la fotografía era el soporte y el marco de la pieza, sin embargo, muchas de las veces, el proyecto fue capaz de convertirse en monumental al momento de adaptarse perfectamente a la arquitectura del espacio. También, en 1970, comencé a incorporar cinta de video como parte de estos proyectos. Los proyectos grabados se convirtieron en “Arte en cinta y las cintas como arte”.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

May 4, 2015 Nicola Noemi Coppola https://abstractioninaction.com/artists/nicola-noemi-coppola/
Translated from Spanish

The contact between two or more preexisting elements generates variations in the state of matter. This series of transformations can provide representations that unveil their synergetic state. The representation of invisible forces demands tools so that they may be seen, otherwise they would escape the senses and as a result be lost to understanding. This is the motor for a great part of the sciences: the necessity of representing the invisible to be able to “comprehend it.” Coming from a branch of the sciences, I try to represent the force of matter that continues to inscribe the history of its causes and effects. For me this is also an obsession with the infinitely small or the invisible, and it is therefore necessary to solidify the symbolic mark of society, and the voice of the environment that will never be silenced.

 

El contacto entre dos o más elementos pre-existentes genera variaciones del estado de la materia. Esta serie de transformaciones puede dar representaciones que develan su estado sinérgico. La representación de fuerzas invisibles precisan de utensilios para ser vistas, de lo contrario escaparían a los sentidos y así al entendimiento. Éste es el motor de gran parte de las ciencias: la necesidad de representación de lo invisible para así “comprenderlo”. Viniendo de una rama científica, intento representar la fuerza de la materia que sigue inscribiendo la historia de sus causas y efectos. Para mi también es una obsesión lo infinitamente pequeño o lo invisible, y resulta necesario así, dejar asentada la huella simbólica de la sociedad, y la voz del ambiente que nunca será callada.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

May 4, 2015 Fabiola Menchelli https://abstractioninaction.com/artists/fabiola-menchelli-2/

My work investigates photography in relation with architecture, drawing, sculpture and other media. Using the language of abstraction I construct images that speak about the architecture of a mental space. The Constructions series consists of simple installations built with paper and lit with digital projectors. The light surrounds the surface of the installations, connecting the physical matter, while the shadows allow the illusion of solid objects. Thus, the works transform and redefine the physical space through the interplay of light and shadow. The work focuses on architecture as a means of constructing ideas to show us the flexibility of mind in relation to the perception of space.

 

Mi trabajo investiga la relación de la fotografía con la arquitectura, el dibujo, la escultura y otros medios. Usando el lenguaje de la abstracción, construyo imágenes que hablan acerca de la arquitectura de un espacio mental. En la serie Constructions compuse sencillas instalaciones construidas con papel e iluminadas con proyectores digitales. La luz rodea la superficie de las instalaciones, conectando la materia física, mientras que las sombras permiten la ilusión de objetos sólidos. De este modo, las obras se transforman y redefinen el espacio físico a través de la interacción de la luz y de la sombra. El trabajo se centra en la arquitectura como un medio para la construcción de ideas para mostrarnos la flexibilidad de la mente en relación con la percepción del espacio.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

April 13, 2015 María Fernanda Plata https://abstractioninaction.com/artists/maria-fernanda-plata/
Translated from Spanish

My projects emerge from my interest about the urban habitat and the way in which we human beings relate to it. I reflect upon the way in which architectural constructions, in their apparent solidity and monumentality, conceal their transitoriness and vulnerability as places that provide refuge and security to their inhabitants.

My work refers to the fragility and fleetingness of things made by man and also the great effort and time that they demand to be completed. A fundamental part of my practice consists in challenging the very nature and structure of the materials I use. So I construct, for example, sculptures with paper that I have cut in large sections and that maintain themselves, three-dimensional drawings with compacted sand, notebooks that contain images made with cuts and therefore at greater detail the piece is more deteriorated, and most recently, works with cloth that is completely unravelled string by string.

 

Mis proyectos surgen de mi interés sobre el hábitat urbano y la manera en que los seres humanos nos relacionamos con él. Busco reflexionar sobre cómo las construcciones arquitectónicas en su aparente solidez y monumentalidad disimulan su transitoriedad y vulnerabilidad en cuanto lugar que procura refugio y seguridad a sus habitantes.

Mi trabajo se refiere a lo frágil y fugaz de las cosas construidas por el hombre y también al gran esfuerzo y tiempo que demandan para ser finalizadas. Parte fundamental de mi práctica consiste en retar a los materiales que uso en su propia naturaleza y estructura. Es así como construyo, por ejemplo, esculturas en papel que ha sido cortado en amplias áreas y que se sostienen por sí mismas; dibujos tridimensionales con arena apelmazada, cuadernos que contienen imágenes hechas con cortes y que por lo tanto a mayor detalle más deteriorada es la pieza, y, más recientemente, piezas de tela completamente deshechas hilo por hilo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

 

March 2, 2015 Ivelisse Jiménez https://abstractioninaction.com/artists/ivelisse-jimenez/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Links

January 28, 2015 Rossana Martinez https://abstractioninaction.com/artists/rossana-martinez-2/

I am interested in creating an experience, and a dialogue between the body and common materials. The process and result are raw and unedited.  I investigate subtleties of balance and movement, breath and anatomy—based on the connection between a running and yoga practice, and my interest in dance, conceptual abstraction and performance art. My intention is to allow viewers to interpret and question the work according to their expectations about what art is and how it should appear.

 
Traducido del inglés

Me interesa crear una experiencia, un diálogo entre el cuerpo y los materiales comunes. El proceso y resultado es crudo e íntegro. Investigo las sutilezas del balance y del movimiento, de la respiración y la anatomía, basadas en las conexiones entre la práctica de yoga y correr, así como mi interés en la danza, la abstracción conceptual y el performance. Mi intención es el permitir a los espectadores interpretar y cuestionar la obra de acuerdo a sus expectativas de lo que el arte es y cómo debe verse.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions 

Publications

Collections

Links

January 27, 2015 Cipriano Martínez https://abstractioninaction.com/artists/cipriano-martinez/

The rain of this valley
drags everything, slowly, toward its entrance,
it does not have another slope.

ITACA. For a homage to Konstantinos
Kavafis.  Eugenio Montejo.

Caracas, the place where I was born, is a city full of contrasts that grew exponentially in just half a century as a result of the oil boom. It is a place where memory is constantly blurred, and where another city grows from within. It is precisely this mutant character, this kind of patchwork, what makes it both complex and fascinating.

Serial repetitions, dislocated structures, changes in the scale of representation, frontal and aerial views, and obsessive patterns constitute the strategy that I use to approach a notion of chaos, or perhaps a desired order suitable of a city that appears in my paintings as a vestige.

In recent years, my oil paintings have become increasingly informed by my parallel interest in printmaking. These investigations of the printing process have lent my work a mathematical precision that I believe enforces the underlying themes of the work.

In the exhibition catalogue for Destructive Testing (Maddox Arts, 2012) Patricia Velasco writes “It is the changing geography and accidental  architecture of the city which captures the artist’s interest, the misshapen and vague  cartography, the metamorphosis of  architecture in a state of constant transformation, the variety and, from a temporal viewpoint, the unstable nature of the layout and tissue on which the modern city is built.”

 

La lluvia de este valle,
todo lo arrastra, despacio, hasta sus puertas,
no tiene otro declive.

ITACA. Para un homenaje a Konstantinos
Kavafis.  Eugenio Montejo.

Caracas, el lugar donde nací, es una ciudad llena de contrastes que creció exponencialmente en cuestión de medio siglo, como resultado del boom petrolero. Es un lugar donde la memoria se borra constantemente, y donde otra ciudad crece desde adentro. Es precisamente este carácter mutante, esa especie de patchwork lo que la hace compleja y fascinante a la vez.

Repeticiones seriales, estructuras dislocadas, cambios en la escala de representación, visiones frontal y cenital, ausencia de gesto, patrones obsesivos, forman parte de la estrategia que empleo para aproximarme a la noción de caos, o a un orden quizá deseado propio de una ciudad que aparece en mi pintura a modo de vestigio.

En los últimos años mis pinturas–óleo sobre tela–han recibido una influencia cada vez mayor de mi interés paralelo en las artes gráficas . Estas investigaciones en el proceso de impresión han ofrecido a mi trabajo una precisión que refuerza los temas fundamentales de la obra.

En la presentación del catálogo de la muestra Destructive Testing (Maddox Arts, 2012) Patricia Velasco escribe “Le interesa al artista la geografía cambiante y accidental de la ciudad, la cartografía mutante e imprecisa, la arquitectura que se metamorfosea y que está en constante transformación, la variabilidad y el carácter inestable desde el punto de vista temporal de los trazos y tejidos sobre los cuales se edifica la urbe moderna”

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions 

Publications

Collections

January 21, 2015 Rafael Reveron-Pojan https://abstractioninaction.com/artists/rafael-reveron-pojan/
Translated from Spanish

Some notes about the politics in my work, called “automatic architectures…”

Join together, get shelter, protection, appropriation. Appropriation of the space, creation of place, object.

Attachment.

To demolish,

To build…

“All build-up is refuge against danger.”

Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973

To a large extent, my work lies beneath like an architecture, as a strategy of ideological appropriation of space, the conquest of place, of the object, of the contained body… Do not think, do not live, do not feel… Let me build you, win that battle of “abitare,” I build you and think you, I appropriate you, live in you, in your space, in that space in between which surrounds you, that makes you, that molds you, configures you, and figures you.

The “Empty Box” becomes imposed in its abstraction, its economy knows no rival, and its synthesis is undefeated. That subdivided, fragmented, quadratic, cubic, universal, reproducible, “built-up” space. Optimal, minimal.

The ultimate ending: winning

territory,

defeat the

weak.

Totalitarianism of the majority; nothing and no one can win the battle over this cubic formula…

Place,

Home.

My “automatic architectures,” are conceived as models of “creation and destruction.” Their origin is tangentially dominated by patterns, actions around the notion of “appropriation.” To make myself one with space, place, and object, through a predetermined and preconceived model. An ideological, formal structure that models actions. To think of void as a structural content, is that border between collapse and equilibrium of content and container… Lines that intersect, supremacy battles between horizontality and verticality of space, of the object and its drifts. The imminence of matter to be transformed into an object, regroup and reconcile as a new form. To join spaces… imposing the plural to the singular, to the individual… Making the indivisible visible. To join as defense, not as addition. Build up to distract, to sublimate, to delete, eliminate, destroy.

Lines draw themselves in a describing without writing. As with the spiral, the constructive space is an internal ideology; its limit emerges on every layer, from intimacy.

To build and destroy. Collapsing is not an improper accident of the structure, but an inevitable stage of existence itself. Collapse, implosion, deflation… Strategies in the poetics of the terminal. To build and destroy. Modernist therapy of an infinitely delayed agony. Running an incomplete defeat.

Matter is raw, quotidian, on the verge, cyclical, re-oriented, re-conceived, resented, re-lived… Every skin suggests its needlework, its stitches… in its reusing, a corner disappears; it’s filed down, making its own way, its exile. To sew and undo… String together and undo, and gain aerial space, the dream of “flying,” of the suspended, the pending. Always an imminent departure, or loss. Stringing together without completing the fabric… Weaving looms without instructions. Too many complications for the pre-functions. Improvisation of survival, of error, of the everyday, of the doing without thinking, of being without being, without permanence.

Today, the promised paradise… Looks more like hell.

I do not see, I do not speak, I do not listen, I do not feel…

I do not exist.

I only

Exist

For

The

Promised

“Paradise.”

 

Algunas notas sobre las políticas asumidas por mi trabajo en las llamadas “arquitecturas automáticas”…

Aglomerar, refugiarse, protegerse, apropiarse. Apropiación del espacio, creación del lugar, objeto.

Apego.

Demoler,

construir…

“Toda aglomeración es un refugio contra un peligro”.

Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973

En gran medida mi obra subyace como una arquitectura, como una estrategia de apropiación ideológica del espacio, la conquista del lugar, del objeto, del cuerpo contenido… No pienses, no vivas, no sientas… Déjame construirte, ganarte esa batalla del “abitare”, yo te construyo y te pienso, me apropio de ti, vivo en ti, en tu espacio, en ese intersticio que te bordea, que te hace, te moldea, te configura, te figura.

La “Caja vacía” se impone, en su abstracción, su economía no tiene adversarios, su síntesis esta invicta. Ese espacio subdividido, fragmentado, “cuadrático”, cúbico, universal, reproducible, “aglo-merable”. Optimo, mínimo.

El fin supremo: ganar

territorio,

vencer al

débil.

Totalitarismo de las mayorías, nadie, ni nada, puede ganarle la batalla a esta fórmula cúbica…

Lugar,

hogar.

Mis “arquitecturas automáticas”, se piensan como modelos del “crear y destruir”, su génesis viene dominada tangencialmente por patrones, acciones en torno a la noción de “apropiación”. Hacerme con el espacio, el lugar, el objeto a través de un modelo predeterminado, pre-pensado. Una estructura ideológica, formal, que modela las acciones. Pensar en el vacío como contenido estructural, es ese filo entre el colapso y el equilibrio del contenido y el contenedor… Líneas que se entrecruzan, batallas de supremacías entre la horizontalidad y la verticalidad del espacio, del objeto, de sus derivas. Esa inminencia de la materia por transformarse en objeto, reagruparse y conciliar una nueva forma. Aglomerar espacios… imponiendo lo plural a lo singular, al individuo… Haciendo invisible lo indivisible. Aglomerar como defensa, no como sumatoria. Aglomerar para distraer, para sublimar, para borrar, eliminar, destruir.

Las líneas se dibujan solas, es un describir sin escribir. Como en el caracol, el espacio constructivo es una ideología interna, su límite emerge capa a capa desde la intimidad.

Construir-destruir. El colapsar no es un accidente impropio de la estructura, es una fase inevitable de la existencia misma. Colapso, implosión, deflación… Estrategias en las poéticas de lo terminal. Construir-deconstruir. Terapia modernista de una agonía retardada al infinito. Gestión de una derrota inacabada.

La materia, es cruda, cotidiana, al borde, cíclica, re-orientada, re-pensada, re-sentida, re-vivida… Cada piel sugiere su costura, su punto y cruz… en el re-usar, la esquina desaparece, se lima, se hace su propio camino, destierro. Coser y descoser… Hilar y des-hilar y ganar el espacio aéreo, el ensueño de “lo volador”, de lo sus-pendido, colgante, siempre inminente partida, perdida. Hilar sin llegar nunca a completar la tela… Telares sin instrucciones, demasiadas complejidades para las pre-funciones. Improvisación de la supervivencia, del error, del cotidiano, del hacer sin pensar, del ser sin estar, sin permanencia.

Hoy, el paraíso prometido… Parece más un infierno.

No veo, no hablo, no escucho, no siento…

No existo.

Solo

existo

para

el

“paraíso”

prometido.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions 

Publications

Collections

Links

January 21, 2015 José Olano https://abstractioninaction.com/artists/jose-olano/
Translated from Spanish

I am mainly a sculptor and my subject of study is balance and its relationship with fragility and chance. I work with everyday materials with which we interact on a daily basis; found or regular objects such as furniture, clothing, fruit, and glasses. The space that surrounds me is potentially artistic material. One can create a discourse, through the documentation or by rearranging the elements in the space at any moment. I use the materials without altering them, and I make the most out of their physical properties to create unstable structures that can evolve in time in space. Even if at the end the materials can be interchangeable, what becomes evident is the intention and the position of these elements. I am interested in the intersections between art and the everyday, to take the viewer out of his/her comfort zone, and to question the limits of what we consider “normal.”

 

Soy principalmente escultor y mi tema de exploración es el equilibrio y su relación con la fragilidad y el azar. Trabajo con materiales comunes con los que interactuamos cotidianamente, objetos encontrados o estándares, como muebles, ropa, frutas y vasos. El espacio que me rodea es potencialmente materia plástica, en cualquier momento, por medio del registro o re-acomodando los elementos en el espacio se puede crear un discurso. Uso los materiales sin intervenirlos y aprovecho sus propiedades físicas para crear estructuras inestables que pueden evolucionar en el espacio tiempo. Aunque al final los materiales son intercambiables, lo que salta a la vista es la intención y la posición de estos elementos. Me interesan las intersecciones entre el arte y lo cotidiano, sacar al espectador de su confort, y cuestionar los límites de la “normalidad”.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

December 23, 2014 Ricardo Carioba https://abstractioninaction.com/artists/ricardo-carioba/

I intent to create using the minimal elements of the visual and sound languages, often disturbing the habits of our sensibility.

Many of my works were developed after laws or concepts from physics and use light to reveal some characteristics of space, present but usually invisible. I always try to explore in different ways the intervals, the emptiness that defines space.

My intention is to disturb our linguistic and sensible habits in order to decondition it and make possible the birth of different forms of thinking and feeling.

My works are created after recognizing a space empty of desire – they act inside of these empty spaces.

 
Traducido del inglés

Intento crear usando elementos mínimos de lenguajes visuales y sonoros, a menudo distorsionando hábitos de nuestra sensibilidad.

Muchas de mis obras fueron desarrolladas a partir de leyes o conceptos de la física y utilizan luz para revelar algunas características sobre el espacio, que están presentes pero usualmente invisibles. Siempre trato de explorar los intervalos, el vacío que define el espacio, de diferentes maneras.

Mi intención es interrumpir nuestros hábitos sensibles o lingüísticos para desacondicionarlos y hacer posible el nacimiento de diferentes formas de sentir y pensar.

Mis obras son creadas a partir del reconocimiento de un espacio libre de deseo. Ellas actúan dentro de estos espacios vacíos.

Selected Biographical Information

Education

  • 1995-2001: M.A. Visual Arts, Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo, Brazil.

Prizes / Fellowships

  • 1999-2000: Fellowship Award – 31° Anual de Arte FAAP, Fundação Armando Alvares Penteado, São Paulo, Brazil.
  • 2007-2008: Visiting Arts – Artist Links Residencies, Arts Council England and British Council, London, England.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

 Publicactions

Collections

September 11, 2014 Kenji Nakama https://abstractioninaction.com/artists/kenji-nakama/

Selected Biographical Information

Education

  • 1999-2006: Bachiller, Facultad de Artes – PUCP, Lima, Perú.

Prizes / Fellowships

  • 2011-2012: Residencia , Cité Internationale des Arts , Paris, Francia.
  • 2010: XIII Concurso de artes visuales  ‘Pasaporte Para un Artista’ (primer puesto), Embajada de Francia en el Perú, Lima, Perú.
  • 2011: III Concurso de Pintura del BCR, Banco Central de la Reserva del Perú, Lima , Perú.
  • 2007: II Concurso de Artistas Jóvenes de Lima Metropolitana, Municipalidad de Lima, Lima, Perú.
  • 2006: Premio de la Crítica a la especialidad de pintura,  Facultad de Arte-PUCP,  Lima, Perú.
  • 2006: Premio Winternitz para sexto año de pIntura, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Perú.

Solo Exhibitions

  • 2013: “Estudios del Pliegue“, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú.
  • 2011: “Jardín“, Galería L’Imaginaire – Alianza Francesa de Miraflores, Lima, Perú.
  • 2011: “Mutación y Desborde“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.
  • 2009: “Pangea“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.

Group Exhibitions

September 8, 2014 Carla Guagliardi https://abstractioninaction.com/artists/carla-guagliardi/

“Where is the time I have left in this space?”

Over recent years my artistic path has predominantly followed sculptural research. The researches focus on time and concomitant duration as decisive agents, elaborating and extending my ideas across a wide variety of materials. I experiment with both organic and/or industrially rendered materials, these include such materials as plastic, iron, glass, wood, copper, steel, cotton, plants, and rubber among others. Similarly, the active-positive and entropic role of water plays a significant part in my art practice. The works render imminent (and, perhaps immanent) the action of time as it forms a mnemonic record on matter in space.

As can be seen in the enclosed photos of my work, there is the presence of a poetic language which recalls interactions between internal organic fluid forms, incorporating chance and speculation and experiencing the abstraction that results from their experience with the material.  Nevertheless, no artistic activity is free from the artist’s subjective intention, regardless of purely physical and material conditions. Such assemblings combine materials that create new properties through these combinations, emphasizing on many occasions a vocabulary of physical terms like balance, density, materiality, capillarity, etc. These works, in which the physical characteristics are not virtual, symbolic or representational but where they literally exist, are nonetheless subjective emotional assemblages.

My aim is to continue the project, extend its development, while at the same time perfect some of the aesthetic and visual questions that arise from my experimental works. In short to move ahead in the sense of working with space in its continuity and extension anxiety, but simultaneously always making use of the various material confrontations that emerge. Within this aesthetic frame the paradox of disruption and temporal suspension play their part, evoke a sense of moveable perception, while also confronting contemporary mankind’s feelings as to the uncertain, unstable and fickle situation in which we live.

 
Traducido del inglés

“¿Dónde está el tiempo que tengo en este espacio?”

En los últimos años mi carrera artística ha seguido predominantemente una línea de investigación sobre la escultura. Las investigaciones se enfocan en el tiempo y la duración concurrente como agentes decisivos, elaborando y expandiendo mis ideas por una amplia variedad de materiales. Experimento con materiales orgánicos y/o hechos de manera industrial, los cuales incluyen materiales como plástico,  hierro, vidrio, madera, cobre, acero, algodón, plantas y caucho, entre otros. De igual forma, el rol entrópico y activo-positivo del agua juega un papel importante en mi práctica. Las obras representan la inminente (y quizá inmanente) acción del tiempo mientras que forma un récord nemónico de la materia en el espacio.

Como puede ser visto en las fotos de mi obra, existe la presencia de un lenguaje poético que evoca interacciones entre formas orgánicas fluidas internas, incorporando el azar y la especulación y la abstracción que resulta de experiencia con el material. No obstante, ninguna actividad artística es libre de la intención subjetiva del artista, sin importar las condiciones puramente físicas o materiales. Tales combinaciones mezclan materiales que crean nuevas propiedades por medio de estas combinaciones, enfatizando en ocasiones un vocabulario de términos físicos tales como balance, densidad, materialidad, capilaridad, etc. Estas obras en las que las características físicas no son virtuales, simbólicas o representacionales, sino que existen literalmente en ellas, son no obstante ensamblajes emocionales y subjetivos.

Mi intención es continuar el proyecto, extender su desarrollo mientras que perfecciono la estética y cuestionamientos visuales que originan de mis obras experimentales. En breve, seguir adelante en el sentido de trabajar con el espacio en su ansiedad continua y extensa, pero siempre usando las confrontaciones materiales que puedan surgir simultáneamente. Dentro de este marco estético la paradoja de la interrupción y suspensión temporal juegan su rol, evocan un sentido de percepción movible mientras que confrontan sentimientos humanos contemporáneos de la situación incierta, inestable y frágil en la que vivimos.

Selected Biographical Information

Education

  • 1990-1991: Post-graduation in History of Art and Architecture in Brazil, Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1989-1987: Escola de Ates Visuais do Parque Lage/Rio de Janeiro, Brazil.

Prizes / Fellowships

  • 2010: Mostras de artistas no exterior/ Brasil Arte Contemporânea, Fundação Bienal de São Paulo e Ministério da Cultura, São Paulo/Brasília, Brazil.
  • 2008: Edital Artes Visuais, Secretaria de Cultura do Estado do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2007: Grant Guest artist in residence, Villa Aurora, Los Angeles, USA.
  • 2002: Grant workshop-exhibition in residence program, KHOJ , Mysore/Bangalore, India.
  • 2001: Grant Bolsa de Artes RIOARTE, RIOARTE, Prefeitura da Cidade do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2001: Grant Helsinki International Artist-in-residence Programme,, HIAP/ Cable Factory, Helsinki, Finland.
  • 1999-2000: Bolsa Virtuose, Ministério da Cultura do Brasil , Atelier Programm 1999  Kunstlerhaus Bethanien, Berlin, Germany.
  • 1996: Award Best show of the year, Galerias IBEU / Instituto Cultural Brasil-Estados Unidos, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1995: II Salão de Arte da Bahia , Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador, Brazil.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

September 5, 2014 Raul Mourão https://abstractioninaction.com/artists/raul-mourao/

Selected Biographical Information

Solo Exhibitions

  • 2014: “MOTO“, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil.
  • 2013: “Movimento Repouso“, Roberto Alban Galeria de Arte, Salvador, Brazil.
  • 2012: “Processo“, Estudio X, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Tração animal“, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Toque devagar“, Praça Tiradentes, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Homenagem ao cubo“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Chão, Parede e Gente“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2010: “Cuidado Quente“, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil.
  • 2010: “Balanço Geral“, Subterrânea,  Porto Alegre, Brazil.
  • 2007: “Fitografias“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2005: “LULADEPELÚCIA“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2004: “drama.doc“, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Niterói, Brazil.
  • 2004: “Entonces”, Paço Imperial, Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2003: “Pequenas frações“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2003: “Cego só bengala“, Centro Universitário Maria Antonia, São Paulo, Brazil.
  • 2002: “Portátil 98/02“, Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brazil.
  • 2002: “Carga Viva“, Celma Albuquerque Galeria de Arte,  Belo Horizonte, Brazil.
  • 1999: “Sintético“, Agora / Fundição Progresso,  Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1996: “Calouste“, Galeria Ismael Nery – Centro de Arte Calouste Gulbekian, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1993: “Humano“, Galeria Sérgio Porto, Rio de Janeiro, Brazil.

Group Exhibitions

Publications

Collections

September 3, 2014 Erica Muralles Hazbun https://abstractioninaction.com/artists/erica-muralles-hazbun/

Through my work I revert the process in which form follows function, referring to actions that hold an established order in society. My purpose is not to build a closed, perfect system, but one that is interwoven with life. This is obtained by interlocking and linking a series of different materials consistently—from chaos to order—by weaving or joining them through other means. Where small changes in initial conditions can lead to large differences in future behavior, preventing long-term prediction.

My work comes from an empirical process that is in constant renewal, where the visual or formal aspects enter into dialogue with the symmetrical composition inherent in everything that human beings design and build. It is sensorial and appeals to a modular design or repetition as a starting point. Dynamic monotony is used as a creative impulse as a vital generator of inquiry. I analyze patterns of human behavior, the quotidian and what takes place in everyday life, what we perceive, and what defines our identity, our mission and place in our environment. My aesthetic concerns are immersed in the present reflecting change in my images. This process helps me to organize reality through representation.

 

En mi trabajo revierto el proceso en donde la forma sigue a la función, haciendo referencia a las acciones que tienen un orden establecido en la sociedad. Mi objetivo no es construir un sistema cerrado, perfecto, pero uno que se entrelaza con la vida, por lo azaroso e imprevisto. Esto lo obtengo mediante el enlace de series de distintos materiales de manera coherente –del caos al orden—al entrelazarlos o al unirlos por otros medios. En donde pequeñas variaciones en las condiciones iniciales pueden implicar grandes diferencias en el comportamiento futuro, dificultando la predicción a largo plazo.

Mi trabajo viene de un proceso empírico, que se encuentra en constante renovación, donde los aspectos visuales o formales dialogan con la composición simétrica inherente en todo lo que diseña o construye el ser humano. Es sensorial, apela a la modulación y a la repetición como método o punto de partida. La monotonía dinámica es utilizada como impulso creativo, como generador vital de indagación. Reflexiono sobre los patrones de comportamiento en el ser humano, lo cotidiano y lo que toma lugar en la vida diaria, lo que percibimos y nos define como personas, nuestro lugar y misión en nuestro entorno. Mis preocupaciones y estética están inmersos en el presente, lo que refleja el cambio en mis imágenes. Este proceso me ayuda a organizar la realidad a través de la representación.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

  • 2011: Primer Lugar – Artista menor de 30 años –III Salón Nacional del Grabado-, Banco G&T Continental, Guatemala, Guatemala.

Group Exhibitions

Publications

Collections

August 29, 2014 Andrea Canepa https://abstractioninaction.com/artists/andrea-canepa/
Translated from Spanish

In recent years, I have focused on the modern tendency of trying to simplify the complexity of the world with the aim to control that which escapes the limits of our understanding.

We tend to categorize, organize, and administer reality as if it was a set of and independent phenomena, creating a system that we take as natural.

My work stems from the alteration of the order in which information is presented. In some cases this modification uncovers some meanings that used to remain hidden under the imposition of a logic that assumes itself as the “correct one.” In others, by schematizing the information previously schematized, both synthesis systems cancel each other out and return mere forms and colors lacking any functionality.

Through my work, I hope to make evident that the regularity of the world obeys a set of rules that as such, they could have been different. In other words. I hope to point out that all logic of functionality, whatever it is, could be different and thus not necessary in itself.

 

En los últimos años, me he enfocado en la tendencia moderna a intentar simplificar la complejidad del mundo con miras a controlar aquello que escapa los límites de nuestro entendimiento.

Tendemos a categorizar, organizar y administrar la realidad como si se tratase de un conjunto de fenómenos aislados e independientes, creando un sistema que tomamos como natural.

Mi trabajo parte de la alteración del orden en el que la información es presentada. En algunos casos esta modificación libera ciertos significados que permanecían ocultos bajo la imposición de una lógica que se asume como “la correcta”. En otros, al esquematizar la información previamente esquematizada, ambos sistemas de síntesis se anulan entre sí, devolviéndonos meras formas y colores desprovistos de cualquier sentido funcional.

A través de mi obra, pretendo dar cuenta de que la regularidad del mundo obedece a un conjunto de reglas que, como tales, podrían haber sido distintas. En otras palabras, intento señalar que toda lógica de funcionamiento, sea como sea, podría ser diferente y, por lo tanto, no es necesaria en sí misma.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

  • 2014: Premio Miquel Casablancas, Sant Andreu Contemporani, Barcelona, Spain.
  • 2014: Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, Comunidad de Madrid, Madrid, Spain.
  • 2013: Premio Generaciones, Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
  • 2013: Beca Endesa para Artes Plásticas, Fundación Endesa, Teruel, Spain.
  • 2012: Pasaporte para un artista (segundo puesto), Alianza Francesa y Embajada de Francia en el Perú, Lima, Peru.
  • 2011: Beca de Formación Pilar Juncosa i Sotheby’s, Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca, Spain.
  • 2010: Premio Swab de Dibujo, Feria de Arte Contemporáneo Swab, Barcelona, Spain.
  • 2008: Certamen Jóvenes Creadores, Ayuntamiento de Madrid, Madrid, Spain.
  • 2006: Valencia Crea, Ayuntamiento de Valencia, Valencia, Spain.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

August 8, 2014 Cristina Ghetti https://abstractioninaction.com/artists/cristina-ghetti/

I work with geometric abstraction, the goal of my work is both the interest in the re-contextualization of the foundational ideas of Abstraction, incorporating contaminations and re-appropriations, mostly of works of the 60’s.

I’m interested in points from concrete art, constructivism, kinetic and op art, permitting free transits and reconnections between forms and ideas belonging to different periods, traditions and categories in my own work.

Most of my work is a study in progress about perception, or better the boundaries between perception and reality, and art practice is an interesting field to study this condition.

I’m now centralized in the use of digital tools to materialize art pieces of different formats, I’m focused to an evolution of abstract ad kinetic art, with special mention of Op art. Interrelating: geometry, color, movement and sound, using the languages developed in the conceptual territory of abstraction, in the context of new technologies and new ways of producing/diffusing the art work.  My production had been mostly centered in painting and installation, but recently I began to incorporate new media in my work believing that it can emphasize concepts as immersive spaces, synesthesia, interactivity and participation, analyzing how these characteristics can enrich the conceptual dimensions of the art work.

I’m interested also in using programming from a visual and creative perspective exploring the results in art pieces. My paintings are generated first in the computer, then translated to traditional painting, I like to mix and play with media crossings. As an artist, I’m interested in the connection with other fields, I’m working in team projects with infomaticians and mathematicians.

I have a Master of visual arts and multimedia at the UPV, Polytechnic University Valencia, Spain, and I actually develop my doctoral thesis “Post Medial Geometry,” where I make a research about the development of new geometries in visual arts.

 
Traducido del inglés

Trabajo con abstracción geométrica. El objetivo de mi trabajo es el interés en la recontextualización de las ideas fundacionales del abstraccionismo, incorporando contaminaciones y reapropiaciones, en su mayoría obras de la década de los sesenta.

Me interesan puntos del arte concreto, constructivismo, cinetismo y arte Op que permitan libre tránsito y reconexiones entre ideas y formas pertenecientes a diferentes periodos, tradiciones y categorías en mi propia obra.

La mayoría de mi obra es un estudio en proceso sobre la percepción o mejor dicho, los límites entre la percepción y la realidad y la práctica artística es un campo interesante para estudiar esta condición.

Hoy en día me centro en el uso de herramientas digitales para materializar obras en distintos formatos. Me enfoco en la evolución del arte abstracto y cinético con una mención especial al arte Op, interrelacionando geometría, color, movimiento y sonido, usando los lenguajes desarrollados en el territorio conceptual de la abstracción, en el contexto de nuevas tecnologías y nuevas formas de producir y difundir la obra. Mi producción se centraliza en pintura e instalación, pero recientemente comencé a incorporar nuevos medios en mi obra, puesto que creo que puede enfatizar conceptos tales como espacios inmersivos, sinestesia, interactividad y participación analizando cómo éstas características pueden enriquecer las dimensiones conceptuales de la obra.

Me interesa también utilizar programación desde una perspectiva visual y creativa explorando los resultados en las obras. Mis pinturas son primero generadas en la computadora, luego traducidos a pintura tradicional, puesto que me gusta mezclar y jugar con los cruces de medios. Como artista, me interesa la conexión con otros campos y trabajo en proyectos de equipo con especialistas de informática y matemáticos.

Tengo una maestría en artes visuales y multimedios de la Universidad Politécnica de Valencia, España y actualmente me encuentro desarrollando mi tesis doctoral “Geometría post-medios” en la que investigo la evolución de nuevas geometrías en las artes visuales.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

August 4, 2014 Alberto Borea https://abstractioninaction.com/artists/alberto-borea/

My work is characterized by the continuous displacement and use of diverse media and materials. The openness towards these media helps me defining the development of an artistic proposal, where the object’s time and history take a fundamental importance within the plastic discourse.

I am interested in the relation between different cultures and histories, between the so-called center and its periphery.

The concepts related to ruins and progress are part of my interests as an artist.

Raised in Lima in the 80’s during the Peruvian civil war influenced my practice and my relation with the objects and their symbolism.

The position of distance about cultural, economic and social events constitute an important part in the process and execution of my projects.

I find myself attracted to the residues of civilization and in mapping and conceptualizing these materials for my work.

 

Mi trabajo se caracteriza por el uso y continuo desplazamiento de diversos medios y materiales. La apertura hacia estos medios, me ayuda a definir el desarrollo de una propuesta artística, en donde el tiempo y la historia del objeto cobran una importancia  fundamental en el discurso plástico y en su proceso.

Me interesa la  relación entre distintas culturas e historias, entre el llamado centro y la periferia. Los conceptos relacionados con la ruina y la promesa de la modernidad son algunos de los intereses conceptuales en mi práctica.

Haber vivido en Lima durante la guerra interna de los años ochenta ha influido en mi práctica como artista así como en mi relación con los objetos y sus simbolismos.

La posición de distancia ante fenómenos culturales y económicos constituye una parte importante en el proceso y en la ejecución de mis proyectos.

Estoy atraído por los residuos de la civilización y en la idea de mapear y resignificar estos objetos en mi trabajo.

Selected Biographical Information

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

July 7, 2014 Paula de Solminihac https://abstractioninaction.com/artists/paula-de-solminihac/
Translated from Spanish

My work consists on procedures that investigate the space between territory and language.

This space, which is the moment prior to the separation between the printer and the printed, is a moment of impossible visibility.

To be able to work on that impossibility, I have used strategies that range from the subjective to the objective, resorting to words and maps as working systems within that area, always showing the inaccuracy that happens in the translation of a subjective field or as a simple phenomenon itself.

Since work is defined through an action, it is difficult to settle in one material or formal support. Nevertheless, there is a repertoire that reiterates through time to build in that space where drawings, body actions on raw and baked clay, and photographs, articulate relationships between the experiential field and its archive.

Work is understood as an action, as mediation, as education, and regulation of the shapeless clay or of the dispersed dirt—just as the origin myths of pottery declare—to shape it in the form of a vessel that will contain the food, which after the digestive process will end up where it started, producing a never ending topology where there is no other option than to make again and again.

 

Mi trabajo son procedimientos que indagan el espacio entre territorio y lenguaje.

Ese espacio, que también es un momento antes de la separación entre lo impresor y lo impreso, es un momento de visibilidad imposible.

Para trabajar esa imposibilidad he utilizado estrategias que van de lo subjetivo a lo objetivo, recurriendo habitualmente a las palabras y los mapas como sistemas de trabajo al interior de esa zona, siempre evidenciando la inexactitud que sucede en la traducción de un campo subjetivo o como simple fenómeno en sí.

Dado que el trabajo se define en una acción, es difícil establecerse en un soporte material o formal, sin embargo existe un repertorio reiterado en el tiempo para construir en ese espacio en donde dibujos, acciones corporales sobre la arcilla cruda y cocida y fotografías van articulando relaciones entre el campo experiencial y su archivo.

El trabajo es entendido como acción, como mediación, como educación y regulación del barro informe o de la tierra dispersa en todos lados, como dicen los mitos de origen de la alfarería, para modelarla en la forma de una vasija que contendrá el alimento que al terminar su proceso de digestión terminará en el punto donde comenzó produciéndose un sinfín topológico en donde no queda más que volver a hacer una y otra vez.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

April 7, 2014 Pia Camil https://abstractioninaction.com/artists/pia-camil/

Through my work I have shown a proclivity to failure or the decaying associated to the Mexican urban landscape, aspects of modernist culture and traces of art history. My practice has explored the urban ruin – including paintings and photographs of halted projects along Mexico’s highways (Highway Follies); abandoned billboards that become theatre-like backdrops therefore theatricalizing failed capitalist strategies (Espectaculares), or the problems and contradictions that arise when engaging with iconic art works (No A trío A or Cuadrado Negro).

 
Traducido del inglés

A través de mi obra he mostrado una proclividad al fracaso o a la decadencia asociada al paisaje urbano de México, aspectos de la cultura modernista y las huellas de la historia del arte. Mi práctica ha explorado la ruina urbana, incluyendo pinturas y fotografías de proyectos inconclusos a lo largo de las carreteras de México (Highway Follies), espectaculares abandonados que se convierten en telones de fondo teatrales, por tanto teatralizando estrategias capitalistas fracasadas (Espectaculares) o los problemas y contradicciones que surgen al abordar obras de arte icónicas (No A trío A or Cuadrado Negro).

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

February 25, 2014 Bernardo Ortiz https://abstractioninaction.com/artists/bernardo-ortiz/
Translated from Spanish

Statement 5 of 12 (“Formalist”)

“My work aims to point out a fissure (or a void, or a distance) between the support—a page, a sheet of paper, a wall—and its content—a mark, two words, several stains, a color. From this viewpoint, the work seems like a snake that bites its own tail. If content affects the support, the latter returns to affect the content. As a general rule, the interventions on the support are always minimal—hard pencils that leave very delicate and almost invisible lines, very light papers, very thin layers of paint. In this sense, the “page” determines what can happen in it. It can be for example the contrast between the transparency of the paper and the opacity of gouache, the weight of oil or the density of enamel. At other times these can be slight differences between two identical drawings. For example, a drawing that says “He found happiness” next to one that says “He found A happiness.” The way in which some formal strategies can be used to say things. In this sense, they are literary drawings about paintings. Reproductions within pages.”

 

Statement No. 5 de 12 (“Formalista”)

“Mi trabajo busca señalar una grieta (o un vacío, o una distancia) entre un soporte –una página, una hoja de papel, una pared– y su contenido –un rayón, dos palabras, varias manchas, un color. Visto así, el trabajo parece una serpiente que se muerde la cola. Porque si el contenido afecta al soporte, este se devuelve afectando el contenido. Como regla general, las intervenciones sobre el soporte son casi siempre mínimas –Lápices muy duros que dejan líneas muy delgadas y casi invisibles, papeles muy livianos, capas muy delgadas de pintura. En ese sentido la “página” determina lo que pueda pasar en ella. Puede ser, por ejemplo, el contraste entre la transparencia del papel y la opacidad del gouache, el peso del óleo o la densidad del esmalte. Otras veces pueden ser pequeñas diferencias entre dos dibujos iguales. Por ejemplo: un dibujo que dice “He found happiness” (él encontró la felicidad) al lado de otro que dice “He found A happiness” (él encontró UNA felicidad). La manera en que ciertas estrategias formales pueden ser aprovechadas para decir cosas. En ese sentido son dibujos literarios acerca de pinturas. Reproducciones en páginas”.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

February 25, 2014 David Peña Lopera https://abstractioninaction.com/artists/david-pena-lopera/
Translated from Spanish

Through deliberately diverse media, such as sculpture, drawing, video, and programming, and through processes highly influenced in a logic particular from digital image and programming, his work seeks to question regimes of representation, information, and knowledge.

 

A través de medios deliberadamente variados, como la escultura, dibujo, video y programación, y procesos altamente influenciados por lógicas particulares de la imagen digital y la programación, su obra busca interrogar regímenes de representación, información y conocimiento.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

February 25, 2014 Leyla Cárdenas https://abstractioninaction.com/artists/leyla-cardenas/

Over the last years I’ve been developing a series of sculptural works that seek to investigate the layers that constitute and construct things and places. Relating directly to the physicality of the space as a point of departure. Using found objects and places that accumulate layers of information, containing what is particular from a place. The superficial skin becomes a profound path to explore and discover in each step the intersection of different experiences of time. (The historic time, material time, the time of everyday, and perhaps a more existential/psychological time that has to do with the duration of the experience.) The gesture is sculptural but without making sculpted objects; using destruction as a way of construction, allowing an engagement to a particular place and all the confluences and dimensions within. My work is site-responsive; it takes in consideration the architecture and the context of the surroundings, generating a layered outcome.

 
Traducido del inglés

A lo largo del tiempo he desarrollado una serie de trabajos escultóricos que buscan investigar las capas que constituyen y construyen las cosas y los lugares. Están relacionados directamente con la cualidad física del espacio como punto de partida. Usando objetos encontrados y lugares que acumulan capas de información, conteniendo las particularidades de cada lugar. La piel superficial se vuelve en un camino profundo para explorar y descubrir a cada paso el cruce de diferentes experiencias del tiempo (del tiempo histórico, tiempo material, tiempo cotidiano y quizá un tiempo más existencial y psicológico que está relacionado con la duración de la experiencia.) El gesto es escultórico pero sin realizar objetos; usando destrucción como una forma de construcción, permitiendo una interacción con un sitio particular y todas las confluencias y dimensiones del mismo. Mi obra responde al lugar y toma en consideración la arquitectura y el contexto de sus alrededores, generando un resultado con muchos niveles.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

February 19, 2014 John Mario Ortiz https://abstractioninaction.com/artists/john-mario-ortiz/
Translated from Spanish

My work is inspired by the contradictions of urban development and the growth of the city. It reflects on how these phenomena influence the relationships we have with spaces. I am interested in examining the influences of the process of architectural modernization in the shaping of particular ways of spatial perception.

Through a variety of mediums including installation, sculpture, photography, drawing, and video, my recent projects explore the ways architecture is conceived and projected, paying especial attention to the tools and systems of representation that are used for this purpose, and which strongly determine  the configuration and nature of the constructions. In these works, the mechanisms of projection are compared to real physical spaces, proposing new relationships, and translating abstract codes of representation to concrete physical spaces to discover tensions and discrepancies between these two instances, as well as reveal ideological implications that lie beneath.

 

Mi trabajo se nutre de las contradicciones del desarrollo urbano y del crecimiento de la ciudad. Reflexiona acerca de cómo estos fenómenos inciden en las relaciones que establecemos con los espacios. Me intereso por examinar las influencias del proceso de modernización arquitectónica en el moldeamiento de formas particulares de percepción espacial.

A través de un variado repertorio de medios que incluyen instalación, escultura, fotografía, dibujo y video, mis proyectos recientes investigan las formas como se concibe y proyecta la arquitectura, prestando especial atención a los instrumentos y sistemas de representación que se emplean para este fin, que determinan poderosamente la configuración y la naturaleza las construcciones. En estas obras se confrontan los mecanismos de proyección con los espacios físicos reales, proponiendo nuevas relaciones, y se traducen los códigos abstractos de representación a los espacios físicos concretos, para descubrir tensiones y discrepancias entre estas dos instancias, así como para develar implicaciones ideológicas que allí subyacen.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

February 19, 2014 G. T. Pellizzi https://abstractioninaction.com/artists/g-t-pellizzi/

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

February 19, 2014 Rosario López Parra https://abstractioninaction.com/artists/rosario-lopez-parra/
Translated from Spanish

As a visual artist, I have been interested in combining landscape photography with sculptural installation, in order to explore nature and the eruption of the invisible forces which exist within it. In this sense, I have discovered that elements such as wind, gravity, or temperature, can transform in tangible sensations. Using photographs of structures placed in the landscape, and their installation in a gallery, I am able to visualize the invisible and create a sculptural space between the object, the spectator, and the exhibition space.

Influenced by Minimalism and Land Art, my work seeks to move away from these traditions to be able to understand political notions of territory and its transcendence, install it in the gallery space, and in this way approach a continuum between nature and the white cube; landscape and its representation.

I live and work in Bogotá where I have a studio since more than 15 years ago, and I also work as professor of sculpture at the Universidad Nacional de Colombia (Colombia’s National University).

 

Como artista plástica, me he interesado en combinar la fotografía del paisaje y la instalación escultórica, para explorar la naturaleza y la erupción de las fuerzas invisibles que existen dentro de ella. En este sentido, he descubierto que los elementos como el viento, la gravedad, o la temperatura pueden convertirse en sensaciones tangibles, utilizando la fotografía de estructuras emplazadas en el paisaje, y la instalación de éstas estructuras dentro de la galería, para visualizar lo invisible y crear un espacio escultórico entre el objeto, el espectador  y el espacio de exposición.
Influenciada por el Minimalismo y el Land Art, mi trabajo busca apartarse de estas tradiciones, para comprender nociones políticas del territorio y su trascendencia, e instaurarlo en el espacio de la galería y plantear de esta manera un continuum entre la naturaleza y el cubo blanco, el paisaje y su representación.

Vivo y trabajo en Bogotá, donde tengo mi estudio desde hace más de 15 años y también dicto clases como profesora de Escultura en la Universidad Nacional de Colombia.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

February 19, 2014 Macaparana https://abstractioninaction.com/artists/macaparana/

My process of working is always about the development of one idea that starts first from little annotations, observations, and drawings, and then sometimes suggests a series, a sequence of a thought, using the same elements in different ways—sometimes concerned with the use of color or just in black and white, showing the strength and balance of the forms. I always need to be connected to music… because music is one of the most important things to me. In order to develop ideas, to think about colors, and even to define the compositions; music is essential all the time, as I work or think about new possibilities.

The artist is thinking all the time… trying to solve problems. First, it’s a mental process, I need to solve or to look for the better way to solve it before I start working, using different supports such as paper, hardboard, wood, or metal.

 
Traducido del inglés

Mi proceso de trabajo siempre consiste en el desarrollo de una idea que comienza primero desde pequeñas anotaciones, observaciones y dibujos y luego sugiere una serie, una secuencia de pensamiento, usando los mismos elementos de maneras diferentes, algunas veces preocupado por el uso de color o sólo en blanco y negro, mostrando la fuerza y el balance de las formas. Siempre tengo que estar conectado con la música… porque la música es una de las cosas más importantes para mí. Para poder desarrollar ideas, pensar en colores y hasta para definir composiciones, la música es esencial todo el tiempo, mientras que pienso o trabajo en nuevas posibilidades.

El artista está pensando todo el tiempo… tratando de solucionar problemas. Primero es un proceso mental; necesito solucionar o buscar la mejor manera de solucionar antes de comenzar a trabajar, utilizando diferentes soportes como el papel, aglomerado, madera, o metal.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

 

February 19, 2014 Fidel Sclavo https://abstractioninaction.com/artists/fidel-sclavo/
Translated from Spanish

I have always aimed for my work to speak of that which grazes silence, but it is full of voices.

Sometimes imperceptible, in others, in a very low volume.

In a similar way to what happens with the beginning of homeopathy, the more subtle the dissolution is, the more intense its effect will be. The slighter the stimulus is, the more powerful the reaction will be.

A whisper tends to be more powerful than a scream. A small noise in the garden ends up scaring more than a grandiloquent thunder.

To focus there, where there appears to be nothing—and after some careful attention—turns out to be a territory filled of things that speak in a low voice.

As soon as they are perceived and appear, they cannot be silenced.

A great part of my work on paper is like letters that have not been read. They have been written in a language that we don’t recognize at a first glance.

A list of what stands still. A detailed index of that which doesn’t exist.

A meticulous catalogue of the impossible.

The group of papers—sometimes paper cutting, whit incisions, marked, or with perforations—ends up generating an alphabet. A grid more or less uniform or disperse, from which we can device an unusual calligraphic system, with cuneiform memories, a sheet of writing which we do not know how to decipher, but we know it is there, latent,  under those signs and that order that forms words, phrases, and full sentences. We can sense their existence beyond their apparent secrecy. A fragile Rosetta stone. A letter that we receive, ethereal, from another place, but we don’t know in which language it has been written.

And it waits there, still.

Apparently monochromatic from the lights and shadows resulting from the cuts and interventions on the paper, they generate countless hues and semitones within each color, which increase the sense of range of each sign not written out.

 

Siempre he intentado que mi obra hablase sobre eso que roza el silencio, pero está lleno de voces.

A veces, imperceptible. En otras ocasiones, a un volumen muy bajo.

De manera similar a lo que sucede con el principio de la homeopatía, cuanto más sutil es la disolución, más intenso su efecto. Cuanto más leve el estímulo, más poderosa la reacción.

El susurro suele ser más poderoso que el grito. Y el pequeño ruido en el jardín termina asustando mucho más que el trueno grandilocuente.

Hacer foco allí, donde parece que no hay nada, y -tras unos minutos de atención- pasa a ser un territorio repleto de cosas que hablan en voz baja.

Y una vez que son percibidas y aparecen, ya no se callan.

Gran parte de mi obra sobre papel son como cartas no leídas. Escritas en un idioma que no reconocemos a simple vista.

Una lista de lo que permanece quieto. Un pormenorizado índice de lo inexistente.

Un minucioso catálogo de lo imposible.

El conjunto de papeles, a veces calados, con incisiones, marcados o con perforaciones termina generando un alfabeto. Una grilla más o menos uniforme o dispersa, de la que puede adivinarse un inusual sistema caligráfico, con reminiscencias cuneiformes, una plancha de escritura. La cual no sabemos decodificar del todo, pero sabemos que está allí, latente, bajo esos signos y ese orden que forman palabras, frases y oraciones completas, de las que llegamos a intuir su existencia, más allá de su aparente hermetismo. Una piedra de Roseta frágil. Una carta que nos llega, etérea, desde algún lado, pero no sabemos el idioma en que ha sido escrita.

Y allí espera, quieta.

En su aparente monocromía, las luces y sombras resultantes de los calados e intervenciones sobre el papel, generan incontables matices y semitonos dentro de cada color, que amplían el rango y sentido de cada signo no escrito.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

February 19, 2014 KIRIN https://abstractioninaction.com/artists/kirin/

Selected Biographical Information

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

February 19, 2014 Bernardo Corces https://abstractioninaction.com/artists/bernardo-corces/

Somewhere or maybe everywhere … without script, perhaps like many others, restricted by a minimum budget or better yet, not thinking about budgets.

I choose to work from what I find, from that others have left. The image starts as a riddle formulated between the places I live, things and materials collected.

Someone observes from beyond. Maybe is a neighbor who sees me under the bridge collecting cans, or the gaze of that who finds those objects in an exhibition gallery, evoking what flows under the bridge. Both cases are for me acts of survival.

I try to synchronize myself with places, to hear what the material proposes and follow the way marked by the circumstances. The image is always provisional. It works, but barely, just enough.

I insist on a premise. I am aware that something magical could be happening.

 

En algún lugar o tal vez en todas partes… sin guiones, quizás como tantos otros, condicionado por un presupuesto mínimo o mejor aún, sin pensar en presupuestos.

Elijo trabajar desde lo encontrado, con lo que otros han dejado. La imagen se inicia como un acertijo que formulo entre los lugares que habito, las cosas y materiales recolectados.

Más allá, alguien observa. Tal vez un vecino que me ve bajo el puente recogiendo unas latas, o es la mirada de quien encuentra en una sala de exposición esos objetos evocando lo que corre bajo el puente. Ambos casos son para mí un acto de supervivencia.

Procuro afinarme con los espacios, escuchar lo que el material propone y seguir el rumbo que marcan las circunstancias. La imagen es siempre provisional. Funciona pero apenas, sólo lo justo.

Insisto en una premisa. Estoy atento de que algo mágico pueda estar ocurriendo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

February 19, 2014 Eduardo Santiere https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-santiere/
Translated from Spanish

I consider myself sensitive to human relations, to the context of society and the future, to the multiple possibilities of existence, to imagination, to music… all that surrounds me is present in my work, and in the moment of creation.

I do not seek preconceived images. I find them in my work process, enjoying from the sharpest and flashy trace to the most delicate and imperceptible detail, creating an intimate atmosphere between the viewer and the work.

I define the image of my drawings with these words:

Partes fragmentadas de un todo

Que define un futuro incierto

La desaparición del ser humano

Convirtiéndose en más automático, más nada, más ilusión.

 

Me considero sensible a las relaciones humanas, al contexto de la sociedad y del futuro; a las múltiples posibilidades de la existencia, a la imaginación, a la música… todo lo que me circunda incide en mi obra, en el momento creativo.

No busco imágenes preconcebidas. Las encuentro en mi proceso de trabajo, gozando desde el trazo más punzante y llamativo hasta el delicado detalle, imperceptible, creando una atmósfera intimista entre el observador y la obra.

Defino la imagen de mis dibujos con estas pocas palabras:

Fragmented parts of a whole

Which defines an uncertain future

Disappearance of the human being

Becoming more automatic, more nothing, more illusion.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

February 19, 2014 Georgina Santos https://abstractioninaction.com/artists/georgina-santos/
Translated from Spanish

My artistic production in the last few years is the result of working in local contexts.

This is part of a personal position that is derived of questions around artistic representation, the incidence which creative processes have in specific groups and the way in which artists are involved in different realities.

My work seeks to create micro-windows that can reflect concepts such as violence, neglect, resistance, memory, collectivity, or identity.

 

Mi producción artística de los últimos años es resultado del trabajo en contextos locales.

Esto forma parte de una postura personal que se deriva de cuestionamientos entorno a la representación artística, la incidencia que los procesos creativos tienen en grupos específicos y la manera en que los artistas se involucran con distintas realidades.

Mi trabajo busca crear micro ventanas que reflejen conceptos como violencia, abandono, resistencia, memoria, colectividad o identidad.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Links

February 19, 2014 Santiago Reyes Villaveces https://abstractioninaction.com/artists/santiago-reyes-villaveces/

My work responds to an inquiry, obsession, fascination, and pleasure for the structures, assemblages and dynamics that evidence the state of transitivity and precariousness that appeal to a state of temporal indetermination. The works are located on the limit of their completion and resting in a residual plane. The works—installations, sculptures, drawings and photographs—are characterized by notions of scale, volume, weight, gravity, surface, pressure, contention, resistance, verticality, horizontality, limit and depth, creating an intimate relation with the space, architecture, the spectator’s body and the temporality of the exhibition and the pieces.

The works transform, determine, modify, and interfere in the physical space in which they operate as well as the social, political, economic and historical space they inhabit and its possible modes of production, exhibition and circulation.

My work has an interest for allegorical procedures, link to the fragment, the ruin, history, memory, identity and the city. These concepts are articulated with the inquiry on the construction process, provisional, precarious, transitory, and unstable structures.

  

Mi trabajo responde a una investigación, obsesión, fascinación y placer por  las estructuras, ensamblajes y dinámicas que evidencian estados de transitoriedad y precariedad. Situados en el límite de un estado de finalización y un plano residual. Mediante instalaciones, esculturas, dibujos y fotografías, las obras desarrolladas se caracterizan por nociones  de  escala, volumen, peso, gravedad, superficie, presión, contención, resistencia vertical, horizontal, límite y profundidad, generando una íntima relación con el espacio, la arquitectura, el cuerpo del espectador y la temporalidad de las piezas y de su exhibición.

Las obras operan en el espacio físico transformándolo, determinándolo, modificándolo e interfiriendo; los efectos producidos por las obras en lo físico resuenan con los espacios sociales, políticos, económicos e históricos en los que residen y se posibilita la producción, exposición y circulación de la obras.

Mi trabajo parte del interés por procedimientos alegóricos, vinculados  al fragmento, la ruina, la historia, memoria, identidad y la ciudad. Estos conceptos se articulan con la reflexión sobre los procesos constructivos, estructuras provisionales, precarias, transitorias e inestables.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

February 19, 2014 Rodrigo Sassi https://abstractioninaction.com/artists/rodrigo-sassi/
Translated from Portuguese

My artistic trajectory is characterized by the developing and practice of urban interventions, where I experienced and used the city as support of action, analysis, and inspiration in my work. After this experience, I began a new body of work in which all my research on urban intervention transformed into an aesthetic and conceptual reference for a work developed at my studio, which is currently dedicated to tridimensional work.

My works are made from the repurposing of discarded materials by construction companies, and through the creative use of techniques from construction as well, I recreate forms of reinforced concrete that lose their structural function to create architectural drawings in space, contrasting the rigidity and rawness of their materials to give a false sense of lightness through its curves and turns. Apart from emphasizing contrasts between materiality and flexibility, the work brings forth the marks from past lives of the materials, thus the traces of a city that is in constant motion.

 

Minha trajetória artística é marcada pelo desenvolvimento e prática de intervenções urbanas, onde vivenciei e utilizei da cidade como suporte de atuação, reflexão e inspiração para meus trabalhos. Após esta experiência, iniciei uma nova produção, onde toda minha pesquisa até então realizada sobre intervenção urbana se transformou em referência estética e conceitual para um trabalho desenvolvido em atelier, atualmente dedicado à área tridimensional.

Minhas obras são feitas apartir do reaproveitamento de materiais descartados por construtoras e, através do uso imaginativo de técnicas também provenientes da construção civil, recrio formas de concreto armado que perdem sua usual função estrutural para criar desenhos arquitetônicos no espaço, contrapondo à rigidez e brutalidade de seus materiais a uma falsa sensação de leveza criada por suas curvas e balanços. Além de se caracterizar pelos contrapontos entre sua matéria e a flexibilidade adquirida, o trabalho traz consigo marcas das vidas passadas de seus materiais, consequentemente rastros de uma cidade que se encontra em constante movimento.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

February 19, 2014 Nicolás Lamas https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-lamas/

My work derives from the interest and mistrust in constructed perceptions, which are considered to belong to a “natural order” and constantly build our notion of truth through a systematized knowledge. Most of my questioning focuses on examining the models associated with scientific research and the constant pursuit of order, measure, and control of the laws that govern the perceptible world. Through different guidelines, I analyze the relationship established between knowledge and power, and how that bond ideologically determines the way we perceive, interpret, and interact with our environment. I am interested in the search for the gaps and cracks generated in specific relations between representation systems and the notion of an objective and indisputable reality. In order to exemplify the perceived inconsistencies, I carefully manipulate images, texts, sounds and other elements that are associated with capturing, interpreting and transmitting information. Through this, I attempt to somehow put into evidence relativity, malleability, and the level of indetermination in all of which we aim to comprehend by trying to search for an objective and definite truth.

 

Mi trabajo parte del interés y la desconfianza hacia las percepciones construidas de aquello que pertenece a un “orden natural” y modela nuestras certezas a través de un conocimiento sistematizado. Gran parte de mis cuestionamientos se centran en examinar los modelos asociados a la investigación científica y la constante búsqueda por ordenar, medir y controlar las leyes que gobiernan el mundo perceptible. A través de ciertas consideraciones, analizo la relación que se establece entre conocimiento y poder, y cómo ese vínculo determina ideológicamente nuestro modo de percibir, interpretar e interactuar con nuestro entorno. Busco brechas y fisuras en la relación que se genera entre distintos sistemas de representación y lo que intentamos definir como realidad. Como parte de este proceso, opto por la manipulación selectiva de imágenes, textos, sonidos y otros elementos asociados a la captura, interpretación y transmisión de información. Con ello, evidencio la relatividad, maleabilidad y grado de indeterminación en todo aquello que intentamos comprender al vincularnos racionalmente en busca de una verdad objetiva y definitiva.

Selected Biographical Information

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Links

February 19, 2014 Nicolás Consuegra https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-consuegra/
Translated from Spanish

In about ten years of professional experience, I have been interested in different transcultural processes from which I intend to build paragons between the local knowledge of my Colombian context and how these face each other, validate, or are opposed to foreign cultural discourses and production.

In this period of time I have focused on developing projects in which I can combine my interests in installation, sculpture, and video, and how these artistic mediums can (and must) be understood contextually. I find pertinent to mention that I am drawn to recognize and study the breaks I find in artistic and cultural discourses as in the information that originates from different contexts as mine. Following this line of thought, I remember constantly Brazilian Oswaldo de Andrade and his ideas about “anthropophagy,” since we constantly devour what belongs to someone else so we can produce something new.

 

Durante algo más de diez años de ejercicio profesional, he estado interesado en diversos procesos transculturales con los cuales pretendo construir parangones entre los saberes locales de mi contexto colombiano y cómo estos se enfrentan, validan u oponen a discursos y producciones culturales foráneas.

En este período de tiempo me he concentrado en desarrollar proyectos en los que puedo combinar mis intereses en la instalación, la escultura y vídeo, y cómo estos términos artísticos pueden (y deben) ser entendidos contextualmente. Me parece pertinente mencionar que me siento muy atraído por reconocer y estudiar las fisuras que encuentro tanto en los discursos artísticos y culturales como en la información que proviene de contextos diferentes al propio. En este orden de ideas, recuerdo constantemente al brasilero Oswaldo de Andrade y sus ideas sobre la “antropofagia”, pues constantemente devoramos lo que es ajeno para producir algo nuevo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

February 19, 2014 María Ezcurra https://abstractioninaction.com/artists/maria-ezcurra/
Translated from Spanish

In my work, I use textiles—basically clothing—in order to explore a series of social and personal stereotypes, as well as their relationship with specific cultural codes, by reviewing and reflecting on the current and complex normative structures which define us and from which we participate. A great part of my work involves an analysis on the physical, emotional and social restrictions that are associated with gender roles, in particular feminine stereotypes. With my work, I do not only play with the material and formal possibilities of textile, but I also explore the aesthetic, symbolic, and cultural values of garments, based on deconstruction, re-contextualization or re-aggrupation models which put in evidence the social expectations that they intend to exhibit or cover. Thus I want to make visible the complex and often contradictory relationships we have constructed between the social and the individual, protection and image, beauty and comfort, violence and indifference, men and women, and all the ambiguous intermediate qualities which constitute us but do not necessarily define us.

 

En mi trabajo uso textiles—básicamente ropa—para explorar una serie de estereotipos sociales y personales, así como su relación con ciertos códigos culturales, revisando y reflejando las complejas estructuras normativas actuales que nos definen y en la que todos participamos. Gran parte de mi obra implica una reflexión sobre las restricciones físicas, emocionales y sociales asociadas a roles de género, particularmente a los estereotipos femeninos. Con mis piezas no sólo juego con las posibilidades materiales y formales de los textiles, sino que exploro los valores estéticos, simbólicos y culturales de las prendas de vestir, basándome en procesos de deconstrucción, recontextualización o reagrupación que evidencian las expectativas sociales que intentan exhibir, o cubrir. Quiero evidenciar así las complejas, y a veces contradictorias, relaciones que hemos creado entre lo social y lo individual, la protección y la imagen, la belleza y la comodidad, la violencia y la indiferencia, los hombres y mujeres, y todas las ambiguas cualidades intermedias que sutilmente nos forman sin necesariamente definirnos.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

February 19, 2014 Jorge Pedro Núñez https://abstractioninaction.com/artists/jorge-pedro-nunez/
Translated from Spanish

I am interested in combining and juxtaposing different historical referents that derive from diverse places and times, and which coexist in an object.

My work is related to drawing, sculpture, and painting rom their more basic properties, such as material and form, but the materials I use are mostly objects from other activities. I use recognizable icons stemming from modern art history, in the creation of a work that goes through deconstruction and the relationship of objects and ideas that question the link between abstraction, history, and contemporaneity.

 

Estoy interesado en mezclar y superponer diferentes referentes históricos que provienen de lugares y épocas distintas que cohabitan en un objeto.

Mi trabajo es relativo al dibujo, la escultura y la pintura desde sus propiedades más elementales como el material y la forma, pero los materiales que utilizo son en gran parte objetos de otras actividades. Utilizo iconos reconocibles provenientes de la historia del arte moderno  para la concepción de una obra que pasa por la deconstrucción y la puesta en relación de objetos e ideas que cuestionan la relación entre abstracción, historia y contemporaneidad.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

February 19, 2014 Jaime Ruiz Otis (RUIZCYCLE) https://abstractioninaction.com/artists/ruizcycle/
Translated from Spanish

From a very young age, I’ve been attracted by abandoned construction sites, vacant lots, useless things, and the tracks or traces that persist without intention. In these places I have discovered and collected all kinds of things, without a specific purpose in mind. It is until this moment in which I develop this statement that I can trace the origin of my work as artist in these explorations and discoveries of my first years of life.

My first formal experience working with residues was as a worker at a recycling plant, in which I was in charge of handling toxic industrial residues. This activity originated my series Las sobras (the leftovers). This series is comprised by materials and elements taken from waste—meaning that they pass through a double process of selection because I recover them from all that is rejected by factories and then by the recyclers.

Until today, I find the process of looking in industrial waste containers or recyclers, strongly linked to archaic human practices, such as those of the first nomads that learned to recognize and collect fruit, plants, insects, and materials for their survival, in the different territories they walked and lived in.

The work of the scavengers is completely underestimated against the patterns of production, consumption and massive waste of contemporary capitalist societies, even though it is more necessary than ever.

I am amazed by the quantity and I am attracted by the vast variety of materials that I hazardously find in waste containers. The diversity, qualities, and malleability of these materials is what trigger ideas and forms, and which determine what types of supports, media, and compositions I must use. To me, waste is not garbage but an opportunity to explore artistically, finding the most adequate uses and functions within the unusual forms and characteristics that I find. This practice allows me to meditate about existence, life’s origin, and the micro and macro.

The processes that are related with the homogenization of certain forms of life and consumption, which we call civilization, and from which the world is built from molds that are more generic every time, are in fact derived from entropy, and they leave several traces and cosmic tails that I find fascinating. The DNA of things captivates me and keeps me alert, waiting for the next surprise, the next great archeological discovery.

  

Desde pequeño me han fascinado las construcciones abandonadas, los terrenos baldíos, las cosas inservibles, las huellas o rastros que persisten sin que nadie se lo hubiera propuesto. En estos lugares he descubierto y recolectado todo tipo de cosas sin un objetivo específico en mente. Es hasta ahora que desarrollo esta declaración que puedo trazar el origen de mi trabajo como artista en estas exploraciones y descubrimientos de los primeros años de mi vida.

Mi primera experiencia formal trabajando con residuos fue como empleado en una planta recicladora, como encargado de manejo de residuos industriales tóxicos. Fue esta actividad la que dio origen a mi serie Las sobras. Esta serie se compone de materiales y elementos tomados de entre los desperdicios —es decir pasan por un doble proceso de selección, pues los recupero de entre aquello rechazado primero por las maquiladoras y después por las recicladoras.

Hasta la fecha, encuentro el proceso de buscar en los contenedores de basura industrial o recicladoras fuertemente conectado con prácticas humanas arcaicas: como los primeros nómadas que aprendían a reconocer y recolectar frutos, hierbas, insectos y materiales, para su subsistencia, en los distintos territorios que recorrían y habitaban.

La labor de los pepenadores está completamente subestimada en nuestros días frente a los patrones de producción, consumo y desecho masivo de las sociedades capitalistas contemporáneas, a pesar de ser más necesaria que nunca.

Me asombra la cantidad y me atrae la amplia variedad de materiales que azarosamente voy encontrando en los contenedores de basura. La diversidad, cualidades y maleabilidad de los mismos materiales son los que me disparan ideas y formas, y los que determinan qué clase de soportes, medios y composiciones debo utilizar. Para mí los residuos no son desperdicios sino una oportunidad de explorar plásticamente, encontrando el uso y función más adecuados entre las inusitadas formas y características que descubro. Esta práctica me permite meditar sobre la existencia, el origen mismo de la vida, lo micro y lo macro.

Los procesos que llamamos civilización, relacionados con la homogenización de ciertas formas de vida y consumo,  donde el mundo se construye bajo moldes cada vez más genéricos deriva, en cambio, en la entropía y dejan una diversidad de rastros, huellas y estelas que me resultan fascinantes. El ADN de las cosas, eso es lo que me cautiva y me mantiene atento, dispuesto a la próxima sorpresa, al siguiente gran hallazgo arqueológico.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

Links

February 19, 2014 Edwin Monsalve https://abstractioninaction.com/artists/edwin-monsalve/
Translated from Spanish

In this series of works I focus my gaze in a common object: wood in its different ways of display for sale, in specialized stores. If on one hand I establish relationships between the exact copy of the visual aspects in a wood ribbon; on the other hand I stay aware of the natural and/or artificial phenomena can reveal in time, which involves being able to understand this process on the particular characteristics of each material.

My aim is to establish a game with the mimesis principle: by choosing carefully a color, to which I apply many glazes to represent it once more, applying many retouches. Through this procedure I emphasize volumes and shadows, and simulate light reflections. After the result, I see how my painting transforms into something else, I conceive it as an abstraction derived from a figurative dimension. I change the perspective from which pictorial representation has traditionally worked to make figuration a paradox of abstraction, where the artificial looks “natural” and where camouflage confuses because albeit present, we cannot perceive it. In this game of values, painting dissolves the illusion of the pictorial space to construct an image that is more real than the original model.

 

En esta serie de obras centro mi mirada en un objeto común: la madera en sus diferentes formas de exhibición para la venta en lugares especializados. Si por un lado establezco relaciones entre la copia fiel de apariencias visuales que suceden en un listón de madera, por el otro, me mantengo atento a lo que los fenómenos naturales y/o artificiales puedan revelar con el paso del tiempo, lo que implica entender los efectos de este transcurso sobre las características particulares de cada material.

Me propongo establecer un juego con el principio de mimesis: al escoger minuciosamente un color, al que aplico sucesivas veladuras para volverlo a representar -nuevamente- aplicando sucesivos retoques. En este procedimiento acentúo volúmenes y sombras, y simulo reflejos de luz. Después del resultado veo como mi pintura se transforma en otra cosa, la concibo como que es abstracción que deriva de una dimensión figurativa; cambio la perspectiva en que tradicionalmente ha funcionado la representación pictórica figurativa para hacer de la figuración una paradoja con la abstracción, donde lo artificial parece “natural” y donde el camuflaje desconcierta porque además de estar ahí presente, no lo percibimos. En este juego de valores, la pintura disuelve la ilusión del espacio pictórico para construir una imagen más real que el modelo original.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

February 19, 2014 Barbarita Cardozo https://abstractioninaction.com/artists/barbarita-cardozo/
Translated from Spanish

Since 2009, my work has focused on the study of Op and geometric art, mainly how haute couture houses and readymade brands appropriated these avant-gardes for the creation of fashion trends. My works begin with the appropriation of patterns found in magazines, books, and websites about fashion. These appropriations are presented in installations, paintings and collages, using not only art techniques but also materials and techniques from fashion design and graphic design, such as studs, leather, and cutting plotter.

Optical Power is a project, developed in black and white, in which I focused on Op Art, recontextualizing designs by Rudi Gernreich, Rei Kawakuro, and Pucci, among others.  In Geometría Pura Mente Consumista (Pure Geometry Consumerist Mind) I wanted to include geometric patterns designed by haute couture brands and multinational corporations, but as collages in die-cut leather, with studs or cut and sewn pieces. I am developing the most recent work with polyurethane paint and polyester, and continue to appropriate geometric patterns—but in this case, the patterns are combined as diptychs and polyptychs that are loaded with color and content.

 

Desde el 2009 mi trabajo se ha enfocado en estudiar el arte óptico y geométrico, principalmente como las casas de alta costura y las marcas readymade se apropian de estas vanguardias para la creación de tendencias de moda.  La creación de mis trabajos parte de la apropiación de patrones encontrados en revistas, libros y páginas web sobre moda.  Estas apropiaciones son presentadas en instalaciones, pinturas y collages, utilizando no solamente las técnicas propias del arte sino a su vez materiales y técnicas del diseño de moda y el diseño gráfico como taches, cueros y plotter de corte.

Optical Power es un proyecto que se desarrollo en blanco y negro y donde me enfoque en el arte óptico, recontextualizando diseños de Rudi Gernreich, Rei Kawakuro y Pucci entre otros.  En Geometría Pura Mente Consumista quise abarcar los patrones geométricos diseñados por casas de alta costura y marcas multinacionales pero trabajados a manera de collage en cueros troquelados, con taches o piezas recortadas y cosidas.  El trabajo más reciente lo estoy desarrollando con pinturas en poliuretano y poliéster donde sigo apropiándome de patrones geométricos pero esta vez estos patrones son conjugados a manera de dípticos y polípticos tomando una fuerza de color y contenido.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

February 19, 2014 Ana Belén Cantoni https://abstractioninaction.com/artists/ana-belen-cantoni/

The core of my work lies in the dichotomy between interior and exterior space. I explore the idea of the urban architectural space as a restraint, one that denies both the body and the landscape. Lately I’ve been analyzing how the monumentality and infinity of landscape can relate to our perceptions of the body. My installations are ephemeral; they are intricate and expansive constructions, impossible geometries that are meant to be broken.

 

La idea que anima mi trabajo se encuentra en la dicotomía entre espacio interior y exterior, así exploro la arquitectura urbana como una limitación que niega tanto el cuerpo como el paisaje. En mis proyectos más recientes he analizado cómo la monumentalidad y lo ilimitado del paisaje natural pueden relacionarse con nuestras percepciones del cuerpo. Mis instalaciones son efímeras; son intrincadas y expansivas construcciones, geometrías imposibles que habrán de romperse.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

February 19, 2014 Óscar Figueroa https://abstractioninaction.com/artists/oscar-figueroa/
Translated from Spanish

A constant in my work is the restlessness and questioning of the social constructs of identity; whether territorial, individual, or artistic. Within that framework, I try to interpret what aspects are traditional constructions and which ones are new forms of economic and cultural “colonization” in the context of “globalization,” which helps define the contemporary situation but that hides the huge inequalities of a world that, to paraphrase George Orwell, is much more global to some than others. Both (or more) fields coexist, are combined and overlapped without really defining the clarity of one possible answer. It is in this boundary where my motivations come to the surface.

 

Una constante en mi trabajo es la inquietud y el cuestionamiento por las construcciones sociales de identidad, ya sean territoriales, individuales o artísticas; dentro de este marco, tratar de descifrar qué aspectos son construcciones tradicionales y cuales son nuevas formas de “colonización”, tanto económica como cultural, en el entorno de la “globalización”, que sirve para caracterizar la situación contemporánea, pero que esconde las enormes desigualdades de un mundo que, parafraseando a George Orwell, es mucho más global para unos que para otros. Ambos ámbitos (o más) conviven, se mezclan y se contraponen sin realmente definir la claridad de una posible respuesta; y es en este linde donde se ponen a flote mis motivaciones.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

February 19, 2014 Silvana Lacarra https://abstractioninaction.com/artists/silvana-lacarra/
Translated from Spanish

Artistic practice exists in the antithesis of what is considered solid: it moves forward blindly without reaching its destination, or in the best case scenario, simulating arrivals, fragmenting destinies. Every material, exposed in the abstraction of the work itself, tells a triple meaning. First, the history of itself, revealed as material. Secondly, its history in and through the objects, where material is in itself and ceases to be simultaneously, without changing; and finally, its own history, which is inflected through its existence as part of an everyday that ignores it because it does not belong to it—our own fragility.

 

El trabajo artístico está en las antípodas de lo que se considera sólido: avanza a tientas sin llegar a destino o, en el mejor de los casos, simulando las llegadas, fragmentando los destinos. Todo material, expuesto en la abstracción de la obra misma, cuenta un triple sentido: en primer lugar, la historia de sí mismo, develado como materia; en segundo, su historia en y a través de los objetos, donde el material es sí mismo y deja de serlo, al mismo tiempo, sin cambiar materialmente; por último, su propia historia, la que se conjuga a través de su existencia como parte de una cotidianeidad que ignora porque no le pertenece: la fragilidad de nosotros todos.

Selected Biographical Information

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

February 18, 2014 Adriana Minoliti https://abstractioninaction.com/artists/adriana-minoliti/
Translated from Spanish

My practice is the result of my interest in the eroticism and geometry manifested through painting and installation. My recent work has largely referenced the human body and gender conditions; abstract and geometrical representations of bodies are made with diverse materials such as paint, sand, plaster, wood, fake fruits and shampoo, and more traditional oil paints. A more inclusive vision of sexuality can change and improve the way we live. This has been made apparent through the contributions of Feminism and queer theory. This is also a space where I locate dialogues that are informative for my work. I play with gender pictorially, mixing spiritual values, historical appreciations, aesthetics and styles. I am interested in the anthropological importance of decoration as a process and in its application in objects, and I play with this by challenging fixed ideas and unconscious meaning. How does the mind sense the materials and shapes of things? Why do we make decisions in one way and not in another? Is there a place where these dualities are simultaneously possible? I transform everyday materials into something new, as in Manzanas [Apples] where geometric forms adorn fake plastic fruits. My work as a painter engages a diversity of formats and media, from easel painting and installation, to the organization of cultural projects and results of the relationships between artists. I have participated actively with artist collectives like as Kiosko De Artistas, and in projects of col-leagues, clinical workshops and research meetings. I co-founded PintorAs [Female Painters], a project that includes 20 women artists from Argentina. As a curator, I organized the exhibitions Rework and Figuras [Figures], as a way to collectively investigate answers to questions of that arise from my own work.

 

Mi práctica es el resultado de mi interés en el erotismo y la geometría, manifiesto a través de la pintura pero también en otros medios como instalación. Mi trabajo reciente en gran medida hace referencia al cuerpo humano y a condiciones de género: representaciones abstractas y geométricas hechas con diversos materiales tales como pintura, arena, yeso, madera, frutas falsas y champú, y óleos. Una visión más integradora de la sexualidad puede cambiar y mejorar la forma en que vivimos. Esto ha sido evidente a través de las contribuciones de las teorías feministas y queer. En estas contribuciones, encuentro diálogos que son nutritivos para mi trabajo y desarrollo. También interpeló el género pictórico, mezclando los valores espirituales, la apreciación histórica, estéticas y estilos. Estoy interesada en la importancia escondida de la decoración como un mecanismo y en su aplicación en objetos y dispositivos. Busco desafiar las ideas fijas y los significados inconscientes. ¿Cómo la mente percibe las materialidades y formas de las cosas que nos rodean? ¿Por qué asumimos esa percepción de una manera natural y no en otra dirección? ¿Hay un lugar donde lo dado como opuestos son al mismo tiempo posibles e iguales? Busco convertir materiales de uso cotidiano en algo nuevo, como en Manzanas donde las formas geométricas adornan falsos frutos de plástico. Mi trabajo como pintora involucra una diversidad de formatos, soportes y medios, desde la pintura de caballete y la instalación, a la organización de proyectos culturales, muestras, y las relaciones entre los artistas. Fui co-fundadora de PintorAs, un proyecto que incluye 20 artistas de Argentina. Como artista-curadora, también organicé las muestras Rework y Figuras, siendo una manera de investigar colectivamente las preguntas que surgen en mi proceso de obras.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

November 9, 2013 Elias Crespin https://abstractioninaction.com/artists/elias-crespin/

Selected Biographical Information

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

November 8, 2013 Juan Sebastián Bruno https://abstractioninaction.com/artists/juan-sebastian-bruno/
Translated from Spanish

I am interested in processes, that what impulses action; movement. I seek minimal spaces to build an objectual, spatial, formal and conceptual structure. I search for the limit of abstraction, of meaning, of the relationship with references in order to assign new functions. The tools and objects that I use have a relation with a personal experience, where I had a good time, as minor as that moment may have been. Therefore they are objects that have an emotional charge, no matter that the mechanism of selection is perceived in the work but that the spectator can have empathy with these objects and sense time in them.

 

Me interesan los procesos, lo que impulsa una acción, los movimientos. Busco los espacios mínimos para armar una estructura, objetual, espacial, formal y conceptual. Busco el límite de la abstracción, del significado, de la relación con los referentes, para poder asignar nuevas funciones. Las herramientas y objetos que uso tienen relación con alguna experiencia personal, en donde la pasé bien, por más mínimo que haya sido ese momento. O sea que son objetos que tienen una carga afectiva, sin interesar que este mecanismo de selección se perciba en la obra, pero sí que el espectador pueda tener empatía con esos objetos, intuir un tiempo en ellos. Este tiempo en los objetos, su memoria emotiva, la tensión que se puede producir entra dos puntos. Uso, pedazos que nos dan una estructura, la voluptuosidad de la distancia y el modo en que esos elementos se relacionan para expresar ese proceso que todavía vincula al arte con la vida cotidiana. Entonces: abstracción, pura forma + la expresión y homenaje a los autores de los que estamos hechos + el peso de los detalles: las cosas que evocan recuerdos. Uno de los mecanismos de trabajo son los anclajes, los referentes y los tributos “a la manera de un adolescente que cuelga pósters en su cuarto” Me armo un playslist, una biblioteca mental de posibilidades, que se va actualizando, y con esas unidades generar nuevos grupos. Me gusta que el trabajo oscile entre el taller y la pantalla, y desde esa acción marcar varios recorridos.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

Links

November 8, 2013 Emilio Chapela https://abstractioninaction.com/artists/emilio-chapela/

*This artist statement has been generated by a computer.

Emilio Chapela lives and works both in Mexico City and the Forgotten Realms of the Earth.  He works with the latest technology from Japan and China. His artistic practice is concerned with the development of a system that allows the operator to control various processes such as those used for conventional and unconventional methods to determine the relative importance of individualized factors. He also investigates the effect of increasing importance of the different methods used to identify the specific factors involved in the production and dissemination of a particular type of information. In such a way, he has worked with several different methods to determine how the various systems respond to the needs identified through their own resources. He has participated in shows both at galleries, museums and other cultural institutions, at places like the U.S. Geological Society of America and at the Museum of Modern Art in New York. He was awarded with the prestigiou award for gallantry in the field of public procurement and disposal. In 2010, he published his first book on the history of the world. In the near future, he will be showing his work at the National Institute of Technology and Information Ethics in Washington DC.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

  • Miscomunication: Baragouins, Giberish and Googledygook. 2008. Catálogo de Expoisición. Die Kurt Gödel Bibliothek. 2014. Ed. Sicomoro.

Collections

Links

November 8, 2013 Aníbal López A-1 53167 https://abstractioninaction.com/artists/anibal-lopez/
Translated from Spanish

My work consists in propose to people a way of thinking that with plans or without them could unveil doubts or solutions. I would like to open a discourse where we could discuss themes that could help us solve our lives as a community. Basically, my work consists of questions and perspectives about the world with projections to the future, where armed conflicts are kids’ toys, for children that have faith in living and not in hating (to live without hate). Without forgetting to judge the ones who have brought us to these poverty conditions and misinformation. I do not consider myself conceptual or minimalist, but utilitarian of these mediums, as a precise way of approaching concrete subjects without much paraphernalia.

 

Mi trabajo consiste en proponer a las personas una forma de pensamiento que, con planes o sin ellos, descubran dudas o soluciones. Me gustaría poder entablar un discurso donde podamos discutir temas que nos ayuden a solucionar nuestras vidas en comunidad. Básicamente mi trabajo radica en interrogantes y perspectivas de un mundo con proyecciones al futuro donde los conflictos armados sean de juguete sin para niños que tengan fe en vivir y no en odiar (vivir sin odio). Pero sin olvidar juzgar a los que nos han llevado a estos estados de pobreza y mala información. No me considero conceptual ni minimalista, sino utilitario estos medios como forma precisa de abarcar temas más concretos sin tanta parafernalia.

Selected Biographical Information

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

November 7, 2013 Fabián Burgos https://abstractioninaction.com/artists/fabian-burgos/
Translated from Spanish

The expressive possibilities and the contact with material that oil painting give me, are essential in the construction of my geometric paintings. I can even subordinate some of my ideas to the impulses of the material, as if it had a conscience parallel to my state of will. In this delicate balance, straight lines, angles, spirals, curves, accumulations of dots, and wavelengths appear on the surface of the canvas. Many of these elements of composition that I transfer from the field of scientific representation to the field of art, help me define my interest on some concepts: truth/false, my relationship with Op Art, the movement of the gaze and perception, among others. As an example, Líneas paralelas (parallel lines) is one of the works that questions reality or at least it questions it as a convention. A painting of straight lines that because of tonality, contrast, and arrangement of the squares, they look curved. Can we say they are not? Empirically, they are not, but they are to our perception, and in this case, this is what prevails. Isn’t “truth” what we see? Does accuracy matter in art? I think, for example, in Albers and his theory of color. In the same way, the works from the series Velocidad (speed) are fragments of the light spectrum, which I multiply forward, backwards, up and down. In this way, we see some of the colors that are the same, differently. Geometry interests me in this sense too.

Back when I began to draw still lives as an academy student, the teachers told me not to draw figures but the spaces between them. In a way, this originated in me the seed of geometric abstraction. I would say I still have a fascination for the process of abstracting the invisible from the visible. Years later, contemporary geometric art means to me the same as always: the supremacy of the forms and the invisible spaces over naturalism. We give noise or silence to a form through composition, and it is from that place where we are committing our position or view of the world. In this sense, I like to understand art in the words of these two Argentinean poets, Olga Orozco: “Art is a reflection of the invisible;” and Léonidas Lamborghini: “Poetry is not the music of the soul but the silence of intelligence.” It is as if art and poetry would appear when there is nothing else to say. In this sense, subtraction also operates in my paintings as a tool that I use to define concepts.

In the works of the exhibition El amor probablemente, 2005, I used some names and icons of art (Jesús Soto, Morandi, and Bridget Riley, among others) as a possibility for a historical “dialogue”, but this dialogue, due to the density and imprint of the artists, could not be made through derivation, continuity or contribution without misinterpretation. In a way, I had to destroy those works to make reverence afterwards. In the historical evolution, “conversations” amongst contemporary artists of from different eras, were often of consolidation or continuity of their postulates. But when Soto saw Mondrian, he asked himself how to continue with painting from there, how to follow from the place Mondrian had left of, and when he remembered the light with silver white in the water reflections from the paintings by Reverón, he saw the possibility of incorporating movement to his paintings and developing the idea of a more optical art. What is relevant to me from this historical moment is the need of the artist of relating to his/her equals. En el amor… (in love…) I tried to make a work from the author’s self-consciousness, a sort of painting inside a painting. It was a hinge in my work, in the sense that I added to my formal relationship with science the concept of painting as a legacy, or as a more intense dialogue with previous movements, and especially with some artists. Subtraction then functioned more indispensably to continue these close relationships.

I remember a work by Soto that inspired such love from me to it that I had to become physically involved. It was a background with lines in black and white and in the front had black metal wires hanging. When one moved, the background also produced movement. Soto said that to give movement to a work he didn’t need a motor. I partially reproduced this work but omitted the wire and substituted the black lines from the background for blue and then ochre. In this way, and due to the ability of oil to keep the “breathing” of the color underneath, that a simple effect of movement was increased substantially. Even without Soto’s wires, the work did not stop its motion, meaning that I understood that they were not necessary for the purpose of going beyond the plane. This work, just as more recent ones, are which give me the guidelines and desire to work more intensively within geometry.

 

Las posibilidades expresivas y el contacto con la materia que me proporciona la pintura al óleo son móviles esenciales en la construcción de mis cuadros geométricos. Puedo incluso subordinar algunas de mis ideas a los caprichos de la materia, como si ésta tuviera una conciencia paralela a mi estado de voluntad. En este delgado equilibrio van apareciendo o desplazándose sobre la superficie de la tela: formas rectas, ángulos, espirales, vértices, acumulaciones de puntos, longitudes de onda. Muchos de ellos elementos de composición que mudo del campo de las representaciones científicas al de las artes y que me sirven para delinear mi interés sobre algunos conceptos: verdad/falsedad, mi relación con el Op art, desplazamiento de la mirada y de la percepción, entre otros. A modo de ejemplo, Líneas paralelas es uno de los cuadros que pone en duda la verdad o al menos la cuestiona como convención. Un cuadro de líneas rectas que por un tema de valor de los tonos, contraste y desplazamiento de los cuadrados, se ven curvas. ¿Acaso podemos decir que no lo son?, empíricamente no, pero para nuestra percepción sí, y en tal caso, aquí eso es lo que prima. ¿No es acaso “verdad” lo que vemos?; ¿importa la comprobación en el arte? Pienso en Albers y su teoría de color por ejemplo. Del mismo modo, los cuadros de la serie Velocidad son fragmentos del espectro lumínico que multiplico hacia adelante, hacia atrás, para arriba y para abajo; de esta manera algunos colores que son iguales los vemos diferentes. La geometría me interesa en ese sentido también.

Cuando de estudiante en la academia comencé a dibujar naturalezas muertas, los profesores me decían que dibujara no las figuras sino los espacios entre ellas, de alguna manera esto creó en mí el germen de la abstracción geométrica. Diría que me quedó cierta fascinación por el proceso de abstraer lo invisible de lo visible. Años después, el arte geométrico contemporáneo significa para mí lo mismo que siempre: la supremacía de las formas y los espacios invisibles por sobre el naturalismo. El ruido o silencio de una forma lo damos en la composición y ahí es que estamos comprometiendo nuestra posición o mirada frente al mundo. En este sentido me gusta entender el arte en las frases de estos  dos poetas argentinos; Olga Orozco: “El arte es el reflejo de lo invisible” y  Leónidas Lamborghini: “La poesía no es la música del alma sino el silencio de la inteligencia”. Es como si el arte y la poesía aparecieran cuando ya no hay nada más para decir. En este sentido la sustracción también opera en mis pinturas como una herramienta que utilizo para la definición de conceptos.

En los cuadros de la muestra El amor probablemente, 2005, utilicé algunos nombres e iconos del arte (Jesús Soto, Morandi, Bridget Riley, entre otros) como posibilidad hacia alguna forma de “diálogo” histórico, pero este diálogo, por la espesura y huella de estos artistas, no podía darlo a partir de una derivación, continuidad o aporte hacia ellos sin antes violentarlos. De alguna manera debía destruir esos cuadros para poder reverenciarme luego.  En el devenir histórico las “conversaciones” entre artistas contemporáneos o de diferentes épocas solían ser muchas veces de profundización o continuidad de sus postulados. Pero cuando Soto observó a Mondrian se preguntó cómo seguir con la pintura a partir de ahí, cómo seguir desde el punto que Mondrian la había dejado, y recordando los golpes de luz con blanco de plata en los reflejos del agua de las pinturas de Reverón, vio como posibilidad el incorporar movimiento a sus pinturas e ir desarrollando la idea hasta la aparición  de un arte más óptico. Lo importante para mí en este episodio histórico, es la necesidad del artista en relacionarse con sus pares. “En el amor…”  intenté hacer un trabajo más desde la autoconciencia del pintor, una suerte de pintura dentro de la pintura. Fue una bisagra para mis trabajos en el sentido que sumé a mi relación formal con la ciencia el concepto de pintura como un legado, o en tal caso como un diálogo más intenso con los movimientos anteriores y en particular con algunos artistas. La sustracción entonces, operó aquí de una manera indispensable para continuar esas estrechas relaciones.

Recuerdo una obra de Soto que despertó tal amor de mí hacia ella que debí involucrarme físicamente.  Era un fondo de rayas en blanco y negro y delante colgaban unas varillas negras de metal. Al moverse uno, en el fondo también se producía movimiento. Soto decía que para poner en movimiento la obra no necesitaba ningún motor. Reproduje parcialmente esa obra pero le suprimí las varillas y sustituí el negro de las líneas del fondo, primero con azul y luego una última mano de ocre; de esa manera y por esa capacidad que tiene el óleo de mantener la “respiración” del color de abajo, un simple efecto de movimiento fue potenciado sustancialmente. Aún sin las varillas de Soto, el cuadro no detenía su movimiento, es decir que advertí que no era necesario para lograr ese fin, ir más allá del plano. Este trabajo como otros más actuales en mi producción son los que me van dando las pautas y el deseo de trabajar con intensidad dentro de la geometría.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

November 7, 2013 Gala Berger https://abstractioninaction.com/artists/gala-berger/

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

  • 2013: “Disponibilidad Arriesgada”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
  • 2012: “Atlas”, Hora del Té, Buenos Aires, Argentina.
  • 2011: “Pollo Frito”, Rayo Lazer, Buenos Aires, Argentina.
  • 2011: “La Tierra Permanece”, Jardín Oculto Galería, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

  • 2013: “Des)afectos”, Biquini Wax, Mexico City.
  • 2013: “Sucursal”, Darling Foundry, Montreal, Canada.
  • 2013: “Casa”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
  • 2012: “Monstruo II”, La Fábrica, Buenos Aires, Argentina.

Publications

November 7, 2013 Jorge de León https://abstractioninaction.com/artists/jorge-de-leon/
Translated from Spanish

My work relates to everyday life in the city, specifically of a city like Guatemala, which is considered to be one of the most dangerous in Latin America. I try to take the behavior of a society, portraying the everyday in different ways.

 

Mi trabajo está ligado a la vida diaria de la ciudad, específicamente de una ciudad como Guatemala, considerada una de las más peligrosas de América Latina. Trato de llevar el comportamiento de una sociedad, retratando de diferentes maneras la cotidianidad.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

November 7, 2013 Edgar Guzmanruiz https://abstractioninaction.com/artists/edgar-guzmanruiz/
Translated from Spanish

My site-specific works aim to create relationship bridges between art and architecture, where the architectural space is affected. The visitors relate to each other through works that alter the perception of “reality.” The interventions intersect, juxtapose, overflow, or are contained in the exhibition space.

Some have their origin in the display of a drawing or a painting in space. While some works are more related to the context of the place of exhibition, others seek a universal communication, beyond a specific culture. Present in my works is the constant use of few elements, an interest in shadow, void, absence, the passage of time, death. The most recent work explores from the visual arts to the geometric impossibility of relating parallel worlds through narratives.

 

Mis trabajos site-specific buscan construir puentes de relación entre Arte y Arquitectura, en donde el espacio arquitectónico es afectado. Los visitantes se relacionan entre sí a través de obras que alteran la percepción de “realidad”. Las intervenciones intersectan, se superponen, desbordan o son contenidas por el espacio de exhibición.

Algunas tienen su origen en el despliegue de un dibujo o una pintura en el espacio. Mientras unos trabajos están más ligados al contexto del lugar de exposición, otros buscan una comunicación universal, más allá una cultura específica. En mis obras se puede leer una constante en la utilización de pocos elementos, y el interés por la sombra, el vacío, la ausencia, las huellas del tiempo, la muerte. El trabajo más reciente explora desde las artes plásticas la imposibilidad geométrica de relacionar mundos paralelos a través de narrativas.

 

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

November 6, 2013 Lucia Koch https://abstractioninaction.com/artists/lucia-koch/

The first works I made that I consider founded my practice, were interventions on domestic spaces, but always having the public space in the horizon. That’s why I work mostly on the skin of the buildings, on windows, doors, and skylights that allow air and light – that are the vital substances of places – to circulate and put in contact the interior and exterior. This practice later was extended to institutional spaces and I was always driven to be assimilated by the environment, in mimetic strategies that made me study the architectural elements and the specific contexts I worked on. My works interact with architecture, creating altered states of the places by using filters that operate on the ambient light, affecting also people who visit them, regularly or for the first time. Printing color gradients on translucent materials or perforating surfaces that are later installed on windows or skylights, or even building freestanding walls, I think of the materials I use as devices for communication between inside and outside or two people placed in both sides of them. Mathematical logic was my mother language, as a child participating in experimental pedagogic studies in the early seventies. And this influence appears in my works called Concrete Materials, presented at “Matemática Moderna” exhibition in 2005. They were combinatory exercises with sets of photographs of facade tiles, open to different configurations that presume other people playing and reorganizing them constantly. But later I could see that I was in fact more interested in a reaction to the universalism of Modern Mathematics brought by a new approach to knowledge in the field of Ethnoscience. My works are actually more connected to the practice than the theory of sets. The surfaces where I draw and cut patterns inspired in elements of popular architecture like cobogós and lattices are pieces that I call sets of spontaneous mathematics. Though my understanding of space is more topological than geometrical, more experienced than represented, still geometry plays an important role in my practice: cut out patterns geometrically generated organize the surfaces, and being transparent (in different degrees) they are a sort of matrix to the experience of seeing through them, and also interfere with the light coming through them and projected in the interior, creating a pattern of vibration different than the usual one. The works in the series Matematica Espontânea (Conjunto A, Conjunto Ecletico, Conjunto B, Conjunto Nacional, etc.), reuse patterns found in domestic or public spaces in the cities, inspired in ornamental elements used to provide ventilation and shade. These breeze blocks are called COBOGÓS and have a great importance in modernist architecture in Brazil, and because they were spread beyond the buildings designed by authors – found in every city – through them we can identify the singularity of Brazilian modernity and also the aspect of it that became popular and was assimilated by everybody. The social practices that deal with the cobogós surfaces as communication devices justify its existence and we can recognize also a sort of taste for patterns (it happens with tiles too), for surfaces that are organized with a mathematical logic, therefore an intelligent composition, that is conceived despite of the lack of formal education in that area that is also spread in Brazilian cities. So, it’s an architecture made by non-architects, mathematics made by non-mathematicians, a proof of the creative intelligence of the population, that relate to abstract compositions to make the permeable surface that put in contact inside and outside, private and public. These “screens” are also a kind of filter when you see the other side of the walls, and interfere in the visual perception of the world. Color is also an important thing, initially seen as an attribute of things, again in a very logical way of displaying and classifying, but gradually converted into a key to recreate atmospheres, by altering light with color filters. From the color “sentences” to the gradients where almost all colors are compressed, my works are sort of extracts (according to the dictionary: noun |ˈekˌstrakt| 2 a preparation containing the active ingredient of a substance in concentrated form) of color and light experienced in specific landscapes. In the Degradês, the image is reduced to a color transition printed with pigment on a translucent canvas, to be stretched and attached to an existent architectural structure, and backlit by a natural or artificial light source. The gradients are inserted in the landscape they refer too, in a strategy that would be mimetic if they were not so different in nature of the environment. They are also hard to be explained for the viewer that “bumps” into them since they are images that have no obvious function comparing to the other screens installed in the city: there are no signal, text or advertising. It’s more like something filling a gap that wasn’t evident before. And in some cases it becomes similar to an intervention made with Photoshop, which makes us see (and think of) the world as image again…

 
Traducido del inglés

Las primeras obras que produje, las cuales considero fundaron mi práctica, fueron intervenciones en espacios domésticos, pero siempre teniendo el espacio público en el horizonte. Es por eso  que casi siempre trabajo con la piel de los edificios, sobre ventanas, puertas y claraboyas que permiten entrar aire y luz, las substancias vitales de un lugar, para circular y poner en contacto el interior y el exterior. Esta práctica luego se extendió a los espacios institucionales y siempre procuré que mi obra fuera asimilada por el ambiente, en estrategias de mimetismo que me hicieron estudiar los elementos arquitectónicos y los contextos específicos en los cuales trabajaba. Mis obras interactúan con la arquitectura, creando estados alterados de los lugares al usar filtros que funcionan con la luz ambiental, afectando también a la gente que los vistita, regularmente o por primera vez. Imprimo degradaciones de color sobre materiales translúcidos o perforo superficies que son después montadas sobre ventanas o tragaluces, o hasta en muros independientes de edificios, y pienso en los materiales que utilizo como recursos de comunicación entre adentro y afuera o entre dos personas situadas en ambos lados de ellos. La lógica matemática fue mi lengua madre, como niña participé en estudios de pedagogía experimental a principios de los años setenta. Esta influencia aparece en mis obras tituladas Materiales concretos, presentadas en la exposición Matemática Moderna en 2005. Fueron ejercicios de combinación con agrupaciones de fotografías en azulejos de fachadas, abiertos a configuraciones diferentes que asumen que otra gente jugará con ellos y los reorganizará constantemente. Después me percaté de que estaba más interesada en la reacción al universalismo de la matemática moderna llevado a un nuevo acercamiento al conocimiento en el campo de la etnociencia. Mi trabajo está más ligado a la práctica que a la teoría de conjuntos. Las superficies donde dibujo y corto patrones inspirados en elementos de arquitectura popular como cobogós y celosías, son piezas que llamo agrupaciones de matemáticas espontáneas. A pesar de que mi conocimiento del espacio es más topológico que geométrico, más vivido que representado, la geometría aún juega un papel importante en mi práctica: patrones recortados generados geométricamente, organizan las superficies, y al ser transparentes en diferentes grados, son un tipo de matriz de la experiencia de ver a través de ellos y también interfieren con la luz que sale de ellos y se proyecta al interior, creando un patrón de vibración diferente del común. Las obras en la serie Matemática espontánea (Conjunto A, Conjunto Eclético, Conjunto B, Conjunto Nacional, etc.), reutilizan patrones encontrados en espacios domésticos o espacios públicos en las ciudades, inspirados en elementos ornamentales que se usan para ventilar o dar sombra. Estos bloques son llamados cobogós y son muy importantes dentro de la arquitectura moderna en Brasil, y puesto que fueron distribuidos más allá de los edificios diseñados por autores (presentes en todas las ciudades), por medio de ellos podemos identificar la singularidad de la modernidad brasileña y el aspecto que los hizo populares y ser asimilados por todo el mundo. Las prácticas sociales que consideran las superficies de los cobogós como dispositivos de comunicación justifican su existencia, y podemos reconocer también un tipo de gusto por los patrones (sucede con los azulejos también); por superficies que son organizadas con una lógica matemática, por lo tanto en una composición inteligente, que fue concebida a pesar de la carencia de educación formal en esta área tan diseminada en las ciudades de Brasil. Entonces esta es una arquitectura hecha no por arquitectos, matemáticas por no matemáticos, una prueba de la inteligencia creativa de la población que se relaciona con composiciones abstractas para hacer las superficies permeables que ponen en contacto lo interior con lo exterior, lo privado y lo público, Estas “rejillas” son también una especie de filtro cuando ves los otros lados de los muros e interfieren con la percepción visual del mundo. El color también es un elemento importante, inicialmente visto como un atributo, de nuevo en una manera lógica de desplegar y clasificar, pero gradualmente convertido en una llave para recrear atmósferas, al alterar la luz con filtros de colores. De los “enunciados” de color a los gradientes donde casi todos los colores son comprimidos, mis obras son como extractos (de acuerdo al diccionario: una preparación que contiene el ingrediente activo de una sustancia de forma concentrada) de color y luz percibida en paisajes específicos. En los Degradês, la imagen es reducida a una transición de color impresa con pigmento sobre un lienzo translúcido, que es tensada  y puesta sobre una estructura arquitectónica existente e iluminada por detrás por luz artificial o natural. Los gradientes son insertados en el paisaje al que hacen referencia, como estrategia de mimetización si no fueran tan diferentes del ambiente. También es difícil explicar al espectador que se encuentra con ellos, ya que son imágenes que no tienen obvia función comparados con las otras rejillas de la ciudad: no hay señales, texto o anuncios. Es más como una cosa que llena un vacío que no era antes visible. En algunos casos se vuelve similar a una intervención hecha con Photoshop, lo que nos hace ver (y pensar sobre) el mundo como una imagen de nueva cuenta…

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

November 6, 2013 Marcius Galan https://abstractioninaction.com/artists/marcius-galan/

Most part of my work explores the metaphorical capacities of space and our relation to it through his wide- ranging practice which includes installation, sculpture, photography and video. Using abstract geometry to delineate the political and social implications of his chosen environments, deconstructing the codes of objects established through everyday use. Whilst these configurations are always executed with graphic simplicity, the works are in fact complex material experiments that interrogate the functions, limits and frontiers of space and by extension, the socio-political systems which reside therein.

 
Traducido del inglés

La mayor parte de mi obra explora las capacidades metafóricas el espacio y nuestra relación con él mediante la amplia práctica que incluye instalación, escultura, fotografía y video. Utilizando geometría abstracta para delinear las implicaciones sociales y políticas de ambientes elegidos, deconstruyendo los códigos de los objetos establecidos mediante el uso cotidiano. Pese a que estas configuraciones son siempre ejecutadas con gran simplicidad, estas obras son de hecho complejos experimentos materiales que interrogan las funciones, límites y fronteras del espacio, y por ende, los sistemas socio-políticos en los que residen.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

November 6, 2013 José Luis Landet https://abstractioninaction.com/artists/jose-luis-landet/
Translated from Spanish

I like to think of my studio as a laboratory, a place that allows work to be developed into an accumulative process of the graphic experience. Drawing is a way of thinking that makes connections between acquired concepts and executed forms. Far from representing concepts, I try to present them, shape them, and give them a new type of classification to designate them. The act of drawing connects mind with hand, oral language with the sense of touch. The shape might come close to a raw, primary, organic translation of the mind.

 

Me gusta pensar en mi estudio como un laboratorio, un lugar que permite que el trabajo que hago se desarrolle en un proceso acumulativo de la experiencia gráfica. El dibujo es una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas. Lejos de tratar de representar conceptos trato de presentarlos, darles una forma, un nuevo tipo de clasificación para designarlos. El acto de dibujar conecta la mente con la mano, el lenguaje oral con el tacto. La forma podría acercarse a una traducción cruda, primaria y orgánica  de la mente.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

November 5, 2013 Christian Camacho Reynoso https://abstractioninaction.com/artists/christian-camacho-reynoso/

Work occurs inside the intermittent activity conducted between things immediate and things suspended in thought: the familiar, the unknown and its eventual recombination. The employment of shifting materials and the recurrence of abstraction acts inside the practice as a reminder of all that persists only through relation: ideas which cannot be reflected upon without being translated, altered or negated. It is under these conditions that several aspects of the work are introduced; namely its particular use of the observer’s point of view, its relationship to a specific time of reading and the idea of a fragmentary expectation being the conduct in which the minor and the major activate their difference.

 
Traducido del inglés

El uso de materiales cambiantes y la recurrencia de la abstracción actúan dentro de la práctica como recordatorio de todo lo que persiste sólo por relaciones: ideas que no pueden reflejarse sin ser traducidas, alteradas o negadas. Es dentro de estas condiciones que muchos aspectos de la obra son introducidos; concretamente el uso particular del punto de vista del espectador, su relación con un tiempo específico de lectura y la idea de una expectativa fragmentaria como el conducto a través del cual lo menor y lo mayor activan su diferencia.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Links

November 5, 2013 Magdalena Fernández https://abstractioninaction.com/artists/magdalena-fernandez/
Translated from Spanish

A look to the past has allowed me to confirm that, intuitively, instability has been a common thread in my research; though it would seem not to be present in all the works I have produced, it always appears in different ways. There are pieces in which I work with a structural instability in it, which is caused by the various possibilities offered by the connections and the links, allowing to change the work into potential forms that are prepared for a possible transformation. In other works instability is more subtle, made through the visibility of the material, for example, through the light that can make a work invisible in front of the spectator. In the last decade, with video, I have been able to introduce sound as a breaking element. Video has also given me the possibility to work with temporary nature. I believe instability refers to movement, break, or something that is ready for a possible transformation. When I work, I do so from “being with” and not from “going to.” I believe this has eliminated projection to the future and has turned the work more timeless, losing with this some historicity, and causing that the work would not be another place in a line. This “being with” is what opens the door to the world, to nature, and allows me, suddenly, to imagine a Mondrian in motion when I see a macaw or I listen to the rain.

 

Una mirada hacia atrás me ha permitido constatar que, intuitivamente, la inestabilidad ha sido un hilo conductor de mi investigación; a pesar de que pareciera no estar presente en la totalidad de las piezas que he hecho, siempre aparece de distintas maneras: hay obras en las que trabajo con una inestabilidad estructural propiamente dicha, la cual está dada por las distintas posibilidades que ofrecen las conexiones, los vínculos, y que logran convertir las obras en formas potenciales que se presentan dispuestas a una posible transformación; en otras obras la inestabilidad es elaborada más sutilmente, a través de la visibilidad del material; por ejemplo, gracias a la luz que puede hasta hacer desaparecer una pieza ante el observador; y en la última década,  con el  video, he podido introducir el sonido como elemento de quiebre. El video me ha dado, además, la posibilidad de trabajar la temporalidad. Creo que la inestabilidad habla del movimiento, del quiebre o de algo que está listo para una posible transformación. Cuando trabajo lo hago desde un “estar con”, y no de  “ir hacia”, siento que eso ha restado la orientación a futuro y ha vuelto el trabajo más atemporal; perdiendo con esto algo de historicidad, haciendo que el trabajo no sea únicamente  un lugar más en una línea. Ese “estar con” es el que abre la puerta al mundo, a la naturaleza;  y me permite, de pronto, imaginarme un Mondrian en movimiento cuando veo una guacamaya o escucho la lluvia.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

November 5, 2013 Fernando Carbajal https://abstractioninaction.com/artists/fernando-carbajal/

My work is a platform of investigation where four lines of work converge. Arriving from different reflections on the idea of production and artistic product, I develop a personal questionnaire to resolve through concepts characteristic of art, beyond supports or specific media. The work begins years before its exhibition under a rigorous daily process –quotidian-­‐ where text and image start to determine the path of apparition of the object and, above all, a recognition of how far to go, so that both the construction process as well as the moments that follow the work: exhibit, documentation, collection, are conducive to a latent state of conditions. The first line of work then, runs and traverses over an Arbeit Journal (workbook) that is usually a container of written poetic acts, preparation drawings, synoptical paintings and new glossaries. In my work there is an interest in the belief that “The syntax is a quality of the soul”, as Paul Valéry said, so it substantially asks not a reading from the possible spectator, but a kind of co-­‐ responsibility from its own substance. My second and third lines to investigate are extremely formal, conceptual and plastic determinants from materiality and the inherent boundaries of each substance used. I try to meditate about sculpture, painting, drawing and photography from their humanistic affiliation, from its undeniable quality as anthropological links; which is why my work is a kind of tracking, punctual, specific, not of art history, but of gaps where, although special circumstances exist, an inexplicable and elusive emptiness evidences a human potential almost lost, forgotten. In these moments of rupture, these breaks on the folded surface of time and space are axes of my personal network, which has been formed 12 years ago. It allows me not only a congruent and organic structure between each work, but it favors territories mainly unique and close to my own entity. Around the idea of painting and sculpture, for example, the raw materials gesticulate their own resonance; they limit the scope of form that the tooling and hand dissect, while the drawing is that possibility of looking at what one desires, almost immediately, almost simultaneously to the desire, like photography. The last line of investigation is the one that defines the links. My work is a field of action for the spectator, an observatory, an inventory. The work is not hermetic but neither immediate. Requires and is required, softens up when seen, solidifies itself at the sight. In the meantime (sway), my interest is to proliferate –more than to explain-­‐ an interest for the questions. Try to make the spectator believe that we surely inhabit an enormous and indecipherable question, and as beings from that realm, we converse through questions, and not through answers, with things. This correspondence and exchange could explain the diversity of appearances in my work. It is not a reflex of a pretentious question. It is evidence of the simplest question that we haven’t been able to formulate. The art work, for me, is that one presence whose origin never distorts its aim, and whose aim extols every moment of its origin. It is my way to have a discussion and to generate bonds from small questions for a more and more extensive listing of answers

 

Mi obra es una plataforma de investigación en donde convergen cuatro líneas de trabajo. A partir de distintas reflexiones en torno a la idea de producción y producto artístico, desarrollo un interrogatorio personal a resolver mediante los conceptos propios del arte, más allá de soportes o medios específicos. El trabajo comienza años antes de su exhibición bajo un riguroso proceso diario –cotidiano-­‐ en donde texto e imágenes comienzan a determinar la ruta de aparición del objeto y, sobretodo, un reconocimiento de hasta dónde ha de detenerse, para que tanto proceso constructivo como los momentos que la a obra suceden: exhibición, documentación, coleccionismo, propicien un estado latente de condiciones. La primera línea de trabajo entonces, corre y atraviesa sobre un Arbeit Journal (libro de trabajo), que usualmente es contenedor de actos poéticos escritos, dibujos preparatorios, cuadros sinópticos y glosarios nuevos. En mi obra existe un interés en la creencia de que “La sintaxis es una cualidad del alma”, según Paul Valéry, por lo que sustancialmente solicita no una lectura del espectador posible, sino una especie de co-­‐responsabilidad desde su propia sustancia. Mi segunda y tercera línea a investigar son sumamente formales, determinantes conceptuales y plásticas a partir de la materialidad y los alcances propios de cada sustancia a utilizar. Intento reflexionar acerca de la escultura, la pintura, el dibujo y la fotografía desde su afiliación humanística, desde su innegable cualidad de eslabón antropológico; por ello, mi obra es una clase de rastreo, puntual, específico, no de la historia del arte, sino de las brechas en donde, si bien existen circunstancias particulares, un vacío inexplicable e inasible evidencia un potencial humano casi perdido, olvidado. Esos momentos de ruptura, esos quiebres sobre la superficie plegada del tiempo y el espacio, son ejes de mi red personal, que se ha venido conformando desde hace 12 años. Me permite no sólo una estructuración congruente y orgánica entre cada obra, sino que propicia territorios mayormente únicos y apegados a mi propia entidad. En torno a la idea de pintura y escultura, por ejemplo, las materias primas gesticulan su propia resonancia, delimitan en sí los alcances de la forma, que el herramental y la mano disecan, mientras que el dibujo es aquella posibilidad de mirar lo que se desea, casi inmediatamente, casi simultáneo al deseo, como la fotografía. La última línea de investigación es la que define: los vínculos. Mi obra es un campo de acción para el espectador, un observatorio, un inventario. No es una obra hermética pero tampoco inmediata. Exige y es exigida, se reblandece al ser vista, se solidifica en la mirada. En ese intervalo (vaivén), mi interés es el de contagiar -­‐más que explicar-­‐ el interés por las preguntas. Hacer creer que seguramente habitamos una pregunta enorme e indescifrable, y que como seres de ese paraje, dialogamos a través de preguntas, y no de respuestas, con las cosas. Esa correspondencia e intercambio podría explicar la diversidad de apariencias de mi trabajo. No es un reflejo de una respuesta pretenciosa. Es una evidencia de la pregunta más simple que no hemos sabido formular. La obra de arte para mí es aquella presencia que nunca tergiversa su fin, y cuyo fin enaltece cada momento de su origen

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

November 2, 2013 Juane Odriozola https://abstractioninaction.com/artists/juane-odriozola/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

Links

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

October 31, 2013 Horacio Zabala https://abstractioninaction.com/artists/horacio-zabala/

Translated from Spanish

Art is the world for a second time.

 

El arte es el mundo por segunda vez.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

October 16, 2013 Sergio Vega https://abstractioninaction.com/artists/sergio-vega/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Publications

Collections

Additional Links

   

October 16, 2013 Fernando Uhía https://abstractioninaction.com/artists/fernando-uhia/

Translated from Spanish

For more than two decades I have tried to work (in negative), to make art that functions as a cleaning and disinfecting machine for a specially decadent version of Colombian rhetoric, a (blind) rhetoric that puts its loquaciousness at the service of foreign spaces that are dreamed, greco-latin, invisible, plagued with artists unable to get involved in the urgent need to modernize not only political and cultural institutions but also the general view of the nation. For this, the abstract appearance is useful, as well as the massive subjugation, since they place the spectator in front of materials and visual events that are concrete and unlimited. From tempered rubber on stretchers, passing through appropriations of famous modern artists, seasoned by infamous rhetoric, to drippings immersed in ultra-shinny Formica; the machine works at great speed while it leaves highly-visual restudies in a country submerged in the false illusion of an idealized poetic past, depressingly conservative. I oppose consciously and advantageously to the (poetically) anachronic national perception, systems of production that are prosaic and superficial.

 

Por más de dos décadas años he intentado trabajar <>, hacer  un arte que funcione como una máquina limpiadora y desinfectante para  una versión especialmente decadente de la retórica colombiana, una retórica <> que pone su verborrea al servicio de lugares ajenos, soñados, grecolatinos, invisibles, plagados de artistas incapaces de involucrarse en la urgente necesidad de modernizar tanto las instituciones políticas y culturales así como la visualidad general de la nación. Para esta labor es útil la apariencia abstracta y el avasallamiento por cantidad, pues ponen al espectador frente a materiales y hechos plásticos concretos e ilimitados. Desde hules templados en bastidores, pasando por apropiaciones de famosos modernistas, condimentados de la infame retórica, hasta chorreaduras inmersas en Formicas ultra brillantes, la máquina trabaja a gran velocidad mientras va dejando residuos altamente visuales en un país hundido en la falsa ilusión de un pasado poético idealizado, deprimentemente conservador. A una percepción nacional anacrónicamente <<poética>> le opongo consciente y alevosamente sistemas de hacer prosaicos y superficiales.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 16, 2013 Eduardo Stupía https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-stupia/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

October 16, 2013 Mariángeles Soto-Díaz https://abstractioninaction.com/artists/mariangeles-soto-diaz/

Most of my work has implicit connections to my native country, Venezuela, where oil production made the promise of modernism more tangible, and its failure more poignant, than elsewhere in Latin America. I ruminate on the future of abstraction while glancing back at Venezuela’s collapsed modernist project – its chromatic remains – through the fracturing prism of contemporary conditions. I use the language of abstraction as a way to materialize and connect ideas. Conceiving abstraction as the critical and poetic language of potential allows me to pierce the detached geometries of ordering structures, making them responsive and more pliable. I work with paint, paper, ink, slides, spices, felt and vinyl. But my favored material is paradox: the promise and perils of utopian abstraction, political formalisms, universal specificities, and the underlying order of chaos.

 

La mayor parte de mi trabajo tiene conexiones implícitas con mi país natal, Venezuela, donde la producción de petróleo hizo la promesa de la modernidad más tangible, y su fracaso más doloroso, que en otras partes de América Latina. Yo exploro el futuro a través de la abstracción, a su vez miro el pasado, estudiando el colapsado proyecto modernista de Venezuela – sus restos cromáticos – a través del prisma de la fractura de las condiciones contemporáneas. Uso el lenguaje de la abstracción como una forma de materializar y conectar ideas. Concebir la abstracción como lenguaje de crítica y poética de un potencial me permite perforar las geometrías de las estructuras adosadas y llevarlas hacia algo más sensible y más flexible. Trabajo con la pintura, el papel, la tinta, las diapositivas, las especias, el fieltro y vinilo. Pero mi materia favorita es la paradoja: la promesa y los peligros de la abstracción utópica, formalismos políticos, las especificidades universales, y el orden que ya subyace al caos.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Additional Links

October 16, 2013 Osvaldo Romberg https://abstractioninaction.com/artists/osvaldo-romberg/

Art to Art. Life to Life
Osvaldo Romberg. 
The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 Art begins when life is not enough. In modern culture the acceptance of death signifies the loss of connection with the infinite. It is in this area of thinking, in the loss of the infinite, that art gives relief and new hopes for spirituality. Art makes evident (and occasionally succeeds in resolving) the conflict between being and integrating with the world. This is a dilemma which religion can no longer address.
 All the religions of the world are narratives. In these narratives are implicit mythologies and explanations which help people to survive the panic of death and solitude. In the past, art merely rearticulated these narratives. In recent years, however, I have observed that art is replacing religion by raising its own issues of morality, identity, mortality, and transcendence. Art used to be the illustration of the metaphysical. It has now become the metaphysical itself. The vitality and dynamism of contemporary art challenges religions ability to face the relevant issues at the end of the millennium: artificiality, reproduction of the species, and equality. Paraphrasing Martin Heidegger, we can say that the authentic dialogue with the art of an artist is artistic, as opposed to critical. There is no artistic dialogue between artists and those who do not believe in the power of art to contain essential truths. Art can be viewed as an antidote to the static and paralyzing force of religion in a post-capitalist, globalist era. The idea of art as a regenerative activity is described in The Glass Bead Game by Hermann Hesse, which I read in my adolescence. The book is about the translation of all information systems and human knowledge into one code, The Game. Once you enter this universal language, you can integrate all aspects of human experience. Marcel Duchamp is the “Magister Ludi.” Art today can surpass the two pervasive theories confronting our post-capitalist world: the pseudo-democratic relativism of postmodernism vs. the oppressive dictatorship of fundamentalism. Referring to The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even, in a 1966 interview with Pierre Cabanne, Duchamp said, “… I almost never put any calculations into the Large Glass. Simply, I thought of the idea of a projection, of an invisible fourth dimension, something you couldn’t see with your eyes.” Is this not the domain of the divine?

 
Traducido del inglés

El arte al arte, la vida a la vida. Osvaldo Romberg.
 The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 El arte comienza cuando la vida no es suficiente. En la cultura moderna, la aceptación de la muerte significa la pérdida de la conexión con lo infinito. Es dentro de esta área de pensamiento, en la pérdida de lo infinito, que el arte da alivio y nuevas esperanzas para una espiritualidad. El arte hace evidente (y en ocasiones tiene éxito en resolver) el conflicto entre ser e integrarse con el mundo. Este es un dilema que la religión no puede abordar. Todas las religiones del mundo son narrativas. En estas narrativas, mitologías y explicaciones que ayudan a la gente a sobrevivir el pánico de la muerte y la soledad se hacen implícitas. En el pasado, el arte simplemente expresaba estas narrativas.  En años recientes, sin embargo, he observado que el arte está reemplazando a la religión al manifestar sus propios problemas de moralidad, identidad, mortalidad y trascendencia. El arte solía ser la ilustración de lo metafísico. Hoy en día se ha vuelto lo metafísico. La vitalidad y el dinamismo del arte contemporáneo cuestionan la capacidad de la religión de enfrentar los temas del fin del milenio: artificialidad, reproducción de las especies, e igualdad. Parafraseando a Martin Heidegger, podemos decir que el diálogo auténtico con el arte de un artista es artístico, a diferencia de crítico. No existe un diálogo artístico entre los artistas y aquellos que no creen en el poder del arte de contener estas verdades esenciales. El arte puede ser visto como antídoto a la fuerza estática y paralizante de la religión en la era post-capitalista y global. La idea del arte como actividad regenerativa es descrita en El Juego de los Abalorios por Hermann Hesse, el cual leí en mi adolescencia. El libro es acerca de la traducción de todos los sistemas de información y el conocimiento humano en un sólo código: El Juego. Al entrar en este lenguaje universal, te puedes integrar a todos los aspectos de la experiencia humana. Marcel Ducham es el “Magister Ludi”. El arte hoy en día puede superar las dos teorías generalizadas que confrontan nuestro mundo post-capitalista: el relativismo pseudo-democrático  del posmodernismo vs. la dictadura opresora del fundamentalismo. Al referirse a La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso, en una entrevista de 1966 con Pierre Cabanne, Duchamp dijo “a pesar de que casi no haya incluido ningún cálculo en Le Grand Verre… Simplemente, pensé en la idea de una proyección, de una cuarta dimensión invisible puesto que no se puede ver con los ojos”. ¿No es este el dominio de lo divino?

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

October 16, 2013 Túlio Pinto https://abstractioninaction.com/artists/tulio-pinto/

Over the past five years, I have developed a research work in sculpture and installation with industrial materials which denote, in the constitution and the way they are presented, my intention to hold encounters of different strengths and temperaments; of oppositions that support each other at their possible limits. In my visual speech that I seek to generate, I establish the dialogue through the laws of the world, metaphors that point to the “being’s” existence; where transformation and impermanence, from the subtlety of possible balance, translate into a place of experience and reflection.

 
Traducido del inglés

En los últimos cinco años he desarrollado un trabajo de investigación en la escultura e instalación con materiales industriales que denotan, en su constitución y la forma que son presentados, mi intención de contener encuentros de diferentes fuerzas y temperamentos; de oposiciones que se apoyan unas a las otras dentro de sus límites posibles. En mi discurso visual busco generar, estableciendo el diálogo por medio de las leyes del mundo, metáforas que apuntan a la existencia del ser, donde la transformación e impermanencia, desde lo sutil del posible balance, se traducen a un lugar de experiencia y reflexión.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 16, 2013 Antonio Pichillá https://abstractioninaction.com/artists/antonio-pichilla/

Translated from Spanish

Everything is amorphous, confusing. I restlessly look for a bond that integrates with the environment as something inaccurate, not codified. I struggle to give form to these transitory states. B’atz is the name of a day in the Maya calendar that means the beginning and the end, to roll and unroll, to tie and untie. The knot is the bond between beings and their beginnings; it is the union that allows to continue on a certain path. The knot is the articulation between kinfolk and/or enemies which maintains a structure and at the same time creates tension between them. This bond between two or more systems also represents a closure, a forced enclosure that grasps through the ropes and that hinders that liberation of a determined gesture: the knot in the throat that submerges the voice. We are beginning a new era of Maya world view that is associated with important events. Departing from an interdisciplinary investigation, anthropological approximately ten years, in the city as in the rural areas, I began to work in the reengagement of images, forms, codes, moorings, baskets, chests, Quipos, candles, Maya ceremonies, with meanings charged of deep energetic presence that mark the passage of time. I believe in artistic expression as a product of the everyday. I situate myself within this perspective, materializing though ephemeral objects, like a candle that is lit, is consumed and finished. That action indicates time. I propose to reprise ritual elements like candles, bundles or baskets, incense, flowers, and of course, energy, to create art objects. I am interested in constructing, intervening, wither the visible through the occult; from the private to the public.

 

Todo es amorfo, confuso busco con inquietud un lazo  que se integran al entorno como algo inexacto, no codificado, lucho por darle cuerpo a estados transitorios. B’atz es el nombre de un día del calendario maya, que significa el inicio y el final, enrollar y desenrollar, amarar y desamarrar. El nudo es el vínculo entre los seres y su principio; es la unión que permite continuar cierto trayecto. El nudo es la articulación entre los semejantes y/o entre los contrarios que mantiene una estructura y al mismo tiempo la tensa. Este lazo entre dos o más sistemas representa también un cierre, una fuerza de clausura que se empuña por los cabos y que impide la liberación de un gesto determinado: el nudo en la garganta sumerge la voz. Estamos empezando un nueva era en la cosmovisión maya que se asocia con eventos importantes. Partiendo de una investigación interdisciplinaria, aproximadamente 10 años en especial antropológica, tanto en la ciudad como en el área rural comencé a trabajar el reencuentro con imágenes, formas, códigos, amarres, tanates, bustos, quipos, candelas, ceremonias mayas, con significados cargados de profunda presencia energética que marcan el tiempo. Creo en la expresión artística como producto de lo cotidiano. Me ubico en esta perspectiva proponiéndome materializar a través de objetos efímeros, como una candela que se enciende, se consume y se termina. Así tal acción marca el tiempo. Me propongo retomar elementos rituales como candelas bultos o tanates, incienso, flores y por supuesto la energía, para crear objetos de arte. Me interesa construir, intervenir, marchitar a partir de lo oculto a lo visible  de lo privado a lo público.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 16, 2013 Manuel Mérida https://abstractioninaction.com/artists/manuel-merida/

Translated from Spanish

Artists have not conformed to being simply artists; they have also needed to create a theoretic framework. Generally, artists have been their own theorists, they have created their own arena as artists, have believed necessary to take a position not only in order to make their works but to create their own world, their own code… Everything we do and think exists, in only in a way. What happens is what we make evident. There are artists that speak about their own trade and who take great pleasure in giving explanations. In my case, I have a lot of issues when analyzing my own work. There are also artists that are better orators than creators… What I meant to say is that their theory often goes beyond their own work. The tendency to take theorist definitions about art, in some cases, traps them in their own creation. In my interactive or motorized works I try to introduce movement with the intention of avoiding a single and fixed phase, and the possibility of perpetual change to make evident the quality of matter and its behavior. I rely on manual or mechanic grounds to animate the work, in which mobility is an accident, creating changing situations just as it occurs at every moment in nature. When I say this, I am based on kinetic art concepts that I acquired very late, in the year ’68 when I arrived in Paris for the first time. It was shocking to discover new ways of tackling art, since I was a gestural artist… The encounter with artists such as Soto, Cruz-Diez, Camargo, Le Parc, Lygia Clark, etc., created a conflict in me, which took me to a contradiction of my previous work. Later I understood that the situation was a possible exit to a new way of seeing, to a new experience… Nevertheless, it is good to say that in my work method is closer to a gestural painter than to a constructivist or kinetic artist. In any case, what is proposed by an artist or creator is not to make “good paintings” or pay the bills, but to try to invent, modify certain established structures despite all the contradictions that this may represent…

 

Los artistas no se han conformado con simples artistas también han necesitado un marco teórico. Generalmente han sido sus propios teóricos, han creado su propio terreno como artistas, han creído necesario tomar posición no solamente para hacer obras, sino para fabricar su proprio mundo, su propio código… Todo lo que hacemos y pensamos existe de una cierta manera tan solo, lo que pasa, es que lo ponemos en evidencia. Hay artistas que hablan de su proprio oficio y que tienen gran placer en dar explicaciones. En mi caso, yo, tengo muchísimos problemas en analizar mi propia obra. También hay artistas que son mejores conversadores que creadores… lo que quiero decir es que su teoría muchas veces va más allá de su propia obra. La tendencia a tomar definiciones teóricas sobre el arte, en ciertos casos, los encierran en su propia creación. En mis obras manipulables o motorizadas, trato de introducir el movimiento con la intención de evitar una fase fija y única y la posibilidad del cambio perpetuo para evidenciar la calidad de la materia y su comportamiento. Me apoyo en fundamento mecánico o manual para animar la obra en la que la movilidad es un accidente creando situaciones siempre cambiantes como ocurre a cada instante en la naturaleza. Cuando digo esto, me baso en conceptos del arte cinético que yo adquirí bastante tarde en el año 68 cuando yo llegue a Paris por la primera vez. Para mí fue un impacto descubrir nuevas maneras de afrontar el arte, siendo yo un artista gestual… El contacto con artistas como Soto, Cruz-Diez, Camargo, Le Parc, Lygia Clark, etc… Crearon en mí un conflicto que me llevo a una contradicción con mi trabajo anterior. Pero luego comprendí que esa situación era una posible salida a una nueva manera de ver, a una nueva experiencia… Sin embargo, es bueno decir, que mi método de trabajo está más cerca de un pintor gestual, que de un artista cinético constructivista. En todo caso, lo que se propone un artista o creador no es de hacer “buena pintura” o buena factura sino trabar de inventar, modificar ciertas estructuras establecidas a pesar todas las contradicciones que esto pueda representar…

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 1950-1958: Fine art training. School of fine art – Arturo Michelena, Valencia, Venezuela.

Prizes / Fellowships

  • 14 prizes given by Venezuelan Salons and Museums along with a prize by Vitry City, France.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

  • 2012: “10 works in the shop windows”, Hermes of Paris, NY, Monaco, Hong-Kong.
  • 2012: “Fondation Datris”, L’Isle-sur-la-Sorgue, France.
  • 2011-2012: Espace Meyer Zafra, France.
  • 2009: “Atlas Sztuki”, Lodz, Poland.
  • 2006-2012: Art Paris Art Fair, Grand Palais, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2006: “Collective Show Une Histoire du Cinétisme”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2005: “Collective Show Autour de Soto”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2004: “Collective Show Movement and Abstraction”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2003: “4 Maitres du Venezuela”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.

Collections

  • Musèe des Beaux – Arts, Caracas, Venezuela.

Links

October 16, 2013 Pepe López https://abstractioninaction.com/artists/pepe-lopez/

Selected Biographical Information

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

  • 2014: “New Territories: Design, Art and Craft from Latin America 2000-2013”, Museum of arts and design New York City, USA.
  • 2014: “5×5 Real un-real”, Venezuelan American Endowment for the Arts, New York City, USA.
  • 2013: “Utopías de ilusión”, Kiosco, NUBE gallery, Santa Cruz, Bolivia.
  • 2012: “5×5, Real-un real”, Museo de arte Acarigua-Araure, Acarigua, Venezuela.
  • 2012: “The wave”, Molaa, Los Angeles, USA.
  • 2012: 6emme Bienal d’art contemporain de Marcigny, France.
  • 2012: “País en vilo”, Faria-Fábregas, Caracas, Venezuela.
  • 2012: “Línea crítica 2”, Artepuy, Caracas, Venezuela.
  • 2012: “Blanco y negro”, Galería Fernando Zubillaga, Caracas, Venezuela.
  • 2012: “Gego, testimonios y vigencia”, Museo de arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela.
  • 2011: “Línea crítica 1”, Artepuy, Caracas, Venezuela.
  • 2011: “Dibujo reposicionado”, 39 Galería, Caracas, Venezuela.

October 16, 2013 Silvia Gurfein https://abstractioninaction.com/artists/silvia-gurfein/

Translated from Spanish

We paint blindly, we see through the canvas, we perceive with more senses. Is painting tabula rasa? Is it writing over writing? I fall in love again and it is as if I would have lost the instructions or if I never had them. I exist between the intersection of two times—the one of my digital mind and the one that belongs to oil painting’s ancient times; in the crossroads between contemporary observation and painting’s historical practice. I think about art history as a palimpsest and I put in tension the discourse of the images by considering a blind painting. Present over present, I rip the canvas so that times can meet. I examine the minimal, looking for painting’s DNA, in such a way that when extracted from a totality it can be included in another, dragging its meaning. I work with reminders, with vestiges, the part that remains in everything, following the traces of what seems to have been left out of sight, what has been discarded from the history of painting and from my own history. The works manifest the preoccupations that surround my work since the beginning: the friction between the acceleration of the world and the delay of pictorial production, the flattening of history and its availability, the change from a narrative flow to the horizontal perception of time. The ludicrous acceleration that our visual perception is put through. I point out in which way painting, its production, as well as its perception and observation, can produce a temporary cradle, an extension of the perception of time and thus an enhancement of its accessibility.

 

Se pinta a ciegas, se ve a través del lienzo, se percibe con más sentidos. ¿Pintar es tabula rasa? ¿Es escritura sobre escritura? Me vuelvo a enamorar, y es como si hubiera perdido las instrucciones o nunca las hubiera tenido. Me sitúo en la intersección de dos tiempos, el de mi mente digital y el tiempo ancestral del óleo. En el cruce entre el mirar contemporáneo y la práctica histórica de la pintura. Pienso la historia del arte como un palimpsesto y pongo en tensión el propio discurso de las imágenes en el planteo de una pintura a ciegas. Presente sobre presente, rasgo el óleo, así los tiempos se encuentran. Examino lo pequeño, buscando el ADN de la pintura, de tal forma que extraído de una totalidad pueda ser incluido en otra, arrastrando el sentido. Trabajo con los restos, los vestigios, la parte que queda del todo, siguiendo los rastros de lo que parece haber quedado fuera de la vista, que ha sido desechado, en la historia de la pintura y en mi propia historia. Las obras manifiestan las preocupaciones que rondan mi trabajo desde el comienzo: la fricción entre la aceleración del mundo y la morosidad de la producción pictórica, el aplanamiento de la historia y su disponibilidad, el cambio del discurrir narrativo a la percepción horizontal de la temporalidad. La disparatada aceleración a la que es sometida nuestra percepción visual. Señalo de qué modo la pintura, su producción, pero también su percepción y observación, produce una cuña temporal, una ampliación de la percepción del tiempo y por lo tanto un aumento de su disponibilidad.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 16, 2013 Fernanda Laguna https://abstractioninaction.com/artists/fernanda-laguna/

Translated from Spanish

Extract from “Fernanda Laguna. Central desde los márgenes”  by Inés Katzenstein, in Otra Parte Revista de Letras y Artes, no. 28, Autumn-Winter, 2013 […] The artistic language is a language of communication; a language to speak outside of the art system, outside of the institution of art. It is a form of communication—it should not be a code within a closed system. […] To me, art allows a collective ritual from something personal. It is about sharing something. It is about revealing to other people a very personal experience through which an object or situation is created. […] Sometimes I depart from an idea, not always; sometimes I let myself be guided by the physicality of the act of painting. Sometimes I start by just moving the brush with a little bit of black acrylic paint because I am seduced by the shine of that color, and I begin with that first sensation of the need to paint. Then I paint a cat or anything, and I keep painting the following needs that come up, which sometimes are basic needs that arise from having seen something on the table, but I never say “I am going out to buy green yarn.” If I have pink yarn, I make everything with pink yarn—I think the reason it is there is because it’s calling me. And I let myself be taken by the emotion that the materials produce in me; the lines or curves, the colors… I see something such as a textured wall and I say “I will put a texture here,” and I avoid asking myself if that is good or bad (which is something that is hard for me, but I avoid thinking about it because many times I paint things that I don’t like) or if there is something that appears as a necessity and I don’t like it. And if I were to say “I don’t like it,” and would take it out, I would miss the opportunity of learning something new. Then I try to keep going or postpone, and at some point something will come out of that.

 

Fragmento de “Fernanda Laguna. Central desde los márgenes” por Inés Katzenstein, en Otra Parte Revista de Letras y Artes, no. 28, Otoño-Invierno, 2013 […] El lenguaje artístico es un lenguaje de comunicación, un idioma para hablar fuera del sistema del arte, fuera del instituto del arte. Es una forma de comunicación, no debería ser un código dentro de un sistema cerrado. […] Para mí el arte logra hacer un ritual colectivo de algo personal. Se trata de compartir algo. Se trata de revelar a otras personas una experiencia muy personal a partir de la cual se crea un objeto o situación. […] A veces parto de una idea, a veces no, a veces me dejo llevar bastante por lo físico del pintar. A veces empiezo solamente moviendo el pincel con un poco de acrílico negro porque me seduce el brillo de ese color, y empiezo con esa primera sensación de necesidad de pintar. Y entonces pinto una gata o cualquier cosa y sigo pintando las siguientes necesidades que me van surgiendo, que a veces son necesidades muy básicas que surgen de haber visto algo en la mesa, pero nunca me pasa que digo “voy a salir a comprar lana verde”. Si tengo lana rosa hago todo con lana rosa, igual si está ahí es porque me llama. Y voy dejándome llevar por la emoción que me producen los materiales, las rectas o las curvas, los colores… veo algo como una pared texturada y digo “voy a poner una textura acá”, y evito pensar si está bueno o no –algo que me cuesta, pero evito pensarlo porque muchas veces pinto cosas que no me gustan–, o hay algo que aparece como una necesidad y no me gusta. Y si dijera “no me gusta” y lo sacara, me perdería la posibilidad de conocer algo nuevo, entonces intento seguir y posponer y en algún momento algo se arma.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

October 16, 2013 Pablo Jansana https://abstractioninaction.com/artists/pablo-jansana/

A way to talk about the future while talking about the past. It is our present moment.

My multi-disciplinary practice, involving painting, sculpture, collages and manipulation.

Locations normally seen out the corner of the eye. The happy themes of arts, books, advertising, languages and different sources. Imagery from other eras where both treatment of the subject and the physical elements of the photography are current convention. Evoking narratives and memories through the juxtaposition of objects and images. I strive to create work that is highly charged and simultaneously empty.

My eclectic use of materials – including resin, aluminum, wood or clay—develops my fascination with the visual importance and presentation of objects. Working with photography, and painting my interests have evolved into the realms of 3D, presenting still images in an ever more engaging and dynamic set-up. Sometimes obscures parts of my found photographs and magazine cutting—playing on the interpretation and interplay between images—after my careful arrangement.

My work might also be interpreted as a comment on populist vs. elitist art. But they’re certainly not meant as criticism, as I am interested in both high and low culture and materials itself.

 
Traducido del inglés

Una forma de hablar sobre el futuro mientras se habla del pasado. Es nuestro momento presente. Una práctica multidisciplinaria, que incluye pintura, escultura, collage y manipulación. Lugares normalmente vistos de reojo. Los temas felices de las artes, libros, publicidad, lenguajes y diversas fuentes. Imágenes de otras eras donde el tratamiento del tema y los elementos físicos de la fotografía son la convención actual. Evocar narrativas y memorias por medio de la yuxtaposición de objetos e imágenes. Lucho por crear obra que está cargada de contenido y es vacía a la vez.

Mi uso ecléctico de materiales, incluyendo resina, aluminio, madera o arcilla, desarrolla mi fascinación con la importancia visual y la presentación de los objetos. Trabajando con fotografía y pintura, mis intereses han evolucionado hacia el campo de la tercera dimensión, presentando imágenes fijas en configuraciones más dinámicas e interesantes. Mi obra también puede ser interpretada como un comentario del arte populista vs. elitista, pero ciertamente no están hechas como crítica, puesto que también estoy interesado en materiales elevados y de cultura popular.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

October 15, 2013 Carmela Gross https://abstractioninaction.com/artists/carmela-gross/

[…] Similarly in the project, the initial drawing is mixed with the method of working that will constitute the work. It’s not the abstract condition of the work, just an idea. It contains all the stages, through which the work should pass — technical, specific, real work — all this is noted down in the drawing, just as the stages of the work. At the slaughterhouse, for example, the map of the BURACOS (HOLES) to be made on the ground was the result of an expansion in minor schematic notes, done as a resource of thought, and carried out during a meeting with a group of artists from the Arte/Cidade project. It is this expanded drawing that serves as a guide to place the holes.

 
Traducido del inglés

De manera similar en el proyecto, el dibujo inicial se combina con el método de trabajo que constituirá la obra. No es la condición abstracta de la obra sino sólo una idea. Contiene todas las fases por las que una obra debe pasar: lo técnico, lo específico, la obra real. Todas ellas consideradas en el dibujo, como fases de la obra. En el matadero, por ejemplo, el mapa de los Buracos que se debe hacer sobre el suelo, fue el resultado de la extensión de pequeñas notas esquemáticas, realizadas como recurso de pensamiento y llevadas a cabo durante una reunión con un grupo de artistas del proyecto Arte/Cidade. Es este dibujo expandido lo que sirve como guía para colocar los orificios.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 15, 2013 Fernando García Correa https://abstractioninaction.com/artists/fernando-garcia-correa/

Translated from Spanish

My work has been developing for the past few years as a study of the pictorial within an abstract perspective that many qualify as post-minimalist, and from which I seek to establish links and similarities with scientific thought, psychological experience and the organic and social models around us, through the development of comment based on visual experience.

 

Mi trabajo se desenvuelve desde hace varios años como una reflexión de lo pictórico dentro de una perspectiva abstracta que muchos califican de post-minimalista y en donde a través del desarrollo de comentarios basados en la experiencia visual, busco establecer vínculos y similitudes con el pensamiento científico, la experiencia psicológica y los modelos orgánicos y sociales que nos rodean.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 15, 2013 Danilo Dueñas https://abstractioninaction.com/artists/danilo-duenas/

On painting

A wall, the painting, the floor, the ceiling, the mist in the room.

The organ, the flute, the hemlock.

The truth, the specter, the real.

What is it that lives?, said the hare to the tortoise, is it the hemlock or the rose? The rose said, it is me, I shall always live, whilst the room shall grow and the sound shall ring in our ears. But my life shall never cease. Please testify to this never-ending truth and you too, shall live as me.

 
Traducido del inglés

Sobre la pintura

Un muro, la pintura, el piso, el techo, la neblina en la habitación.

El órgano, la flauta, la cicuta.

La verdad, el espectro, lo real.

¿Qué es lo que vive?, dijo la liebre a la tortuga, ¿es la cicuta o la rosa? La rosa dijo,

soy yo, siempre viviré, mientras que la habitación crezca y el sonido repique en nuestros oídos. Pero mi vida nunca terminará. Favor de testificar a esta verdad sinfín y tú también vivirás como yo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 15, 2013 Jorge Cabieses https://abstractioninaction.com/artists/jorge-cabieses/

Translated from Spanish

Which god, which infinite being can cease to be reduced into a single volume? For the iconoclast, the divine is indescribable, and every image of it is a lie. Precisely, the status of the image as such is the constant questioning that structures my work. Since my first exhibitions, the pop-style images began to run out, little by little, in their own repetition, until reaching present times, in which a symbolic bankruptcy of the image expropriated radically from its meaning, is defined in my most recent work. My current work is inscribed in this same process—the liberation of any symbolic association with reality. I have tried to settle in this equation, a discrete critical bias to the post-modern, which tries to idolize the maker of images in detriment of the image. The painter himself disappears and the spectator, used to the discourse of the figurative, ends up lost, facing the annulation of history and the vindication of the essential: form and color. Thus, in my work, I aim to confront certain canons of the Latin American image, through a problematization of the space: the obsession for narrative, the extreme sentimentality, the morbid fascination with the private. Opposite to that there is a constructive tension in search for something more universal, in spite of my own anxiety for harmony and thanks to an intimate conviction to my own elements.

 

¿Qué dios, qué ser infinito puede dejarse reducir en un sólo volumen? Para el iconoclasta, lo divino es indescriptible; y toda imagen de este, una mentira. Precisamente, el estatus de la imagen como tal es el constante cuestionamiento que estructura mi obra. Desde mis primeras muestras, las imágenes de corte pop se agotaban exhaustas, poco a poco, en su propia repetición; hasta llegar a la actualidad, en que una bancarrota simbólica de la imagen, expropiada radicalmente de su sentido, se concreta en mi obra más reciente. En este mismo proceso se inscribe mi proyecto actual: la liberación de cualquier asociación simbólica con la realidad. He intentado en esta ecuación cuajar un discreto sesgo crítico a lo post-moderno, aquel que se dedica a sacralizar al fabricante de imágenes en desmedro de la imagen. El pintor mismo desaparece y el espectador acostumbrado al discurso de lo figurativo termina extraviado frente a la anulación de la historia y la reivindicación de lo esencial: la forma y el color. Así, en mi obra pretendo a través de una problematización del espacio, confrontarme a ciertos cánones de la imagen  latinoamericana: la obsesión por la narración, el sentimentalismo exacerbado, el morbo de lo privado. Frente a ellos se establece una tensión constructiva en búsqueda de algo más universal, a pesar de mi propia angustia por la armonía y gracias a una íntima convicción de mis propios elementos.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Scholarships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

Links

October 15, 2013 Juan Pablo Garza https://abstractioninaction.com/artists/juan-pablo-garza/

About the Artist

My work aims to be an exploration on photography as a technique and as a language in itself, becoming an important aspect within my personal discourse. From this central idea derives my interest on the revision and dialogue between the photographic image and other representation mediums, as well as the investigation on the possible transformation of content in everyday spaces, in expressive subjects. I seek to approach the image not as a mere fact anchored to formal rules, but also being interested in the use of the image as a sort of container of ideas, as a vehicle of information. This has taken me, among other things, to the manipulation of found scenes, as well as the complete construction of images. I conceive the creative process as a tool for research and knowledge, as an active way of relating to the world, as an experience that transforms into a process of understanding. I believe as much in intuitive intelligence as in intellectual exercises. Whichever the case, I believe the constant questioning and the formulation of questions is vital for the beginning of new possibilities and directions in the creative endeavor.

—

Mi trabajo pretende ser una exploración en torno a la fotografía como recurso técnico y como lenguaje en sí mismo, convirtiéndose ésta en un factor determinante dentro de mi discurso personal. De esta idea central parte mi interés por la revisión y el diálogo entre la imagen fotográfica y otros medios de representación, así como también, la indagación en torno a la posible transformación del contenido de espacios cotidianos en materia expresiva. Busco entonces abordar la imagen, no como mero hecho anclado a leyes formales, sino interesándome también en el uso de la imagen como una suerte de contenedor de ideas, como vehículo de información. Esto último me ha llevado, entre otras cosas, tanto a la manipulación de escenas encontradas, como a la construcción completa de imágenes. Concibo el proceso creativo como una herramienta para la investigación y el conocimiento, como una manera activa de relacionarme con el mundo, como experiencias que se transforman de alguna manera en un proceso de comprensión. Creo tanto en la inteligencia intuitiva, como en el ejercicio intelectual. En cualquiera de los dos casos, el constante cuestionamiento, el planteamiento de preguntas me resulta vital para la apertura de nuevas posibilidades y direcciones del hacer creativo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

October 9, 2013 Guido Ignatti https://abstractioninaction.com/artists/guido-ignatti/

Translated from Spanish

I explore aesthetic theories through site-specific intervention and installation. I appeal to experimentation as a fundamental medium and I combine it with other traditional elements in sculpture or painting, as well as appropriation and relocation of existing cultural patrimony. The everyday image of presentations and representations I produce, are the result of these tangled combinations. My work appeals to the judgment of apparent reality. Since the last few years I have been working intensively with installations and interventions, meaning that I work mainly in specific exhibition spaces. The works are conceptually materialized within and from the place where they will be exhibited. In my work, the de-codification of the space is clearly a place of departure. Sometimes this approach within the exhibition context helps to propose something new and other times to adapt a preexisting idea that works in the space. As modus operandi, I am interested not in forcing ideas nor relationships between them and the place. It is fundamental to perceive and understand the environment, establish and mature the works to then proceed to measure time between both parts. Whichever the process is in each case, it is always necessary to establish a relationship with the place before beginning the work process. In my work, I use the edition of recognizable objects and their symbolic charge to configure a new language. Truthfully, I think about objects as letters that allow me to make words that did not exist before this combination that I propose. In turn, the objects used also retain their initial aural signifier, issue that is not a minor factor in the decision of its use. There is a net of meanings and signifiers that structure each piece. I also write. I began to do it simultaneous to my first installations since it helped to put into words the research process as it was happening and, above all, taking into account that the work was going to be destined to disappear after the exhibition. Something similar happened with the Sauna-revista de arte texts. For me, to be critical is not only to think about the work of somebody else or an idea in particular. The act of writing helps me to re-read my work in relation to what I am speaking about. The questions I have as an artist are not the same as the ones I have when I produce a text. Clearly, I do not consider myself an art critic, but writing about what happens around me also functions as the research for my work.

 

Me dedico a la exploración de teorías estéticas a partir la intervención y la instalación de sitio específico. Apelo a la experimentación como medio fundamental y la combino con otros elementos de tradición escultórica y/o pictórica, así como también con la apropiación y reubicación de bienes culturales existentes. La imagen de cotidianidad de las presentaciones y representaciones a las que llego, son el resultado de tan entramadas combinaciones. Mi labor apela al juicio sobre la realidad aparente. En los últimos años vengo trabajando intensamente en instalaciones e intervenciones, quiero decir que trabajo mayormente a partir de los espacios de exhibición concretos. Las obras se materializan conceptualmente en y desde el lugar donde van a exhibirse: en mi obra la decodificación del espacio es claramente un punto de partida. Algunas veces esa aproximación con el contexto de exhibición sirve para plantear algo nuevo y otras veces para adaptar alguna idea preexistente que funciona con el lugar. Como modo de operar me interesa no forzar ideas ni relaciones entre ellas y el lugar. Percibir y entender el entorno, asentar y madurar las obras para luego medir el tiempo entre ambas partes es algo fundamental. Pero sea como sea el desarrollo específico de cada caso, siempre es necesario establecer una relación con el lugar antes de empezar el proceso de trabajo.   Por otro lado, en mis obras utilizo la edición de objetos reconocibles y de su carga simbólica para configurar un lenguaje nuevo. En realidad, pienso a los objetos como letras que me permiten armar palabras que no existían antes de esta combinación que propongo. A su vez, también los objetos usados conservan su aura significante inicial, cuestión que no es menor en la decisión de su uso. Hay una red de significados y significantes que estructuran cada pieza. También escribo. Comencé a hacerlo en simultáneo con mis primeras instalaciones, me servía poner en palabras el proceso de la investigación a medida que iba sucediendo y, sobretodo, teniendo en cuenta que la obra estaba destinada a desaparecer luego de su exhibición. Con los textos de Sauna-revista de arte pasa algo parecido. Para mi hacer una crítica no es solamnete pensar la obra de alguien o pensar alguna idea en particular, ese acto de escritura fundamentalmente me sirve para releer mi trabajo en relación a eso de lo que estoy hablando. Las preguntas que tengo como artista son las mismas que manifiesto cuando produzco un texto. Está claro que no me considero un crítico de arte pero escribir sobre lo que sucede en mi entorno también me sirve como parte de la investigación de lo que hago, de la investigación de mi obra.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

October 9, 2013 Patrick Hamilton https://abstractioninaction.com/artists/patrick-hamilton/

Translated from Spanish

I develop my work through photography, collage, objects and installation, and it comprises an analysis of concepts of inequality, architecture, and spectacle in Chile in the last twenty years—Chile after the dictatorship. In this sense, it presumes an aesthetic reflection of the consequences of the “neoliberal revolution,” imposed on Chile during the ‘80s, and its projection on the social and cultural field since then until this day. In the series Spike Drawings, 2010-2013, I make a type of drawing on the wall with simple geometric shapes such as squares, rhomboids, etc., which is constructed with a metal material that is used as protection on the walls of middle and high class houses in Santiago de Chile. The wall protections are very sharp and comply with the fight against crime and the protection to private property. These works describe the segregation and social divisions, confinement and limitations, in a very simple way, using basic but eloquent shapes such as the square, which is the simplest act of delimitation in geometry. These works also refer to a tradition in modern art linked to Constructivism, geometric abstract art and minimalism. In this sense, it is a series that joins an extreme formalism of minimal shapes, with social content.

 

Mi trabajo desarrollado en fotografía, collage, objeto e instalaciones, comprende una reflexión en torno a los conceptos de trabajo, desigualdad, arquitectura y espectaculo en el Chile de los últimos 20 años; en el Chile de la postdictadura. En este sentido, supone una reflexión estética sobre las consecuencias de la “revolución neoliberal” implantada en Chile durante los años 80´s y su proyección en el campo social y cultural desde entonces hasta ahora. En la serie “Spike drawings” (2010-2013) realizo un tipo de dibujo sobre la pared con formas geométricas simples -cuadrados, rombos, etc- que están construidos con un material de fierro que se usa como protección en los muros de las casas de gente clase media y media alta en Santiago de Chile. Las protecciones de muro son muy filosas y remiten a la lucha contra la delincuencia así como a la protección de la propiedad privada. Estos trabajos hablan de segregación y división social, de encierro y de límites, de una manera muy simple, usando formas muy básicas y elocuentes como el cuadrado que es el acto geométrico más simple de delimitación. Estos trabajos, hacen referencia también, a cierta tradición del arte moderno vinculada al constructivismo, al arte abstracto geométrico y al minimalismo. En este sentido, es una serie que vincula un formalismo extremo, de formas mínimas, con un contenido social.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 9, 2013 Jaime Gili https://abstractioninaction.com/artists/jaime-gili/

Translated from Spanish

Extract from inteview by Pablo León de la Barra with Jaime Gili (…) To be honest, I work a lot from painting; from the two-dimensional. Playing with planes is perhaps the only way that I have to be able to understand the three dimensional space. I admire how my mother, a wonderful seamstress, perfectly understands how a piece of fabric with a specific form can wrap around, drop on or cover a body. That is a mastery of the three-dimensional that I don’t possess. (…) There is no plan or specific project. I sense how I will finish a painting but I don’t plan it out. I am more about testing directly than planning and trying to duplicate on the canvas. Everything happens so fast in a painting. One single painting is made of hundreds of quickly executed small projects. (…) The same as with some interventions, I emphasize architectural elements and people pay more attention. The same happens with painting: when I apply the paint on a space in a certain way, I am making the color on the fabric, the space and profoundness that it could have, become more evident.

 

Extraído de una entrevista a Jaime Gili por Pablo León de la Barra (…) La verdad es que trabajo muy desde la pintura, desde las dos dimensiones. Jugar con los planos es quizá la única manera que tengo de entender el espacio tridimensional. Admiro como mi madre, maravillosa costurera, entiende perfectamente como un trozo de tela con una forma determinada puede envolver, caer o cubrir un cuerpo. Esa es una maestría de lo tridimensional a la que no llego. (…) No hay un plan, un proyecto específico. Intuyo como va a terminar la pintura pero no la planeo. Soy más de probar directamente que de planear e intentar repetir en la tela. En una pintura todo sucede muy rápido. Una pintura se compone de cientos de pequeños proyectos rápidamente ejecutados. (…)  Al igual que con algunas intervenciones subrayo elementos de arquitectura y la gente se fija más en ella, con la pintura pasa lo mismo: al colocar la pintura de cierta manera en un espacio, estoy haciendo que se haga más evidente en la tela el color, la cuestión espacial y la profundidad que pueda tener.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions 

 Publications

Collections

 

October 9, 2013 Sandra Gamarra https://abstractioninaction.com/artists/sandra-gamarra/

Translated from Spanish

My work focuses on the use of mechanisms from the art world, commerce, exhibitions and creative processes, to develop an analysis about reality. Fiction and selection are large-scale processes that break up in spectacle. Through my practice I aim—by reducing the scale of the elements that intervene—to signal these processes to make them latent and to question our participation in them. From my position within the arts (making reference to my position in the world), I propose that one of the ways we use to respond and face these systems would be to utilize their own processes of creating reality in order to create fictions, through a re-selection of this presupposed totality, which is ultimately always partial.

 

Mi trabajo se centra en el uso de los mecanismos del mundo de arte, el comercio, la exhibición y los procesos de creación para hacer con ello una reflexión acerca de la realidad. La ficción y la selección son procesos que a gran escala se disuelven en el espectáculo. Mediante mi práctica intento, al reducir la escala de los elementos que intervienen, señalar estos procesos para hacerlos latentes y cuestionar nuestra participación en ellos. Desde mi posición en el arte, (haciendo referencia a mi posición en el mundo) propongo que una de las maneras que tenemos para responder y hacer frente a estos sistemas es utilizar sus propios procesos de crear realidad para crear ficciones mediante una re-selección de esta supuesta totalidad, que es finalmente siempre parcial.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 9, 2013 Diana de Solares https://abstractioninaction.com/artists/diana-de-solares/

About the Artist

¨Where are we when we are in the world?¨

This question has led me to explore the notions of space and place.

My constructions and environments are mostly made out of various found objects, images and materials, some of them belonging to a domestic, industrial or construction milieu. The site, its space and architectural components are key in shaping the works. I use straight lines and the continuous expanse they occupy and define. Thus, my works approximate provisional drawings in space and about space, aiming at a perceptual, pre-reflexive experience.

The process begins with the creation of three-dimensional structures which in turn, give place to drawings on paper that allow me to complete the concept.

—

Construyo estructuras y ambientes condicionados por el sitio en cuestión, que se relacionan íntimamente con los elementos arquitectónicos vecinos. Se trata de corporeizar el espacio, volviéndolo parte esencial de la obra. Utilizo materiales y objetos encontrados pertenecientes a lo cotidiano, a la construcción y al desecho. Más que esculturas o instalaciones, se trata de dibujos provisionales en el espacio tendientes a desaparecer. Me interesa la experiencia perceptual, pre-reflexiva, que coloca al espectador en un instante de conciencia de sí mismo.

El proceso comienza con la creación de una estructura tridimensional, la cual a su vez, da lugar a dibujos sobre papel que me permiten completar la idea.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 9, 2013 José Dávila https://abstractioninaction.com/artists/jose-davila/

Translated from Spanish

My practice is based on an articulate recursion on the margins of homage, imitation, and critique. As a sort of mirage, I use different reproduction strategies which allow me to dismantle the relationships between form and content, as well as to manifest the virtues and lacks from my references.

My work has been engaged in questioning the limits of instrumental values through the use of everyday materials in the creation of sculptures, objects, and installation. More recently, I have explored photography and document as ways of recording and due to their possibilities of re-signification.

 

Mi práctica se vale de una elocuente recursividad que se encuentra en los márgenes del homenaje, la imitación y la crítica. Como una suerte de espejismo, utilizo distintas estrategias de reproducción que me permiten desmantelar las relaciones entre forma y contenido, así como manifestar las virtudes y carencias de mis referencias.

Mi trabajo se ha ocupado de cuestionar los límites de los valores instrumentales a través del uso de materiales ordinarios para la creación de esculturas, objetos e instalación. Recientemente, he explorado la fotografía y el documento como formas de registro y sus posibilidades de re-significación.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 9, 2013 Mariano Dal Verme https://abstractioninaction.com/artists/mariano-dal-verme/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 9, 2013 Ishmael Randall Weeks https://abstractioninaction.com/artists/ishmael-randall-weeks/

My work encompasses site-specific installations, sculpture and video to works on paper.  In these works, issues of urbanization, transformation, regeneration, escape, collapse and nomadic existence have been predominant. While the work in the drawing studio serves as a means for a more intimate exploration of these issues, the foundation of my larger scale work lies in the alteration of found and recycled materials and environmental debris, often on site (including such source materials as books and printed matter, empty tins, old tires, bicycles, boat parts and building construction fragments) that are often altered to create sculptural objects and architectural spaces. These works take the visual form of functional objects while stripping them of their productivity to address notions of labor and utility, forcing an examination of our understanding of culturally specific forms while simultaneously exploiting and adapting their particular codes and associations.

 
Traducido del inglés

Mi obra abarca instalaciones de sitio específico, escultura y video hasta obra en papel. En estas obras, temas de urbanización, transformación, regeneración, escape, derrumbe y existencia nómada han sido predominantes. Mientras que el trabajo en el estudio de dibujo sirve como una forma más íntima de exploración de estas ideas, la base de mi obra a gran escala está en la alteración de materiales encontrados y reciclados y desechos ambientales, a menudo in situ (incluyendo fuentes como libros y material impreso, latas vacías, llantas viejas, bicicletas, partes de barco y fragmentos de construcción), que son a menudo modificados para crear objetos esculturales y espacios arquitectónicos. Estas obras toman la forma visual de objetos funcionales mientras que los despojan de su productividad para abordar nociones de labor y utilidad, forzando un análisis de nuestro entendimiento de formas culturalmente específicas, mientras que explotamos y adaptamos sus códigos y asociaciones particulares.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 9, 2013 Francisco Ugarte https://abstractioninaction.com/artists/francisco-ugarte/

Translated from Spanish

My work is supported by the fields of architecture and above all the creative process. The proposal is generated from the analysis of the environment and it is a reaction to it. It can be understood as a phenomenological exercise, from which reality is understood through the perception of phenomena and the essence of things. The works are self-referential, they speak about themselves. Perception, abstraction, intuition, light, time, change, place, the material and the universal, are some of the recurring themes of my work.

 

Mi trabajo se apoya en los terrenos de la arquitectura, y sobre todo en el del proceso creativo. La propuesta se genera a partir del análisis del entorno y es una respuesta a él. Se puede entender como un ejercicio fenomenológico, con el cual la realidad es conocida a través de la percepción de los fenómenos y las esencias de las cosas. Las obras son autorreferentes, hablan de sí mismas. La percepción, la abstracción, la intuición, la luz, el tiempo, los cambios, el lugar, lo material y lo universal son algunos de los temas recurrentes dentro de mi trabajo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

October 9, 2013 Pedro Tyler https://abstractioninaction.com/artists/pedro-tyler/

I believe that the beauty of an artwork is connected to the way we get to know it. A knowledge that comes along with a pleasing sensation related to understanding. Comprehending and enjoying how its components interact between each other and their mechanisms of sustentation. This can be seen in my works when stacking coins, interlacing rulers or giving mobility to something that seems motionless. I relate beauty to the subtlety of instability. Those moments in which you understand or feel consciously that you are alive, that something overflows and is lost at every instant. I like the static at the moment it waits, like the calm before the storm, because it foretells it. The amazing moment before jumping or not to the void because of heights vertigo and its fall. Depths stillness where silence will listen to my body, or, on the other side, heights, for making me believe I am outside things and there is no center in them. Reflections, because of the question my eyes return. It delights me to know there is always something I can´t understand. Candlelight for not being steady, making shadows bigger and in obscurity, space more dense. I like altering things because I know they are not definitive and by doing so, apprehend them in a different way. The photo that shows the camera that took it, because it´s the perfect symmetry that I can´t achieve before a mirror. Cages, because they are spaces which are difficult to penetrate and from where you might not want to get out. I like art, that when I leave it, I feel like I`m losing something. Feeling the wind, the sun, the cold and the pain of a wound because they make me believe I am in a place. Glass and transparencies because they cut through space, whereas everything else occupies it, and what occupies it because it completes it. For the same reasons I like to think, for the moments in which I believe I learn and move forward, but more than anything, I like to think because I believe I don´t understand. In this search for understanding, is that I use everyday objects as material for my works, so as, by taking them out of context, appreciate them in another way. By putting water inside it, or chiseling its glass, a light bulb becomes, to me, a metaphor about the fragility of the body. How, thanks to that border that is our skin, we develop all our feelings and thoughts. With measuring tapes, wooden or steel rules, you can measure something linear as the body, but you can´t measure, for example, feelings inside that body. Measuring what can´t be measured. The measure of pain related to a close death, started a body of work that developed from a personal concern; how to analyze and reason about feelings. Although the artwork started being self-referential, I have come to know that the intimacy of this subject is universal. Each person interprets this experiences and concerns from his or hers perspective. And is from this perspective, unique and personal, that I hope they will relate to my artwork.

 

Creo que la belleza de una obra tiene que ver con nuestra manera de conocerla, y ese conocimiento acarrea una sensación placentera relacionada al entender. Entender y disfrutar cómo sus componentes interactúan unos con otros y sus mecanismos de sustentación. Esto puede verse al apilar monedas, entrelazar reglas o darle movilidad a algo aparentemente inmóvil.

Relaciono la belleza a la sutileza de la inestabilidad. Esos momentos de entender o sentir conscientemente que se está vivo, que algo se desborda y se pierde a cada instante. Me gusta lo estático en el momento que espera, al igual que la calma antes de la tormenta porque la presagia. El alucinante momento antes de saltar o no al vacío por el vértigo de la altura y la caída. La quietud de las profundidades donde el silencio escuchará mi cuerpo, o por otro lado, las alturas por creer que estoy fuera de las cosas y no hay un centro en ellas. Los reflejos por la pregunta que me devuelven mis ojos. Me agrada que siempre haya algo que no entienda. La luz de la vela por no ser constante, hace a las sombras más grandes y en la penumbra al espacio más denso.

Me gusta alterar las cosas porque sé que no son definitivas y así aprehenderlas de otra manera. La foto en la que sale la cámara que la sacó, porque es la perfecta simetría que ante un espejo no puedo lograr. Las jaulas porque son espacios en que es difícil penetrar y de los que tal vez no se quiera salir. Me gusta el arte que cuando lo dejo, me hace sentir que pierdo algo.  Sentir el viento, el sol, el frío y el dolor de una herida porque me hacen creer que soy en un lugar. El vidrio y las transparencias porque seccionan el espacio mientras que todo lo demás lo ocupa, y lo que lo ocupa porque lo completa. Por lo mismo me gusta pensar, por los momentos en que creo aprender y avanzar, pero más que nada me gusta pensar porque creo no entender.

En esa búsqueda por comprender, es que empleo objetos cotidianos como material de trabajo, para, sacándolos de su contexto, apreciarlos de otra manera.

Al poner agua en su interior, o cincelar su vidrio, una lamparita se convierte para mí en una metáfora de la fragilidad del cuerpo. Como, gracias a esta frontera que es la piel, desarrollamos todo nuestro sentir y pensar.

Con cintas métricas, reglas de madera o de acero, se puede medir algo lineal como el cuerpo, pero no se puede medir, por ejemplo, los sentimientos dentro de ese cuerpo. Medir lo que no se puede medir. La medida del dolor relacionada con una muerte cercana, dispara una serie de obras que nacen de una inquietud personal; cómo analizar y razonar sobre los sentimientos.

Si bien las obras partieron siendo auto referentes me he dado cuenta que la intimidad de estos temas resulta ser universal. Cada persona interpreta estas experiencias e inquietudes según su perspectiva. Y es desde esta perspectiva, única y personal, que espero se relacionen con mis obras.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 9, 2013 Clarissa Tossin https://abstractioninaction.com/artists/clarissa-tossin/

The notion of gesture is the primary impulse behind my work. My videos, photographs, installations, sculptures and drawings are the result of subtle gestures that intend to reveal what goes unseen or unexamined, be it architectural similarities between a settlement in the Amazon forest and a small town in Michigan or the intensive labor required to clean a pristine modernist government building in Brasília. Architecture, as a manifestation of identity, ideology and economic power is of great interest to me, as it is to investigate the invisible supporting structures of modernity, urban life and capitalism. In dialogue with these concerns are my interest in indexical processes and the cultural and historical connotations of a given material. My investment in indexicality stems from its intrinsic relationship to our bodies and therefore proximity to the real. Not unlike what happens with history and its material evidences. My works on paper exist in a place between bi and tridimensionality, as they usually hold object-like qualities. Double-sided prints, ink and paper disintegrated into dust, crushed folds and creases are some examples on how I treat surfaces as material. This approach triggers a tension between representation and trace while combining body movements to the articulation of ideas.

 
Traducido del inglés

La noción del gesto es el primer impulse detrás de mi obra. Mis videos, fotografías, instalaciones, esculturas y dibujos son el resultado de sutiles gestos que intentan revelar lo que pasa desapercibido o sin estudiarse, ya sea similitudes arquitectónicas entre una aldea en la selva Amazónica con un pueblito de Michigan; o la intensa labor requerida para limpiar un edificio gubernamental prístino en Brasilia. La arquitectura como manifestación de la identidad, ideología y poder económico es de gran interés para mí, como lo es investigar las estructuras de soporte de la modernidad que son invisibles, la vida y el capitalismo. En diálogo con estas preocupaciones está mi interés en los procesos de indicio y las connotaciones culturales e históricas de un material. Mi dedicación al indicio parte de su relación intrínseca con nuestros cuerpos y por tanto a la proximidad con lo real, no muy alejado de lo que pasa con la historia y sus evidencias materiales. Mi obra en papel existe en un lugar entre la bi y tridimensionalidad, ya que por lo regular poseen cualidades de objeto. Grabados de dos caras, tinta y pape desintegrados en polvo y dobleces machucados, son ejemplos de cómo manejo las superficies como material. Este acercamiento provoca una tensión entre la representación y el trazo mientras combino movimientos corporales a la articulación de las ideas.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 9, 2013 Ana Tiscornia https://abstractioninaction.com/artists/ana-tiscornia/

My visual rearrangements draw upon the paradoxical bond between architecture –a language of construction par excellence-with that of destruction and dislocation. In rearranging various materials I seek a potential poetics – a kind of cartography of social oblivion –that is simultaneously exposing but also recovering scattered fragments of an unrealized utopian project.

 
Traducido del inglés

Mis composiciones visuales recurren a la paradójica unión entre la arquitectura (un lenguaje de construcción por excelencia) con la destrucción y la dislocación. Al reconfigurar estos diferentes materiales busco una potencial poética, una especie de cartografía del olvido, que simultáneamente revela y también recobra fragmentos desperdigados de un proyecto utópico frustrado.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

Ana Tiscornia / Other impertinences

October 9, 2013 Renata Tassinari https://abstractioninaction.com/artists/renata-tassinari/

Translated from Portuguese

I consider how a painting can inhabit the world and what its place in it is.

An idea that interests me is the limit between what a painting is and what a simple object is. Considering this, I utilize heterogeneous surfaces that are almost incompatible: paint, acrylic laminate and wood.

In the work “MAR E MONTE”, I used four identical rectangles but with contrasting materials and colors. The rectangles unify the painting while the materials introduce stark contrasts.

In “CONGO”, the contrast is subtler, and occurs through the painting method: partially glossy (painted from inside the box of acrylic material) and partially matte (paint painted over the frame, enhancing the work’s edges and limits).

 
Traducido del portugués

Pienso en cómo una pintura puede habitar el mundo y cuál es su lugar en él.

Un punto que me interesa es el límite entre lo qué es una pintura y  lo que un simple objeto es. Para eso empleo una superficie con partes heterogéneas, casi incompatibles: pintura, material acrílico y madera.

La obra “MAR E MONTE” utiliza cuatro rectángulos iguales, pero con materiales y colores contrastantes. Los rectángulos unifican la obra. Los materiales introducen grandes diferencias.

En “CONGO” el contraste es más sutil y se obtiene a través de técnicas de pintura: el brillo (en la pintura hecha dentro de la caja del material acrílico) y el mate (pintura hecha por encima del marco, enfatizando así los límites y fronteras).

 

Penso em como uma quadro pode habitar o mundo, em qual é o seu lugar.

Um ponto  que me interessa é o limite entre o que é um quadro e o que é um simples objeto. Para isso emprego uma superfície com partes heterogêneas, quase incompatíveis: pintura, material acrílico e madeira.

Na obra “MAR E MONTE” utilizei quatro retângulos iguais, mas com materiais e cores são contrastantes. Os retângulos unificam a obra. Os materiais introduzem fortes diferenças.

Em “CONGO”, o contraste é mais sutil e se dá através das tintas da pintura: o brilho (na pintura feita por dentro da caixa com material acrílico) e o fosco, na pintura feita por cima da moldura, realçando assim a bordas e seus limites).

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

October 9, 2013 Jaime Tarazona https://abstractioninaction.com/artists/jaime-tarazona/

Translated from Spanish

My interest on abstraction began approximately in 2006, as a result of a refusal to keep representing problems and situations linked to Colombian identity within my individual artistic process—thematic axis that I explored in my works since 1999 and from which I proposed various mediums such as installation, printing and painting. Since 2007 I began a series of projects in which I decided to produce works about the relevance of the international style, i.e., the great boom that the modern architecture movement has had since its origins in the second decade of last century in Europe, aiming to develop post-colonial and transcultural positions from the proposals in which I juxtapose different historical urban periods around the world, with the purpose of highlighting the overwhelming aspect of the modernist movement and vice versa.

 

Mi interés por la abstracción vino a darse hacia 2006 a raíz de un rechazo a seguir representando problemas y situaciones vinculadas a temas de identidad colombiana dentro de mi proceso individual como artista, eje temático que identificó mis trabajos desde 1999 y el cual planteé desde varios medios como la instalación, el grabado y la pintura. A partir de 2007 inicié una serie de proyectos en los que me propuse elaborar trabajos sobre la relevancia del estilo internacional, es decir, el gran auge que ha vivido el movimiento moderno de arquitectura desde que se inició en la segunda década del siglo pasado en Europa, buscando de esa manera desarrollar posiciones poscoloniales y transculturales desde propuestas en las que yuxtapongo  diferentes periodos históricos urbanos alrededor del mundo con el fin de resaltar el carácter avasallador del movimiento moderno y viceversa.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

  

October 9, 2013 Tatiana Stropp https://abstractioninaction.com/artists/tatiana-stropp/

Translated from Spanish

Color is a prominent aspect in these works. To value and explore different tones, opacity and transparency, the artist uses the technique of glazing. The clutters of ink are soft, mixed with aluminum, and creating effects of opacity and ambience light reflections on the surface of the painting. Tatiana Stropp’s work invites to observe and discover a universe of tonalities, formed by apparently easy streaks, which maintain a complexity of reflections.

 

El color es un aspecto notable en estas obras. Para valorar y explorar los diferentes tonos, la opacidad y la transparencia, la artista utiliza la técnica de veladura. Las camadas de tinta son tenues, proporcionando su mezcla en el aluminio, creando efectos de opacidad y de reflejos de la luz ambiente en la propia superficie de la pintura. Las obras de Tatiana Stropp invitan a observar y a descubrir un universo de tonalidades, formado por pinceladas aparentemente sencillas, pero que conservan una complejidad de reflejos.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

Links

October 9, 2013 Pablo Siquier https://abstractioninaction.com/artists/pablo-siquier/

Translated from Spanish

-The different ways in which a cultural emanation is developed by different peoples or communities (for example, the constructive utopias of Brazil, Europe, Venezuela, or Argentina).

-The process through which a more specific answer is emptied out from the ideological content that generated it, and is used for different or even contrary purposes (the influence of Bauhaus in serial industrial production).

-The transformation experienced by style when it is transplanted to another physical and social reality (Vitruvius’ model of religious architecture in Spanish colonies in the American continent).

These sentences are some examples of what has always fascinated me sensually and intellectually: the impure condition of culture and the visual expressions of that complexity.

In a young country such as mine, this is an elemental everyday condition. Buenos Aires’ architecture is a proof of that.

I intend to register all of this in my work. If I have to summarize in two words the themes that inspire my work, these would be disease and contamination.

 

-Las diversas formas en que una emanación cultural es desarrollada por diferentes personas o comunidades (por ejemplo, las utopías constructivas en Brasil, Europa, Venezuela o Argentina).

-El proceso por el cual una respuesta formal específica, se vacía de los contenidos ideológicos que le dieron origen y se utiliza para fines diversos y aun opuestos (la influencia de la Bauhaus en la producción industrial en serie).

-La transformación experimentada por el estilo cuando se trasplanta a otra realidad física y social (el modelo de Vitruvio en la arquitectura religiosa en las colonias españolas de América).

Estos enunciados son algunos ejemplos de lo que siempre me ha fascinado, a la vez sensual e intelectualmente: la condición impura de la cultura y las expresiones visuales de esa complejidad.

En un país joven como el mío esto es una condición cotidiana y constitutiva. Buenos Aires y su arquitectura son prueba de ello.

Tengo la intención de registrar todo esto en mi trabajo. Si tengo que sintetizar en dos palabras los temas que inspiran mi trabajo serían enfermedad y contaminación.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Additional Links

October 9, 2013 Gabriel Sierra https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-sierra/

I studied Architecture and Industrial Design. My artistic practice reflects in a highly distinctive way my training in these two dissimilar yet interconnected fields. My works include objects, sculptures, writings, spatial constructions and site-specific interventions, using a vocabulary that points directly to the history of art and architecture.

 
Traducido del inglés

Estudié arquitectura y diseño industrial. Mi práctica artística refleja de manera significativa mi educación en estos dos campos tan diferentes pero tan interrelacionados. Mis obras incluyen objetos, esculturas, escritos, construcciones espaciales e intervenciones de sitio específico, usando un vocabulario que apunta de manera directa a la historia del arte y la arquitectura.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

October 8, 2013 Valentino Sibadón https://abstractioninaction.com/artists/valentino-sibadon/
Translated from Spanish

I see art and the processes it implies; as a main root that include many useful aspects in life which go from instincts to measure; intuitive aesthetics to rational ethical’s mechanics. Being in this path is a constant study of the whole, going through experiences, observations and resolutions to understand it as a big unity.   This study helps me to obtain different perspectives for the experience of perceiving life in an analytical and contemplative way. With the appetite to keep making new findings; and understanding the mechanism by which different disciplines are related. This interest is the constant mark that motivates my work, acting and reacting starting from of one idea.

 

Entiendo el arte y los procesos que implican, como una rama madre que engloba muchos aspectos útiles para la vida, que van desde el instintivo hasta la mesura, desde la estética intuitiva hasta la ética racional mecánica. Estar en ese camino es un estudio constante del todo, avanzando por experiencias, observaciones, resoluciones para entenderlo como una gran unidad. Este estudio me ayuda a obtener perspectivas para la experiencia de percibir la vida, de forma analítica y contemplativa. Con apetito de seguir descubriendo más y comprender mecanismos en los que se relacionan las disciplinas. Este interés es la constante marca que motiva mi trabajo, accionando y reaccionando a partir de alguna idea.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Additional Links

October 8, 2013 Mariela Scafati https://abstractioninaction.com/artists/mariela-scafati/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Publications

Collections

 

October 8, 2013 Miguel Rothschild https://abstractioninaction.com/artists/miguel-rothschild/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

October 8, 2013 Luis Roldán https://abstractioninaction.com/artists/luis-roldan/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

October 8, 2013 Omar Rodríguez-Graham https://abstractioninaction.com/artists/omar-rodriguez-graham/

Translated from Spanish

My work creates an ambiguous relationship between abstraction and representation. I compose paintings that depict constructed scenes and objects that borrow from the language of painting, marks are constructed with wooden blocks and painted. By depicting these objects, or more directly the experience that they incite, I present the language of painting. While working within the tradition of still life painting, my process is taken to what must be its obvious conclusion. The objects painted must initially be that thing which they wish to re-present, the language of painting.

 

Mi obra crea una relación ambigua entre la abstracción y la representación. Realizo pinturas que representan escenas construidas y objetos que toman elementos del lenguaje pictórico, construyo marcas con bloques de madera pintada. Al presentar estos objetos, o más directamente la experiencia que incitan, presento el lenguaje de la pintura. Al trabajar desde la tradición de la naturaleza muerta, mi proceso se entiende como lo que debe ser la conclusión más obvia. Los objetos pintados deben ser inicialmente esa cosa que buscan representar; el lenguaje de la pintura.

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 2005: Tyler School of Art, M.F.A. Painting, Philadelphia, P.A. USA.
  • 2002: Drew University, B.F.A. Studio Art, Madison, N.J., USA.

Prizes / Fellowships

  • 2013-2014: Fonca Jovenes Creadores, Mexico.
  • 2010: Fonca / The Ban! Centre, Ban!, Alberta.
  • 2006-2007: Fonca Jovenes Creadores, Mexico.

Solo Exhibitions

  • 2013: “Mise en Abyme”, Bogota, Colombia.
  • 2012: “Pintura Construida”, Queretaro, Mexico.
  • 2011: “Variaciones sobre un Tema”, Mexico City, Mexico.
  • 2008: “Reposo”, Querétaro, Mexico.
  • 2008: “La Muerte Reina Bella y Melancólica”, Mexico City, Mexico.

Group Exhibitions

  • 2013: “After the Object”, Manhattan, USA.
  • 2013: “Ensamble”, Mexico City, Mexico.
  • 2012: “Sugar and Wood”, Dallas, USA.
  • 2011: Bienal de Pintura Tamayo, Mexico City, Mexico.
  • 2010: “Bella y Terca”, Mexico City, Mexico.

Publications

  • 2012: Ostrander, Tobias (Compilador), Castillo, Erik & Perez, Daniela: Omar Rodriguez-Graham, Arroniz. Print.

October 8, 2013 Ricardo Rendón https://abstractioninaction.com/artists/ricardo-rendon/

In the work process, in the process of shaping and changing the nature exterior to him, man is shaped and changes himself: My work is presented as a system of questioning of the creative practice, of the execution, productive realization and notion of work. A search of meaning in the activity that makes possible not only locate its motive, the why of creating, but that would also allow to establish a critical vision of the role that the subject plays in the work environment.  Revalue the creative practice and find meaning in the work through the experience in the continuous making: To determine my reality through the experience and practice of my creative abilities, whose activation allows the emergence of forms of subjectivity and one’s own knowledge. Therefore, experience, comprised of the development and accumulation of moments of execution and site-specific plastic exercise, allows me to establish a strategic and perspective relation from where to position facing that which surrounds us.

I recognize from the creative making my position as subject result of the possibilities, events, dialogue and interpretation. Place of continuous transformation, determined by the creative activity within the physical limitations of space and the materials. A scenario of action and experience.

My work is designed as a system of inquiry into creative practice. It is a search for meaning that not only uncovers motivation, answering the question of why to create, but also permits a critical appraisal of the role of the subject who performs personal work. Reassessing the creative process allows me to make sense of making art through experiencing its continual realization.

It consists of determining my subjective reality and setting in motion my creative faculties, which enable the emergence of new understandings. In this way, experience, consisting of the development and accumulation of moments of creation, informs my strategic orientation towards my surroundings.

Accordingly, I recognize that as the subject of creative doing, I am shaped by possibilities, events, dialogues and interpretations in a place of continual transformation, a setting of action and experience in which creative activity is restricted only by the physical limits of workspace and materials.

 

En el proceso del trabajo, en el proceso de moldear y cambiar la naturaleza exterior a él, el hombre se moldea y se cambia a sí mismo: Mi obra se presenta como un sistema de cuestionamiento de la práctica y del quehacer creativo, de la ejecución, realización productiva y la noción del trabajo. Una búsqueda de sentido en la actividad que posibilite no solo ubicar su motivación, el por qué crear, sino que también permita establecer una visión crítica del papel que desempeña el sujeto en el ambiente laboral.

Revalorizar la práctica creativa y encontrar sentido en el trabajo por medio de la experiencia en el hecho continuo de su realización: Determinar mi realidad por medio de la experiencia y puesta en marcha de mis facultades creativas, cuyo accionar permiten la emergencia de formas de subjetividad y conocimientos propios. Es así que la experiencia, constituida por el desarrollo y acumulación de momentos de ejecución y ejercicio plástico in situ, me permite el establecimiento de una relación estratégica y perspectiva desde donde situarse frente aquello que me rodea.

Reconozco desde el hacer creativo mi posición como sujeto fruto de lo eventual, el acontecimiento, el dialogo y la interpretación. Lugar de continua transformación, determinado por la actividad creativa dentro de los límites físicos del espacio y los materiales de trabajo. Un escenario de acción y experiencia.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 8, 2013 Pablo Rasgado https://abstractioninaction.com/artists/pablo-rasgado/

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

October 8, 2013 Nuno Ramos https://abstractioninaction.com/artists/nuno-ramos/

Translated from Portuguese

I think that there is no art without something that doesn’t fit neither in life nor in time. You look at an ancient work and it seems as if it was done yesterday. The blue color in chapel Scrovegni, by Giotto (14th century), is as current as the blue color used by Yves Klein (1928-62). At the end, all art is contemporary.

 
Traducido del portugués

Pienso que no hay arte sin aquello que no tiene cabida ni en la vida ni en el tiempo. Al mirar un trabajo de la antigüedad, éste pareciera que fue hecho ayer. El color azul de la capilla Scrovegni, de Giotto (siglo XIV), es tan reciente como el azul de Yves Klein (1928-62). Al final, todo el arte es contemporáneo.

  

Acho que não há arte sem alguma coisa que não caiba na vida nem no tempo. Você olha uma coisa antiga e parece que ela foi feita ontem. O azul da capela Scrovegni, de Giotto [do século 14], é tão recente quanto o azul de Yves Klein [1928-62]. No fundo, toda arte é contemporânea.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

October 8, 2013 Amalia Pica https://abstractioninaction.com/artists/amalia-pica/

It has always been about the overlap between form and politics for me. I believe I need to occupy my own place in the world while taking responsibility for the way I do this, I have chosen to be an artist-this was not imposed upon me-and so I understand form to be my concern. I try to stay in the realm of the visual and the sensible as a means of defending that space itself, a space constantly open to redefinition-one in which subjectivity can be played out. This is why self-reflexivity can be important. To me it is a political stance. If one could say that art is concerned with the imagination, I believe that how imagination is formed is a pertinent question that also speaks to society in a larger sense. The ways we imagine and how we are conditioned to imagine are both artistic and political concerns to me.

 
Traducido del inglés

Para mí, siempre ha sido acerca de la superposición de la forma y la política. Creo que tengo que ocupar mi propio lugar en el mundo mientras me responsabilizo de la forma en la que lo hago. He elegido ser una artista—esto no fue impuesto sobre mí—así que entiendo la forma como interés. Intento permanecer en el ámbito de lo visual y lo sensible como modo de defender ese espacio, un espacio constantemente abierto a las redefiniciones, en el cual la subjetividad puede ser representada. Es por esto que la auto-reflexión puede ser importante. Es para mí una postura política. Si uno pudiera decir que el arte está interesado en la imaginación, creo que la manera en la que se forma la imaginación es también una pregunta pertinente que tiene que ver con la sociedad en un amplio sentido. Las formas en las que imaginaos y cómo estamos condicionados a imaginar son preocupaciones artísticas y políticas para mí.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

October 8, 2013 Martin Pelenur https://abstractioninaction.com/artists/martin-pelenur/

Translated from Spanish

I understand painting as a way of thinking and as an experimental practice. I think with images and then I try to conceive them. I work with premises. I think about walking as my form of resistance and about art as the ultimate frontier to redeem the desire to live in a different way. Surfer.

 

Entiendo a la pintura como una forma de pensamiento y como una práctica experimental. Pienso con imágenes y luego intento concebirlas.
Trabajo con premisas.
Pienso en el andar como mi forma de resistencia y al arte como la última frontera para reivindicar el deseo de vivir de forma distinta. Surfista.

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 2003: Analista en Economía. Facultad de Ciencias Económicas, Universidad de la República, Montevideo, Uruguay.
  • 2003: Formacion de taller con Fernando López Lage en el FAC (Fundación de Arte Contemporáneo) Montevideo, Uruguay.

Prizes / Fellowships

  • 2012-2014: Beca de creación FEFCA de la dirección Nacional de Cultura del MEC (Ministerio de Educación y Cultura) Montevideo, Uruguay.
  • 2012: Premio Nacional de pintura, Bartolmé Macció, San José, Uruguay.
  • 2012: Premio Paul Cezanne. Alliance Françoise, Montevideo, Uruguay.
  • 2011: Premio Pintura Bicentenario (selección). Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay.
  • 2011: Beca Instituto Goethe Montevideo-Berlin.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

  • 4 Museos + 40 Obras. Colección MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires), Buenos Aires, Argentina.
  • 54 Premio Nacional de Artes Visuales Carmelo Arden Quin. Montevideo, Uruguay.
  • Nuevas Vías de Acceso II. MNAV (Museo Nacional de Artes Visuales). Montevideo, Uruguay.
  • Absorciones. MEC (Ministerio de Educación y Cultura). Montevideo, Uruguay.

Collections

Links

October 8, 2013 Karina Peisajovich https://abstractioninaction.com/artists/karina-peisajovich/

Translated from Spanish

Extract from interview by Inés Katzenstein, as part of solo show “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “I never felt much love for objects. I never framed anything, and when I thought that I need it to do it, I decided to adopt the frame as a device of the work in the same way that artifacts are presented in installations before the artifice. Geometry is always present in my work. It keeps moving. In installations, geometry acts as a force that supports a space. It constructs a deception… In these new works, the geometric frame allows me to enclose a light situation. They are architectures of a luminous space that also have shadows (shadows produced from the same immateriality). I like frames that are not orthogonal because they are unstable. (…) The work took its own path, and although my impulses are more toxic, painting keeps being a substance that guides me. Even when my work centers on the act of seeing, what happens in the retina, in the illusion of vision itself. Everything departed from that. If I think about the first painters, to paint is also to do magic.”

 

Fragmento de la entrevista con Inés Katzenstein, como parte de la muestra individual “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “Nunca sentí mucho amor por los objetos. Nunca enmarqué nada, y cuando pensé que necesitaba hacerlo, decidí adoptar al marco como un dispositivo de la obra del mismo modo en que los artefactos se presentan en las instalaciones delatando el artificio. La geometría siempre está presente en mi obra. Se va trasladando. En las instalaciones, la geometría actúa como una fuerza que sostiene un espacio. Construye un engaño… En estas obras nuevas, el marco geométrico me sirve para acotar una situación de luz. Son arquitecturas de un espacio luminoso que también tienen penumbra (una penumbra que se produce en la misma inmaterialidad). Los marcos no ortogonales me gustan porque son inestables. (…) La obra fue tomando su propio rumbo, y aunque mis impulsos sean más tóxicos,  la pintura sigue siendo una sustancia que me orienta.  Incluso cuando trabajo en obras que se centran en el acto de ver, en lo que pasa en la retina, en la ilusión propia de la visualidad. De ahí salió todo. Si pienso en los primeros pintores, pintar es también hacer magia”.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 8, 2013 Ramiro Oller https://abstractioninaction.com/artists/ramiro-oller/

Thinking about the past is the perfect still life. To stop is one of the premises of painting.  It is as if thought, facing the past, acts as a force that fences or at least slows the speed of time and synchronizes the individual and collective velocities.

With the cold and electric light of thunderbolts, El Greco directs the film of Futurism, through which he strives to escape from Lascaux, but cannot. In the background, silvery mesh-like curtains make labyrinths of infinite casual correlations. Through opaque glass windows, crystal palaces interiors are reflected.

I think the only honest way to bond with painting today is to embrace the fact that it has survived over the ages, to look back with love and admiration for what has been done, and to discover the vast universe of what was created. The further back in time one looks, the more mysterious the findings become.

 
Traducido del inglés

Pensar en el pasado es el bodegón perfecto. El detenerse es una de las premisas del pintar. Es como si el pensamiento, de cara al pasado, actuara como una barrera o, al menos, detuviera el paso del tiempo y sincronizara las velocidades individuales y colectivas.

Con la luz fría y eléctrica de los rayos, El Greco dirige la película del Futurismo, a través de la cual se esfuerza por escapar de Lascaux, pero no puede. En el fondo, las cortinas de malla de plata hacen laberintos de correlaciones casuales infinitas. A través de las ventanas de cristal opaco, palacios de cristal interiores se reflejan.

Creo que la única manera honesta de vincular la pintura de hoy, es aceptar el hecho de que ha sobrevivido a lo largo de los siglos, para mirar hacia atrás con cariño y admiración por lo que se ha hecho, y para descubrir el vasto universo de lo que fue creado. Cuanto más atrás en el tiempo se mire, más misteriosos los hallazgos se  convierten.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 5, 2013 Iván Navarro https://abstractioninaction.com/artists/ivan-navarro/

Translated from Spanish

Electricity is the foundation of my work. Thanks to it, sculptures and installations can be perceived, and at the same time understood in different levels of relationships with the space that surrounds them, with the encircling architecture, with their social context or with spectators that directly interact with the work in a physical and psychological way.

The work’s content is in part due to the experiences during the period of dictatorship in Chile (1973-1989). This was a period which exerted great violence, intimidation and misinformation on the citizens. This climate of social instability also made evident an alert in the face of the lack of connection between the real and the apparent.

In another level of relationships, the works have a dialogue with the history of design and modern art, subverting its formal purity with their social content. The works presented here use electricity as power source, with a broad meaning: the electrical lights that often celebrate or honor a situation, show here the other side of their luminosity, i.e., darkness and fear, as simultaneous homage to seduction and alienation.

 

La electricidad es la base fundamental de mi trabajo, gracias a ella las esculturas e instalaciones  pueden ser percibidas y al mismo tiempo, comprendidas en distintos niveles de relaciones con el espacio que las rodea; con la arquitectura circundante,  con su contexto social o con espectadores que interactúan directamente con el trabajo en forma física y psicológica.

El contenido de las obras, en parte se debe a experiencias vividas durante el periodo de dictadura en Chile (1973-1989). Periodo que ejerció gran violencia, intimidación y desinformación en la ciudadanía. Este clima de inestabilidad social también evidenció una alerta ante la evidente desconexión entre lo aparente y lo verdadero.

En otro nivel de relaciones, los trabajos mantienen un dialogo con la historia del diseño y del arte moderno, subvirtiendo su pureza formal con sus contenidos sociales.

Los trabajos aquí presentados, ocupan la electricidad como fuente de poder con un amplio significado: las luces eléctricas que muchas veces celebran o festejan una situación, aquí muestran el otro lado de su luminosidad, es decir, la oscuridad y el miedo. Como homenajes simultáneos a la seducción y a la alienación.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Additional Links

October 5, 2013 Sandra Nakamura https://abstractioninaction.com/artists/sandra-nakamura/

Translated from Spanish

My work derives from the critical analysis of spatial, social and economic conditions that shape our sense of identity and permanence. Thus, the fragility of the everyday, the symbolic and real meanings of property and the imminent transformation of the urban environment, are recurrent elements in my drawings, installations and interventions. More recent works extend these issues to the exhibition space, with the intention of pointing to the influence of the contemporary art market and the demands of the current exhibition models and the distribution of artworks in the artistic practice.

 

Mi trabajo se origina a partir de una reflexión crítica en torno a las condiciones espaciales, sociales y económicas que dan forma a nuestro sentido de identidad y permanencia. Así, la fragilidad de lo cotidiano, los significados tanto reales como simbólicos de la propiedad y la inminente transformación del entorno urbano figuran de manera recurrente en mis dibujos, instalaciones e intervenciones. Obras más recientes extienden estos cuestionamientos hacia los  espacios de exhibición con la intención de señalar la influencia del mercado de arte contemporáneo y las exigencias de los modelos actuales de exposición y distribución de obras en la práctica del artista.

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 2008-2009: Center for Contemporary Art Kitakyushu, Research Program, Kitakyushu, Japan.
  • 2005-2008: Bauhaus Universität Weimar, M.F.A. Art in Public Space, Weimar, Germany.
  • 2001-2003: University of California San Diego, B.A. Visual Arts, La Jolla, USA.

Prizes / Fellowships

  • 2009: Convocatoria de proyectos en espacio público Centro Abierto ’09, Museo de Arte de Lima + Centro Fundación Telefónica, Lima, Perú.
  • 2008: Beca para producción de proyectos, ARTIUM Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Spain.
  • 2007-2008: Beca para estudios de post-grado, Fundación Rosa Luxemburg, Berlín, Germany.
  • 2006: Art in Context Programme, Pépiniéres europennés pour jeunes artistes, París, France.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

  • Miguel López, “Tregua en el arenal”, Museo de Arte Contemporáneo Lima (2013).
  • Elida Román, El Comercio, (2013).
  • Nicole Cromartie y Sharon Lerner (entrevista), Catálogo de la exposición “We have as much time as it takes”, CCA Wattis Institute for Contemporary Art (2010).

Collections

  • Museo de Arte de Lima, Peru.

October 5, 2013 Magdalena Murua https://abstractioninaction.com/artists/magdalena-murua/

Translated from Spanish

My pleasure for handmade and handcraft work has allowed me to delve into the technique of collage, with which I work since several years ago. This technique lets me construct compositions of movement and color through diverse cut outs.  Thanks to an introspective work I can bring order to the chaos of the small cut outs—a more joyful order.

The amount of images to cut out is infinite, and they vary in their colors and textures. The shapes in which they can be cut out are infinite, such as circles, rectangles, squares, strips, rhombuses, or irregular geometric forms. Their layout in the surface of the work is unlimited; plot, pattern, repetition, overlap; diagonals, horizontally, vertically.

 

Mi gusto por el trabajo manual y artesanal, me ha llevado a profundizar en la técnica del collage, con la cual trabajo hace varios años. Esta técnica me permite construir, a través de distintos recortes, composiciones de movimiento y color. A través de un trabajo introspectivo puedo llevar orden al caos de los pequeños recortes, un orden más alegre.

Es infinita la cantidad de imágenes para recortar, que varían en sus colores o texturas. Ilimitadas las formas en que se pueden recortar como círculos, cuadrados, tiras, rombos o formas geométricas irregulares. Ilimitada es su disposición en el plano de la obra, trama, patrón, repetición, superposición, diagonales, horizontales, verticales.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 5, 2013 Felipe Mujica https://abstractioninaction.com/artists/felipe-mujica/

My work has grown from visual codes linked to geometric abstraction, where the economic devices of image making are simultaneously an historical set of references and a set of creative tools. Also important in my formation has been the practice of collaboration as I constantly intertwine my own work with the work of others through the organization of exhibitions, group projects, publications, and so on. An example would be installations I have produced with fabric panels; which aim to be drawings that occupy space and also curtains that function as space organizers, as temporary walls that canalize the public’s circulation and perception of space as well as the perception of other possible art works in space. In this sense these installations are both an object of contemplation as well as a functional device, they become exhibition design and flexible temporary architecture: they can be used by other artists or curators. These fabric panels also refer directly to avant-garde movements such as Russian Constructivism or the Bauhaus School, as they intend to recover and restage the modernist ideal of democratization of the art object. In ideal situations they can change their position in space as they are hanged from a stainless steel cable that crosses the exhibition room, they work then as a “curtain” that can actually be moved from one side of the gallery to the other. Another body of work consists in the production of drawings and prints through appropriation. Here I reuse and rearrange previous drawings and prints from sources from the late 50’s to mid 70’s, sources such as Latin American political posters, psychedelic imagery, Japanese graphic design, and book covers of publications ranging from Science Fiction to Mathematics. What unites these images is that they all share the historical context of 1969. They also share a universal graphic language. My appropriation of these pre-existing images aims to investigate their social and symbolic status as well as cross culture references they possibly share. This independent body of work functions then as an historical, contextual and formal counterpart to the spatial and geometric based work; somehow confronting avant-garde with neo avant-garde. I also produce sculptures, or better-said sculptural actions, as they are temporary and fragile constructions that do not last after the exhibition (or that are made only to be photographed). This project was born as an homage and critique to the history of modernism in Latin America. Both independent to European modernism and radical in its relationship to social movements, Latin American modernism is far from consolidated. My sculptures then intend to reflect modernist ideals and simultaneously the fragility of all these ideals. This project is also productively open as the sculptures can be made by me or commissioned to curators, museum staff or other artists, which adds a layer of participation and shared authorship to the project. When the sculptures are produced by other people I ask them to register them. I have also used this project in art workshops with children, opening it up to the pedagogical field. An early example of this multilayered practice would be the creation of the artist-run space Galería Chilena, which operated with no physical space in Santiago (1997-2000) as a nomadic yet “commercial” endeavor. The “gallery” set itself the challenge of creating a critical art market for the post-dictatorial Chilean contemporary art scene.

 
Traducido del inglés

Mi obra ha crecido de códigos visuales relacionados con la abstracción geométrica, donde los mecanismos económicos de producción de imágenes son simultáneamente un conjunto de referencias históricas y  un conjunto de herramientas de creación. Igualmente importante en mi formación ha sido la práctica de colaboración ya que constantemente entrelazo mi obra con la de otros por medio de la organización de exposiciones, proyectos de grupo, publicaciones, etcétera. Un ejemplo de ello podrían ser las instalaciones que he producido con paneles de tela, con el propósito de ser dibujos que ocupan el espacio y también cortinas que funcionan como organizadores de espacio, como muros temporales que canalizan la circulación del público y percepción del espacio, así como la percepción de otras obras en el espacio.  En este sentido, estas instalaciones son de igual forma un objeto de contemplación y un objeto funcional; se vuelven parte de la museografía y arquitectura flexible temporal. Pueden ser usadas por otros artistas y curadores. Estos paneles de tela también son referencia directa a movimientos de vanguardia como el constructivismo ruso y la escuela Bauhaus, puesto que intentan recobrar y reinterpretar el ideal modernista de democratización del objeto de arte. En situaciones ideales pueden cambiar su posición en el espacio ya que son colgados de un cable de acero inoxidable que cruza la sala de exposición; entonces funcionan como “cortina” que puede ser movida de un lado a otro.   Otro cuerpo de trabajo consiste en la producción de dibujos y grabados de referencias de los años cincuenta hasta mediados de los setenta, como afiches políticos de Latinoamérica, imágenes psicodélicas, diseño gráfico japonés y portadas de publicaciones de ciencia ficción o matemáticas. Lo que une estas imágenes es que todas comparten el contexto histórico de 1969. También comparten un lenguaje gráfico universal. La apropiación de estas imágenes preexistentes tiene como objetivo la investigación de su estatus social y simbólico y las referencias culturales que posiblemente comparten. Este cuerpo de trabajo independiente funciona como una contraparte histórica, contextual y formal de la obra espacial y geométrica, confrontando de alguna manera la vanguardia con neo-vanguardia. También produzco esculturas, o mejor dicho, acciones escultóricas, ya que son construcciones temporales y frágiles que no perduran después de la exposición (o que son hechas sólo para ser fotografiadas). Este proyecto nació como homenaje y crítica a la historia del modernismo en Latinoamérica. Igualmente independiente del modernismo europeo y radical en su relación con movimientos sociales, el modernismo latinoamericano está lejos de consolidarse. Mis esculturas intentan reflejar los ideales modernistas y simultáneamente evidenciar la fragilidad de estos ideales. Este proyecto también es productivamente abierto puesto que las esculturas pueden ser realizadas por mí o comisionadas a curadores, personal del museo u otros artistas, lo que añade otra capa de participación y autoría compartida del proyecto. Cuando las esculturas son producidas por otra gente les pido que las registren. También he usado este proyecto en talleres para niños, abriendo posibilidades en el campo pedagógico. Un ejemplo temprano de esta práctica multifacética podría ser la creación del espacio Galería Chilena, que fue operado sin espacio físico en Santiago (1997-2000) como un esfuerzo  nómada y comercial. La “galería” se puso a sí misma el reto de crear un mercado de arte crítico para la escena artística de la post-dictadura en Chile.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

  • 2013: CONCURSO CHACO-FINLANDIA / 1ra Mencion Honrosa, Colección Vodka Finlandia, Santiago de Chile, Chile.
  • 2013, 2010, 2007, 2004: DIRAC, Ministerio de Relaciones Exteriores, Gobierno de Chile, Santiago de Chile, Chile.
  • 2012: DIVA (Danish International Visiting Artists Programme) – Danish Arts Council Committee for International Visual Arts.
  • 2009, 2004, 2001, 1999: FONDART, Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Santiago de Chile, Chile.
  • 2002: POLLOCK KRASNER FOUNDATION, New York, USA.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 5, 2013 Alexis Minkiewicz https://abstractioninaction.com/artists/alexis-minkiewicz/

Translated from Spanish

The series of works that I present addresses metamorphosis and change; processes. Taking shape through figuration and expansion and the dialogue between materials as a point of tension between the static and the dynamic.

The title of this series is Variations (on the intermediate state), which I take from the Tibetan book of the dead called Bardo Thodol. Its translation means: The Liberation Through Hearing During the Intermediate State, making reference to the moment of transition between death and reincarnation.

 

La serie de trabajos que presento aborda nuevamente la metamorfosis y el cambio, los procesos. Tomando forma a través de la figuración y la expansión y el dialogo entre los materiales como punto de tensión entre lo estático y lo dinámico.

El título de esta serie es Variaciones (sobre el estado intermedio),  lo tomo del libro tibetano de los muertos, llamado Bardo Thodol la traducción es: Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio, haciendo referencia a esa instancia de transición entre la muerte y la reencarnación.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

October 5, 2013 Marco Maggi https://abstractioninaction.com/artists/marco-maggi/

From CNN to the DNA, I focus my attention on reaching surfaces without the minor hope to get informed. Everyday, we are condemned to know more and understand less. This antiseptic process prefigures the first global semiotic indigestion. Reality collapses when one tries to portray an ocean by depicting drop after drop of water. My vision of the world is as precise as it is mistaken, and that is why I draw for hours with intense attention and no particular intention.

 
Traducido del inglés

De CNN al ADN, enfoco mi atención a alcanzar superficies sin la menor intención de estar informado. Todos los días estamos condenados a saber más y entender menos. Este proceso antiséptico prefigura la primera indigestión semiótica global. La realidad se colapsa cuando uno intenta representar un océano al ilustrar cada gota de agua. Mi visión del mundo es tan precisa como errada, y es por esto que dibujo por horas con intensa atención y sin particular intención.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions 

Publications

Collections

Links

October 5, 2013 Julián León https://abstractioninaction.com/artists/julian-leon/

Translated from Spanish

My work consists in looking for connections between things and to make them visible. I usually work with reminders, material and discursive discards. I have always felt irresistibly attracted by discarded construction materials in the street. I recognize in those residual products the face that the world of objects shows me. Nevertheless, by utilizing these discarded materials I do not seek to reproduce or restore the world to which they belonged to, I am not interested in that fiction. On the contrary, my interest on that waste is based precisely on their quality as fragments, as incomplete, in the fact that they are segments of the other narratives they have been ripped apart from. They are extracts, pieces of a story that they cannot tell in its totality, paragraphs of a forever lost text or even words, syllables, letters that by being placed next to each other form new units of meaning, new histories; collage. This possibility of relating them to each other in a new and whimsical way, changing them, modifying them, assembling them—it is a way to operate and in this sense, to think, of configuring and reconfiguring, if desired, of knocking over to generate new orders or understandings of them. Painting, photography, sculpture, writing, drawing, or any of the different artistic disciplines are to me means, not of communication, but of experimentation, tools of formal connection and meaning which limits are dissolved. What is true is that as the rest of the world, I look for a meaning; my life is so fragmented that each time I find a connection between two fragments, I feel tempted to find a meaning. The connection exists, but to give it a meaning would be to build an imaginary world within the real world, and I know that this would not be possible. In moments of courage I adopt the unsensical as basic principle, but then I understand that my role is to see what I have in front of me (even if it is inside of me too) and describe it, understand it, experiment it. Art, according to my experience, is the experimental exercise of reality.

 

Mi trabajo consiste en buscar conexiones entre las cosas y hacerlas visibles. Suelo trabajar con restos, desechos materiales y discursivos. Siempre me he sentido irresistiblemente atraído por los desechos en la calle provenientes de la construcción. Reconozco en esos productos residuales el rostro que el mundo de los objetos me muestra. Sin embargo al utilizar esos desechos no busco reproducir o restaurar el mundo del que hacían parte, no me interesa esa ficción, por el contrario, mi interés en esos desechos se basa precisamente en su cualidad de fragmentos, en su incompletud, en el hecho de que son segmentos de otras narrativas de las que han sido arrancados; extractos, trozos de una historia que no pueden contar en su totalidad, párrafos de un texto perdido para siempre o incluso palabras, silabas, letras que al ser colocadas unas junto a otras forman nuevas unidades de sentido, nuevas historias; collage. Esa posibilidad  de relacionarlos entre sí, de manera nueva y caprichosa, cambiándolos, modificándolos, montándolos “es una forma de operar y en ese sentido, de pensar, de configurar y reconfigurar, si se quiere, de revolcar para generar nuevos “órdenes” o “líneas de entendimiento” sobre los mismos.  La pintura, la fotografía, la escultura, la escritura, el dibujo o cualquiera de las diferentes disciplinas artísticas no son para mí más que medios más no de comunicación sino de experimentación, herramientas de conexión formal y de sentido cuyas fronteras resultan bastante disueltas. Lo cierto es que “al igual que todo el mundo busco un significado; mi vida está tan fragmentada que cada vez que encuentro una conexión entre dos fragmentos, siento la tentación de buscarle un significado. La conexión existe, pero otorgarle un significado, sería construir un mundo imaginario dentro del mundo real, y sé que ese mundo no se sostendría. En los momentos de mayor valentía, adopto el sinsentido como principio básico; pero luego comprendo que mi papel es ver lo que tengo delante (aunque también este en mi interior) y describirlo”, conocerlo, experimentarlo; arte, según mi experiencia, es el ejercicio experimental de la realidad.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

October 5, 2013 Juan Iribarren https://abstractioninaction.com/artists/juan-iribarren/

Translated from Spanish

I work mainly in oil on canvas, although I also regularly produce works of paper in ink, pencil or color pencils, as well as photography series. I make a seemingly abstract painting, nevertheless based on the light that comes through the workshop on an empty wall, and how it affects color.

I depart from a lighting situation (of lights and shadows) that I observe and to which I remain faithful. I believe simultaneously in a geometric structure (given by the planes of light or sun rays on the wall), and the shapeless color fields applied gesturally (though my attempt to reach color and shape precision in light). The result is a collision between two types of painting apparently impossible to reconcile: an ideal geometric structure and an atmospheric, gestural and undefined painting.

Photography takes geometry beyond the oil paintings, transforming them in flat and immediate images. At the same time they speak about the effect of light on color, since they portray the paintings subject to new light situations that complicate color and confuse what is painted with what is captured with the photographic lens.

I am interested in the legacy of modern geometry, but subverting it through the confrontation with an opposing painting that allows the environmental, the soft, the mudded, and the polluted. I research through my works the equivalence, deceptively unrecognizable, between geometry and light.

 

Trabajo mayormente en óleo sobre tela, aunque tambien produzco regularmente obras sobre papel hechas con tinta, lápiz o lápices de colores, así como series de fotografías.  Hago una pintura aparéntemente abstracta, sin embargo basada en la luz que penetra en el taller sobre una pared vacía, y en como ella afecta el color.

Parto de una situación lumínica (de luces y sombras) que observo y a la cual me mantengo fiel. Creo simultaneamente una estructura geométrica (dada por los planos de luz o sol sobre la pared), y campos de colores informes aplicados gestualmente (en mi intento de lograr la exactitud de color y forma de situaciones de luz o luminicas tan cambiantes). El resultado es un choque entre dos tipos de pintura aparentemente imposibles de reconciliar: una estructura geométrica ideal y perfecta, y una pintura atmosférica, gestual e indefinida.

Las fotografías llevan mas allá la geometría presente en los óleos convirtiéndolos en imágenes planas e immediatas. Al mismo tiempo ellas hablan del efecto de la luz sobre el color, ya que éstas retratan los oleos sometidos a  nuevas situaciones lumínicas que complican el color y confunden lo pintado con lo captado por el lente fotográfico.

Me interesa el legado de la geometría modernista, pero esta vez subvertido a través de su confrontación con una pintura normalmente contraria que permite lo atmosferico, lo blando, lo turbio, lo contaminado. Investigo a traves de mis obras una equivalencia, aparentemente irreconciliable, entre la geometría y lo lumínico.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

October 5, 2013 Billy Hare https://abstractioninaction.com/artists/billy-hare/

Linear perspective was made possible at first through the “camera obscura” and has pervaded western art since the Renaissance. Today, most lens made photographs use this method as a standard way of registering the world. Taking fixed point perspective to an extreme would mean that photography was invented in the 15th century.

In some of my earlier series I had been challenging the way straight photography described my experience of time and place. A few years ago this concern took me to radically change the way of understanding how my experience of the visible could be freed of a single viewpoint. A structure oriented form of registering temporal and spatial relationships, continuous movement rendered by duplication and mirroring.

Continuous Variables is the mathematical term I chose for these series. The visual complexity of the repetitive modular units recombined, emphasizes variation within sameness. Once I started building these images it became clear that similar structures could be found in music, physics, the organic realm, and notoriously in the great Peruvian pre-Columbian textiles. Self expression was substituted by a sense of discovery of a different way to understanding the real. Continuous movement broken down and reconfigured gave me a whole new visual experience of the world around me and a clear departure from fixed point perspective.

 
Traducido del inglés

La perspectiva linear fue posible gracias a la cámara obscura y se ha difundido en el arte occidental desde el Renacimiento. Hoy en día, la mayoría de los lentes hicieron que la fotografía utilizara este método como norma al registrar el mundo. El tomar la perspectiva de punto fijo a un extremo podría significar que la fotografía fue inventada en el siglo XV.

En algunas de mis series tempranas había cuestionado la forma en la que la fotografía directa describía mi experiencia de tiempo y lugar. Hace algunos años, esta preocupación me llevó a cambiar radicalmente la manera de entender cómo mi experiencia de lo visible podía ser liberada del punto de vista singular. Una forma de registrar relaciones temporales y espaciales, movimiento continuo reproducido por medio de la duplicación y reflejos, concentrada en la estructura.

Continuos Variables (Variables continuas) es el término matemático que elegí para esta serie. La complejidad visual de la recombinación de la repetición de las unidades modulares enfatiza variación entre la semejanza. Cuando comencé a construir estas imágenes me quedó claro que estructuras similares podrían encontrarse en textiles peruanos precolombinos. La expresión individual fue sustituida por un sentido de descubrimiento de una forma diferente de entender lo real. El movimiento continuo, dividido y reconfigurado, me dio una nueva experiencia visual del mundo a mi alrededor y un claro alejamiento de la perspectiva de punto fijo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 5, 2013 Camilo Guinot https://abstractioninaction.com/artists/camilo-guinot/
Translated from Spanish

I am interested in the relationship between culture and nature. My work consists in manipulating everyday materials by questioning the mechanisms of perception through which we understand the world.

 

Me interesa la relación entre cultura y naturaleza. Mi trabajo consiste en manipular materiales cotidianos cuestionando los mecanismos perceptivos a través de los cuales comprendemos el mundo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes/Fellowships:

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 5, 2013 Nicolás Gómez https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-gomez/

Through the exploration on different mediums—primarily painting and sculpture—, I explore codes to represent space’s sensorial and perceptive experience. In this sense, I work with objects and images that reveal the existing tension between the natural and the artificial, and the subjective experience related to science and language’s cataloguing and measuring schemes. In both my artistic and research work, I have delved in modern and contemporary art’s references to rural and urban landscape, as well as in the development and validity of abstraction.

 

A través de la exploración con diferentes medios —principalmente la pintura y la escultura— exploro códigos para la representación de la experiencia sensorial y perceptiva del espacio. En este sentido, trabajo con objetos e imágenes que develan las tensiones entre lo artificial y lo natural, y la experiencia subjetiva con relación a los sistemas de categorización y medición de la ciencia y del lenguaje. Tanto en mi obra artística como en mi trabajo de investigación, he profundizado en las referencias al paisaje rural y urbano en el arte moderno y contemporáneo, así como el desarrollo y vigencia de la abstracción.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

October 5, 2013 Mauro Giaconi https://abstractioninaction.com/artists/mauro-giaconi/

Translated from Spanish

Entropy Five hundred four thousand nine hundred and fifty three tons on the lifeless gesture that knows that nothing justifies waking up from a good dream. What it is doesn’t matter. What could have happened, neither. If I could give form to pain, everything would be easier. Pain is ancient, wise, and selfish; pain is born, grows up, travels and expands. It is liquid that copies the shape of the body. It was enemy due to my stubbornness, for not understanding that the question was not why walls exist but how to go through them. Now it is my accomplice and my faithful ally. Now it is noise, dissatisfaction, and hope. The polyhedron will triggers any structure; that is why I look for the shape on the wall that never understood limits, the whisper of the corner that does not like angles, the collapse of the ceiling that denied responsibility. Since I do not know where to start, I shake off the lethargy and erase distrust. The strategy is to withdraw, mix up in the dreams, simplify them and get lost in the trip. Meditate, edit myself and neglect order. I followed the advice and grazed the surface one time after another, looking for the spirit of things. When I find something I will notice. When I lose faith I will too. My hands are precise but I am not, that is why when I squirm hoping not to get lost in the instant, I focus on the space of the body, in the weight of the noise, in the breathing, in the chaotic energy of the continuing present. My nation follows me, it has the shape and the size of my foot. If I could float, even if it is a little bit more, I would abandon the ground for a while, like that nail that got buried looking for sunlight during the night. I want to—if I could—last in the instant that divides dreaming from waking up. It is there where everything weighs the same. I want to—if I could—be the horizontal that looks for elevation: verticality is what tends to fall.

 

Entropía Quinientas noventa y cuatro mil novecientas cincuenta y tres toneladas sobre el gesto inerte que sabe que nada justifica despertar de un buen sueño. Lo que era no importa, lo que pudo ser tampoco. Si pudiera darle forma al dolor sería todo más fácil. El dolor es anciano, sabio, egoísta; el dolor nace y crece y viaja y se expande. Es líquido que copia el contorno del cuerpo. Fue enemigo por mi necedad, por no entender que la pregunta no era por qué existen los muros, sino cómo atravesarlos. Ahora es mi cómplice y mi fiel aliado. Ahora es ruido, es descontento y esperanza. La voluntad poliédrica detona cualquier estructura, por eso busco la forma de la pared que nunca entendió de límites, el suspiro del rincón que no soporta los ángulos, el derrumbe del techo que rechazó la responsabilidad. Como no sé por dónde empezar, me sacudo el letargo y borro el recelo. La estrategia es replegarme, revolver en los sueños, simplificarlos y perderme en el viaje, meditar, editarme y descuidar el orden. Seguí el consejo y rocé la superficie una y otra vez buscando el espíritu de las cosas. Cuando encuentre algo aviso. Cuando pierda la fe también. Mis manos son precisas pero yo no, por eso mientras me retuerzo deseando no perderme el instante, me concentro en el espacio del cuerpo, en el peso del ruido, en la forma de la respiración, en la energía caótica del presente continuo. Mi patria me sigue, tiene la forma y el tamaño de mi pie. Si pudiera flotar, aunque sea un poco más, abandonaría el suelo por un rato, como ese clavo que se hundió buscando la luz del sol durante la noche. Quiero -si pudiera- perdurar en el instante que divide el sueño del despertar: es ahí donde todo pesa lo mismo. Quiero -si pudiera- ser horizontal que busca elevación: es la verticalidad la que tiende a caer.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

October 5, 2013 Richard Garet https://abstractioninaction.com/artists/richard-garet/

Richard Garet interweaves various media including moving image, sound, multimedia performance, and photography. In work ranging from modified environments to site specific installations to audiovisual screening works, Garet constructs intimate spaces and immersive situations that draw attention to the processes of perception and cognition, and which activate sensorial, physical, psychological phenomena that reflect on the nature and experience of time. Garet’s pieces, whether conceptual in origin or stemming from his investigation of complex systems and algorithmic translations, are informed by the background noise established by mass media culture and the collective arena that surrounds him. Garet’s reductive process seeks to invert the normative function of this background noise, drawing it up from subliminal status to an active presence. He finds further inspiration from material interactions that incorporate problems of context, technology, defunctionalization, commodity, and environment.

 
Traducido del inglés

Richard Garet combina varios medios incluyendo imagen en movimiento, sonido, performance multimedia y fotografía. A partir de obras que abarcan desde ambientes modificados a instalaciones específicas u obras de proyección audiovisual, Garet construye espacios íntimos y situaciones inversivas que se enfocan en procesos de percepción y cognición, activando fenómenos sensoriales, físicos y psicológicos que reflexionan acerca de la naturaleza y el paso del tiempo. Las piezas conceptuales de Garet, o las surgidas a partir de su investigación de sistemas complejos y traducciones de algoritmos, se originan del ruido de fondo establecido por la cultura de medios de masa y el campo de colectividad que lo rodea. El proceso de reducción de Garet tiene como objetivo invertir la función normativa de este ruido de fondo, llevándolo de su estatus subliminal a una presencia activa. Garet encuentra mayor inspiración de las interacciones materiales que incorporan problemas de contexto, tecnología, des-funcionalización, mercancía y medio ambiente.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Links

October 5, 2013 Dario Escobar https://abstractioninaction.com/artists/dario-escobar/

Extract from: Alma Ruiz, “Interview with Artist” in Jose Falconi, ed. A Singular Plurality: The Works of Darío Escobar. Cambridge, MA: Department of History of Art and Architecture, Harvard University, 2013, pp.  331-345. “I am very interested in the ideas of Benjamin H. D. Buchloh, which seem to me quite accurate as they relate to contemporary art: sculpture as a cross between an industrial object and a monument within the fine arts tradition. I’m very interested in analyzing the relationship between production and consumption, especially in these times in which objects are mass produced, and in their production in factories, individuals alienate themselves from the items: they distance themselves, but they are then reconciled in the exercise of purchase/consumption. However, to incorporate the object into an aesthetic operation, such as art, leads us to a narrower and more revealing space for reflection—it does not simply place the object within these mechanical operations of manufacturing and buying.” (…) “My interest in the pre-Hispanic past actually lies in the question of form, and I take this as a pretext to investigate the major issues that informed art in these lands for centuries. When I made these works, (Kukulkán I, 2007; and the series Quetzalcóatl II, III, etc.) I was really excited to discover a sculptural model that would show certain qualities that traditional sculpture doesn’t show, and one of these factors was the behavior of the material. I was interested in starting to work with light, with shadows, and with materials that move freely without obeying the forms that I give them as a sculptor. It was a true exercise in freedom. I thought this idea was touched upon in some way in pre-Hispanic architecture with the shadows that form on staircases… I’ve always been particularly interested in archeology as well.”

  
Traducido del inglés

Fragmento de: Alma Ruiz, “Interview with Artist” in Jose Falconi, ed. A Singular Plurality: The Works of Darío Escobar. Cambridge, MA: Department of History of Art and Architecture, Harvard University, 2013, pp.  331-345. “Me interesan mucho las ideas de Benjamin H. D. Buchloh, las cuales me parecen bastante acertadas ya que se refieren al arte contemporáneo y a la escultura como una mezcla entre objeto industrial y un monumento dentro de la tradición de las bellas artes. Me interesa analizar la relación entre producción y consumo, especialmente en estos tiempos en los que los objetos son producidos en masa y debido a su producción es de fábrica los individuos se apartan de ellos. Toman distancia, pero se reconcilian en el ejercicio de compra y consumo. No obstante, al incorporar el objeto dentro de una operación estética como lo es el arte, nos lleva a un espacio de reflexión más estrecho y revelador. No pone al objeto simplemente dentro de estas operaciones mecánicas de manufactura y compra”. “Mi interés en el pasado prehispánico radica en la cuestión de la forma y lo tomo como pretexto para investigar los temas importantes que informaron el arte desde estas tierras por siglos. Cuando realicé estas obras (Kukulkán I, 2007, y la serie Quetzalcóatl II, III, etc.) me entusiasmó descubrir un modelo escultórico que mostraba ciertas cualidades que la escultura tradicional no muestra y uno de estos factores fue el comportamiento del material. Me interesaba comenzar a trabajar con la luz, con las sombras y con materiales que se mueven libremente sin obedecer las formas que les doy como escultor. Fue un verdadero ejercicio de libertad.  Pensé que esta idea se abordó de alguna manera en la arquitectura prehispánica con las sombras que se forman en las escalinatas… Siempre he tenido un interés particular por la arqueología también.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 5, 2013 Bruno Dubner https://abstractioninaction.com/artists/bruno-dubner/

Translated from Spanish

I research photography through what is put in front of it; I research what is put in front of the camera through photography. I am interested in photography as a medium and end in itself. This simultaneity is the raw material that I work with.

 

Investigo la fotografía a través de lo que se sitúa frente a la cámara, investigo lo que se sitúa frente a la cámara a través de la fotografía. Me interesa lo fotográfico como medio y como un fin en sí mismo. Esta simultaneidad es la materia prima con la cual trabajo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

October 5, 2013 Marcolina Dipierro https://abstractioninaction.com/artists/marcolina-dipierro/

Translated from Spanish

In the current development of my work, I’ve seen necessary to incorporate physical and concrete objectual elements so they dialogue directly with the walls and floors in spaces of determinate spaces, pursuing a more architectural ideal more adapted and articulated to the exhibition space. I am interested on encountering the space by creating spatial and formal connections with the shadows and their materiality, subjecting the surfaces and physical limits of the space, unlimiting it formally, visually and perceptively.

In some cases, I work with a series of “objectual pieces,” consisting of basic geometric elements: volumes, planes and lines made with simple materials, to continue with the idea of space as protagonizer, beyond the materiality of the forms. To develop them I use linear forms of stainless steel, aluminum or carbon fiber, and other materials such as acrylic and woods. Some of the works are constructed in modules so they can adapt to different exhibition spaces and so that I can make combinations subject to the space where they would finally be placed at. This series of works that I have been producing, are an account of my most current analysis about the unlimited possibilities that the space offers as support to the work, as a constructive tool.

 

En el desarrollo actual de mi trabajo he visto necesaria la incorporación de elementos físicos y objetuales concretos para que dialoguen directamente con muros y pisos en ángulos de determinados espacios persiguiendo una idea más arquitectónica, más acoplada y articulada al espacio expositivo. Me interesa salir al encuentro del espacio estableciendo vínculos espaciales y formales con las sombras y las materialidades de las mismas subjetivizando las superficies y fronteras físicas del espacio, ilimitándolo formal, visual y perceptivamente.

En algunos casos, trabajo con una serie de “piezas objetuales” conformadas por elementos geométricos básicos: volúmenes, planos y líneas elaborados en materiales simples, para continuar con la idea del espacio como materia protagónica más allá de la materialidad de las mismas. Para su desarrollo utilizo  formas lineales y planas de acero inoxidable, aluminio ó fibra de carbono, así como también materiales como el acrílico y  madera de diferentes calidades.

Algunas de las obras son construídas en módulos de modo de poder adaptarse a diferentes espacios expositivos y para permitirme realizar con ellas combinaciones supeditadas al espacio donde serán finalmente emplazadas.

Esta serie de obras en las que vengo trabajando dan cuenta de mis últimas investigaciones en las posibilidades ilimitadas que ofrece el espacio como soporte de la obra, como herramienta constructora.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

October 5, 2013 Gabriel de la Mora https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-de-la-mora/

Translated from Spanish

I always knew that when I would leave architecture, someday I would return to it, not as an architect, but as an artist. I do not consider myself a painter, sculptor, draftsman, or photographer. I find reducing art to one technique to be unfair. I am an artist who works with ideas, possibilities and concepts, where each work requires a particular technique. Since I was a child I have struggled to distinguish fantasy from reality; now I constantly try to transform figuration in abstraction and vice versa. I have always liked to surprise myself and surprise everyone else. When this is incorporated into the fact that the work leaves you thinking, the work becomes complete. I am interested in finding the balance between the formal and the conceptual; between the left and the right. I am left-handed and dyslexic, therefore I write backwards in a natural way since I was 4 years old, using the right hemisphere of the brain; where emotional expression, sign language, musical sensibility and artistic sensibility are located. I work, think and speak with numbers, information, counting, figures, in a repetitive, obsessive way, organized within chaos. I constantly seek originality through repetition; I like something to be universal and particular. I am at the same time minimalist and baroque. I have 6.5 cm between my two pupils. The first impression with any work of art will always be visual, as conceptual as this may be. Thus I am interested in experimenting with different ways of “seeing” that are not only through the eyes. To achieve this I often use psychics and blind people, since I am certain of the parallel that exists between a clairvoyant and an artist. I am drawn by paranormal phenomena, criminology, music and meditation, among many other things. I am interested in accumulating objects from 1860 to 1960, approximately, focused on photography and architectural elements, among others. I look for and find “things” that ceased to fulfill the function they were made for and before they are turned into waste, I negotiate them, exchange them or buy them to turn them into something else. My studio is a sort of laboratory where experimentation is fundamental to the process and development in series. All the processes are documented and are part of an archive. When I make a mistake, it is not fixed or patched up; the work is simply discarded and I begin another one from scratch. I like to question and create through a process of destruction. Also to create something to then undo it, then something that apparently does not take me anywhere ends up being the work itself, through the trace, the mark or the document that remains. Work produces work, work produces more work, and work also produces ideas and ideas generate more ideas and also more work. The workshop functions infinitely and circularly, with a team of people that go from the ordinary to the extraordinary. I buy, collect and accumulate a great diversity of archives that ultimately will be a work in themselves, or the raw material of different series to be developed. I write ideas, projects, phrases, words and quantities in my notebooks every day. I always work in different series or projects simultaneously, in some I have absolute control of the work, and in others everything is random. Some works are a 100% created in the studio, while others are found or transformed from garbage to something else. Time, gravity, fragility, waste, and accident are the constants in any series or any work. The energy factor of the works, the objects and the things in general is an important element, such that my definition of art is parallel to the definition of energy: Art is neither created nor destroyed, it can only be transformed.

 

Siempre supe que al dejar la arquitectura, algún día regresaría a ella, pero ya no más como arquitecto, sino como artista. No me considero pintor, escultor, dibujante, ni fotógrafo; reducir el arte a una técnica me parece injusto. Soy un artista que trabaja con ideas, posibilidades y conceptos, en donde cada obra pide una técnica en particular. Desde pequeño me ha costado diferenciar la fantasía de la realidad; ahora constantemente trato de transformar la figuración en abstracción y viceversa. Siempre me ha gustado sorprenderme y generar sorpresa en los demás, cuando esto se une a que la obra te deje pensando, se completa la pieza. Me interesa encontrar el balance entre lo formal y lo conceptual; entre la izquierda y la derecha. Soy zurdo y disléxico, por lo que escribo al revés desde los 4 años de forma natural, utilizando el hemisferio derecho del cerebro; en donde se localiza la expresión emocional, el lenguaje mímico, la sensibilidad musical y la sensibilidad artística. Trabajo, pienso y hablo con números, información, conteos, cifras, de una forma repetitiva, obsesiva y ordenada dentro de un caos. Busco constantemente la originalidad a través de la repetición, me gusta que algo sea universal y particular; soy minimalista y barroco al mismo tiempo. Tengo 6.5 cm entre cada una de mis dos pupilas. El primer impacto con cualquier obra de arte siempre será visual, por más conceptual que esta sea; por lo que me interesa experimentar con diversas formas de “ver”, que no sea únicamente con los ojos; para lograr esto suelo utilizar videntes e invidentes, ya que estoy seguro del paralelo que existe entre un vidente y un artista. Me llaman la atención los fenómenos paranormales, la criminología, la música y la meditación entre muchas cosas más. Me interesa acumular objetos que van de 1860 a 1960 aproximadamente, enfocados en fotografía y elementos arquitectónicos principalmente, entre muchos más. Busco y encuentro “cosas” que dejaron de cumplir su función para las que fueron hechas y antes de convertirse en un desecho, negociarlas, intercambiarlas o comprarlas para convertirlas en algo más. Mi estudio es una especie de laboratorio, en donde la experimentación es la parte fundamental en el proceso y desarrollo de serie. Todos los procesos quedan documentados y forman parte de un archivo. Cuando cometo un error, no se compone o parcha, simplemente la pieza se descarta y se comienza una nueva desde cero. Me gusta cuestionar y crear mediante de un proceso de destrucción, así como también hacer algo para después deshacerlo y lo que aparentemente no me lleva a nada, en realidad es la obra en sí, a través de la huella, la marca o el registro que queda. El trabajo genera trabajo, el trabajo genera más trabajo, el trabajo genera también ideas y las ideas generan más ideas y a la vez también más trabajo, y así infinitamente y en círculo es la forma en la que funciona el taller, con un equipo de personas que van de lo ordinario a lo extraordinario. Compro, colecciono y acumulo una gran diversidad de archivos que al final serán una obra en sí o la materia prima de diversas series por desarrollar. Todos los días escribo en mis cuadernos ideas, proyectos, frases, palabras y cantidades. Siempre trabajo en varias series o proyectos al mismo tiempo, en algunos tengo un control absoluto de la pieza, en otros todo queda al azar. Algunas obras son creadas al 100% en el estudio, mientras otras son encontradas o transformadas de un desecho a algo más. El tiempo, la gravedad, la fragilidad, el desecho, el accidente, son constantes el cualquier serie o en cualquier pieza. El factor energético de las piezas, de los objetos y las cosas en general es un elemento importante, tanto así que mi definición de arte es un paralelo a la definición de energía: El arte ni se crea ni se destruye, tan solo se transforma.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 5, 2013 Tony Cruz Pabón https://abstractioninaction.com/artists/tony-cruz/

Translated from Spanish

Time, the everyday and repetitive actions like filling up, empty out, or repair, are recurring ideas in my work. To me, representing through drawing the distance between my home and the house of my relatives, or the calculation of the times that I take my hand to my mouth when I am smoking—both drawn on pencil over the wall—more than an act of measurement, they are to me a way of shaping everyday experience.

For example, the exercise of walking around the city of San Juan to document a series of constructions, made by the inhabitants of the city with everyday objects, made with the purpose of reserving a parking space. This document resulted in a publication that gathers this form and to which I add a series of drawings that propose the use of these same objects for other purposes or possible sculptures.

Generally, my work ends up becoming drawing, where I utilize a few material and visual resources. I am interested in materials that are easy to obtain, such as Plastiscine for children—which I have used to “repair” cracks on a deteriorated building—or powdered construction pigment, which registers the movement of a ball in a baseball field during a game.

In my most recent projects, I have investigated the visual production that generated from Puerto Rican popular music (Salsa, Bomba, and Plena), during the 60s, 70s and beginning of the 80s. The LP as an object, the graphic design, the typography and the images that are produced through the lyrics, give me the opportunity to make an analysis of the construction of landscape in that specific moment.

 

El  tiempo, lo cotidiano, y las acciones repetitivas, como rellenar, vaciar o reparar son ideas recurrentes en mi trabajo. Representar en dibujo la distancia entre mi residencia y la casa de mis familiares, o bien el cálculo de la cantidad de veces que me llevo la mano a la boca al fumar un cigarrillo (ambos dibujados en lápiz sobre la pared), más que un acto de mensura, son para mi una manera de dar forma a la experiencia cotidiana.

Como es el ejercicio de caminar por la ciudad de San Juan con el fin de documentar una serie de construcciones, hechas por los habitantes de la cuidad con objetos cotidianos, hecho con el propósito de reservar un estacionamiento. Este documento resultó en una publicación que recoge esta forma y en la cual añado una serie de dibujos que proponen el uso de éstos mismos objetos para otras funciones o posibles esculturas.

Generalmente mis trabajos terminan siendo dibujos, donde utilizar pocos recursos materiales y visuales. Me interesan los materiales que me son de fácil acceso, como la plastilina para niños, -que he utilizado para “reparar” grietas en un edificio deteriorado-, o el pigmento de construcción en polvo, con el que queda registrado el movimiento de una bola en un campo de baseball durante un partido.

En mis últimos proyectos me encuentro investigando la producción visual que se generó en la música popular puertorriqueña (salsa, bomba y plena) durante las décadas de los años 60, 70 y principios de los años ochenta. El LP como objeto, el diseño gráfico, la tipografía y las imágenes que se producen en las letras de las canciones, me dan pie a hacer un estudio de la construcción del paisaje en ese momento.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 5, 2013 Fabiana Cruz https://abstractioninaction.com/artists/fabiana-cruz/

Translated from Spanish

Music in movement: dance. Music in poetry: song. Music in writing: a score. How to translate Music into painting? My work is born from the deep necessity to fuse my two vocations: music and visual arts. I first memorize a song, I study it. Then I choose a common place, on the sidewalk, on a wall… and I draw the music—how I hear it, how it comes out of the chalk, how I see it.

 

Música en movimiento: la danza. Música en poesía: una canción. Música escrita: una partitura. ¿Como traducir la Música en pintura? Este trabajo nace de una necesidad profunda de fusionar mis dos vocaciones: la música y las artes visuales. Primero memorizo la canción, la estudio. Luego escojo un lugar cualquiera, sobre la acera, en un muro… Y dibujo la música. Como la escucho, como nace bajo la tiza, como la veo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

October 5, 2013 Eduardo Costa https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-costa/

My “volumetric paintings” are created by adding layers over layers of acrylic paint with brush and spatula. Volume is obtained with no materiality other than acrylic pigment and the eventual thickener.

My pieces include representational and abstract examples. In representational paintings –fruits, people– I work not only the surface of subjects but also the internal space.

A volumetric painting of a watermelon is green in the surface, white and red inside.  A head portrait is as true to the internal organs, muscles, bones–which will be invisible– as to the visible features shown in flat painting or in sculpture.

The geometric abstractions are usually monochromes painted the same color through and through. The knowledge of all the color we do not see completes conceptually the visual perception of the work. When a viewer knows he or she is seeing a volumetric, pure monochrome, he will integrate into the resulting perception an element of imagination: A mass of the same color he is sampling with his eyes.

I am hoping my volumetric paintings will change art teaching. Currently acrylic paint is taught as if it was oil based. There is at least one basic difference; utilizing the appropriate techniques, acrylic paint can be employed to build volumes.

 
Traducido del inglés

Mis “pinturas volumétricas” son creadas al añadir capas sobre capas de pintura acrílica con pincel y espátula. Se obtiene volumen sin otra materialidad que el pigmento acrílico y el aglutinante.

Mis piezas incluyen ejemplos representacionales y abstractos. En las pinturas representacionales (frutas, gente), no trabajo sólo con la superficie de los temas sino también de sus espacios interiores.

Las abstracciones geométricas son a menudo monocromos pintados con el mismo color de principio a fin. La comprensión de todo el color que no vemos completa la visión perceptual de la obra. Cuando un espectador sabe que él o ella está viendo un monocromo puro y volumétrico, integrará a la percepción final un elemento de la imaginación: una masa del mismo color que está siendo percibido con sus ojos.

Espero que mis pinturas volumétricas cambien la manera en la que se enseña el arte. Hoy en día se enseña a pintar con acrílico como si fuese óleo. Existe por lo menos una diferencia; utilizando técnicas adecuadas, la pintura acrílica puede ser utilizada para crear volúmenes.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 5, 2013 tepeu choc https://abstractioninaction.com/artists/tepeu-choc/

Translated from Spanish

The constant elements in my work are color, space and form, departing from understanding that, by dedicating to bidimensionality I will never achieve tridimensionality. This compels me to carefully study the space that is available to me, to situate shapes, to build with available elements and materials. From the sketch, I begin the process of the work in which I do not allow changes or improvisations, since I depart from a series of studies on movement, color portions, distance and color. I appropriate existing forms; I modify them and give them a new role, in addition to use the materials which I work with in my favor—thread, wire mesh, color pencils, etc. I am interested in the connection with the viewer, through the play of dimensions of the medium of my work, as well as the application of my palette of colors in different tonalities. Until this day, I have been working with different branches of the visual arts, focusing in some of them, for example drawing, engraving, painting, sculpture and photography. Nevertheless, one of my most ambitious projects, which began in 2008, is the one where I aim to take the dimensional to sculptures that are interact with the public.

 

Las constantes en mi trabajo son el color, el espacio y la forma, parto de la comprensión de que al dedicarme a la bidimensionalidad nunca podré lograr la tercera dimensión, esto me obliga a estudiar detenidamente el espacio del que dispongo, a situar las formas, construir con elementos y materiales disponibles, a partir del boceto empiezo el proceso de la pieza en el cual ya no admito cambios ni improvisaciones ya que parto de una variedad de estudios de movimientos, porción de colores, distancias y colores. Me apropio de formas que ya existen, las modifico y les doy un nuevo carácter, además de utilizar a mi favor los materiales con los que trabajo, hilo, metal reticulado, lápices de colores, etc. Me interesa la conexión con el espectador, a través del juego de dimensiones del soporte de mi trabajo, además de la aplicación de mi paleta de colores en diversas tonalidades. Hasta ahora trabajo  varias ramas de las artes plásticas enfocándome en algunas de ellas como, dibujo, grabado, pintura, escultura y fotografía, sin embargo uno de mis  proyectos más ambiciosos el cual ha sido iniciado desde el 2008 en el que pretendo llevar de lo dimensional  a esculturas interactivas con el público.

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

October 4, 2013 Marta Chilindrón https://abstractioninaction.com/artists/marta-chilindron/

My focus has always been on questioning the accuracy of our perception, our interpretation of reality.  I have tried to capture the state of flux of everything. Participation of the viewer is important because it brings the person into the sculpture; the public is the performer and the viewer, and that dual involvement is an important element of my work. I explore the ideas of sequencing, beginning and end, making objects that are simple networks with no definite shape and that exist between the second and third dimension with infinite possible configurations.

 
Traducido del inglés

Mi enfoque siempre ha sido el cuestionar la precisión de nuestra percepción, de nuestra interpretación de la realidad. He intentado capturar el estado de flujo de todas las cosas. La participación del espectador es importante porque trae a la persona dentro de la escultura; el público es el que realiza el performance y el espectador, y esa participación binaria es un elemento importante de mi obra. Exploro ideas de secuencia, principio y fin, realizando objetos que son redes simples sin forma definida y que existen entre la segunda y tercera dimensión, con configuraciones posibles infinitas.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Additional Links

October 4, 2013 Sigfredo Chacón https://abstractioninaction.com/artists/sigfredo-chacon/

Translated from Spanish

My plastic research is developed through consecutive series, for example:

Serie Dibujos (Drawing Series) 1974/1989, Serie Monocroma (Monochrome Series) 1991/1993, Serie Pinturasparlantes (Talkingpaintings Series) 1993/1995, Serie Rejillas (Grilles Series), 1993 until today, Serie Purapinturabstracta (Pureabstractpainting Series) 1995, divided into: Drippings, Dibujosdepintura (Paintdrawings), Pinturastropicales (Tropicalpaintings), Crucigramasconmoscas (Crosswordswithflies), Purapintura (Purepainting), Emotionalpaintings, Serie Do you copy? (Do you copy? Series), Serie Pinturaparadaltónicos (Paintingforthecolorblind), Serie Berlinpaintings (Berlinpaintings Series).

All of this is being superimposed parallel to consecutive series in simultaneous periods. I mix one series with another and experimenting with ideas, little by little weaving the conceptual cobweb, giving a renewed sense to all the work process, always faithful to the original idea, for example that of Pureabstractpainting.

This is like a mathematical equation. I try in every moment to keep the process clear and clean, where the mother or medullar idea prevails: that painting is the medium and end of all the creative discourse, and that any reference would be painting itself.

 

Mi investigación plástica se desarrolla por series consecutivas, por ejemplo:

Serie Dibujos 1974/1989, Serie Monocroma 1991/1993, Serie Pinturasparlantes1993/1995, Serie Rejillas, 1993 hasta hoy, Serie Purapinturabstracta 1995 dividida en: Drippings, Dibujosdepintura, Pinturastropicales, Crucigramasconmoscas, Purapintura, Emotinalpaintings, Serie Do you copy?, Serie Pinturaparadaltónicos, Serie Berlinpaintings.

Todo esto se va sobreponiendo paralelamente en series consecutivas en periodos simultáneos, voy mezclando una serie con otra y exprimiendo las ideas, así poco a poco se va tejiendo la telaraña conceptual, dándole un sentido renovado a todo el proceso de trabajo, siempre fiel a la idea original por ejemplo de Purapinturabstracta.

Esto es como una ecuación matemática, trato en todo momento que el proceso sea muy claro y limpio, donde lo que prevalezca sea la idea madre o medular: que la pintura sea el medio y el fin de todo el discurso creativo y que cualquier referencia sea la pintura misma.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Collections

October 4, 2013 Hernán Cédola https://abstractioninaction.com/artists/hernan-cedola/

Dialectic of forms.

Rational. Irrational

Time denial, space alteration.

Dreams and memories of black holes.

Intangible space.

The work of art is adrift, seeking, roaming, erring and not even reaching a final meeting. The end itself is a random ride. Changing the coordinates, mutating, exploring, destroying, beginning a-new, changing the starting point. Changing the axis. It is no for everything to be indifferent, it is for new possibilities to arise. New states, new alterations, new us, strengths, us.

Singularity that evolves into plurality.

Shape of life without shape, no thirst for shape, no thirst for truth, no thirst for judging or being judged.

To become invisible in order to be.

Let it happen and live with the outcome. A game between tension and liberation.

Work as space of struggle, space of permanent revolution, going beyond things because it is knowledge, it is avant-garde and therefore is a void.

Within the twilight of the form the tension of the shapeless is hidden.

Totality has been lost.

 

Dialéctica de la forma.

Racionalidad. Irracionalidad.

Negación del tiempo, alteración del espacio.

Sueños y recuerdos de agujeros negros.

El espacio imperceptible.

La obra es deriva, búsqueda, deambular, errar; no es un encuentro final. El propio final es un andar errante.

Cambiar las coordenadas, mutar, explorar, destruir y comenzar nuevamente, cambiar el punto de partida. Cambiar el eje. No para que todo sea indiferente, simplemente para ver emerger nuevas posibilidades. Otros estados, otras alteraciones, otras fuerzas, otros nosotros, + fuerzas + nosotros.

Singularidad que deviene pluralidad.

Forma de vida sin forma, sin sed de forma, sin sed de verdad, sin sed de juzgar y ser juzgado.

Volverse invisible para Ser.

Dejar que el acto suceda y convivir con lo sucedido. Un juego entre tensión y liberación.

La obra en tanto espacio de lucha, espacio de revolución permanente, un ir al más allá de la cosas porque es conocimiento, es vanguardia y por ende es vacío.

En el ocaso de la forma se esconde la tensión de lo informe.

La totalidad se ha perdido.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 4, 2013 Aníbal Catalán https://abstractioninaction.com/artists/anibal-catalan/

Translated from Spanish

My work is based in the fusion of two-dimensional and three-dimensional mediums, from traditional painting to site-specific installations, using architecture as a language that allows me to dialogue within different forms of representation.

The Works emerge and are comprised of traditional basics in visual compositions, adjusting to the limits of the utilized support, in this case, the architectural space.

Architecture is transformed not only in a form of rational and constructive processes in the use of matter in a functional manner. In my work, architecture transforms itself in something that goes beyond. Everything in this world, each thing, as simple as it may be, has architecture of its own. To me, the real meaning of architecture is found in its perception, visualization and reception, in terms of a formal-conceptual production of visual elements. Improvisation is a basic principle related to necessities that have to be solved. The most basic and ancient architecture is based on improvisation, to be adjusted to certain functions and aesthetic solutions.

The principle of my sculptural installations has avant-garde aesthetics from the beginning of the 20th century as their main reference, using Russian Constructivism as a model, and integrating thoughts and aesthetics derived from de-constructivism.

The use of pictorial and sculptural elements establishes a dialogic resistance and interaction. On the other hand, it represents a compositional structure that works in relation to elements of tension and suspension, where time and contemplation provoke a state of uncertainty, through the improvisation of forms, used construction elements and materials and arranged in real spaces, as a tactic of domestic, utopic and experimental architecture.

 

Mi trabajo se basa en la fusión de medios bidimensionales y tridimensionales; de pintura tradicional a instalaciones de sitio específico. Utilizando la arquitectura como un lenguaje que me permite el diálogo entre diferentes formas de representación.

Las obras surgen y se componen de fundamentos tradicionales en composiciones plásticas, ajustándose a los límites del soporte utilizado, en este caso, el espacio arquitectónico.

La arquitectura se convierte no sólo en una forma de procesos racionales y constructivos del uso de masas de una manera funcional. En mi trabajo la arquitectura se convierte en algo que va más allá. Todo en este mundo, cada cosa, por más simple que sea tiene una arquitectura en sí misma, para mí el significado real de la arquitectura se encuentra en su percepcion, visualizacion y recepcion, en términos de una producción formal-conceptual de elementos plasticos.

La improvisación es un principio básico en relación con todas las necesidades que tienen que ser resueltas. La arquitectura en sus formas más básicas y antiguas es en primer termino improvisación para ajustarse a determinadas funciones y soluciones esteticas.

El principio de mis instalaciones escultóricas tiene como referencia principal a  estéticas de la vanguardia de principios del siglo XX, teniendo como modelo el Constructivismo ruso principalmente e integrando pensamientos y esteticas derivados del deconstructivismo.

El uso de elementos pictóricos y escultóricos establece, en un sentido, una resistencia y una interacción dialógica. Por otro lado, representa una estructura compositiva que trabaja en relación con elementos de tensión y suspenso, en donde el tiempo y la contemplación provocan un estado de incertidumbre, a través de la improvisación de formas, elementos y materiales constructivos usados y dispuestos en espacios reales como una forma de arquitectura doméstica, utopica y experimental.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

October 4, 2013 Casari & PPPP https://abstractioninaction.com/artists/alberto-casari/

Translated from Spanish

PPPP (Peruvian Products To Think) is the extensive performance work that I began in 1994 and which resulted in the creation of the alter egos that I have been working with: Alfredo Covarrubias, Arturo Kobayashi, and the alias of El Místico. PPPP is a company in which I objectify myself to disappear as an individual creator, choosing the annonimity of a logo. Since then, I attribute the authorship of the works to each of them, depending on the type of work, its concept and its poetic. I mean, I attribute painting to Kobayashi, the study of materials to the alias El Místico, visual poetry and texts to Covarrubias, and the actions and performances created by Covarrubias that I excecute. In 1998 I also began a project with carpets and textiles, with some Andean weavers. This resulted in the necessity to create a structure for design, and that is how PPPPdesign was originated, in 2001, as a real company in the real world of commerce and work. In regards to this, the critic Jorge Villacorta affirms: “initially, he made of his work the combination of two minds: the one of Alfredo Covarrubias, a poet with conceptual artistic inclinations residing in Rotterdam (his first heteronym, i.e., the name used to cultivate other aspects of his personality) and his own. His signature disappeared, and instead the logo of a company appeared: PPPP. Inside it, without losing his name, Casari would turn into somebody that was not exactly him. With the use of heteronomy, he questioned the obsession of the signature as the seal of the artist and the fetishism centered in the possession of the frame as essential in the relationship of men with art. The works by PPPP were not objects that could be associated to emotional expression or subjectivity. Soon after that, the artist would explore new ways and the new branch of PPPPdesign appeared in his production. In PPPPdesign, two minds, this time in two bodies (the artist  and his wife), would fabricate objects of “domestic decoration” (Enciclopedia Temática del Perú, Capítulo 1, Arte y Arquitectura, El Comercio, 2004).

 

PPPP (Productos Peruanos Para Pensar) es la extensa obra performática que inicié en 1994 y que dio lugar a la creación de los alter ego con los cuales he venido trabajando: Alfredo Covarrubias, Arturo Kobayashi y el alias El Místico. PPPP es una empresa en la cual me despersonalizo para desaparecer como creador individual, optando por el anonimato de un logo. Desde entonces, atribuyo la autoría de  las obras a cada uno de ellos, según sea el tipo de trabajo, su conceptualidad y su poética. Es decir, la pintura a Kobayashi, el estudio de los materiales  a alias El Místico, la poesía visual y los textos escritos a Covarrubias, así como las acciones y performances creadas por Covarrubias y que yo ejecuto. En 1998 inicié también el proyecto de alfombras y textiles junto con algunos tejedores andinos. Esto originó la necesidad de crear una estructura para el diseño y es así como nace PPPPdesign, en 2001, una empresa real en el mundo real del comercio y del trabajo. Al respecto, el crítico Jorge Villacorta afirma: “Inicialmente, hizo de su obra la conjunción de dos mentes: la de Alfredo Covarrubias, poeta con inclinación artístico conceptual residente en Rotterdam (su primer heterónimo, es decir, nombre con el cual cultivar otros aspectos de su personalidad) y la suya propia. Su firma desaparecía, y aparecía en vez el logo de una empresa: PPPP. Dentro de ella, sin perder su nombre, Casari se convertía en alguien que no era exactamente él. Con la heteronimia, cuestionaba la obsesión con la firma como sello del artista y el fetichismo centrado en la posesión del cuadro como lo esencial en la relación del hombre con el arte. Las obras de PPPP no eran objetos asociables a la expresión emocional o a la subjetividad. Pronto, por eso, el artista exploraría nuevas rutas y en su producción aparecería la rama PPPPdesign, en la cual dos mentes, esta vez sí en dos cuerpos (el artista y su esposa), fabricarían objetos de “decoración domestica” (Enciclopedia Temática del Perú, Capítulo 1, Arte y Arquitectura, El Comercio, 2004).

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Links

October 4, 2013 Georgina Bringas https://abstractioninaction.com/artists/georgina-bringas/

Translated from Spanish

From the personal intention of establishing an approach to the space, distance and time, I integrated elements and quantitative values to my production process, through calculations, units and instruments related to the concept and systems of measure that I have approached through video, drawing, assemblage and installation.

In this process, I reprise the mechanisms that gave way to the first calculations of time and space as they are; the acknowledgement of space and time through experience, identification and production of patterns that work as measuring units, the observation of the manifestations of these concepts, comparing diverse magnitudes and mainly the experimentation and documentation of these events. Based on this, I develop a personal route of exploration of space by comparing numeric manifestations as an artistic proposal about the world and its operation.

If we establish as a way of comparing, that the process of measuring, the final result and the measured value are a means to expand and complement the sensorial capacity of man, and that this capacity is associated to his brain capacity, we can say that to measure is to learn. Following this reasoning, that to measure is to learn or to acquire knowledge of something, we get to know what it is to know that thing, and thus we begin a sequence of events that are linked to each other and lead us to improvement and constant growth of our understanding. 

Personally, I consider this method of production as a possibility to appreciate my surroundings from my artistic process, with measuring instruments and procedures that facilitate a type of emotive and sensorial personal information that does not pretend to be a scientific investigation but an analysis where I use these concepts and tools to reflect artistically on the space, distance and time, from my experience. Also, I am interested in formulating a method of production that based in the experience of using these systems of measurement, would result in a visual investigation that offers a possibility of construction of artistic objects that can be the documentation of the research of my environment, my process and what mean to me the discoveries on the world.

 

A partir del propósito personal de establecer una aproximación al espacio, la distancia y el tiempo, integré dentro de mi proceso de producción artística elementos y valores cuantitativos por medio de cálculos, unidades e instrumentos relacionados con el concepto y sistemas de medición a los que me he aproximado por medio del video, el dibujo, ensamble e instalación.

En este proceso, retomo los mecanismos que dieron lugar a los primeros cálculos de tiempo y el espacio como son, el reconocimiento del espacio y tiempo por medio de la experiencia, la identificación y elaboración de patrones que funcionen como unidades de medición, la observación de las manifestaciones de estos conceptos, la comparación de las diferentes magnitudes y la experimentación y la documentación de estos eventos, principalmente. En base a esto, desarrollo una vía personal de reconocimiento del entorno a través del comparar manifestaciones numéricas como una propuesta plástica acerca el mundo y su funcionamiento.

Si nosotros establecemos, a modo de semejanza, que el proceso de medición, el resultado final y el valor medido, son un medio de ampliar y complementar la capacidad sensorial del hombre y, que esta capacidad está asociada con su actividad cerebral, podemos decir que medir es aprender. Continuando con este razonamiento que medir es aprender o adquirir el conocimiento de alguna cosa, llegamos al saber que es conocer dicha cosa y, por lo tanto, entramos en una secuencia de acontecimientos vinculados entre sí, que, conducen al mejoramiento y al constante crecimiento de nuestro entendimiento.

Personalmente, considero esta forma de producción como una posibilidad para valorar el entorno desde mi proceso de producción artística con instrumentos y procedimientos utilizados en la medición que facilitan la obtención de una clase de información emotiva y sensorial personal que no pretende ser una investigación científica, sino una condición de análisis en donde utilizo estos conceptos y herramientas para hacer reflexiones plásticas del espacio, la distancia y el tiempo desde mi experiencia. Asimismo, me interesa formular un método de producción que, basado en la experiencia de utilizar elementos de los sistemas de medición, desarrolle una investigación plástica que brinde una posibilidad de construcción de objetos artísticos que sean los documentos de una investigación de mi entorno, de mi proceso y de lo que para mí son descubrimientos acerca del mundo.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 4, 2013 Célio Braga https://abstractioninaction.com/artists/celio-braga/

The inspiration for my recent work lies in Brazilian popular culture: its rituals and colours, and processes of patient making that are often based on repetition. This is a culture where materials become infused with beliefs and desires, ritually suffused with the promise of future realisation. Aware of this permeability between the everyday and the spiritual, between concrete matter and intangible memories and wishes, I employ objects as materials that reflect the way desires are ritualized through matter: medical information leaflets and containers, Bonfim wish ribbons and textile fragments become the ground that supports the work, both materially and symbolically. Ingesting medicine and tying knots on Bonfim ribbons are a way of making wishes, and of anxiously awaiting for blessings; fragments of textiles speak of the desire to remember and to be close. In common, these material elements point to the desire of a body that wishes for health, intimacy, love and prosperity; a fragile body that fears mortality.

Influenced by practices of weaving, knotting, tying, cutting, mending, darning, sewing, embroidering and covering, I interweave gestures, rhythms and improvisations based on the repetition of lines and colours. In the Doloridos series, I cover medical leaflets with white gouache, hushing them, and trace horizontal or vertical lines in blue, red, green or yellow. This series is predominantly white, and silent. Ladainhas, on the other hand, is a colourful and vibrant series, in which I use cut paper, Bonfim wish ribbons, textile fragments and colour pencils. It reflects the simple popular geometry of rag rugs and patchwork quilts, but contains voids, around which the lines form grids that resonate as voices in ecstasy or supplication.

These are abstractions where visual perception and bodily pulsation merge. They draw the gaze and invite the viewer to come closer, attracted by what is apparently a rigorous minimalist grid or a rich profusion of colours. As a reward to the attentive and unhurried gaze, the work unveils a surprise – its own materiality and traces of texts from the ribbons and leaflets, now illegible, offer other readings. The work is the white hush that silences words, the interval between voices. It is the colourful voices that cannot be silenced, and intone other words, words that convey belief and desire. The work relates to rituals of cure, purification and protection, and is intended as a materialization of songs of joy and pain.

These works are lamentations and litanies presented as white or colourful geometry.

 
Traducido del inglés

La inspiración en mi obra más reciente yace en la cultura popular de Brasil: sus rituales, colores y pacientes procesos de elaboración que a menudo se basan en la repetición. Esta es una cultura donde los materiales se funden con las creencias y los anhelos, ritualmente cubiertos con la promesa de realización futura. Al tanto de esta permeabilidad entre lo cotidiano y lo espiritual, entre la materia concreta y las memorias y deseos intangibles, uso objetos como materiales que reflejan la forma en la que los deseos son ritualizados por medio de la materia: folletos y contenedores de información médica, listones de deseos de Bonfim y fragmentos de textiles, se vuelven la base que soporta la obra, de manera material y simbólica. Ingerir medicina y hacer nudos en listones de Bonfim son ambas maneras de tener un deseo y de esperar ansiosamente por bendiciones. Piezas de textiles hablan del deseo de recordar y permanecer cercano. En común, estos elementos materiales apuntan al deseo de un cuerpo que anhela salud, intimidad, amor y prosperidad; un cuerpo frágil que teme a la mortalidad.

Influido por prácticas de tejido, anudado, amarrado, cortado, reparado, zurcido, costura, bordado y recubrimiento, entrelazo gestos, ritmos e improvisaciones basadas en la repetición de líneas y colores. En la serie Doloridos, cubro folletos médicos con gouache, silenciándolos y trazando líneas horizontales o verticales en azul, rojo, verde o amarillo. Esta serie es predominantemente blanca y silenciosa. Ladainhas, por otro lado, es una serie colorida y vibrante, en la que uso papel cortado, listones de deseos de Bonfim, fragmentos de textil y lápices de colores. La serie refleja la simple geometría popular de tapetes de trapo y colchas de retazos, pero contiene vacíos alrededor de los cuales las líneas forman retículas que resuenan como voces en éxtasis o suplicio.

Estas son abstracciones donde la percepción visual y la pulsación corporal se unen. Atraen la mirada e invitan al espectador a acercarse, intrigado por lo que aparenta ser una rigurosa cuadrícula minimalista o una rica abundancia de colores. Como recompensa a la mirada atenta y parsimoniosa, la obra revela una sorpresa: su propia materialidad y huellas de textos de los listones y folletos, ahora legibles, producen otras lecturas. La obra es el blanco silencio que calla las palabras, el intervalo entre voces. Son las voces coloridas que no pueden ser silenciadas y entonan otras palabras; palabras que transmiten creencia y deseo. La obra se relaciona con rituales de sanación, purificación y protección y es concebida como una materialización de canciones de alegría y dolor.

Estas obras son lamentos y letanías presentadas como geometría blanca o de colores.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

Links

October 4, 2013 Carola Zech https://abstractioninaction.com/artists/carola-zech/

About the Artist

I see and think of colors as magnets that go through space. When two shapes attract each other they connect together visually. In the same way, the viewer’s perception is impregnated of this quality when looking. We look at what attracts us, to where we feel attracted to. Magnético (Magnetic) is a project that relates color to magnetism, and proposes a parallel reading of both concepts. Its aim is to show magnetic quality as a reality of space, color, and form.

I like to think that what exists in the nature of a color combination could be similar to what happens with the nature of human temper. In this sense, I can imagine colors with name and last name and people of diverse colors. In the same way, I imagine magnetic fields that expand our energy towards that of others whom interact getting closer or moving away from each other. A color is shown; it can be named and thought of through the chromatic predominance present in the configuration of its mixture. The specificity of this proportion, in the form and space which contains it, result in a color being what it is. Its location in a specific environment generates a unique situation. Each color module establishes a relationship determined by the affinity or rejection with others, and by going through this magnetic relationship, they will come out of this experience being different from what they were. It happens with colors, and people as well.

To dialogue with the context is the seed of my system of production, and it situates my experiences in a place of reflection that I combine with my two-dimensional production. Magnético is a methodological system of production comprised by magnets and based in simple geometric forms painted in metallic two-layer enamel colors used for car painting, which display their mode of operation in the specificity of the exhibition or public space, from their inherent qualities, moving forward on the wall and the tridimensional space, and becoming part of the work. This system incorporates aluminum as one of the basic colors of its palette.

—

Pienso y veo los colores como imanes que atraviesan el espacio. Cuando dos formas se atraen, se unen visualmente. Del mismo modo, la percepción del espectador está impregnada de esta cualidad al mirar. Uno mira lo que lo atrae, hacia donde se siente atraído. Magnético es un proyecto que relaciona color con magnetismo, proponiendo una lectura paralela de los dos conceptos. Tiene como objetivo mostrar la cualidad de lo magnético como realidad del espacio, el color y la forma.

Me gusta pensar que lo que hay en la naturaleza de la mezcla de un color podría ser similar a lo que sucede con la naturaleza del temperamento humano. En este sentido podría imaginar colores con nombre y apellido y personas de diversos colores, del mismo modo, imagino campos magnéticos que expanden nuestra energía hacia la de los demás y que interactúan acercándose o alejándose. Un color se muestra, puede ser nombrado y pensado por el predominio cromático presente en la conformación de su mezcla. La especificidad de esta proporción, de la forma que lo contiene y del espacio que le da albergue, hace que ese color sea lo que es. Su ubicación en un entorno determinado genera una situación única. Cada módulo de color establece una relación determinada por la afinidad o rechazo con los demás y atravesados por esa mutua relación magnética, saldrán de esta experiencia siendo otros diferentes a los que eran. Sucede entre los colores, así como sucede entre las personas.

Dialogar con el contexto es germen en mi sistema de trabajo y coloca mis experiencias  en un lugar de reflexión, que mezclo con mi producción bidimensional. Magnético es un sistema metodológico de trabajo compuesto por imanes y basado en formas geométricas simples, pintadas con colores metalizados bicapa para autos, que despliegan su dinámica de funcionamiento en el espacio específico de la sala  y/o del espacio público, desde sus inherentes cualidades, avanzando sobre el muro y el espacio tridimensional, constituyéndose así en parte de la obra. Este sistema incorpora al aluminio como uno de los colores básicos de su paleta.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

Collections

September 12, 2013