Abstraction in Action Magali Lara https://abstractioninaction.com/artists/magali-lara/

About the Artist

My work is found in an intersection. Text and image coexist in different ways. As Siamese twins, that have developed different personalities but that, in the end, share a vital nucleus.

This is the way I understand as artists we come close to animation because it constitutes a fertile terrain to construct other ways of narrating. Firstly, because of the ease of the programs that are available today, that offer relatively simple ways of solving technical problems. Secondly, because animation, as comics in its moment, also allows to create sequences from a different place to cinema. It is as if drawing supports an exploration about subjectivity, and becoming fictional, it could excavate within memory with more freedom.

Many young artists are interested in exploring, like me, the narrative possibilities of animation. The basic difference between us, aside from the generational, is that even though we share the passion for comics, I’m interested in the evocation more than in the description of existential situations.  They, instead, feed themselves from a rich world that stems from manga, pornography, and commercial caricatures, moving away from the pictorial tradition.

The image in movement is a risky bet and it is related to temporality.

Sound experimentation, the inclusion of chance, the voice in the music sheet, sometimes as a gesture, and others as narration, feed many of my preoccupations, and open a panorama with many combinations. At the same time, present day animation allows me to understand that to employ figuration or abstraction imply different ways of constructing stories.  Figuration is closer to caricature and satire, or to a first person narrative. The visual abstract, sometimes used as a secondary element, appears more like an effect.

I feel closer to animation that uses a more abstract language, as in the movies of Norman McLaren. To want to tell not from the feminine body, but from the experience of the body that has seen, that knows that you do not tell all, and that sound makes the possible appear. Insinuation is sometimes more intense than the declaration.

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Mi trabajo se sitúa en la intersección. Texto e imagen conviven de diferentes maneras. Como hermanas siamesas que han desarrollado distintas personalidades pero que, al final, comparten un núcleo vital.

Así entiendo que muchos artistas nos aproximamos a la animación porque constituye un terreno fértil para construir otros modos de narrar. Primero, por la facilidad de los programas ahora disponibles, que ofrecen maneras relativamente sencillas de resolver problemas técnicos. Y en segundo lugar porque la animación, como el cómic en su momento, también permite hacer secuencias desde un lugar distinto del cine. Como si el dibujo apoyara una exploración sobre la subjetividad y, al hacerse ficticia, pudiera escarbar en la memoria con mayor libertad.

Muchos artistas jóvenes están interesados en explorar, como yo, sus posibilidades narrativas en la animación. La diferencia básica entre nosotros, aparte de la generacional, es que aunque compartimos la afición por los cómics, estoy interesada en una evocación más que en una descripción de situaciones existenciales. Ellos, en cambio, se nutren de un mundo riquísimo que viene tanto del manga, la pornografía, como de caricaturas comerciales, apartándose de la tradición pictórica tradicional.

La imagen en movimiento es una apuesta arriesgada y ligada a la temporalidad.

La experimentación sonora, la inclusión del azar y la voz en la partitura, a veces como gesto y otras como narración, alimentan muchas de mis inquietudes y abren un panorama de muchas combinaciones. Al mismo tiempo, la animación actual me permite entender que usar la figuración o la abstracción implica maneras diferentes de construir relatos. La figuración está más cercana a la caricatura y a la sátira, o a una narrativa en primera persona. Lo abstracto visual, a veces usado como elemento secundario, aparece más como efecto.

La animación que usa un lenguaje más abstracto, como las películas de Norman McLaren, me resulta más cercana. Querer contar no ya desde un cuerpo femenino, sino desde la experiencia del cuerpo que ha visto, que sabe que no lo dices todo, que el sonido hace aparecer lo posible. La insinuación a veces es más intensa que una declaración.

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December 1, 2016 Rodrigo Canala https://abstractioninaction.com/artists/rodrigo-canala/

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En mi trabajo, por lo general volumétrico y otras veces gráfico, utilizo preferentemente materiales innobles, comunes o de bajo costo (madera aglomerada, escarcha metálica, polvo doméstico, luz artificial, pintura industrial). Éstos, a través de un tratamiento preciosista, obtienen una apariencia delicada e ilusoria. Muchas veces mis obras son acompañadas por aparatos eléctricos y electromecánicos, dotándolas de una condición móvil que acentúa dicho ilusionismo.

Basándome en una iconografía local popular (arquitectura pastiche, escenografía de televisión, estética de kermés o de pacotilla) y, por otra parte, en referencias artísticas como el arte óptico, cinético, abstracto y constructivista, recurro a diseños y patrones usualmente geométricos y decorativos (cercos, guirnaldas, rúbricas, destellos). Las obras muestran, finalmente, una parquedad y precariedad estructural, pero aún así cierta ostentación ornamental; están completa e irónicamente expuestas y, a su vez, son objeto de seducción y contemplación.

Mi trabajo, pienso, genera en el espectador una mezcla entre quietud y expectación, o lo que llamo “inercia óptica”. Se trata de una apariencia cautivante, hipnótica, “bella” y, a la vez, provocativa o amenazante, en la que se esconde en último término, una crítica paródica a una contingencia tendiente al espectáculo y a la exclusión, manifiesta no solo en el cotidiano y los mass media, sino también en el mismo arte.

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In my work, usually volumetric and sometimes graphic, I employ preferably ignoble, ordinary, or low cost materials, (chipboard, metallic chipping, domestic dust, artificial light, industrial paint). These, through an embellishing process, achieve a delicate and illusory appearance. Many times my works are accompanied by electric and electro mechanic equipment, which provide mobility, thus stressing the illusionary quality of the works.

Based on the one hand on local popular iconography (architecture, pastiche, television scenography, Kermés or trashy aesthetics) and on the other hand, it carries artistic references such as Op art, Kinetic art, abstract and constructivist art; I turn to designs and patterns which are usually geometric and decorative (wreaths, garlands, signs, glitter). The works show, finally a sparingness, a structural precariousness, though a certain ornamental ostentation. They are totally and ironically exposed, and at the same time, they are objects of seduction and contemplation.

My work, I think, generates in the spectator a combination of calm and expectation, or what I call “optical inertia.” It bears a captivating appearance, hypnotic, “beautiful”; and at the same time, provocative and threatening, in which what is hidden ultimately, is a parodic critique to a contingency which leans towards the spectacle and the exclusion, not only manifest in the daily, the mass media, but in art itself.

 

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June 15, 2016 Óscar Abraham Pabón https://abstractioninaction.com/artists/oscar-abraham-pabon/

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October 9, 2015 Pier Stockholm https://abstractioninaction.com/artists/pier-stockholm/

I incorporate the material function of my studio as a means of illustrating my artistic practice.

 
Traducido del inglés

Incorporo la función material de mi estudio como medio de ilustrar mi práctica artística.

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August 19, 2015 Eduardo Terrazas https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-terrazas/

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May 15, 2015 Jaime Davidovich https://abstractioninaction.com/artists/jaime-davidovich/

My taped projects are about surfaces, context and space.

I first started working with adhesive tape in 1966. Initially I used the tape to hold my paintings to the wall, but starting in 1970 I eliminated the painting and concentrated on the tapes as my primary medium. I wanted to explore the possibilities of using spaces where the viewer does not expect art to be found. This concept brought me to intervene staircases, landing platforms and outdoor walls and objects. Each work was created for a unique space. When covering a surface, the tape creates an additive grid full of amorphous patterns caused by air bubbles. When developing a tape project, sometimes paper or a photograph was the support and framework for the piece, but many times the project was able to become monumental as it seamlessly adapted to the architecture of the space. Also in 1970, I began to incorporate videotape as part of these projects. The taped projects became “Art on tape and tapes as art”.

 
Traducido del inglés

Mis proyectos con cinta tratan sobre superficies, contexto y espacio.

Comencé trabajando con cinta adhesiva en 1966. Inicialmente utilicé cinta para sostener mis pinturas sobre la pared, pero a partir de 1970, eliminé las pinturas y me concentré en las cintas como mi medio principal. Quería explorar las posibilidades del uso de espacios en donde el espectador no espera encontrar arte. Este concepto me llevó a intervenir escaleras, plataformas de aterrizaje, paredes exteriores y objetos. Cada obra fue creada para un espacio único. Al cubrir una superficie, la cinta crea una retícula de aditivo llena de patrones amorfos causados por burbujas de aire. Durante el desarrollo de un proyecto con cinta, a veces el papel o la fotografía era el soporte y el marco de la pieza, sin embargo, muchas de las veces, el proyecto fue capaz de convertirse en monumental al momento de adaptarse perfectamente a la arquitectura del espacio. También, en 1970, comencé a incorporar cinta de video como parte de estos proyectos. Los proyectos grabados se convirtieron en “Arte en cinta y las cintas como arte”.

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May 4, 2015 Nicola Noemi Coppola https://abstractioninaction.com/artists/nicola-noemi-coppola/
Translated from Spanish

The contact between two or more preexisting elements generates variations in the state of matter. This series of transformations can provide representations that unveil their synergetic state. The representation of invisible forces demands tools so that they may be seen, otherwise they would escape the senses and as a result be lost to understanding. This is the motor for a great part of the sciences: the necessity of representing the invisible to be able to “comprehend it.” Coming from a branch of the sciences, I try to represent the force of matter that continues to inscribe the history of its causes and effects. For me this is also an obsession with the infinitely small or the invisible, and it is therefore necessary to solidify the symbolic mark of society, and the voice of the environment that will never be silenced.

 

El contacto entre dos o más elementos pre-existentes genera variaciones del estado de la materia. Esta serie de transformaciones puede dar representaciones que develan su estado sinérgico. La representación de fuerzas invisibles precisan de utensilios para ser vistas, de lo contrario escaparían a los sentidos y así al entendimiento. Éste es el motor de gran parte de las ciencias: la necesidad de representación de lo invisible para así “comprenderlo”. Viniendo de una rama científica, intento representar la fuerza de la materia que sigue inscribiendo la historia de sus causas y efectos. Para mi también es una obsesión lo infinitamente pequeño o lo invisible, y resulta necesario así, dejar asentada la huella simbólica de la sociedad, y la voz del ambiente que nunca será callada.

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May 4, 2015 María Fernanda Plata https://abstractioninaction.com/artists/maria-fernanda-plata/
Translated from Spanish

My projects emerge from my interest about the urban habitat and the way in which we human beings relate to it. I reflect upon the way in which architectural constructions, in their apparent solidity and monumentality, conceal their transitoriness and vulnerability as places that provide refuge and security to their inhabitants.

My work refers to the fragility and fleetingness of things made by man and also the great effort and time that they demand to be completed. A fundamental part of my practice consists in challenging the very nature and structure of the materials I use. So I construct, for example, sculptures with paper that I have cut in large sections and that maintain themselves, three-dimensional drawings with compacted sand, notebooks that contain images made with cuts and therefore at greater detail the piece is more deteriorated, and most recently, works with cloth that is completely unravelled string by string.

 

Mis proyectos surgen de mi interés sobre el hábitat urbano y la manera en que los seres humanos nos relacionamos con él. Busco reflexionar sobre cómo las construcciones arquitectónicas en su aparente solidez y monumentalidad disimulan su transitoriedad y vulnerabilidad en cuanto lugar que procura refugio y seguridad a sus habitantes.

Mi trabajo se refiere a lo frágil y fugaz de las cosas construidas por el hombre y también al gran esfuerzo y tiempo que demandan para ser finalizadas. Parte fundamental de mi práctica consiste en retar a los materiales que uso en su propia naturaleza y estructura. Es así como construyo, por ejemplo, esculturas en papel que ha sido cortado en amplias áreas y que se sostienen por sí mismas; dibujos tridimensionales con arena apelmazada, cuadernos que contienen imágenes hechas con cortes y que por lo tanto a mayor detalle más deteriorada es la pieza, y, más recientemente, piezas de tela completamente deshechas hilo por hilo.

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March 2, 2015 Jaime Ávila https://abstractioninaction.com/artists/jaime-avila/
Translated from Spanish

When I was young I lived in a very small village, which nowadays is even smaller because people left and never came back. In that place lived the fantasy of building cities amongst the rubble, rocks, and dirt mountains. I drew them and spent the days playing with sticks and pieces of boxes. As a teenager I drew hyperrealist comic strips of cities I did not know, and when I arrived to the city to study engineering, the first thing I saw was a city that I had never imagined until then.

I feel like a tourist in it even today. I construct ideas that guard dislocated structures on the urban geography and inhabitants detached from their utopic legality. It surprises me how I can be disturbed by the great cultural difference between people that live in the same place, the same way I am surprised to find commonalities in remote landscapes, and that I am even more surprised to have found a city like the one I live in, which was just like any other city in a different time, as if it could predict something that already happened. Days go by, many times from the same place, and through photography, drawing, engraving, silkscreen, prints, installation, video, and sculpture, I develop projects that connect the actual urban ethnography with a mutant architecture archeology, which are often misinterpreted as if they were compact urban prosthetics that are woven exponentially over the horizon of that landscape I saw as a child.

 

Cuando era niño vivía en un pueblo muy pequeño, hoy en día es aún más pequeño porque la gente se fue y no volvió. Allí en ese lugar  vivía la fantasía de construir ciudades entre montañas de escombros, rocas y tierra. Las dibujaba y pasaba los días jugando con palos y pedazos de cajas, de adolescente dibuje historietas hiperrealistas de ciudades que no conocía; cuando llegué a la gran ciudad a estudiar ingeniería, lo primero que vi fue una ciudad que nunca imagine hasta entonces.

Hoy en día me siento aun turista en ella. Construyo ideas que acorazan estructuras desarticuladas sobre la geografía urbana y habitantes desconectados de su legalidad utópica. Me sorprende demasiado como me puede perturbar la gran diferencia cultural entre gente muy cercana que habita un mismo lugar, de igual manera me sorprende encontrar cosas en común en paisajes remotos y me sorprende aún más encontrar una ciudad como esta, donde habito, que fue igual a otra ciudad en otra época, como si pudiera predecir algo que ya paso. Pasan los días, muchas veces desde un mismo lugar y así, por medio de la fotografía, el dibujo, el grabado, la serigrafía, los impresos, la instalación, el video y la escultura elaboro proyectos  que conectan la actual etnografía urbana con una arqueología arquitectónica mutante, muchas veces violentada y materializada como si fueran prótesis urbanas compactas que se tejen exponencialmente  sobre el horizonte de ese paisaje que veía desde niño.

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  • 2001: Beca Residencia México, Ministerio de Cultura Colombia,  FONCA México, Ciudad de México-Tijuana, Mexico.
  • 2005: Artista invitado por la Universidad de Harvard , David Rockefeller Center para Estudios Latinoamericanos, Cambridge, USA.
  • 2008: Madrid Miradas, Ministerio de Asuntos Culturales y de Ministerio de Asuntos Culturales y de Cooperacion de España , Madrid, Spain.
  • 2005: Mención,Salón de Arte Bidimensional  , Fundación Gilberto Álzate Avendaño FUGA, Bogotá, Colombia.
  • 2003: Mención, Premio Luis Caballero, Instituto Distrital de las Artes IDARTES , Bogotá, Colombia.
  • 2001: Premio  Salón Regional de Artistas, Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
  • 2000: Primer Premio,Primer premio, IX Salón Internacional de Arte Joven MAC, Museo de Arte Contemporáneo , Bogotá, Colombia.
  • 1998: Beca impresos revista PLASTICA , Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
  • 1997: Primer Premio VII Salón de Arte Joven, Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.
  • 1993: Beca Colcultura Patios Urbanos, Colcultura, Bogotá, Colombia.
  • 1992: Mención Especial II Bienal de Arte de Bogotá, MAMBO Museo de Arte Moderno de Bogotá, Bogotá, Colombia.
  • 1991: Mención Especial, I salón de Arte Joven   , Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.

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  • 2013: “Talento Pirata”, Nueveochenta Galería, Bogotá, Colombia.
  • 2012: “Bestiario”, M&R Galería, Cali, Colombia.
  • 2009: “Cinco Metros Cúbicos”, MUSAC, Montería, Colombia.
  • 2006: “Bombas”, Galería Alcuadrado,  Bogotá, Colombia.
  • 2005: “Life Is a Runway”, Harvard University, Cambridge, USA.
  • 2005: “4th World “, Sandra & Philip Gordon Gallery, Boston, USA.
  • 2005: “Life Is a Runway”, Museum of Fine Arts, St Petersburg, USA.
  • 2005: “Puntos de Fuga”, Galería El Museo, Bogotá, Colombia.
  • 2004: “Diez Metros Cúbicos”,  Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
  • 2003: “Cuarto Mundo: Diez metros Cúbicos “, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
  • 2001: “México: Un metro Cubico”, Museo Carrillo Gil, México DF, Mexico .
  • 2000: “Los Radioactivos”, Alianza Francesa,  Bogotá, Colombia.
  • 1997: “Comunicado de Washington “, Galería Espacio Alterno, Bogotá, Colombia.
  • 1994: “No Toque la Mercancía”, Galería Santafé, Bogotá, Colombia.
  • 1993: “Patios Urbanos”, Consejo Británico, Bogotá, Colombia.

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September 2, 2014 Erica Muralles Hazbun https://abstractioninaction.com/artists/erica-muralles-hazbun/

Through my work I revert the process in which form follows function, referring to actions that hold an established order in society. My purpose is not to build a closed, perfect system, but one that is interwoven with life. This is obtained by interlocking and linking a series of different materials consistently—from chaos to order—by weaving or joining them through other means. Where small changes in initial conditions can lead to large differences in future behavior, preventing long-term prediction.

My work comes from an empirical process that is in constant renewal, where the visual or formal aspects enter into dialogue with the symmetrical composition inherent in everything that human beings design and build. It is sensorial and appeals to a modular design or repetition as a starting point. Dynamic monotony is used as a creative impulse as a vital generator of inquiry. I analyze patterns of human behavior, the quotidian and what takes place in everyday life, what we perceive, and what defines our identity, our mission and place in our environment. My aesthetic concerns are immersed in the present reflecting change in my images. This process helps me to organize reality through representation.

 

En mi trabajo revierto el proceso en donde la forma sigue a la función, haciendo referencia a las acciones que tienen un orden establecido en la sociedad. Mi objetivo no es construir un sistema cerrado, perfecto, pero uno que se entrelaza con la vida, por lo azaroso e imprevisto. Esto lo obtengo mediante el enlace de series de distintos materiales de manera coherente –del caos al orden—al entrelazarlos o al unirlos por otros medios. En donde pequeñas variaciones en las condiciones iniciales pueden implicar grandes diferencias en el comportamiento futuro, dificultando la predicción a largo plazo.

Mi trabajo viene de un proceso empírico, que se encuentra en constante renovación, donde los aspectos visuales o formales dialogan con la composición simétrica inherente en todo lo que diseña o construye el ser humano. Es sensorial, apela a la modulación y a la repetición como método o punto de partida. La monotonía dinámica es utilizada como impulso creativo, como generador vital de indagación. Reflexiono sobre los patrones de comportamiento en el ser humano, lo cotidiano y lo que toma lugar en la vida diaria, lo que percibimos y nos define como personas, nuestro lugar y misión en nuestro entorno. Mis preocupaciones y estética están inmersos en el presente, lo que refleja el cambio en mis imágenes. Este proceso me ayuda a organizar la realidad a través de la representación.

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  • 2011: Primer Lugar – Artista menor de 30 años –III Salón Nacional del Grabado-, Banco G&T Continental, Guatemala, Guatemala.

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August 29, 2014 Andrea Canepa https://abstractioninaction.com/artists/andrea-canepa/
Translated from Spanish

In recent years, I have focused on the modern tendency of trying to simplify the complexity of the world with the aim to control that which escapes the limits of our understanding.

We tend to categorize, organize, and administer reality as if it was a set of and independent phenomena, creating a system that we take as natural.

My work stems from the alteration of the order in which information is presented. In some cases this modification uncovers some meanings that used to remain hidden under the imposition of a logic that assumes itself as the “correct one.” In others, by schematizing the information previously schematized, both synthesis systems cancel each other out and return mere forms and colors lacking any functionality.

Through my work, I hope to make evident that the regularity of the world obeys a set of rules that as such, they could have been different. In other words. I hope to point out that all logic of functionality, whatever it is, could be different and thus not necessary in itself.

 

En los últimos años, me he enfocado en la tendencia moderna a intentar simplificar la complejidad del mundo con miras a controlar aquello que escapa los límites de nuestro entendimiento.

Tendemos a categorizar, organizar y administrar la realidad como si se tratase de un conjunto de fenómenos aislados e independientes, creando un sistema que tomamos como natural.

Mi trabajo parte de la alteración del orden en el que la información es presentada. En algunos casos esta modificación libera ciertos significados que permanecían ocultos bajo la imposición de una lógica que se asume como “la correcta”. En otros, al esquematizar la información previamente esquematizada, ambos sistemas de síntesis se anulan entre sí, devolviéndonos meras formas y colores desprovistos de cualquier sentido funcional.

A través de mi obra, pretendo dar cuenta de que la regularidad del mundo obedece a un conjunto de reglas que, como tales, podrían haber sido distintas. En otras palabras, intento señalar que toda lógica de funcionamiento, sea como sea, podría ser diferente y, por lo tanto, no es necesaria en sí misma.

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Prizes / Fellowships

  • 2014: Premio Miquel Casablancas, Sant Andreu Contemporani, Barcelona, Spain.
  • 2014: Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, Comunidad de Madrid, Madrid, Spain.
  • 2013: Premio Generaciones, Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
  • 2013: Beca Endesa para Artes Plásticas, Fundación Endesa, Teruel, Spain.
  • 2012: Pasaporte para un artista (segundo puesto), Alianza Francesa y Embajada de Francia en el Perú, Lima, Peru.
  • 2011: Beca de Formación Pilar Juncosa i Sotheby’s, Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca, Spain.
  • 2010: Premio Swab de Dibujo, Feria de Arte Contemporáneo Swab, Barcelona, Spain.
  • 2008: Certamen Jóvenes Creadores, Ayuntamiento de Madrid, Madrid, Spain.
  • 2006: Valencia Crea, Ayuntamiento de Valencia, Valencia, Spain.

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August 8, 2014 Paula de Solminihac https://abstractioninaction.com/artists/paula-de-solminihac/
Translated from Spanish

My work consists on procedures that investigate the space between territory and language.

This space, which is the moment prior to the separation between the printer and the printed, is a moment of impossible visibility.

To be able to work on that impossibility, I have used strategies that range from the subjective to the objective, resorting to words and maps as working systems within that area, always showing the inaccuracy that happens in the translation of a subjective field or as a simple phenomenon itself.

Since work is defined through an action, it is difficult to settle in one material or formal support. Nevertheless, there is a repertoire that reiterates through time to build in that space where drawings, body actions on raw and baked clay, and photographs, articulate relationships between the experiential field and its archive.

Work is understood as an action, as mediation, as education, and regulation of the shapeless clay or of the dispersed dirt—just as the origin myths of pottery declare—to shape it in the form of a vessel that will contain the food, which after the digestive process will end up where it started, producing a never ending topology where there is no other option than to make again and again.

 

Mi trabajo son procedimientos que indagan el espacio entre territorio y lenguaje.

Ese espacio, que también es un momento antes de la separación entre lo impresor y lo impreso, es un momento de visibilidad imposible.

Para trabajar esa imposibilidad he utilizado estrategias que van de lo subjetivo a lo objetivo, recurriendo habitualmente a las palabras y los mapas como sistemas de trabajo al interior de esa zona, siempre evidenciando la inexactitud que sucede en la traducción de un campo subjetivo o como simple fenómeno en sí.

Dado que el trabajo se define en una acción, es difícil establecerse en un soporte material o formal, sin embargo existe un repertorio reiterado en el tiempo para construir en ese espacio en donde dibujos, acciones corporales sobre la arcilla cruda y cocida y fotografías van articulando relaciones entre el campo experiencial y su archivo.

El trabajo es entendido como acción, como mediación, como educación y regulación del barro informe o de la tierra dispersa en todos lados, como dicen los mitos de origen de la alfarería, para modelarla en la forma de una vasija que contendrá el alimento que al terminar su proceso de digestión terminará en el punto donde comenzó produciéndose un sinfín topológico en donde no queda más que volver a hacer una y otra vez.

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April 7, 2014 Bernardo Ortiz https://abstractioninaction.com/artists/bernardo-ortiz/
Translated from Spanish

Statement 5 of 12 (“Formalist”)

“My work aims to point out a fissure (or a void, or a distance) between the support—a page, a sheet of paper, a wall—and its content—a mark, two words, several stains, a color. From this viewpoint, the work seems like a snake that bites its own tail. If content affects the support, the latter returns to affect the content. As a general rule, the interventions on the support are always minimal—hard pencils that leave very delicate and almost invisible lines, very light papers, very thin layers of paint. In this sense, the “page” determines what can happen in it. It can be for example the contrast between the transparency of the paper and the opacity of gouache, the weight of oil or the density of enamel. At other times these can be slight differences between two identical drawings. For example, a drawing that says “He found happiness” next to one that says “He found A happiness.” The way in which some formal strategies can be used to say things. In this sense, they are literary drawings about paintings. Reproductions within pages.”

 

Statement No. 5 de 12 (“Formalista”)

“Mi trabajo busca señalar una grieta (o un vacío, o una distancia) entre un soporte –una página, una hoja de papel, una pared– y su contenido –un rayón, dos palabras, varias manchas, un color. Visto así, el trabajo parece una serpiente que se muerde la cola. Porque si el contenido afecta al soporte, este se devuelve afectando el contenido. Como regla general, las intervenciones sobre el soporte son casi siempre mínimas –Lápices muy duros que dejan líneas muy delgadas y casi invisibles, papeles muy livianos, capas muy delgadas de pintura. En ese sentido la “página” determina lo que pueda pasar en ella. Puede ser, por ejemplo, el contraste entre la transparencia del papel y la opacidad del gouache, el peso del óleo o la densidad del esmalte. Otras veces pueden ser pequeñas diferencias entre dos dibujos iguales. Por ejemplo: un dibujo que dice “He found happiness” (él encontró la felicidad) al lado de otro que dice “He found A happiness” (él encontró UNA felicidad). La manera en que ciertas estrategias formales pueden ser aprovechadas para decir cosas. En ese sentido son dibujos literarios acerca de pinturas. Reproducciones en páginas”.

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February 25, 2014 Leyla Cárdenas https://abstractioninaction.com/artists/leyla-cardenas/

Over the last years I’ve been developing a series of sculptural works that seek to investigate the layers that constitute and construct things and places. Relating directly to the physicality of the space as a point of departure. Using found objects and places that accumulate layers of information, containing what is particular from a place. The superficial skin becomes a profound path to explore and discover in each step the intersection of different experiences of time. (The historic time, material time, the time of everyday, and perhaps a more existential/psychological time that has to do with the duration of the experience.) The gesture is sculptural but without making sculpted objects; using destruction as a way of construction, allowing an engagement to a particular place and all the confluences and dimensions within. My work is site-responsive; it takes in consideration the architecture and the context of the surroundings, generating a layered outcome.

 
Traducido del inglés

A lo largo del tiempo he desarrollado una serie de trabajos escultóricos que buscan investigar las capas que constituyen y construyen las cosas y los lugares. Están relacionados directamente con la cualidad física del espacio como punto de partida. Usando objetos encontrados y lugares que acumulan capas de información, conteniendo las particularidades de cada lugar. La piel superficial se vuelve en un camino profundo para explorar y descubrir a cada paso el cruce de diferentes experiencias del tiempo (del tiempo histórico, tiempo material, tiempo cotidiano y quizá un tiempo más existencial y psicológico que está relacionado con la duración de la experiencia.) El gesto es escultórico pero sin realizar objetos; usando destrucción como una forma de construcción, permitiendo una interacción con un sitio particular y todas las confluencias y dimensiones del mismo. Mi obra responde al lugar y toma en consideración la arquitectura y el contexto de sus alrededores, generando un resultado con muchos niveles.

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February 19, 2014 KIRIN https://abstractioninaction.com/artists/kirin/

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February 19, 2014 Bernardo Corces https://abstractioninaction.com/artists/bernardo-corces/

Somewhere or maybe everywhere … without script, perhaps like many others, restricted by a minimum budget or better yet, not thinking about budgets.

I choose to work from what I find, from that others have left. The image starts as a riddle formulated between the places I live, things and materials collected.

Someone observes from beyond. Maybe is a neighbor who sees me under the bridge collecting cans, or the gaze of that who finds those objects in an exhibition gallery, evoking what flows under the bridge. Both cases are for me acts of survival.

I try to synchronize myself with places, to hear what the material proposes and follow the way marked by the circumstances. The image is always provisional. It works, but barely, just enough.

I insist on a premise. I am aware that something magical could be happening.

 

En algún lugar o tal vez en todas partes… sin guiones, quizás como tantos otros, condicionado por un presupuesto mínimo o mejor aún, sin pensar en presupuestos.

Elijo trabajar desde lo encontrado, con lo que otros han dejado. La imagen se inicia como un acertijo que formulo entre los lugares que habito, las cosas y materiales recolectados.

Más allá, alguien observa. Tal vez un vecino que me ve bajo el puente recogiendo unas latas, o es la mirada de quien encuentra en una sala de exposición esos objetos evocando lo que corre bajo el puente. Ambos casos son para mí un acto de supervivencia.

Procuro afinarme con los espacios, escuchar lo que el material propone y seguir el rumbo que marcan las circunstancias. La imagen es siempre provisional. Funciona pero apenas, sólo lo justo.

Insisto en una premisa. Estoy atento de que algo mágico pueda estar ocurriendo.

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February 19, 2014 Eduardo Santiere https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-santiere/
Translated from Spanish

I consider myself sensitive to human relations, to the context of society and the future, to the multiple possibilities of existence, to imagination, to music… all that surrounds me is present in my work, and in the moment of creation.

I do not seek preconceived images. I find them in my work process, enjoying from the sharpest and flashy trace to the most delicate and imperceptible detail, creating an intimate atmosphere between the viewer and the work.

I define the image of my drawings with these words:

Partes fragmentadas de un todo

Que define un futuro incierto

La desaparición del ser humano

Convirtiéndose en más automático, más nada, más ilusión.

 

Me considero sensible a las relaciones humanas, al contexto de la sociedad y del futuro; a las múltiples posibilidades de la existencia, a la imaginación, a la música… todo lo que me circunda incide en mi obra, en el momento creativo.

No busco imágenes preconcebidas. Las encuentro en mi proceso de trabajo, gozando desde el trazo más punzante y llamativo hasta el delicado detalle, imperceptible, creando una atmósfera intimista entre el observador y la obra.

Defino la imagen de mis dibujos con estas pocas palabras:

Fragmented parts of a whole

Which defines an uncertain future

Disappearance of the human being

Becoming more automatic, more nothing, more illusion.

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February 19, 2014 Santiago Reyes Villaveces https://abstractioninaction.com/artists/santiago-reyes-villaveces/

My work responds to an inquiry, obsession, fascination, and pleasure for the structures, assemblages and dynamics that evidence the state of transitivity and precariousness that appeal to a state of temporal indetermination. The works are located on the limit of their completion and resting in a residual plane. The works—installations, sculptures, drawings and photographs—are characterized by notions of scale, volume, weight, gravity, surface, pressure, contention, resistance, verticality, horizontality, limit and depth, creating an intimate relation with the space, architecture, the spectator’s body and the temporality of the exhibition and the pieces.

The works transform, determine, modify, and interfere in the physical space in which they operate as well as the social, political, economic and historical space they inhabit and its possible modes of production, exhibition and circulation.

My work has an interest for allegorical procedures, link to the fragment, the ruin, history, memory, identity and the city. These concepts are articulated with the inquiry on the construction process, provisional, precarious, transitory, and unstable structures.

  

Mi trabajo responde a una investigación, obsesión, fascinación y placer por  las estructuras, ensamblajes y dinámicas que evidencian estados de transitoriedad y precariedad. Situados en el límite de un estado de finalización y un plano residual. Mediante instalaciones, esculturas, dibujos y fotografías, las obras desarrolladas se caracterizan por nociones  de  escala, volumen, peso, gravedad, superficie, presión, contención, resistencia vertical, horizontal, límite y profundidad, generando una íntima relación con el espacio, la arquitectura, el cuerpo del espectador y la temporalidad de las piezas y de su exhibición.

Las obras operan en el espacio físico transformándolo, determinándolo, modificándolo e interfiriendo; los efectos producidos por las obras en lo físico resuenan con los espacios sociales, políticos, económicos e históricos en los que residen y se posibilita la producción, exposición y circulación de la obras.

Mi trabajo parte del interés por procedimientos alegóricos, vinculados  al fragmento, la ruina, la historia, memoria, identidad y la ciudad. Estos conceptos se articulan con la reflexión sobre los procesos constructivos, estructuras provisionales, precarias, transitorias e inestables.

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February 19, 2014 Ana Belén Cantoni https://abstractioninaction.com/artists/ana-belen-cantoni/

The core of my work lies in the dichotomy between interior and exterior space. I explore the idea of the urban architectural space as a restraint, one that denies both the body and the landscape. Lately I’ve been analyzing how the monumentality and infinity of landscape can relate to our perceptions of the body. My installations are ephemeral; they are intricate and expansive constructions, impossible geometries that are meant to be broken.

 

La idea que anima mi trabajo se encuentra en la dicotomía entre espacio interior y exterior, así exploro la arquitectura urbana como una limitación que niega tanto el cuerpo como el paisaje. En mis proyectos más recientes he analizado cómo la monumentalidad y lo ilimitado del paisaje natural pueden relacionarse con nuestras percepciones del cuerpo. Mis instalaciones son efímeras; son intrincadas y expansivas construcciones, geometrías imposibles que habrán de romperse.

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February 19, 2014 Adriana Minoliti https://abstractioninaction.com/artists/adriana-minoliti/
Translated from Spanish

My practice is the result of my interest in the eroticism and geometry manifested through painting and installation. My recent work has largely referenced the human body and gender conditions; abstract and geometrical representations of bodies are made with diverse materials such as paint, sand, plaster, wood, fake fruits and shampoo, and more traditional oil paints. A more inclusive vision of sexuality can change and improve the way we live. This has been made apparent through the contributions of Feminism and queer theory. This is also a space where I locate dialogues that are informative for my work. I play with gender pictorially, mixing spiritual values, historical appreciations, aesthetics and styles. I am interested in the anthropological importance of decoration as a process and in its application in objects, and I play with this by challenging fixed ideas and unconscious meaning. How does the mind sense the materials and shapes of things? Why do we make decisions in one way and not in another? Is there a place where these dualities are simultaneously possible? I transform everyday materials into something new, as in Manzanas [Apples] where geometric forms adorn fake plastic fruits. My work as a painter engages a diversity of formats and media, from easel painting and installation, to the organization of cultural projects and results of the relationships between artists. I have participated actively with artist collectives like as Kiosko De Artistas, and in projects of col-leagues, clinical workshops and research meetings. I co-founded PintorAs [Female Painters], a project that includes 20 women artists from Argentina. As a curator, I organized the exhibitions Rework and Figuras [Figures], as a way to collectively investigate answers to questions of that arise from my own work.

 

Mi práctica es el resultado de mi interés en el erotismo y la geometría, manifiesto a través de la pintura pero también en otros medios como instalación. Mi trabajo reciente en gran medida hace referencia al cuerpo humano y a condiciones de género: representaciones abstractas y geométricas hechas con diversos materiales tales como pintura, arena, yeso, madera, frutas falsas y champú, y óleos. Una visión más integradora de la sexualidad puede cambiar y mejorar la forma en que vivimos. Esto ha sido evidente a través de las contribuciones de las teorías feministas y queer. En estas contribuciones, encuentro diálogos que son nutritivos para mi trabajo y desarrollo. También interpeló el género pictórico, mezclando los valores espirituales, la apreciación histórica, estéticas y estilos. Estoy interesada en la importancia escondida de la decoración como un mecanismo y en su aplicación en objetos y dispositivos. Busco desafiar las ideas fijas y los significados inconscientes. ¿Cómo la mente percibe las materialidades y formas de las cosas que nos rodean? ¿Por qué asumimos esa percepción de una manera natural y no en otra dirección? ¿Hay un lugar donde lo dado como opuestos son al mismo tiempo posibles e iguales? Busco convertir materiales de uso cotidiano en algo nuevo, como en Manzanas donde las formas geométricas adornan falsos frutos de plástico. Mi trabajo como pintora involucra una diversidad de formatos, soportes y medios, desde la pintura de caballete y la instalación, a la organización de proyectos culturales, muestras, y las relaciones entre los artistas. Fui co-fundadora de PintorAs, un proyecto que incluye 20 artistas de Argentina. Como artista-curadora, también organicé las muestras Rework y Figuras, siendo una manera de investigar colectivamente las preguntas que surgen en mi proceso de obras.

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November 9, 2013 Aníbal López A-1 53167 https://abstractioninaction.com/artists/anibal-lopez/
Translated from Spanish

My work consists in propose to people a way of thinking that with plans or without them could unveil doubts or solutions. I would like to open a discourse where we could discuss themes that could help us solve our lives as a community. Basically, my work consists of questions and perspectives about the world with projections to the future, where armed conflicts are kids’ toys, for children that have faith in living and not in hating (to live without hate). Without forgetting to judge the ones who have brought us to these poverty conditions and misinformation. I do not consider myself conceptual or minimalist, but utilitarian of these mediums, as a precise way of approaching concrete subjects without much paraphernalia.

 

Mi trabajo consiste en proponer a las personas una forma de pensamiento que, con planes o sin ellos, descubran dudas o soluciones. Me gustaría poder entablar un discurso donde podamos discutir temas que nos ayuden a solucionar nuestras vidas en comunidad. Básicamente mi trabajo radica en interrogantes y perspectivas de un mundo con proyecciones al futuro donde los conflictos armados sean de juguete sin para niños que tengan fe en vivir y no en odiar (vivir sin odio). Pero sin olvidar juzgar a los que nos han llevado a estos estados de pobreza y mala información. No me considero conceptual ni minimalista, sino utilitario estos medios como forma precisa de abarcar temas más concretos sin tanta parafernalia.

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November 7, 2013 Jorge de León https://abstractioninaction.com/artists/jorge-de-leon/
Translated from Spanish

My work relates to everyday life in the city, specifically of a city like Guatemala, which is considered to be one of the most dangerous in Latin America. I try to take the behavior of a society, portraying the everyday in different ways.

 

Mi trabajo está ligado a la vida diaria de la ciudad, específicamente de una ciudad como Guatemala, considerada una de las más peligrosas de América Latina. Trato de llevar el comportamiento de una sociedad, retratando de diferentes maneras la cotidianidad.

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November 7, 2013 Marcius Galan https://abstractioninaction.com/artists/marcius-galan/

Most part of my work explores the metaphorical capacities of space and our relation to it through his wide- ranging practice which includes installation, sculpture, photography and video. Using abstract geometry to delineate the political and social implications of his chosen environments, deconstructing the codes of objects established through everyday use. Whilst these configurations are always executed with graphic simplicity, the works are in fact complex material experiments that interrogate the functions, limits and frontiers of space and by extension, the socio-political systems which reside therein.

 
Traducido del inglés

La mayor parte de mi obra explora las capacidades metafóricas el espacio y nuestra relación con él mediante la amplia práctica que incluye instalación, escultura, fotografía y video. Utilizando geometría abstracta para delinear las implicaciones sociales y políticas de ambientes elegidos, deconstruyendo los códigos de los objetos establecidos mediante el uso cotidiano. Pese a que estas configuraciones son siempre ejecutadas con gran simplicidad, estas obras son de hecho complejos experimentos materiales que interrogan las funciones, límites y fronteras del espacio, y por ende, los sistemas socio-políticos en los que residen.

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November 6, 2013 José Luis Landet https://abstractioninaction.com/artists/jose-luis-landet/
Translated from Spanish

I like to think of my studio as a laboratory, a place that allows work to be developed into an accumulative process of the graphic experience. Drawing is a way of thinking that makes connections between acquired concepts and executed forms. Far from representing concepts, I try to present them, shape them, and give them a new type of classification to designate them. The act of drawing connects mind with hand, oral language with the sense of touch. The shape might come close to a raw, primary, organic translation of the mind.

 

Me gusta pensar en mi estudio como un laboratorio, un lugar que permite que el trabajo que hago se desarrolle en un proceso acumulativo de la experiencia gráfica. El dibujo es una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas. Lejos de tratar de representar conceptos trato de presentarlos, darles una forma, un nuevo tipo de clasificación para designarlos. El acto de dibujar conecta la mente con la mano, el lenguaje oral con el tacto. La forma podría acercarse a una traducción cruda, primaria y orgánica  de la mente.

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November 5, 2013 Christian Camacho Reynoso https://abstractioninaction.com/artists/christian-camacho-reynoso/

Work occurs inside the intermittent activity conducted between things immediate and things suspended in thought: the familiar, the unknown and its eventual recombination. The employment of shifting materials and the recurrence of abstraction acts inside the practice as a reminder of all that persists only through relation: ideas which cannot be reflected upon without being translated, altered or negated. It is under these conditions that several aspects of the work are introduced; namely its particular use of the observer’s point of view, its relationship to a specific time of reading and the idea of a fragmentary expectation being the conduct in which the minor and the major activate their difference.

 
Traducido del inglés

El uso de materiales cambiantes y la recurrencia de la abstracción actúan dentro de la práctica como recordatorio de todo lo que persiste sólo por relaciones: ideas que no pueden reflejarse sin ser traducidas, alteradas o negadas. Es dentro de estas condiciones que muchos aspectos de la obra son introducidos; concretamente el uso particular del punto de vista del espectador, su relación con un tiempo específico de lectura y la idea de una expectativa fragmentaria como el conducto a través del cual lo menor y lo mayor activan su diferencia.

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November 5, 2013 Magdalena Fernández https://abstractioninaction.com/artists/magdalena-fernandez/
Translated from Spanish

A look to the past has allowed me to confirm that, intuitively, instability has been a common thread in my research; though it would seem not to be present in all the works I have produced, it always appears in different ways. There are pieces in which I work with a structural instability in it, which is caused by the various possibilities offered by the connections and the links, allowing to change the work into potential forms that are prepared for a possible transformation. In other works instability is more subtle, made through the visibility of the material, for example, through the light that can make a work invisible in front of the spectator. In the last decade, with video, I have been able to introduce sound as a breaking element. Video has also given me the possibility to work with temporary nature. I believe instability refers to movement, break, or something that is ready for a possible transformation. When I work, I do so from “being with” and not from “going to.” I believe this has eliminated projection to the future and has turned the work more timeless, losing with this some historicity, and causing that the work would not be another place in a line. This “being with” is what opens the door to the world, to nature, and allows me, suddenly, to imagine a Mondrian in motion when I see a macaw or I listen to the rain.

 

Una mirada hacia atrás me ha permitido constatar que, intuitivamente, la inestabilidad ha sido un hilo conductor de mi investigación; a pesar de que pareciera no estar presente en la totalidad de las piezas que he hecho, siempre aparece de distintas maneras: hay obras en las que trabajo con una inestabilidad estructural propiamente dicha, la cual está dada por las distintas posibilidades que ofrecen las conexiones, los vínculos, y que logran convertir las obras en formas potenciales que se presentan dispuestas a una posible transformación; en otras obras la inestabilidad es elaborada más sutilmente, a través de la visibilidad del material; por ejemplo, gracias a la luz que puede hasta hacer desaparecer una pieza ante el observador; y en la última década,  con el  video, he podido introducir el sonido como elemento de quiebre. El video me ha dado, además, la posibilidad de trabajar la temporalidad. Creo que la inestabilidad habla del movimiento, del quiebre o de algo que está listo para una posible transformación. Cuando trabajo lo hago desde un “estar con”, y no de  “ir hacia”, siento que eso ha restado la orientación a futuro y ha vuelto el trabajo más atemporal; perdiendo con esto algo de historicidad, haciendo que el trabajo no sea únicamente  un lugar más en una línea. Ese “estar con” es el que abre la puerta al mundo, a la naturaleza;  y me permite, de pronto, imaginarme un Mondrian en movimiento cuando veo una guacamaya o escucho la lluvia.

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November 5, 2013 Fernando Carbajal https://abstractioninaction.com/artists/fernando-carbajal/

My work is a platform of investigation where four lines of work converge. Arriving from different reflections on the idea of production and artistic product, I develop a personal questionnaire to resolve through concepts characteristic of art, beyond supports or specific media. The work begins years before its exhibition under a rigorous daily process –quotidian-­‐ where text and image start to determine the path of apparition of the object and, above all, a recognition of how far to go, so that both the construction process as well as the moments that follow the work: exhibit, documentation, collection, are conducive to a latent state of conditions. The first line of work then, runs and traverses over an Arbeit Journal (workbook) that is usually a container of written poetic acts, preparation drawings, synoptical paintings and new glossaries. In my work there is an interest in the belief that “The syntax is a quality of the soul”, as Paul Valéry said, so it substantially asks not a reading from the possible spectator, but a kind of co-­‐ responsibility from its own substance. My second and third lines to investigate are extremely formal, conceptual and plastic determinants from materiality and the inherent boundaries of each substance used. I try to meditate about sculpture, painting, drawing and photography from their humanistic affiliation, from its undeniable quality as anthropological links; which is why my work is a kind of tracking, punctual, specific, not of art history, but of gaps where, although special circumstances exist, an inexplicable and elusive emptiness evidences a human potential almost lost, forgotten. In these moments of rupture, these breaks on the folded surface of time and space are axes of my personal network, which has been formed 12 years ago. It allows me not only a congruent and organic structure between each work, but it favors territories mainly unique and close to my own entity. Around the idea of painting and sculpture, for example, the raw materials gesticulate their own resonance; they limit the scope of form that the tooling and hand dissect, while the drawing is that possibility of looking at what one desires, almost immediately, almost simultaneously to the desire, like photography. The last line of investigation is the one that defines the links. My work is a field of action for the spectator, an observatory, an inventory. The work is not hermetic but neither immediate. Requires and is required, softens up when seen, solidifies itself at the sight. In the meantime (sway), my interest is to proliferate –more than to explain-­‐ an interest for the questions. Try to make the spectator believe that we surely inhabit an enormous and indecipherable question, and as beings from that realm, we converse through questions, and not through answers, with things. This correspondence and exchange could explain the diversity of appearances in my work. It is not a reflex of a pretentious question. It is evidence of the simplest question that we haven’t been able to formulate. The art work, for me, is that one presence whose origin never distorts its aim, and whose aim extols every moment of its origin. It is my way to have a discussion and to generate bonds from small questions for a more and more extensive listing of answers

 

Mi obra es una plataforma de investigación en donde convergen cuatro líneas de trabajo. A partir de distintas reflexiones en torno a la idea de producción y producto artístico, desarrollo un interrogatorio personal a resolver mediante los conceptos propios del arte, más allá de soportes o medios específicos. El trabajo comienza años antes de su exhibición bajo un riguroso proceso diario –cotidiano-­‐ en donde texto e imágenes comienzan a determinar la ruta de aparición del objeto y, sobretodo, un reconocimiento de hasta dónde ha de detenerse, para que tanto proceso constructivo como los momentos que la a obra suceden: exhibición, documentación, coleccionismo, propicien un estado latente de condiciones. La primera línea de trabajo entonces, corre y atraviesa sobre un Arbeit Journal (libro de trabajo), que usualmente es contenedor de actos poéticos escritos, dibujos preparatorios, cuadros sinópticos y glosarios nuevos. En mi obra existe un interés en la creencia de que “La sintaxis es una cualidad del alma”, según Paul Valéry, por lo que sustancialmente solicita no una lectura del espectador posible, sino una especie de co-­‐responsabilidad desde su propia sustancia. Mi segunda y tercera línea a investigar son sumamente formales, determinantes conceptuales y plásticas a partir de la materialidad y los alcances propios de cada sustancia a utilizar. Intento reflexionar acerca de la escultura, la pintura, el dibujo y la fotografía desde su afiliación humanística, desde su innegable cualidad de eslabón antropológico; por ello, mi obra es una clase de rastreo, puntual, específico, no de la historia del arte, sino de las brechas en donde, si bien existen circunstancias particulares, un vacío inexplicable e inasible evidencia un potencial humano casi perdido, olvidado. Esos momentos de ruptura, esos quiebres sobre la superficie plegada del tiempo y el espacio, son ejes de mi red personal, que se ha venido conformando desde hace 12 años. Me permite no sólo una estructuración congruente y orgánica entre cada obra, sino que propicia territorios mayormente únicos y apegados a mi propia entidad. En torno a la idea de pintura y escultura, por ejemplo, las materias primas gesticulan su propia resonancia, delimitan en sí los alcances de la forma, que el herramental y la mano disecan, mientras que el dibujo es aquella posibilidad de mirar lo que se desea, casi inmediatamente, casi simultáneo al deseo, como la fotografía. La última línea de investigación es la que define: los vínculos. Mi obra es un campo de acción para el espectador, un observatorio, un inventario. No es una obra hermética pero tampoco inmediata. Exige y es exigida, se reblandece al ser vista, se solidifica en la mirada. En ese intervalo (vaivén), mi interés es el de contagiar -­‐más que explicar-­‐ el interés por las preguntas. Hacer creer que seguramente habitamos una pregunta enorme e indescifrable, y que como seres de ese paraje, dialogamos a través de preguntas, y no de respuestas, con las cosas. Esa correspondencia e intercambio podría explicar la diversidad de apariencias de mi trabajo. No es un reflejo de una respuesta pretenciosa. Es una evidencia de la pregunta más simple que no hemos sabido formular. La obra de arte para mí es aquella presencia que nunca tergiversa su fin, y cuyo fin enaltece cada momento de su origen

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November 2, 2013 Horacio Zabala https://abstractioninaction.com/artists/horacio-zabala/

Translated from Spanish

Art is the world for a second time.

 

El arte es el mundo por segunda vez.

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October 16, 2013 Osvaldo Romberg https://abstractioninaction.com/artists/osvaldo-romberg/

Art to Art. Life to Life
Osvaldo Romberg. 
The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 Art begins when life is not enough. In modern culture the acceptance of death signifies the loss of connection with the infinite. It is in this area of thinking, in the loss of the infinite, that art gives relief and new hopes for spirituality. Art makes evident (and occasionally succeeds in resolving) the conflict between being and integrating with the world. This is a dilemma which religion can no longer address.
 All the religions of the world are narratives. In these narratives are implicit mythologies and explanations which help people to survive the panic of death and solitude. In the past, art merely rearticulated these narratives. In recent years, however, I have observed that art is replacing religion by raising its own issues of morality, identity, mortality, and transcendence. Art used to be the illustration of the metaphysical. It has now become the metaphysical itself. The vitality and dynamism of contemporary art challenges religions ability to face the relevant issues at the end of the millennium: artificiality, reproduction of the species, and equality. Paraphrasing Martin Heidegger, we can say that the authentic dialogue with the art of an artist is artistic, as opposed to critical. There is no artistic dialogue between artists and those who do not believe in the power of art to contain essential truths. Art can be viewed as an antidote to the static and paralyzing force of religion in a post-capitalist, globalist era. The idea of art as a regenerative activity is described in The Glass Bead Game by Hermann Hesse, which I read in my adolescence. The book is about the translation of all information systems and human knowledge into one code, The Game. Once you enter this universal language, you can integrate all aspects of human experience. Marcel Duchamp is the “Magister Ludi.” Art today can surpass the two pervasive theories confronting our post-capitalist world: the pseudo-democratic relativism of postmodernism vs. the oppressive dictatorship of fundamentalism. Referring to The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even, in a 1966 interview with Pierre Cabanne, Duchamp said, “… I almost never put any calculations into the Large Glass. Simply, I thought of the idea of a projection, of an invisible fourth dimension, something you couldn’t see with your eyes.” Is this not the domain of the divine?

 
Traducido del inglés

El arte al arte, la vida a la vida. Osvaldo Romberg.
 The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 El arte comienza cuando la vida no es suficiente. En la cultura moderna, la aceptación de la muerte significa la pérdida de la conexión con lo infinito. Es dentro de esta área de pensamiento, en la pérdida de lo infinito, que el arte da alivio y nuevas esperanzas para una espiritualidad. El arte hace evidente (y en ocasiones tiene éxito en resolver) el conflicto entre ser e integrarse con el mundo. Este es un dilema que la religión no puede abordar. Todas las religiones del mundo son narrativas. En estas narrativas, mitologías y explicaciones que ayudan a la gente a sobrevivir el pánico de la muerte y la soledad se hacen implícitas. En el pasado, el arte simplemente expresaba estas narrativas.  En años recientes, sin embargo, he observado que el arte está reemplazando a la religión al manifestar sus propios problemas de moralidad, identidad, mortalidad y trascendencia. El arte solía ser la ilustración de lo metafísico. Hoy en día se ha vuelto lo metafísico. La vitalidad y el dinamismo del arte contemporáneo cuestionan la capacidad de la religión de enfrentar los temas del fin del milenio: artificialidad, reproducción de las especies, e igualdad. Parafraseando a Martin Heidegger, podemos decir que el diálogo auténtico con el arte de un artista es artístico, a diferencia de crítico. No existe un diálogo artístico entre los artistas y aquellos que no creen en el poder del arte de contener estas verdades esenciales. El arte puede ser visto como antídoto a la fuerza estática y paralizante de la religión en la era post-capitalista y global. La idea del arte como actividad regenerativa es descrita en El Juego de los Abalorios por Hermann Hesse, el cual leí en mi adolescencia. El libro es acerca de la traducción de todos los sistemas de información y el conocimiento humano en un sólo código: El Juego. Al entrar en este lenguaje universal, te puedes integrar a todos los aspectos de la experiencia humana. Marcel Ducham es el “Magister Ludi”. El arte hoy en día puede superar las dos teorías generalizadas que confrontan nuestro mundo post-capitalista: el relativismo pseudo-democrático  del posmodernismo vs. la dictadura opresora del fundamentalismo. Al referirse a La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso, en una entrevista de 1966 con Pierre Cabanne, Duchamp dijo “a pesar de que casi no haya incluido ningún cálculo en Le Grand Verre… Simplemente, pensé en la idea de una proyección, de una cuarta dimensión invisible puesto que no se puede ver con los ojos”. ¿No es este el dominio de lo divino?

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October 16, 2013 Carmela Gross https://abstractioninaction.com/artists/carmela-gross/

[…] Similarly in the project, the initial drawing is mixed with the method of working that will constitute the work. It’s not the abstract condition of the work, just an idea. It contains all the stages, through which the work should pass — technical, specific, real work — all this is noted down in the drawing, just as the stages of the work. At the slaughterhouse, for example, the map of the BURACOS (HOLES) to be made on the ground was the result of an expansion in minor schematic notes, done as a resource of thought, and carried out during a meeting with a group of artists from the Arte/Cidade project. It is this expanded drawing that serves as a guide to place the holes.

 
Traducido del inglés

De manera similar en el proyecto, el dibujo inicial se combina con el método de trabajo que constituirá la obra. No es la condición abstracta de la obra sino sólo una idea. Contiene todas las fases por las que una obra debe pasar: lo técnico, lo específico, la obra real. Todas ellas consideradas en el dibujo, como fases de la obra. En el matadero, por ejemplo, el mapa de los Buracos que se debe hacer sobre el suelo, fue el resultado de la extensión de pequeñas notas esquemáticas, realizadas como recurso de pensamiento y llevadas a cabo durante una reunión con un grupo de artistas del proyecto Arte/Cidade. Es este dibujo expandido lo que sirve como guía para colocar los orificios.

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October 15, 2013 Fernando García Correa https://abstractioninaction.com/artists/fernando-garcia-correa/

Translated from Spanish

My work has been developing for the past few years as a study of the pictorial within an abstract perspective that many qualify as post-minimalist, and from which I seek to establish links and similarities with scientific thought, psychological experience and the organic and social models around us, through the development of comment based on visual experience.

 

Mi trabajo se desenvuelve desde hace varios años como una reflexión de lo pictórico dentro de una perspectiva abstracta que muchos califican de post-minimalista y en donde a través del desarrollo de comentarios basados en la experiencia visual, busco establecer vínculos y similitudes con el pensamiento científico, la experiencia psicológica y los modelos orgánicos y sociales que nos rodean.

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October 15, 2013 Mariano Dal Verme https://abstractioninaction.com/artists/mariano-dal-verme/

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October 9, 2013 Francisco Ugarte https://abstractioninaction.com/artists/francisco-ugarte/

Translated from Spanish

My work is supported by the fields of architecture and above all the creative process. The proposal is generated from the analysis of the environment and it is a reaction to it. It can be understood as a phenomenological exercise, from which reality is understood through the perception of phenomena and the essence of things. The works are self-referential, they speak about themselves. Perception, abstraction, intuition, light, time, change, place, the material and the universal, are some of the recurring themes of my work.

 

Mi trabajo se apoya en los terrenos de la arquitectura, y sobre todo en el del proceso creativo. La propuesta se genera a partir del análisis del entorno y es una respuesta a él. Se puede entender como un ejercicio fenomenológico, con el cual la realidad es conocida a través de la percepción de los fenómenos y las esencias de las cosas. Las obras son autorreferentes, hablan de sí mismas. La percepción, la abstracción, la intuición, la luz, el tiempo, los cambios, el lugar, lo material y lo universal son algunos de los temas recurrentes dentro de mi trabajo.

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October 9, 2013 Clarissa Tossin https://abstractioninaction.com/artists/clarissa-tossin/

The notion of gesture is the primary impulse behind my work. My videos, photographs, installations, sculptures and drawings are the result of subtle gestures that intend to reveal what goes unseen or unexamined, be it architectural similarities between a settlement in the Amazon forest and a small town in Michigan or the intensive labor required to clean a pristine modernist government building in Brasília. Architecture, as a manifestation of identity, ideology and economic power is of great interest to me, as it is to investigate the invisible supporting structures of modernity, urban life and capitalism. In dialogue with these concerns are my interest in indexical processes and the cultural and historical connotations of a given material. My investment in indexicality stems from its intrinsic relationship to our bodies and therefore proximity to the real. Not unlike what happens with history and its material evidences. My works on paper exist in a place between bi and tridimensionality, as they usually hold object-like qualities. Double-sided prints, ink and paper disintegrated into dust, crushed folds and creases are some examples on how I treat surfaces as material. This approach triggers a tension between representation and trace while combining body movements to the articulation of ideas.

 
Traducido del inglés

La noción del gesto es el primer impulse detrás de mi obra. Mis videos, fotografías, instalaciones, esculturas y dibujos son el resultado de sutiles gestos que intentan revelar lo que pasa desapercibido o sin estudiarse, ya sea similitudes arquitectónicas entre una aldea en la selva Amazónica con un pueblito de Michigan; o la intensa labor requerida para limpiar un edificio gubernamental prístino en Brasilia. La arquitectura como manifestación de la identidad, ideología y poder económico es de gran interés para mí, como lo es investigar las estructuras de soporte de la modernidad que son invisibles, la vida y el capitalismo. En diálogo con estas preocupaciones está mi interés en los procesos de indicio y las connotaciones culturales e históricas de un material. Mi dedicación al indicio parte de su relación intrínseca con nuestros cuerpos y por tanto a la proximidad con lo real, no muy alejado de lo que pasa con la historia y sus evidencias materiales. Mi obra en papel existe en un lugar entre la bi y tridimensionalidad, ya que por lo regular poseen cualidades de objeto. Grabados de dos caras, tinta y pape desintegrados en polvo y dobleces machucados, son ejemplos de cómo manejo las superficies como material. Este acercamiento provoca una tensión entre la representación y el trazo mientras combino movimientos corporales a la articulación de las ideas.

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October 9, 2013 Pablo Siquier https://abstractioninaction.com/artists/pablo-siquier/

Translated from Spanish

-The different ways in which a cultural emanation is developed by different peoples or communities (for example, the constructive utopias of Brazil, Europe, Venezuela, or Argentina).

-The process through which a more specific answer is emptied out from the ideological content that generated it, and is used for different or even contrary purposes (the influence of Bauhaus in serial industrial production).

-The transformation experienced by style when it is transplanted to another physical and social reality (Vitruvius’ model of religious architecture in Spanish colonies in the American continent).

These sentences are some examples of what has always fascinated me sensually and intellectually: the impure condition of culture and the visual expressions of that complexity.

In a young country such as mine, this is an elemental everyday condition. Buenos Aires’ architecture is a proof of that.

I intend to register all of this in my work. If I have to summarize in two words the themes that inspire my work, these would be disease and contamination.

 

-Las diversas formas en que una emanación cultural es desarrollada por diferentes personas o comunidades (por ejemplo, las utopías constructivas en Brasil, Europa, Venezuela o Argentina).

-El proceso por el cual una respuesta formal específica, se vacía de los contenidos ideológicos que le dieron origen y se utiliza para fines diversos y aun opuestos (la influencia de la Bauhaus en la producción industrial en serie).

-La transformación experimentada por el estilo cuando se trasplanta a otra realidad física y social (el modelo de Vitruvio en la arquitectura religiosa en las colonias españolas de América).

Estos enunciados son algunos ejemplos de lo que siempre me ha fascinado, a la vez sensual e intelectualmente: la condición impura de la cultura y las expresiones visuales de esa complejidad.

En un país joven como el mío esto es una condición cotidiana y constitutiva. Buenos Aires y su arquitectura son prueba de ello.

Tengo la intención de registrar todo esto en mi trabajo. Si tengo que sintetizar en dos palabras los temas que inspiran mi trabajo serían enfermedad y contaminación.

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October 9, 2013 Luis Roldán https://abstractioninaction.com/artists/luis-roldan/

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October 8, 2013 Karina Peisajovich https://abstractioninaction.com/artists/karina-peisajovich/

Translated from Spanish

Extract from interview by Inés Katzenstein, as part of solo show “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “I never felt much love for objects. I never framed anything, and when I thought that I need it to do it, I decided to adopt the frame as a device of the work in the same way that artifacts are presented in installations before the artifice. Geometry is always present in my work. It keeps moving. In installations, geometry acts as a force that supports a space. It constructs a deception… In these new works, the geometric frame allows me to enclose a light situation. They are architectures of a luminous space that also have shadows (shadows produced from the same immateriality). I like frames that are not orthogonal because they are unstable. (…) The work took its own path, and although my impulses are more toxic, painting keeps being a substance that guides me. Even when my work centers on the act of seeing, what happens in the retina, in the illusion of vision itself. Everything departed from that. If I think about the first painters, to paint is also to do magic.”

 

Fragmento de la entrevista con Inés Katzenstein, como parte de la muestra individual “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “Nunca sentí mucho amor por los objetos. Nunca enmarqué nada, y cuando pensé que necesitaba hacerlo, decidí adoptar al marco como un dispositivo de la obra del mismo modo en que los artefactos se presentan en las instalaciones delatando el artificio. La geometría siempre está presente en mi obra. Se va trasladando. En las instalaciones, la geometría actúa como una fuerza que sostiene un espacio. Construye un engaño… En estas obras nuevas, el marco geométrico me sirve para acotar una situación de luz. Son arquitecturas de un espacio luminoso que también tienen penumbra (una penumbra que se produce en la misma inmaterialidad). Los marcos no ortogonales me gustan porque son inestables. (…) La obra fue tomando su propio rumbo, y aunque mis impulsos sean más tóxicos,  la pintura sigue siendo una sustancia que me orienta.  Incluso cuando trabajo en obras que se centran en el acto de ver, en lo que pasa en la retina, en la ilusión propia de la visualidad. De ahí salió todo. Si pienso en los primeros pintores, pintar es también hacer magia”.

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October 8, 2013 Sandra Nakamura https://abstractioninaction.com/artists/sandra-nakamura/

Translated from Spanish

My work derives from the critical analysis of spatial, social and economic conditions that shape our sense of identity and permanence. Thus, the fragility of the everyday, the symbolic and real meanings of property and the imminent transformation of the urban environment, are recurrent elements in my drawings, installations and interventions. More recent works extend these issues to the exhibition space, with the intention of pointing to the influence of the contemporary art market and the demands of the current exhibition models and the distribution of artworks in the artistic practice.

 

Mi trabajo se origina a partir de una reflexión crítica en torno a las condiciones espaciales, sociales y económicas que dan forma a nuestro sentido de identidad y permanencia. Así, la fragilidad de lo cotidiano, los significados tanto reales como simbólicos de la propiedad y la inminente transformación del entorno urbano figuran de manera recurrente en mis dibujos, instalaciones e intervenciones. Obras más recientes extienden estos cuestionamientos hacia los  espacios de exhibición con la intención de señalar la influencia del mercado de arte contemporáneo y las exigencias de los modelos actuales de exposición y distribución de obras en la práctica del artista.

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Education / Training

  • 2008-2009: Center for Contemporary Art Kitakyushu, Research Program, Kitakyushu, Japan.
  • 2005-2008: Bauhaus Universität Weimar, M.F.A. Art in Public Space, Weimar, Germany.
  • 2001-2003: University of California San Diego, B.A. Visual Arts, La Jolla, USA.

Prizes / Fellowships

  • 2009: Convocatoria de proyectos en espacio público Centro Abierto ’09, Museo de Arte de Lima + Centro Fundación Telefónica, Lima, Perú.
  • 2008: Beca para producción de proyectos, ARTIUM Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Spain.
  • 2007-2008: Beca para estudios de post-grado, Fundación Rosa Luxemburg, Berlín, Germany.
  • 2006: Art in Context Programme, Pépiniéres europennés pour jeunes artistes, París, France.

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  • Miguel López, “Tregua en el arenal”, Museo de Arte Contemporáneo Lima (2013).
  • Elida Román, El Comercio, (2013).
  • Nicole Cromartie y Sharon Lerner (entrevista), Catálogo de la exposición “We have as much time as it takes”, CCA Wattis Institute for Contemporary Art (2010).

Collections

  • Museo de Arte de Lima, Peru.

October 5, 2013 Alexis Minkiewicz https://abstractioninaction.com/artists/alexis-minkiewicz/

Translated from Spanish

The series of works that I present addresses metamorphosis and change; processes. Taking shape through figuration and expansion and the dialogue between materials as a point of tension between the static and the dynamic.

The title of this series is Variations (on the intermediate state), which I take from the Tibetan book of the dead called Bardo Thodol. Its translation means: The Liberation Through Hearing During the Intermediate State, making reference to the moment of transition between death and reincarnation.

 

La serie de trabajos que presento aborda nuevamente la metamorfosis y el cambio, los procesos. Tomando forma a través de la figuración y la expansión y el dialogo entre los materiales como punto de tensión entre lo estático y lo dinámico.

El título de esta serie es Variaciones (sobre el estado intermedio),  lo tomo del libro tibetano de los muertos, llamado Bardo Thodol la traducción es: Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio, haciendo referencia a esa instancia de transición entre la muerte y la reencarnación.

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October 5, 2013 Marco Maggi https://abstractioninaction.com/artists/marco-maggi/

From CNN to the DNA, I focus my attention on reaching surfaces without the minor hope to get informed. Everyday, we are condemned to know more and understand less. This antiseptic process prefigures the first global semiotic indigestion. Reality collapses when one tries to portray an ocean by depicting drop after drop of water. My vision of the world is as precise as it is mistaken, and that is why I draw for hours with intense attention and no particular intention.

 
Traducido del inglés

De CNN al ADN, enfoco mi atención a alcanzar superficies sin la menor intención de estar informado. Todos los días estamos condenados a saber más y entender menos. Este proceso antiséptico prefigura la primera indigestión semiótica global. La realidad se colapsa cuando uno intenta representar un océano al ilustrar cada gota de agua. Mi visión del mundo es tan precisa como errada, y es por esto que dibujo por horas con intensa atención y sin particular intención.

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October 5, 2013 Camilo Guinot https://abstractioninaction.com/artists/camilo-guinot/
Translated from Spanish

I am interested in the relationship between culture and nature. My work consists in manipulating everyday materials by questioning the mechanisms of perception through which we understand the world.

 

Me interesa la relación entre cultura y naturaleza. Mi trabajo consiste en manipular materiales cotidianos cuestionando los mecanismos perceptivos a través de los cuales comprendemos el mundo.

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October 5, 2013 Mauro Giaconi https://abstractioninaction.com/artists/mauro-giaconi/

Translated from Spanish

Entropy Five hundred four thousand nine hundred and fifty three tons on the lifeless gesture that knows that nothing justifies waking up from a good dream. What it is doesn’t matter. What could have happened, neither. If I could give form to pain, everything would be easier. Pain is ancient, wise, and selfish; pain is born, grows up, travels and expands. It is liquid that copies the shape of the body. It was enemy due to my stubbornness, for not understanding that the question was not why walls exist but how to go through them. Now it is my accomplice and my faithful ally. Now it is noise, dissatisfaction, and hope. The polyhedron will triggers any structure; that is why I look for the shape on the wall that never understood limits, the whisper of the corner that does not like angles, the collapse of the ceiling that denied responsibility. Since I do not know where to start, I shake off the lethargy and erase distrust. The strategy is to withdraw, mix up in the dreams, simplify them and get lost in the trip. Meditate, edit myself and neglect order. I followed the advice and grazed the surface one time after another, looking for the spirit of things. When I find something I will notice. When I lose faith I will too. My hands are precise but I am not, that is why when I squirm hoping not to get lost in the instant, I focus on the space of the body, in the weight of the noise, in the breathing, in the chaotic energy of the continuing present. My nation follows me, it has the shape and the size of my foot. If I could float, even if it is a little bit more, I would abandon the ground for a while, like that nail that got buried looking for sunlight during the night. I want to—if I could—last in the instant that divides dreaming from waking up. It is there where everything weighs the same. I want to—if I could—be the horizontal that looks for elevation: verticality is what tends to fall.

 

Entropía Quinientas noventa y cuatro mil novecientas cincuenta y tres toneladas sobre el gesto inerte que sabe que nada justifica despertar de un buen sueño. Lo que era no importa, lo que pudo ser tampoco. Si pudiera darle forma al dolor sería todo más fácil. El dolor es anciano, sabio, egoísta; el dolor nace y crece y viaja y se expande. Es líquido que copia el contorno del cuerpo. Fue enemigo por mi necedad, por no entender que la pregunta no era por qué existen los muros, sino cómo atravesarlos. Ahora es mi cómplice y mi fiel aliado. Ahora es ruido, es descontento y esperanza. La voluntad poliédrica detona cualquier estructura, por eso busco la forma de la pared que nunca entendió de límites, el suspiro del rincón que no soporta los ángulos, el derrumbe del techo que rechazó la responsabilidad. Como no sé por dónde empezar, me sacudo el letargo y borro el recelo. La estrategia es replegarme, revolver en los sueños, simplificarlos y perderme en el viaje, meditar, editarme y descuidar el orden. Seguí el consejo y rocé la superficie una y otra vez buscando el espíritu de las cosas. Cuando encuentre algo aviso. Cuando pierda la fe también. Mis manos son precisas pero yo no, por eso mientras me retuerzo deseando no perderme el instante, me concentro en el espacio del cuerpo, en el peso del ruido, en la forma de la respiración, en la energía caótica del presente continuo. Mi patria me sigue, tiene la forma y el tamaño de mi pie. Si pudiera flotar, aunque sea un poco más, abandonaría el suelo por un rato, como ese clavo que se hundió buscando la luz del sol durante la noche. Quiero -si pudiera- perdurar en el instante que divide el sueño del despertar: es ahí donde todo pesa lo mismo. Quiero -si pudiera- ser horizontal que busca elevación: es la verticalidad la que tiende a caer.

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October 5, 2013 Tony Cruz Pabón https://abstractioninaction.com/artists/tony-cruz/

Translated from Spanish

Time, the everyday and repetitive actions like filling up, empty out, or repair, are recurring ideas in my work. To me, representing through drawing the distance between my home and the house of my relatives, or the calculation of the times that I take my hand to my mouth when I am smoking—both drawn on pencil over the wall—more than an act of measurement, they are to me a way of shaping everyday experience.

For example, the exercise of walking around the city of San Juan to document a series of constructions, made by the inhabitants of the city with everyday objects, made with the purpose of reserving a parking space. This document resulted in a publication that gathers this form and to which I add a series of drawings that propose the use of these same objects for other purposes or possible sculptures.

Generally, my work ends up becoming drawing, where I utilize a few material and visual resources. I am interested in materials that are easy to obtain, such as Plastiscine for children—which I have used to “repair” cracks on a deteriorated building—or powdered construction pigment, which registers the movement of a ball in a baseball field during a game.

In my most recent projects, I have investigated the visual production that generated from Puerto Rican popular music (Salsa, Bomba, and Plena), during the 60s, 70s and beginning of the 80s. The LP as an object, the graphic design, the typography and the images that are produced through the lyrics, give me the opportunity to make an analysis of the construction of landscape in that specific moment.

 

El  tiempo, lo cotidiano, y las acciones repetitivas, como rellenar, vaciar o reparar son ideas recurrentes en mi trabajo. Representar en dibujo la distancia entre mi residencia y la casa de mis familiares, o bien el cálculo de la cantidad de veces que me llevo la mano a la boca al fumar un cigarrillo (ambos dibujados en lápiz sobre la pared), más que un acto de mensura, son para mi una manera de dar forma a la experiencia cotidiana.

Como es el ejercicio de caminar por la ciudad de San Juan con el fin de documentar una serie de construcciones, hechas por los habitantes de la cuidad con objetos cotidianos, hecho con el propósito de reservar un estacionamiento. Este documento resultó en una publicación que recoge esta forma y en la cual añado una serie de dibujos que proponen el uso de éstos mismos objetos para otras funciones o posibles esculturas.

Generalmente mis trabajos terminan siendo dibujos, donde utilizar pocos recursos materiales y visuales. Me interesan los materiales que me son de fácil acceso, como la plastilina para niños, -que he utilizado para “reparar” grietas en un edificio deteriorado-, o el pigmento de construcción en polvo, con el que queda registrado el movimiento de una bola en un campo de baseball durante un partido.

En mis últimos proyectos me encuentro investigando la producción visual que se generó en la música popular puertorriqueña (salsa, bomba y plena) durante las décadas de los años 60, 70 y principios de los años ochenta. El LP como objeto, el diseño gráfico, la tipografía y las imágenes que se producen en las letras de las canciones, me dan pie a hacer un estudio de la construcción del paisaje en ese momento.

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October 5, 2013 Amadeo Azar https://abstractioninaction.com/artists/amadeo-azar/

My work revisits the historical trajectory developed by the great utopias and ideologies of the 20th century and how they transformed in the fears, skepticism and the “no future” of contemporary life. I am interested in history, sociology and architecture. I consider important in my work the exploration of the notion of ideologies and politics about phenomena rooted in the aesthetic. I work with monuments and projects that embody a certain view of the world and power plays; the tension between what could have been and isn’t. There is a melancholy for the ideal of a just society, an idea of nation that was repeatedly ill-fated. Because of this, I don’t want to transform my research about architecture or social phenomena into formulaic conceptual projects nor in illustrations of ideas, but my aim is to use them as a fertilizer to develop poetics.

Mi trabajo revisita el recorrido histórico desarrollado por las grandes utopías e ideologías del siglo XX y como se transformaron en los miedos, el escepticismo y el “no futuro” de la vida contemporánea.
Me interesa la historia, la sociología, la arquitectura. Considero muy importante en mi obra explorar la noción de ideologías y políticas en cuanto fenómenos enraizados en lo estético, trabajo con monumentos y proyectos que encarnan una cierta visión del mundo y de los juegos de poder, la tensión entre lo que pudo ser y lo que no fue. Hay una añoranza por ese ideal de sociedad justa, una idea de país luego reiteradamente malograda.
 No quiero por ello transformar mis investigaciones acerca de la arquitectura o fenómenos sociales en proyectos conceptuales de receta ni en una ilustración de ideas, sino usarlos como fertilizante para desarrollar una poética.

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October 4, 2013 Iosu Aramburu https://abstractioninaction.com/artists/iosu-aramburu/

My practice is centred on an exchange of glances between Peruvian modernity and its internal conflicts, and the romantic observation of ruins.  I work with archival images and texts mainly about the modern architecture boom of the 1940s and 1950s in Latin America, especially in Peru. I try to make these images collide with each other; producing a series of new relationships that seek to reveal hidden aspects of the official discourses that loaded each image. I use architecture as a clear example of the promise of a modernity that never fully arrives.

 

Mi práctica se centra en el intercambio de miradas entre la modernidad peruana y sus conflictos internos, y la observación romántica de las ruinas. Trabajo con imágenes de archivo y textos sobre el auge de la arquitectura moderna de los años 1940 y 1950 en América Latina y especialmente en el Perú. Me interesa hacer chocar estas imágenes entre sí, produciendo nuevas relaciones que traten de revelar aspectos ocultos de los discursos oficiales que cargaba cada imagen. Utilizo a la arquitectura como un ejemplo claro de la promesa de una modernidad que jamás termina de llegar.

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October 4, 2013 Lucila Amatista https://abstractioninaction.com/artists/lucila-amatista/

Translated from Spanish

A superimposition of seemingly ordered geometric layers is tensed, breaking its logic and generating a succession of unpredictable patterns, producing the combination of a rational and systematic work with another one that is freer. Thread, pencil and ink are headed towards a more lyrical abstraction, closer to an organic growth. Nets that form a great cartographic weave, multiply, so it can repeat itself infinitely—spaces of accumulation and emptiness. Macro and micro cosmos. This body of work is the result of an extremely repetitive mechanism generated by a single gesture; the same compulsive action of creating weaves.

 

Una superposición de capas geométricas  en aparente orden  se tensiona, quiebra su lógica, generando una sucesión de patrones imprevisibles. Dando lugar a la combinación de un trabajo sistemático racional con otro más libre. El hilo, el lápiz y la tinta se encaminan hacia una abstracción más lírica, y cercana a un crecimiento orgánico. Proliferan redes que conforman una gran trama cartográfica que podría repetirse al  infinito.  Espacios de acumulación y vacío.  Macro y microcosmos.   Esta familia de obras es consecuencia de  un trabajo sumamente repetitivo generado por un mismo gesto, la misma acción compulsiva a crear tramas.

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October 4, 2013