- Magali Lara, “C / A + T =”, 2005, Series: Alzheimer, Grabado en metal, 22.1 x 16.4 cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Mar picado / Marina al amanecer”, 2005, Óleo sobre tela, 146 x 175 x c/u cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, ” Glaciares”, 2008 / 2009, Series: Glaciares, Animación digital, (8 min.,13 sec.), Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Problemas de lenguaje VIII 7”, 2012, Series: Melancolía, Tinta sobre papel, 28 x 21.5 cm. Image courtesy of the artist
- Magali Lara, “tres oh”, 2012, Series: Melancolía, Acuarela sobre papel, 20.8 x 29.2 cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Después de la lluvia “, 2009, Series: Akaso, Óleo sobre lino, 244 x 366 x 13 c / u cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Glaciares”, 2009, Series: Glaciares, Animación digital, (8 min., 13 sec.), Variable dimensions. Site-specific project. Location: Sala de Arte Público Siqueiros. SAPS Tres Picos No.29 Polanco, México DF, México. Image courtesy of the artist
- Magali Lara, “No me acuerdo”, 2008, Series: Alzheimer, Animación digital, (2’18), Variable dimensions. Magali Lara. Photo credit: Magali Lara.
- Magali Lara, “Principio de incertidumbre”, Agosto 2007, Series: Alzheimer, Dibujo en sitio / Gráfito y carbón, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Centro de las Artes de Monterrey, Fórum Universal de las Culturas, Monterrey, México. Photo credit: Luis Ordoñez.
- Magali Lara, “Principio de incertidumbre”, Agosto 2007, Series: Alzheimer, Dibujo en sitio / Gráfito y carbón, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Centro de las Artes de Monterrey, Fórum Universal de las Culturas, Monterrey, México. Photo credit: Luis Ordoñez.
- Magali Lara, “Lo que ya sabia V”, 2015, Series: Intemperie, Impresión digital en tela sobre bastidor, 150 x 95 x 5 cm.
About the Artist
My work is found in an intersection. Text and image coexist in different ways. As Siamese twins, that have developed different personalities but that, in the end, share a vital nucleus.
This is the way I understand as artists we come close to animation because it constitutes a fertile terrain to construct other ways of narrating. Firstly, because of the ease of the programs that are available today, that offer relatively simple ways of solving technical problems. Secondly, because animation, as comics in its moment, also allows to create sequences from a different place to cinema. It is as if drawing supports an exploration about subjectivity, and becoming fictional, it could excavate within memory with more freedom.
Many young artists are interested in exploring, like me, the narrative possibilities of animation. The basic difference between us, aside from the generational, is that even though we share the passion for comics, I’m interested in the evocation more than in the description of existential situations. They, instead, feed themselves from a rich world that stems from manga, pornography, and commercial caricatures, moving away from the pictorial tradition.
The image in movement is a risky bet and it is related to temporality.
Sound experimentation, the inclusion of chance, the voice in the music sheet, sometimes as a gesture, and others as narration, feed many of my preoccupations, and open a panorama with many combinations. At the same time, present day animation allows me to understand that to employ figuration or abstraction imply different ways of constructing stories. Figuration is closer to caricature and satire, or to a first person narrative. The visual abstract, sometimes used as a secondary element, appears more like an effect.
I feel closer to animation that uses a more abstract language, as in the movies of Norman McLaren. To want to tell not from the feminine body, but from the experience of the body that has seen, that knows that you do not tell all, and that sound makes the possible appear. Insinuation is sometimes more intense than the declaration.
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Mi trabajo se sitúa en la intersección. Texto e imagen conviven de diferentes maneras. Como hermanas siamesas que han desarrollado distintas personalidades pero que, al final, comparten un núcleo vital.
Así entiendo que muchos artistas nos aproximamos a la animación porque constituye un terreno fértil para construir otros modos de narrar. Primero, por la facilidad de los programas ahora disponibles, que ofrecen maneras relativamente sencillas de resolver problemas técnicos. Y en segundo lugar porque la animación, como el cómic en su momento, también permite hacer secuencias desde un lugar distinto del cine. Como si el dibujo apoyara una exploración sobre la subjetividad y, al hacerse ficticia, pudiera escarbar en la memoria con mayor libertad.
Muchos artistas jóvenes están interesados en explorar, como yo, sus posibilidades narrativas en la animación. La diferencia básica entre nosotros, aparte de la generacional, es que aunque compartimos la afición por los cómics, estoy interesada en una evocación más que en una descripción de situaciones existenciales. Ellos, en cambio, se nutren de un mundo riquísimo que viene tanto del manga, la pornografía, como de caricaturas comerciales, apartándose de la tradición pictórica tradicional.
La imagen en movimiento es una apuesta arriesgada y ligada a la temporalidad.
La experimentación sonora, la inclusión del azar y la voz en la partitura, a veces como gesto y otras como narración, alimentan muchas de mis inquietudes y abren un panorama de muchas combinaciones. Al mismo tiempo, la animación actual me permite entender que usar la figuración o la abstracción implica maneras diferentes de construir relatos. La figuración está más cercana a la caricatura y a la sátira, o a una narrativa en primera persona. Lo abstracto visual, a veces usado como elemento secundario, aparece más como efecto.
La animación que usa un lenguaje más abstracto, como las películas de Norman McLaren, me resulta más cercana. Querer contar no ya desde un cuerpo femenino, sino desde la experiencia del cuerpo que ha visto, que sabe que no lo dices todo, que el sonido hace aparecer lo posible. La insinuación a veces es más intensa que una declaración.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2013-2011: Doctorado en Teoría Crítica, 17, Instituto de Estudios Críticos, D.F. , México.
- 2011-2009: Maestro en Artes, Universidad Autónoma del Estado de Morelos, Morelos, México.
- 1980-1977: Lic. Artes Visuales, San Carlos, UNAM, D.F., México.
Prizes / Fellowships
- 2016-2014: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F. , México.
- 2013: Premio Libro de Artista con el libro: Que hurte en ti lo que me pertenece, Feria Internacional de Libro de Artista LÍA, Guadalajara, México.
- 2010-2008: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 2007-2005: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 2004-2002: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 2000: Residencia en The Banff Centre for the Arts, Banff Programa de Fomento a proyectos y coinversiones culturales del FONCA , Alberta, Canada.
- 1999: Residencia en Boréal Art/Nature, La Minerva, Québec, Canadá.
- 1999-1997: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 1996-1994: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 1986: Mención honorífica, V Bienal Iberoamericana de Arte, Instituto Cultural Domecq y el INBA, D.F., México.
Solo Exhibitions
- 2015: “Intemperie“, Museo Nacional de la Estampa, D.F. , México.
- 2014: “BATIENTE 0.5, la Mirada oblicua“, Casa del Lago, UNAM, D.F. , México.
- 2012: “ANIMACIONES-MAGALI LARA”, Museo Amparo, Puebla, México.
- 2011: “Titubeos”, Galería de Arte Mexicano, D.F., México.
- 2011: “escribir y dibujar”, Bodega Quetzalli Galería, Oaxaca, México.
- 2010: “Glaciares”, Visual Arts Center, Austin, Texas.
- 2009: “Glaciares”, Sala de Arte Público Siqueiros, DF., México.
- 2009: “Afonías”, Galería principal de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México, Toluca, Edo. de México.
- 2008: “Entre líneas”, Organizada por la Universidad Anahuac en la sede de 17 Instituto de Estudios Críticos, DF, México.
- 2007: “* Magali Lara gestos y trazos”, Galerie Rothe, Frankfurt, Alemania.
- 2007: “Como Sí”, Galería de libros Conejoblanco, DF, México.
- 2007: “Alzheimer”, (Intervención), Galería Ateneo Porfirio Barba Jacob, Medellín, Colombia.
- 2007: “Alzheimer”, Galería del Centro Morelense de las Artes, Cuernavaca, Morelos, México.
- 2006: “Alzheimer (Intervención)”, Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Antiguo Palacio del Arzobispado, DF, México.
- 2006: “Pero no me lo digas”, Museo de Arte de Zapopan, Zapopan, Jal ., México.
- 2006: “Tigre”, Galería Nina Menocal, DF, México.
- 2006: “La Misma Habitación”, Galería del Teatro Peón Contreras, Mérida, Yucatán, México.
- 2006: “La Misma Habitación”, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México.
- 2005: “Abstracto”, Galerie Ruta Correa, Freiburg, Alemania.
- 2005: “Abstracto”, Embajada de México en Berlín, Berlín, Alemania.
- 2005: “Mi Versión de los Hechos”, Museo Universitario de Ciencias y Arte, DF, México.
Group Exhibitions
- 2015: “Después del Edén”, SAPS, La Tallera, Cuernavaca, Mor. , México.
- 2014: “Desplazamientos en un sitio lejano”, 14 Galería Metropolitana, UAM, DF, México.
- 2014: “Materia Abyecta, resonancias y obstrucciones en torno a Rodolfo Nieto”, Museo de Arte Carrillo Gil, DF, México.
- 2014: “El juego y el juguete”, Centro de las Artes de San Agustín Etla, Oaxaca, México.
- 2014: “Silencio, rumor, grito”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2014: “Estudio del trazo”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2013: “Obras son amores, arte-vida-México 1964-1992”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2013: “Políticas del espacio”, La Calera, Oaxaca, México.
- 2013: “Favor de no tocar”, Fería Internacional de Libro de artista, Guadalajara, Jalisco, México.
- 2013: “Edición de invierno”, Galería Emma Molina, Monterrey NL, México.
- 2012: “GENÉRICACOLECCIÓNMACG”, Museo de Arte Carillo Gil, DF, México.
- 2012: “Hacer un dibujando, obras en pequeño formato”, Galería Domicilio Conocido, DF, México.
- 2011: “Bajo los párpados”, Biblioteca Lerdo de Tejada, DF, México.
- 2011: “NEOMEXICANISMOS?”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2011: “AKASO”, Museo Universitario del Chopo, DF, México.
- 2011: “Exposición de libros de artista”, Feria del libro y de la rosa, Librería del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, DF, México.
- 2011: “Un posible día”, colaboración, Javier Torres Maldonado, Ensemble 2E2M, Extension de création musicale, París, Francia.
- 2011: “Destello”, Fundación Colección Jumex, DF, México.
- 2011: “Circunstancias”, indagaciones femeninas en el arte, Museo de la Ciudad, Cuernavaca, Morelos, México.
- 2011: “Proceso 730”, Museo de la Ciudad Cuernavaca, Morelos, México.
- 2011: “La maquina visual”, La historia de las exposiciones del MAM a través de su colección, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2010: “Marea de Nudos”, Instituto Cultural de León, Guanajuato, México.
- 2010: “AKASO”, Museo del Centro Cultural Musas, Hermosillo, Sonora. , México.
- 2010: “Afectos diversos/Géneros en flujo”, Museo Universitario del Chopo, DF, México.
- 2010: “¿Tienes miedo?”, Galería Centro Morelense de las Artes, Cuernavaca, México.
- 2009: “Ruta Crítica (y alguna otra desviación)”, Galería de la Torre UAEM, Cuernavaca, Morelos, México.
- 2009: “IX Bienal Monterrey FEMSA”, FEMSA, Monterrey, Nuevo León, México.
- 2009: “Encuentros Gráficos”, Centro Cultural Ollin Yoliztli, Galería Tonalli, DF, México.
- 2009: “Paréntesis”, 17 años de trabajo, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, , México.
- 2009: “Pintura animada”, El Cubo, Tijuana, México.
- 2008: “V Bienal de Estandartes”, Centro Cultural de Tijuana, Tijuana, BC, México.
- 2008: “Arte y Naturaleza: El Poder de lo Pequeño”, organizada por el Museo de Mujeres Artistas Mexicanas en la Biblioteca Henestrosa, Oaxaca, México.
- 2008: “La era de la discrepancia. Arte y cultura visual de México 1968-1997”, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “ZOÓTROPO 7 proyectos de animación en video”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2008: “Mujeres: Sin Cuenta”, Instituto Cultural de México en San Antonio, Texas, EUA.
- 2008: “Historia de mujeres”, Artistas en México del siglo XX, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Monterrey, Nuevo León, México.
- 2008: “La colección: la tradición de las rupturas”, Museo de Arte Contemporáneo, DF, México.
- 2007: “Principio de Incertidumbre”, Centro de las Artes de Monterrey Fórum Universal de las Culturas, Monterrey , México.
- 2007: “Alarca”, Talavera Contemporánea, Museo Franz Mayer, DF, México.
- 2007: “MACO”, Feria México de Arte Contemporáneo, Galería Emma Molina, DF, México.
- 2007: “La era de la discrepancia. Arte y cultura visual de México 1968-1997, “, Museo Universitario de Ciencias y Arte, MUCA Campus, DF, México.
- 2007: “Solos Juntos”, Galería La Refaccionaria, DF, México.
- 2007: “* Arco 07”, Galería Emma Molina, Madrid, España.
- 2006: “Generación de los 70’s un Momento de Reflexión”, Academia de San Carlos, DF, México.
- 2005: “Wunderkammer Ii: Paisajes”, Galería Nina Menocal, DF, México.
- 2005: “MACO”, Galería Nina Menocal, DF, México.
- 2005: “Archipiélagos Gráficos”, Galería Metropolitana, DF, México.
Publications
- 2013: “El magnetismo y sus metáforas”. Eduardo Villar. Diario Clarin, 28/3/13.
- 2013: “Magnetico”, por Philippe Cyroulnik, marzo de 2013. Catalogo.
- 2013: “Excelentes muestras de Zech y Toto Blake en Recoleta”, Diario Ambito Financiero.
Collections
- Museo Universitario de Arte Contemporáneo, , México, DF.
- Museo de Ciencias y Arte de la Universidad Nacional Autónoma de México, México, DF.
- Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México.
- Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, México DF.
- Museo de Arte Carrillo Gil, México, DF.
- Museo José Luis Cuevas, México, DF.
- Colección de Jacques y Natasha Gelman, Cuernavaca, México.
- Stedelijk Museum voor Actuele Kunst.Gent S.M.A.K, Gante, Bélgica.
- Museum of Modern Art,Nueva York, NY, Estados Unidos.
- Museum Of Latin American Art, Long Beach California, EUA.
- Galería de Arte Mexicano, México, DF.
- Galería OMR, México, DF.
- Fundación Televisa, México, DF.
- Fundación Miguel Alemán, México, DF.
- Banco Nacional de México, México, DF.
- Seguros América, México, DF.
- IAGO, Oaxaca, México.
- MUNAE, México, DF.
- Rodrigo Canala, “Emblema Rosa”, 2014-2015, Rotulador, bolígrafo, grafito, óleo, esmalte sintético, pasta gravillante, cartón piedra, madera prensada, marco de madera pintado, vidrio corriente, 80.5 x 65.5 x 5 cm. Photo credit: Tomás Rodríguez.
- Rodrigo Canala, “Arma #1 (matamoscas)”, 2007, Matamoscas, escarcha metálica, 42.5 x 10.5 cm.
- Rodrigo Canala, “Arma #2 (luma)”, 2007, Bastón de seguridad, escarcha metálica, 55.5 x 15 aprox. cm.
- Rodrigo Canala, “Autorretrato”, 2014-2015, Rotulador, bolígrafo, grafito, papel cuadriculado, cartulina metalizada, marco de madera, vidrio corriente, 36 x 29.7 x 3 cm. Photo credit: Tomás Rodríguez .
- Rodrigo Canala, “Bandera”, 2014-2015, Esmalte sintético, óleo, rotulador, madera prensada, marco de madera pintado, vidrio corriente, 63.5 x 43.7 x 4.5 cm. Photo credit: Tomás Rodríguez.
- Rodrigo Canala, “Corona #2 (radar)”, 2012, Defensa metálica, escarcha plateada, soporte de aluminio, madera aglomerada, motor y cable eléctricos, 113.5 x 25 x 25 cm. Photo credit: Sebastián Mejia.
- Rodrigo Canala, “Corona”, 2006, Defensa metálica, escarcha dorada, tornillos, concreto, 20 x 44 x 13 cm. CCU. Photo credit: Tomás Rodríguez.
- Rodrigo Canala, “Diamante hueco”, 2011, Spray sobre vidrio exterior, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Galería Tajamar, Santiago, Chile. Photo credit: Sebastián Mejía.
- Rodrigo Canala, “El Patria”, 2006, Madera aglomerada, motores eléctricos, resina de poliéster, pintura, cable de acero, cable eléctrico (circuito variador de frecuencia), 200 x 570 x 200 cm. Colección Juan Yarur.
- Rodrigo Canala, “Escudo #2”, 2015, Fierro estructural, soldadura, esmalte sintético, tornillos, 100 x 70 x 9,5 cm. Privada colección. Santiago de Chile. Photo credit: Tomás Rodríguez .
- Rodrigo Canala, “Escudo, espejo, estandarte #2”, 2011-2012, Esmalte sintético, madera prensada, marco de madera pintado, vidrio corriente, 156 x 106 cm. MAVI. Photo credit: Tomás Rodríguez.
- Rodrigo Canala, “Paramento”, 2007, Madera aglomerada, terciopelo sintético, ampolletas incandescentes (circuito secuencial), portalámparas, tela de PVC, diversos objetos, cable eléctrico, 280 x 857 x 138 cm.
- Rodrigo Canala, “Señal”, 2011, Madera aglomerada, ampolletas incandescentes (circuito secuencial), portalámparas, pasta gravillante, pintura, bolígrafo, cable eléctrico, 237 x 117 x 117 cm. Museo de Artes Visuales (MAVI). Photo credit: Sebastián Mejía.
- Rodrigo Canala, “T.F.P.”, 2007, Polvo doméstico sobre muro, Variable dimensions.
- Rodrigo Canala, “Revelación”, 2014-2015, Rotulador, bolígrafo, grafito, papel milimetrado, cartulina metalizada, marco de madera, vidrio corriente. (Colaboración con Cristián Silva), 44.5 x 32.5 x 1 cm. Photo credit: Tomás Rodríguez.
- Rodrigo Canala, “Escudo #1”, 2015, Fierro estructural, soldadura, esmalte sintético, tornillos, 50 x 37.5 x 7.3 cm. Photo credit: Tomás Rodríguez.
About the Artist
En mi trabajo, por lo general volumétrico y otras veces gráfico, utilizo preferentemente materiales innobles, comunes o de bajo costo (madera aglomerada, escarcha metálica, polvo doméstico, luz artificial, pintura industrial). Éstos, a través de un tratamiento preciosista, obtienen una apariencia delicada e ilusoria. Muchas veces mis obras son acompañadas por aparatos eléctricos y electromecánicos, dotándolas de una condición móvil que acentúa dicho ilusionismo.
Basándome en una iconografía local popular (arquitectura pastiche, escenografía de televisión, estética de kermés o de pacotilla) y, por otra parte, en referencias artísticas como el arte óptico, cinético, abstracto y constructivista, recurro a diseños y patrones usualmente geométricos y decorativos (cercos, guirnaldas, rúbricas, destellos). Las obras muestran, finalmente, una parquedad y precariedad estructural, pero aún así cierta ostentación ornamental; están completa e irónicamente expuestas y, a su vez, son objeto de seducción y contemplación.
Mi trabajo, pienso, genera en el espectador una mezcla entre quietud y expectación, o lo que llamo “inercia óptica”. Se trata de una apariencia cautivante, hipnótica, “bella” y, a la vez, provocativa o amenazante, en la que se esconde en último término, una crítica paródica a una contingencia tendiente al espectáculo y a la exclusión, manifiesta no solo en el cotidiano y los mass media, sino también en el mismo arte.
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In my work, usually volumetric and sometimes graphic, I employ preferably ignoble, ordinary, or low cost materials, (chipboard, metallic chipping, domestic dust, artificial light, industrial paint). These, through an embellishing process, achieve a delicate and illusory appearance. Many times my works are accompanied by electric and electro mechanic equipment, which provide mobility, thus stressing the illusionary quality of the works.
Based on the one hand on local popular iconography (architecture, pastiche, television scenography, Kermés or trashy aesthetics) and on the other hand, it carries artistic references such as Op art, Kinetic art, abstract and constructivist art; I turn to designs and patterns which are usually geometric and decorative (wreaths, garlands, signs, glitter). The works show, finally a sparingness, a structural precariousness, though a certain ornamental ostentation. They are totally and ironically exposed, and at the same time, they are objects of seduction and contemplation.
My work, I think, generates in the spectator a combination of calm and expectation, or what I call “optical inertia.” It bears a captivating appearance, hypnotic, “beautiful”; and at the same time, provocative and threatening, in which what is hidden ultimately, is a parodic critique to a contingency which leans towards the spectacle and the exclusion, not only manifest in the daily, the mass media, but in art itself.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1998-1999: Magíster en Artes mención Artes Visuales, Universidad de Chile, Santiago, Chile.
- 1993-1996: Licenciado en Arte, Universidad Finis Terrae, Santiago, Chile.
Prizes / Fellowships
- 2012-2011: Beca Corporacion Arte+, Galería Patricia Ready, Santiago, Chile.
- 2009: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 2007: Premio 2º Lugar, 7º Concurso Artistas Siglo XXI, Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile.
- 2005: Premio 1º Lugar, 5º Concurso Artistas Siglo XXI, Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile.
- 2005: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 2004: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 2003: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 2001: Premio Mencion Especial, 23º Concurso Nacional Arte y Poesia, Universidad de Valparaíso, Valparaíso, Chile.
- 2000: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 1999: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 1999: Beca Amigos del Arte, Corporación Amigos del Arte, Santiago, Chile.
Solo Exhibitions
- 2015: “Diseños”, Galería Patricia Ready, Santiago, Chile.
- 2013: “Circus”, Sala Puntángeles (Universidad de Playa Ancha), Valparaíso, Chile.
- 2012: “Deco”, Galería Patricia Ready, Santiago, Chile.
- 2011: “Diamante hueco”, Galería Tajamar, Santiago, Chile.
- 2011: “Señas, bordes, vacíos”, Galería YONO, Santiago, Chile.
- 2011: “Destellos negros”, Galería Centro, Santiago, Chile.
- 2007: “Suite-Patrón”, Galería Die Ecke, Santiago, Chile.
- 2004: “Edén”, Galería Artespacio, Santiago, Chile.
- 1999: “Ejercicio de contrapunto”, Club de Jazz de Santiago, Santiago, Chile.
Group Exhibitions
- 2015: “La misma”, Galería Die Ecke, Santiago, Chile.
- 2013: “Colección Juan Yarur: un relato personal”, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
- 2011: “Indios verdes”, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
- 2011: “Traveling light: five artists from Chile”, Art Museum of the Americas, Washington, D.C., Estados Unidos.
- 2011: “La oscura vida radiante”, CeAC (Centro de Arte Contemporáneo), Santiago, Chile.
- 2010: “Contaminaciones contemporáneas”, Museu de Arte Contemporánea da Universidade de São Paulo, São Paulo, Brasil.
- 2009: “Material ligero: five artists from Santiago, Chile travelling light”, VCA Margaret Lawrence Gallery (The University of Melbourne), Melbourne, Australia.
- 2007: “Stgo/Bog/Stgo. Envío de arte contemporáneo chileno”, Galería Valenzuela Klenner , Bogotá, Colombia.
- 2007: “If I can make it here, I’ll make it anywhere (Proyecto Hoffmann’s House) “, White Box, Nueva York, Estados Unidos.
- 2006: “5a Bienal de artes visuales. Utopías de bolsillo”, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
- 2005: “Arte contemporáneo chileno. Desde el otro sitio/lugar”, National Museum of Contemporary Art, Seúl, Corea.
- 2004: “Falso”, Centro Cultural de España , Santiago , Chile.
- 2002: “Frutos del país”, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
- 2002: “Sentido común”, Galería Balmaceda 1215, Santiago, Chile.
- 2000: “ESC.1:6”, Galería Animal, Santiago, Chile.
- 1998: “Material dispuesto”, Galería Posada del Corregidor, Santiago, Chile.
Links
June 15, 2016 Óscar Abraham Pabón https://abstractioninaction.com/artists/oscar-abraham-pabon/- Oscar Abraham Pabon, “Estetización de un punto móvil”, 2010, Installation with intervened plane and assembly with parts of synthetic fabric umbrella, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “Ciudad de Sión (Ornato)”, 2009, Intervention in public spaces / A4 size white paper and spray paintend stencils over corrugated sheets of zinc, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “Puddle Jumpers (Salta Charcos)”, 2010, Interventions in public spaces / reinforced concrete, Variable dimensions. Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC).
- Oscar Abraham Pabon, “How to be a table while remaining a sculpture?”, 2013, Wooden table intervened, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “XYZ”, 2013, Sectioned carpet, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “Automatic writing”, 2013, Chinese ink on toilet paper, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “Automatic writing”, 2013, Chinese ink on toilet paper, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “Automatic writing”, 2013, Chinese ink on toilet paper, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “Expanded sculpture”, 2013, sectioned carpet, Variable dimensions. Rijksakademie van Beeldende Kunsten.
- Oscar Abraham Pabon, “Expanded sculpture”, 2013, sectioned carpet, Variable dimensions. Rijksakademie van Beeldende Kunsten.
- Oscar Abraham Pabon, “Sculptural tradition I”, 2013, 1 Metal sculpture 1 Carpet and 1 Photograph, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “Sculptural tradition I”, 2013, 1 Metal sculpture 1 Carpet and 1 Photograph, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “The Origin of the circle II”, 2014, sectioned carpet, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “Latin American sculptural tradition”, 2015, sectioned carpet, Variable dimensions.
- Oscar Abraham Pabon, “horizontal sculpture”, 2011, Reinforced concrete, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Alcaldía de Baruta, parque terrazas del Avila , Caracas, Venezuela.
- Oscar Abraham Pabon, “Floating Sculpture”, 2015, Wood, plastic sheeting and floats, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Stichting Pieter Janszoon Saenredam, barendrecht – Rotterdam, Nederland. Stichting Pieter Janszoon Saenredam.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2013-2015: Rijksakademie van Beeldende Kunsten, Amsterdam, The Netherlands.
- 2006-2011: Taller de Arte contemporáneo de Caracas TAC con Antonio Lazo y Zeinab Bulhossen, Caracas, Venezuela.
- 2003-2008: Arquitecto, Universidad Experimental del Tachira UNET, San Cristobal, Tachira.
Prizes / Fellowships
- 2015: Production grant, Mondriaan Fonds , Amsterdam, The Netherlands.
- 2014: Art in the City, Selected Project, Kyiv Sculpture Project Prize (KSP), Kyiv, Ukraine.
- 2013: Scholarship Cees e Inge de Bruin-Heijn, Amsterdam, The Netherlands.
- 2011: Training scholarship, Patricia Phelps de Cisneros foundation CPPC, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: Residencia artistica, CIA Centro de Investigaciones artisticas, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: Residencia artistic, Terra Una, Serra da Mantiqueira, Liberdade, Brazil.
- 2011: Residencia artistica, ALA artista en Latinoamerica, Valparaiso, Chile.
- 2010: Third Prize, salón Super Cable, jóvenes con FIA, Caracas, Venezuela.
- 2010: Residencia artística , KIOSKO, Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.
- 2008: Sculpture Award, International Competition, Alameda Sol de Oriente, Cali, Colombia.
- 2007: Honorable Mention, VII Salon Nacional de fotografia Seguros Catatumbo, Maracaibo, Venezuela.
- 2007: Honorable Mention, Salon Naciona de arte visuales de la ciudad de Coro, Coro, Venezuela.
- 2007: Premio de Fotografía , Salon Binacional de artes Visuales CONFANORTE, Pamplona, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2015: “Typical modernity”, Martin van Zomeren gallery, Amsterdam, The Netherlands.
- 2015: “Soloproject“, Swab, Barcelona, Spain.
- 2015: “Sculpture and repetition“, Bergarde gallery, Rotterdam, The Netherlands.
- 2015: “Interior Francés“, Oficina # 1, Caracas, Venezuela.
- 2014: “XYZ“, Martin van Zomeren, Amsterdam, The Netherlands.
- 2012: “Proyecto / Escultura“, Oficina#1, Caracas, Venezuela.
- 2011: “La imagen de los tiempos“, Al Borde, Maracaibo, Venezuela.
- 2011: “De la herencia a lo heredado“, Oficina # 1, Caracas, Venezuela.
- 2010: “S/t“, Kiosko, Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.
- 2005: “Geometría sensible”, galeria Demetrio Silva, San Carlos, estado Cojedes, Venezuela.
- 2004: “Síntesis II”, galería Manuel Osorio Velasco, San cristobal, Venezuela.
- 2004: “Síntesis I”, Galería de arte el punto, San Juan de Colon, Venezuela.
- 2003: “Inquisiciones geométrica y color”, Sala de espacios visuales UNET, San Cristobal, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2015: “TRÓPICOS“, Oficina # 1, Caracas, Venezuela.
- 2015: “Velada remix“, Hamburg, Germany.
- 2015: “REALIDADES INSTANTÁNEAS“, Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), Caracas, Venezuela.
- 2015: “ARTBO, International Contemporary Art”, nube gallery, Bogota, Colombia.
- 2015: “INTERVENCIONES TRIDIMENSIONALES“, Hacienda La Trinidad, parque cultural, Caracas, Venezuela.
- 2015: “Amsterdam Art Fair”, Martin van Zomeren, Amsterdam, The Netherlands.
- 2015: “ARTROTTERDAM, International Contemporary Art Fair”, Martin van Zomeren, Rotterdam, The Netherlands.
- 2014: “Open Studio“, Rijksakademie van beeldende kunsten, Amsterdam, The Netherlands.
- 2014: “ARTISSIMA, International Contemporary Art Fair”, Martin van Zomeren, Turín, Italia.
- 2014: “ARTBO, International Contemporary Art Fair “, Oficina#1, Bogotá, Colombia.
- 2014: “Panorámica. Arte Emergente en Venezuela. 2000-2012“, Sala Trasnocho Arte Contacto (TAC), Caracas, Venezuela.
- 2014: “A.O.”, Martin van Zomeren, Amsterdam, The Netherlands.
- 2014: “ESCALA“, Oficina # 1, Caracas, Venezuela.
- 2014: “JustMad, International Contemporary Art Fair, COAM, “, nube gallery, Madrid, Spain.
- 2013: “Open Studio“, Rijksakademie van beeldende kunsten, Amsterdam, The Netherlands.
- 2013: “The Right to the City“, Stedelijk Museum Bureau, Amsterdam, The Netherlands.
Publications
- Oscar Abraham Pabon, In the beginning was the Word (Amsterdam), 80.
- Oscar Abraham Pabon, New Modern Sculpture (Amsterdam), 50.
- Oscar, De la Herencia a lo Heredado (Caracas), 30.
- Felix Suazo, Panorámica, Arte Emergente en Venezuela 2000/2012 (Caracas: Telefónica Fundación), 80.
- Rosana Pabon, “Artista y arquitecto venezolano inauguró esculturas flotantes en Holanda“, entre rayas – revista de arquitectura, 18 sep 2015.
Collections
- Stichting Pieter Janszoon Saenredam, Rotterdam, The Netherlands.
- Cees e Inge de Bruin-Heijn, Amsterdam, The Netherlands.
- Patricia Phelps de Cisneros foundation CPPC, New York, USA.
- Rijksakademie van beeldende kunsten, Amsterdam, The Netherlands.
- Colección Ella Fontanals-Cisneros CIFO, Miami, USA.
Links
October 9, 2015 Pier Stockholm https://abstractioninaction.com/artists/pier-stockholm/- Pier Stockholm, “Elephant Island”, 2014, Fluorescent lights, plants, wood board, cables, drawing curve ruler, photograph with frame, transparent plastic and clamps, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Elephant Island” (detail), 2014, Installation, Plants, mdf wood board, drawing curve ruler, photograph with green filter and painted frame, transparent red plastic, clamps and push pins.
- Pier Stockholm, “Elephant Island”, 2014, Detail: curve ruler, photograph with frame, transparent plastic and clamps, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Chromatic”, 2014, Gouache & paper cut on paper, 93 x 127 cm.
- Pier Stockholm, “Oscar 3”, 2012, Foam, wood with red acrylic paint, Dymo tag, ruler, elastic band & level, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Prismatic”, 2012, Print on cotton paper, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Pantone”, 2012, Series: Blue series, C-Print on aluminum , 29.7 x 42 x 0,25 cm.
- Pier Stockholm, “Do & Hope”, 2015, multimedia installation, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Gleichapel project space, Paris, France.
- Pier Stockholm, “Do & Hope”, 2015, Detail:Blue paint on wall, neon lights, polystyrene, push pins and elastics, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Gleichapel project space, Paris, France.
- Pier Stockholm, “Do & Hope”, 2015, Detail: Flowers, foam, rope, blue paint, cutting mat, neon light and foam cutter, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Gleichapel project space, Paris, France.
- Pier Stockholm, “The Weight of References”, 2015, Rope and printed matter, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Time &Tide (Flows wide)”, 2014, India ink on transparent paper, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “All lines and movements are the function”, 2013, India ink on transparent paper, 42 x 29.7 cm.
- Pier Stockholm, “Caran D’ache”, 2012, C-Print on aluminum and colors, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Pantone Connection”, 2012, Print on cotton paper, 25 x 20 cm.
I incorporate the material function of my studio as a means of illustrating my artistic practice.
Traducido del inglés
Incorporo la función material de mi estudio como medio de ilustrar mi práctica artística.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2006-2008: Programe La Seine – Postgraduate program, Ecole Nationale Supérieure Des Beaux Arts Paris-ENSBA, Paris, France.
- 2002-2005: Master in Fine Arts, Universidade de São Paulo. ECA- Escola de Comunicações e artes-USP, São Paulo, Brazil.
- 1995-2001: Bachelor’s Degree in Architecture and Urbanism, Universidad Ricardo Palma, Lima, Peru.
Prizes / Fellowships
- 2011: artistic residence, SOART, Millstättersee, Austria.
- 2010: artistic residence, Malongen Nordic Guest Studio, Stockholm, Sweden.
- 2008: artistic residence, Microresidencia Parasit(i)o in collaboration with MeetFactory, Prague, Czech Republic.
- 2008: artistic residence, NID- National Institute of Design – in collaboration program La Seine , Ahmedabad, India.
- 2007: artistic residence, Mongin art studios-collaboration program Las Seine, Seoul, South Korea.
- 2006-2007: artistic residence, Cité Internationale des Arts, Paris, France.
Solo Exhibitions
- 2015: “Do & Hope”, Gleichapel, Paris, France.
- 2014: “Elephant Island”, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2013: “Time & Tide (Flow wide)”, Galeria Casado Santapau, Madrid, Spain.
- 2013: “Head On”, Lisabird Contemporary, Vienna, Austria.
- 2012: “Prismatic”, Casa Triangulo, São Paulo, Brazil.
- 2011: “USURPATION: Le Folklore”, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2011: “INRI”, Casa Triangulo, São Paulo, Brazil.
- 2009: “God (and Le Corbusier) promises a safe landing (but not a calm voyage)”, Casado Santapau, Madrid, Spain.
- 2006: “Manimal”, De Vleeshal, Middleburg, Holland.
- 2005: “SantaCruz”, Casa Triangulo, São Paulo, Brazil.
- 2003: “Burocracia”, Paço Das Artes, São Paulo, Brazil.
Group Exhibitions
- 2015: “Idées Multiples”, Galerie Des Galeries, Paris, France.
- 2015: “A false Horizon“, Peana Projects, New York, USA.
- 2015: “Polivalencias “, Curated by Jorge Villacorta. Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2014: “Light/Color/Object”, Super Dakota, Brussels, Belgium.
- 2014: “Casa Triangulo No Pivò“, Casa Triangulo- Pivò, edificio Copan, São Paulo, Brazil.
- 2014: “UNTITLED miami Art Fair “, Rincón Projects, Miami, USA.
- 2011: “Choix de Paris”, Cité International des Arts curated by Elsy Lahner, Paris, France.
- 2010: “Everydays(s)“, Casino Luxembourg-Forum d’art contemporain, Luxembourg, Luxembourg.
- 2010: “Now or Never”, Rincón Projects, New York, USA.
- 2008: “El Papel del artista”, Doméstico 08. Curated by Teodora Diamantopoulos, Joaquín García, Giulietta Speranza, Andrés Mengs y Virginia Torrente, Madrid, Spain.
- 2005: “AU-DELA DU COPAN: Beyond the Copan, Supernatural Urbanism“, Fondation d’Enterprise Ricard, Paris, France.
- 2004: “Artista-Personagem -curated by Daniela Labra”, Centro cultural Maria Antonia, São Paulo, Brazil.
Publications
- Pier Stockholm, The Weight of References (Paris: onestar press), 150.
Collections
- Albertina Museum, Vienna, Austria.
- SBKM / De Vleeshal at MuHKA, Antwerp, Belgium.
Links
August 19, 2015 Eduardo Terrazas https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-terrazas/Selected Biographical Information
Education / Training
- 1956-1958: Bachelor’s Degree in Architecture, Autonomous University of Mexico (UNAM), Mexico City, Mexico.
- 1960: Master’s in Architecture, Cornell University, Ithaca, New York, New York.
- 1962: Certificate in Prefabrication, Centre Scientifique et Technique du Batiment, Paris, France.
Solo Exhibitions
- 2015: “Eduardo Terrazas“, Timothy Taylor Gallery, London, United Kingdom.
- 2015: “Second Nature“, Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City, Mexico.
- 2015: “Ways od Perception“, Nils Staerk Gallery, Copenhaguen, Denmark.
2013: “The Predicament of Mankind“, Nils Staerk Gallery, Copenhaguen, Denmark.
2013: “The Predicament of Mankind“, Art Feature at Art Basel, Basel, Switzerland.
2013: “Constellations“, Almine Rech Gallery, Paris, France.
2012: “Posibilities of a Structure”, Casa Luis Barragán, Mexico City, Mexico.
2012: “1.1.4“, Proyectos Monclova, Mexico City, Mexico.
2010: “Posibilidades de una Estructura”, Museo de Arte de Sinaloa, Sinaloa, Mexico.
1987: “Everyday Museum”, OMR, Mexico City, Mexico.
1987: “Everyday Museum”, Cultural Institute of Mexico, San Antonio, United States.
1987: “Multiplications”, Mobile Oil Company, Mexico City, Mexico.
1975: “Not knowing it existed and unable to explain it”, Gallery of the Benjamin Franklin Library, Mexico City, Mexico.
1974: “Paintings and Tablas”, Tunnel Gallery, New York, United States.
1974: “Eduardo Terrazas”, Museo Nacional de Arte, La Paz, Bolivia.
1974: “Eduardo Terrazas”, Eugenio Mendoza Foundation, Caracas, Venezuela.
1974: “Tablas”, Casa de la Cultura, Maracay, Venezuela.
1973: “Eduardo Terrazas”, Museo Nacional de las Bellas Artes, Santiago, Chile.
1973: “Eduardo Terrazas”, Suzy Langlois Gallery, Paris, France.
1973: “Eduardo Terrazas”, Knoll International, Paris, France.
1972: “Tablas”, Palacio de Bellas Artes, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2014: “Platform“, Almine Rech Gallery, Paris, France.
- 2014: “Artevida”, Casa Francia Brasil, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2014: “Desafío a la estabilidad”, Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Mexico City, Mexico.
- 2013: “Sharjah Biennial 11”, Sharjah Biennial 11, Sharjah, United Arab Emirates.
- 2012: “Poule!”, Fundación/Collection Jumex, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Exposición conmemora los 40 años”, Museo de la Solidaridad, Santiago, Chile.
- 2011: “Espacio flexible”, La Quiñonera, Mexico City, Mexico.
- 2011: “México: Política y Poética”, San Francisco State University Fine Arts Gallery, San Francisco, USA.
- 2011: “Mexico and Mexico news”, San Francisco State University Fine Arts, San Francisco, USA.
- 2002: “ABCDF”, Portraits d’une Ville-Institut du Mexique à Paris, Paris, France.
- 1973: “Young artists ’73”, Union Carbide, New York City, United States of America.
- 1970: “Graphics 1 New Dimensions”, Museum of Modern Art, New York City, United States of America.
- 1968: “Word and Image: posters and typography from the graphic design collection”, Museum of Modern Art, New York City, USA.
Publications
- Eduardo Terrazas, Segunda Naturaleza (Second Nature) (Mexico City: RM + Museo de Arte Carrillo Gil (MACG).
- Eduardo Terrazas, Posibilidades de una Estructure (Possibilities of a Structure) (Mexico City: Turner).
- Editor Hossein Amirsadeghi, Contemporary Art Mexico (London: TransGlobe Publishing), 302-305.
- Cisneros Fontanals Art Foundation, Impulso, Razón, Sentido, Conflicto (Miami: Cisneros Fontanals Art Foundation), 112-113.
- Bera Nordal , Mexico – Poetry and Politics (Stockholm: Nordiska Akvarellmuseet), 66-67.
- María Minera, “Busco ir a la esencia del universo“, El País, 17/04/2015.
- Notimex, “Museo de Arte Carrillo Gil exhibirá obras de Eduardo Terrazas“, El Excelsior, 29/01/2015.
- “El MoMA Presenta “Latinoamérica en Construcción: Arquitectura De 1955 a 1980“, Artishock, 10/03/2015.
Collections
- Fundación-Colección Jumex, México City, Mexico.
- Museum of Fine Arts, Boston, United States of America.
- MUAC – Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- Museo Amparo, Puebla, Mexico.
- Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago, Chile.
- MOMA- Museum of Modern Art (architecture and design dpmt.), New York City, United States.
- Eduardo Terrazas, “14.23 Mural Jenga”, 2014-2015, From the series: Everyday Museum, Wooden blocks inked with aniline on wooden board, Overall dimensions: 250 x 886 cm. Courtesy of the artist and Proyectos Monclova. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “16.36”, 2014, Series: Constellations, Chaquira glass breads on wooden board covered with Campeche wax. 90.5 x 90.5 cm. Courtesy of the artist. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.25b”, 1974, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, India ink on paper, 46.4 x 46.4 cm, Courtesy of the artist and Proyectos Monclova. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.32”, 2013, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax. 120 x 120 cm, Private collection. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “1.1.66”, 2014, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Automotive lacquer with matte varnish on wooden board. 200 x 200 x 4.5 cm, Private collection. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.94”, 1970-1972, Series Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Wool Yarn on wooden board covered with Campeche wax, 150 x 150cm. Collection of the Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.147”, 1974-2014, Series: Possibilities of a Strucutre, Subseries: Cosmos, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax. 120 x 120 x 3.5 cm. Private collection. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “5.1”, 1971-1972, Series: Deconstruction of an Image, Automotive lacquer with matte varnish on wooden board, 252 x 200 x 5 cm. Collection of the Museo Amparo. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “1.3.11”, 1975-2015, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Diagonals, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax, 90 x 90 cm. Courtesy of the artist and Timothy Taylor Gallery. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “Crecimiento Orgánico (Organic Growth)”, 1975, Series: Organic Growth, Acrylic on canvas, Set of 16, Image Dimensions (each): 23.62 x 23.62 x .98 in, 60 x 60 x 2.5 cm. FEMSA Collection. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “1.4.11”, 1974-2015, Series: Possibilities of a Strucutre, Subserie: Grid, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax, 90 x 90 cm. Courtesy of the artist and Timothy Taylor Gallery. Photo: Agustin Estrada.
- Eduardo Terrazas, “2.52b”, 1974, Series: Tablas, Marker on paper, 37.5 x 37.5 x 3.5 cm. Courtesy of the artist and Monclova Proyectos. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “9.13”, 2010, Subserie: Universe, Acrylic on canvas, 200 x 200 x 4 cm. Courtesy of the artist Proyectos Monclova. Photos: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “0.2”, 1969, Series: 0, Acrylic on canvas, 120 x 100 x 2.5 cm. Courtesy of the artist and Proyectos Monclova. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “2.57”, 1972-2014, Series: Tablas, Wool yarn on wooden borard covered with Campeche wax. 90 x 90 x 3.5 cm. Courtesy of the artist and Nils Staerk Gallery. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.148”, 1974-2014, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax. 120 x 120 x 3.5 cm. Private Collection. Photo: Agustín Estrada.
- Jaime Davidovich, “Blue/Red/Yellow”, 1974, Three channel color video installation, silent, (Blue Tape: 00:12:12; Red Tape: 00:09:24; Yellow Tape: 00:12:13), Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Opening Square Taped Project with Frame”, 1972, Crayon, ink, graphite and tape on paper, 76.8 x 106.7 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “Not in New York Gallery”, 1972, Mixed media on paper, 55.8 x 66 cm.
- Jaime Davidovich, “Collage Tape Painting 4”, 1969, Crayon, graphite, tape and human hair on handmade paper, 61 x 87 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “Columbus Tape Project: Drawing”, 1971, Graphite, ink and tape on paper, 76.2 x 56.2 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “New York Project”, 1975, Digital video transferred from videotape, (00:11:20), Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Whitney Taped Project”, 1973, Canvas, oil, microfoam and tape on board, 66.6 x 56.5 cm.
- Jaime Davidovich, “New York Project Queens 65th Street Station”, 1975, Tape on photograph, 66.8 x 56.5 cm.
- Jaime Davidovich, “Adhesive Tape Project”, 1973, Graphite, marker and tape on two pieces of Masonite, 37.8 x 243.8 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “Tape Project: Sidewalk 1”, 1971, Gelatin silver print mounted on cardboard, 50.2 x 40.3 cm.
- Jaime Davidovich, “Tape Project”, 1972-2012, Clear adhesive tape, Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Tape Project, Yellow Tape”, 1970, Photograph and yellow adhesive tape, Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Queens Boulevard (Fake Estates)”, 1973, Collage on paper, 40.3 x 50.5 cm. Private Collection.
- Jaime Davidovich, “Tape and Canvas Project”, 1970, Canvas, oil, graphite and tape on board, 47.7 x 55.8 cm.
- Jaime Davidovich, “Project for Column”, 1972, Tape on photograph, 66.6 x 56.5 cm.
- Jaime Davidovich, “Untitled”, 1970, Oil, canvas and tape on board, 77.8 x 52.4 cm.
My taped projects are about surfaces, context and space.
I first started working with adhesive tape in 1966. Initially I used the tape to hold my paintings to the wall, but starting in 1970 I eliminated the painting and concentrated on the tapes as my primary medium. I wanted to explore the possibilities of using spaces where the viewer does not expect art to be found. This concept brought me to intervene staircases, landing platforms and outdoor walls and objects. Each work was created for a unique space. When covering a surface, the tape creates an additive grid full of amorphous patterns caused by air bubbles. When developing a tape project, sometimes paper or a photograph was the support and framework for the piece, but many times the project was able to become monumental as it seamlessly adapted to the architecture of the space. Also in 1970, I began to incorporate videotape as part of these projects. The taped projects became “Art on tape and tapes as art”.
Traducido del inglés
Mis proyectos con cinta tratan sobre superficies, contexto y espacio.
Comencé trabajando con cinta adhesiva en 1966. Inicialmente utilicé cinta para sostener mis pinturas sobre la pared, pero a partir de 1970, eliminé las pinturas y me concentré en las cintas como mi medio principal. Quería explorar las posibilidades del uso de espacios en donde el espectador no espera encontrar arte. Este concepto me llevó a intervenir escaleras, plataformas de aterrizaje, paredes exteriores y objetos. Cada obra fue creada para un espacio único. Al cubrir una superficie, la cinta crea una retícula de aditivo llena de patrones amorfos causados por burbujas de aire. Durante el desarrollo de un proyecto con cinta, a veces el papel o la fotografía era el soporte y el marco de la pieza, sin embargo, muchas de las veces, el proyecto fue capaz de convertirse en monumental al momento de adaptarse perfectamente a la arquitectura del espacio. También, en 1970, comencé a incorporar cinta de video como parte de estos proyectos. Los proyectos grabados se convirtieron en “Arte en cinta y las cintas como arte”.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1963: School of Visual Arts, New York, USA.
- 1959-1961: , University of Uruguay, Montevideo, Uruguay.
- 1954-1958: , National College of Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 1990: Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1984: Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1982: Creative Artists Public Service Program, New York State Council on the Arts, New York, USA.
- 1978: Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1975: Creative Artists Public Service Program, New York State Council on the Arts, New York, USA.
Solo Exhibitions
- 2015: “Jaime Davidovich: Adventures of the Avant-Garde“, The Bronx Museum of the Arts, New York, USA.
- 2015: “Jaime Davidovich: Tapes Period. 1969-1975”, Henrique Faria, New York, New York, USA.
- 2013: “Museum of Television Culture“, Churner and Churner, New York, USA.
- 2010: “Biting the Hand that Feeds You”, ARTIUM, Vitoria Gasteiz, Spain.
- 2008: “Dr. Videovich”, Anthology Film Archives, New York, USA.
- 2004: “Jaime Davidovich Video Works 1970-2000”, The Phatory Gallery, New York, USA.
- 1991: “Forces/Farces”, Exit Art, New York, USA.
- 1989: “The Live! Show Retrospective”, The Museum of the Moving Image, New York, United States.
- 1978: “Jaime Davidovich: Art Turns on Television”, Coroborree, Iowa City, United States.
- 1976: “Baseboard”, The Kitchen, New York, USA.
- 1976: “Jame Davidovich Video VII”, Museum of Modern Art, New York, USA.
Group Exhibitions
- 2010: “Changing Channels”, MUMOK, Vienna, Austria.
- 2009: “Compass in Hand”, Museum of Modern Art, New York, United States.
- 2009: “From the Archives: 40 Years, 40 Projects”, White Columns, New York, United States.
- 2008: “Arte no es Vida”, El Museo del Barrio, New York, United States.
- 2007: “Primera Generación. Arte e imagen en movimiento”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain.
- 2000: “The End: An 18-Year History of Exit Art”, Exit Art, New York, United States.
- 1990: “Ideas and Images from Argentina”, The Bronx Museum of the Arts, New York, USA.
- 1986: “Television’s Impact on Contemporary Art”, Queens Museum, New York, USA.
- 1977: “Art of the Seventies”, Fundació Joan Miró, Barcelona, Spain.
- 1972: “Arte de Sistemas”, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
- 1971: “Experiments in Art and Technology”, B.K. Smith Gallery, Painesville, USA.
Publications
- Thomas Riggs, St. James Guide to Hispanic Artists (New York: St. James Press).
- Marc H. Miller, Television’s Impact on Contemporary Art (New York: Queens Museum).
- Les Krantz, American Artists – An Illustrated Survey of Leading Contemporary Americans (Chicago: The Krantz Company Publishers, Inc.)
- Holland Cotter, “10 Galleries to Visit on the Upper East Side“, The New York Times, April 16, 2015, C33.
- Jacob Proctor, “Jaime Davidovich at Threewalls”, ArtForum, April 2015, 255.
- Joseph Jacobs, “When Video Was Young”, Art in America, 2007, .
- Lower Manhattan Cultural Council, “Site Matters”, Distributed Art Publishers, 2004, .
- Herman Rapaport, “Jaime Davidovich – A Video Promenade – Jorge Luis Borges Interview with Davidovich While Walking on University Place from 12th to 11th Streets, New York, 1982”, Points of Contact, Fall 1995, 16-21.
- Carolyn Kinder Karr, “Jaime Davidovich”, ArtForum, February 1974, 61-62.
Collections
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain.
- Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona, Spain.
- Clarisa and Edgar J. Bronfman, New York, USA.
- Private Collection, New York, USA.
Links
May 4, 2015 Nicola Noemi Coppola https://abstractioninaction.com/artists/nicola-noemi-coppola/- Nicola Noemi Coppola, “ocho nubes”, 2014, Series: Impermanente, Wet collodion process from a digital image, 25 x 20 x 30 cm. Photo credit: Nicola Noemi Coppola.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Mountain Geometrics, Digital photo, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Cálculo del peso de una montaña a partir de una pirámide hexagonal”, 2015, Series: Mountain Geometrics, Drawing, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Impermanente, Wet collodion process from a digital image, 15 x 12 x 2 cm. Photo credit: Nicola Noemi Coppola.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Sales, MX, Analog photography, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Sales, MX, Digital photography, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Sales, MX, Digital photography, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Sales, MX, Digital photography, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Sales, MX, Digital photography, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Sales, MX, Digital photography, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Sales, MX, Digital photography, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Quimiografía méxicana, Quimiografía: emulsified fiber paper with silver nitrate exposed to the contact of the salt of the landscape, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Quimiografía méxicana, Quimiografía: emulsified fiber paper with silver nitrate exposed to the contact of the salt of the landscape, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Quimiografía méxicana, Quimiografía: emulsified fiber paper with silver nitrate exposed to the contact of the salt of the landscape, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Quimiografía méxicana, Quimiografía: emulsified fiber paper with silver nitrate exposed to the contact of the salt of the landscape, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Quimiografía méxicana, Quimiografía: emulsified fiber paper with silver nitrate exposed to the contact of the salt of the landscape, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Quimiografía méxicana, Quimiografía: emulsified fiber paper with silver nitrate exposed to the contact of the salt of the landscape, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Quimiografía méxicana, Quimiografía: emulsified fiber paper with silver nitrate exposed to the contact of the salt of the landscape, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Quimiografía méxicana, Quimiografía: emulsified fiber paper with silver nitrate exposed to the contact of the salt of the landscape, Variable dimensions.
- Nicola Noemi Coppola, “Sin título”, 2014, Series: Quimiografía méxicana, Quimiografía: emulsified fiber paper with silver nitrate exposed to the contact of the salt of the landscape, Variable dimensions.
Translated from Spanish
The contact between two or more preexisting elements generates variations in the state of matter. This series of transformations can provide representations that unveil their synergetic state. The representation of invisible forces demands tools so that they may be seen, otherwise they would escape the senses and as a result be lost to understanding. This is the motor for a great part of the sciences: the necessity of representing the invisible to be able to “comprehend it.” Coming from a branch of the sciences, I try to represent the force of matter that continues to inscribe the history of its causes and effects. For me this is also an obsession with the infinitely small or the invisible, and it is therefore necessary to solidify the symbolic mark of society, and the voice of the environment that will never be silenced.
El contacto entre dos o más elementos pre-existentes genera variaciones del estado de la materia. Esta serie de transformaciones puede dar representaciones que develan su estado sinérgico. La representación de fuerzas invisibles precisan de utensilios para ser vistas, de lo contrario escaparían a los sentidos y así al entendimiento. Éste es el motor de gran parte de las ciencias: la necesidad de representación de lo invisible para así “comprenderlo”. Viniendo de una rama científica, intento representar la fuerza de la materia que sigue inscribiendo la historia de sus causas y efectos. Para mi también es una obsesión lo infinitamente pequeño o lo invisible, y resulta necesario así, dejar asentada la huella simbólica de la sociedad, y la voz del ambiente que nunca será callada.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2011-2014: Master, Escuela Nacional Superior de la Fotografía, Arles, France.
- 2008-2009: Diplomado en Fotografía, Ministerio de la Cultura de Venezuela y Centro Nacional de Fotografía (CENAF), Caracas, Venezuela.
- 1998-2005: Licenciatura en Biología Marina, Universidad de Oriente, Nueva Esparta, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- 2014: Programa de Residencias Artísticas para Creadores de Iberoamérica y de Haití en México, FONCA, Mexico City, Mexico.
- 2013: Finalista en el concurso del Fotolibro Iberoamericano. Editorial RM, Mexico.
- 2013: Art Residency, Escuela Nacional de la Fotografìa (ENSP), Arles, France.
- 2011-2012: Beca del Instituto Nacional de la Salud e Investigación Médica, INSERM, Marseille, France.
Solo Exhibitions
- 2014: “Diario Quimiografías. Ciertas Topografías Mexicanas”, Centro Cultural de España en México, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2014: “Araya”, l’Atelier du Midi, Arles, France.
- 2013: “Latens”, Galeria NEGPOS, Nîmes, France.
- 2012: “La recherche de l’art”, Galerie Arena, Arles, France.
- 2012: “Work In Progress R.I.P.”, Iglesia Saint-Jullien, Arles, France.
Publications
- Geoffrey Batchen, “Emanations”, Book Emanations // Delmonico Books-Prestel, Abril 2016.
- Jérôme Michel, “Incertitude“, HBA, 2013, 27-35.
- “Latens”, Livre recherche photographique, 30 pages, 2013.
- “WIP” Exposiciòn Work in Progress”, Catalog, Encuentro Internacional del la Fotografìa de Arles-France, 2012.
- “La Recherche de l’Art”, Exposiciòn INSERM-ENSP, Catalog, Marseille, 2012.
Links
May 4, 2015 María Fernanda Plata https://abstractioninaction.com/artists/maria-fernanda-plata/- Maria Fernanda Plata, “470 centímetros cuadrados”, 2007, Series: Dibujo sobre medida, Oil and Acrylic on paper, 37 x 57,5 cm.
- Maria Fernanda Plata, “Cuaderno”, 2011, Cut handmade notebook, 70 x 65 cm.
- Maria Fernanda Plata, “Cuaderno”, 2011, Cut handmade notebook, 35 x 80 cm.
- Maria Fernanda Plata, “Cuaderno”, 2011, Cut handmade notebook, 60 x 50 cm.
- Maria Fernanda Plata, “Dibujo”, 2013, Wallpaper, enamel, and cuts, 70 x 52 cm.
- Maria Fernanda Plata, “Especímen”, 2014, Watercolor paper with cuts and folded by hand, 15 x 75 x 105 cm.
- María Fernanda Plata, “Línea”, 2007, Sand on wooden table, Variable dimensions.
- María Fernanda Plata, “Línea” (detail), 2007, Sand on wooden table, Variable dimensions.
- Maria Fernanda Plata, “Pender”, 2013, Triplex assembled on window, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- Maria Fernanda Plata, “Ply”, 2011, Wallpaper, enamel, and mdf, 30 x 100 x 100 cm.
- Maria Fernanda Plata, “Sin título (Estructuras)”, 2012, Wallpaper, enamel, and cuts, Variable dimensions.
- Maria Fernanda Plata, “Sin título “, 2012, Wallpaper, enamel, and cuts, Variable dimensions.
- Maria Fernanda Plata, “Sin título”, 2014, Series: Sin título (Estructuras), Wallpaper, enamel, and cuts, Variable dimensions.
- Maria Fernanda Plata, “Sin título”, 2014, Digital print, Variable dimensions.
Translated from Spanish
My projects emerge from my interest about the urban habitat and the way in which we human beings relate to it. I reflect upon the way in which architectural constructions, in their apparent solidity and monumentality, conceal their transitoriness and vulnerability as places that provide refuge and security to their inhabitants.
My work refers to the fragility and fleetingness of things made by man and also the great effort and time that they demand to be completed. A fundamental part of my practice consists in challenging the very nature and structure of the materials I use. So I construct, for example, sculptures with paper that I have cut in large sections and that maintain themselves, three-dimensional drawings with compacted sand, notebooks that contain images made with cuts and therefore at greater detail the piece is more deteriorated, and most recently, works with cloth that is completely unravelled string by string.
Mis proyectos surgen de mi interés sobre el hábitat urbano y la manera en que los seres humanos nos relacionamos con él. Busco reflexionar sobre cómo las construcciones arquitectónicas en su aparente solidez y monumentalidad disimulan su transitoriedad y vulnerabilidad en cuanto lugar que procura refugio y seguridad a sus habitantes.
Mi trabajo se refiere a lo frágil y fugaz de las cosas construidas por el hombre y también al gran esfuerzo y tiempo que demandan para ser finalizadas. Parte fundamental de mi práctica consiste en retar a los materiales que uso en su propia naturaleza y estructura. Es así como construyo, por ejemplo, esculturas en papel que ha sido cortado en amplias áreas y que se sostienen por sí mismas; dibujos tridimensionales con arena apelmazada, cuadernos que contienen imágenes hechas con cortes y que por lo tanto a mayor detalle más deteriorada es la pieza, y, más recientemente, piezas de tela completamente deshechas hilo por hilo.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2010-2011: MA in Fine Arts, Chelsea College of Art and Design, London, UK.
- 1996-2001: Maestra en Artes Plásticas, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Prizes / Fellowships
- 2014: Residencias Artísticas Colombia – Vietnam, Ministerio de Cultura, Sàn Art, Ciudad de Ho Chi Minh, Vietnam.
- 2010: Beca para estudios en el exterior, Colfuturo , Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Pender”, Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2010: “A Ras”, Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Dibujo sobre medida”, Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Transitorios”, Centro Cultural Universidad de Salamanca, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2014: “Fronteras Franqueadas”, ASAB, Bogotá, Colombia.
- 2014: “Vanishing Points”, Guest Projects, London, UK.
- 2014: “El ocioso imperfecto o cuando las cosas desaparecen”, BIACI, Cartagena de Indias, Colombia.
- 2012: “II Bienal de Artes Plásticas”, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Apuntes sobre la ciudad, ArtBo, Proyectos Individuales”, ArtBo, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Tracing Time”, Josee Bienvenu Gallery, NY, USA.
- 2011: “Zona Maco Sur –Proyectos Individuales”, Zona Maco, Mexico City, Mexico.
- 2010: “La Buena Vida -42 Salón Nacional de Artistas”, Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo, Santa Marta, Colombia.
- 2010: “Entre Mundos”, ArtBo, Bogotá, Colombia.
- 2008: “Hecho a mano- el oficio en el arte”, Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
March 2, 2015 Jaime Ávila https://abstractioninaction.com/artists/jaime-avila/
- Jaime Ávila, “Talento Pirata”, 2013, Series: Talento Pirata, Synthetic canvas packed in plastic CD cases, Variable dimensions. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Talento Pirata”, 2013, Series: Talento Pirata, Photography packed in plastic CD cases, Variable dimensions. CIFO Collection. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Talento Pirata”, 2013, Series: Talento Pirata, Photography packed in 240 plastic CD cases, Variable dimensions. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Talento Pirata 2”, 2013, Series: Talento Pirata, Photography packed in two thousand plastic CD cases, Variable dimensions. Colección Banco de la Republica. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Talento Pirata 3”, 2013, Series: Talento Pirata, Photography packed in two thousand plastic CD cases, Variable dimensions. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Carros Bomba”, 2006, Series: Bombas, Intervention on bank file, Variable dimensions. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Paisajes de polvo”, 2013, Chinese ink and pyroxyline on glass, Variable dimensions. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Dust”, 2008, Series: Proyecto Polvo, Chinese ink and pyroxyline on glass, Variable dimensions. Private collection. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Ciudad Imperio”, 2009, Photograph printed on one thousand cardboard cubes, 10cm x10cm each one, Variable dimensions. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Ciudad Imperio-Sao Paulo”, 2009, Photograph printed on one thousand cardboard cubes, 10cm x10cm each one, Variable dimensions. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Cinco metros cuadrados: Lima, Caracas, Bogotá, Sao Paulo, Quito. Tres metros Cúbicos: Ciudad de México, Sao Paulo, Lima”, 2003, Series: Diez metros cúbicos, Ten square meters, Photograph printed on cardboard, 10 x 10 cm each cube, Variable dimensions as an installation. Cesar Gaviria Collection. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila, “Cinco metros cuadrados: Lima, Caracas, Bogotá, Sao Paulo, Quito. Tres metros Cúbicos: Ciudad de México, Sao Paulo, Lima”, 2003, Series: Diez metros cúbicos, Ten square meters, Photograph printed on cardboard, Variable dimensions as an installation. Cesar Gaviria Collection. Photo credit: The artist.
- Jaime Ávila , “Diez metros cúbicos”, 2003, Ten thousand cubes of cardboard with printed photograph, 10 x 10 x10 cm each cube, Variable dimensions as an installation. Colección Cesar Gaviria. Photo credit: Víctor Robledo.
- Jaime Ávila , “Un metro cubico Bogotá”, 2001, Series: Diez metros cúbicos, Photograph printed on cardboard, Ten cubic meters. Colección Cesar Gaviria. Photo credit: Víctor Robledo.
- Jaime Ávila , “Un metro cubico Bogotá”, 2001, Series: Diez metros cúbicos, Photograph printed on cardboard, Ten cubic meters. Colección Cesar Gaviria. Photo credit: Víctor Robledo.
Translated from Spanish
When I was young I lived in a very small village, which nowadays is even smaller because people left and never came back. In that place lived the fantasy of building cities amongst the rubble, rocks, and dirt mountains. I drew them and spent the days playing with sticks and pieces of boxes. As a teenager I drew hyperrealist comic strips of cities I did not know, and when I arrived to the city to study engineering, the first thing I saw was a city that I had never imagined until then.
I feel like a tourist in it even today. I construct ideas that guard dislocated structures on the urban geography and inhabitants detached from their utopic legality. It surprises me how I can be disturbed by the great cultural difference between people that live in the same place, the same way I am surprised to find commonalities in remote landscapes, and that I am even more surprised to have found a city like the one I live in, which was just like any other city in a different time, as if it could predict something that already happened. Days go by, many times from the same place, and through photography, drawing, engraving, silkscreen, prints, installation, video, and sculpture, I develop projects that connect the actual urban ethnography with a mutant architecture archeology, which are often misinterpreted as if they were compact urban prosthetics that are woven exponentially over the horizon of that landscape I saw as a child.
Cuando era niño vivía en un pueblo muy pequeño, hoy en día es aún más pequeño porque la gente se fue y no volvió. Allí en ese lugar vivía la fantasía de construir ciudades entre montañas de escombros, rocas y tierra. Las dibujaba y pasaba los días jugando con palos y pedazos de cajas, de adolescente dibuje historietas hiperrealistas de ciudades que no conocía; cuando llegué a la gran ciudad a estudiar ingeniería, lo primero que vi fue una ciudad que nunca imagine hasta entonces.
Hoy en día me siento aun turista en ella. Construyo ideas que acorazan estructuras desarticuladas sobre la geografía urbana y habitantes desconectados de su legalidad utópica. Me sorprende demasiado como me puede perturbar la gran diferencia cultural entre gente muy cercana que habita un mismo lugar, de igual manera me sorprende encontrar cosas en común en paisajes remotos y me sorprende aún más encontrar una ciudad como esta, donde habito, que fue igual a otra ciudad en otra época, como si pudiera predecir algo que ya paso. Pasan los días, muchas veces desde un mismo lugar y así, por medio de la fotografía, el dibujo, el grabado, la serigrafía, los impresos, la instalación, el video y la escultura elaboro proyectos que conectan la actual etnografía urbana con una arqueología arquitectónica mutante, muchas veces violentada y materializada como si fueran prótesis urbanas compactas que se tejen exponencialmente sobre el horizonte de ese paisaje que veía desde niño.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1985-1992: Ingeniería Civil y Artes Plásticas, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Prizes / Fellowships
- 2001: Beca Residencia México, Ministerio de Cultura Colombia, FONCA México, Ciudad de México-Tijuana, Mexico.
- 2005: Artista invitado por la Universidad de Harvard , David Rockefeller Center para Estudios Latinoamericanos, Cambridge, USA.
- 2008: Madrid Miradas, Ministerio de Asuntos Culturales y de Ministerio de Asuntos Culturales y de Cooperacion de España , Madrid, Spain.
- 2005: Mención,Salón de Arte Bidimensional , Fundación Gilberto Álzate Avendaño FUGA, Bogotá, Colombia.
- 2003: Mención, Premio Luis Caballero, Instituto Distrital de las Artes IDARTES , Bogotá, Colombia.
- 2001: Premio Salón Regional de Artistas, Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
- 2000: Primer Premio,Primer premio, IX Salón Internacional de Arte Joven MAC, Museo de Arte Contemporáneo , Bogotá, Colombia.
- 1998: Beca impresos revista PLASTICA , Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
- 1997: Primer Premio VII Salón de Arte Joven, Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.
- 1993: Beca Colcultura Patios Urbanos, Colcultura, Bogotá, Colombia.
- 1992: Mención Especial II Bienal de Arte de Bogotá, MAMBO Museo de Arte Moderno de Bogotá, Bogotá, Colombia.
- 1991: Mención Especial, I salón de Arte Joven , Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Talento Pirata”, Nueveochenta Galería, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Bestiario”, M&R Galería, Cali, Colombia.
- 2009: “Cinco Metros Cúbicos”, MUSAC, Montería, Colombia.
- 2006: “Bombas”, Galería Alcuadrado, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Life Is a Runway”, Harvard University, Cambridge, USA.
- 2005: “4th World “, Sandra & Philip Gordon Gallery, Boston, USA.
- 2005: “Life Is a Runway”, Museum of Fine Arts, St Petersburg, USA.
- 2005: “Puntos de Fuga”, Galería El Museo, Bogotá, Colombia.
- 2004: “Diez Metros Cúbicos”, Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
- 2003: “Cuarto Mundo: Diez metros Cúbicos “, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
- 2001: “México: Un metro Cubico”, Museo Carrillo Gil, México DF, Mexico .
- 2000: “Los Radioactivos”, Alianza Francesa, Bogotá, Colombia.
- 1997: “Comunicado de Washington “, Galería Espacio Alterno, Bogotá, Colombia.
- 1994: “No Toque la Mercancía”, Galería Santafé, Bogotá, Colombia.
- 1993: “Patios Urbanos”, Consejo Británico, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “A City on the Edge”, Gdansk Dolne Miasto, Gdansk, Poland.
- 2013: “Bogotapolis”, Stenersenmuseet, Oslo, Norway.
- 2012: “Pinta Nueva York”, Nueveochenta Galería , Bogotá, Colombia.
- 2011: “Resurfaced, Contemporary Colombian Art“, Magnanmetz Gallery, New York, USA.
- 2010: “Changing the Focus: Latin American Photography (1990-2005)“, Museum of Latin American Art, Los Angeles, USA.
- 2008: “Madrid Mirada“, Circulo de Bellas Artes, Madrid, Spain.
- 2008: “Sin Remedio”, Galería Alcuadrado, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Photoquai Biennale des Images du Monde“, Musée du Quai Branly, Paris, France.
- 2006: “Art Bassel”, Galería Alcuadrado, Miami, USA.
- 2006: “Dark Places “, Santa Monica Museum of Art, Los Angeles, USA.
- 2006: “C on Cities C Photo Magazine”, X Bienal de Arquitectura de Venecia, Venecia, Italy.
- 2006: “9 Bienal de La Habana”, Consejo Nacional de las Artes Plásticas de Cuba, La Habana, Cuba.
- 2006: “ARCO 06”, ARCO, Madrid, Spain.
- 2004: “26 Bienal de Sao Paulo”, Fundación Bienal de Sao Paulo, Sao Paulo, Brazil.
- 2004: “Streets of Desire”, Bienal de Liverpool, Liverpool, UK.
- 2002: “Mapas Abiertos”, Fundación Telefónica, Madrid, Spain.
- 1999: “lll Bienal de arte de Mercosur”, Fundación Mercosur , Porto Alegre , Brazil.
- 1994: “1994 XXXV Salón Nacional de Artistas”, Colcultura, Bogotá, Colombia.
- 1992: “Salón Nacional de Artistas”, Colcultura, Bogotá, Colombia.
- 1989: “IX Salón Arturo Ravinovich”, Museo de Arte Moderno, Medellín, Colombia.
Publications
- Ivory Press, International photo Magazine. Number three (London: Ivory Press London), 94-114-291.
- Alejandro Catellote, Mapas Abiertos (Madrid: Lunwerg Editores y Fundación Telefónica), 30, 174-175, 330.
- José Roca y Sylvia Suarez , Trans político (Barcelona: Lunwerg, S.L.), 47.
- Natalia Gutiérrez, Ciudad Espejo (Bogotá: Universidad Nacional de Colombia), 51-58.
- Diego Garzón, De lo que somos (Madrid: Lunwerg Editores), 102, 158, 180.
- Museo Quai Branly, PHOTOQUAI Biennale Des Images Du Monde (Paris: Nicolas Chaudun), 66-67.
- Natalia Gutiérrez, “Jaime Ávila”, ArtNexus, 2007, 54-58.
- Claude Postel, “Photoquai, la photo au bord du fleuve”, Connaissance des ARTS PHOTO 13, 2007, 46.
Collections
- CIFO, Miami, USA.
- Banco de la Republica , Bogotá, Colombia.
- Museo de Arte Moderno de Bogotá, Mambo, Bogotá, Colombia.
- Sayago & Pardon, Los Ángeles, USA.
- Erica Muralles Hazbun, “Untitled”, 2009, Series: Untitled, Drawing transfer on cotton paper, 76 x 57 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Internal Labyrinth II”, 2011, Series: Labyrinths, Engraving: Intaglio on cotton paper, 76 x 57 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Internal Labyrinth III”, 2011, Series: Labyrinths, Engraving: Intaglio on cotton paper of Guatemala City’s Historic Center original layout, 76 x 57 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Process III”, 2013, Series: Processes, Acrylic and staples on cotton paper, 76 x 57 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Process IV”, 2013, Series: Processes, Acrylic and staples on cotton paper, 76 x 57 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Process V”, 2013, Series: Processes, Acrylic and staples on cotton paper, 76 x 57 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Process VI”, 2013, Series: Processes, Acrylic and staples on cotton paper, 76 x 57 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Process VII” (detail), 2013, Series: Processes, Interlocking staple chains, Variable dimensions.
- Erica Muralles Hazbun, “Process VII”, 2013, Series: Processes, Interlocking staple chains, Variable dimensions.
- Erica Muralles Hazbun, “Imaginary Contructions V”, 2011, Series: Imaginary Constructions, Digital engraving, 81 x 127 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Imaginary Constructions VI”, 2011, Series: Imaginary Constructions, Digital engraving, 74 x 115 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Imaginary Constructions IV”, 2010, Series: Imaginary Constructions, Digital engraving, 82 x 61 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Imaginary Constructions VII”, 2012, Series: Imaginary Constructions, Digital engraving, 110 x 50 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Number 1” (detail), 2014, Series: Untitled, welded metal, Variable dimensions.
- Erica Muralles Hazbun, “Number 1”, 2014, Series: Untitled, welded metal, Variable dimensions.
- Erica Muralles Hazbun, “No. 1″ (detail)”, 2014, Series: Untitled, Welded metal, 260 x 170 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “No. 1”, 2014, Series: Untitled, Welded metal, 260 x 170 cm.
- Erica Muralles Hazbun, “Untitled” (detail)”, 2014, Series: Untitled, Knitted copper wire, Variable dimensions.
- Erica Muralles Hazbun, “Untitled”, 2014, Series: Untitled, Knitted copper wire, Variable dimensions.
Through my work I revert the process in which form follows function, referring to actions that hold an established order in society. My purpose is not to build a closed, perfect system, but one that is interwoven with life. This is obtained by interlocking and linking a series of different materials consistently—from chaos to order—by weaving or joining them through other means. Where small changes in initial conditions can lead to large differences in future behavior, preventing long-term prediction.
My work comes from an empirical process that is in constant renewal, where the visual or formal aspects enter into dialogue with the symmetrical composition inherent in everything that human beings design and build. It is sensorial and appeals to a modular design or repetition as a starting point. Dynamic monotony is used as a creative impulse as a vital generator of inquiry. I analyze patterns of human behavior, the quotidian and what takes place in everyday life, what we perceive, and what defines our identity, our mission and place in our environment. My aesthetic concerns are immersed in the present reflecting change in my images. This process helps me to organize reality through representation.
En mi trabajo revierto el proceso en donde la forma sigue a la función, haciendo referencia a las acciones que tienen un orden establecido en la sociedad. Mi objetivo no es construir un sistema cerrado, perfecto, pero uno que se entrelaza con la vida, por lo azaroso e imprevisto. Esto lo obtengo mediante el enlace de series de distintos materiales de manera coherente –del caos al orden—al entrelazarlos o al unirlos por otros medios. En donde pequeñas variaciones en las condiciones iniciales pueden implicar grandes diferencias en el comportamiento futuro, dificultando la predicción a largo plazo.
Mi trabajo viene de un proceso empírico, que se encuentra en constante renovación, donde los aspectos visuales o formales dialogan con la composición simétrica inherente en todo lo que diseña o construye el ser humano. Es sensorial, apela a la modulación y a la repetición como método o punto de partida. La monotonía dinámica es utilizada como impulso creativo, como generador vital de indagación. Reflexiono sobre los patrones de comportamiento en el ser humano, lo cotidiano y lo que toma lugar en la vida diaria, lo que percibimos y nos define como personas, nuestro lugar y misión en nuestro entorno. Mis preocupaciones y estética están inmersos en el presente, lo que refleja el cambio en mis imágenes. Este proceso me ayuda a organizar la realidad a través de la representación.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2000-2005: Licenciatura Diseño Gráfico, Universidad Rafael Landívar, Guatemala, Guatemala.
Prizes / Fellowships
- 2011: Primer Lugar – Artista menor de 30 años –III Salón Nacional del Grabado-, Banco G&T Continental, Guatemala, Guatemala.
Group Exhibitions
- 2014: “Dependencia in Dependencia”, Sol del Río Arte Contemporánea, Guatemala, Guatemala.
- 2014: “Juannio 2014”, Museo de Arte Moderno Carlos Mérida, Guatemala, Guatemala.
- 2014: “In Situ”, SOMA, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Dependencia in Dependencia”, Sol del Río Arte Contemporánea, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Artefactos”, Sol del Río Arte Contemporánea, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Poderosas”, Museo de Arte Moderno Carlos Mérida, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Querida Familia”, Alianza Francesa, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Plus Volta, Gráfica Contemporánea”, La Ruleta, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Juannio 2014”, Museo de Arte Moderno Carlos Mérida , Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Dependencia in Dependencia”, Sol del Río Arte Contemporánea, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Artefactos”, Sol del Río Arte Contemporánea, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Poderosas”, Museo de Arte Moderno Carlos Mérida, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Querida Familia”, Alianza Francesa, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Plus Volta, Gráfica Contemporánea”, La Ruleta, Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Innovación – Juannio 2013”, Museo de Arte Moderno Carlos Mérida, Guatemala, Guatemala.
- 2012: “Tradiciones – Juannio 2012”, Museo de Arte Moderno Carlos Mérida, Guatemala, Guatemala.
- 2011: “Arte 12”, Sol del Río Arte Contemporánea, Guatemala, Guatemala.
- 2011: “Tercer Salón Nacional del Grabado”, Museo de Arqueología y Etnología, Guatemala, Guatemala.
- 2009: “Americas Help Haiti Arts Project”, Watergate Gallery, Washington DC, USA.
- 2003: “Agua color de Vida”, Museo de Arte Moderno Carlos Mérida, Guatemala, Guatemala.
Publications
- “La Agenda, Guatemala”, Agenda Cultural de la Municipalidad de Guatemala, 1-diciembre-2014, Portada / página 3.
- “Premian las artes gráficas“, Periódico: Prensa Libre, 4-marzo-2011, 50.
Collections
- Banco G&T Continental, Guatemala, Guatemala.
- Andrea Canepa, “A second chance to rephrase the question”, 2013, Wool on canvas, digital print, glass, wooden shelfs, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Wu Galería, Lima, Peru. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Paisaje con cabaña “, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 27 x 37 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Paisaje con molino”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 30 x 24,7 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Arreglo de flores en cesto”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 25 x 25 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Caballo y potro con arbol”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 24,5 x 18 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Campesina”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 40,5 x 18,5 x 4 cm. Private collection. Photo credit: Edi Hirose.
- Andrea Canepa, “Plaza con monumento”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 26 x 19,5 x 4 cm. Sammlung Goetz. Photo credit: Edi Hirose.
- Andrea Canepa, “Green Piece(s)”, 2013, Cardboard puzzle assembled from 8 different puzzles, 50 x 70 cm. Private collection, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Blue Piece(s)”, 2013, Cardboard puzzle assembled from 8 different puzzles, 50 x 70 cm. Private collection, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Lineas de desplazamiento”, 2014, Tempera and ink on paper, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Volta Art Fair, Basel, Switzerland. Photo credit: Nicholas Winter.
- Andrea Canepa, “Unir los puntos”, 2014, Series: Lineas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 98 x 149 cm. Private collection, London. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Círculo Cromático”, 2014, Series: Lineas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 90 x 90 cm. Private collection, London. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Línea de tiempo”, 2014, Series: Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 25 x 430 cm. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Líneas 5”, 2014, Series: Líneas por número / Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 21 x 27,5 cm. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Líneas 10”, 2014, Series: Líneas por número / Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 21 x 27,5 cm. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
Translated from Spanish
In recent years, I have focused on the modern tendency of trying to simplify the complexity of the world with the aim to control that which escapes the limits of our understanding.
We tend to categorize, organize, and administer reality as if it was a set of and independent phenomena, creating a system that we take as natural.
My work stems from the alteration of the order in which information is presented. In some cases this modification uncovers some meanings that used to remain hidden under the imposition of a logic that assumes itself as the “correct one.” In others, by schematizing the information previously schematized, both synthesis systems cancel each other out and return mere forms and colors lacking any functionality.
Through my work, I hope to make evident that the regularity of the world obeys a set of rules that as such, they could have been different. In other words. I hope to point out that all logic of functionality, whatever it is, could be different and thus not necessary in itself.
En los últimos años, me he enfocado en la tendencia moderna a intentar simplificar la complejidad del mundo con miras a controlar aquello que escapa los límites de nuestro entendimiento.
Tendemos a categorizar, organizar y administrar la realidad como si se tratase de un conjunto de fenómenos aislados e independientes, creando un sistema que tomamos como natural.
Mi trabajo parte de la alteración del orden en el que la información es presentada. En algunos casos esta modificación libera ciertos significados que permanecían ocultos bajo la imposición de una lógica que se asume como “la correcta”. En otros, al esquematizar la información previamente esquematizada, ambos sistemas de síntesis se anulan entre sí, devolviéndonos meras formas y colores desprovistos de cualquier sentido funcional.
A través de mi obra, pretendo dar cuenta de que la regularidad del mundo obedece a un conjunto de reglas que, como tales, podrían haber sido distintas. En otras palabras, intento señalar que toda lógica de funcionamiento, sea como sea, podría ser diferente y, por lo tanto, no es necesaria en sí misma.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2007-2008: Master en Artes Visuales y Multimedia, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2004-2006: Licenciatura en Bellas Artes, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2000-2003: Facultad De Arte, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Peru.
- 1998-1999: Estudios Generales Letras, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Peru.
Prizes / Fellowships
- 2014: Premio Miquel Casablancas, Sant Andreu Contemporani, Barcelona, Spain.
- 2014: Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, Comunidad de Madrid, Madrid, Spain.
- 2013: Premio Generaciones, Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
- 2013: Beca Endesa para Artes Plásticas, Fundación Endesa, Teruel, Spain.
- 2012: Pasaporte para un artista (segundo puesto), Alianza Francesa y Embajada de Francia en el Perú, Lima, Peru.
- 2011: Beca de Formación Pilar Juncosa i Sotheby’s, Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca, Spain.
- 2010: Premio Swab de Dibujo, Feria de Arte Contemporáneo Swab, Barcelona, Spain.
- 2008: Certamen Jóvenes Creadores, Ayuntamiento de Madrid, Madrid, Spain.
- 2006: Valencia Crea, Ayuntamiento de Valencia, Valencia, Spain.
Solo Exhibitions
- 2013: “Ejercicios de Localización”, Galeria L’ Imaginaire, Alianza Francesa, Lima, Peru.
- 2013: “Ejercicios de Localización“, Galería Rosa Santos, Valencia, Spain.
- 2013: “Ornamento y Sistema“, Wu Galería, Lima, Peru.
- 2011: “The Fragile Assembly of Everyday Life”, LAB. Laboratorio de Arte Joven, Murcia, Spain.
- 2009: “El Revés de lo Doméstico”, Galería Rosa Santos, Valencia, Spain.
Group Exhibitions
- 2014: “Generación 2014, Proyectos de arte Caja Madrid”, La Casa Encendida, Madrid, Spain.
- 2013: “As Everything Moves“, Node Center, Berlin, Germany.
- 2013: “Expedición Amazonas”, Galería Pancho Fierro, Lima , Peru.
- 2012: “La tiranía de la intimidad”, Centro Cultural de España, Lima, Peru.
- 2009: “Dibujo: Nuevas Propuestas”, Galería 80m2, Lima, Peru.
Collections
- CA2M: Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid, Spain.
- Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
- IVAM, Instituto Valenciano de arte Moderno, Valencia, Spain.
- Colección DKV Arte y Salud, Valencia, Spain.
- Sammlung Goetz, Munich, Germany.
- Paula de Solminihac, “Algoritmo #1” (Detail), 2013, Series: Corazón, Drawing on Canson conservation paper, 62.5 x 48.5 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Algoritmo #1”, 2013, Series: Corazón, Drawing on Canson conservation paper, 62.5 x 48.5 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Astrochemistry Hubble” (Detail), Series: Corazón, Digital photography Lambda print, die cutting cardboard, and digital photography Lambda print on metallic paper, 110 x 77 cm aprox, 50 x 50 cm each one. Photo credit: NRAO-Alma /foto Alma: NASA / JPL-Caltech / Equipo de Wise.
- Paula de Solminihac, “Astrochemistry Hubble”, Series: Corazón, Digital photography Lambda print, die cutting cardboard, and digital photography Lambda print on metallic paper, 110 x 77 cm aprox, 50 x 50 cm each one. Photo credit: NRAO-Alma /foto Alma: NASA / JPL-Caltech / Equipo de Wise.
- Paula de Solminihac, “Caja de Tizas / Falla Activa” (Detail), 2012, Series: Zona3, Raw clay in wooden and acrylic box, 48 x 40 x 30cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Caja de Tizas / Falla Activa”, 2012, Series: Zona3, Raw clay in wooden and acrylic box, 48 x 40 x 30cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Charco” (Detail), 2012, Series: Corazón, Black ceramic and digital photography Lambda print on metallic paper, 200 x 200 cm. Photo credit: NASA / JPL Caltech / equipo de Wise, Patricia Novoa.
- Paula de Solminihac, “Charco”, 2012, Series: Corazón, Black ceramic and digital photography Lambda print on metallic paper, 200 x 200 cm. Photo credit: NASA / JPL Caltech / equipo de Wise, Patricia Novoa.
- Paula de Solminihac, “Como se construye un Algoritmo” (Detail), 2013, Series: Corazón, Drawing on papero and cardboard, 120 x 80 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Como se construye un Algoritmo”, 2013, Series: Corazón, Drawing on papero and cardboard, 120 x 80 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Falla Activa #6”, 2012, Series: Zona3, Clay painting on clay, 60 x 60 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Falla Activa #6” (Detail), 2012, Series: Zona3, Clay painting on clay, 60 x 60 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Historia de todos los Puntos”, 2012, Series: Zona3, Drawing on blackboard, 130 x 90 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Historia de todos los Puntos” (Detail), 2012, Series: Zona3, Drawing on blackboard, 130 x 90 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “In Absentia” (Detail), 2006, Die cut on digital photography Lambda print, edition of 5, 200 x 100 cm. Photo credit: Cristián Silva-Avária.
- Paula de Solminihac, “In Absentia”, 2006, Die cut on digital photography Lambda print, edition of 5, 200 x 100 cm. Photo credit: Cristián Silva-Avária.
- Paula de Solminihac, “Living” (Detail), 2004, Drawing and Spanish cardstock on wood, 130 x 90 cm. Photo credit: Cristián Silva-Avária.
- Paula de Solminihac, “Living”, 2004, Drawing and Spanish cardstock on wood, 130 x 90 cm. Photo credit: Cristián Silva-Avária.
- Paula de Solminihac, “Mandala #3” (Detail), 2012, Series: Zona3, Lettering clay on Wood, 60 x 68 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Mandala #3”, 2012, Series: Zona3, Lettering clay on Wood, 60 x 68 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Mandala #3”, 2012, Series: Zona3, Lettering clay on Wood, 60 x 68 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Potencia Z3”, 2012, Series: Zona3, Clay painting on clay and clay chalks, 130 x 90 x 6 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Potencia Z3” (Detail), 2012, Series: Zona3, Clay painting on clay and clay chalks, 130 x 90 x 6 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Propagación de Ondas”, 2012, Series: Zona3, Drawing on blackboard, plywood and plaster, 50 x 50 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Propagación de Ondas” (Detail), 2012, Series: Zona3, Drawing on blackboard, plywood and plaster, 50 x 50 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Radios Blandos” (Detail), 2013, Series: Corazón, Ceramics and drawing on MDF, 50 x 50 X 5 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Radios Blandos” (Detail), 2013, Series: Corazón, Ceramics and drawing on MDF, 50 x 50 X 5 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Radios Blandos”, 2013, Series: Corazón, Ceramics and drawing on MDF, 50 x 50 X 5 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Paula de Solminihac, “Corona”, 2015, Clay, linnen and cardboard, 13 x 40 x 36 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Archeological Matter”, 2015, Clay, linnen and cardboard, Variable dimensions. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Archeological Matter”, 2015, Clay, linnen and cardboard, Variable dimensions. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Archeological Matter”, 2015, Clay, linnen and cardboard, Variable dimensions. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Archeological Matter”, 2015, Clay, linnen and cardboard, 8 x 31 x 19 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Alma with alignment discs”, 2014, Digital photo and tracing paper on board, 36 x 120 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Hard Shell collar”, 2015, Necklace made of painted diary paper and linnen, 68 x 43 x 12 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Hard shell collar”, 2015, Necklace made with painted newspaper diary and linnen, 68 x 43 x 12 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Hard Shells Collar”, 2015, Necklace made of painted newspaper shells and linnen, 82 x 63 x 24 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Diary Pages nº8”, 2015, Die cut paper and drawing, 60 x 40 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Diary Pages n.6”, 2015, Die cut and drawing, 60 x 40 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Diary Pages B”, 2015, die cut and drawing, 37 x 33 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Diary Pages”, 2015, Die cut and drawing, Variable dimensions. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Diary Pages n.2”, 2015, Die cut and drawing, 60 x 40 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Libros Fungi”, 2014, Terracota books, 15 x 60 x 20 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Libros Fungi”, 2014, Terracota books, 15 x 60 x 20 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Libros Nube”, 2014, Terracota books, 20 x 66 x 24 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Libros Nube”, 2014, Terracota books, 20 x 66 x 24 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Opus Nigrum”, 2015, Black clay and linnen, Variable dimensions. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Opus Nigrum”, 2015, Black clay and linnen, Variable dimensions. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Opus Nigrum”, 2015, Black clay and linnen, Variable dimensions. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Opus Nigrum”, 2015, Black clay and linnen, Variable dimensions. Photo credit: Paula de Solminihac.
- Paula de Solminihac, “Victoria”, 2015, Painted newspaper diary, 180 x 90 x 10 cm. Photo credit: Paula de Solminihac.
Translated from Spanish
My work consists on procedures that investigate the space between territory and language.
This space, which is the moment prior to the separation between the printer and the printed, is a moment of impossible visibility.
To be able to work on that impossibility, I have used strategies that range from the subjective to the objective, resorting to words and maps as working systems within that area, always showing the inaccuracy that happens in the translation of a subjective field or as a simple phenomenon itself.
Since work is defined through an action, it is difficult to settle in one material or formal support. Nevertheless, there is a repertoire that reiterates through time to build in that space where drawings, body actions on raw and baked clay, and photographs, articulate relationships between the experiential field and its archive.
Work is understood as an action, as mediation, as education, and regulation of the shapeless clay or of the dispersed dirt—just as the origin myths of pottery declare—to shape it in the form of a vessel that will contain the food, which after the digestive process will end up where it started, producing a never ending topology where there is no other option than to make again and again.
Mi trabajo son procedimientos que indagan el espacio entre territorio y lenguaje.
Ese espacio, que también es un momento antes de la separación entre lo impresor y lo impreso, es un momento de visibilidad imposible.
Para trabajar esa imposibilidad he utilizado estrategias que van de lo subjetivo a lo objetivo, recurriendo habitualmente a las palabras y los mapas como sistemas de trabajo al interior de esa zona, siempre evidenciando la inexactitud que sucede en la traducción de un campo subjetivo o como simple fenómeno en sí.
Dado que el trabajo se define en una acción, es difícil establecerse en un soporte material o formal, sin embargo existe un repertorio reiterado en el tiempo para construir en ese espacio en donde dibujos, acciones corporales sobre la arcilla cruda y cocida y fotografías van articulando relaciones entre el campo experiencial y su archivo.
El trabajo es entendido como acción, como mediación, como educación y regulación del barro informe o de la tierra dispersa en todos lados, como dicen los mitos de origen de la alfarería, para modelarla en la forma de una vasija que contendrá el alimento que al terminar su proceso de digestión terminará en el punto donde comenzó produciéndose un sinfín topológico en donde no queda más que volver a hacer una y otra vez.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2004: Master of Fine Arts, Universidad de Chile, Chile.
- 1999: BFA, Pontificia Universidad Católica de Chile, Chile.
Prizes / Fellowships
- 2014: Fondart, Minister of Culture, Santiago, Chile.
- 2013: CCA, Catholic University of Chile, Santiago, Chile.
- 2012: CCA, Catholic University of Chile, Santiago, Chile.
- 2008: CCA, Catholic University of Chile, Santiago, Chile.
- 2005: Fondart, Minister of Culture, Santiago, Chile.
- 2000: Identidades en Tránsito, Rockefeller Foundation, Asunción, Paraguay.
- 1999: Fondart, Minister of Culture, Santiago, Chile.
Solo Exhibitions
- 2015: “Hidden Names”, Galerie Dix9 Hélène Lacharmoise, Paris, France.
- 2012: Zona 3, Galeria Isabel Aninat, Santiago, Chile.
- 2012: Zona 2, “Trilogía de un Paisaje”, Sala Puntangeles, Valparaíso, Chile.
- 2011: Zona 1, Galería Yono, Santiago, Chile
- 2009: “Espejismos”, L390, Santiago, Chile.
- 2008: “Nadie Quiere Morir”, Galeria Isabel Aninat, Santiago, Chile.
- 2008: “Nadie Quiere Morir”, Universidad Uniacc, Santiago, Chile.
- 2006: “In Absentia”, CAV-Museo del Barro, Asunción, Paraguay.
- 2006: “FotoAmerica 2006”, Galeria Patricia Ready, Santiago, Chile.
- 2005: “Living 2004-2005”, Centro de Arte Cecilia Palma, Santiago, Chile..
- 2004: “Del azar en Conserva”, Galería Animal, Santiago, Chile.
- 2003: “Non- site”, Corporación Cultural Las Condes, Santiago, Chile.
- 2002: “Horizontal-vertical”, Galería Múltiple, Santiago, Chile.
Group Exhibitions
- 2015: “Siglo XXI-10 años de arte contemporáneo”, CA660, Santiago, Chile.
- 2015: “Ceramix”, Bonnefantenmuseum, Maastricht, Holland.
- 2014: “YAP Constructo”, Parque Araucano, Santiago, Chile.
- 2013: “Pais Sonhado”, Memorial de América Latina, Sao Paulo, Brazil.
- 2012: “Desde la Bruma”, Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago, Chile.
- 2012: “13 x 13 Nuevos Medios”, selección AICA, Santiago, Chile.
- 2011: “Habitar lo Biodiverso”, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
- 2010: “IV Bienal de Arte Contemporáneo de Beijing”, Beijing, China.
- 2010: “P.D. Post Data”, Galería 101, Universidad de Ottawa, Ottawa, Canada.
- 2009: “Trienal de Chile”, Santiago, Chile.
- 2009: “Panorama Atual da Fotografía”, Valu Oria Galería de Arte, Sao Paulo, Brazil.
- 2009: “P.D. Post Data”, Centro de Extensión, PUC, Santiago, Chile.
- 2009: “Cohortes”, MAC Museo Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
- 2007: “Menu De Hoy: Arte y Alimento en Chile”, Museo sin Muros, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
- 2006: “Del Otro Lado, Arte de Mujeres en Chile”, Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago, Chile.
- 2005: “Re-locación”, Galería Isabel Aninat, Santiago Chile.
- 2002: “Sweet-suit”, Centro Cultural Matucana 100, Santiago, Chile.
Publications
- 2012, Memoria 01 Taller Nube. Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago, Chile.
- 2012, Catálogo Desde la Bruma, páginas 28-31.
- 2012, Catálogo exposición Zona3 Galería Isabel Aninat, Santiago, Chile.
- 2011, Catálogos CeAC, Centro de Arte Contemporáneo Las Condes UC. Entrevistas a curadores y edición general, Santiago, Chile.
- 2011, Habitar lo Biodiverso, catalogo exposición. Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
- 2009, Trienal de Chile, Talleres Artes del Barro, páginas 471-475 , Santiago, Chile.
- 2006, Del Otro Lado, catálogo exposición. Centro Cultural Palacio La Moneda, Santiago, Chile.
- 2006, In Absentia, catálogo exposición. Galería de Arte Patricia Ready, Santiago, Chile.
Collections
- Sayago & Pardon, USA.
- Claudia Hakim, NYC, USA.
- Graeme Briggs, Bogota, Colombia.
- Graeme Briggs, Lima, Peru.
- Francisco Bauza, Santiago, Chile.
- Vinni Letteri, California, USA.
- Patricio de Grotte, Santiago, Chile.
- Maria Florencia Moro, Buenos Aires, Argentina.
- Maria Rosa Mascarenhas, Buenos Aires, Argentina.
- Juan Pablo Dagorret, Santiago Chile.
- Simon Subercaseaux, Santiago Chile.
- Emma Marin, Santiago Chile.
Translated from Spanish
Statement 5 of 12 (“Formalist”)
“My work aims to point out a fissure (or a void, or a distance) between the support—a page, a sheet of paper, a wall—and its content—a mark, two words, several stains, a color. From this viewpoint, the work seems like a snake that bites its own tail. If content affects the support, the latter returns to affect the content. As a general rule, the interventions on the support are always minimal—hard pencils that leave very delicate and almost invisible lines, very light papers, very thin layers of paint. In this sense, the “page” determines what can happen in it. It can be for example the contrast between the transparency of the paper and the opacity of gouache, the weight of oil or the density of enamel. At other times these can be slight differences between two identical drawings. For example, a drawing that says “He found happiness” next to one that says “He found A happiness.” The way in which some formal strategies can be used to say things. In this sense, they are literary drawings about paintings. Reproductions within pages.”
Statement No. 5 de 12 (“Formalista”)
“Mi trabajo busca señalar una grieta (o un vacío, o una distancia) entre un soporte –una página, una hoja de papel, una pared– y su contenido –un rayón, dos palabras, varias manchas, un color. Visto así, el trabajo parece una serpiente que se muerde la cola. Porque si el contenido afecta al soporte, este se devuelve afectando el contenido. Como regla general, las intervenciones sobre el soporte son casi siempre mínimas –Lápices muy duros que dejan líneas muy delgadas y casi invisibles, papeles muy livianos, capas muy delgadas de pintura. En ese sentido la “página” determina lo que pueda pasar en ella. Puede ser, por ejemplo, el contraste entre la transparencia del papel y la opacidad del gouache, el peso del óleo o la densidad del esmalte. Otras veces pueden ser pequeñas diferencias entre dos dibujos iguales. Por ejemplo: un dibujo que dice “He found happiness” (él encontró la felicidad) al lado de otro que dice “He found A happiness” (él encontró UNA felicidad). La manera en que ciertas estrategias formales pueden ser aprovechadas para decir cosas. En ese sentido son dibujos literarios acerca de pinturas. Reproducciones en páginas”.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2000-2002: MA in Philosophy, Universidad del Valle, Cali, Colombia.
- 1990-1995: BFA in Art, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Ensayo”, Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Game Piece (with Erick Beltrán)“, TBA 21-Augarten, Vienna, Austria.
- 2011: “Dibujos”, Casas Riegner, Bogotá , Colombia.
- 2003: “Dibujos”, Galeria Jenny Vilá, Cali, Colombia.
- 1995: “Dibujos”, Galería Jenny Vilá, Cali, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “Imperfect Idler or When Things Dissapear. I Bienal Internacional de Arte Contemporáneo”, Fundación Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena, Cartagena , Colombia.
- 2013: “Secret Codes”, Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2013: “The Circle Walked Casually”, Deutsche Bank Kunsthalle, Berlin, Germany.
- 2013: “Conferencia performativa: nuevos formatos, lugares, prácticas y comportamientos artísticos”, MUSAC, León, Spain.
- 2013: “Saber Desconocer, 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas”, Ministerio de Cultura de Colombia, Medellín, Colombia.
- 2013: “Prix Canson Nominees Exhibition”, Petit Palais, Paris, France.
- 2013: “Música”, Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Marking Language”, Drawing Room, London, England.
- 2012: “30th São Paulo Bienal. The inminence of poetics”, Fundação Bienal de São Paulo, São Paulo, Brazil.
- 2012: “Ficciones Modernas”, Camara de Comercio de Bogotá, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Empatía”, Casas Riegner, Bogota , Colombia.
- 2012: “Modelling Standard”, Galeria Joan Prats, Barcelona, Spain.
- 2012: “Air de Lyon”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: 11e Biennale de Lyon. “Une terrible beauté est née”, La Biennale de Lyon, Lyon, France.
- 2011: “El ojo del coleccionista: la colección Maraloto”, Banco de la República, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Boceto, trampa e instalación”, Banco de la República, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, Colombia.
- 2010: “Primera e ultima: Notas sobre o monumento”, Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2007: “Documenta Magazines”, Documenta 12, Kassel, Germany.
- 2007: “MDE07”, Museo de Antioquia, Medellin, Colombia.
Publications
- Bernardo Ortiz, “A Pile of Orange Peels“, OEI # 60-61 Extra-disciplinary spaces and de-disciplinizing moments (in and out of the 30th Bienal de São Paulo), April.
- Bernardo Ortiz, “Criticism and Experience“, E-Flux Journal, February 2010.
Collections
- Museum of Modern Art, New York, USA.
- Centre National de Artes Plastiques, Paris, France.
- Deutsche Bank, Berlin, Germany.
- Kadist, San Francisco, Paris, USA, France.
- Colección Maraloto, Bogotá, Colombia.
- Colección Patricia Phelps de Cisneros, New York, USA.
- Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, Gouache and rubber stamp on printed paper, 25 x 75 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 1995-2012, Gouache, pencil and fungus on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, India ink on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, India ink and oil on waxed paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, Gouache on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Graphite wash on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Gouache, pencil, cloth tape on waxed paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Graphite wash and typescript on paper, 50 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Bernardo Ortiz, “Paper”, 2013, Giclee prints mounted on wooden structure, 300 x 600 cm. Photo credit: Eduard Fraipont.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, Pencil on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, India ink and rubber stamp on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Cyanotype, 70 x 100 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Pencil and typescript on paper mounted with wooden studs, 75 x 140 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 1995-2012, Gouache, pencil and fungus on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Pencil and india ink on paper, 35 x 25 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
Over the last years I’ve been developing a series of sculptural works that seek to investigate the layers that constitute and construct things and places. Relating directly to the physicality of the space as a point of departure. Using found objects and places that accumulate layers of information, containing what is particular from a place. The superficial skin becomes a profound path to explore and discover in each step the intersection of different experiences of time. (The historic time, material time, the time of everyday, and perhaps a more existential/psychological time that has to do with the duration of the experience.) The gesture is sculptural but without making sculpted objects; using destruction as a way of construction, allowing an engagement to a particular place and all the confluences and dimensions within. My work is site-responsive; it takes in consideration the architecture and the context of the surroundings, generating a layered outcome.
Traducido del inglés
A lo largo del tiempo he desarrollado una serie de trabajos escultóricos que buscan investigar las capas que constituyen y construyen las cosas y los lugares. Están relacionados directamente con la cualidad física del espacio como punto de partida. Usando objetos encontrados y lugares que acumulan capas de información, conteniendo las particularidades de cada lugar. La piel superficial se vuelve en un camino profundo para explorar y descubrir a cada paso el cruce de diferentes experiencias del tiempo (del tiempo histórico, tiempo material, tiempo cotidiano y quizá un tiempo más existencial y psicológico que está relacionado con la duración de la experiencia.) El gesto es escultórico pero sin realizar objetos; usando destrucción como una forma de construcción, permitiendo una interacción con un sitio particular y todas las confluencias y dimensiones del mismo. Mi obra responde al lugar y toma en consideración la arquitectura y el contexto de sus alrededores, generando un resultado con muchos niveles.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2001-2004: MFA, University of California, Los Angeles (UCLA), Los Angeles, United States.
- 1995-1999: BFA, Los Andes University, Bogotá, Colombia.
Prizes / Fellowships
- 2012: Premio 2ºBienal de Artes Plásticas y Visuales, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá, Colombia.
- 2012: LARA (Latin American Roaming Art), Asiaciti Trust, Bogotá, Colombia.
- 2010: Workshop with Mona Hatoum, Fundación Marcelo Botin, Santander, Spain.
- 2008: Gran Premio MOLAA Awards, Museum of Latin American Art, Long Beach, USA.
Solo Exhibitions
- 2014: “el tiempo lo aguanta todo“, Casas Riegner Gallery, Bogotá, Colombia.
- 2014: “Invited project“, Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
- 2011: “lo deshecho“, Casas Riegner Gallery, Bogotá, Colombia.
- 2006: “Traces of displaced recollection“, d.e.n. Contemporary Art, Los Angeles, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Artesur, Collective Fictions“, Palais de Tokyo, Paris, France.
- 2013: “Salón Nacional de Artistas“, Medellín, Colombia.
- 2013: “LARA 2012 (Latin American Roaming Art)“, NC-Arte, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Tracing Time“, Josee Bienvenu Gallery, New York, USA.
Collections
- West Collection, Philadelphia, USA.
- Museum of Latin American Art, Long Beach, USA.
- F.G.A.A., Bogotá, Colombia.
- Leyla Cárdenas, “extract for permutation”, 2014, Hand-cut giclée prints on paper, 1.30 x 1.06 x 6 cm.
- Leyla Cárdenas, “Dintel”, 2014, Giclée paper print mounted on plaster and rusted metal structure, 540 x 40 x 1 cm.
- Leyla Cárdenas, “Permutation (study#1)”, 2014, Giclée paper print mounted on demolition waste, Variable dimensions.
- Leyla Cárdenas, “Permutation (study#1)-detail”, 2014, Giclée paper print mounted on demolition waste, Variable dimensions.
- Leyla Cárdenas, “Permutation (study#1)-detail”, 2014, Giclée paper print mounted on demolition waste, Variable dimensions.
- Leyla Cárdenas, “Excision”, 2012, Peeled paint, recovered wallpaper, cement, plaster, wire, wood, Variable dimensions. West Collection. Photo credit: Sebastiano Pellion.
- Leyla Cárdenas, “sketch for a retaining wall “, 2011, Metal rods, cement paper, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- Leyla Cárdenas, “Anteponer”, 2012, Sanded wood veneer, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá, Colombia. FGAA.
Selected Biographical Information
Solo Exhibitions
- 2011: “Kirin”, Galería Jorge Mara – La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Uroboro”, Daniel Maman Fine Arts, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “Negro de Marfil”, Galería Jorge Mara – Galería van Riel, Buenos Aires, Argentina.
- 1999: “Naipes y Cartas”, Galería Sur, Punta del Este, Uruguay.
- 1996: “Arquitecturas y Lenguajes del Silencio”, Galería Sur, Punta del Este, Uruguay.
- 1995: Galería van Riel, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Blanco de Silencio”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Collage”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “Homenaje a Galería van Riel”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2002: “Pequeño Formato”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
- 1992: “Surrealismo Nuevo Mundo”, Biblioteca Nacional, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- 2011: Kirin, Ediciones Galería Jorge Mara.
- 2007: Kirin, Ediciones Daniel Maman Fine Arts.
- 2004: Kirin, Ediciones Galería Jorge Mara – Galería van Riel.
- 1999: Los Ángeles son las moscas del Paraíso. Kirin. Ediciones Galería Sur, (Collages y textos de Kirin).
- 1999: Arcanos Mayores. Kirin. Ediciones Galería Sur, (Selección de textos e introducción de Alejandro Puga y 22 collages de Kirin).
- 1991: Razón Poética, Vicente Z. Lema y Kirin. Ediciones Fin de Siglo, (Textos de V. Z. Lema y 50 collages de Kirin).
- 1986: El Diamante de la Noche cae entre las Plantas, Kirin. Ediciones de la Alondra, (Selección de textos de Juan Carlos Otaño y 23 collages de Kirin).
- KIRIN, “Sin Título”, 2010, Oil and graphite on paper, 76 x 56 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2011, Oil and graphite on paper, 155 x 105 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “COLLAGE”, 2011, Mixed media on paper, 155 x 105 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Mandragora femenina”, 2011, Oil, collage and graphite on canvas, 190 x 145 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2011, Oil and graphite on paper, 76 x 56 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Cielo Circular”, 2004, Oil on canvas, 110 x 100 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Huellas Negras”, 2004, Oil on paper, 56 x 76 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Eterno indiferente II”, 2004, Oil on paper, 76 x 56 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Cuatro lados”, 2004, Oil on paper, 38 x 38 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Cartografías II”, 2004, Oil on paper, 38 x 38 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 70 x 50 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 50 x 35 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 100 x 70 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 100 x 70 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 70 x 50 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
Somewhere or maybe everywhere … without script, perhaps like many others, restricted by a minimum budget or better yet, not thinking about budgets.
I choose to work from what I find, from that others have left. The image starts as a riddle formulated between the places I live, things and materials collected.
Someone observes from beyond. Maybe is a neighbor who sees me under the bridge collecting cans, or the gaze of that who finds those objects in an exhibition gallery, evoking what flows under the bridge. Both cases are for me acts of survival.
I try to synchronize myself with places, to hear what the material proposes and follow the way marked by the circumstances. The image is always provisional. It works, but barely, just enough.
I insist on a premise. I am aware that something magical could be happening.
En algún lugar o tal vez en todas partes… sin guiones, quizás como tantos otros, condicionado por un presupuesto mínimo o mejor aún, sin pensar en presupuestos.
Elijo trabajar desde lo encontrado, con lo que otros han dejado. La imagen se inicia como un acertijo que formulo entre los lugares que habito, las cosas y materiales recolectados.
Más allá, alguien observa. Tal vez un vecino que me ve bajo el puente recogiendo unas latas, o es la mirada de quien encuentra en una sala de exposición esos objetos evocando lo que corre bajo el puente. Ambos casos son para mí un acto de supervivencia.
Procuro afinarme con los espacios, escuchar lo que el material propone y seguir el rumbo que marcan las circunstancias. La imagen es siempre provisional. Funciona pero apenas, sólo lo justo.
Insisto en una premisa. Estoy atento de que algo mágico pueda estar ocurriendo.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2007-2014: BFA, Universidad Nacional de Tucumán, Facultad de Artes, Argentina.
- 2005-2006: La Guarda, with Ana María Benedetti.
- 2003: Provincia de Salta, Argentina, with Delmiro Barraza.
Solo Exhibitions
- 2013: “PASACALLE”, Rusia Galería, San Miguel de Tucumán, Argentina.
- 2012: “Herramientas para la construcción de un cielo nocturno”, La Puerta espacio de arte, San Miguel de Tucumán, Argentina.
- 2010: “Cerrar los ojos para ver”, Rusia Galería, San Miguel de Tucumán, Argentina.
- 2009:”Me tenés arto vieja hermosa”, El Árbol de Galeano, San Miguel de Tucumán, Argentina.
- 2008: “Un Puente”, Museo Arias Rengel, Salta capital, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Esta será nuestra casa”, Galerías Recientes, Eggo, Argentina
- 2013: “un día como cualquiera”, Casa del Bicentenario, San Miguel de Tucumán, Argentina.
- 2011-2009: “Taller abierto”, Taller “C”, San Miguel de Tucumán, Argentina.
- 2011: “Y andar liviano”, Salta y San Miguel de Tucumán, Argentina.
- 2010: “Líneas en acción”, Plaza de almas, San Miguel de Tucumán, Argentina.
- 2010: “Líneas”, Plaza de almas, San Miguel de Tucumán, Argentina.
Collections
- Sayago & Pardon, USA.
- Colección Carlos Casal, Tucumán, Argentina.
- Bernardo Corces, “S/T”, 2013, Series: Dibujos para un desconocido, Drawing in Chalk on sidewalk, 31.5 x 27.56 in. (80 x 70 cm), Site-specific project. Location: San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Courtesy of the artist
- Bernardo Corces, “S/T”, 2013, Series: Dibujos para un desconocido, Drawing in Chalk on sidewalk, 78.74 x 47.24 in. (200 x 120 cm), Site-specific project. Location: San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Courtesy of the artist
- Bernardo Corces, “S/T”, 2013, Series: Dibujos para un desconocido, Drawing in Chalk on sidewalk, 125.98 x 78.74 in. (320 x 200 cm), Site-specific project. Location: San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Courtesy of the artist
- Bernardo Corces, “S/T”, 2013, Series: Dibujos para un desconocido, Drawing in Chalk on sidewalk, Site-specific project. Location: San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Courtesy of the artist
- Bernardo Corces, “Hogera”, 2011, Series: Construcciones precarias, Built with branches and burned, 15.75 x 25.59 in. (40 x 65 cm). Photo credit: Courtesy of the artist
- Bernardo Corces, “Hojarasca”, 2011, Installation, leaves of tree on the corner of the wall, Variable dimensions, Site-specific project. Location: FAUNT San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Courtesy of the artist
- Bernardo Corces, “S/T”, 2013, 7750.02 square inches (5 m2), Site-specific project. Location: San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Courtesy of the artist
- Bernardo Corces, “Amanece”, 2013, Painting on modulated structure made from wood drawer, 9.84 x 59.06 in. (25 x 150 cm). Photo credit: Courtesy of the artist
- Bernardo Corces, “Manzana”, 2010, Series: Construcciones precarias, Object, 5.91 x 1.97 in. (15 x 5 cm). Photo credit: Courtesy of the artist
- Bernardo Corces, “Sauce, Fresno y Paraiso”, 2013, Series: Atados de ramas, Wood tied, 19.69 x 3.94 in. (50 x 10 cm). Photo credit: Rusia Galeria
- Bernardo Corces, “Epidermis”, 2009, Installation with billboards, 7750.02 square inches (5 m2), Site-specific project. Location: Rusia Galeria, San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Rusia Galeria
- Bernardo Corces, “Pasacalle”, 2013, Mobil, light and sound installation, 7750.02 square inches (5 m2), Site-specific project. Location: Rusia Galeria, San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Rusia Galeria
- Bernardo Corces, “Luminaria”, 2013, Series: Construcciones precarias, Light installation with bottles, in a human-powered vehicle, 47.24 x 27.56 x 94.49 in. (120 x 70 x 240 cm), Site-specific project. Location: Rusia Galeria, San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Rusia Galeria
- Bernardo Corces, “Un cielo nocturno”, 2012, Series: Construcciones precarias, Installation, with stones, chair and lamp, 9300.02 square inches (6 m2), Site-specific project. Location: La Puerta, espacio de arte, San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Courtesy of the artist
- Bernardo Corces, “Llovizna”, 2013, Series: Construcciones precarias, Action / Installation with ladder, buckets, wire netting and plastic bags filled with water, Variable dimensions, Site-specific project. Location: Rusia Galeria, San Miguel de Tucumán, Argentina. Photo credit: Rusia Galeria
Translated from Spanish
I consider myself sensitive to human relations, to the context of society and the future, to the multiple possibilities of existence, to imagination, to music… all that surrounds me is present in my work, and in the moment of creation.
I do not seek preconceived images. I find them in my work process, enjoying from the sharpest and flashy trace to the most delicate and imperceptible detail, creating an intimate atmosphere between the viewer and the work.
I define the image of my drawings with these words:
Partes fragmentadas de un todo
Que define un futuro incierto
La desaparición del ser humano
Convirtiéndose en más automático, más nada, más ilusión.
Me considero sensible a las relaciones humanas, al contexto de la sociedad y del futuro; a las múltiples posibilidades de la existencia, a la imaginación, a la música… todo lo que me circunda incide en mi obra, en el momento creativo.
No busco imágenes preconcebidas. Las encuentro en mi proceso de trabajo, gozando desde el trazo más punzante y llamativo hasta el delicado detalle, imperceptible, creando una atmósfera intimista entre el observador y la obra.
Defino la imagen de mis dibujos con estas pocas palabras:
Fragmented parts of a whole
Which defines an uncertain future
Disappearance of the human being
Becoming more automatic, more nothing, more illusion.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2003: MFA, University of Wisconsin at Madison, USA.
- 1992: Lic. en Ciencias de la Computacion, Universidad de Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2014: Artist residency, Hafnarborg Museum, Hafnarfjörður, Iceland.
- 2013: The Wassaic Project, New York, USA.
- 2010: Fundacion Valparaiso, Mojacar, Spain.
- 2005: Anderson Center for Interdisciplinary Studies, MinnesotaUSA.
- 2004: Ucross Foundation,Wyoming, USA.
- 2004: KHN Center for the Arts, Nebraska, USA.
- 2000: The MacDowell Colony, Milton and Sally Avery Fellow, New Hampshire, USA.
- 1999: Straumur Art Commune, Hafnarfjordur, Iceland.
- 1999: Vermont Studio Center, Nexus Latin American Award, Vermont, USA.
- 1998: Straumur Art Commune, Hafnarfjordur, Iceland.
- 1997: The MacDowell Colony, New Hampshire, USA.
- 1997: Vermont Studio Center, Vermont, USA.
Solo Exhibitions
- 2014: “Inter Spaces“, Henrique Faria Fine Art, New York, USA.
- 2012: “Caligrafias”, 11×7 Galeria, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Dibujos Concierto Detalle”, Faría+Fábregas Galeria, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Bio-construcciones”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Calm Complexities”, Curator’s Office, Washington D.C., USA.
- 2008: “Draw in”, Haim Chanin Fine Arts, New York, NY, USA.
- 2005: “Project Room”, Wendy Cooper Gallery, Chicago, IL, USA.
- 2004: “In a not time, not place”, Wendy Cooper Gallery, Chicago, IL, USA.
- 2003: “The imperceptible”, 734 Gallery, Madison, WI, USA.
- 2001: “Guided by Voices”, Bascom Hall, Madison, WI, USA.
- 1999: “Norrænt landslag”,Listasafn Arnesinga, Art Museum, Selfoss, Iceland.
- 1999: “Drawings”, Red Mill Gallery, Johnson, VT.
Group Exhibitions
- 2014: “Lo contrario de la magia“, Museo de Arte Latino-Americano de Buenos Aires, Malba, Buenos Aires, Argentina.
- 2014: “Traces of creation“, Hafnarborg Museum, Hafnarfjörður, Iceland.
- 2014: “Drawings from the South of America”, Henrique Faria Fine Art, New York, USA.
- 2013: “Homeward found“, Wassaic Project, Wassaic, USA.
- 2013: “4 artistas + 11 preguntas a Marta Minujín”, 11×7 Galeria, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “The sight of sound”, 60 Wall Gallery/Deutsche Bank Collection, New York, USA.
- 2010: “GalacticoMal”, Nora Fisch Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Summer Shortcuts: a Drawing Forecast”, Josee Bienvenu Gallery, New York, USA.
- 2009: “Trends in paper works”, Texas State University, San Marcos, Texas, USA.
- 2009: “Summer Docks”, Curator’s Office, Washington D.C., USA.
- 2009: “Display/Displace”, Frederieke Taylor Gallery, New York, USA.
- 2008: “Paper and Space”, Galerie Thomas, Munich, Germany.
- 2008: “Mixology I: Paintings and Works on Paper”, Curator’s Office, Washington D.C., USA.
- 2008: “66 pieces of art”, Haim Chanin Fine Arts, New York, USA.
- 2008: “Blown Away”, Krannert Art Museum, IL, USA.
- 2007: “Microespacios toman el centro”, Centro Cultural de España in Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Levity: Selections Spring 2007”, The Drawing Center, New York, NY, USA.
- 2007: “Definition, delicacy and detail in drawing”, Curator’s Office, Washington D.C., USA.
- 2007: “Men & Math“, Southfirst Gallery, Brooklyn, New York, USA.
- 2006: “Darling Project”, Wendy Cooper Gallery, Chicago, IL, USA.
- 2005: “Serene Obsession”, Haim Chanin Fine Arts, New York, NY, USA.
- 2004: “Works on paper”, SouthFirst Gallery, Brooklyn, NY, U SA.
- 2004: “Mental Space”, Wendy Cooper Gallery, Madison, WI, USA.
Publications
- Celina Chatruc, “Punto de encuentro“, ADN Cultura, La Nacion, 05/23/14, 18.
- Lux Lindner, “La mas blanda de las ciencias duras”, Pagina 12, 06/09/14.
- Alicia DeBrincat, “Eduardo Santiere´s meticulous abstraction”, Artfile Magazine, 2013.
- Carmen Victoria Méndez, “Eduardo Santiere traza notas minimalistas sobre el papel“, El Nacional, 01/18/12, 3.
- “Entrevista a Eduardo Santiere”, El Universal, 19/12/12.
- LILIANA OCHOA BREIJO, “Se unen rasguños, colores y sinfonías”, Tal cual, 01/19/12.
- Jonathan Goodman , “Eduardo Santiere, Draw in”, Artcritical.com, 06/04/08.
- “In search of the new”, The Economist.com, 08/04/07.
- Holland Cotter, “Sampling Brooklyn, Keeper of Eclectic Frames”, The New York Times, Weekend Fine Arts, 01/23/04, 27.
- Bragi Asgeirsson, “Norrænt landslag”, Morgunbladid, 08/20/99, 27.
Collections
- Hafnarborg Museum, Hafnarfjörður, Iceland.
- Sayago & Pardon, California, USA.
- Deutsche Bank Collection, New York, USA.
- Progressive Corporation, Ohio, USA.
Links
- Eduardo Santiere, “Europa 2012”, 2012, Dibujo, Graphite, color pencil and scratching, 104 x 100 cm. Sayago & Pardon Collection
- Eduardo Santiere, “Europa 2012” (Detalle), 2012, Dibujo, Graphite, color pencil and scratching, 104 x 100 cm. Sayago & Pardon Collection
- Eduardo Santiere, “Europa 2012” (detail), 2012, Dibujo, Graphite, color pencil and scratching, 104 x 100 cm. Sayago & Pardon Collection
- Eduardo Santiere, “sin titulo”, 2012, Scratching, 76 X 57 cm.
- Eduardo Santiere, “Sin titulo”, 2012, Scratching, 103 X 131.5 cm. Sayago & Pardon Collection
- Eduardo Santiere, “Sistematicos 1”, 2011, Graphite, color pencil and scratching, 101.6 x 81.2 cm.
- Eduardo Santiere, “Sin titulo”, 2012, Graphite and color pencil, 57 x 157 cm.
- Eduardo Santiere, “Sinfonia #12”, 2012, Series: Sinfonias, Graphite, color pencil and scratching, 28 x 19 cm.
- Eduardo Santiere, “In the right time in the right place”, 2009, Graphite, color pencil and scratching, 38.2 x 28.8 cm. Private collection, USA
- Eduardo Santiere, “Bio-construccion W2” (Detalle), 2013, Series: Bio-construcciones, Graphite, color pencil and scratching, 13.5 x 25.4 cm. Sayago & Pardon Collection
- Eduardo Santiere, “Inter-espacios 0” (detail), 2008, Graphite, 140 X 200 cm.
- Eduardo Santiere, “Inter-espacios 0” (detail), 2007, Graphite, 76.5 x 56.5 cm.
- Eduardo Santiere, “Something is missing”, 2006, Color pencil, 66 x 48 cm.
- Eduardo Santiere, “2D3D #4”, 2006, Serie: scratching geometricos, Scratching, 76 x 56 cm.
My work responds to an inquiry, obsession, fascination, and pleasure for the structures, assemblages and dynamics that evidence the state of transitivity and precariousness that appeal to a state of temporal indetermination. The works are located on the limit of their completion and resting in a residual plane. The works—installations, sculptures, drawings and photographs—are characterized by notions of scale, volume, weight, gravity, surface, pressure, contention, resistance, verticality, horizontality, limit and depth, creating an intimate relation with the space, architecture, the spectator’s body and the temporality of the exhibition and the pieces.
The works transform, determine, modify, and interfere in the physical space in which they operate as well as the social, political, economic and historical space they inhabit and its possible modes of production, exhibition and circulation.
My work has an interest for allegorical procedures, link to the fragment, the ruin, history, memory, identity and the city. These concepts are articulated with the inquiry on the construction process, provisional, precarious, transitory, and unstable structures.
Mi trabajo responde a una investigación, obsesión, fascinación y placer por las estructuras, ensamblajes y dinámicas que evidencian estados de transitoriedad y precariedad. Situados en el límite de un estado de finalización y un plano residual. Mediante instalaciones, esculturas, dibujos y fotografías, las obras desarrolladas se caracterizan por nociones de escala, volumen, peso, gravedad, superficie, presión, contención, resistencia vertical, horizontal, límite y profundidad, generando una íntima relación con el espacio, la arquitectura, el cuerpo del espectador y la temporalidad de las piezas y de su exhibición.
Las obras operan en el espacio físico transformándolo, determinándolo, modificándolo e interfiriendo; los efectos producidos por las obras en lo físico resuenan con los espacios sociales, políticos, económicos e históricos en los que residen y se posibilita la producción, exposición y circulación de la obras.
Mi trabajo parte del interés por procedimientos alegóricos, vinculados al fragmento, la ruina, la historia, memoria, identidad y la ciudad. Estos conceptos se articulan con la reflexión sobre los procesos constructivos, estructuras provisionales, precarias, transitorias e inestables.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2004-2009: Bachelor of Fine Arts, with emphasis in Visual Arts, art theory and history, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
- 2007-2008: Academic exchange program, Universidad de São Paulo, Escuela de Comunicações e Arte, São Paulo, Brasil.
Prizes / Fellowships
- 2008-2009: Scolarship Uniandinos for academic excellens (received at the Bacherlor degree), Uniandinos, Bogotá , Colombia.
- 2007-2008: Scolarship Uniandinos for academic excellens (received at the Bacherlor degree) , Uniandinos, Bogotá , Colombia.
Solo Exhibitions
- 2012: “El año pasado (Last Year)“, Galería Valenzuela Klenner, Bogotá, Colombia.
- 2009: “Acervo“, Project room Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
- 2006: “Art IN Theory“, Project room Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “Desequilibrio y movilidad, Nuevos nombres (Unstable and movement, New Names)“, Museo del Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Horizontal, 43 Salón (Inter)nacional de Artistas, Ministerio de Cultura“, Museo de Antioquia, Medellín, Colombia.
- 2013: “Amalgamas“, Cámara de Comercio, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Horizontal“, Galería La Central, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Panel“, Arte Cámara, Cámara de comercio ArtBo, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Fundición“, La Otra, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Suamox“, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Omnívoro (DELENGUAAMANO)“, http://www.santiago-reyes.com/
en/suamox-2011/, Bogotá, Colombia. - 2009: “Monumetría (DELENGUAAMANO)“, Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brazil.
- 2008: “Art IN Theory XXI Salón Nacional de Artistas, Ministerio de Cultura“, XXI Salón Nacional de Artistas, Ministerio de Cultura, Cali, Colombia.
Publications
- Gilberto Mariotti, Néstor Gutiérrez, Santiago Reyes Villaveces, Monumetria (Sao Paulo : Pinacoteca do estado de Sao Paulo).
- Julia Buenaventura, “Delenguaamano-Collective “, ArtNexus #73 , Jun/Aug 2009.
Collections
- Sayago & Pardon, California, USA.
Links
- Santiago Reyes Villaveces, “Llanta de carga 29.5 x 29”, 2013, Graphite on tire and wooden wedge, 200cm Ø x 200cm Ø x 80cm. Site-specific project. Location: Museo del Banco de la República, Bogotá, Colombia. colección del artista. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “Llanta de carga 35 65–33”, 2013, Graphite on tire and wooden structure, 220cm Ø x 90cm x Sección transversal 500cm x 10cm x 5cm. Colección del artista. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “Horizontal”, 2013, Graphite on wood and wooden wedge, 20cm x 470cm x 20cm. Site-specific project. Location: Museo de Antioquía, Médellin, Colombia. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “Vértigo”, 2012, Series: 1/3+PA, Photographic print on cotton paper, 85cm x 60 cm. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “Panel (díptico)”, 2012, Drawing on paper (diptych), 244cm x 110cm. Colección del artista. Photo credit: Image courtesy of the artist
- Santiago Reyes Villaveces, “Staff”, 2013, Graphite drawing on paper coiled in threaded rod, 350cm Ø 5cm threaded rod x 100cm drawing x 100cm drawing cm. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “One-way direction”, 2013, Graphite on wood, bearing and wedges , 250cm x 20cm x 300cm. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “Frame”, 2012, Graphite on wood, 190cm x 15cm x 3cm
- Santiago Reyes Villaveces, “Vara”, 2012, Graphite on aluminum, 300cm x ø 3.75cm, ø 3.75cm, ø 2.5cm. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “Ventana”, 2012, Graphite on wood and hinges, 150cm x 15cm x 3cm. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “Aro”, 2012, Installation of bearings of different sizes, Variable dimensions. Colección del artista. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “Panel (diptych)”, 2012, Series: 1/3, Graphite on paper, 100cm e/o x 70cm e/o. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “Pipe”, 2012, Graphite on cardboard, 80cm x 60cm. Photo credit: Jairo Llano.
- Santiago Reyes Villaveces, “Hinge”, 2013, Series: 1/3, Graphite on paper and hinge, 155cm x 15cm
- Santiago Reyes Villaveces, “Aerolito (diptych)”, 2012, Graphite on paper, 100cm e/o x 70cm e/o
The core of my work lies in the dichotomy between interior and exterior space. I explore the idea of the urban architectural space as a restraint, one that denies both the body and the landscape. Lately I’ve been analyzing how the monumentality and infinity of landscape can relate to our perceptions of the body. My installations are ephemeral; they are intricate and expansive constructions, impossible geometries that are meant to be broken.
La idea que anima mi trabajo se encuentra en la dicotomía entre espacio interior y exterior, así exploro la arquitectura urbana como una limitación que niega tanto el cuerpo como el paisaje. En mis proyectos más recientes he analizado cómo la monumentalidad y lo ilimitado del paisaje natural pueden relacionarse con nuestras percepciones del cuerpo. Mis instalaciones son efímeras; son intrincadas y expansivas construcciones, geometrías imposibles que habrán de romperse.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2009-2011: Master of Fine Arts, San Francisco Art Institute, San Francisco, CA, United States.
- 2002-2007: Bachelor in Fine Arts, Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, Colombia.
Prizes / Fellowships
- 2012: Beca para residencia artística, Banff Centre-Ministerio de Cultura, Banff Centre, Ministerio de Cultura, Banff, Bogotá, Canada/Colombia.
- 2010: Phelan, Murphy and Cadogan Fellowship, San Francisco Foundation, San Francisco, CA, United States.
- 2008: Beca Fulbright -Ministerio de Cultura para artistas, Fulbright, Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
- 2007: BFA with Honors/ Grado de Honor, Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2015: “The Soft Gesture“, The Wooden Floor – Sayago&Pardon, Santa Ana, United States.
- 2015: “El gesto fuerte, el gesto suave. Estructuras blandas y transformaciones“, Centro Cultural Británico, Lima, Perú.
Group Exhibitions
- 2014: “Después de lo anterior“, Galería Santa Fé, Bogotá, Colombia.
- 2014: “Tránsitos y articulaciones”, Galería Club El Nogal, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Nuevos Nombres”, Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Periscopio”, Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Especies de Espacios”, Galería Club El Nogal, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Gridlock“, AC Institute , New York, NY, United States.
- 2011: “Numina Femenina“, Consulate General of Mexico, San Francisco, CA, United States.
- 2011: “Liminal Takes“, Mission Cultural Center, San Francisco, CA, United States.
- 2011: “Artecámara 2011“, ARTBO, Bogotá, Colombia.
- 2010: “Chicas Chicas Chicas”, Art Museum of the Americas, Washington, D.C., United States.
- 2010: “Spoon full of sugar “, Kitsch Gallery, San Francisco, CA, United States.
- 2009: “Chicas, chicas, chicas”, Cámara de Comercio, Sede Kennedy, Bogotá, Colombia.
Collections
- Museo del Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- Sayago & Pardon Collection, CA, USA.
- Ana Belén Cantoni, “Caja, dibujo sobre pared”, 2011, Series: Dibujos sobre pared, Yarn, staples and red chalk on wall, 60 x 50 cm.
- Ana Belén Cantoni, “Caja, dibujo sobre pared” (detail), 2011, Series: Dibujos sobre pared, Yarn, staples and red chalk on wall, 60 x 50 cm.
- Ana Belén Cantoni, “Línea horizontal, dibujo sobre pared”, 2011, Series: Dibujos sobre pared, Yarn, staples and red chalk on wall, 22 cm x 8,8m cm. Site-specific project. Location: AC Institute, New York, NY, United States.
- Ana Belén Cantoni, “Mine “, 2011, Red coats frayed, thread and staples, 39 x 167 x 518 cm. Site-specific project. Location: AC Institute, New York, NY, United States.
- Ana Belén Cantoni, “Mine” (detail), 2011, Red coats frayed, thread and staples, 39 x 167 x 518 cm. Site-specific project. Location: AC Institute, New York, NY, United States.
- Ana Belén Cantoni, “EStructura de crecimiento rizomático III”, 2013, Pieces of bed sheets, safety pins, and wooden pegs, Variable dimensions.
- Ana Belén Cantoni, “Estructura de crecimiento rizomático III”, 2011, Pieces of bed sheets, safety pins, and wooden pegs, Variable dimensions.
- Ana Belén Cantoni, “Estructura de crecimiento rizomático II” (detail), 2011, Pieces of bed sheets, safety pins, and wooden pegs, Variable dimensions.
- Ana Belén Cantoni, “El gesto fuerte que todo aquello que es sutil niega”, 2013, Hand-woven copper mesh, black cotton fiber, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Banco de la república, Bogotá, Colombia.
- Ana Belén Cantoni, “El gesto fuerte que todo aquello que es sutil niega”, 2013, Hand-woven copper mesh, black cotton fiber, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- Ana Belén Cantoni, “Estructura elástica en rosa y negro”, 2013, Series: De la vida privada de la geometría, Elastic fabric and staples on floor and wall, 170 x 355 x 295 cm. Site-specific project. Location: Banff Centre, Banff, Canadá.
- Ana Belén Cantoni, “Línea “, 2011, All my black clothes, Variable dimensions.
- Ana Belén Cantoni, “Cuerpo Concreto I”, 2013, Series: Cuerpos Concretos, Elastic fabric, staples on floor and wall, and stone, Variable dimensions.
- Ana Belén Cantoni, “Cuerpo Concreto I (Vista de la Instalación)”, 2013, Series: Cuerpos Concretos, Elastic fabric, staples on floor and wall, and stone, Variable dimensions.
Translated from Spanish
My practice is the result of my interest in the eroticism and geometry manifested through painting and installation. My recent work has largely referenced the human body and gender conditions; abstract and geometrical representations of bodies are made with diverse materials such as paint, sand, plaster, wood, fake fruits and shampoo, and more traditional oil paints. A more inclusive vision of sexuality can change and improve the way we live. This has been made apparent through the contributions of Feminism and queer theory. This is also a space where I locate dialogues that are informative for my work. I play with gender pictorially, mixing spiritual values, historical appreciations, aesthetics and styles. I am interested in the anthropological importance of decoration as a process and in its application in objects, and I play with this by challenging fixed ideas and unconscious meaning. How does the mind sense the materials and shapes of things? Why do we make decisions in one way and not in another? Is there a place where these dualities are simultaneously possible? I transform everyday materials into something new, as in Manzanas [Apples] where geometric forms adorn fake plastic fruits. My work as a painter engages a diversity of formats and media, from easel painting and installation, to the organization of cultural projects and results of the relationships between artists. I have participated actively with artist collectives like as Kiosko De Artistas, and in projects of col-leagues, clinical workshops and research meetings. I co-founded PintorAs [Female Painters], a project that includes 20 women artists from Argentina. As a curator, I organized the exhibitions Rework and Figuras [Figures], as a way to collectively investigate answers to questions of that arise from my own work.
Mi práctica es el resultado de mi interés en el erotismo y la geometría, manifiesto a través de la pintura pero también en otros medios como instalación. Mi trabajo reciente en gran medida hace referencia al cuerpo humano y a condiciones de género: representaciones abstractas y geométricas hechas con diversos materiales tales como pintura, arena, yeso, madera, frutas falsas y champú, y óleos. Una visión más integradora de la sexualidad puede cambiar y mejorar la forma en que vivimos. Esto ha sido evidente a través de las contribuciones de las teorías feministas y queer. En estas contribuciones, encuentro diálogos que son nutritivos para mi trabajo y desarrollo. También interpeló el género pictórico, mezclando los valores espirituales, la apreciación histórica, estéticas y estilos. Estoy interesada en la importancia escondida de la decoración como un mecanismo y en su aplicación en objetos y dispositivos. Busco desafiar las ideas fijas y los significados inconscientes. ¿Cómo la mente percibe las materialidades y formas de las cosas que nos rodean? ¿Por qué asumimos esa percepción de una manera natural y no en otra dirección? ¿Hay un lugar donde lo dado como opuestos son al mismo tiempo posibles e iguales? Busco convertir materiales de uso cotidiano en algo nuevo, como en Manzanas donde las formas geométricas adornan falsos frutos de plástico. Mi trabajo como pintora involucra una diversidad de formatos, soportes y medios, desde la pintura de caballete y la instalación, a la organización de proyectos culturales, muestras, y las relaciones entre los artistas. Fui co-fundadora de PintorAs, un proyecto que incluye 20 artistas de Argentina. Como artista-curadora, también organicé las muestras Rework y Figuras, siendo una manera de investigar colectivamente las preguntas que surgen en mi proceso de obras.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, 5 años, BFA, Buenos Aires, Argentina.
- Cursos en el Centro de Investigaciones Artísticas, 2009/10, with Paul Ramírez Jonas, Michael Smith, Roberto Amigo, Tulio de Sagastizábal, Doris Sommer, Andrea Giunta, Victoria Noorthoorn, María Moreno, Yoshua Okon.
Prizes / Fellowships
- 2013: Premio de Pintura Latinoamericana Arcos Dorados, Arteba, 1er Premio Adquisición.
- 2013: Premio Braque, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero.
- 2013: Bienal MBA/MAC Bahía Blanca, 1er Premio Adquisición.
- 2013: Premio Adquisición Igualdad Cultural Argentina.
- 2012: XV Premio KLEMM, 2do Premio, Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires.
- 2012: Salón Nacional de Rosario, Museo Castagnino.
- 2012: Beca Nacional del Fondo Nacional de las Artes, Argentina.
- 2011: Beca de movilidad a México de la Secretaria de Cultura de Argentina.
- 2011: XV Premio KLEMM, Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires.
- 2010/09: Beca de estudios en El Centro de Investigaciones Artísticas, Bs As.
- 2009: Auction 09 – Selection, MOLAA Awards, Museam of Latin American Art, Miami.
- 2008: Salón Nacional de Rosario, Museo Castagnino.
- 2007: Subsidio Línea Creadores – Fondo Metropolitano de las Artes -Gobierno de la Ciudad
- 2007: Laboratorio de Artes Visuales del Ctro Cultural Rojas.
- 2007: Salón Nacional de Instalaciones – Selección, Palias de Glace.
- 2006: Concurso Proyecto A – Selección.
- 2004: CURRÍCULUM CERO – 1° Premio, Galería Ruth Benzacar.
Solo Exhibitions
- 2013: “Paris”, Museo La Ene de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Popurrí”, Saffron Gallery, NY, USA.
- 2012: “Playroom”, Galería Daniel Abate.
- 2011: “Mis fantasías en el Changarrito”, Antiguo Colegio San Idelfonso, Mexico DF, Mexico.
- 2011: “Fabricando objetos de deseo”, taller e intervención, Casa Vecina, Mexico DF, Mexico.
- 2011: “Centros de mesa”, Perfecta Couture, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Pre- Construction Preview”, Boulogne Sur Mer Studio Art Building, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Desborde”, Centro Cultural de España en Bs As, Argentina.
- 2005: “Sin título”, Nuevo Espacio, Galería Ruth Benzacar, Bs As, Argentina.
- 2004: “Fotonovelas”, Festival de la Luz– fotografías en La Casona de los Olivera, Bs As, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Herstory Inventory”, Oakville Galleries, Toronto, Canada.
- 2013: “PintorAs”, Magda Bellotti Gallery, Madrid, Spain.
- 2013: Solo Projects, ArtRío, Brazil.
- 2012: “L.E.A.”, Faena Arts Center, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Ultimas tendencias II”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “PintorAs”, La Maison de l’Argentine, París, France.
- 2012: “Function Follows Form”, curator Aldo Chaparro Winder, Mexico DF, Mexico.
- 2012: “Herstory Inventory”, Ulrike Müller, Kunsthaus Bregenz Austria, and Brooklyn Museum NY, USA.
- 2011: “Un Museo Chévere”, Museo La Ene en Encuentro Internacional (Cheverista) Medellin, MDE11, Colombia.
- 2010: “The constructive élan”, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
Publications
- Big sur, número 2.
- Prosa plebeya, Ediciones Excursiones.
- Un Museo Chévere, de Museo La Ene.
- Crudo ediciones, de Martin Legón.
- 2obras N7 3ª año , de Verónica Romano.
- Convi.com.ar -videolinks-, de Mónica Heller.
- Revistas Ramona 60 Especial Poéticas Contemporáneas (II) y Ramona 101.
Collections
- Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- MAC Bahia Blanca, Argentina.
- Fundación Federico Klemm, Buenos Aires, Argentina.
- Adriana Minoliti, “Figuras sobre selva”, 2012, Oli and acrylic on canvas, 2.50 x 10 m. Photo credit: Ximena Martinez
- Adriana Minoliti, “Centerpiece”, 2012, Mannequin head, white glue, sand and paint on wood, 70 x 120 x 70 cm. Photo credit: Ximena Martinez
- Adriana Minoliti, “Playroom”, 2012, Installation with curtains, flooring and impressions, Variable dimensions. Photo credit: Ximena Martinez
- Adriana Minoliti, “SET -for a geometric postporn movie-“, 2012, Installation with “Selva” acrylic on canvas, “Cama”, PVA glue, sand and paint on wood, and “QUEER DECO”, color print on canvas, 3 x 4 x 3 m.
- Adriana Minoliti, “Naranaja”, 2011, Series: Queer Deco, Print on canvas, Variable dimensions.
- Adriana Minoliti, “Celeste”, 2011, Series: Queer Deco, Print on canvas, Variable dimensions
- Adriana Minoliti, “Hard”, 2011, Series: Playboy, B&W print, Variable dimensions
- Adriana Minoliti, “Abstract Porn”, 2011, video 2:20 min
- Adriana Minoliti, 2012, Series: Fantasías, Acrylic and ink on paper, 35 x 25 cm
- Adriana Minoliti, 2012, Series: Dibujos, Acrylic and ink on paper, 35 x 25 cm
- Adriana Minoliti, 2012, Series: Dibujos, Acrylic and ink on paper, 35 x 25 cm
- Adriana Minoliti, “XOXO”, 2013, Series: Paris, Print
- Adriana Minoliti, “Tarot -abstracción de catálogos de lencería “Frederick’s of Hollywood”-“, 2013, Projection, 9 color slides, variable dimensions
- Adriana Minoliti, “Queer Abstraction”, 2013, Series: Periodo Rosa, Acrylic on canvas, 50 x 40 cm
- Adriana Minoliti, “Soft”, 2012, Serigraphy on sheets, Variable dimensions
Translated from Spanish
My work consists in propose to people a way of thinking that with plans or without them could unveil doubts or solutions. I would like to open a discourse where we could discuss themes that could help us solve our lives as a community. Basically, my work consists of questions and perspectives about the world with projections to the future, where armed conflicts are kids’ toys, for children that have faith in living and not in hating (to live without hate). Without forgetting to judge the ones who have brought us to these poverty conditions and misinformation. I do not consider myself conceptual or minimalist, but utilitarian of these mediums, as a precise way of approaching concrete subjects without much paraphernalia.
Mi trabajo consiste en proponer a las personas una forma de pensamiento que, con planes o sin ellos, descubran dudas o soluciones. Me gustaría poder entablar un discurso donde podamos discutir temas que nos ayuden a solucionar nuestras vidas en comunidad. Básicamente mi trabajo radica en interrogantes y perspectivas de un mundo con proyecciones al futuro donde los conflictos armados sean de juguete sin para niños que tengan fe en vivir y no en odiar (vivir sin odio). Pero sin olvidar juzgar a los que nos han llevado a estos estados de pobreza y mala información. No me considero conceptual ni minimalista, sino utilitario estos medios como forma precisa de abarcar temas más concretos sin tanta parafernalia.
Selected Biographical Information
Prizes / Fellowships
- 2001: Golden Lion for best young artist, 49th Venice Biennal, Venice, Italy.
- 1996: First Prize “Glifo de oro” X Bienal de Arte Paiz. Category: Invited artists. Guatemala 1994.
- 1996: First Prize “Glifo de oro” IX Bienal de Arte Paiz. Guatemala.
- 1996: First Prize “Mención de honor” IX Bienal de Arte Paiz, Category: General. Guatemala.
Solo Exhibitions
- 2004:”Anibal López – A-1 53167″, Fondazione Adriano Olivetti, Rome and Associazione Prometeo per l’Arte Contemporanea, Lucca, Italy.
Group Exhibitions
- 2011: “Economía informal”, (Ex)Céntrico – Centro Cultural de España en Guatemala, Guatemala City, Guatemala.
- 2007: “Cátedra arte de la Conducta”, La Habana, Cuba.
- 2006: “Colectiva”, prometeogallery di Ida Pisani, Milan, Italy.
- 2006: “Drawings on paper”, Carlos Woods Gallery, Guatemala City, Guatemala.
- 2006: “The Power of Economy”, Festival dell’economia, Galleria Civica di Arte Contemporanea, Trento, Italy.
- 2006: “Frontera corozal. Un chol fotografando a un lacandon”, Chiapas, Mexico.
- 2005: “Gratis”, Sol del Rio Arte Contemporaneo, Guatemala City, Guatemala.
Publications
- UNIVERSES IN UNIVERSE. Entrevista con Pat Binder & Gerhard Haupt, durante la 49na. Biennale di Venezia.
- Viviane Lorea, Catalogo: Mesoamerica, Osilaciones y Artificios.Centro Atlantico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria Pags.: 32, 33, 127, 129,
- Catalogo: Last Minute, Verso la Fine Dell’eternita A cura di Lara facco e Lino Baldini, 12 di Maggio – 16 giugno 2002 Organizzazione a Cura delle Gallerie
- Pianisimo (Milano) e Placentia Arte (Piacenza) Pag.: 42.
- Rocina Cazali, Catalogo di la 49 Biennale di Venezia, Italia
- Javir Fuuentes Feo Revista magna Terra
- Ariel Riwo, Revista Magna Terra
- A-1 53167 Aníbal López, “Contaminación visual”, 2013, Installation, pencil on wall. Location: 9-99 Project, Guatemala
- A-1 53167 Aníbal López, “Línea”, 2013, Ink on paper.
- A-1 53167 Aníbal López, “El proceso, Córdoba, Argentina. Fabricación de una caja de concreto en cuyo interior se colocaron fotografías de personas desaparecidas, posteriormente se destruyó.”, 2011
- A-1 53167 Aníbal López, “El proceso, Córdoba, Argentina. Fabricación de una caja de concreto en cuyo interior se colocaron fotografías de personas desaparecidas, posteriormente se destruyó.”, 2011
- A-1 53167 Aníbal López, “9mm”, 2009, Marble sculpture intervened with 9mm bullets
- A-1 53167 Aníbal López, “Escultura pasada de contrabando de Paraguay a Brasil”, 2007, 500 boxes illegally transported from Paraguay to Brazil
- A-1 53167 Aníbal López, “Dibujos sobre papel”, 2006, Site specific project. Location: Galería Carlos Woods
- A-1 53167 Aníbal López, “Dibujos sobre papel”, 2006, Site specific project. Location: Galería Carlos Woods
- A-1 53167 Aníbal López, “Arma de defensa personal”, 2005, Performance, peddler was asked to sell river stones. Location: Guatemala City.
- A-1 53167 Aníbal López, “Arma de defensa personal”, 2005, Performance, peddler was asked to sell river stones. Location: Guatemala City.
- A-1 53167 Aníbal López, “Listón de Plástico Negro de 120 m de largo x 4 m de ancho colgado sobre el Puente del Incienso”, 2002, Black plastic strip, 120 m long x 4 m.
- A-1 53167 Aníbal López, “30 de Junio. Guatemala, Guatemala.Diez sacos de carbon esparcidos sore la sexta avenida, una de las calles principals de la ciudad de Guatemala, sobre la que desfila (por última vez) el ejército de Guatemala. Durante el genocidio efectuado contra aldeas y campesinos indígenas, sus restos fueron quemados y enterrados en fossa communes. A dicha operación se le llamó “tierra arrasada”. Hasta hoy existen dichos depósitos de carbon.”, 2000, Ten bags of charcoal scattered on Sixth Avenue, one of the main streets of Guatemala City, on this street the Guatemalan army realized a parade (for the last time). This action recalls the genocide against villages and indigenous peasants, who were burned and buried in mass graves. This operation was called “scorched earth”. To this day these carbon deposits still exist.
- A-1 53167 Aníbal López, “30 de Junio. Guatemala, Guatemala.Diez sacos de carbon esparcidos sore la sexta avenida, una de las calles principals de la ciudad de Guatemala, sobre la que desfila (por última vez) el ejército de Guatemala. Durante el genocidio efectuado contra aldeas y campesinos indígenas, sus restos fueron quemados y enterrados en fossa communes. A dicha operación se le llamó “tierra arrasada”. Hasta hoy existen dichos depósitos de carbon.”, 2000, Ten bags of charcoal scattered on Sixth Avenue, one of the main streets of Guatemala City, on this street the Guatemalan army realized a parade (for the last time). This action recalls the genocide against villages and indigenous peasants, who were burned and buried in mass graves. This operation was called “scorched earth”. To this day these carbon deposits still exist.
- A-1 53167 Aníbal López, “Mancha de 55,000 puntos”, 2002, Intervention on newspaper Siglo XXI, Guatemala
- A-1 53167 Aníbal López, “Punto en movimiento”, 2002, Intervention on urban space, Guatemala
- A-1 53167 Aníbal López, “La Distancia entre dos puntos”, 2002, Sol Del Río Arte Contemporáneo, Guatemala
Translated from Spanish
My work relates to everyday life in the city, specifically of a city like Guatemala, which is considered to be one of the most dangerous in Latin America. I try to take the behavior of a society, portraying the everyday in different ways.
Mi trabajo está ligado a la vida diaria de la ciudad, específicamente de una ciudad como Guatemala, considerada una de las más peligrosas de América Latina. Trato de llevar el comportamiento de una sociedad, retratando de diferentes maneras la cotidianidad.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Escuela Nacional de Artes Plásticas Guatemala.
Prizes / Fellowships
- 2013: Juannio, Guatemala.
- 2006: Bienal de arte Paíz, Guatemala.
Solo Exhibitions
- 2013: “Vertigo”, Centro municipal de arte y cultura en la ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “COLONIA”, galería “La Botica Cultural” de Ciudad de la Imaginación, Guatemala.
- 2011: “Revisiones”, galería Ex-Céntrico de la cooperación española, Guatemala.
- 2007: “HOMO-LOGO”, galería Carlos Woods Arte Antiguo y Contemporáneo, en Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2006: “Biografía Completa”, Arte La Fábrica, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
Group Exhibitions
- 2013: “Raw Material / Materia Prima”, Diablo Ross + Proyectos Ultravioleta + Sultana + La Central + Yautepec, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Post Después del Genocidio”, Centro para las artes visuales, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Así que se vaya”, Proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Proyectos Ultravioleta presenta”, proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Subasta de Arte Latinoamericano Juannio 2013”, Museo de Arte Moderno, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Forma y Sustancia Festival de Performance”, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “Proyectos Ultravioleta presenta”, Christinger De Mayo and Proyectos Ultravioleta, Zurich, Switzerland.
- 2012: “En la curvatura del tiempo: Arte y mujer”, Museo de Antropología e Historia, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “Así que se vaya”, Kamin y Proyectos Ultravioleta, Comalapa, Guatemala.
- 2012: “Así que se vaya”, Proyectos Ultravioleta, Quetzaltenango, Guatemala.
- 2012: “Convivir y Compartir”, XVIII Bienal de arte Paiz, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “Trienal Poli/gráfica”, San Juan, San Juan, Puerto Rico.
- 2012: “La ciudad”, Centro Cultural Metropolitano, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2011: “Me asusta pero me gusta”, Diablo Rosso, Ciudad de Panama, Panama.
- 2011: “Hoja Blanca”, exposición intinerante entre Suiza y Guatemala.
- 2011: “Ciudad como escenario e idea”, Galeria Kilometro 0, ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2011: “Experi[mental]”, Latin American Art on the Cusp of Contemporary, Los Angeles, USA.
Publications
- Art Nexus.
- Revista Bild Punk.
- Convivir y Compartir.
- Contemporary Languages from Centro América.
- Revista Digital de Arte y literatura.
- Revista Rara.
Collections
- Sayago y Pardon, USA.
- Blanton Museum Austin Texas, USA.
- Colección Ortiz Gurdian, Nicaragua.
Links
- Jorge de León, “Sin Título (blocks #3)”, 2013, Series: Colonia, Acrylic on cut canvas, 33 x 43 cm. Photo credit: Nora Pérez. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Sin Título (Colonia #2)”, 2013, Series: Colonia, Upholstery tape and pins, Variable dimensions. Photo credit: Nora Pérez. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Sin Título (Block #2)”, 2013, Series: Colonia edición 2/3, Cut paper on wall, 20 pieces of 26 x 15 each, organized in variable dimensions. Sit-specific project. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Block #6”, 2013, Series: Colonia, Cut paper74 x 54 cm. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Block #5”, 2013, Series: Colonia, Cut paper, 74 x 54 cm. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Block #4”, 2013, Series: Colonia, Cut paper, 74 x 54 cm. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Combustión”, 2012, Series: Acciones cotidianas, Video performance, 7 minutes installation, Variable dimensions. Photo credit: Nora Pérez and Ana Cosenza. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Sin Título (Cristal #6)”, 2012, Series: Date. Photo credit: Byron Marmol. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Antigua Combustión”, 2013, Series: Acciones cotidianas, Street intervention, video installation, 5 minutes, Variable dimensions. Photo credit: Bernardo Euler and Daniel Chauche. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Loop”, 2010, Series: Acciones cotidianas, Video performance, 7 minutes, Site-specific project. Location: Guatemala. Photo credit: Jenifer Alburez and Percy Cantillo. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Visor”, Octubre 2013, Series: Date, Zinc plate -found object, 174 x 88 cm. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Mariella Franco
- Jorge de León, “Visor #3”, Octubre 2012, Series: Date, Zinc plate -found object, 174 x 88 cm. Photo credit: Mariella Franco
Most part of my work explores the metaphorical capacities of space and our relation to it through his wide- ranging practice which includes installation, sculpture, photography and video. Using abstract geometry to delineate the political and social implications of his chosen environments, deconstructing the codes of objects established through everyday use. Whilst these configurations are always executed with graphic simplicity, the works are in fact complex material experiments that interrogate the functions, limits and frontiers of space and by extension, the socio-political systems which reside therein.
Traducido del inglés
La mayor parte de mi obra explora las capacidades metafóricas el espacio y nuestra relación con él mediante la amplia práctica que incluye instalación, escultura, fotografía y video. Utilizando geometría abstracta para delinear las implicaciones sociales y políticas de ambientes elegidos, deconstruyendo los códigos de los objetos establecidos mediante el uso cotidiano. Pese a que estas configuraciones son siempre ejecutadas con gran simplicidad, estas obras son de hecho complejos experimentos materiales que interrogan las funciones, límites y fronteras del espacio, y por ende, los sistemas socio-políticos en los que residen.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Fundação Armando Álvares Penteado – FAAP.
Prizes / Fellowships
- 2012: Gasworks International Residency Programme, London, UK.
- 2012: Pipa (Prêmio Investidor Profissional de Arte), Rio de Janeiro, Brazil.
- 2011: Cifo – Cisneros Fontanals comission Prize, Miami, USA.
- 2009: Prêmio aquisição SP-Arte/Iguatemi – aquisição para Pinacoteca do Estado, São Paulo, Brazil.
- 2004: Bolsa Instituto Iberê Camargo/Visiting Artists Program – School of the Art Institute of Chicago, Chicago, US.
- 2003: Bolsa Faap/Cité Internationale des Arts, Paris, France.
- 1995: Prêmio Michelangelo de Pintura, São Paulo, Brazil.
Solo Exhibitions
- 2013: “Diagrama”, NC-Arte, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Geometric Progression”, Inside the White Cube, White Cube, London, UK.
- 2011: “Imóvel/Instável”, Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2010: “Area útil: área comum”, Galeria Silvia Cintra + Box 4 – Rio de Janeiro, Brazil.
- 2009: “Seção Diagonal [Diagonal Section]”,Galeria Box 4, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2008: “Geometria Informal”, Galeria Pedro Cera, Lisbon, Portugal.
- 2008: “Área Comum”, Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2005: “Arquipélago”, Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2004: “Fundo Falso”, Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2001: “Sem Título”, Temporada de Projetos Paço das Artes, São Paulo, Brazil.
Group Exhibitions
- 2013: “My third Country”, Frankdael , Amsterdam, Netherlands.
- 2012: “Planos de fuga”, Uma exposição em obras – Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, Brazil.
- 2011: “An Other Place”, Galerie Lelong, New York, US.
- 2011: “Viewpoint”, Cisneros Fontanals Art Foundation 2011 Grants and Comissions Program, Miami, US.
- 2011: “8a Bienal do Mercosul”, Ensaios de Geopoética, Porto Alegre, Brazil.
- 2010: “29ª Bienal Internacional de São Paulo, “Todo homem tem um copo de mar para navegar”, São Paulo, Brazil.
- 2010: “Para ser Construidos”, Laboratório 987, MUSAC, Leon, Spain.
- 2010: “Pontos de Vista”, Instituto Inhotim, Brumadinho, MG.
- 2008: “Color into light”, Selections from the MFAH Permanent Collection, Museum of Fine Arts Huston, US.
- 2008: “Soziale Diagramme. Planing Reconsidered”, Künstlerhaus Stuttgart, Germany.
Publications
- Marcius Galan – Inside the White Cube, White Cube, London, 2013.
- Art Cities of the Future – 21st-Century Avant-Gardes, Phaidon press , London, 2013.
- Desenhos [Drawings]: A -Z: Coleção Madeira Corporate Services / Adriano Pedrosa (edição e org.); Soartes, Lisboa, 2006.
- Publicado pela Coleção Madeira Corporate Services.
- Contemporary Art Brazil TransGlobe Publishing Ltd, london, 2012.
- Desdobramentos da Pintura do séc. XXI – Editora Cobogó – Rio de Janeiro, 2013.
- 8a Bienal do Mercosul: Ensaios de Geopoética: catálogo / José Rocca (curadoria Geral).
- Porto Alegre: Fundação Bienal do Mercosul, 2011.
- Catálogo da 29a Bienal de São Paulo: Há sempre um copo de mar para um homem navegar / Curadores: Agnaldo Farias, Moacir dos Anjos. São Paulo: Fundação Bienal de São Paulo, 2010.
- Panorama da Arte Brasileira 2007: Contraditório / Moacir dos Anjos (curadoria); Museu de Arte Moderna de São Paulo, São Paulo, 2007.
Collections
- Museu Serralves, Porto, Portugal.
- Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brazil.
- Museu de Arte Moderna de São Paulo – MAM, SP, Brazil.
- Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro – MAM Rio, Brazil.
- Museum of Fine Arts, Houston, USA.
- Coleção JUMEX, México DF, Mexico.
- The Zabludowicz Collection, London, UK.
- Coleção Madeira Corporate Services, Ilha da Madeira, Portugal.
- Centro de Arte Contemporânea Inhotim, Brumadinho, Minas Gerais, Brazil.
- Cifo, Cisneros Fontanals, Miami, USA.
- Instituto Figuereido Ferraz, Ribeirão Preto, São Paulo, Brazil.
- Marcius Galan, “Diagonal section”, 2008, Wood, wax and paint on wall, Variable dimensions, Location: Inhotim. Photo credit: Pedro Motta (courtesy Galeria Luisa Strina and Instituto Inhotim)
- Marcius Galan, “Uma linha contem infinitos pontos”, 2011, Enamel paint on wood and map pins, 200 x 300 cm (board), 400 x 800 cm (installation). Photo credit: Edouard Fraipont (courtesy Galeria Luisa Strina)
- Marcius Galan, “Bandeirinhas”, 2013, Painted iron and string, Variable dimensions. Photo credit: Ben Westoby (courtesy Galeria Luisa Strina and White Cube Gallery)
- Marcius Galan, “Bandeirinhas”, 2013, Painted iron and string, Variable dimensions. Photo credit: Ben Westoby (courtesy Galeria Luisa Strina and White Cube Gallery)
- Marcius Galan, “Abstração Instável”, 2011, Wood, glass, graphite and rubber. Photo credit: Edouard Fraipont (courtesy Galeria Luisa Strina)
- Marcius Galan, “Isolante (repouso)”, 2008, Painted iron and nails, 163 x 9 x 5 cm. Photo credit: Edouard Fraipont (courtesy Galeria Luisa Strina)
- Marcius Galan, “Isolante (tenso)”, 2011, Iron, wood and cement, 160 x 80 x 40 cm. Photo credit: Edouard Fraipont (courtesy Galeria Luisa Strina)
- Marcius Galan, “Inert #2”, 2011, Painted iron and nails, 175 x 135 x 65 cm. Photo credit: Edouard Fraipont (courtesy Galeria Luisa Strina)
- Marcius Galan, “Desenhos (2002 to 2005)”, 2005, Rubber, graphite, paper, glass and wood, 22.2 x 17.1 x 10 cm. Photo credit: Edouard Fraipont (courtesy Galeria Luisa Strina and MCS Collection)
- Marcius Galan, “Immobile”, 2013, Wood, coin, cables and iron, 12.8 x 370 x 932 cm. Photo credit: Ben Westoby (courtesy Galeria Luisa Strina and White Cube Gallery)
- Marcius Galan, “Immobile”, 2013, Wood, coin, cables and iron, 12.8 x 370 x 932 cm. Photo credit: Ben Westoby (courtesy Galeria Luisa Strina and White Cube Gallery)
- Marcius Galan, “Bandeirinha (Bunting)”, 2013, Polyurethane paint on iron, nails and string, Variable dimensions. Photo credit: Ben Westoby (courtesy Galeria Luisa Strina and White Cube Gallery)
- Marcius Galan, “Bandeirinha (Bunting)” (Detail), 2013, Polyurethane paint on iron, nails and string, Variable dimensions. Photo credit: Ben Westoby (courtesy Galeria Luisa Strina and White Cube Gallery)
- Marcius Galan, “Cartografia Abstrata (Segmento de Reta V)”, 2012, Enamel paint on wood and map pins, 75 x 148 cm. Photo credit: Edouard Fraipont (courtesy Galeria Luisa Strina)
Translated from Spanish
I like to think of my studio as a laboratory, a place that allows work to be developed into an accumulative process of the graphic experience. Drawing is a way of thinking that makes connections between acquired concepts and executed forms. Far from representing concepts, I try to present them, shape them, and give them a new type of classification to designate them. The act of drawing connects mind with hand, oral language with the sense of touch. The shape might come close to a raw, primary, organic translation of the mind.
Me gusta pensar en mi estudio como un laboratorio, un lugar que permite que el trabajo que hago se desarrolle en un proceso acumulativo de la experiencia gráfica. El dibujo es una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas. Lejos de tratar de representar conceptos trato de presentarlos, darles una forma, un nuevo tipo de clasificación para designarlos. El acto de dibujar conecta la mente con la mano, el lenguaje oral con el tacto. La forma podría acercarse a una traducción cruda, primaria y orgánica de la mente.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2010: Residencia Revolver galería, Lima Peru.
- 2009: Residencia “La Curtiduría”, TAGA Taller de Gráfica Actual, Oaxaca, Mexico.
- 2000-2005: Licenciatura en artes visuales: Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” ENPEG CENART, Mexico City, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2014-2016: Becario del FONCA Sistema Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA INBA, Mexico City, Mexico.
- 2013: Becario del FNA Fondo Nacional de las Artes, Bs As Argentina.
- 2010: Becario de CIA Centro de Investigaciones Artísticas, Bs As Argentina.
- 2007-2008: Becario del FONCA Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA INBA, Mexico City, Mexico.
Solo Exhibitions
- 2013: “Taxonomía de un paisaje”, Dot fifityone gallery, Miami, USA.
- 2013: “Verosímil – Ficcional”, Document Art galería, Bs As Argentina.
- 2012: “Paisaje recuperado”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
- 2011: “Taxonomía de un hallazgo”, MAM Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Frag-mentes (sistema de interpretación)”, Revolver galería, Lima, Peru.
- 2010: “Sesera”, Dot fiftyone gallery, Miami, USA.
- 2009: “La Razón a Voluntad”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
- 2007: “Cambios de sitio”, Casa del Lago UNAM, Mexico City, Mexico.
- 2006: “Basura Afortunada”, Claustro de Sor Juana / Celda de Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Abstracción”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Open Studio 8”, Fundación Rozemblun, Bs As Argentina, Curator: Teresa Riccardi.
- 2013: “Rudimentum” Christinger de Mayo galería and Arróniz galería, Zürich, Switzerland.
- 2013: “Utopías de ilusión”, Art Nube (Kiosco) galería and Dot fiftyone gallery, Santa cruz de la Sierra, Bolivia.
- 2013: “Arróniz galería en Lima Perú”, Lima, Peru.
- 2013: “Building Bridges”, Fundación Rozemblum and Nosco Gallery, Bs As Argentina.
- 2012: Colectivo 2do piso, Agustín González, Moris, Omar Barquet y José Luis Landet, Baro galería, Sao Paulo, Brazil.
- 2012: “Open Studio 6”, Fundación Rozemblum, Bs As Argentina, Curator: Rodrigo Alonso.
- 2012: “Lo común y lo colectivo”. Artistas de Arróniz galería en galería Libertad, Querétaro, Mexico.
- 2012: “Discourse of the non-representational”, Dot Fiftyone gallery, Miami. USA.
- 2009: “20 años del FONCA”, magna exposición retrospectiva, Biblioteca Vasconcelos, Mexico City, Mexico.
- 2009 “Proyectos”, Revolver galería, Lima, Peru.
Publications
Links
- Taxonomy of a discovery | Jose Luis Landet
- Mexico: Agustín González, José Luis Landet, Moris and Omar Barquet
- Revista Magenta – Jose Luis Landet
- Arte Aldia – Jose Luis Landet
- José Luis Landet, “Volemia”, 2012, Series: 1, Wood, 6 liters of black ink, 5034 A4 sheets, 300 x 200 x 170 cm, Site specific project. Location: Arróniz galería, Mexico. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Volemia continuo”, 2013, 4 Wood panels, 160 A4 sheets and blue ink, 250 x 500 cm, Site specific project. Location: Dot fiftyone gallery, Miami. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2013, Series: XII, XIII y XIV, Oil on canvas (1940-1960), enamel, glue on wood for each panel, 160 x 120 cm each. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Porosidad”, 2013, Series: 7, Oil on canvas (1940-1960), enamel, glue on wood for each panel, 150 x 200 x 6 cm. Photo credit: Albano Garcia
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2010, Series: 1, Oil on canvas (1940-1960), glue on cardboard, 150 x 110 cm. Sayao & Pardon Collection. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2012, Series: 2, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2012, Series: 4, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2012, Series: 5, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2013, Series: 11, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Colección Trapiche Argentina. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Border, tiras y contornos”, 2012, Series: 1, Oil on canvas, 9 fragments, 150 x 20 cm each. Site specific project. Location: Dot fiftyone gallery, Miami. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Duda”, 2012, Black ink on gray felt, 150 x 200 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2012, Series: 1, Black ink on white felt, 30 x 42 cm each. Private Collection, Mexico. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2013, Series: 18 dibujos, Black ink on paper, realized with hands, arms and elbows, 260 x 650 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2013, Series: 17, Black ink on paper, realized with hands, arms and elbows, 70 x 100 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2013, Series: 9, Black ink on paper, realized with hands, arms and elbows, 70 x 100 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3”, 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3” (Detail), 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3” (Detail), 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3” (Detail), 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Borde, contorno y límite”, 2013, Oil on canvas 1940-1960 and cement, 60 x 90 cm. Image courtesy of the artist.
Work occurs inside the intermittent activity conducted between things immediate and things suspended in thought: the familiar, the unknown and its eventual recombination. The employment of shifting materials and the recurrence of abstraction acts inside the practice as a reminder of all that persists only through relation: ideas which cannot be reflected upon without being translated, altered or negated. It is under these conditions that several aspects of the work are introduced; namely its particular use of the observer’s point of view, its relationship to a specific time of reading and the idea of a fragmentary expectation being the conduct in which the minor and the major activate their difference.
Traducido del inglés
El uso de materiales cambiantes y la recurrencia de la abstracción actúan dentro de la práctica como recordatorio de todo lo que persiste sólo por relaciones: ideas que no pueden reflejarse sin ser traducidas, alteradas o negadas. Es dentro de estas condiciones que muchos aspectos de la obra son introducidos; concretamente el uso particular del punto de vista del espectador, su relación con un tiempo específico de lectura y la idea de una expectativa fragmentaria como el conducto a través del cual lo menor y lo mayor activan su diferencia.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2010-2012: Painting MA Royal College of Art, London, UK.
- 2004-2009: BA in Fine arts at the National College of Painting, Sculpture and Printmaking ‘La Esmeralda’ of the National Institute of Fine Arts. Mexico City, Mexico. Honors.
Prizes / Fellowships
- 2010-2012: National Fund for the Arts (FONCA) – Mexico, Scholarship Program for Artistic Studies Abroad.
-
2010-2012: Jumex Collection and Foundation grant for artistic studies, Mexico.
Solo Exhibitions
- 2013: “I wished to say YES and NO at the same time“, 4 WINDMILL STREET Gallery, London, UK.
- 2012: “Libre tránsito de motivos”, Neter, Mexico City, Mexico.
- 2011: “Five drawings about fire”, Royal College of Art, London, UK.
Group Exhibitions
- 2013: “(untitled)”, FIFI projects MTY, Nuevo León, Mexico, Mexico.
- 2013: “DANCING CIRCLES”, M María Contreras 19a – PH.
- 2013: “Alignment: From Beginning to the End”, Backlit Gallery, Nottingham, United Kingdom.
- 2013: “WINTER IS COMING”, NETER, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Presages”, FIFI projects, Mexico City, Mexico.
- 2013: “ON ICE”, Plaza Merced 2000, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Papeles Salvajes, Machete”, curated by Arroniz Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Prepare su Cuota”, Zacatecas 194, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Te conozco de vista”, NETER, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Summer Show“, Patrick Heide Contemporary, London, UK.
- 2012: “A project for the sun”, Blyth Gallery, London, UK.
- 2011: “Series”, Yautepec 103, Mexico City, Mexico.
Links
- Christian Camacho Reynoso, “4”, 2013, Series: honest mistakes, Aluminum, neodymium magnets, coloured rubber erasers, 60 x 32 x 3 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “3”, 2013, Series: honest mistakes, Golden privacy filter, neodymium magnets, suit jacket. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “plans II”, 2013, C-type print, 46 x 30 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “telecomunicaiones y transportes”, 2013, Aluminium, glass, bow springs, cotton board, 33.5 x 39 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “self portrait as material”, 2013, Golden privacy filter, lenticular, tape, neodymium magnets, charcoal, wire, 39 x 52 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “self portrait as material”, 2013, Golden privacy filter, lenticular, tape, neodymium magnets, charcoal, wire, 39 x 52 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “drowned form”, 2013, Pure pigment on cotton board, 39 x 52 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “lucky you”, 2013, Coloured plastic geometry set, polypropylene screen, tape, 60 x 80 x 19 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “untitled”, 2013, Pure pigment on paper, 90 x 59 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “2”, 2013, Series: honest mistakes, Golden and silver aluminium, neodymium magnets, golden privacy filter, 80 x 35 x 22 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “last night feels obsolete”, 2011, Real-time cgi projection, Variable dimensions, Site specific project. Location: Mexico. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “la verdadera forma de la ‘h’ “, 2013, Lenticular on wall, 50 x 70 x 5 cm, Site specific project. Location: Mexico. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “the gradient studio”, 2012, Series: the gradient studio, C-type print documenting collection of A4 and Letter size gradients printed with inkjet on acetate, 30 x 46 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “the gradient studio”, 2012, Series: the gradient studio, C-type print documenting collection of A4 and Letter size gradients printed with inkjet on acetate, 30 x 46 cm. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “are you nobody too”, 2011, Looped cgi projection on wall with mirror, Variable dimensions, Site specific project. Location: Mexico. Image courtesy of the artist.
- Christian Camacho Reynoso, “drowned form II”, 2013, Pure pigment on paper, 60 x 90 cm. Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
A look to the past has allowed me to confirm that, intuitively, instability has been a common thread in my research; though it would seem not to be present in all the works I have produced, it always appears in different ways. There are pieces in which I work with a structural instability in it, which is caused by the various possibilities offered by the connections and the links, allowing to change the work into potential forms that are prepared for a possible transformation. In other works instability is more subtle, made through the visibility of the material, for example, through the light that can make a work invisible in front of the spectator. In the last decade, with video, I have been able to introduce sound as a breaking element. Video has also given me the possibility to work with temporary nature. I believe instability refers to movement, break, or something that is ready for a possible transformation. When I work, I do so from “being with” and not from “going to.” I believe this has eliminated projection to the future and has turned the work more timeless, losing with this some historicity, and causing that the work would not be another place in a line. This “being with” is what opens the door to the world, to nature, and allows me, suddenly, to imagine a Mondrian in motion when I see a macaw or I listen to the rain.
Una mirada hacia atrás me ha permitido constatar que, intuitivamente, la inestabilidad ha sido un hilo conductor de mi investigación; a pesar de que pareciera no estar presente en la totalidad de las piezas que he hecho, siempre aparece de distintas maneras: hay obras en las que trabajo con una inestabilidad estructural propiamente dicha, la cual está dada por las distintas posibilidades que ofrecen las conexiones, los vínculos, y que logran convertir las obras en formas potenciales que se presentan dispuestas a una posible transformación; en otras obras la inestabilidad es elaborada más sutilmente, a través de la visibilidad del material; por ejemplo, gracias a la luz que puede hasta hacer desaparecer una pieza ante el observador; y en la última década, con el video, he podido introducir el sonido como elemento de quiebre. El video me ha dado, además, la posibilidad de trabajar la temporalidad. Creo que la inestabilidad habla del movimiento, del quiebre o de algo que está listo para una posible transformación. Cuando trabajo lo hago desde un “estar con”, y no de “ir hacia”, siento que eso ha restado la orientación a futuro y ha vuelto el trabajo más atemporal; perdiendo con esto algo de historicidad, haciendo que el trabajo no sea únicamente un lugar más en una línea. Ese “estar con” es el que abre la puerta al mundo, a la naturaleza; y me permite, de pronto, imaginarme un Mondrian en movimiento cuando veo una guacamaya o escucho la lluvia.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2001-2004: Graduate Institute of Art Studies Armando Reveron.
- 1993-2000: Freelance graphic design, Italy.
- 1990-1993: A Study of C Fronzoni. Milan, Italy. Specialty Inscape and Graphic Design.
- 1985-1989: Naumann Institute. Caracas, Venezuela. Degree in graphic design.
- 1982-1984: Catholic University Andrés Bello (UCAB). Physics & Mathematics.
Prizes / Fellowships
- 2009: Premio X Bienal de Cuenca, “Poéticas del agua”, Cuenca, Ecuador.
- 2009: Premio de la Crítica, Mejor artista extranjera, IV Foro Atlántico.
- 2009: Pontevedra, Spain.
- 1999: Premio único, VI Bienal de Artes Visuales Christian Dior. Centro Cultural Corp Group, Caracas, Venezuela.
- 1998: Premio Arturo Michelena, LVI Salón Arturo Michelena, Valencia, Venezuela.
- 1996: Premio único, VIII edición Premio Eugenio Mendoza, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1992: Premio en la Competencia Internacional de Afiches: “Man, Nature, Society”, Moscow, Russia.
Solo Exhibitions
- 2012: “Grises: un proyecto de Magdalena Fernández”, NC-Arte, Bogotá, Colombia.
- 2012: “2iPM009”, MOLA Museum of Latin American Art, Long Beach, CA, USA.
- 2011: “Geometría Movil”, Henrique Faría Fine Art, NY, USA.
- 2011: “2iPM009”, Patricia and Phillip Frost Art Museum, Florida International University FIU. Miami, FL, USA.
- 2011: “Objetos Movimientes. Tierras-Estructuras-Atmósferas”, Faría+Fábregas Galería, Periférico Caracas/Arte Contemporáneo and Centro Cultural Chacao. Caracas, Venezuela.
- 2010: “2iPM009”, Complete Concrete, haus konstruktiv, Zurich, Switzerland.
- 2010: “Site specific 1i010”, Residencia de la Emabajada de Francia, Caracas, Venezuela.
- 2006: “Superficies”, Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela.
- 2006: “Superficies”, CIFO: Cisneros Fontanals Art Foundation. Miami, USA.
- 2000: “Líneas”, Galeria Pedro Cera, Lisboa, Portugal.
- 2000: “2i000”, Galleria Disegno Artecontemporanea, Mantua, Italy.
- 2000: “4i000”, Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
- 1998: “Aires”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1997: “2i997”, Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar, Venezuela.
- 1996: “1i996”, Centro Verifica 8+1, Venecia-Mestre, Italy.
- 1993: “Estructuras”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1991: “Esperando la Palabra”, Municipio de Castiglione delle Stiviere, Mantua, Italy.
Group Exhibitions
- 2013: “Emilio Fernandez Zingg”, El Paisaje del Color, Hacienda La Trinidad Parque Cultural, Caracas, Venezuela.
- 2013: “Mouvement et Lumière”, Centro de Arte Contemporáneo Frank Popper, Marcigny, France.
- 2013: “Memorias de la Obsolecencia. Selección de Videos de la Colección Ella Fontanals Cisneros”, Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lamb. La Habana, Cuba.
- 2012: “Diálogos Contemporáneos desde La Colección”, Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Contaminados”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Histórica: Memoria y territorio: Colección Mercantil”, Espacio Mercantil, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Venezuela en Arts”, Bienal de Marcigny, Museo de Arte Contemporáneo Frank Popper, Marcigny, France.
- 2012: “GEGO obra abierta: testimonios y vigencia”, Museo de Arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Medios y Ambientes”, Museo Universitario del Chopo, Mexico City, Mexico.
- 2011: “Moment”, Doris Mc Carthy Gallery, University of Toronto Scarborough, Toronto, Canada.
- 2010: “Bienal Internacional de Arte Contemporáneo ULA”, Mérida, Venezuela.
- 2010: “2pmTG010”, Ortalis ruficauda, La Nuit Blanche 2010, NMarino Galería, Paris, France.
- 2010: “Negativa Moderna”, Henrique Faría Fine Art, Nueva York, USA.
- 2010: “Neoplastic Room”, Open Composition, Muzeum Sztuki w Lodzi, Lodz, Poland.
- 2009: “Poéticas del agua”, X Bienal de Cuenca, Cuenca, Ecuador.
- 2009: “Mundos en Proceso”, 53º Bienal de Venecia, Pabellón de Venezuela, Venecia, Italy.
- 2009: “Steellife”, Trienal de Milán. Studio Chiesa, Fundación Marcegaglia, Milano, Italy.
- 2009: “Acciones Disolventes”, Centro Cultural Chacao. Caracas; Museo de Arte Moderno Jesús Soto. Ciudad Bolívar, Venezuela.
- 2009: “Space Unlimited”, Art Museum of the Americas, Washington, D.C., USA.
Collections
- Fundación de Museos Nacionales – Galería de Arte Nacional.
- Museo Alejando Otero, Caracas, Venezuela.
- Colección Mercantil, Caracas, Venezuela.
- Colección Cisneros, Caracas, Venezuela.
- Alcaldía de Natanya, Israel.
- Museo Soto.
- Colección CIFO.
- Museo de Arte de Miami.
- Colección Allegro.
- Colección D.O.P.
- Muzeum Sztuki w Lodzi. Lodz. Poland.
- Museun of Fine Arts. Huston USA.
- Fundación Coppel.
- The Museum of Contemporary Art. Los Angeles CA. USA.
- Colección Alejandro González.
- Magdalena Fernández, “1pmAO010”, 2010, Series: Pinturas Móviles, Digital animation, videoloop 3′. Photo credit: Graciela Moser. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “2iPM009”, 2009. Photo credit: A.Burger. Image courtesy of haus Konstruktive, Switzerland.
- Magdalena Fernández, “1pmS011″, 2011, Series: Pinturas Móviles, Digital animation, videoloop 6’50”. Photo credit: Antonio Chagin. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “1iHO008”, 2008, Series: Pinturas Móviles, Digital animation, videoloop 5′. Photo credit: Fernando Klint. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “1pm006″, 2006, Series: Pinturas Móviles, Loop 1’54”. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “1dpm006 “, 2006, Series: Dibujos y pinturas móviles, Videoloop 8′. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “2dmSLW004″, 2004, Series: Dibujos Móbiles, Videoloop 15’56”. Photo credit: M. Fernández. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “2em999”, 1999, Stainless steel wire and connections, 200 x 400 x 60 cm. Photo credit: Antonio Chagin. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “5em999”, 1999, Pipes and fittings in polished aluminum, Pipe 300 cm, Variable dimensions. Photo credit: Severino Orlandi. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “21e999”, 1999, Wire and stainless steel cylinder, 70 x 177 cm. Private Collection. Photo credit: Antonio Chagin. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “1i995”, 1995, Aluminum tubes and steel springs painted black, Variable dimensions. Photo credit: M.Fernández. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “1i007”, 2007, Fiber optics cables and lighting, Variable dimensions. Photo credit: M.Fernández. Image courtesy of the artist.
- Magdalena Fernández, “1i009”, 2009, Stainless steel and lights, 600 x 600 cm aprox. Photo credit: Danielle Gaspari. Image courtesy of Studio Chiesa.
- Magdalena Fernández, “1i997”, 1997, PVC pipes and turned wood connections, painted white, Variable dimensions. Photo credit: Migue Ángel Clemente. Image courtesy of Galería de Arte Nacional, Caracas
- Magdalena Fernández, “1eu008”, 2008, Series: estructura urbana, Steel, acrylic and lighst, Variable dimensions, Site specific project. Image courtesy of the artist.
My work is a platform of investigation where four lines of work converge. Arriving from different reflections on the idea of production and artistic product, I develop a personal questionnaire to resolve through concepts characteristic of art, beyond supports or specific media. The work begins years before its exhibition under a rigorous daily process –quotidian-‐ where text and image start to determine the path of apparition of the object and, above all, a recognition of how far to go, so that both the construction process as well as the moments that follow the work: exhibit, documentation, collection, are conducive to a latent state of conditions. The first line of work then, runs and traverses over an Arbeit Journal (workbook) that is usually a container of written poetic acts, preparation drawings, synoptical paintings and new glossaries. In my work there is an interest in the belief that “The syntax is a quality of the soul”, as Paul Valéry said, so it substantially asks not a reading from the possible spectator, but a kind of co-‐ responsibility from its own substance. My second and third lines to investigate are extremely formal, conceptual and plastic determinants from materiality and the inherent boundaries of each substance used. I try to meditate about sculpture, painting, drawing and photography from their humanistic affiliation, from its undeniable quality as anthropological links; which is why my work is a kind of tracking, punctual, specific, not of art history, but of gaps where, although special circumstances exist, an inexplicable and elusive emptiness evidences a human potential almost lost, forgotten. In these moments of rupture, these breaks on the folded surface of time and space are axes of my personal network, which has been formed 12 years ago. It allows me not only a congruent and organic structure between each work, but it favors territories mainly unique and close to my own entity. Around the idea of painting and sculpture, for example, the raw materials gesticulate their own resonance; they limit the scope of form that the tooling and hand dissect, while the drawing is that possibility of looking at what one desires, almost immediately, almost simultaneously to the desire, like photography. The last line of investigation is the one that defines the links. My work is a field of action for the spectator, an observatory, an inventory. The work is not hermetic but neither immediate. Requires and is required, softens up when seen, solidifies itself at the sight. In the meantime (sway), my interest is to proliferate –more than to explain-‐ an interest for the questions. Try to make the spectator believe that we surely inhabit an enormous and indecipherable question, and as beings from that realm, we converse through questions, and not through answers, with things. This correspondence and exchange could explain the diversity of appearances in my work. It is not a reflex of a pretentious question. It is evidence of the simplest question that we haven’t been able to formulate. The art work, for me, is that one presence whose origin never distorts its aim, and whose aim extols every moment of its origin. It is my way to have a discussion and to generate bonds from small questions for a more and more extensive listing of answers
Mi obra es una plataforma de investigación en donde convergen cuatro líneas de trabajo. A partir de distintas reflexiones en torno a la idea de producción y producto artístico, desarrollo un interrogatorio personal a resolver mediante los conceptos propios del arte, más allá de soportes o medios específicos. El trabajo comienza años antes de su exhibición bajo un riguroso proceso diario –cotidiano-‐ en donde texto e imágenes comienzan a determinar la ruta de aparición del objeto y, sobretodo, un reconocimiento de hasta dónde ha de detenerse, para que tanto proceso constructivo como los momentos que la a obra suceden: exhibición, documentación, coleccionismo, propicien un estado latente de condiciones. La primera línea de trabajo entonces, corre y atraviesa sobre un Arbeit Journal (libro de trabajo), que usualmente es contenedor de actos poéticos escritos, dibujos preparatorios, cuadros sinópticos y glosarios nuevos. En mi obra existe un interés en la creencia de que “La sintaxis es una cualidad del alma”, según Paul Valéry, por lo que sustancialmente solicita no una lectura del espectador posible, sino una especie de co-‐responsabilidad desde su propia sustancia. Mi segunda y tercera línea a investigar son sumamente formales, determinantes conceptuales y plásticas a partir de la materialidad y los alcances propios de cada sustancia a utilizar. Intento reflexionar acerca de la escultura, la pintura, el dibujo y la fotografía desde su afiliación humanística, desde su innegable cualidad de eslabón antropológico; por ello, mi obra es una clase de rastreo, puntual, específico, no de la historia del arte, sino de las brechas en donde, si bien existen circunstancias particulares, un vacío inexplicable e inasible evidencia un potencial humano casi perdido, olvidado. Esos momentos de ruptura, esos quiebres sobre la superficie plegada del tiempo y el espacio, son ejes de mi red personal, que se ha venido conformando desde hace 12 años. Me permite no sólo una estructuración congruente y orgánica entre cada obra, sino que propicia territorios mayormente únicos y apegados a mi propia entidad. En torno a la idea de pintura y escultura, por ejemplo, las materias primas gesticulan su propia resonancia, delimitan en sí los alcances de la forma, que el herramental y la mano disecan, mientras que el dibujo es aquella posibilidad de mirar lo que se desea, casi inmediatamente, casi simultáneo al deseo, como la fotografía. La última línea de investigación es la que define: los vínculos. Mi obra es un campo de acción para el espectador, un observatorio, un inventario. No es una obra hermética pero tampoco inmediata. Exige y es exigida, se reblandece al ser vista, se solidifica en la mirada. En ese intervalo (vaivén), mi interés es el de contagiar -‐más que explicar-‐ el interés por las preguntas. Hacer creer que seguramente habitamos una pregunta enorme e indescifrable, y que como seres de ese paraje, dialogamos a través de preguntas, y no de respuestas, con las cosas. Esa correspondencia e intercambio podría explicar la diversidad de apariencias de mi trabajo. No es un reflejo de una respuesta pretenciosa. Es una evidencia de la pregunta más simple que no hemos sabido formular. La obra de arte para mí es aquella presencia que nunca tergiversa su fin, y cuyo fin enaltece cada momento de su origen
Selected Biographical Information
Education / Training
- UNAM, Licenciado en Diseño Industrial, Mexico City, Mexico.
- INBA La Esmeralda, Licenciado en Artes Plásticas, Mexico City, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2005-2006: Beca Jóvenes Creadores Mexico City, FONCA, CONACULTA.
- 2012: Beca Sistema Nacional de Creadores Mexico City, FONCA, CONACULTA.
Solo Exhibitions
- 2013: “Think Tanks (im-producción reciente)”, Arróniz Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Speranza (Colectivo Viernes)”, El 52 (Galería OMR), Mexico City, Mexico.
- 2009: “Cannibal fantasy (reciprocity)”, KBK Gallery, Mexico City, Mexico.
- 2008: “The eye will learn to long a world beyond reach”, Trolebús Galería, Mexico City, Mexico.
- 2006: “Al principio siempre era domingo”, KBK Gallery, Mexico City, Mexico.
- 2004: “Star Border”, Galería José María Velasco, INBA, Mexico City, Mexico.
- 2004: “Elephant Island Workshop”, Galería Nina Menocal, Mexico City, Mexico.
- 1998: “Fragmentos de Circo”, Casa de Cultura Rosario Castellanos, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Rudimentum”, Christinger De Mayo, Zurich, Switzerland.
- 2012: “Poule!”, Colección Júmex, Mexico City, Mexico.
- 2011: “Now”, Colección Júmex, Instututo Cultural Cabañas, Guadalajara, Mexico.
- 2011: “Re-Cover”, Casa del Lago, Mexico City, Mexico.
- 2009: “Les Enfants Terribles”, Colección Júmex, Mexico City, Mexico.
- 2007-2009: “Escultura Social: A new generation of art from Mexico City”, Nasher Museum of Art, Duke University, North Carolina, USA / Museo Alameda, San Antonio Texas USA / MCA Chicago USA.
- 2005: “Wunderkammer II: landscapes”, Galería Nina Menocal, Mexico City, Mexico.
- 2005: “Panoramic put off center”, X-Teresa Arte Actual CONACULTA, Mexico City, Mexico.
- 2005: “Cheap & Chic”, Galería Origina, Mexico City, Mexico.
Publications
- 2013: Palabras sobre el mar incierto, Arte al Día Internacional 144, Santiago Espinosa de los Monteros.
- 2013: Tempest Fugit: The Sea In-between, Deborah Deboer.
- 2011: Cuadernos y márgenes, Editorial Acapulco.
- 2010: Les Enfants Terribles, Michel Blancsubé.
- 2009: The Simplicity of Art to the Significance of life, Britanny Titus.
- 2009: Nuevos ritos, Revista Poder, P.80-‐83, Adriana Herrera.
- 2009: Artista Caníbal, El Universal, Sonia Sierra.
- 2009: Árbol del Lenguaje, Excelsior, Patricia Cordero.
- 2006: Escultura Social (A new generation of art from Mexico City), P.97‐100, Julie Rodrigues Widholm.
Collections
- Fundación / Colección Jumex.
- Colección Steven & Solita Mishaan.
- Colección Teófilo Cohen.
- Colección Boris Hirmas.
- Jack Tilton Gallery.
Links
- fernandocarabajal.com
- Now: works Jumex Collection
- Interview with Fernando Carabajal
- Blog: The Simplicity of Art to the Significance of Life
- Mexartdb: Fernando Carabajal
- Fernando Carbajal, “La paradoja del pájaro carpintero”, 2013, Series: 100 piezas, Wood, acrylic paint, steel, Variable dimensions, Site specific project. Location: México DF, Lima Peru, Zurich Switzerland. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “90º”, 2013, Mikado (chopsticks) and epoxy, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes A”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes D”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes H”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes J”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Extra-tiempos subversivos B”, 2010, Acrylic and ink on canvas, 39.3 x 51.1 in (100 x 130 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Extra-tiempos subversivos C”, 2010, Acrylic and ink on canvas, 39.3 x 51.1 in (100 x 130 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Extra-tiempos subversivos E”, 2010, Acrylic and ink on canvas, 39.3 x 51.1 in (100 x 130 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “An eye for optical theory (platos sucios 1) – 2F”, 2009, Series: de 3 conjuntos de 20 cuadros cada uno de la misma técnica y dimensión, Oil on canvas, 15.7 x 15.7 in (40 x 40 cm). Júmex Collection, Mexico DF. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “An eye for optical theory (platos sucios 1) – 1D”, 2009, Series: de 3 conjuntos de 20 cuadros cada uno de la misma técnica y dimensión, Oil on canvas, 15.7 x 15.7 in (40 x 40 cm). Júmex Collection, Mexico DF. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “An eye for optical theory (platos sucios 1) – 0”, 2009, Series: de 3 conjuntos de 20 cuadros cada uno de la misma técnica y dimensión, Oil on canvas, 15.7 x 15.7 in (40 x 40 cm). Júmex Collection, Mexico DF. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Roller coaster (boring site specific) 3”, 2003, Series: de 46, Drawing notebook marked with carbon film on paper, 5.9 x 8.2 x 0.3 in (15 x 21 x 0.8 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Roller coaster (boring site specific) 5”, 2003, Series: de 46, Drawing notebook marked with carbon film on paper, 5.9 x 8.2 x 0.3 in (15 x 21 x 0.8 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Roller coaster (boring site specific) 12”, 2003, Series: de 46, Drawing notebook marked with carbon film on paper, 5.9 x 8.2 x 0.3 in (15 x 21 x 0.8 cm). Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Art is the world for a second time.
El arte es el mundo por segunda vez.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Universidad de Buenos Aires UBA, Arquitecto, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2005: Gran Premio Adquisición del 94º Salón Nacional de Artes Visuales, categoría Nuevos soportes e Instalaciones, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: Premio Adquisición del LVIII Salón Nacional de Rosario, Argentina.
- 1975: Medalla de Oro Paz ´75, 30 Aniversario de las Naciones Unidas, Slovenj gradec, Slovenia.
Solo Exhibitions
- 2013: “(Hipótesis)”, Galería 11 x 7, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Horacio Zabala, desde 1972”, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Reiterations”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
- 2010: “Otras cartografías – obras 1972-1975”, Galería 11 x 7, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Analogies & Differences”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Geometría: desafíos y desmesuras”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Arte de sistemas 1969-1977”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2012-2013: “Ends of the Earth: Art of the Land to 1974”, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Hauss der Kunst, Munich, Germany.
- 2011-2012: “Frames and Documents. Conceptualist practices”, Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, USA.
- 2011: “Sistemas, Acciones y Procesos”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “De la revuelta a la posmodernidad (1962-1982)”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain.
- 2009: “Subversive Practices. Art Under Condition of Political Repression: 60s-80s /South America / Europe”, Württembergischer Kunstverein Stuttgart, Germany.
Publications
- Fernando Davis, Horacio Zabala, desde 1972, EDUNTREF, Buenos Aires, 2013.
- Horacio Zabala, 300 metros de cinta negra para enlutar una plaza pública, Ediciones otra cosa, Buenos Aires, 2012.
- Horacio Zabala, Marcel Duchamp y los restos del ready-made, Ediciones Infinito, Buenos Aires, 2012.
-
Horacio Zabala, Vademecum para artistas – Observaciones sobre el arte contemporáneo, Asuntoimpreso Ediciones, Buenos Aires, 2009.
- María José Herrera, Horacio Zabala, anteproyectos 1972-1978, Fundación Alon, Buenos Aires, 2007.
- Horacio Zabala, El arte o el mundo por segunda vez, UNR Editora, Rosario, 1998.
Collections
- Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Museo de Arte Contemporânea, Sâo Paulo, Brazil.
- Tate Modern, London, UK.
- Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, USA.
- Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain.
- Middlesbrough Institute of Modern Art, Middlesbrough, UK.
- Daros Latinamerica Collection, Zürich, Switzerland.
- Horacio Zabala, “Art is a jail”, 1972, Pencil and rubber stamp printing on tracing paper, 46 x 119 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Revisar / Censurar”, 1974, Ink on printed map, 21 x 80 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Obstrucciones (tríptico)”, 1974, Ink on printed map, 24 x 46 cm. Private collection. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “La Bolsa de París”, 1993, Pastel on paper sheet, 47 x 32 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Díptico rojo”, 2000, Mixed media on cardboard, 23 x 76 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Las obras completas de Mondrian (III)”, 2006, Acrylic on wood and cardboard, 30 x 50 x 50 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Hipótesis III”, 2009, Acrylic on canvas, enamel on wood, 40 x 70 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau
- Horacio Zabala, “Hipótesis XV”, 2010, Acrylic on canvas, enamel on wood, 50 x 60 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Hipótesis XXII (libros)”, 2010, Acrylic on canvas, enamel on wood, 20 x 240 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Monocromo obscuro sobre New York”, 2011, Ink on printed map, 28 x 49 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo amarillo entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo negro entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo blanco entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo rojo entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Dos monocromos sobre pedestal”, 2013, Wooden bench, acrylic on canvas. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
October 16, 2013 Osvaldo Romberg https://abstractioninaction.com/artists/osvaldo-romberg/
Art to Art. Life to Life Osvaldo Romberg. The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 Art begins when life is not enough. In modern culture the acceptance of death signifies the loss of connection with the infinite. It is in this area of thinking, in the loss of the infinite, that art gives relief and new hopes for spirituality. Art makes evident (and occasionally succeeds in resolving) the conflict between being and integrating with the world. This is a dilemma which religion can no longer address. All the religions of the world are narratives. In these narratives are implicit mythologies and explanations which help people to survive the panic of death and solitude. In the past, art merely rearticulated these narratives. In recent years, however, I have observed that art is replacing religion by raising its own issues of morality, identity, mortality, and transcendence. Art used to be the illustration of the metaphysical. It has now become the metaphysical itself. The vitality and dynamism of contemporary art challenges religions ability to face the relevant issues at the end of the millennium: artificiality, reproduction of the species, and equality. Paraphrasing Martin Heidegger, we can say that the authentic dialogue with the art of an artist is artistic, as opposed to critical. There is no artistic dialogue between artists and those who do not believe in the power of art to contain essential truths. Art can be viewed as an antidote to the static and paralyzing force of religion in a post-capitalist, globalist era. The idea of art as a regenerative activity is described in The Glass Bead Game by Hermann Hesse, which I read in my adolescence. The book is about the translation of all information systems and human knowledge into one code, The Game. Once you enter this universal language, you can integrate all aspects of human experience. Marcel Duchamp is the “Magister Ludi.” Art today can surpass the two pervasive theories confronting our post-capitalist world: the pseudo-democratic relativism of postmodernism vs. the oppressive dictatorship of fundamentalism. Referring to The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even, in a 1966 interview with Pierre Cabanne, Duchamp said, “… I almost never put any calculations into the Large Glass. Simply, I thought of the idea of a projection, of an invisible fourth dimension, something you couldn’t see with your eyes.” Is this not the domain of the divine?
Traducido del inglés
El arte al arte, la vida a la vida. Osvaldo Romberg. The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 El arte comienza cuando la vida no es suficiente. En la cultura moderna, la aceptación de la muerte significa la pérdida de la conexión con lo infinito. Es dentro de esta área de pensamiento, en la pérdida de lo infinito, que el arte da alivio y nuevas esperanzas para una espiritualidad. El arte hace evidente (y en ocasiones tiene éxito en resolver) el conflicto entre ser e integrarse con el mundo. Este es un dilema que la religión no puede abordar. Todas las religiones del mundo son narrativas. En estas narrativas, mitologías y explicaciones que ayudan a la gente a sobrevivir el pánico de la muerte y la soledad se hacen implícitas. En el pasado, el arte simplemente expresaba estas narrativas. En años recientes, sin embargo, he observado que el arte está reemplazando a la religión al manifestar sus propios problemas de moralidad, identidad, mortalidad y trascendencia. El arte solía ser la ilustración de lo metafísico. Hoy en día se ha vuelto lo metafísico. La vitalidad y el dinamismo del arte contemporáneo cuestionan la capacidad de la religión de enfrentar los temas del fin del milenio: artificialidad, reproducción de las especies, e igualdad. Parafraseando a Martin Heidegger, podemos decir que el diálogo auténtico con el arte de un artista es artístico, a diferencia de crítico. No existe un diálogo artístico entre los artistas y aquellos que no creen en el poder del arte de contener estas verdades esenciales. El arte puede ser visto como antídoto a la fuerza estática y paralizante de la religión en la era post-capitalista y global. La idea del arte como actividad regenerativa es descrita en El Juego de los Abalorios por Hermann Hesse, el cual leí en mi adolescencia. El libro es acerca de la traducción de todos los sistemas de información y el conocimiento humano en un sólo código: El Juego. Al entrar en este lenguaje universal, te puedes integrar a todos los aspectos de la experiencia humana. Marcel Ducham es el “Magister Ludi”. El arte hoy en día puede superar las dos teorías generalizadas que confrontan nuestro mundo post-capitalista: el relativismo pseudo-democrático del posmodernismo vs. la dictadura opresora del fundamentalismo. Al referirse a La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso, en una entrevista de 1966 con Pierre Cabanne, Duchamp dijo “a pesar de que casi no haya incluido ningún cálculo en Le Grand Verre… Simplemente, pensé en la idea de una proyección, de una cuarta dimensión invisible puesto que no se puede ver con los ojos”. ¿No es este el dominio de lo divino?
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1956-1962: Universidad de Buenos Aires, Facultad de Arquitectura.
Solo Exhibitions
- 2013: “The Color Factor”, Henrique Faria Fine Art, New York, USA.
- 2012: “Color Constellation Project”, 11×7 Galería de Arte, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Works from the 1970s”, Henrique Faria Fine Art, New York, USA.
- 2011: Zemack Contemporary Art Gallery, Tel Aviv.
- 2011: “Drawings from the series Art History”, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, USA.
- 2010: “Osvaldo Romberg: The study of structures and story telling”, The Artists’ House, Tel Aviv.
- 2010: “1960 – 2010 Works on paper”, Galería Laura Haber, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “The Eye of the Fly (Multimedia installation)”, Mestrovic Pavilion, Zagrev, Croatia.
- 2009: “Video Installation”, Neue Galerie am Landesmuseum Joanneum, Graz, Austria.
- 2009: “Videos and Stills”, Z.K.M., Karlsruhe.
- 2009: “Buildings, Footprints, and Watercolors”, Sabanci University, Istanbul, Turkey.
- 2008: “Videos and Stills”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Dear Theo, The Night that Van Gogh Cried”, Galería Vasari, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Jesus de Buenos Aires”, Kunst Museum, Bonn.
- 2007: “Buildings Footprints”, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Framing the Art”, Heike Curtze Gallery, Vienna.
- 2005: “Narrative Architectural (1987—2005)”, (cat.), Musée d’Art Moderne, Saint Etienne.
- 2005: “Text, Image, Object (1963 – 2005)”, (cat.), Van Abbemuseum, Eindhoven.
- 2003: “From Paradise to Paradise: A Hypertext about Love in Three Parts”, Universal Concepts Unlimited, New York, USA.
- 2001: “The Library Is Burning”, (recent books), Jan Van der Donk Gallery, New York, USA.
- 2000: “Bésame Mucho: A Hypertext About Love”, (cat.), Domgrabungsmuseum, Salzburg; White Box Gallery, New York, USA.
- 2000: “Retinal-Non-Retinal”, (cat.), Staedtische Kunstsammlungen, Augsburg.
- 1999: “Romberg´s Walks at the Kunsthistorische Museum” (cat.), Kunsthistorische Museum, Vienna and Galerie Heike Curtze, Vienna.
- 1997: “Bypass (1972-1997)”, (cat.), Kunstmuseum, Bonn.
- 1997: “Osvaldo Romberg: A Survey (1974-1997)”, Stux Gallery, New York, USA.
- 1996: “+2000/-2000 Even” (cat.), exhibited simultaneously at: Fundacion Xavier Corbero, Barcelona; Ludwig Museum, Budapest; Ludwig Museum, Cologne; Museum of Modern Art, Odessa; Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia; The Reykjavik Municipal Art Museum, Reykjavik; Stadtgalerie, Saarbruecken; Tel Aviv University Gallery, Central Library; Sudo Museum, Tokyo; Museum Moderner Kunst, Vienna.
Group Exhibitions
- 2012: “Palabras, imágenes y otros textos”, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Sistemas, Acciones y Procesos: 1965-1975”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “A Line of Color”, Henrique Faria Fine Art, New York, USA.
- 2010: “Imán: Nueva York”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Medium Religion”, Z.K.M. Zentrum fur Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe.
- 2007: “Lightning”, Galerie Heike Curtze, Salzburg.
- 2005: “Domicile: Privé/Public (installations of “Syzygy III” and “The Last, Machu Pichu”)”, Musée d’Art Moderne, Saint Etienne.
- 2000: “Topologies: Weiner, Le Va, Anastasi, Romberg”, White Box Gallery, New York, USA.
- 1999: “Faith”, The Aldrich Museum of Contemporary Art, Connecticut, USA.
- 1999: “Plural Speech”, White Box Gallery, New York, USA.
- 1998: “The Seventies”, Tel Aviv Museum, Tel Aviv.
- 1997: “Unmapping the Earth”, Kwangju Biennial.
- 1997: “Transversions”, Second Biennial of Johannesburg.
- 1995: “Avant-Garde Walk a Venezia”, Venice Biennial, Italy.
- 1995: “White Machu Pichu”, Artists’ Museum, Mitzpeh Ramon, Israel.
Collections
- Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
- MUHKA-Museum of Contemporary Art, Antwerp.
- Kunstmuseum, Bonn.
- Museo de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Ludwig Museum, Cologne, Germany.
- Leopold-Hoesch Museum, Dueren.
- Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg.
- The Haifa Museum of Modern Art, Haifa.
- Sprengel Museum, Hannover.
- The Israel Museum, Jerusalem.
- California State University, University Library, Long Beach, USA.
- Wilhelm Hack Museum, Ludwigshafen.
- Jewish Museum, New York, USA.
- Museum of Modern Art, New York, USA.
- Philadelphia Museum, Philadelphia.
- The Tel Aviv Museum, Tel Aviv.
- Museum Moderner Kunst, Vienna.
- Library of Congress, Washington, DC., USA.
- Osvaldo Romberg, “Orange cadmium”
- Osvaldo Romberg, “1-388 All the Colors of the Chromatic Circle Interacted by Blue Ultramarine”, 1980, Acrylic and graphite on canvas, 78 x 70 in. (198 x 177.8 cm) Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “1-389 All the Colors of the Chromatic Circle Interacted by Orange Cadmium”, 1980, Acrylic and graphite on canvas, 78 x 70 in. (198 x 177.8 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “1-77 of 77 Tonal Value Classif. Of 77 Stripes (All of Them) from “Madonna Di Pellegrini”, Caravaggio”, 1977, Collage and graphite on paper, 21 1/2 x 29 in. (54.5 x 73.5 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “The Hanover Color Constellation”, 1982/2012, Acrylic on wood, Dimensions variable, Edition of 3. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “Dirty Geometry”, 2012, Acrylic on canvas, 31 1/2 x 47 1/4 in. (80 x 120 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “Analysis of the Tempest “Giorgione”, 1976, Acrylic, collage and pencil on paper, 27 3/16 x 38 3/8 in. (69.5 x 97.5 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “1-24 Box order (Family Color Order) 25 – 43 Not Order”, 1975, Colored pencil on paper, 19 1/3 x 27 1/2 in. (49 x 69.8 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “1-7 Tonal Value Key”, 1977, Acrylic on canvas ,33 1/2 x 49 in. (85 x 124.5 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “The Blue, the Red, the Yellow”, 1975, Ink and graphite on paper, 27 3/8 x 19 1/2 in. (69.5 x 49.5 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “Black Printed Paper Analysis”, 1976, Collage and rubber-stamp on paper, 18 1/2 x 25 5/8 in. (47 x 65 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
[…] Similarly in the project, the initial drawing is mixed with the method of working that will constitute the work. It’s not the abstract condition of the work, just an idea. It contains all the stages, through which the work should pass — technical, specific, real work — all this is noted down in the drawing, just as the stages of the work. At the slaughterhouse, for example, the map of the BURACOS (HOLES) to be made on the ground was the result of an expansion in minor schematic notes, done as a resource of thought, and carried out during a meeting with a group of artists from the Arte/Cidade project. It is this expanded drawing that serves as a guide to place the holes.
Traducido del inglés
De manera similar en el proyecto, el dibujo inicial se combina con el método de trabajo que constituirá la obra. No es la condición abstracta de la obra sino sólo una idea. Contiene todas las fases por las que una obra debe pasar: lo técnico, lo específico, la obra real. Todas ellas consideradas en el dibujo, como fases de la obra. En el matadero, por ejemplo, el mapa de los Buracos que se debe hacer sobre el suelo, fue el resultado de la extensión de pequeñas notas esquemáticas, realizadas como recurso de pensamiento y llevadas a cabo durante una reunión con un grupo de artistas del proyecto Arte/Cidade. Es este dibujo expandido lo que sirve como guía para colocar los orificios.
Selected Biographical Information
Education / Training
- PhD. In Arts at Art Department in School of Communications and Arts, University of São Paulo (USP).
Prizes / Fellowships
- 1991: Fellowship Vitae of Arts, São Paulo, Brazil.
- 1990: Prize Brasília of Arts, Brasília, DF, Brazil.
Solo Exhibitions
- 2013: “Escadas (Ladders)”, Casa França Brasil, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2012: “Serpentes (Serpents)”, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2012: “La Carga (The Load)”, Museo Experimental El Eco, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Carmela Gross- Um Corpo de Idéias (Carmela Gross-A body of Works)”, Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brazil.
- 2008: “SE VENDE (For Sale)”, Matadero Madrid, Spain.
- 2006: “SUL (South)”, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brazil.
- 2004: “Bleujaunerougerouge (Blueyellowredred)”, Permanent Architectural Intervention – École René Binet, Paris, France.
- 1994: “Facas (Knives)”, European Ceramics Work Centre, s’Hertogenbosch, Holland.
- 1993: “Hélices (Propellers)”, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Brazil.
- 1992: “Desenhos-Solo(Drawings-Floors)”, Museu de Arte de São Paulo, Brazil.
Group Exhibitions
- 2012: “Arte de contradicciones. Pop, realismos y política. Brasil-Argentina 1960”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: SCAPE 2008 Christchurch Biennal of Art in Public Space, New Zealand.
- 2007: “2th Moscow Biennale of Contemporary Art“, Moscow, Russia.
- 2005: “Karakoy Pedestrian Exhibition 2”, Istanbul, Turkey.
- 2005: 5ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil – Permanent Architectural Intervention CASCATA.
- 2002: “ArteCidadeZonaLeste”, SESC Belenzinho, São Paulo, Brazil.
- 2002: “XXV International Biennial of Sao Paulo“, Brazil.
- 2001: “Experiment Experiência/Art in Brazil 1958–2000”, Museum of Modern Art Oxford, UK.
- 1999: “Re-Aligning Vision-Alternative Currents in South American Drawing”, Miami Art Museum, U.S.A.
- 1996: “Beelden uit Brazilie”, Stedelijk Museum Schiedam, Holland.
Publications
- Art Nexus, n. 86, vol. 11, September- November 2012, p. 130-131
- Carmela Gross: um corpo de ideias (Carmela Gross: a body of works). Apresentação Marcelo Mattos Araújo; curadoria e texto Ivo Mesquita; textos Carla Zaccagnini, Marta Bogéa; cronologia Juliana Ripoli. São Paulo, Pinacoteca do Estado, 2010. Livro. São Paulo:Pinacoteca do Estado, 2011.
- Carmela Gross: Escadas (Carmela Gross: Ladders)/ Organização: Marta Bogéa. Rio de Janeiro: Fundação Casa França-Brasil, 2013.
- SALZSTEIN, Sônia e BANDEIRA, João (org.). Historicity and contemporary art – essays and talks, 1 ed., São Paulo: USP CEUMA, 2012.
Collections
- Museum of Modern Art, New York, USA.
- Museu de Arte Contemporânea da USP, São Paulo, Brazil.
- Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brazil.
- Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brazil.
- Museu de Arte de Brasília, DF, Brazil.
- Culturegest – Caixa Geral de Depósitos, Lisboa, Portugal.
- Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães, Recife, PE, Brazil.
- Carmela Gross, “Minefield 01”, 1997, Ink on paper, 23,35cm x 35cm. Image courtesy of the artist.
- Carmela Gross, “Minefield 02”, 1997, Ink on paper, 23,35cm x 35cm. Image courtesy of the artist.
- Carmela Gross, “Minefield 03”, 1997, Ink on paper, 23,35cm x 35cm. Image courtesy of the artist.
- Carmela Gross, “Minefield 04”, 1997, Ink on paper, 23,35cm x 35cm. Image courtesy of the artist.
- Carmela Gross, “Minefield 05”, 1997, Ink on paper, 23,35cm x 35cm. Image courtesy of the artist.
- Carmela Gross, “Minefield 06”, 1997, Ink on paper, 23,35cm x 35cm. Image courtesy of the artist.
- Carmela Gross, “Minefield 07”, 1997, Ink on paper, 23,35cm x 35cm. Image courtesy of the artist.
- Carmela Gross, “Minefield 08”, 1997, Ink on paper, 23,35cm x 35cm. Image courtesy of the artist.
- Carmela Gross, “Minefield 09”, 1997, Ink on paper, 23,35cm x 35cm. Image courtesy of the artist.
- Carmela Gross, “Minefield 10”, 1997, Ink on paper, 23,35cm x 35cm. Image courtesy of the artist.
- Carmela Gross, “Holes 01”, 1994, Holes on the floor, 18m x 18m. Site specific project. Location: Ancient Municipal Slaughterhouse of São Paulo, Brazil. Photo credit: Rômulo Fialdini
- Carmela Gross, “Holes 02”, 1994, Holes on the floor, 18m x 18m. Site specific project. Location: Ancient Municipal Slaughterhouse of São Paulo, Brazil. Photo credit: Rômulo Fialdini
- Carmela Gross, “Two Holes 01”, 2012, Holes on the wall, 25cm x 25cm and 30cm x 30cm. Site specific project. Location: Vermelho Gallery, São Paulo, Brazil. Photo credit: João Nitsche
- Carmela Gross, “Two Holes 02”, 2012, Holes on the wall, 25cm x 25cm and 30cm x 30cm. Site specific project. Location: Vermelho Gallery, São Paulo, Brazil. Photo credit: João Nitsche
- Carmela Gross, “Two Holes 03”, 2012, Holes on the wall, 25cm x 25cm and 30cm x 30cm. Site specific project. Location: Vermelho Gallery, São Paulo, Brazil. Photo credit: João Nitsche
Translated from Spanish
My work has been developing for the past few years as a study of the pictorial within an abstract perspective that many qualify as post-minimalist, and from which I seek to establish links and similarities with scientific thought, psychological experience and the organic and social models around us, through the development of comment based on visual experience.
Mi trabajo se desenvuelve desde hace varios años como una reflexión de lo pictórico dentro de una perspectiva abstracta que muchos califican de post-minimalista y en donde a través del desarrollo de comentarios basados en la experiencia visual, busco establecer vínculos y similitudes con el pensamiento científico, la experiencia psicológica y los modelos orgánicos y sociales que nos rodean.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1978 – 1980: Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda” y Academia de San Carlos.
- 1980 – 1983: Escuela Nacional de Bellas Artes de París. Diploma de Dibujo, Mención Honorífica.
Prizes / Fellowships
- 2013: Mención al proyecto gráfico Procurada Corrupción de Fernando García Correa. Premio Quorum.
- 2011: Miembro del Sistema Nacional de Creadores.
- 2010: Beca de la Fundación Pollock-Krasner, USA.
- 2006: Premio de Adquisición. XIII Bienal Rufino Tamayo.
- 2005: Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.
Solo Exhibitions
- 2012-2013: “Procurada Corrupción”, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Sombra de Bosque”, Arroniz Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- 2007: “Azúcar sobre papel”, Galería de Arte Mexicano, Mexico City, Mexico.
- 2006: “Mural temporal”, Museo Experimental EL ECO, Mexico City, Mexico.
- 2001: “4A2G”, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2010-2011: “Cimbra. Formas especulativas y armados metafísicos”, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Bella y Terca. Nueve argumentos sobre la pintura”, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2008: “Elefante Negro”, Museo Diego Rivera Anahuacalli, Mexico City, Mexico.
- 2006: “XII Bienal Rufino Tamayo”, Museo Tamayo, Mexico City, Mexico.
- 2005: “ECO. Arte Contemporáneo Mexicano”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain.
Publications
- Procurada Corrupción / Fernando García Correa. Editorial RM. Impreso en Barcelona. Textos de Víctor Palacios, Miguel Ángel Ramos Sánchez, María Minera y Fernando García Correa. 2013.
- Carga útil. 39 artistas contemporáneos en el MAM. Fundación BBVA Bancomer. Museo de Arte Moderno. 2012.
- Alarca, 54 artistas contemporáneos. Talavera de la Reina, Catálogo, CONACULTA UDLA-Volkswagen. 2005.
- José María Parreño Ingeniosos enredos. Fernando García Correa y Franco Aceves Humana, en el catálogo de la exposición de la galería Almirante. 2005.
- Tobias Ostrander, “Líneas de tiempo”, (catálogo), Fernando García Correa Trabajos Recientes, Myto Arte Contemporáneo. 2002.
Collections
- Ministerio de Finanzas, Paris, France.
- Museo de Arte Contemporáneo Alvar y Carmen T. de Carrillo, Mexico City, Mexico.
- Museo de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado, Mexico.
- Museo de Arte Abstracto Manuel Felguerez, Zacatecas, Mexico.
- Fundación Cultural Omnilife, Guadalajara, Jalisco, Mexico.
- Fernando García Correa, “Sin título 4”, 2012, Series: Suculentas, Laser cut on paper, 5 sheets, 19.69 x 19.68 in. (50 x 50 cm). Photo credit: César Flores Ruiz
- Fernando García Correa, “Suculenta 2”, 2011, Series: Suculentas, Watercolor on paper, 13.97 x 20.07 in. (35.5 x 51 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, “Frotage (1)”, 2011, Graphite on paper, 8.85 x 23.62 in. (22.5 x 60 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, “Frotage (3)”, 2011, Graphite on paper, 17.91 x 11.41 in. (45.5 x 29 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, Series: Piel de Elefante IV, 2011, Acrylic on canvas, 37 x 123.62 in. (94 x 314 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, Series: Piel de Elefante III, 2010, Acrylic on canvas, 75 x 103.93 in. (190.5 x 264 cm). Private Collection, Mexico City. Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, Series: Piel deElefante II, 2010, Acrylic on canvas, 190 x 250 cm. Private Collection, Mexico City. Photo credit: Gerardo Helión.
- Fernando García Correa, “Carnaval”, 2010, Ink on paper, 12 x 17.91 in. (30.5 x 45.5 cm). Private Collection, Mexico City, Mexico. Image courtesy of the artist.
- Fernando García Correa, “Sombra de Bosque (K)”, 2010, Ink on paper, 12 x 17.91 in. (30.5 X 45.5 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, “Tokio Blues I (120-6)”, 2009, Acrylic on dibon, diameter 47.24 in. (120 cm). Photo credit: Gerardo Helión
- Fernando García Correa, “Sin título, (120-5)”, 2009, Acrylic on dibon, diameter 47.24 in. (120 cm). Museo de Arte Moderno Collection, Mexico City. Photo credit: Gerardo Helión
- Fernando García Correa, “21375R-S”, 2007, Series: Wakashan, Mineral ink on paper and wood, 83.85 x 59.05 in. (213 x 150 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando García Correa, “130250R2”, 2004, Acrylic on canvas, 51.18 x 98.42 in. (130 x 250 cm). Photo credit: Ramón Outón
- Fernando García Correa, “180180R1-2”, 2004, Acrylic on canvas, 70.86 x 141.73 in. (180 x 360 cm). Private Collection, Mexico City, Mexico. Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, “Nudo 1”, 2011, Series: Suculentas, Acrylic, fabric, wood, 38.58 x 48.03 in. (98 x 122 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1997: Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón” (Instituto Universitario Nacional del Arte), Profesorado Nacional de Pintura, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2008: Residency: Lugar a dudas, Cali, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “On Drawing”, Sicardi Gallery, Houston, USA.
- 2009: “Firmamento”, Turbo Galeria, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “La conquista del espacio, segunda parte, Star Worse”,with Andrés Toro, Le bar Buenos Aires, Argentina.
- 2007: Exposición sin título, Galeria Ruth Benzacar, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Fiesta”, instalación en vitrina, CCEBA, with Bárbara Kaplan, Buenos Aires, Argentina.
- 2006: “For Esport”, instalación de sitio especifico en la vidriera del CCEBA, Buenos Aires, Argentina, with Andrés Toro y Fernando Brizuela.
- 2005: “Grafito sobre papel”, Alianza Francesa, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: “Star Worse”, Sonoridad Amarilla, with Andrés Toro, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: “Dibujos”, El Borde Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2001: “Fiat Lux”, exposición de objetos, Espacio Giesso Reich, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: Open Studio #7 “Poéticas en tránsito”, BSM art Building, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Ultimas tendencias II”, Museo de arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Vantage point”, The Mission, Chicago, USA.
- 2011: “Transition”, The Mission, Chicago, USA.
- 2011: “Campo de asociaciones”, Centro Cultural Simón Bolivar, Guayaquil, Ecuador.
- 2011: “x200mas”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: Pinta Art Fair, Cecilia de Torres Gallery, New York, USA.
- 2010: “Del piso al techo”, Chez Gautier Galería.
- 2008: Carolina ruiz, Florencia Guillen y Mariano Dal Verme. Exposición en las habitaciones de la residencia Lugar a dudas, Cali, Colombia.
- 2008: “Las entrañas del arte”, Espacio Imago, Buenos Aires, Argentina.
- 2006: “Dibujo próximo”, Centro Cultural Rojas, Buenos Aires, Argentina.
- 2006: Premio OSDE, (disciplina: dibujo).
- 2005: Bienal de Bahía Blanca, Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: “Z-lab, (una selección una exposición en proceso)”, Zabaleta Lab, Curator: Victoria Noorthoorn.
Publications
- Poéticas contemporaneas, Apuntes y aproximaciones, Itinerario de las artes visuales en Argentina de los 90 al 2010, Fondo Nacional de las Artes.
Collections
- Malba, Colección Costantini, Buenos Aires, Argentina.
- Colección Herlitzka, Buenos Aires, Argentina.
- Colección Bruzzone, Buenos Aires, Argentina.
- Colección Tedesco, Buenos Aires, Argentina.
- Adler collection, Houston, TX, USA.
- J. M Gille Collection, Brusels, Belgium.
Links
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2013, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2012, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2012, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2013, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2013, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2013, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2013, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2013, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2013, Graphite mines and paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2013, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2013, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.
- Mariano Dal Verme, “Sin titulo (dibujo)”, 2013, Graphite mines on paper, 54 x 74 cm. Image courtesy of the artist.