Abstraction in Action Alexandre Canonico https://abstractioninaction.com/artists/alexandre-canonico/

About the Artist

My practice is influenced by the aesthetics and logic of architectural drawing and the legacy of geometric abstraction. However, instead of merely exploring the formal aspects associated to these disciplines, I am interested in investing my work with more playful, unstable or destabilising elements that disrupt the rigorous principles underlying traditional architecture and abstraction.

Over the past 5 years, I have been developing a series of wall-based sculptures/ drawings where three-dimensional elements (depth, shadow and movement) are used as a drawing tool, often incorporating elements from the surrounding space into the composition.

I had my first solo show in August 2015 at Galeria Marilia Razuk in São Paulo. The show was titled “Aonde”, which translates as “To where/ Where to”, implying the movement to or the search for a place. The works had in common a certain flexibility of boundaries and an interest in the space that contains or is contained by each piece.

—

Mi práctica es influenciada por la estética y la lógica de dibujos arquitectónicos y el legado de la abstracción geométrica.  Sin embargo, en ves de únicamente explorar los aspectos formales asociados con esas disciplinas, estoy interesado en investir mi trabajo con elementos lúdicos, inestables y desestabilizadores, que interrumpen los principios rigurosos que  subyacen en la arquitectura tradicional y la abstracción.
Durante los últimos 5 años, he estado desarrollando una serie de esculturas de pared / dibujos, en los cuales elementos tridimensionales (profundidad, sombra y movimiento) son empleados como instrumentos de dibujo, a menudo incorporando elementos del espacio circundante en la composición.
Tuve mi primera exposición en agosto del 2015 en la Galería Marilia Razuk en São Paulo. La muestra titulada “Aonde”, que se traduce como “A donde/Hacia adonde”, implicando el movimiento hacia o la bísqueda por un lugar. Las obras tenían en común una cierta flexibilidad de limites y un interés en el espacio que contiene y es contenido por cada pieza.

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December 8, 2016 Martin Cordiano https://abstractioninaction.com/artists/martin-cordiano/

 

 

About the Artist

As a visual artist I aim to make constructions that offer an insight into the relationship with others and with the space that surrounds us; as well as to explore routine and the way we inhabit space. My practice is an exploration of the contradiction between the dynamic world we live in and the rigid structures of the building environment and architecture that contains it. As a result, art is used as lens to think and rethink this language, trying actively to renegotiate meaning through asking questions differently. Laying down the platform to engage in conversation to try to renegotiate these agreements.

Eminently simple yet complex in its implications, my work stands as a paradigm for a practice of making, which is beyond either art or architecture.

I experiment on and in the real world. Pulling apart the structures of our everyday life, playing with the materials out of which we construct our surroundings and our implements, and opening up new spaces within a world we thought we had defined. What remains inherent throughout my practice is the sense of experimentation and investigation that operates as an extension of our ability to be at home in the world, to remake our reality, and to question our existence through what we make.

—

Como artista visual me propongo realizar construcciones que ofrecen una mirada sobre la relación con otros y con el espacio que nos rodea; como también de explorar la rutina y la forma como habitamos el espacio. Mi practica es una exploración de las contradicciones entre el mundo dinámico en el cual vivimos y las estructuras rígidas del paisaje construido y de la arquitectura que la contiene. Como resultado, el arte es empleado como un lente para pensar y repensar este lenguaje, de tratar activamente de renegociar el sentido, al preguntar de otras formas. Construir una plataforma para propiciar conversaciones e intentar renegociar estos acuerdos. 

Eminentemente simple pero a la vez complejas estas implicaciones, mi obra se plantea como un paradigma para la practica del hacer, que va mas allá del arte y de la arquitectura.

Yo experimento sobre y dentro del mundo real. Yo desarmo las estructuras del día a día, jugando con los materiales con los cuales construimos nuestros entornos y nuestros implementos,  y así abrir nuevos espacios dentro del mundo que pensamos habíamos definido. Lo que se mantiene inherente a lo largo de mi práctica es el sentido de experimentación e investigación que opera como extensión de nuestra habilidad de sentirnos en casa en el mundo, de rehacer nuestra realidad, y de interrogar nuestra existencia a través de lo que hacemos.

 

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December 6, 2016 Óscar Abraham Pabón https://abstractioninaction.com/artists/oscar-abraham-pabon/

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October 9, 2015 Lucía Pizzani https://abstractioninaction.com/artists/lucia-pizzani/

My work revolves around issues of gender, the body, and a lifelong interest in nature. This combination also draws from my various studies in Visual Communication, Conservation Biology and Fine Arts. In recent years I have been developing a visual approach that uses photography, performance, installation, sculpture and video. Through these processes I tackle issues that concerned the Surrealists and the body art of the seventies, while maintaining a contemporary approach through my research-based practice. I seek stories that often come from literary and artistic references in significant periods both in Europe and South America. Ultimately I mix a wide range of aesthetics, cultures and historical figures in my work.

 
Traducido del inglés

Mi trabajo gira en torno a las cuestiones de género, el cuerpo, y un interés de por vida hacia la naturaleza. Esta combinación se basa también en mis diversos estudios en Comunicación Visual, Biología de la Conservación y Bellas Artes. En los últimos años, he desarrollado un enfoque visual a través de la fotografía, performance, instalación, escultura y video. A través de estos procesos, abordo cuestiones que preocupaban a los Surrealistas y al arte del cuerpo en los años setenta, manteniendo un enfoque contemporáneo a través de mi práctica basada en la investigación. Busco historias que a menudo provienen de referencias literarias y artísticas en períodos significativos tanto en Europa y América del Sur. En última instancia, mezclo en mi trabajo una amplia gama de la estética, las culturas y figuras históricas.

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August 28, 2015 Pier Stockholm https://abstractioninaction.com/artists/pier-stockholm/

I incorporate the material function of my studio as a means of illustrating my artistic practice.

 
Traducido del inglés

Incorporo la función material de mi estudio como medio de ilustrar mi práctica artística.

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August 19, 2015 Elena Damiani https://abstractioninaction.com/artists/elena-damiani/

My conceptual interests –understanding the present by looking into the past and recognizing the potential of images to resonate and prompt a universe of associations in the collective memory– guide my practice of transforming found material into collages, sculptures, and video installations. In my investigation I turn to scientific studies such as geology, archeology, and cartography to explore forms of fragmentation and material reinterpretation. My work seeks to redefine natural realms and their generative processes, presenting them as incomplete and ambiguous spaces where multiple times and topographies seem to unfold in unison.

 

Mi práctica es guiada por intereses críticos relacionados al entendimiento del presente a través de una mirada al pasado y a la capacidad evocativa de las imágenes para resonar y desencadenar un universo de asociaciones en la memoria colectiva; estos intereses transforman materiales encontrados en collages, esculturas y video instalaciones. En mi investigación recurro a temas como la geología, arqueología y cartografía para explorar formas de fragmentación y reinterpretación de material documentado y racionalizado por la ciencia que estudia la composición, evolución e historia de la Tierra. Mi obra busca reinterpretar estadíos naturales y sus procesos generativos presentándolos como espacios incompletos y ambiguos en donde se fusionan múltiples tiempos y topografías.

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August 19, 2015 Mario Navarro https://abstractioninaction.com/artists/mario-navarro/

The formal aesthetics and syntax of my work stand as an alternative reference to certain classes of objects, just as words do not « refer » to things themselves in Saussure’s theory of linguistics. Objects and architectures have meanings as points and conceptual significations within an entire system of relations as each and every element evokes an idea different, let’s say, than that of another class of objects in virtue of their literal properties. I believe in creating a meta-class of language that questions both architecture and the way we look at it but in different terms. Architecture is re-contextualized.

Issues of perception, the combination of language and spatial elements, the sculptural properties of language, matter/materials and their representations are lines of research that I have been investigating lately. The relations between architectures and forms, and more specifically, the decomposition of architectural paradigms (balance, symmetry, organization of units and the figure of the architect) are some of the constant interests and explorations in the ongoing and never finalized propositions that I create.

 
Traducido del inglés

La estética formal y sintaxis de mi trabajo se destacan como una referencia alternativa a ciertas clases de objetos, de la misma forma que las palabras no se « refieren » a las cosas mismas, como en la teoría lingüística de Saussure. Los objetos y las arquitecturas tienen significados como puntos, y significaciones conceptuales dentro de todo un sistema de relaciones, así como cada elemento evoca una idea diferente, digamos, que la de otra clase de objetos en virtud de sus propiedades literales. Creo en la creación de un meta-lenguaje que cuestione tanto la arquitectura como el modo en que lo observamos, pero en diferentes términos. La arquitectura es re-contextualizada.

Las cuestiones de la percepción, la combinación del lenguaje y elementos espaciales, las propiedades escultóricas del lenguaje, materia / materiales y sus representaciones, son las líneas de investigación que he estado realizando últimamente. Las relaciones entre las arquitecturas y las formas, y más específicamente, la descomposición de los paradigmas arquitectónicos (el equilibrio, la simetría, la organización de unidades y la figura del arquitecto) son algunos de los intereses constantes y de las exploraciones de las proposiciones siempre inconclusas y en desarrollo.

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August 18, 2015 Isabel Cisneros https://abstractioninaction.com/artists/isabel-cisneros/
Translated from Spanish

As an artist, I develop my work through an investigation of the histories and decorative elements of textiles and through the meticulous techniques of sewing, knitting, weaving, threading, and knot making. Thus I pay tribute to cultural contributions made by women and to the feminine esthetic.

Through the flexibility of my works I want to express life, the interconnection of beings and their adaptation to the environment. I achieve this flexibility through the interweaving of hundreds of small pieces in which the contrasts of rigidity-opacity and elasticity-translucency commingle.

My pieces are accumulations built to achieve the maximum possible size or density with the least amount of material. I work with small, serial units: clay forms, scales, seeds, and industrial objects like buttons, bolts, hoses, and cloth.

The final result is similar to a rug or carpet. Due to its flexibility, I can exhibit it in many different ways. For me it is important that the spectator can and will manipulate it and play with it freely to create an infinity of forms.

While my works are conceived as abstract objects derived from mathematical and geometrical calculations, the final result (texture, irregularity of the manual weaving and weight) evokes living beings in repose.

 

Como artista, investigo y centro mi trabajo en una constante revisión de las tramas y los elementos decorativos de los textiles y las meticulosas técnicas de cosido, bordado, tejido, ensartado y anudado. Es un tributo y reconocimiento al aporte cultural y estético femenino.

A través de la flexibilidad de mis obras quiero expresar la vida, las interconexiones de los seres y la adaptación al medio ambiente. Esta flexibilidad se logra mediante el entretejido de cientos de pequeñas piezas en las que conviven los contrastes de rigidez-opacidad y elasticidad-translucidez.

Mis piezas son acumulaciones estructuradas por el principio de lograr el mayor tamaño o densidad posible con la menor cantidad de material. Trabajo con pequeñas unidades seriadas: modelados en arcilla, escamas, semillas, y objetos industriales como botones, tuercas, mangueras y tela.

El resultado final es similar a un tapiz o alfombra. Su condición maleable me permite exhibirlo de diversas maneras. Para mí es importante que el espectador quiera y pueda manipularlo, jugar con él libremente y crear infinidad de formas.

Si bien mis piezas están concebidas como objetos abstractos y parten de cálculos matemáticos y geométricos, su resultado final (textura, irregularidad del tejido manual y peso) evoca a seres vivos en reposo.

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August 12, 2015 Raquel Rabinovich https://abstractioninaction.com/artists/raquel-rabinovich/

For many years I have been investigating the ineffable nature of things, objects, words, thoughts. My art has always been informed by an underlying awareness of the concealed and ephemeral aspects of existence that we don’t see or that appear to be invisible. Through the processes I have explored, I try to reveal how that which has been concealed emerges into view. Art is for me making visible the invisible. In working across mediums for the last fifty years, I go to the unknown in order to know. I go to the dark to see the light.

  
Traducido del inglés

Durante muchos años, he estado investigando la naturaleza inefable de las cosas, los objetos, las palabras, los pensamientos. Mi arte siempre ha sido informado por una conciencia subyacente de los aspectos ocultos y efímeros de la existencia que no vemos o que parece ser invisible. A través de los procesos que he explorado, trato de mostrar cómo lo que se ha ocultado surge a la vista. El arte es para mí hacer visible lo invisible. Al trabajar en distintos medios durante los últimos cincuenta años, me voy hacia lo desconocido con la finalidad de conocer. Voy a la oscuridad para ver la luz.

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August 11, 2015 Ximena Garrido-Lecca https://abstractioninaction.com/artists/ximena-garrido-lecca/

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May 26, 2015 Jesús Matheus https://abstractioninaction.com/artists/jesus-matheus/

I am interested in a process of intermediation, in the admixture of media and the possibility of shaping their mutual resonances. What guides that process is a will to construct. Form takes root in those intermediary relations: form as the conceptual development of a tectonic sensation; form as the presentness of an object that migrates from one medium to the other. In each stage of my work, I have searched for that object, the place that cannot be framed within a medium-specific site. Detached from concrete objects, such a place is to be found between the works as a concept or idea in development. It is an ideogrammatic construction.

 
Traducido del inglés

Estoy interesado en un proceso de intermediación, en la mezcla de los medios y la posibilidad de transformar sus resonancias mutuas. Lo que guía este proceso es la voluntad de construir. La forma radica en esas relaciones de intermediación: la forma como el desarrollo conceptual de una sensación tectónica; la forma como el estado presente de un objeto que se desplaza de un medio a otro. En cada etapa de mi trabajo, he buscado para ese objeto el lugar que no se puede enmarcar dentro de un medio específico. Separado de objetos concretos, tal lugar se encuentra entre las obras como un concepto o idea en desarrollo. Se trata de una construcción ideogramática.

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May 18, 2015 María Fernanda Plata https://abstractioninaction.com/artists/maria-fernanda-plata/
Translated from Spanish

My projects emerge from my interest about the urban habitat and the way in which we human beings relate to it. I reflect upon the way in which architectural constructions, in their apparent solidity and monumentality, conceal their transitoriness and vulnerability as places that provide refuge and security to their inhabitants.

My work refers to the fragility and fleetingness of things made by man and also the great effort and time that they demand to be completed. A fundamental part of my practice consists in challenging the very nature and structure of the materials I use. So I construct, for example, sculptures with paper that I have cut in large sections and that maintain themselves, three-dimensional drawings with compacted sand, notebooks that contain images made with cuts and therefore at greater detail the piece is more deteriorated, and most recently, works with cloth that is completely unravelled string by string.

 

Mis proyectos surgen de mi interés sobre el hábitat urbano y la manera en que los seres humanos nos relacionamos con él. Busco reflexionar sobre cómo las construcciones arquitectónicas en su aparente solidez y monumentalidad disimulan su transitoriedad y vulnerabilidad en cuanto lugar que procura refugio y seguridad a sus habitantes.

Mi trabajo se refiere a lo frágil y fugaz de las cosas construidas por el hombre y también al gran esfuerzo y tiempo que demandan para ser finalizadas. Parte fundamental de mi práctica consiste en retar a los materiales que uso en su propia naturaleza y estructura. Es así como construyo, por ejemplo, esculturas en papel que ha sido cortado en amplias áreas y que se sostienen por sí mismas; dibujos tridimensionales con arena apelmazada, cuadernos que contienen imágenes hechas con cortes y que por lo tanto a mayor detalle más deteriorada es la pieza, y, más recientemente, piezas de tela completamente deshechas hilo por hilo.

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March 2, 2015 Rafael Reveron-Pojan https://abstractioninaction.com/artists/rafael-reveron-pojan/
Translated from Spanish

Some notes about the politics in my work, called “automatic architectures…”

Join together, get shelter, protection, appropriation. Appropriation of the space, creation of place, object.

Attachment.

To demolish,

To build…

“All build-up is refuge against danger.”

Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973

To a large extent, my work lies beneath like an architecture, as a strategy of ideological appropriation of space, the conquest of place, of the object, of the contained body… Do not think, do not live, do not feel… Let me build you, win that battle of “abitare,” I build you and think you, I appropriate you, live in you, in your space, in that space in between which surrounds you, that makes you, that molds you, configures you, and figures you.

The “Empty Box” becomes imposed in its abstraction, its economy knows no rival, and its synthesis is undefeated. That subdivided, fragmented, quadratic, cubic, universal, reproducible, “built-up” space. Optimal, minimal.

The ultimate ending: winning

territory,

defeat the

weak.

Totalitarianism of the majority; nothing and no one can win the battle over this cubic formula…

Place,

Home.

My “automatic architectures,” are conceived as models of “creation and destruction.” Their origin is tangentially dominated by patterns, actions around the notion of “appropriation.” To make myself one with space, place, and object, through a predetermined and preconceived model. An ideological, formal structure that models actions. To think of void as a structural content, is that border between collapse and equilibrium of content and container… Lines that intersect, supremacy battles between horizontality and verticality of space, of the object and its drifts. The imminence of matter to be transformed into an object, regroup and reconcile as a new form. To join spaces… imposing the plural to the singular, to the individual… Making the indivisible visible. To join as defense, not as addition. Build up to distract, to sublimate, to delete, eliminate, destroy.

Lines draw themselves in a describing without writing. As with the spiral, the constructive space is an internal ideology; its limit emerges on every layer, from intimacy.

To build and destroy. Collapsing is not an improper accident of the structure, but an inevitable stage of existence itself. Collapse, implosion, deflation… Strategies in the poetics of the terminal. To build and destroy. Modernist therapy of an infinitely delayed agony. Running an incomplete defeat.

Matter is raw, quotidian, on the verge, cyclical, re-oriented, re-conceived, resented, re-lived… Every skin suggests its needlework, its stitches… in its reusing, a corner disappears; it’s filed down, making its own way, its exile. To sew and undo… String together and undo, and gain aerial space, the dream of “flying,” of the suspended, the pending. Always an imminent departure, or loss. Stringing together without completing the fabric… Weaving looms without instructions. Too many complications for the pre-functions. Improvisation of survival, of error, of the everyday, of the doing without thinking, of being without being, without permanence.

Today, the promised paradise… Looks more like hell.

I do not see, I do not speak, I do not listen, I do not feel…

I do not exist.

I only

Exist

For

The

Promised

“Paradise.”

 

Algunas notas sobre las políticas asumidas por mi trabajo en las llamadas “arquitecturas automáticas”…

Aglomerar, refugiarse, protegerse, apropiarse. Apropiación del espacio, creación del lugar, objeto.

Apego.

Demoler,

construir…

“Toda aglomeración es un refugio contra un peligro”.

Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973

En gran medida mi obra subyace como una arquitectura, como una estrategia de apropiación ideológica del espacio, la conquista del lugar, del objeto, del cuerpo contenido… No pienses, no vivas, no sientas… Déjame construirte, ganarte esa batalla del “abitare”, yo te construyo y te pienso, me apropio de ti, vivo en ti, en tu espacio, en ese intersticio que te bordea, que te hace, te moldea, te configura, te figura.

La “Caja vacía” se impone, en su abstracción, su economía no tiene adversarios, su síntesis esta invicta. Ese espacio subdividido, fragmentado, “cuadrático”, cúbico, universal, reproducible, “aglo-merable”. Optimo, mínimo.

El fin supremo: ganar

territorio,

vencer al

débil.

Totalitarismo de las mayorías, nadie, ni nada, puede ganarle la batalla a esta fórmula cúbica…

Lugar,

hogar.

Mis “arquitecturas automáticas”, se piensan como modelos del “crear y destruir”, su génesis viene dominada tangencialmente por patrones, acciones en torno a la noción de “apropiación”. Hacerme con el espacio, el lugar, el objeto a través de un modelo predeterminado, pre-pensado. Una estructura ideológica, formal, que modela las acciones. Pensar en el vacío como contenido estructural, es ese filo entre el colapso y el equilibrio del contenido y el contenedor… Líneas que se entrecruzan, batallas de supremacías entre la horizontalidad y la verticalidad del espacio, del objeto, de sus derivas. Esa inminencia de la materia por transformarse en objeto, reagruparse y conciliar una nueva forma. Aglomerar espacios… imponiendo lo plural a lo singular, al individuo… Haciendo invisible lo indivisible. Aglomerar como defensa, no como sumatoria. Aglomerar para distraer, para sublimar, para borrar, eliminar, destruir.

Las líneas se dibujan solas, es un describir sin escribir. Como en el caracol, el espacio constructivo es una ideología interna, su límite emerge capa a capa desde la intimidad.

Construir-destruir. El colapsar no es un accidente impropio de la estructura, es una fase inevitable de la existencia misma. Colapso, implosión, deflación… Estrategias en las poéticas de lo terminal. Construir-deconstruir. Terapia modernista de una agonía retardada al infinito. Gestión de una derrota inacabada.

La materia, es cruda, cotidiana, al borde, cíclica, re-orientada, re-pensada, re-sentida, re-vivida… Cada piel sugiere su costura, su punto y cruz… en el re-usar, la esquina desaparece, se lima, se hace su propio camino, destierro. Coser y descoser… Hilar y des-hilar y ganar el espacio aéreo, el ensueño de “lo volador”, de lo sus-pendido, colgante, siempre inminente partida, perdida. Hilar sin llegar nunca a completar la tela… Telares sin instrucciones, demasiadas complejidades para las pre-funciones. Improvisación de la supervivencia, del error, del cotidiano, del hacer sin pensar, del ser sin estar, sin permanencia.

Hoy, el paraíso prometido… Parece más un infierno.

No veo, no hablo, no escucho, no siento…

No existo.

Solo

existo

para

el

“paraíso”

prometido.

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January 21, 2015 José Olano https://abstractioninaction.com/artists/jose-olano/
Translated from Spanish

I am mainly a sculptor and my subject of study is balance and its relationship with fragility and chance. I work with everyday materials with which we interact on a daily basis; found or regular objects such as furniture, clothing, fruit, and glasses. The space that surrounds me is potentially artistic material. One can create a discourse, through the documentation or by rearranging the elements in the space at any moment. I use the materials without altering them, and I make the most out of their physical properties to create unstable structures that can evolve in time in space. Even if at the end the materials can be interchangeable, what becomes evident is the intention and the position of these elements. I am interested in the intersections between art and the everyday, to take the viewer out of his/her comfort zone, and to question the limits of what we consider “normal.”

 

Soy principalmente escultor y mi tema de exploración es el equilibrio y su relación con la fragilidad y el azar. Trabajo con materiales comunes con los que interactuamos cotidianamente, objetos encontrados o estándares, como muebles, ropa, frutas y vasos. El espacio que me rodea es potencialmente materia plástica, en cualquier momento, por medio del registro o re-acomodando los elementos en el espacio se puede crear un discurso. Uso los materiales sin intervenirlos y aprovecho sus propiedades físicas para crear estructuras inestables que pueden evolucionar en el espacio tiempo. Aunque al final los materiales son intercambiables, lo que salta a la vista es la intención y la posición de estos elementos. Me interesan las intersecciones entre el arte y lo cotidiano, sacar al espectador de su confort, y cuestionar los límites de la “normalidad”.

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December 23, 2014 Kenji Nakama https://abstractioninaction.com/artists/kenji-nakama/

Selected Biographical Information

Education

  • 1999-2006: Bachiller, Facultad de Artes – PUCP, Lima, Perú.

Prizes / Fellowships

  • 2011-2012: Residencia , Cité Internationale des Arts , Paris, Francia.
  • 2010: XIII Concurso de artes visuales  ‘Pasaporte Para un Artista’ (primer puesto), Embajada de Francia en el Perú, Lima, Perú.
  • 2011: III Concurso de Pintura del BCR, Banco Central de la Reserva del Perú, Lima , Perú.
  • 2007: II Concurso de Artistas Jóvenes de Lima Metropolitana, Municipalidad de Lima, Lima, Perú.
  • 2006: Premio de la Crítica a la especialidad de pintura,  Facultad de Arte-PUCP,  Lima, Perú.
  • 2006: Premio Winternitz para sexto año de pIntura, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Perú.

Solo Exhibitions

  • 2013: “Estudios del Pliegue“, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú.
  • 2011: “Jardín“, Galería L’Imaginaire – Alianza Francesa de Miraflores, Lima, Perú.
  • 2011: “Mutación y Desborde“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.
  • 2009: “Pangea“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.

Group Exhibitions

September 8, 2014 Carla Guagliardi https://abstractioninaction.com/artists/carla-guagliardi/

“Where is the time I have left in this space?”

Over recent years my artistic path has predominantly followed sculptural research. The researches focus on time and concomitant duration as decisive agents, elaborating and extending my ideas across a wide variety of materials. I experiment with both organic and/or industrially rendered materials, these include such materials as plastic, iron, glass, wood, copper, steel, cotton, plants, and rubber among others. Similarly, the active-positive and entropic role of water plays a significant part in my art practice. The works render imminent (and, perhaps immanent) the action of time as it forms a mnemonic record on matter in space.

As can be seen in the enclosed photos of my work, there is the presence of a poetic language which recalls interactions between internal organic fluid forms, incorporating chance and speculation and experiencing the abstraction that results from their experience with the material.  Nevertheless, no artistic activity is free from the artist’s subjective intention, regardless of purely physical and material conditions. Such assemblings combine materials that create new properties through these combinations, emphasizing on many occasions a vocabulary of physical terms like balance, density, materiality, capillarity, etc. These works, in which the physical characteristics are not virtual, symbolic or representational but where they literally exist, are nonetheless subjective emotional assemblages.

My aim is to continue the project, extend its development, while at the same time perfect some of the aesthetic and visual questions that arise from my experimental works. In short to move ahead in the sense of working with space in its continuity and extension anxiety, but simultaneously always making use of the various material confrontations that emerge. Within this aesthetic frame the paradox of disruption and temporal suspension play their part, evoke a sense of moveable perception, while also confronting contemporary mankind’s feelings as to the uncertain, unstable and fickle situation in which we live.

 
Traducido del inglés

“¿Dónde está el tiempo que tengo en este espacio?”

En los últimos años mi carrera artística ha seguido predominantemente una línea de investigación sobre la escultura. Las investigaciones se enfocan en el tiempo y la duración concurrente como agentes decisivos, elaborando y expandiendo mis ideas por una amplia variedad de materiales. Experimento con materiales orgánicos y/o hechos de manera industrial, los cuales incluyen materiales como plástico,  hierro, vidrio, madera, cobre, acero, algodón, plantas y caucho, entre otros. De igual forma, el rol entrópico y activo-positivo del agua juega un papel importante en mi práctica. Las obras representan la inminente (y quizá inmanente) acción del tiempo mientras que forma un récord nemónico de la materia en el espacio.

Como puede ser visto en las fotos de mi obra, existe la presencia de un lenguaje poético que evoca interacciones entre formas orgánicas fluidas internas, incorporando el azar y la especulación y la abstracción que resulta de experiencia con el material. No obstante, ninguna actividad artística es libre de la intención subjetiva del artista, sin importar las condiciones puramente físicas o materiales. Tales combinaciones mezclan materiales que crean nuevas propiedades por medio de estas combinaciones, enfatizando en ocasiones un vocabulario de términos físicos tales como balance, densidad, materialidad, capilaridad, etc. Estas obras en las que las características físicas no son virtuales, simbólicas o representacionales, sino que existen literalmente en ellas, son no obstante ensamblajes emocionales y subjetivos.

Mi intención es continuar el proyecto, extender su desarrollo mientras que perfecciono la estética y cuestionamientos visuales que originan de mis obras experimentales. En breve, seguir adelante en el sentido de trabajar con el espacio en su ansiedad continua y extensa, pero siempre usando las confrontaciones materiales que puedan surgir simultáneamente. Dentro de este marco estético la paradoja de la interrupción y suspensión temporal juegan su rol, evocan un sentido de percepción movible mientras que confrontan sentimientos humanos contemporáneos de la situación incierta, inestable y frágil en la que vivimos.

Selected Biographical Information

Education

  • 1990-1991: Post-graduation in History of Art and Architecture in Brazil, Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1989-1987: Escola de Ates Visuais do Parque Lage/Rio de Janeiro, Brazil.

Prizes / Fellowships

  • 2010: Mostras de artistas no exterior/ Brasil Arte Contemporânea, Fundação Bienal de São Paulo e Ministério da Cultura, São Paulo/Brasília, Brazil.
  • 2008: Edital Artes Visuais, Secretaria de Cultura do Estado do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2007: Grant Guest artist in residence, Villa Aurora, Los Angeles, USA.
  • 2002: Grant workshop-exhibition in residence program, KHOJ , Mysore/Bangalore, India.
  • 2001: Grant Bolsa de Artes RIOARTE, RIOARTE, Prefeitura da Cidade do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2001: Grant Helsinki International Artist-in-residence Programme,, HIAP/ Cable Factory, Helsinki, Finland.
  • 1999-2000: Bolsa Virtuose, Ministério da Cultura do Brasil , Atelier Programm 1999  Kunstlerhaus Bethanien, Berlin, Germany.
  • 1996: Award Best show of the year, Galerias IBEU / Instituto Cultural Brasil-Estados Unidos, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1995: II Salão de Arte da Bahia , Museu de Arte Moderna da Bahia, Salvador, Brazil.

Solo Exhibitions

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September 5, 2014 Raul Mourão https://abstractioninaction.com/artists/raul-mourao/

Selected Biographical Information

Solo Exhibitions

  • 2014: “MOTO“, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil.
  • 2013: “Movimento Repouso“, Roberto Alban Galeria de Arte, Salvador, Brazil.
  • 2012: “Processo“, Estudio X, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Tração animal“, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Toque devagar“, Praça Tiradentes, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Homenagem ao cubo“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Chão, Parede e Gente“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2010: “Cuidado Quente“, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil.
  • 2010: “Balanço Geral“, Subterrânea,  Porto Alegre, Brazil.
  • 2007: “Fitografias“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2005: “LULADEPELÚCIA“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2004: “drama.doc“, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Niterói, Brazil.
  • 2004: “Entonces”, Paço Imperial, Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2003: “Pequenas frações“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2003: “Cego só bengala“, Centro Universitário Maria Antonia, São Paulo, Brazil.
  • 2002: “Portátil 98/02“, Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brazil.
  • 2002: “Carga Viva“, Celma Albuquerque Galeria de Arte,  Belo Horizonte, Brazil.
  • 1999: “Sintético“, Agora / Fundição Progresso,  Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1996: “Calouste“, Galeria Ismael Nery – Centro de Arte Calouste Gulbekian, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1993: “Humano“, Galeria Sérgio Porto, Rio de Janeiro, Brazil.

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September 3, 2014 Jaime Ávila https://abstractioninaction.com/artists/jaime-avila/
Translated from Spanish

When I was young I lived in a very small village, which nowadays is even smaller because people left and never came back. In that place lived the fantasy of building cities amongst the rubble, rocks, and dirt mountains. I drew them and spent the days playing with sticks and pieces of boxes. As a teenager I drew hyperrealist comic strips of cities I did not know, and when I arrived to the city to study engineering, the first thing I saw was a city that I had never imagined until then.

I feel like a tourist in it even today. I construct ideas that guard dislocated structures on the urban geography and inhabitants detached from their utopic legality. It surprises me how I can be disturbed by the great cultural difference between people that live in the same place, the same way I am surprised to find commonalities in remote landscapes, and that I am even more surprised to have found a city like the one I live in, which was just like any other city in a different time, as if it could predict something that already happened. Days go by, many times from the same place, and through photography, drawing, engraving, silkscreen, prints, installation, video, and sculpture, I develop projects that connect the actual urban ethnography with a mutant architecture archeology, which are often misinterpreted as if they were compact urban prosthetics that are woven exponentially over the horizon of that landscape I saw as a child.

 

Cuando era niño vivía en un pueblo muy pequeño, hoy en día es aún más pequeño porque la gente se fue y no volvió. Allí en ese lugar  vivía la fantasía de construir ciudades entre montañas de escombros, rocas y tierra. Las dibujaba y pasaba los días jugando con palos y pedazos de cajas, de adolescente dibuje historietas hiperrealistas de ciudades que no conocía; cuando llegué a la gran ciudad a estudiar ingeniería, lo primero que vi fue una ciudad que nunca imagine hasta entonces.

Hoy en día me siento aun turista en ella. Construyo ideas que acorazan estructuras desarticuladas sobre la geografía urbana y habitantes desconectados de su legalidad utópica. Me sorprende demasiado como me puede perturbar la gran diferencia cultural entre gente muy cercana que habita un mismo lugar, de igual manera me sorprende encontrar cosas en común en paisajes remotos y me sorprende aún más encontrar una ciudad como esta, donde habito, que fue igual a otra ciudad en otra época, como si pudiera predecir algo que ya paso. Pasan los días, muchas veces desde un mismo lugar y así, por medio de la fotografía, el dibujo, el grabado, la serigrafía, los impresos, la instalación, el video y la escultura elaboro proyectos  que conectan la actual etnografía urbana con una arqueología arquitectónica mutante, muchas veces violentada y materializada como si fueran prótesis urbanas compactas que se tejen exponencialmente  sobre el horizonte de ese paisaje que veía desde niño.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

  • 2001: Beca Residencia México, Ministerio de Cultura Colombia,  FONCA México, Ciudad de México-Tijuana, Mexico.
  • 2005: Artista invitado por la Universidad de Harvard , David Rockefeller Center para Estudios Latinoamericanos, Cambridge, USA.
  • 2008: Madrid Miradas, Ministerio de Asuntos Culturales y de Ministerio de Asuntos Culturales y de Cooperacion de España , Madrid, Spain.
  • 2005: Mención,Salón de Arte Bidimensional  , Fundación Gilberto Álzate Avendaño FUGA, Bogotá, Colombia.
  • 2003: Mención, Premio Luis Caballero, Instituto Distrital de las Artes IDARTES , Bogotá, Colombia.
  • 2001: Premio  Salón Regional de Artistas, Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
  • 2000: Primer Premio,Primer premio, IX Salón Internacional de Arte Joven MAC, Museo de Arte Contemporáneo , Bogotá, Colombia.
  • 1998: Beca impresos revista PLASTICA , Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
  • 1997: Primer Premio VII Salón de Arte Joven, Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.
  • 1993: Beca Colcultura Patios Urbanos, Colcultura, Bogotá, Colombia.
  • 1992: Mención Especial II Bienal de Arte de Bogotá, MAMBO Museo de Arte Moderno de Bogotá, Bogotá, Colombia.
  • 1991: Mención Especial, I salón de Arte Joven   , Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.

Solo Exhibitions

  • 2013: “Talento Pirata”, Nueveochenta Galería, Bogotá, Colombia.
  • 2012: “Bestiario”, M&R Galería, Cali, Colombia.
  • 2009: “Cinco Metros Cúbicos”, MUSAC, Montería, Colombia.
  • 2006: “Bombas”, Galería Alcuadrado,  Bogotá, Colombia.
  • 2005: “Life Is a Runway”, Harvard University, Cambridge, USA.
  • 2005: “4th World “, Sandra & Philip Gordon Gallery, Boston, USA.
  • 2005: “Life Is a Runway”, Museum of Fine Arts, St Petersburg, USA.
  • 2005: “Puntos de Fuga”, Galería El Museo, Bogotá, Colombia.
  • 2004: “Diez Metros Cúbicos”,  Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
  • 2003: “Cuarto Mundo: Diez metros Cúbicos “, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
  • 2001: “México: Un metro Cubico”, Museo Carrillo Gil, México DF, Mexico .
  • 2000: “Los Radioactivos”, Alianza Francesa,  Bogotá, Colombia.
  • 1997: “Comunicado de Washington “, Galería Espacio Alterno, Bogotá, Colombia.
  • 1994: “No Toque la Mercancía”, Galería Santafé, Bogotá, Colombia.
  • 1993: “Patios Urbanos”, Consejo Británico, Bogotá, Colombia.

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September 2, 2014 Erica Muralles Hazbun https://abstractioninaction.com/artists/erica-muralles-hazbun/

Through my work I revert the process in which form follows function, referring to actions that hold an established order in society. My purpose is not to build a closed, perfect system, but one that is interwoven with life. This is obtained by interlocking and linking a series of different materials consistently—from chaos to order—by weaving or joining them through other means. Where small changes in initial conditions can lead to large differences in future behavior, preventing long-term prediction.

My work comes from an empirical process that is in constant renewal, where the visual or formal aspects enter into dialogue with the symmetrical composition inherent in everything that human beings design and build. It is sensorial and appeals to a modular design or repetition as a starting point. Dynamic monotony is used as a creative impulse as a vital generator of inquiry. I analyze patterns of human behavior, the quotidian and what takes place in everyday life, what we perceive, and what defines our identity, our mission and place in our environment. My aesthetic concerns are immersed in the present reflecting change in my images. This process helps me to organize reality through representation.

 

En mi trabajo revierto el proceso en donde la forma sigue a la función, haciendo referencia a las acciones que tienen un orden establecido en la sociedad. Mi objetivo no es construir un sistema cerrado, perfecto, pero uno que se entrelaza con la vida, por lo azaroso e imprevisto. Esto lo obtengo mediante el enlace de series de distintos materiales de manera coherente –del caos al orden—al entrelazarlos o al unirlos por otros medios. En donde pequeñas variaciones en las condiciones iniciales pueden implicar grandes diferencias en el comportamiento futuro, dificultando la predicción a largo plazo.

Mi trabajo viene de un proceso empírico, que se encuentra en constante renovación, donde los aspectos visuales o formales dialogan con la composición simétrica inherente en todo lo que diseña o construye el ser humano. Es sensorial, apela a la modulación y a la repetición como método o punto de partida. La monotonía dinámica es utilizada como impulso creativo, como generador vital de indagación. Reflexiono sobre los patrones de comportamiento en el ser humano, lo cotidiano y lo que toma lugar en la vida diaria, lo que percibimos y nos define como personas, nuestro lugar y misión en nuestro entorno. Mis preocupaciones y estética están inmersos en el presente, lo que refleja el cambio en mis imágenes. Este proceso me ayuda a organizar la realidad a través de la representación.

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  • 2011: Primer Lugar – Artista menor de 30 años –III Salón Nacional del Grabado-, Banco G&T Continental, Guatemala, Guatemala.

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August 29, 2014 Carla Arocha & Stephane Schraenen https://abstractioninaction.com/artists/carla-arocha-stephane-schraenen/

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April 29, 2014 David Peña Lopera https://abstractioninaction.com/artists/david-pena-lopera/
Translated from Spanish

Through deliberately diverse media, such as sculpture, drawing, video, and programming, and through processes highly influenced in a logic particular from digital image and programming, his work seeks to question regimes of representation, information, and knowledge.

 

A través de medios deliberadamente variados, como la escultura, dibujo, video y programación, y procesos altamente influenciados por lógicas particulares de la imagen digital y la programación, su obra busca interrogar regímenes de representación, información y conocimiento.

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February 25, 2014 G. T. Pellizzi https://abstractioninaction.com/artists/g-t-pellizzi/

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February 19, 2014 Rosario López Parra https://abstractioninaction.com/artists/rosario-lopez-parra/
Translated from Spanish

As a visual artist, I have been interested in combining landscape photography with sculptural installation, in order to explore nature and the eruption of the invisible forces which exist within it. In this sense, I have discovered that elements such as wind, gravity, or temperature, can transform in tangible sensations. Using photographs of structures placed in the landscape, and their installation in a gallery, I am able to visualize the invisible and create a sculptural space between the object, the spectator, and the exhibition space.

Influenced by Minimalism and Land Art, my work seeks to move away from these traditions to be able to understand political notions of territory and its transcendence, install it in the gallery space, and in this way approach a continuum between nature and the white cube; landscape and its representation.

I live and work in Bogotá where I have a studio since more than 15 years ago, and I also work as professor of sculpture at the Universidad Nacional de Colombia (Colombia’s National University).

 

Como artista plástica, me he interesado en combinar la fotografía del paisaje y la instalación escultórica, para explorar la naturaleza y la erupción de las fuerzas invisibles que existen dentro de ella. En este sentido, he descubierto que los elementos como el viento, la gravedad, o la temperatura pueden convertirse en sensaciones tangibles, utilizando la fotografía de estructuras emplazadas en el paisaje, y la instalación de éstas estructuras dentro de la galería, para visualizar lo invisible y crear un espacio escultórico entre el objeto, el espectador  y el espacio de exposición.
Influenciada por el Minimalismo y el Land Art, mi trabajo busca apartarse de estas tradiciones, para comprender nociones políticas del territorio y su trascendencia, e instaurarlo en el espacio de la galería y plantear de esta manera un continuum entre la naturaleza y el cubo blanco, el paisaje y su representación.

Vivo y trabajo en Bogotá, donde tengo mi estudio desde hace más de 15 años y también dicto clases como profesora de Escultura en la Universidad Nacional de Colombia.

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February 19, 2014 Georgina Santos https://abstractioninaction.com/artists/georgina-santos/
Translated from Spanish

My artistic production in the last few years is the result of working in local contexts.

This is part of a personal position that is derived of questions around artistic representation, the incidence which creative processes have in specific groups and the way in which artists are involved in different realities.

My work seeks to create micro-windows that can reflect concepts such as violence, neglect, resistance, memory, collectivity, or identity.

 

Mi producción artística de los últimos años es resultado del trabajo en contextos locales.

Esto forma parte de una postura personal que se deriva de cuestionamientos entorno a la representación artística, la incidencia que los procesos creativos tienen en grupos específicos y la manera en que los artistas se involucran con distintas realidades.

Mi trabajo busca crear micro ventanas que reflejen conceptos como violencia, abandono, resistencia, memoria, colectividad o identidad.

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February 19, 2014 Santiago Reyes Villaveces https://abstractioninaction.com/artists/santiago-reyes-villaveces/

My work responds to an inquiry, obsession, fascination, and pleasure for the structures, assemblages and dynamics that evidence the state of transitivity and precariousness that appeal to a state of temporal indetermination. The works are located on the limit of their completion and resting in a residual plane. The works—installations, sculptures, drawings and photographs—are characterized by notions of scale, volume, weight, gravity, surface, pressure, contention, resistance, verticality, horizontality, limit and depth, creating an intimate relation with the space, architecture, the spectator’s body and the temporality of the exhibition and the pieces.

The works transform, determine, modify, and interfere in the physical space in which they operate as well as the social, political, economic and historical space they inhabit and its possible modes of production, exhibition and circulation.

My work has an interest for allegorical procedures, link to the fragment, the ruin, history, memory, identity and the city. These concepts are articulated with the inquiry on the construction process, provisional, precarious, transitory, and unstable structures.

  

Mi trabajo responde a una investigación, obsesión, fascinación y placer por  las estructuras, ensamblajes y dinámicas que evidencian estados de transitoriedad y precariedad. Situados en el límite de un estado de finalización y un plano residual. Mediante instalaciones, esculturas, dibujos y fotografías, las obras desarrolladas se caracterizan por nociones  de  escala, volumen, peso, gravedad, superficie, presión, contención, resistencia vertical, horizontal, límite y profundidad, generando una íntima relación con el espacio, la arquitectura, el cuerpo del espectador y la temporalidad de las piezas y de su exhibición.

Las obras operan en el espacio físico transformándolo, determinándolo, modificándolo e interfiriendo; los efectos producidos por las obras en lo físico resuenan con los espacios sociales, políticos, económicos e históricos en los que residen y se posibilita la producción, exposición y circulación de la obras.

Mi trabajo parte del interés por procedimientos alegóricos, vinculados  al fragmento, la ruina, la historia, memoria, identidad y la ciudad. Estos conceptos se articulan con la reflexión sobre los procesos constructivos, estructuras provisionales, precarias, transitorias e inestables.

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February 19, 2014 Rodrigo Sassi https://abstractioninaction.com/artists/rodrigo-sassi/
Translated from Portuguese

My artistic trajectory is characterized by the developing and practice of urban interventions, where I experienced and used the city as support of action, analysis, and inspiration in my work. After this experience, I began a new body of work in which all my research on urban intervention transformed into an aesthetic and conceptual reference for a work developed at my studio, which is currently dedicated to tridimensional work.

My works are made from the repurposing of discarded materials by construction companies, and through the creative use of techniques from construction as well, I recreate forms of reinforced concrete that lose their structural function to create architectural drawings in space, contrasting the rigidity and rawness of their materials to give a false sense of lightness through its curves and turns. Apart from emphasizing contrasts between materiality and flexibility, the work brings forth the marks from past lives of the materials, thus the traces of a city that is in constant motion.

 

Minha trajetória artística é marcada pelo desenvolvimento e prática de intervenções urbanas, onde vivenciei e utilizei da cidade como suporte de atuação, reflexão e inspiração para meus trabalhos. Após esta experiência, iniciei uma nova produção, onde toda minha pesquisa até então realizada sobre intervenção urbana se transformou em referência estética e conceitual para um trabalho desenvolvido em atelier, atualmente dedicado à área tridimensional.

Minhas obras são feitas apartir do reaproveitamento de materiais descartados por construtoras e, através do uso imaginativo de técnicas também provenientes da construção civil, recrio formas de concreto armado que perdem sua usual função estrutural para criar desenhos arquitetônicos no espaço, contrapondo à rigidez e brutalidade de seus materiais a uma falsa sensação de leveza criada por suas curvas e balanços. Além de se caracterizar pelos contrapontos entre sua matéria e a flexibilidade adquirida, o trabalho traz consigo marcas das vidas passadas de seus materiais, consequentemente rastros de uma cidade que se encontra em constante movimento.

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February 19, 2014 Nicolás Lamas https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-lamas/

My work derives from the interest and mistrust in constructed perceptions, which are considered to belong to a “natural order” and constantly build our notion of truth through a systematized knowledge. Most of my questioning focuses on examining the models associated with scientific research and the constant pursuit of order, measure, and control of the laws that govern the perceptible world. Through different guidelines, I analyze the relationship established between knowledge and power, and how that bond ideologically determines the way we perceive, interpret, and interact with our environment. I am interested in the search for the gaps and cracks generated in specific relations between representation systems and the notion of an objective and indisputable reality. In order to exemplify the perceived inconsistencies, I carefully manipulate images, texts, sounds and other elements that are associated with capturing, interpreting and transmitting information. Through this, I attempt to somehow put into evidence relativity, malleability, and the level of indetermination in all of which we aim to comprehend by trying to search for an objective and definite truth.

 

Mi trabajo parte del interés y la desconfianza hacia las percepciones construidas de aquello que pertenece a un “orden natural” y modela nuestras certezas a través de un conocimiento sistematizado. Gran parte de mis cuestionamientos se centran en examinar los modelos asociados a la investigación científica y la constante búsqueda por ordenar, medir y controlar las leyes que gobiernan el mundo perceptible. A través de ciertas consideraciones, analizo la relación que se establece entre conocimiento y poder, y cómo ese vínculo determina ideológicamente nuestro modo de percibir, interpretar e interactuar con nuestro entorno. Busco brechas y fisuras en la relación que se genera entre distintos sistemas de representación y lo que intentamos definir como realidad. Como parte de este proceso, opto por la manipulación selectiva de imágenes, textos, sonidos y otros elementos asociados a la captura, interpretación y transmisión de información. Con ello, evidencio la relatividad, maleabilidad y grado de indeterminación en todo aquello que intentamos comprender al vincularnos racionalmente en busca de una verdad objetiva y definitiva.

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February 19, 2014 Nicolás Consuegra https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-consuegra/
Translated from Spanish

In about ten years of professional experience, I have been interested in different transcultural processes from which I intend to build paragons between the local knowledge of my Colombian context and how these face each other, validate, or are opposed to foreign cultural discourses and production.

In this period of time I have focused on developing projects in which I can combine my interests in installation, sculpture, and video, and how these artistic mediums can (and must) be understood contextually. I find pertinent to mention that I am drawn to recognize and study the breaks I find in artistic and cultural discourses as in the information that originates from different contexts as mine. Following this line of thought, I remember constantly Brazilian Oswaldo de Andrade and his ideas about “anthropophagy,” since we constantly devour what belongs to someone else so we can produce something new.

 

Durante algo más de diez años de ejercicio profesional, he estado interesado en diversos procesos transculturales con los cuales pretendo construir parangones entre los saberes locales de mi contexto colombiano y cómo estos se enfrentan, validan u oponen a discursos y producciones culturales foráneas.

En este período de tiempo me he concentrado en desarrollar proyectos en los que puedo combinar mis intereses en la instalación, la escultura y vídeo, y cómo estos términos artísticos pueden (y deben) ser entendidos contextualmente. Me parece pertinente mencionar que me siento muy atraído por reconocer y estudiar las fisuras que encuentro tanto en los discursos artísticos y culturales como en la información que proviene de contextos diferentes al propio. En este orden de ideas, recuerdo constantemente al brasilero Oswaldo de Andrade y sus ideas sobre la “antropofagia”, pues constantemente devoramos lo que es ajeno para producir algo nuevo.

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February 19, 2014 María Ezcurra https://abstractioninaction.com/artists/maria-ezcurra/
Translated from Spanish

In my work, I use textiles—basically clothing—in order to explore a series of social and personal stereotypes, as well as their relationship with specific cultural codes, by reviewing and reflecting on the current and complex normative structures which define us and from which we participate. A great part of my work involves an analysis on the physical, emotional and social restrictions that are associated with gender roles, in particular feminine stereotypes. With my work, I do not only play with the material and formal possibilities of textile, but I also explore the aesthetic, symbolic, and cultural values of garments, based on deconstruction, re-contextualization or re-aggrupation models which put in evidence the social expectations that they intend to exhibit or cover. Thus I want to make visible the complex and often contradictory relationships we have constructed between the social and the individual, protection and image, beauty and comfort, violence and indifference, men and women, and all the ambiguous intermediate qualities which constitute us but do not necessarily define us.

 

En mi trabajo uso textiles—básicamente ropa—para explorar una serie de estereotipos sociales y personales, así como su relación con ciertos códigos culturales, revisando y reflejando las complejas estructuras normativas actuales que nos definen y en la que todos participamos. Gran parte de mi obra implica una reflexión sobre las restricciones físicas, emocionales y sociales asociadas a roles de género, particularmente a los estereotipos femeninos. Con mis piezas no sólo juego con las posibilidades materiales y formales de los textiles, sino que exploro los valores estéticos, simbólicos y culturales de las prendas de vestir, basándome en procesos de deconstrucción, recontextualización o reagrupación que evidencian las expectativas sociales que intentan exhibir, o cubrir. Quiero evidenciar así las complejas, y a veces contradictorias, relaciones que hemos creado entre lo social y lo individual, la protección y la imagen, la belleza y la comodidad, la violencia y la indiferencia, los hombres y mujeres, y todas las ambiguas cualidades intermedias que sutilmente nos forman sin necesariamente definirnos.

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February 19, 2014 Jorge Pedro Núñez https://abstractioninaction.com/artists/jorge-pedro-nunez/
Translated from Spanish

I am interested in combining and juxtaposing different historical referents that derive from diverse places and times, and which coexist in an object.

My work is related to drawing, sculpture, and painting rom their more basic properties, such as material and form, but the materials I use are mostly objects from other activities. I use recognizable icons stemming from modern art history, in the creation of a work that goes through deconstruction and the relationship of objects and ideas that question the link between abstraction, history, and contemporaneity.

 

Estoy interesado en mezclar y superponer diferentes referentes históricos que provienen de lugares y épocas distintas que cohabitan en un objeto.

Mi trabajo es relativo al dibujo, la escultura y la pintura desde sus propiedades más elementales como el material y la forma, pero los materiales que utilizo son en gran parte objetos de otras actividades. Utilizo iconos reconocibles provenientes de la historia del arte moderno  para la concepción de una obra que pasa por la deconstrucción y la puesta en relación de objetos e ideas que cuestionan la relación entre abstracción, historia y contemporaneidad.

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February 19, 2014 Gabriel Acevedo Velarde https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-acevedo-velarde/

“In general, all I want is to find my own way of doing politics.”

 
Traducido del inglés

“En general, lo único que quiero es encontrar mi propia manera de hacer política”.

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February 19, 2014 Edwin Monsalve https://abstractioninaction.com/artists/edwin-monsalve/
Translated from Spanish

In this series of works I focus my gaze in a common object: wood in its different ways of display for sale, in specialized stores. If on one hand I establish relationships between the exact copy of the visual aspects in a wood ribbon; on the other hand I stay aware of the natural and/or artificial phenomena can reveal in time, which involves being able to understand this process on the particular characteristics of each material.

My aim is to establish a game with the mimesis principle: by choosing carefully a color, to which I apply many glazes to represent it once more, applying many retouches. Through this procedure I emphasize volumes and shadows, and simulate light reflections. After the result, I see how my painting transforms into something else, I conceive it as an abstraction derived from a figurative dimension. I change the perspective from which pictorial representation has traditionally worked to make figuration a paradox of abstraction, where the artificial looks “natural” and where camouflage confuses because albeit present, we cannot perceive it. In this game of values, painting dissolves the illusion of the pictorial space to construct an image that is more real than the original model.

 

En esta serie de obras centro mi mirada en un objeto común: la madera en sus diferentes formas de exhibición para la venta en lugares especializados. Si por un lado establezco relaciones entre la copia fiel de apariencias visuales que suceden en un listón de madera, por el otro, me mantengo atento a lo que los fenómenos naturales y/o artificiales puedan revelar con el paso del tiempo, lo que implica entender los efectos de este transcurso sobre las características particulares de cada material.

Me propongo establecer un juego con el principio de mimesis: al escoger minuciosamente un color, al que aplico sucesivas veladuras para volverlo a representar -nuevamente- aplicando sucesivos retoques. En este procedimiento acentúo volúmenes y sombras, y simulo reflejos de luz. Después del resultado veo como mi pintura se transforma en otra cosa, la concibo como que es abstracción que deriva de una dimensión figurativa; cambio la perspectiva en que tradicionalmente ha funcionado la representación pictórica figurativa para hacer de la figuración una paradoja con la abstracción, donde lo artificial parece “natural” y donde el camuflaje desconcierta porque además de estar ahí presente, no lo percibimos. En este juego de valores, la pintura disuelve la ilusión del espacio pictórico para construir una imagen más real que el modelo original.

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February 19, 2014 Silvana Lacarra https://abstractioninaction.com/artists/silvana-lacarra/
Translated from Spanish

Artistic practice exists in the antithesis of what is considered solid: it moves forward blindly without reaching its destination, or in the best case scenario, simulating arrivals, fragmenting destinies. Every material, exposed in the abstraction of the work itself, tells a triple meaning. First, the history of itself, revealed as material. Secondly, its history in and through the objects, where material is in itself and ceases to be simultaneously, without changing; and finally, its own history, which is inflected through its existence as part of an everyday that ignores it because it does not belong to it—our own fragility.

 

El trabajo artístico está en las antípodas de lo que se considera sólido: avanza a tientas sin llegar a destino o, en el mejor de los casos, simulando las llegadas, fragmentando los destinos. Todo material, expuesto en la abstracción de la obra misma, cuenta un triple sentido: en primer lugar, la historia de sí mismo, develado como materia; en segundo, su historia en y a través de los objetos, donde el material es sí mismo y deja de serlo, al mismo tiempo, sin cambiar materialmente; por último, su propia historia, la que se conjuga a través de su existencia como parte de una cotidianeidad que ignora porque no le pertenece: la fragilidad de nosotros todos.

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February 18, 2014 Adrián S. Bará https://abstractioninaction.com/artists/adrian-bara/
Translated from Spanish

My work, influenced by my formation as a filmmaker and the constant contact with architecture, make me incorporate elements such as abstraction, geometry, memory, light, shadow, the relationships that exist in the creation processes and interaction with life itself.

The process is part of the result within itself, which makes us discover places or questions that we would not make if it wasn’t for that constant search and experimentation of situations and experiences.

The way I materialize my ideas—photography, painting, sculpture and video.

Based on the concept in which the goal is in the process of creation more than in the result, I always seek to let myself be guided by accidents and the unknown, to be able to explore new ideas of expression and abstraction.

 

Mi trabajo, influenciado por una formación como cinematógrafo y el constante contacto con la arquitectura hacen que incorpore elementos como la abstracción, la geometría, la memoria, la luz, la sombra, la relación que existe en los procesos de creación e interacción con la vida misma.

El proceso es parte del resultado en sí mismo; aquel que hace que descubramos lugares o preguntas que no nos formularíamos si no fuera por esa constante búsqueda y experimentación de situaciones y experiencias.

Las forma en la que materializo mis ideas son: fotografía, pintura, escultura y video.

Basado en el concepto de que la meta está en el proceso de creación más que en el resultado, siempre busco dejarme llevar por los accidentes y lo desconocido para explorar nuevas ideas de expresión y abstracción.

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December 3, 2013 Adriana Minoliti https://abstractioninaction.com/artists/adriana-minoliti/
Translated from Spanish

My practice is the result of my interest in the eroticism and geometry manifested through painting and installation. My recent work has largely referenced the human body and gender conditions; abstract and geometrical representations of bodies are made with diverse materials such as paint, sand, plaster, wood, fake fruits and shampoo, and more traditional oil paints. A more inclusive vision of sexuality can change and improve the way we live. This has been made apparent through the contributions of Feminism and queer theory. This is also a space where I locate dialogues that are informative for my work. I play with gender pictorially, mixing spiritual values, historical appreciations, aesthetics and styles. I am interested in the anthropological importance of decoration as a process and in its application in objects, and I play with this by challenging fixed ideas and unconscious meaning. How does the mind sense the materials and shapes of things? Why do we make decisions in one way and not in another? Is there a place where these dualities are simultaneously possible? I transform everyday materials into something new, as in Manzanas [Apples] where geometric forms adorn fake plastic fruits. My work as a painter engages a diversity of formats and media, from easel painting and installation, to the organization of cultural projects and results of the relationships between artists. I have participated actively with artist collectives like as Kiosko De Artistas, and in projects of col-leagues, clinical workshops and research meetings. I co-founded PintorAs [Female Painters], a project that includes 20 women artists from Argentina. As a curator, I organized the exhibitions Rework and Figuras [Figures], as a way to collectively investigate answers to questions of that arise from my own work.

 

Mi práctica es el resultado de mi interés en el erotismo y la geometría, manifiesto a través de la pintura pero también en otros medios como instalación. Mi trabajo reciente en gran medida hace referencia al cuerpo humano y a condiciones de género: representaciones abstractas y geométricas hechas con diversos materiales tales como pintura, arena, yeso, madera, frutas falsas y champú, y óleos. Una visión más integradora de la sexualidad puede cambiar y mejorar la forma en que vivimos. Esto ha sido evidente a través de las contribuciones de las teorías feministas y queer. En estas contribuciones, encuentro diálogos que son nutritivos para mi trabajo y desarrollo. También interpeló el género pictórico, mezclando los valores espirituales, la apreciación histórica, estéticas y estilos. Estoy interesada en la importancia escondida de la decoración como un mecanismo y en su aplicación en objetos y dispositivos. Busco desafiar las ideas fijas y los significados inconscientes. ¿Cómo la mente percibe las materialidades y formas de las cosas que nos rodean? ¿Por qué asumimos esa percepción de una manera natural y no en otra dirección? ¿Hay un lugar donde lo dado como opuestos son al mismo tiempo posibles e iguales? Busco convertir materiales de uso cotidiano en algo nuevo, como en Manzanas donde las formas geométricas adornan falsos frutos de plástico. Mi trabajo como pintora involucra una diversidad de formatos, soportes y medios, desde la pintura de caballete y la instalación, a la organización de proyectos culturales, muestras, y las relaciones entre los artistas. Fui co-fundadora de PintorAs, un proyecto que incluye 20 artistas de Argentina. Como artista-curadora, también organicé las muestras Rework y Figuras, siendo una manera de investigar colectivamente las preguntas que surgen en mi proceso de obras.

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November 9, 2013 Elias Crespin https://abstractioninaction.com/artists/elias-crespin/

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November 8, 2013 Juan Sebastián Bruno https://abstractioninaction.com/artists/juan-sebastian-bruno/
Translated from Spanish

I am interested in processes, that what impulses action; movement. I seek minimal spaces to build an objectual, spatial, formal and conceptual structure. I search for the limit of abstraction, of meaning, of the relationship with references in order to assign new functions. The tools and objects that I use have a relation with a personal experience, where I had a good time, as minor as that moment may have been. Therefore they are objects that have an emotional charge, no matter that the mechanism of selection is perceived in the work but that the spectator can have empathy with these objects and sense time in them.

 

Me interesan los procesos, lo que impulsa una acción, los movimientos. Busco los espacios mínimos para armar una estructura, objetual, espacial, formal y conceptual. Busco el límite de la abstracción, del significado, de la relación con los referentes, para poder asignar nuevas funciones. Las herramientas y objetos que uso tienen relación con alguna experiencia personal, en donde la pasé bien, por más mínimo que haya sido ese momento. O sea que son objetos que tienen una carga afectiva, sin interesar que este mecanismo de selección se perciba en la obra, pero sí que el espectador pueda tener empatía con esos objetos, intuir un tiempo en ellos. Este tiempo en los objetos, su memoria emotiva, la tensión que se puede producir entra dos puntos. Uso, pedazos que nos dan una estructura, la voluptuosidad de la distancia y el modo en que esos elementos se relacionan para expresar ese proceso que todavía vincula al arte con la vida cotidiana. Entonces: abstracción, pura forma + la expresión y homenaje a los autores de los que estamos hechos + el peso de los detalles: las cosas que evocan recuerdos. Uno de los mecanismos de trabajo son los anclajes, los referentes y los tributos “a la manera de un adolescente que cuelga pósters en su cuarto” Me armo un playslist, una biblioteca mental de posibilidades, que se va actualizando, y con esas unidades generar nuevos grupos. Me gusta que el trabajo oscile entre el taller y la pantalla, y desde esa acción marcar varios recorridos.

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November 8, 2013 Emilio Chapela https://abstractioninaction.com/artists/emilio-chapela/

*This artist statement has been generated by a computer.

Emilio Chapela lives and works both in Mexico City and the Forgotten Realms of the Earth.  He works with the latest technology from Japan and China. His artistic practice is concerned with the development of a system that allows the operator to control various processes such as those used for conventional and unconventional methods to determine the relative importance of individualized factors. He also investigates the effect of increasing importance of the different methods used to identify the specific factors involved in the production and dissemination of a particular type of information. In such a way, he has worked with several different methods to determine how the various systems respond to the needs identified through their own resources. He has participated in shows both at galleries, museums and other cultural institutions, at places like the U.S. Geological Society of America and at the Museum of Modern Art in New York. He was awarded with the prestigiou award for gallantry in the field of public procurement and disposal. In 2010, he published his first book on the history of the world. In the near future, he will be showing his work at the National Institute of Technology and Information Ethics in Washington DC.

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  • Miscomunication: Baragouins, Giberish and Googledygook. 2008. Catálogo de Expoisición. Die Kurt Gödel Bibliothek. 2014. Ed. Sicomoro.

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November 8, 2013 Aníbal López A-1 53167 https://abstractioninaction.com/artists/anibal-lopez/
Translated from Spanish

My work consists in propose to people a way of thinking that with plans or without them could unveil doubts or solutions. I would like to open a discourse where we could discuss themes that could help us solve our lives as a community. Basically, my work consists of questions and perspectives about the world with projections to the future, where armed conflicts are kids’ toys, for children that have faith in living and not in hating (to live without hate). Without forgetting to judge the ones who have brought us to these poverty conditions and misinformation. I do not consider myself conceptual or minimalist, but utilitarian of these mediums, as a precise way of approaching concrete subjects without much paraphernalia.

 

Mi trabajo consiste en proponer a las personas una forma de pensamiento que, con planes o sin ellos, descubran dudas o soluciones. Me gustaría poder entablar un discurso donde podamos discutir temas que nos ayuden a solucionar nuestras vidas en comunidad. Básicamente mi trabajo radica en interrogantes y perspectivas de un mundo con proyecciones al futuro donde los conflictos armados sean de juguete sin para niños que tengan fe en vivir y no en odiar (vivir sin odio). Pero sin olvidar juzgar a los que nos han llevado a estos estados de pobreza y mala información. No me considero conceptual ni minimalista, sino utilitario estos medios como forma precisa de abarcar temas más concretos sin tanta parafernalia.

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November 7, 2013 Gala Berger https://abstractioninaction.com/artists/gala-berger/

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  • 2013: “Disponibilidad Arriesgada”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
  • 2012: “Atlas”, Hora del Té, Buenos Aires, Argentina.
  • 2011: “Pollo Frito”, Rayo Lazer, Buenos Aires, Argentina.
  • 2011: “La Tierra Permanece”, Jardín Oculto Galería, Buenos Aires, Argentina.

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  • 2013: “Des)afectos”, Biquini Wax, Mexico City.
  • 2013: “Sucursal”, Darling Foundry, Montreal, Canada.
  • 2013: “Casa”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
  • 2012: “Monstruo II”, La Fábrica, Buenos Aires, Argentina.

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November 7, 2013 Edgar Guzmanruiz https://abstractioninaction.com/artists/edgar-guzmanruiz/
Translated from Spanish

My site-specific works aim to create relationship bridges between art and architecture, where the architectural space is affected. The visitors relate to each other through works that alter the perception of “reality.” The interventions intersect, juxtapose, overflow, or are contained in the exhibition space.

Some have their origin in the display of a drawing or a painting in space. While some works are more related to the context of the place of exhibition, others seek a universal communication, beyond a specific culture. Present in my works is the constant use of few elements, an interest in shadow, void, absence, the passage of time, death. The most recent work explores from the visual arts to the geometric impossibility of relating parallel worlds through narratives.

 

Mis trabajos site-specific buscan construir puentes de relación entre Arte y Arquitectura, en donde el espacio arquitectónico es afectado. Los visitantes se relacionan entre sí a través de obras que alteran la percepción de “realidad”. Las intervenciones intersectan, se superponen, desbordan o son contenidas por el espacio de exhibición.

Algunas tienen su origen en el despliegue de un dibujo o una pintura en el espacio. Mientras unos trabajos están más ligados al contexto del lugar de exposición, otros buscan una comunicación universal, más allá una cultura específica. En mis obras se puede leer una constante en la utilización de pocos elementos, y el interés por la sombra, el vacío, la ausencia, las huellas del tiempo, la muerte. El trabajo más reciente explora desde las artes plásticas la imposibilidad geométrica de relacionar mundos paralelos a través de narrativas.

 

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November 6, 2013 Marcius Galan https://abstractioninaction.com/artists/marcius-galan/

Most part of my work explores the metaphorical capacities of space and our relation to it through his wide- ranging practice which includes installation, sculpture, photography and video. Using abstract geometry to delineate the political and social implications of his chosen environments, deconstructing the codes of objects established through everyday use. Whilst these configurations are always executed with graphic simplicity, the works are in fact complex material experiments that interrogate the functions, limits and frontiers of space and by extension, the socio-political systems which reside therein.

 
Traducido del inglés

La mayor parte de mi obra explora las capacidades metafóricas el espacio y nuestra relación con él mediante la amplia práctica que incluye instalación, escultura, fotografía y video. Utilizando geometría abstracta para delinear las implicaciones sociales y políticas de ambientes elegidos, deconstruyendo los códigos de los objetos establecidos mediante el uso cotidiano. Pese a que estas configuraciones son siempre ejecutadas con gran simplicidad, estas obras son de hecho complejos experimentos materiales que interrogan las funciones, límites y fronteras del espacio, y por ende, los sistemas socio-políticos en los que residen.

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November 6, 2013 Christian Camacho Reynoso https://abstractioninaction.com/artists/christian-camacho-reynoso/

Work occurs inside the intermittent activity conducted between things immediate and things suspended in thought: the familiar, the unknown and its eventual recombination. The employment of shifting materials and the recurrence of abstraction acts inside the practice as a reminder of all that persists only through relation: ideas which cannot be reflected upon without being translated, altered or negated. It is under these conditions that several aspects of the work are introduced; namely its particular use of the observer’s point of view, its relationship to a specific time of reading and the idea of a fragmentary expectation being the conduct in which the minor and the major activate their difference.

 
Traducido del inglés

El uso de materiales cambiantes y la recurrencia de la abstracción actúan dentro de la práctica como recordatorio de todo lo que persiste sólo por relaciones: ideas que no pueden reflejarse sin ser traducidas, alteradas o negadas. Es dentro de estas condiciones que muchos aspectos de la obra son introducidos; concretamente el uso particular del punto de vista del espectador, su relación con un tiempo específico de lectura y la idea de una expectativa fragmentaria como el conducto a través del cual lo menor y lo mayor activan su diferencia.

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November 5, 2013 Magdalena Fernández https://abstractioninaction.com/artists/magdalena-fernandez/
Translated from Spanish

A look to the past has allowed me to confirm that, intuitively, instability has been a common thread in my research; though it would seem not to be present in all the works I have produced, it always appears in different ways. There are pieces in which I work with a structural instability in it, which is caused by the various possibilities offered by the connections and the links, allowing to change the work into potential forms that are prepared for a possible transformation. In other works instability is more subtle, made through the visibility of the material, for example, through the light that can make a work invisible in front of the spectator. In the last decade, with video, I have been able to introduce sound as a breaking element. Video has also given me the possibility to work with temporary nature. I believe instability refers to movement, break, or something that is ready for a possible transformation. When I work, I do so from “being with” and not from “going to.” I believe this has eliminated projection to the future and has turned the work more timeless, losing with this some historicity, and causing that the work would not be another place in a line. This “being with” is what opens the door to the world, to nature, and allows me, suddenly, to imagine a Mondrian in motion when I see a macaw or I listen to the rain.

 

Una mirada hacia atrás me ha permitido constatar que, intuitivamente, la inestabilidad ha sido un hilo conductor de mi investigación; a pesar de que pareciera no estar presente en la totalidad de las piezas que he hecho, siempre aparece de distintas maneras: hay obras en las que trabajo con una inestabilidad estructural propiamente dicha, la cual está dada por las distintas posibilidades que ofrecen las conexiones, los vínculos, y que logran convertir las obras en formas potenciales que se presentan dispuestas a una posible transformación; en otras obras la inestabilidad es elaborada más sutilmente, a través de la visibilidad del material; por ejemplo, gracias a la luz que puede hasta hacer desaparecer una pieza ante el observador; y en la última década,  con el  video, he podido introducir el sonido como elemento de quiebre. El video me ha dado, además, la posibilidad de trabajar la temporalidad. Creo que la inestabilidad habla del movimiento, del quiebre o de algo que está listo para una posible transformación. Cuando trabajo lo hago desde un “estar con”, y no de  “ir hacia”, siento que eso ha restado la orientación a futuro y ha vuelto el trabajo más atemporal; perdiendo con esto algo de historicidad, haciendo que el trabajo no sea únicamente  un lugar más en una línea. Ese “estar con” es el que abre la puerta al mundo, a la naturaleza;  y me permite, de pronto, imaginarme un Mondrian en movimiento cuando veo una guacamaya o escucho la lluvia.

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November 5, 2013 Thomas Glassford https://abstractioninaction.com/artists/thomas-glassford/

Extract from “A Touch of Anguish (or two peas in a pod and a self-serving gourd). A Conversation Bewteen Manuel Hernández, Cuauhtémoc Medina & Thomas Glassford,” In: Cádaver Exquisitio: Thomas Glassford, Universidad Nacional Autónoma de Mexico, 2006 (…) The work relates to questioning beauty, lowering itself to the banal and simplistic, which really is the issue of taste because beauty is simply a word based on fashion and the dictates of fashion. In case of art, it’s connected to collecting. For example, I collect containers made from bull’s scrota. As a collector of objects, I try to deal with banality and take it a step backwards from the personal –from corporeal provocation. When, for example, I see and Aster, obviously speaking in respect to sterility in this extreme, for me it’s related to the gourd. (…) I’m into the surface texture and wear of everyday street life, the influence it has on society, how it becomes a passing image in time, the aspect of its defacing one’s contemporary positioning or historic presence. If one waits long enough, what seems defacing becomes classic. (…) Art is a code or a way of encoding these kinds of anguishing thoughts. There isn’t a day when we can stop thinking about art since there isn’t a day when we can stop thinking about the wrinkle that keeps growing –the one we hadn’t noticed before- or about the spot we’re in or the breakdown we’re feeling, about the anguish of realizing we’re forty-something years old.”

 
Traducido del inglés

Fragmento de “A Touch of Anguish (or two peas in a pod and a self-serving gourd). A Conversation Bewteen Manuel Hernández, Cuauhtémoc Medina & Thomas Glassford,” en: Cádaver Exquisitio: Thomas Glassford, Universidad Nacional Autónoma de Mexico, 2006 (…) La obra se relaciona con la cuestión de la belleza, rebajándose a lo banal y simplista, que es en realidad un problema de gusto porque la belleza es simplemente una palabra basada en la moda y lo que ésta dicta. En el caso del arte está ligada al coleccionismo. Por ejemplo, yo colecciono contenedores hechos de genitales de toro. Como coleccionista de objetos, intento considerar la banalidad y dar un paso atrás desde lo personal, desde la provocación corpórea. Cuando veo por ejemplo Aster, obviamente hablando sobre la esterilidad en este extremo, para mí está relacionada con el guaje. (…) Me interesan las texturas de las superficies y el deterioro de la vida urbana cotidiana, la influencia que tiene en la sociedad, cómo se convierte en una imagen que pasa en el tiempo, el aspecto de vandalizar nuestra postura contemporánea o presencia histórica. Si uno espera lo suficiente, lo que parece vandalizado se vuelve clásico (…) El arte es un código o una manera de codificar estas ansiedades. No hay día en el que dejemos de pensar sobre el arte porque no hay un día en el que dejemos de pensar en la arruga que sigue creciendo, la que no habíamos notado antes, o en el lugar en el que estamos o en la crisis que sentimos sobre la angustia de darnos cuenta que tenemos cuarenta y tantos años”.

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November 5, 2013 Fernando Carbajal https://abstractioninaction.com/artists/fernando-carbajal/

My work is a platform of investigation where four lines of work converge. Arriving from different reflections on the idea of production and artistic product, I develop a personal questionnaire to resolve through concepts characteristic of art, beyond supports or specific media. The work begins years before its exhibition under a rigorous daily process –quotidian-­‐ where text and image start to determine the path of apparition of the object and, above all, a recognition of how far to go, so that both the construction process as well as the moments that follow the work: exhibit, documentation, collection, are conducive to a latent state of conditions. The first line of work then, runs and traverses over an Arbeit Journal (workbook) that is usually a container of written poetic acts, preparation drawings, synoptical paintings and new glossaries. In my work there is an interest in the belief that “The syntax is a quality of the soul”, as Paul Valéry said, so it substantially asks not a reading from the possible spectator, but a kind of co-­‐ responsibility from its own substance. My second and third lines to investigate are extremely formal, conceptual and plastic determinants from materiality and the inherent boundaries of each substance used. I try to meditate about sculpture, painting, drawing and photography from their humanistic affiliation, from its undeniable quality as anthropological links; which is why my work is a kind of tracking, punctual, specific, not of art history, but of gaps where, although special circumstances exist, an inexplicable and elusive emptiness evidences a human potential almost lost, forgotten. In these moments of rupture, these breaks on the folded surface of time and space are axes of my personal network, which has been formed 12 years ago. It allows me not only a congruent and organic structure between each work, but it favors territories mainly unique and close to my own entity. Around the idea of painting and sculpture, for example, the raw materials gesticulate their own resonance; they limit the scope of form that the tooling and hand dissect, while the drawing is that possibility of looking at what one desires, almost immediately, almost simultaneously to the desire, like photography. The last line of investigation is the one that defines the links. My work is a field of action for the spectator, an observatory, an inventory. The work is not hermetic but neither immediate. Requires and is required, softens up when seen, solidifies itself at the sight. In the meantime (sway), my interest is to proliferate –more than to explain-­‐ an interest for the questions. Try to make the spectator believe that we surely inhabit an enormous and indecipherable question, and as beings from that realm, we converse through questions, and not through answers, with things. This correspondence and exchange could explain the diversity of appearances in my work. It is not a reflex of a pretentious question. It is evidence of the simplest question that we haven’t been able to formulate. The art work, for me, is that one presence whose origin never distorts its aim, and whose aim extols every moment of its origin. It is my way to have a discussion and to generate bonds from small questions for a more and more extensive listing of answers

 

Mi obra es una plataforma de investigación en donde convergen cuatro líneas de trabajo. A partir de distintas reflexiones en torno a la idea de producción y producto artístico, desarrollo un interrogatorio personal a resolver mediante los conceptos propios del arte, más allá de soportes o medios específicos. El trabajo comienza años antes de su exhibición bajo un riguroso proceso diario –cotidiano-­‐ en donde texto e imágenes comienzan a determinar la ruta de aparición del objeto y, sobretodo, un reconocimiento de hasta dónde ha de detenerse, para que tanto proceso constructivo como los momentos que la a obra suceden: exhibición, documentación, coleccionismo, propicien un estado latente de condiciones. La primera línea de trabajo entonces, corre y atraviesa sobre un Arbeit Journal (libro de trabajo), que usualmente es contenedor de actos poéticos escritos, dibujos preparatorios, cuadros sinópticos y glosarios nuevos. En mi obra existe un interés en la creencia de que “La sintaxis es una cualidad del alma”, según Paul Valéry, por lo que sustancialmente solicita no una lectura del espectador posible, sino una especie de co-­‐responsabilidad desde su propia sustancia. Mi segunda y tercera línea a investigar son sumamente formales, determinantes conceptuales y plásticas a partir de la materialidad y los alcances propios de cada sustancia a utilizar. Intento reflexionar acerca de la escultura, la pintura, el dibujo y la fotografía desde su afiliación humanística, desde su innegable cualidad de eslabón antropológico; por ello, mi obra es una clase de rastreo, puntual, específico, no de la historia del arte, sino de las brechas en donde, si bien existen circunstancias particulares, un vacío inexplicable e inasible evidencia un potencial humano casi perdido, olvidado. Esos momentos de ruptura, esos quiebres sobre la superficie plegada del tiempo y el espacio, son ejes de mi red personal, que se ha venido conformando desde hace 12 años. Me permite no sólo una estructuración congruente y orgánica entre cada obra, sino que propicia territorios mayormente únicos y apegados a mi propia entidad. En torno a la idea de pintura y escultura, por ejemplo, las materias primas gesticulan su propia resonancia, delimitan en sí los alcances de la forma, que el herramental y la mano disecan, mientras que el dibujo es aquella posibilidad de mirar lo que se desea, casi inmediatamente, casi simultáneo al deseo, como la fotografía. La última línea de investigación es la que define: los vínculos. Mi obra es un campo de acción para el espectador, un observatorio, un inventario. No es una obra hermética pero tampoco inmediata. Exige y es exigida, se reblandece al ser vista, se solidifica en la mirada. En ese intervalo (vaivén), mi interés es el de contagiar -­‐más que explicar-­‐ el interés por las preguntas. Hacer creer que seguramente habitamos una pregunta enorme e indescifrable, y que como seres de ese paraje, dialogamos a través de preguntas, y no de respuestas, con las cosas. Esa correspondencia e intercambio podría explicar la diversidad de apariencias de mi trabajo. No es un reflejo de una respuesta pretenciosa. Es una evidencia de la pregunta más simple que no hemos sabido formular. La obra de arte para mí es aquella presencia que nunca tergiversa su fin, y cuyo fin enaltece cada momento de su origen

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November 2, 2013 Horacio Zabala https://abstractioninaction.com/artists/horacio-zabala/

Translated from Spanish

Art is the world for a second time.

 

El arte es el mundo por segunda vez.

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October 16, 2013 Túlio Pinto https://abstractioninaction.com/artists/tulio-pinto/

Over the past five years, I have developed a research work in sculpture and installation with industrial materials which denote, in the constitution and the way they are presented, my intention to hold encounters of different strengths and temperaments; of oppositions that support each other at their possible limits. In my visual speech that I seek to generate, I establish the dialogue through the laws of the world, metaphors that point to the “being’s” existence; where transformation and impermanence, from the subtlety of possible balance, translate into a place of experience and reflection.

 
Traducido del inglés

En los últimos cinco años he desarrollado un trabajo de investigación en la escultura e instalación con materiales industriales que denotan, en su constitución y la forma que son presentados, mi intención de contener encuentros de diferentes fuerzas y temperamentos; de oposiciones que se apoyan unas a las otras dentro de sus límites posibles. En mi discurso visual busco generar, estableciendo el diálogo por medio de las leyes del mundo, metáforas que apuntan a la existencia del ser, donde la transformación e impermanencia, desde lo sutil del posible balance, se traducen a un lugar de experiencia y reflexión.

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October 16, 2013 Antonio Pichillá https://abstractioninaction.com/artists/antonio-pichilla/

Translated from Spanish

Everything is amorphous, confusing. I restlessly look for a bond that integrates with the environment as something inaccurate, not codified. I struggle to give form to these transitory states. B’atz is the name of a day in the Maya calendar that means the beginning and the end, to roll and unroll, to tie and untie. The knot is the bond between beings and their beginnings; it is the union that allows to continue on a certain path. The knot is the articulation between kinfolk and/or enemies which maintains a structure and at the same time creates tension between them. This bond between two or more systems also represents a closure, a forced enclosure that grasps through the ropes and that hinders that liberation of a determined gesture: the knot in the throat that submerges the voice. We are beginning a new era of Maya world view that is associated with important events. Departing from an interdisciplinary investigation, anthropological approximately ten years, in the city as in the rural areas, I began to work in the reengagement of images, forms, codes, moorings, baskets, chests, Quipos, candles, Maya ceremonies, with meanings charged of deep energetic presence that mark the passage of time. I believe in artistic expression as a product of the everyday. I situate myself within this perspective, materializing though ephemeral objects, like a candle that is lit, is consumed and finished. That action indicates time. I propose to reprise ritual elements like candles, bundles or baskets, incense, flowers, and of course, energy, to create art objects. I am interested in constructing, intervening, wither the visible through the occult; from the private to the public.

 

Todo es amorfo, confuso busco con inquietud un lazo  que se integran al entorno como algo inexacto, no codificado, lucho por darle cuerpo a estados transitorios. B’atz es el nombre de un día del calendario maya, que significa el inicio y el final, enrollar y desenrollar, amarar y desamarrar. El nudo es el vínculo entre los seres y su principio; es la unión que permite continuar cierto trayecto. El nudo es la articulación entre los semejantes y/o entre los contrarios que mantiene una estructura y al mismo tiempo la tensa. Este lazo entre dos o más sistemas representa también un cierre, una fuerza de clausura que se empuña por los cabos y que impide la liberación de un gesto determinado: el nudo en la garganta sumerge la voz. Estamos empezando un nueva era en la cosmovisión maya que se asocia con eventos importantes. Partiendo de una investigación interdisciplinaria, aproximadamente 10 años en especial antropológica, tanto en la ciudad como en el área rural comencé a trabajar el reencuentro con imágenes, formas, códigos, amarres, tanates, bustos, quipos, candelas, ceremonias mayas, con significados cargados de profunda presencia energética que marcan el tiempo. Creo en la expresión artística como producto de lo cotidiano. Me ubico en esta perspectiva proponiéndome materializar a través de objetos efímeros, como una candela que se enciende, se consume y se termina. Así tal acción marca el tiempo. Me propongo retomar elementos rituales como candelas bultos o tanates, incienso, flores y por supuesto la energía, para crear objetos de arte. Me interesa construir, intervenir, marchitar a partir de lo oculto a lo visible  de lo privado a lo público.

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October 16, 2013 Manuel Mérida https://abstractioninaction.com/artists/manuel-merida/

Translated from Spanish

Artists have not conformed to being simply artists; they have also needed to create a theoretic framework. Generally, artists have been their own theorists, they have created their own arena as artists, have believed necessary to take a position not only in order to make their works but to create their own world, their own code… Everything we do and think exists, in only in a way. What happens is what we make evident. There are artists that speak about their own trade and who take great pleasure in giving explanations. In my case, I have a lot of issues when analyzing my own work. There are also artists that are better orators than creators… What I meant to say is that their theory often goes beyond their own work. The tendency to take theorist definitions about art, in some cases, traps them in their own creation. In my interactive or motorized works I try to introduce movement with the intention of avoiding a single and fixed phase, and the possibility of perpetual change to make evident the quality of matter and its behavior. I rely on manual or mechanic grounds to animate the work, in which mobility is an accident, creating changing situations just as it occurs at every moment in nature. When I say this, I am based on kinetic art concepts that I acquired very late, in the year ’68 when I arrived in Paris for the first time. It was shocking to discover new ways of tackling art, since I was a gestural artist… The encounter with artists such as Soto, Cruz-Diez, Camargo, Le Parc, Lygia Clark, etc., created a conflict in me, which took me to a contradiction of my previous work. Later I understood that the situation was a possible exit to a new way of seeing, to a new experience… Nevertheless, it is good to say that in my work method is closer to a gestural painter than to a constructivist or kinetic artist. In any case, what is proposed by an artist or creator is not to make “good paintings” or pay the bills, but to try to invent, modify certain established structures despite all the contradictions that this may represent…

 

Los artistas no se han conformado con simples artistas también han necesitado un marco teórico. Generalmente han sido sus propios teóricos, han creado su propio terreno como artistas, han creído necesario tomar posición no solamente para hacer obras, sino para fabricar su proprio mundo, su propio código… Todo lo que hacemos y pensamos existe de una cierta manera tan solo, lo que pasa, es que lo ponemos en evidencia. Hay artistas que hablan de su proprio oficio y que tienen gran placer en dar explicaciones. En mi caso, yo, tengo muchísimos problemas en analizar mi propia obra. También hay artistas que son mejores conversadores que creadores… lo que quiero decir es que su teoría muchas veces va más allá de su propia obra. La tendencia a tomar definiciones teóricas sobre el arte, en ciertos casos, los encierran en su propia creación. En mis obras manipulables o motorizadas, trato de introducir el movimiento con la intención de evitar una fase fija y única y la posibilidad del cambio perpetuo para evidenciar la calidad de la materia y su comportamiento. Me apoyo en fundamento mecánico o manual para animar la obra en la que la movilidad es un accidente creando situaciones siempre cambiantes como ocurre a cada instante en la naturaleza. Cuando digo esto, me baso en conceptos del arte cinético que yo adquirí bastante tarde en el año 68 cuando yo llegue a Paris por la primera vez. Para mí fue un impacto descubrir nuevas maneras de afrontar el arte, siendo yo un artista gestual… El contacto con artistas como Soto, Cruz-Diez, Camargo, Le Parc, Lygia Clark, etc… Crearon en mí un conflicto que me llevo a una contradicción con mi trabajo anterior. Pero luego comprendí que esa situación era una posible salida a una nueva manera de ver, a una nueva experiencia… Sin embargo, es bueno decir, que mi método de trabajo está más cerca de un pintor gestual, que de un artista cinético constructivista. En todo caso, lo que se propone un artista o creador no es de hacer “buena pintura” o buena factura sino trabar de inventar, modificar ciertas estructuras establecidas a pesar todas las contradicciones que esto pueda representar…

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 1950-1958: Fine art training. School of fine art – Arturo Michelena, Valencia, Venezuela.

Prizes / Fellowships

  • 14 prizes given by Venezuelan Salons and Museums along with a prize by Vitry City, France.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

  • 2012: “10 works in the shop windows”, Hermes of Paris, NY, Monaco, Hong-Kong.
  • 2012: “Fondation Datris”, L’Isle-sur-la-Sorgue, France.
  • 2011-2012: Espace Meyer Zafra, France.
  • 2009: “Atlas Sztuki”, Lodz, Poland.
  • 2006-2012: Art Paris Art Fair, Grand Palais, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2006: “Collective Show Une Histoire du Cinétisme”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2005: “Collective Show Autour de Soto”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2004: “Collective Show Movement and Abstraction”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2003: “4 Maitres du Venezuela”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.

Collections

  • Musèe des Beaux – Arts, Caracas, Venezuela.

Links

October 16, 2013 Danilo Dueñas https://abstractioninaction.com/artists/danilo-duenas/

On painting

A wall, the painting, the floor, the ceiling, the mist in the room.

The organ, the flute, the hemlock.

The truth, the specter, the real.

What is it that lives?, said the hare to the tortoise, is it the hemlock or the rose? The rose said, it is me, I shall always live, whilst the room shall grow and the sound shall ring in our ears. But my life shall never cease. Please testify to this never-ending truth and you too, shall live as me.

 
Traducido del inglés

Sobre la pintura

Un muro, la pintura, el piso, el techo, la neblina en la habitación.

El órgano, la flauta, la cicuta.

La verdad, el espectro, lo real.

¿Qué es lo que vive?, dijo la liebre a la tortuga, ¿es la cicuta o la rosa? La rosa dijo,

soy yo, siempre viviré, mientras que la habitación crezca y el sonido repique en nuestros oídos. Pero mi vida nunca terminará. Favor de testificar a esta verdad sinfín y tú también vivirás como yo.

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October 15, 2013 Octavio Abúndez https://abstractioninaction.com/artists/octavio-abundez/
Translated from Spanish

I divide my artistic production in three simultaneous directions. The phenomenological; the epistemological; and the topological. Perception, culture and place. Every direction converges in the human condition. Each one of these directions has its own visual language. The works focused on perception are full of color, of light. They oscillate between geometry and minimalism. Those centered in culture are textual and monochromatic. They oscillate between the joke, the absurd, the messianic and the politically incorrect. The ones focused on place are the backbone of my work. Through trips and moves I determine and subjectively give signs and values to cities and places. An un-scientific anthropology. A unique language in each place, which goes from the figurative to land art. There is a back and forth between directions and visual languages. I find, through constant exploration, my work’s reason to be.

 

Divido mi producción artística en tres direcciones simultáneas. Lo fenoménico, lo epistemológico y lo topológico. La percepción, la cultura y el sitio. Todas las direcciones convergen en la condición humana. Cada una de estas direcciones tiene su lenguaje plástico particular. Las piezas enfocadas a la percepción están llenas de color, de luz. Oscilan entre la geometría y el minimalismo. Aquellas enfocadas a la cultura son textuales y monocromáticas. Oscilan entre la broma, el absurdo, lo mesiánico y lo políticamente incorrecto. Las piezas enfocadas al sitio son la columna vertebral de mi trabajo. A través de viajes y cambios de residencia determino y subjetivamente le doy signos y valores a ciudades y lugares. Una antropología acientífica. Un lenguaje único en cada sitio, que va desde lo figurativo al land art. Existe un ir y venir entre direcciones y entre lenguajes plásticos. Encuentro en una constante exploración la razón de ser de mi trabajo.

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October 15, 2013 Juan Pablo Garza https://abstractioninaction.com/artists/juan-pablo-garza/

About the Artist

My work aims to be an exploration on photography as a technique and as a language in itself, becoming an important aspect within my personal discourse. From this central idea derives my interest on the revision and dialogue between the photographic image and other representation mediums, as well as the investigation on the possible transformation of content in everyday spaces, in expressive subjects. I seek to approach the image not as a mere fact anchored to formal rules, but also being interested in the use of the image as a sort of container of ideas, as a vehicle of information. This has taken me, among other things, to the manipulation of found scenes, as well as the complete construction of images. I conceive the creative process as a tool for research and knowledge, as an active way of relating to the world, as an experience that transforms into a process of understanding. I believe as much in intuitive intelligence as in intellectual exercises. Whichever the case, I believe the constant questioning and the formulation of questions is vital for the beginning of new possibilities and directions in the creative endeavor.

—

Mi trabajo pretende ser una exploración en torno a la fotografía como recurso técnico y como lenguaje en sí mismo, convirtiéndose ésta en un factor determinante dentro de mi discurso personal. De esta idea central parte mi interés por la revisión y el diálogo entre la imagen fotográfica y otros medios de representación, así como también, la indagación en torno a la posible transformación del contenido de espacios cotidianos en materia expresiva. Busco entonces abordar la imagen, no como mero hecho anclado a leyes formales, sino interesándome también en el uso de la imagen como una suerte de contenedor de ideas, como vehículo de información. Esto último me ha llevado, entre otras cosas, tanto a la manipulación de escenas encontradas, como a la construcción completa de imágenes. Concibo el proceso creativo como una herramienta para la investigación y el conocimiento, como una manera activa de relacionarme con el mundo, como experiencias que se transforman de alguna manera en un proceso de comprensión. Creo tanto en la inteligencia intuitiva, como en el ejercicio intelectual. En cualquiera de los dos casos, el constante cuestionamiento, el planteamiento de preguntas me resulta vital para la apertura de nuevas posibilidades y direcciones del hacer creativo.

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October 9, 2013 Patrick Hamilton https://abstractioninaction.com/artists/patrick-hamilton/

Translated from Spanish

I develop my work through photography, collage, objects and installation, and it comprises an analysis of concepts of inequality, architecture, and spectacle in Chile in the last twenty years—Chile after the dictatorship. In this sense, it presumes an aesthetic reflection of the consequences of the “neoliberal revolution,” imposed on Chile during the ‘80s, and its projection on the social and cultural field since then until this day. In the series Spike Drawings, 2010-2013, I make a type of drawing on the wall with simple geometric shapes such as squares, rhomboids, etc., which is constructed with a metal material that is used as protection on the walls of middle and high class houses in Santiago de Chile. The wall protections are very sharp and comply with the fight against crime and the protection to private property. These works describe the segregation and social divisions, confinement and limitations, in a very simple way, using basic but eloquent shapes such as the square, which is the simplest act of delimitation in geometry. These works also refer to a tradition in modern art linked to Constructivism, geometric abstract art and minimalism. In this sense, it is a series that joins an extreme formalism of minimal shapes, with social content.

 

Mi trabajo desarrollado en fotografía, collage, objeto e instalaciones, comprende una reflexión en torno a los conceptos de trabajo, desigualdad, arquitectura y espectaculo en el Chile de los últimos 20 años; en el Chile de la postdictadura. En este sentido, supone una reflexión estética sobre las consecuencias de la “revolución neoliberal” implantada en Chile durante los años 80´s y su proyección en el campo social y cultural desde entonces hasta ahora. En la serie “Spike drawings” (2010-2013) realizo un tipo de dibujo sobre la pared con formas geométricas simples -cuadrados, rombos, etc- que están construidos con un material de fierro que se usa como protección en los muros de las casas de gente clase media y media alta en Santiago de Chile. Las protecciones de muro son muy filosas y remiten a la lucha contra la delincuencia así como a la protección de la propiedad privada. Estos trabajos hablan de segregación y división social, de encierro y de límites, de una manera muy simple, usando formas muy básicas y elocuentes como el cuadrado que es el acto geométrico más simple de delimitación. Estos trabajos, hacen referencia también, a cierta tradición del arte moderno vinculada al constructivismo, al arte abstracto geométrico y al minimalismo. En este sentido, es una serie que vincula un formalismo extremo, de formas mínimas, con un contenido social.

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October 9, 2013 Diana de Solares https://abstractioninaction.com/artists/diana-de-solares/

About the Artist

¨Where are we when we are in the world?¨

This question has led me to explore the notions of space and place.

My constructions and environments are mostly made out of various found objects, images and materials, some of them belonging to a domestic, industrial or construction milieu. The site, its space and architectural components are key in shaping the works. I use straight lines and the continuous expanse they occupy and define. Thus, my works approximate provisional drawings in space and about space, aiming at a perceptual, pre-reflexive experience.

The process begins with the creation of three-dimensional structures which in turn, give place to drawings on paper that allow me to complete the concept.

—

Construyo estructuras y ambientes condicionados por el sitio en cuestión, que se relacionan íntimamente con los elementos arquitectónicos vecinos. Se trata de corporeizar el espacio, volviéndolo parte esencial de la obra. Utilizo materiales y objetos encontrados pertenecientes a lo cotidiano, a la construcción y al desecho. Más que esculturas o instalaciones, se trata de dibujos provisionales en el espacio tendientes a desaparecer. Me interesa la experiencia perceptual, pre-reflexiva, que coloca al espectador en un instante de conciencia de sí mismo.

El proceso comienza con la creación de una estructura tridimensional, la cual a su vez, da lugar a dibujos sobre papel que me permiten completar la idea.

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October 9, 2013 José Dávila https://abstractioninaction.com/artists/jose-davila/

Translated from Spanish

My practice is based on an articulate recursion on the margins of homage, imitation, and critique. As a sort of mirage, I use different reproduction strategies which allow me to dismantle the relationships between form and content, as well as to manifest the virtues and lacks from my references.

My work has been engaged in questioning the limits of instrumental values through the use of everyday materials in the creation of sculptures, objects, and installation. More recently, I have explored photography and document as ways of recording and due to their possibilities of re-signification.

 

Mi práctica se vale de una elocuente recursividad que se encuentra en los márgenes del homenaje, la imitación y la crítica. Como una suerte de espejismo, utilizo distintas estrategias de reproducción que me permiten desmantelar las relaciones entre forma y contenido, así como manifestar las virtudes y carencias de mis referencias.

Mi trabajo se ha ocupado de cuestionar los límites de los valores instrumentales a través del uso de materiales ordinarios para la creación de esculturas, objetos e instalación. Recientemente, he explorado la fotografía y el documento como formas de registro y sus posibilidades de re-significación.

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October 9, 2013 Ishmael Randall Weeks https://abstractioninaction.com/artists/ishmael-randall-weeks/

My work encompasses site-specific installations, sculpture and video to works on paper.  In these works, issues of urbanization, transformation, regeneration, escape, collapse and nomadic existence have been predominant. While the work in the drawing studio serves as a means for a more intimate exploration of these issues, the foundation of my larger scale work lies in the alteration of found and recycled materials and environmental debris, often on site (including such source materials as books and printed matter, empty tins, old tires, bicycles, boat parts and building construction fragments) that are often altered to create sculptural objects and architectural spaces. These works take the visual form of functional objects while stripping them of their productivity to address notions of labor and utility, forcing an examination of our understanding of culturally specific forms while simultaneously exploiting and adapting their particular codes and associations.

 
Traducido del inglés

Mi obra abarca instalaciones de sitio específico, escultura y video hasta obra en papel. En estas obras, temas de urbanización, transformación, regeneración, escape, derrumbe y existencia nómada han sido predominantes. Mientras que el trabajo en el estudio de dibujo sirve como una forma más íntima de exploración de estas ideas, la base de mi obra a gran escala está en la alteración de materiales encontrados y reciclados y desechos ambientales, a menudo in situ (incluyendo fuentes como libros y material impreso, latas vacías, llantas viejas, bicicletas, partes de barco y fragmentos de construcción), que son a menudo modificados para crear objetos esculturales y espacios arquitectónicos. Estas obras toman la forma visual de objetos funcionales mientras que los despojan de su productividad para abordar nociones de labor y utilidad, forzando un análisis de nuestro entendimiento de formas culturalmente específicas, mientras que explotamos y adaptamos sus códigos y asociaciones particulares.

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October 9, 2013 Francisco Ugarte https://abstractioninaction.com/artists/francisco-ugarte/

Translated from Spanish

My work is supported by the fields of architecture and above all the creative process. The proposal is generated from the analysis of the environment and it is a reaction to it. It can be understood as a phenomenological exercise, from which reality is understood through the perception of phenomena and the essence of things. The works are self-referential, they speak about themselves. Perception, abstraction, intuition, light, time, change, place, the material and the universal, are some of the recurring themes of my work.

 

Mi trabajo se apoya en los terrenos de la arquitectura, y sobre todo en el del proceso creativo. La propuesta se genera a partir del análisis del entorno y es una respuesta a él. Se puede entender como un ejercicio fenomenológico, con el cual la realidad es conocida a través de la percepción de los fenómenos y las esencias de las cosas. Las obras son autorreferentes, hablan de sí mismas. La percepción, la abstracción, la intuición, la luz, el tiempo, los cambios, el lugar, lo material y lo universal son algunos de los temas recurrentes dentro de mi trabajo.

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October 9, 2013 Pedro Tyler https://abstractioninaction.com/artists/pedro-tyler/

I believe that the beauty of an artwork is connected to the way we get to know it. A knowledge that comes along with a pleasing sensation related to understanding. Comprehending and enjoying how its components interact between each other and their mechanisms of sustentation. This can be seen in my works when stacking coins, interlacing rulers or giving mobility to something that seems motionless. I relate beauty to the subtlety of instability. Those moments in which you understand or feel consciously that you are alive, that something overflows and is lost at every instant. I like the static at the moment it waits, like the calm before the storm, because it foretells it. The amazing moment before jumping or not to the void because of heights vertigo and its fall. Depths stillness where silence will listen to my body, or, on the other side, heights, for making me believe I am outside things and there is no center in them. Reflections, because of the question my eyes return. It delights me to know there is always something I can´t understand. Candlelight for not being steady, making shadows bigger and in obscurity, space more dense. I like altering things because I know they are not definitive and by doing so, apprehend them in a different way. The photo that shows the camera that took it, because it´s the perfect symmetry that I can´t achieve before a mirror. Cages, because they are spaces which are difficult to penetrate and from where you might not want to get out. I like art, that when I leave it, I feel like I`m losing something. Feeling the wind, the sun, the cold and the pain of a wound because they make me believe I am in a place. Glass and transparencies because they cut through space, whereas everything else occupies it, and what occupies it because it completes it. For the same reasons I like to think, for the moments in which I believe I learn and move forward, but more than anything, I like to think because I believe I don´t understand. In this search for understanding, is that I use everyday objects as material for my works, so as, by taking them out of context, appreciate them in another way. By putting water inside it, or chiseling its glass, a light bulb becomes, to me, a metaphor about the fragility of the body. How, thanks to that border that is our skin, we develop all our feelings and thoughts. With measuring tapes, wooden or steel rules, you can measure something linear as the body, but you can´t measure, for example, feelings inside that body. Measuring what can´t be measured. The measure of pain related to a close death, started a body of work that developed from a personal concern; how to analyze and reason about feelings. Although the artwork started being self-referential, I have come to know that the intimacy of this subject is universal. Each person interprets this experiences and concerns from his or hers perspective. And is from this perspective, unique and personal, that I hope they will relate to my artwork.

 

Creo que la belleza de una obra tiene que ver con nuestra manera de conocerla, y ese conocimiento acarrea una sensación placentera relacionada al entender. Entender y disfrutar cómo sus componentes interactúan unos con otros y sus mecanismos de sustentación. Esto puede verse al apilar monedas, entrelazar reglas o darle movilidad a algo aparentemente inmóvil.

Relaciono la belleza a la sutileza de la inestabilidad. Esos momentos de entender o sentir conscientemente que se está vivo, que algo se desborda y se pierde a cada instante. Me gusta lo estático en el momento que espera, al igual que la calma antes de la tormenta porque la presagia. El alucinante momento antes de saltar o no al vacío por el vértigo de la altura y la caída. La quietud de las profundidades donde el silencio escuchará mi cuerpo, o por otro lado, las alturas por creer que estoy fuera de las cosas y no hay un centro en ellas. Los reflejos por la pregunta que me devuelven mis ojos. Me agrada que siempre haya algo que no entienda. La luz de la vela por no ser constante, hace a las sombras más grandes y en la penumbra al espacio más denso.

Me gusta alterar las cosas porque sé que no son definitivas y así aprehenderlas de otra manera. La foto en la que sale la cámara que la sacó, porque es la perfecta simetría que ante un espejo no puedo lograr. Las jaulas porque son espacios en que es difícil penetrar y de los que tal vez no se quiera salir. Me gusta el arte que cuando lo dejo, me hace sentir que pierdo algo.  Sentir el viento, el sol, el frío y el dolor de una herida porque me hacen creer que soy en un lugar. El vidrio y las transparencias porque seccionan el espacio mientras que todo lo demás lo ocupa, y lo que lo ocupa porque lo completa. Por lo mismo me gusta pensar, por los momentos en que creo aprender y avanzar, pero más que nada me gusta pensar porque creo no entender.

En esa búsqueda por comprender, es que empleo objetos cotidianos como material de trabajo, para, sacándolos de su contexto, apreciarlos de otra manera.

Al poner agua en su interior, o cincelar su vidrio, una lamparita se convierte para mí en una metáfora de la fragilidad del cuerpo. Como, gracias a esta frontera que es la piel, desarrollamos todo nuestro sentir y pensar.

Con cintas métricas, reglas de madera o de acero, se puede medir algo lineal como el cuerpo, pero no se puede medir, por ejemplo, los sentimientos dentro de ese cuerpo. Medir lo que no se puede medir. La medida del dolor relacionada con una muerte cercana, dispara una serie de obras que nacen de una inquietud personal; cómo analizar y razonar sobre los sentimientos.

Si bien las obras partieron siendo auto referentes me he dado cuenta que la intimidad de estos temas resulta ser universal. Cada persona interpreta estas experiencias e inquietudes según su perspectiva. Y es desde esta perspectiva, única y personal, que espero se relacionen con mis obras.

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October 9, 2013 Clarissa Tossin https://abstractioninaction.com/artists/clarissa-tossin/

The notion of gesture is the primary impulse behind my work. My videos, photographs, installations, sculptures and drawings are the result of subtle gestures that intend to reveal what goes unseen or unexamined, be it architectural similarities between a settlement in the Amazon forest and a small town in Michigan or the intensive labor required to clean a pristine modernist government building in Brasília. Architecture, as a manifestation of identity, ideology and economic power is of great interest to me, as it is to investigate the invisible supporting structures of modernity, urban life and capitalism. In dialogue with these concerns are my interest in indexical processes and the cultural and historical connotations of a given material. My investment in indexicality stems from its intrinsic relationship to our bodies and therefore proximity to the real. Not unlike what happens with history and its material evidences. My works on paper exist in a place between bi and tridimensionality, as they usually hold object-like qualities. Double-sided prints, ink and paper disintegrated into dust, crushed folds and creases are some examples on how I treat surfaces as material. This approach triggers a tension between representation and trace while combining body movements to the articulation of ideas.

 
Traducido del inglés

La noción del gesto es el primer impulse detrás de mi obra. Mis videos, fotografías, instalaciones, esculturas y dibujos son el resultado de sutiles gestos que intentan revelar lo que pasa desapercibido o sin estudiarse, ya sea similitudes arquitectónicas entre una aldea en la selva Amazónica con un pueblito de Michigan; o la intensa labor requerida para limpiar un edificio gubernamental prístino en Brasilia. La arquitectura como manifestación de la identidad, ideología y poder económico es de gran interés para mí, como lo es investigar las estructuras de soporte de la modernidad que son invisibles, la vida y el capitalismo. En diálogo con estas preocupaciones está mi interés en los procesos de indicio y las connotaciones culturales e históricas de un material. Mi dedicación al indicio parte de su relación intrínseca con nuestros cuerpos y por tanto a la proximidad con lo real, no muy alejado de lo que pasa con la historia y sus evidencias materiales. Mi obra en papel existe en un lugar entre la bi y tridimensionalidad, ya que por lo regular poseen cualidades de objeto. Grabados de dos caras, tinta y pape desintegrados en polvo y dobleces machucados, son ejemplos de cómo manejo las superficies como material. Este acercamiento provoca una tensión entre la representación y el trazo mientras combino movimientos corporales a la articulación de las ideas.

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October 9, 2013 Ana Tiscornia https://abstractioninaction.com/artists/ana-tiscornia/

My visual rearrangements draw upon the paradoxical bond between architecture –a language of construction par excellence-with that of destruction and dislocation. In rearranging various materials I seek a potential poetics – a kind of cartography of social oblivion –that is simultaneously exposing but also recovering scattered fragments of an unrealized utopian project.

 
Traducido del inglés

Mis composiciones visuales recurren a la paradójica unión entre la arquitectura (un lenguaje de construcción por excelencia) con la destrucción y la dislocación. Al reconfigurar estos diferentes materiales busco una potencial poética, una especie de cartografía del olvido, que simultáneamente revela y también recobra fragmentos desperdigados de un proyecto utópico frustrado.

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Ana Tiscornia / Other impertinences

October 9, 2013 Gabriel Sierra https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-sierra/

I studied Architecture and Industrial Design. My artistic practice reflects in a highly distinctive way my training in these two dissimilar yet interconnected fields. My works include objects, sculptures, writings, spatial constructions and site-specific interventions, using a vocabulary that points directly to the history of art and architecture.

 
Traducido del inglés

Estudié arquitectura y diseño industrial. Mi práctica artística refleja de manera significativa mi educación en estos dos campos tan diferentes pero tan interrelacionados. Mis obras incluyen objetos, esculturas, escritos, construcciones espaciales e intervenciones de sitio específico, usando un vocabulario que apunta de manera directa a la historia del arte y la arquitectura.

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October 8, 2013 Mariela Scafati https://abstractioninaction.com/artists/mariela-scafati/

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October 8, 2013 Miguel Rothschild https://abstractioninaction.com/artists/miguel-rothschild/

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October 8, 2013 Omar Rodríguez-Graham https://abstractioninaction.com/artists/omar-rodriguez-graham/

Translated from Spanish

My work creates an ambiguous relationship between abstraction and representation. I compose paintings that depict constructed scenes and objects that borrow from the language of painting, marks are constructed with wooden blocks and painted. By depicting these objects, or more directly the experience that they incite, I present the language of painting. While working within the tradition of still life painting, my process is taken to what must be its obvious conclusion. The objects painted must initially be that thing which they wish to re-present, the language of painting.

 

Mi obra crea una relación ambigua entre la abstracción y la representación. Realizo pinturas que representan escenas construidas y objetos que toman elementos del lenguaje pictórico, construyo marcas con bloques de madera pintada. Al presentar estos objetos, o más directamente la experiencia que incitan, presento el lenguaje de la pintura. Al trabajar desde la tradición de la naturaleza muerta, mi proceso se entiende como lo que debe ser la conclusión más obvia. Los objetos pintados deben ser inicialmente esa cosa que buscan representar; el lenguaje de la pintura.

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 2005: Tyler School of Art, M.F.A. Painting, Philadelphia, P.A. USA.
  • 2002: Drew University, B.F.A. Studio Art, Madison, N.J., USA.

Prizes / Fellowships

  • 2013-2014: Fonca Jovenes Creadores, Mexico.
  • 2010: Fonca / The Ban! Centre, Ban!, Alberta.
  • 2006-2007: Fonca Jovenes Creadores, Mexico.

Solo Exhibitions

  • 2013: “Mise en Abyme”, Bogota, Colombia.
  • 2012: “Pintura Construida”, Queretaro, Mexico.
  • 2011: “Variaciones sobre un Tema”, Mexico City, Mexico.
  • 2008: “Reposo”, Querétaro, Mexico.
  • 2008: “La Muerte Reina Bella y Melancólica”, Mexico City, Mexico.

Group Exhibitions

  • 2013: “After the Object”, Manhattan, USA.
  • 2013: “Ensamble”, Mexico City, Mexico.
  • 2012: “Sugar and Wood”, Dallas, USA.
  • 2011: Bienal de Pintura Tamayo, Mexico City, Mexico.
  • 2010: “Bella y Terca”, Mexico City, Mexico.

Publications

  • 2012: Ostrander, Tobias (Compilador), Castillo, Erik & Perez, Daniela: Omar Rodriguez-Graham, Arroniz. Print.

October 8, 2013 Ricardo Rendón https://abstractioninaction.com/artists/ricardo-rendon/

In the work process, in the process of shaping and changing the nature exterior to him, man is shaped and changes himself: My work is presented as a system of questioning of the creative practice, of the execution, productive realization and notion of work. A search of meaning in the activity that makes possible not only locate its motive, the why of creating, but that would also allow to establish a critical vision of the role that the subject plays in the work environment.  Revalue the creative practice and find meaning in the work through the experience in the continuous making: To determine my reality through the experience and practice of my creative abilities, whose activation allows the emergence of forms of subjectivity and one’s own knowledge. Therefore, experience, comprised of the development and accumulation of moments of execution and site-specific plastic exercise, allows me to establish a strategic and perspective relation from where to position facing that which surrounds us.

I recognize from the creative making my position as subject result of the possibilities, events, dialogue and interpretation. Place of continuous transformation, determined by the creative activity within the physical limitations of space and the materials. A scenario of action and experience.

My work is designed as a system of inquiry into creative practice. It is a search for meaning that not only uncovers motivation, answering the question of why to create, but also permits a critical appraisal of the role of the subject who performs personal work. Reassessing the creative process allows me to make sense of making art through experiencing its continual realization.

It consists of determining my subjective reality and setting in motion my creative faculties, which enable the emergence of new understandings. In this way, experience, consisting of the development and accumulation of moments of creation, informs my strategic orientation towards my surroundings.

Accordingly, I recognize that as the subject of creative doing, I am shaped by possibilities, events, dialogues and interpretations in a place of continual transformation, a setting of action and experience in which creative activity is restricted only by the physical limits of workspace and materials.

 

En el proceso del trabajo, en el proceso de moldear y cambiar la naturaleza exterior a él, el hombre se moldea y se cambia a sí mismo: Mi obra se presenta como un sistema de cuestionamiento de la práctica y del quehacer creativo, de la ejecución, realización productiva y la noción del trabajo. Una búsqueda de sentido en la actividad que posibilite no solo ubicar su motivación, el por qué crear, sino que también permita establecer una visión crítica del papel que desempeña el sujeto en el ambiente laboral.

Revalorizar la práctica creativa y encontrar sentido en el trabajo por medio de la experiencia en el hecho continuo de su realización: Determinar mi realidad por medio de la experiencia y puesta en marcha de mis facultades creativas, cuyo accionar permiten la emergencia de formas de subjetividad y conocimientos propios. Es así que la experiencia, constituida por el desarrollo y acumulación de momentos de ejecución y ejercicio plástico in situ, me permite el establecimiento de una relación estratégica y perspectiva desde donde situarse frente aquello que me rodea.

Reconozco desde el hacer creativo mi posición como sujeto fruto de lo eventual, el acontecimiento, el dialogo y la interpretación. Lugar de continua transformación, determinado por la actividad creativa dentro de los límites físicos del espacio y los materiales de trabajo. Un escenario de acción y experiencia.

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October 8, 2013 Nuno Ramos https://abstractioninaction.com/artists/nuno-ramos/

Translated from Portuguese

I think that there is no art without something that doesn’t fit neither in life nor in time. You look at an ancient work and it seems as if it was done yesterday. The blue color in chapel Scrovegni, by Giotto (14th century), is as current as the blue color used by Yves Klein (1928-62). At the end, all art is contemporary.

 
Traducido del portugués

Pienso que no hay arte sin aquello que no tiene cabida ni en la vida ni en el tiempo. Al mirar un trabajo de la antigüedad, éste pareciera que fue hecho ayer. El color azul de la capilla Scrovegni, de Giotto (siglo XIV), es tan reciente como el azul de Yves Klein (1928-62). Al final, todo el arte es contemporáneo.

  

Acho que não há arte sem alguma coisa que não caiba na vida nem no tempo. Você olha uma coisa antiga e parece que ela foi feita ontem. O azul da capela Scrovegni, de Giotto [do século 14], é tão recente quanto o azul de Yves Klein [1928-62]. No fundo, toda arte é contemporânea.

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October 8, 2013 Amalia Pica https://abstractioninaction.com/artists/amalia-pica/

It has always been about the overlap between form and politics for me. I believe I need to occupy my own place in the world while taking responsibility for the way I do this, I have chosen to be an artist-this was not imposed upon me-and so I understand form to be my concern. I try to stay in the realm of the visual and the sensible as a means of defending that space itself, a space constantly open to redefinition-one in which subjectivity can be played out. This is why self-reflexivity can be important. To me it is a political stance. If one could say that art is concerned with the imagination, I believe that how imagination is formed is a pertinent question that also speaks to society in a larger sense. The ways we imagine and how we are conditioned to imagine are both artistic and political concerns to me.

 
Traducido del inglés

Para mí, siempre ha sido acerca de la superposición de la forma y la política. Creo que tengo que ocupar mi propio lugar en el mundo mientras me responsabilizo de la forma en la que lo hago. He elegido ser una artista—esto no fue impuesto sobre mí—así que entiendo la forma como interés. Intento permanecer en el ámbito de lo visual y lo sensible como modo de defender ese espacio, un espacio constantemente abierto a las redefiniciones, en el cual la subjetividad puede ser representada. Es por esto que la auto-reflexión puede ser importante. Es para mí una postura política. Si uno pudiera decir que el arte está interesado en la imaginación, creo que la manera en la que se forma la imaginación es también una pregunta pertinente que tiene que ver con la sociedad en un amplio sentido. Las formas en las que imaginaos y cómo estamos condicionados a imaginar son preocupaciones artísticas y políticas para mí.

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October 8, 2013 Iván Navarro https://abstractioninaction.com/artists/ivan-navarro/

Translated from Spanish

Electricity is the foundation of my work. Thanks to it, sculptures and installations can be perceived, and at the same time understood in different levels of relationships with the space that surrounds them, with the encircling architecture, with their social context or with spectators that directly interact with the work in a physical and psychological way.

The work’s content is in part due to the experiences during the period of dictatorship in Chile (1973-1989). This was a period which exerted great violence, intimidation and misinformation on the citizens. This climate of social instability also made evident an alert in the face of the lack of connection between the real and the apparent.

In another level of relationships, the works have a dialogue with the history of design and modern art, subverting its formal purity with their social content. The works presented here use electricity as power source, with a broad meaning: the electrical lights that often celebrate or honor a situation, show here the other side of their luminosity, i.e., darkness and fear, as simultaneous homage to seduction and alienation.

 

La electricidad es la base fundamental de mi trabajo, gracias a ella las esculturas e instalaciones  pueden ser percibidas y al mismo tiempo, comprendidas en distintos niveles de relaciones con el espacio que las rodea; con la arquitectura circundante,  con su contexto social o con espectadores que interactúan directamente con el trabajo en forma física y psicológica.

El contenido de las obras, en parte se debe a experiencias vividas durante el periodo de dictadura en Chile (1973-1989). Periodo que ejerció gran violencia, intimidación y desinformación en la ciudadanía. Este clima de inestabilidad social también evidenció una alerta ante la evidente desconexión entre lo aparente y lo verdadero.

En otro nivel de relaciones, los trabajos mantienen un dialogo con la historia del diseño y del arte moderno, subvirtiendo su pureza formal con sus contenidos sociales.

Los trabajos aquí presentados, ocupan la electricidad como fuente de poder con un amplio significado: las luces eléctricas que muchas veces celebran o festejan una situación, aquí muestran el otro lado de su luminosidad, es decir, la oscuridad y el miedo. Como homenajes simultáneos a la seducción y a la alienación.

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October 5, 2013 Sandra Nakamura https://abstractioninaction.com/artists/sandra-nakamura/

Translated from Spanish

My work derives from the critical analysis of spatial, social and economic conditions that shape our sense of identity and permanence. Thus, the fragility of the everyday, the symbolic and real meanings of property and the imminent transformation of the urban environment, are recurrent elements in my drawings, installations and interventions. More recent works extend these issues to the exhibition space, with the intention of pointing to the influence of the contemporary art market and the demands of the current exhibition models and the distribution of artworks in the artistic practice.

 

Mi trabajo se origina a partir de una reflexión crítica en torno a las condiciones espaciales, sociales y económicas que dan forma a nuestro sentido de identidad y permanencia. Así, la fragilidad de lo cotidiano, los significados tanto reales como simbólicos de la propiedad y la inminente transformación del entorno urbano figuran de manera recurrente en mis dibujos, instalaciones e intervenciones. Obras más recientes extienden estos cuestionamientos hacia los  espacios de exhibición con la intención de señalar la influencia del mercado de arte contemporáneo y las exigencias de los modelos actuales de exposición y distribución de obras en la práctica del artista.

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Education / Training

  • 2008-2009: Center for Contemporary Art Kitakyushu, Research Program, Kitakyushu, Japan.
  • 2005-2008: Bauhaus Universität Weimar, M.F.A. Art in Public Space, Weimar, Germany.
  • 2001-2003: University of California San Diego, B.A. Visual Arts, La Jolla, USA.

Prizes / Fellowships

  • 2009: Convocatoria de proyectos en espacio público Centro Abierto ’09, Museo de Arte de Lima + Centro Fundación Telefónica, Lima, Perú.
  • 2008: Beca para producción de proyectos, ARTIUM Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Spain.
  • 2007-2008: Beca para estudios de post-grado, Fundación Rosa Luxemburg, Berlín, Germany.
  • 2006: Art in Context Programme, Pépiniéres europennés pour jeunes artistes, París, France.

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Publications

  • Miguel López, “Tregua en el arenal”, Museo de Arte Contemporáneo Lima (2013).
  • Elida Román, El Comercio, (2013).
  • Nicole Cromartie y Sharon Lerner (entrevista), Catálogo de la exposición “We have as much time as it takes”, CCA Wattis Institute for Contemporary Art (2010).

Collections

  • Museo de Arte de Lima, Peru.

October 5, 2013 Marco Maggi https://abstractioninaction.com/artists/marco-maggi/

From CNN to the DNA, I focus my attention on reaching surfaces without the minor hope to get informed. Everyday, we are condemned to know more and understand less. This antiseptic process prefigures the first global semiotic indigestion. Reality collapses when one tries to portray an ocean by depicting drop after drop of water. My vision of the world is as precise as it is mistaken, and that is why I draw for hours with intense attention and no particular intention.

 
Traducido del inglés

De CNN al ADN, enfoco mi atención a alcanzar superficies sin la menor intención de estar informado. Todos los días estamos condenados a saber más y entender menos. Este proceso antiséptico prefigura la primera indigestión semiótica global. La realidad se colapsa cuando uno intenta representar un océano al ilustrar cada gota de agua. Mi visión del mundo es tan precisa como errada, y es por esto que dibujo por horas con intensa atención y sin particular intención.

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October 5, 2013 Julián León https://abstractioninaction.com/artists/julian-leon/

Translated from Spanish

My work consists in looking for connections between things and to make them visible. I usually work with reminders, material and discursive discards. I have always felt irresistibly attracted by discarded construction materials in the street. I recognize in those residual products the face that the world of objects shows me. Nevertheless, by utilizing these discarded materials I do not seek to reproduce or restore the world to which they belonged to, I am not interested in that fiction. On the contrary, my interest on that waste is based precisely on their quality as fragments, as incomplete, in the fact that they are segments of the other narratives they have been ripped apart from. They are extracts, pieces of a story that they cannot tell in its totality, paragraphs of a forever lost text or even words, syllables, letters that by being placed next to each other form new units of meaning, new histories; collage. This possibility of relating them to each other in a new and whimsical way, changing them, modifying them, assembling them—it is a way to operate and in this sense, to think, of configuring and reconfiguring, if desired, of knocking over to generate new orders or understandings of them. Painting, photography, sculpture, writing, drawing, or any of the different artistic disciplines are to me means, not of communication, but of experimentation, tools of formal connection and meaning which limits are dissolved. What is true is that as the rest of the world, I look for a meaning; my life is so fragmented that each time I find a connection between two fragments, I feel tempted to find a meaning. The connection exists, but to give it a meaning would be to build an imaginary world within the real world, and I know that this would not be possible. In moments of courage I adopt the unsensical as basic principle, but then I understand that my role is to see what I have in front of me (even if it is inside of me too) and describe it, understand it, experiment it. Art, according to my experience, is the experimental exercise of reality.

 

Mi trabajo consiste en buscar conexiones entre las cosas y hacerlas visibles. Suelo trabajar con restos, desechos materiales y discursivos. Siempre me he sentido irresistiblemente atraído por los desechos en la calle provenientes de la construcción. Reconozco en esos productos residuales el rostro que el mundo de los objetos me muestra. Sin embargo al utilizar esos desechos no busco reproducir o restaurar el mundo del que hacían parte, no me interesa esa ficción, por el contrario, mi interés en esos desechos se basa precisamente en su cualidad de fragmentos, en su incompletud, en el hecho de que son segmentos de otras narrativas de las que han sido arrancados; extractos, trozos de una historia que no pueden contar en su totalidad, párrafos de un texto perdido para siempre o incluso palabras, silabas, letras que al ser colocadas unas junto a otras forman nuevas unidades de sentido, nuevas historias; collage. Esa posibilidad  de relacionarlos entre sí, de manera nueva y caprichosa, cambiándolos, modificándolos, montándolos “es una forma de operar y en ese sentido, de pensar, de configurar y reconfigurar, si se quiere, de revolcar para generar nuevos “órdenes” o “líneas de entendimiento” sobre los mismos.  La pintura, la fotografía, la escultura, la escritura, el dibujo o cualquiera de las diferentes disciplinas artísticas no son para mí más que medios más no de comunicación sino de experimentación, herramientas de conexión formal y de sentido cuyas fronteras resultan bastante disueltas. Lo cierto es que “al igual que todo el mundo busco un significado; mi vida está tan fragmentada que cada vez que encuentro una conexión entre dos fragmentos, siento la tentación de buscarle un significado. La conexión existe, pero otorgarle un significado, sería construir un mundo imaginario dentro del mundo real, y sé que ese mundo no se sostendría. En los momentos de mayor valentía, adopto el sinsentido como principio básico; pero luego comprendo que mi papel es ver lo que tengo delante (aunque también este en mi interior) y describirlo”, conocerlo, experimentarlo; arte, según mi experiencia, es el ejercicio experimental de la realidad.

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October 5, 2013 Camilo Guinot https://abstractioninaction.com/artists/camilo-guinot/
Translated from Spanish

I am interested in the relationship between culture and nature. My work consists in manipulating everyday materials by questioning the mechanisms of perception through which we understand the world.

 

Me interesa la relación entre cultura y naturaleza. Mi trabajo consiste en manipular materiales cotidianos cuestionando los mecanismos perceptivos a través de los cuales comprendemos el mundo.

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October 5, 2013 Nicolás Gómez https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-gomez/

Through the exploration on different mediums—primarily painting and sculpture—, I explore codes to represent space’s sensorial and perceptive experience. In this sense, I work with objects and images that reveal the existing tension between the natural and the artificial, and the subjective experience related to science and language’s cataloguing and measuring schemes. In both my artistic and research work, I have delved in modern and contemporary art’s references to rural and urban landscape, as well as in the development and validity of abstraction.

 

A través de la exploración con diferentes medios —principalmente la pintura y la escultura— exploro códigos para la representación de la experiencia sensorial y perceptiva del espacio. En este sentido, trabajo con objetos e imágenes que develan las tensiones entre lo artificial y lo natural, y la experiencia subjetiva con relación a los sistemas de categorización y medición de la ciencia y del lenguaje. Tanto en mi obra artística como en mi trabajo de investigación, he profundizado en las referencias al paisaje rural y urbano en el arte moderno y contemporáneo, así como el desarrollo y vigencia de la abstracción.

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October 5, 2013 Mauro Giaconi https://abstractioninaction.com/artists/mauro-giaconi/

Translated from Spanish

Entropy Five hundred four thousand nine hundred and fifty three tons on the lifeless gesture that knows that nothing justifies waking up from a good dream. What it is doesn’t matter. What could have happened, neither. If I could give form to pain, everything would be easier. Pain is ancient, wise, and selfish; pain is born, grows up, travels and expands. It is liquid that copies the shape of the body. It was enemy due to my stubbornness, for not understanding that the question was not why walls exist but how to go through them. Now it is my accomplice and my faithful ally. Now it is noise, dissatisfaction, and hope. The polyhedron will triggers any structure; that is why I look for the shape on the wall that never understood limits, the whisper of the corner that does not like angles, the collapse of the ceiling that denied responsibility. Since I do not know where to start, I shake off the lethargy and erase distrust. The strategy is to withdraw, mix up in the dreams, simplify them and get lost in the trip. Meditate, edit myself and neglect order. I followed the advice and grazed the surface one time after another, looking for the spirit of things. When I find something I will notice. When I lose faith I will too. My hands are precise but I am not, that is why when I squirm hoping not to get lost in the instant, I focus on the space of the body, in the weight of the noise, in the breathing, in the chaotic energy of the continuing present. My nation follows me, it has the shape and the size of my foot. If I could float, even if it is a little bit more, I would abandon the ground for a while, like that nail that got buried looking for sunlight during the night. I want to—if I could—last in the instant that divides dreaming from waking up. It is there where everything weighs the same. I want to—if I could—be the horizontal that looks for elevation: verticality is what tends to fall.

 

Entropía Quinientas noventa y cuatro mil novecientas cincuenta y tres toneladas sobre el gesto inerte que sabe que nada justifica despertar de un buen sueño. Lo que era no importa, lo que pudo ser tampoco. Si pudiera darle forma al dolor sería todo más fácil. El dolor es anciano, sabio, egoísta; el dolor nace y crece y viaja y se expande. Es líquido que copia el contorno del cuerpo. Fue enemigo por mi necedad, por no entender que la pregunta no era por qué existen los muros, sino cómo atravesarlos. Ahora es mi cómplice y mi fiel aliado. Ahora es ruido, es descontento y esperanza. La voluntad poliédrica detona cualquier estructura, por eso busco la forma de la pared que nunca entendió de límites, el suspiro del rincón que no soporta los ángulos, el derrumbe del techo que rechazó la responsabilidad. Como no sé por dónde empezar, me sacudo el letargo y borro el recelo. La estrategia es replegarme, revolver en los sueños, simplificarlos y perderme en el viaje, meditar, editarme y descuidar el orden. Seguí el consejo y rocé la superficie una y otra vez buscando el espíritu de las cosas. Cuando encuentre algo aviso. Cuando pierda la fe también. Mis manos son precisas pero yo no, por eso mientras me retuerzo deseando no perderme el instante, me concentro en el espacio del cuerpo, en el peso del ruido, en la forma de la respiración, en la energía caótica del presente continuo. Mi patria me sigue, tiene la forma y el tamaño de mi pie. Si pudiera flotar, aunque sea un poco más, abandonaría el suelo por un rato, como ese clavo que se hundió buscando la luz del sol durante la noche. Quiero -si pudiera- perdurar en el instante que divide el sueño del despertar: es ahí donde todo pesa lo mismo. Quiero -si pudiera- ser horizontal que busca elevación: es la verticalidad la que tiende a caer.

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October 5, 2013 Dario Escobar https://abstractioninaction.com/artists/dario-escobar/

Extract from: Alma Ruiz, “Interview with Artist” in Jose Falconi, ed. A Singular Plurality: The Works of Darío Escobar. Cambridge, MA: Department of History of Art and Architecture, Harvard University, 2013, pp.  331-345. “I am very interested in the ideas of Benjamin H. D. Buchloh, which seem to me quite accurate as they relate to contemporary art: sculpture as a cross between an industrial object and a monument within the fine arts tradition. I’m very interested in analyzing the relationship between production and consumption, especially in these times in which objects are mass produced, and in their production in factories, individuals alienate themselves from the items: they distance themselves, but they are then reconciled in the exercise of purchase/consumption. However, to incorporate the object into an aesthetic operation, such as art, leads us to a narrower and more revealing space for reflection—it does not simply place the object within these mechanical operations of manufacturing and buying.” (…) “My interest in the pre-Hispanic past actually lies in the question of form, and I take this as a pretext to investigate the major issues that informed art in these lands for centuries. When I made these works, (Kukulkán I, 2007; and the series Quetzalcóatl II, III, etc.) I was really excited to discover a sculptural model that would show certain qualities that traditional sculpture doesn’t show, and one of these factors was the behavior of the material. I was interested in starting to work with light, with shadows, and with materials that move freely without obeying the forms that I give them as a sculptor. It was a true exercise in freedom. I thought this idea was touched upon in some way in pre-Hispanic architecture with the shadows that form on staircases… I’ve always been particularly interested in archeology as well.”

  
Traducido del inglés

Fragmento de: Alma Ruiz, “Interview with Artist” in Jose Falconi, ed. A Singular Plurality: The Works of Darío Escobar. Cambridge, MA: Department of History of Art and Architecture, Harvard University, 2013, pp.  331-345. “Me interesan mucho las ideas de Benjamin H. D. Buchloh, las cuales me parecen bastante acertadas ya que se refieren al arte contemporáneo y a la escultura como una mezcla entre objeto industrial y un monumento dentro de la tradición de las bellas artes. Me interesa analizar la relación entre producción y consumo, especialmente en estos tiempos en los que los objetos son producidos en masa y debido a su producción es de fábrica los individuos se apartan de ellos. Toman distancia, pero se reconcilian en el ejercicio de compra y consumo. No obstante, al incorporar el objeto dentro de una operación estética como lo es el arte, nos lleva a un espacio de reflexión más estrecho y revelador. No pone al objeto simplemente dentro de estas operaciones mecánicas de manufactura y compra”. “Mi interés en el pasado prehispánico radica en la cuestión de la forma y lo tomo como pretexto para investigar los temas importantes que informaron el arte desde estas tierras por siglos. Cuando realicé estas obras (Kukulkán I, 2007, y la serie Quetzalcóatl II, III, etc.) me entusiasmó descubrir un modelo escultórico que mostraba ciertas cualidades que la escultura tradicional no muestra y uno de estos factores fue el comportamiento del material. Me interesaba comenzar a trabajar con la luz, con las sombras y con materiales que se mueven libremente sin obedecer las formas que les doy como escultor. Fue un verdadero ejercicio de libertad.  Pensé que esta idea se abordó de alguna manera en la arquitectura prehispánica con las sombras que se forman en las escalinatas… Siempre he tenido un interés particular por la arqueología también.

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October 5, 2013 Marcolina Dipierro https://abstractioninaction.com/artists/marcolina-dipierro/

Translated from Spanish

In the current development of my work, I’ve seen necessary to incorporate physical and concrete objectual elements so they dialogue directly with the walls and floors in spaces of determinate spaces, pursuing a more architectural ideal more adapted and articulated to the exhibition space. I am interested on encountering the space by creating spatial and formal connections with the shadows and their materiality, subjecting the surfaces and physical limits of the space, unlimiting it formally, visually and perceptively.

In some cases, I work with a series of “objectual pieces,” consisting of basic geometric elements: volumes, planes and lines made with simple materials, to continue with the idea of space as protagonizer, beyond the materiality of the forms. To develop them I use linear forms of stainless steel, aluminum or carbon fiber, and other materials such as acrylic and woods. Some of the works are constructed in modules so they can adapt to different exhibition spaces and so that I can make combinations subject to the space where they would finally be placed at. This series of works that I have been producing, are an account of my most current analysis about the unlimited possibilities that the space offers as support to the work, as a constructive tool.

 

En el desarrollo actual de mi trabajo he visto necesaria la incorporación de elementos físicos y objetuales concretos para que dialoguen directamente con muros y pisos en ángulos de determinados espacios persiguiendo una idea más arquitectónica, más acoplada y articulada al espacio expositivo. Me interesa salir al encuentro del espacio estableciendo vínculos espaciales y formales con las sombras y las materialidades de las mismas subjetivizando las superficies y fronteras físicas del espacio, ilimitándolo formal, visual y perceptivamente.

En algunos casos, trabajo con una serie de “piezas objetuales” conformadas por elementos geométricos básicos: volúmenes, planos y líneas elaborados en materiales simples, para continuar con la idea del espacio como materia protagónica más allá de la materialidad de las mismas. Para su desarrollo utilizo  formas lineales y planas de acero inoxidable, aluminio ó fibra de carbono, así como también materiales como el acrílico y  madera de diferentes calidades.

Algunas de las obras son construídas en módulos de modo de poder adaptarse a diferentes espacios expositivos y para permitirme realizar con ellas combinaciones supeditadas al espacio donde serán finalmente emplazadas.

Esta serie de obras en las que vengo trabajando dan cuenta de mis últimas investigaciones en las posibilidades ilimitadas que ofrece el espacio como soporte de la obra, como herramienta constructora.

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October 5, 2013 Gabriel de la Mora https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-de-la-mora/

Translated from Spanish

I always knew that when I would leave architecture, someday I would return to it, not as an architect, but as an artist. I do not consider myself a painter, sculptor, draftsman, or photographer. I find reducing art to one technique to be unfair. I am an artist who works with ideas, possibilities and concepts, where each work requires a particular technique. Since I was a child I have struggled to distinguish fantasy from reality; now I constantly try to transform figuration in abstraction and vice versa. I have always liked to surprise myself and surprise everyone else. When this is incorporated into the fact that the work leaves you thinking, the work becomes complete. I am interested in finding the balance between the formal and the conceptual; between the left and the right. I am left-handed and dyslexic, therefore I write backwards in a natural way since I was 4 years old, using the right hemisphere of the brain; where emotional expression, sign language, musical sensibility and artistic sensibility are located. I work, think and speak with numbers, information, counting, figures, in a repetitive, obsessive way, organized within chaos. I constantly seek originality through repetition; I like something to be universal and particular. I am at the same time minimalist and baroque. I have 6.5 cm between my two pupils. The first impression with any work of art will always be visual, as conceptual as this may be. Thus I am interested in experimenting with different ways of “seeing” that are not only through the eyes. To achieve this I often use psychics and blind people, since I am certain of the parallel that exists between a clairvoyant and an artist. I am drawn by paranormal phenomena, criminology, music and meditation, among many other things. I am interested in accumulating objects from 1860 to 1960, approximately, focused on photography and architectural elements, among others. I look for and find “things” that ceased to fulfill the function they were made for and before they are turned into waste, I negotiate them, exchange them or buy them to turn them into something else. My studio is a sort of laboratory where experimentation is fundamental to the process and development in series. All the processes are documented and are part of an archive. When I make a mistake, it is not fixed or patched up; the work is simply discarded and I begin another one from scratch. I like to question and create through a process of destruction. Also to create something to then undo it, then something that apparently does not take me anywhere ends up being the work itself, through the trace, the mark or the document that remains. Work produces work, work produces more work, and work also produces ideas and ideas generate more ideas and also more work. The workshop functions infinitely and circularly, with a team of people that go from the ordinary to the extraordinary. I buy, collect and accumulate a great diversity of archives that ultimately will be a work in themselves, or the raw material of different series to be developed. I write ideas, projects, phrases, words and quantities in my notebooks every day. I always work in different series or projects simultaneously, in some I have absolute control of the work, and in others everything is random. Some works are a 100% created in the studio, while others are found or transformed from garbage to something else. Time, gravity, fragility, waste, and accident are the constants in any series or any work. The energy factor of the works, the objects and the things in general is an important element, such that my definition of art is parallel to the definition of energy: Art is neither created nor destroyed, it can only be transformed.

 

Siempre supe que al dejar la arquitectura, algún día regresaría a ella, pero ya no más como arquitecto, sino como artista. No me considero pintor, escultor, dibujante, ni fotógrafo; reducir el arte a una técnica me parece injusto. Soy un artista que trabaja con ideas, posibilidades y conceptos, en donde cada obra pide una técnica en particular. Desde pequeño me ha costado diferenciar la fantasía de la realidad; ahora constantemente trato de transformar la figuración en abstracción y viceversa. Siempre me ha gustado sorprenderme y generar sorpresa en los demás, cuando esto se une a que la obra te deje pensando, se completa la pieza. Me interesa encontrar el balance entre lo formal y lo conceptual; entre la izquierda y la derecha. Soy zurdo y disléxico, por lo que escribo al revés desde los 4 años de forma natural, utilizando el hemisferio derecho del cerebro; en donde se localiza la expresión emocional, el lenguaje mímico, la sensibilidad musical y la sensibilidad artística. Trabajo, pienso y hablo con números, información, conteos, cifras, de una forma repetitiva, obsesiva y ordenada dentro de un caos. Busco constantemente la originalidad a través de la repetición, me gusta que algo sea universal y particular; soy minimalista y barroco al mismo tiempo. Tengo 6.5 cm entre cada una de mis dos pupilas. El primer impacto con cualquier obra de arte siempre será visual, por más conceptual que esta sea; por lo que me interesa experimentar con diversas formas de “ver”, que no sea únicamente con los ojos; para lograr esto suelo utilizar videntes e invidentes, ya que estoy seguro del paralelo que existe entre un vidente y un artista. Me llaman la atención los fenómenos paranormales, la criminología, la música y la meditación entre muchas cosas más. Me interesa acumular objetos que van de 1860 a 1960 aproximadamente, enfocados en fotografía y elementos arquitectónicos principalmente, entre muchos más. Busco y encuentro “cosas” que dejaron de cumplir su función para las que fueron hechas y antes de convertirse en un desecho, negociarlas, intercambiarlas o comprarlas para convertirlas en algo más. Mi estudio es una especie de laboratorio, en donde la experimentación es la parte fundamental en el proceso y desarrollo de serie. Todos los procesos quedan documentados y forman parte de un archivo. Cuando cometo un error, no se compone o parcha, simplemente la pieza se descarta y se comienza una nueva desde cero. Me gusta cuestionar y crear mediante de un proceso de destrucción, así como también hacer algo para después deshacerlo y lo que aparentemente no me lleva a nada, en realidad es la obra en sí, a través de la huella, la marca o el registro que queda. El trabajo genera trabajo, el trabajo genera más trabajo, el trabajo genera también ideas y las ideas generan más ideas y a la vez también más trabajo, y así infinitamente y en círculo es la forma en la que funciona el taller, con un equipo de personas que van de lo ordinario a lo extraordinario. Compro, colecciono y acumulo una gran diversidad de archivos que al final serán una obra en sí o la materia prima de diversas series por desarrollar. Todos los días escribo en mis cuadernos ideas, proyectos, frases, palabras y cantidades. Siempre trabajo en varias series o proyectos al mismo tiempo, en algunos tengo un control absoluto de la pieza, en otros todo queda al azar. Algunas obras son creadas al 100% en el estudio, mientras otras son encontradas o transformadas de un desecho a algo más. El tiempo, la gravedad, la fragilidad, el desecho, el accidente, son constantes el cualquier serie o en cualquier pieza. El factor energético de las piezas, de los objetos y las cosas en general es un elemento importante, tanto así que mi definición de arte es un paralelo a la definición de energía: El arte ni se crea ni se destruye, tan solo se transforma.

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October 5, 2013 Eduardo Costa https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-costa/

My “volumetric paintings” are created by adding layers over layers of acrylic paint with brush and spatula. Volume is obtained with no materiality other than acrylic pigment and the eventual thickener.

My pieces include representational and abstract examples. In representational paintings –fruits, people– I work not only the surface of subjects but also the internal space.

A volumetric painting of a watermelon is green in the surface, white and red inside.  A head portrait is as true to the internal organs, muscles, bones–which will be invisible– as to the visible features shown in flat painting or in sculpture.

The geometric abstractions are usually monochromes painted the same color through and through. The knowledge of all the color we do not see completes conceptually the visual perception of the work. When a viewer knows he or she is seeing a volumetric, pure monochrome, he will integrate into the resulting perception an element of imagination: A mass of the same color he is sampling with his eyes.

I am hoping my volumetric paintings will change art teaching. Currently acrylic paint is taught as if it was oil based. There is at least one basic difference; utilizing the appropriate techniques, acrylic paint can be employed to build volumes.

 
Traducido del inglés

Mis “pinturas volumétricas” son creadas al añadir capas sobre capas de pintura acrílica con pincel y espátula. Se obtiene volumen sin otra materialidad que el pigmento acrílico y el aglutinante.

Mis piezas incluyen ejemplos representacionales y abstractos. En las pinturas representacionales (frutas, gente), no trabajo sólo con la superficie de los temas sino también de sus espacios interiores.

Las abstracciones geométricas son a menudo monocromos pintados con el mismo color de principio a fin. La comprensión de todo el color que no vemos completa la visión perceptual de la obra. Cuando un espectador sabe que él o ella está viendo un monocromo puro y volumétrico, integrará a la percepción final un elemento de la imaginación: una masa del mismo color que está siendo percibido con sus ojos.

Espero que mis pinturas volumétricas cambien la manera en la que se enseña el arte. Hoy en día se enseña a pintar con acrílico como si fuese óleo. Existe por lo menos una diferencia; utilizando técnicas adecuadas, la pintura acrílica puede ser utilizada para crear volúmenes.

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October 5, 2013 tepeu choc https://abstractioninaction.com/artists/tepeu-choc/

Translated from Spanish

The constant elements in my work are color, space and form, departing from understanding that, by dedicating to bidimensionality I will never achieve tridimensionality. This compels me to carefully study the space that is available to me, to situate shapes, to build with available elements and materials. From the sketch, I begin the process of the work in which I do not allow changes or improvisations, since I depart from a series of studies on movement, color portions, distance and color. I appropriate existing forms; I modify them and give them a new role, in addition to use the materials which I work with in my favor—thread, wire mesh, color pencils, etc. I am interested in the connection with the viewer, through the play of dimensions of the medium of my work, as well as the application of my palette of colors in different tonalities. Until this day, I have been working with different branches of the visual arts, focusing in some of them, for example drawing, engraving, painting, sculpture and photography. Nevertheless, one of my most ambitious projects, which began in 2008, is the one where I aim to take the dimensional to sculptures that are interact with the public.

 

Las constantes en mi trabajo son el color, el espacio y la forma, parto de la comprensión de que al dedicarme a la bidimensionalidad nunca podré lograr la tercera dimensión, esto me obliga a estudiar detenidamente el espacio del que dispongo, a situar las formas, construir con elementos y materiales disponibles, a partir del boceto empiezo el proceso de la pieza en el cual ya no admito cambios ni improvisaciones ya que parto de una variedad de estudios de movimientos, porción de colores, distancias y colores. Me apropio de formas que ya existen, las modifico y les doy un nuevo carácter, además de utilizar a mi favor los materiales con los que trabajo, hilo, metal reticulado, lápices de colores, etc. Me interesa la conexión con el espectador, a través del juego de dimensiones del soporte de mi trabajo, además de la aplicación de mi paleta de colores en diversas tonalidades. Hasta ahora trabajo  varias ramas de las artes plásticas enfocándome en algunas de ellas como, dibujo, grabado, pintura, escultura y fotografía, sin embargo uno de mis  proyectos más ambiciosos el cual ha sido iniciado desde el 2008 en el que pretendo llevar de lo dimensional  a esculturas interactivas con el público.

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October 4, 2013 Marta Chilindrón https://abstractioninaction.com/artists/marta-chilindron/

My focus has always been on questioning the accuracy of our perception, our interpretation of reality.  I have tried to capture the state of flux of everything. Participation of the viewer is important because it brings the person into the sculpture; the public is the performer and the viewer, and that dual involvement is an important element of my work. I explore the ideas of sequencing, beginning and end, making objects that are simple networks with no definite shape and that exist between the second and third dimension with infinite possible configurations.

 
Traducido del inglés

Mi enfoque siempre ha sido el cuestionar la precisión de nuestra percepción, de nuestra interpretación de la realidad. He intentado capturar el estado de flujo de todas las cosas. La participación del espectador es importante porque trae a la persona dentro de la escultura; el público es el que realiza el performance y el espectador, y esa participación binaria es un elemento importante de mi obra. Exploro ideas de secuencia, principio y fin, realizando objetos que son redes simples sin forma definida y que existen entre la segunda y tercera dimensión, con configuraciones posibles infinitas.

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October 4, 2013 Omar Barquet https://abstractioninaction.com/artists/omar-barquet/

Translated from Spanish

I have recently developed an investigation that proposes various relationships among concepts of space, time, landscape, sound, silence, memory, and perception. The idea of variation is understood as the metamorphosis and interaction that occurs within this glossary of concepts, and which merges a series of projects where experimentation with different media and processes function as central axis of my artistic practice, and which allows a sense of dynamics during the process of the work itself.

Based on this outline, I began an interdisciplinary project in 2013, titled Ghost Variations, which states an analogy between the evolutionary phases of a hurricane and the movements of a symphony, giving to each one of its phases a selection of formal elements and collaborative practices for its production.

  

Recientemente, he desarrollado una investigación que propone diversas relaciones entre los conceptos de espacio, tiempo, paisaje, sonido, silencio, memoria y percepción. La idea de variación es entendida como la metamorfosis e interacción que acontece entre este glosario de conceptos y que integran una serie de proyectos donde la experimentación con diversos medios y procesos funciona como eje de mi práctica artística, los cuales otorgan un sentido dinámico durante el proceso mismo de la obra.

Basado en este esquema, inicié en 2013 un proyecto interdisciplinario titulado Ghost Variations, el cual articula una analogía entre las fases evolutivas de un huracán y los movimientos de una sinfonía, otorgando a cada una de sus fases una selección de elementos formales y estrategias colaborativas para su realización.

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October 4, 2013 Magdalena Atria https://abstractioninaction.com/artists/magdalena-atria/

Translated from Spanish

My work relates to the modernist tradition of geometric abstraction, but aiming to connect it to specific visual situations, found throughout the world. Differently from the traditional modernist abstraction that aspired to the absolute, to an incorporeal dimension of pure relations and exchanges, the focus of my work is rather in the impossibility of reaching that objective. Images, objects and materials that I use already possess or acquire through the work this double nature of contingency and idealism, and manifest the tension that keeps us permanently attached to one and yearn for the other. Some constants in my work are the tension between the rational and the emotional, the collective and the personal, the real and the ideal, the formal and the symbolic. I explore these notions through different mediums—painting, drawing, sculpture and photography—always with a particular emphasis on the materials and processes I utilize. These materials belong to specific uses and traditions and carry with them meanings and associations related to these origins.

 

Mi trabajo se relaciona con la tradición modernista de la abstracción geométrica, pero intenta conectarla con situaciones visuales específicas encontradas en el mundo. A diferencia de la abstracción dentro de la tradición modernista que aspiraba a lo absoluto, a una dimensión incorpórea de relaciones y correspodencias puras y permanentes, el foco de mi trabajo está más bien en la imposibilidad de alcanzar tal objetivo. Las imágenes, objetos y materiales que utilizo ya poseen, o bien adquieren en el trabajo esta doble condición de contingencia e idealidad, y manifiestan la tensión que nos mantiene permanente atados a una y anhelando la otra. Algunas constantes en mi trabajo son la tensión entre lo racional y lo emocional, lo colectivo y lo personal, lo real y lo ideal, y entre lo formal y lo simbólico: exploro estas nociones en diferentes medios: pintura, dibujo, escultura y fotografía, siempre con  un énfasis particular en los materiales y procesos que empleo. Los materiales que uso pertenecen a usos y tradiciones específicas y acarrean con ellos significados y asociaciones relativos a esos orígenes.

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October 4, 2013 Claudio Álvarez https://abstractioninaction.com/artists/claudio-alvarez/

Translated from Spanish

I believe that my creative process, can be compared in some aspects, to that of a scientific researcher, in the way that their investigation allows new discoveries to be included to their repertoire. The work I have been developing through my career, starting in the ‘80s, when I lived in Brazil, consists of this repertoire.

When I am prompted, like now, to think about my artistic production, I think that I would have to divide it in different lines of enquiry that intertwine or fuse together in the production of different works.

I think that I could divide it into different groupings. That which explores the possibilities of form in its temporal and spatial relationships, including in this group the strictly kinetic works, from the beginning of my career, such as the series Geometrías Inestables (Unstable Geometries), 2012, comprised by structures connected to each other by threads that deform with movement. Another one, which has light and movement as principal elements, included, for example in some works presented in the exhibition Apariencias (Appearances), in 2010. Finally, the group of works that explores the overlapping between the real and the virtual, inspiring reflection on what we really see. In this group of works I utilized optical resources with lenses and mirrors, to create virtual spaces, in works such as Instalación para viaje (Installation for Traveling), Colector de imágenes (Image Collector), and La fuente de la sala al lado (The Fountain at the Hall to the Side).

To conclude, I consider the possibility of altering conscience through the perception as leitmotif in my work. It is the conscience of perception itself what plays a role in the conception of many of my works.  It is also through perception that the interaction with the viewer is possible. The viewer also discovers something similar to what caused the work to be.

I like to think that my works have the virtue of stimulating the senses, provoking reflection and of awakening in the observer a renewed way to see the world.

 

Creo que mi proceso creativo, en algunos aspectos, puede compararse al de un investigador científico, en la medida que su investigación avanza nuevos descubrimientos se suman a su repertorio. El trabajo que vengo desarrollando a lo largo de mi carrera, iniciada en la década de 80, ya viviendo en Brasil, consiste en la aplicación de este repertorio.

Cuando soy inducido a pensar sobre mi producción artística, como ahora, veo que habría que dividirla en varias líneas de investigación que se entrecruzan o se funden en la elaboración de diversas obras.

Pienso que podría separarla en varios conjuntos. Aquel que explora las posibilidades de la forma en su relación espacial y temporal, incluyendo en este grupo mis trabajos estrictamente cinéticos, del inicio de mi carrera, así como la serie Geometrías Inestables de 2012, compuesta por estructuras conectadas entre sí por hilos, que se deforman por el movimiento. Otro, que tiene la luz y el movimiento como elementos principales, que están incluidos, por ejemplo, en algunos trabajos presentados en la exposición Apariencias en 2010. Por último, el grupo de trabajos que explora la transposición entre lo real y lo virtual, suscitando la reflexión sobre lo que realmente vemos. En este conjunto de trabajos se utilizaron recursos ópticos con lentes y espejos para crear espacios virtuales, tal como en las obras: Instalación para viaje, Colector de imágenes y La fuente de la sala al lado.

Para terminar, considero la posibilidad de alterar la conciencia a través de la percepción como el hilo conductor de mi trabajo. Es la conciencia de la propia percepción que entra en juego en la construcción de muchos de mis trabajos y también es por la percepción que se da la interacción con el observador. Él también descubre algo similar a lo que originó la obra.

Me gusta pensar que mis trabajos poseen la virtud de estimular la sensibilidad, provocar la reflexión y despertar en el observador una forma renovada de ver el mundo.

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  • 2013: “Stand Ybakatu”, SP Arte, Feira Internacional de Arte, Pavilhão da Bienal, São Paulo, Brazil.
  • 2013: ARCO Feira Internacional de Arte, Madrid, Spain.
  • 2012-2013: “Aqui e Lá Ybakatu Espaço de Arte“, Curitiba, Brazil.
  • 2012: “Stand Ybakatu”, SP Arte, Feira Internacional de Arte, Pavilhão da Bienal, São Paulo, Brazil.
  • 2012: ARCO Feira Internacional de Arte, Madrid, Spain.
  • 2012: “PR BR, Produção da Imagem Simbólica do Paraná na Cultura Visual Brasileira”, Museu Oscar Niemeyer Curitiba, Brazil.

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October 4, 2013 Carola Zech https://abstractioninaction.com/artists/carola-zech/

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I see and think of colors as magnets that go through space. When two shapes attract each other they connect together visually. In the same way, the viewer’s perception is impregnated of this quality when looking. We look at what attracts us, to where we feel attracted to. Magnético (Magnetic) is a project that relates color to magnetism, and proposes a parallel reading of both concepts. Its aim is to show magnetic quality as a reality of space, color, and form.

I like to think that what exists in the nature of a color combination could be similar to what happens with the nature of human temper. In this sense, I can imagine colors with name and last name and people of diverse colors. In the same way, I imagine magnetic fields that expand our energy towards that of others whom interact getting closer or moving away from each other. A color is shown; it can be named and thought of through the chromatic predominance present in the configuration of its mixture. The specificity of this proportion, in the form and space which contains it, result in a color being what it is. Its location in a specific environment generates a unique situation. Each color module establishes a relationship determined by the affinity or rejection with others, and by going through this magnetic relationship, they will come out of this experience being different from what they were. It happens with colors, and people as well.

To dialogue with the context is the seed of my system of production, and it situates my experiences in a place of reflection that I combine with my two-dimensional production. Magnético is a methodological system of production comprised by magnets and based in simple geometric forms painted in metallic two-layer enamel colors used for car painting, which display their mode of operation in the specificity of the exhibition or public space, from their inherent qualities, moving forward on the wall and the tridimensional space, and becoming part of the work. This system incorporates aluminum as one of the basic colors of its palette.

—

Pienso y veo los colores como imanes que atraviesan el espacio. Cuando dos formas se atraen, se unen visualmente. Del mismo modo, la percepción del espectador está impregnada de esta cualidad al mirar. Uno mira lo que lo atrae, hacia donde se siente atraído. Magnético es un proyecto que relaciona color con magnetismo, proponiendo una lectura paralela de los dos conceptos. Tiene como objetivo mostrar la cualidad de lo magnético como realidad del espacio, el color y la forma.

Me gusta pensar que lo que hay en la naturaleza de la mezcla de un color podría ser similar a lo que sucede con la naturaleza del temperamento humano. En este sentido podría imaginar colores con nombre y apellido y personas de diversos colores, del mismo modo, imagino campos magnéticos que expanden nuestra energía hacia la de los demás y que interactúan acercándose o alejándose. Un color se muestra, puede ser nombrado y pensado por el predominio cromático presente en la conformación de su mezcla. La especificidad de esta proporción, de la forma que lo contiene y del espacio que le da albergue, hace que ese color sea lo que es. Su ubicación en un entorno determinado genera una situación única. Cada módulo de color establece una relación determinada por la afinidad o rechazo con los demás y atravesados por esa mutua relación magnética, saldrán de esta experiencia siendo otros diferentes a los que eran. Sucede entre los colores, así como sucede entre las personas.

Dialogar con el contexto es germen en mi sistema de trabajo y coloca mis experiencias  en un lugar de reflexión, que mezclo con mi producción bidimensional. Magnético es un sistema metodológico de trabajo compuesto por imanes y basado en formas geométricas simples, pintadas con colores metalizados bicapa para autos, que despliegan su dinámica de funcionamiento en el espacio específico de la sala  y/o del espacio público, desde sus inherentes cualidades, avanzando sobre el muro y el espacio tridimensional, constituyéndose así en parte de la obra. Este sistema incorpora al aluminio como uno de los colores básicos de su paleta.

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September 12, 2013