Translated from Spanish
From a very young age, I’ve been attracted by abandoned construction sites, vacant lots, useless things, and the tracks or traces that persist without intention. In these places I have discovered and collected all kinds of things, without a specific purpose in mind. It is until this moment in which I develop this statement that I can trace the origin of my work as artist in these explorations and discoveries of my first years of life.
My first formal experience working with residues was as a worker at a recycling plant, in which I was in charge of handling toxic industrial residues. This activity originated my series Las sobras (the leftovers). This series is comprised by materials and elements taken from waste—meaning that they pass through a double process of selection because I recover them from all that is rejected by factories and then by the recyclers.
Until today, I find the process of looking in industrial waste containers or recyclers, strongly linked to archaic human practices, such as those of the first nomads that learned to recognize and collect fruit, plants, insects, and materials for their survival, in the different territories they walked and lived in.
The work of the scavengers is completely underestimated against the patterns of production, consumption and massive waste of contemporary capitalist societies, even though it is more necessary than ever.
I am amazed by the quantity and I am attracted by the vast variety of materials that I hazardously find in waste containers. The diversity, qualities, and malleability of these materials is what trigger ideas and forms, and which determine what types of supports, media, and compositions I must use. To me, waste is not garbage but an opportunity to explore artistically, finding the most adequate uses and functions within the unusual forms and characteristics that I find. This practice allows me to meditate about existence, life’s origin, and the micro and macro.
The processes that are related with the homogenization of certain forms of life and consumption, which we call civilization, and from which the world is built from molds that are more generic every time, are in fact derived from entropy, and they leave several traces and cosmic tails that I find fascinating. The DNA of things captivates me and keeps me alert, waiting for the next surprise, the next great archeological discovery.
Desde pequeño me han fascinado las construcciones abandonadas, los terrenos baldíos, las cosas inservibles, las huellas o rastros que persisten sin que nadie se lo hubiera propuesto. En estos lugares he descubierto y recolectado todo tipo de cosas sin un objetivo específico en mente. Es hasta ahora que desarrollo esta declaración que puedo trazar el origen de mi trabajo como artista en estas exploraciones y descubrimientos de los primeros años de mi vida.
Mi primera experiencia formal trabajando con residuos fue como empleado en una planta recicladora, como encargado de manejo de residuos industriales tóxicos. Fue esta actividad la que dio origen a mi serie Las sobras. Esta serie se compone de materiales y elementos tomados de entre los desperdicios —es decir pasan por un doble proceso de selección, pues los recupero de entre aquello rechazado primero por las maquiladoras y después por las recicladoras.
Hasta la fecha, encuentro el proceso de buscar en los contenedores de basura industrial o recicladoras fuertemente conectado con prácticas humanas arcaicas: como los primeros nómadas que aprendían a reconocer y recolectar frutos, hierbas, insectos y materiales, para su subsistencia, en los distintos territorios que recorrían y habitaban.
La labor de los pepenadores está completamente subestimada en nuestros días frente a los patrones de producción, consumo y desecho masivo de las sociedades capitalistas contemporáneas, a pesar de ser más necesaria que nunca.
Me asombra la cantidad y me atrae la amplia variedad de materiales que azarosamente voy encontrando en los contenedores de basura. La diversidad, cualidades y maleabilidad de los mismos materiales son los que me disparan ideas y formas, y los que determinan qué clase de soportes, medios y composiciones debo utilizar. Para mí los residuos no son desperdicios sino una oportunidad de explorar plásticamente, encontrando el uso y función más adecuados entre las inusitadas formas y características que descubro. Esta práctica me permite meditar sobre la existencia, el origen mismo de la vida, lo micro y lo macro.
Los procesos que llamamos civilización, relacionados con la homogenización de ciertas formas de vida y consumo, donde el mundo se construye bajo moldes cada vez más genéricos deriva, en cambio, en la entropía y dejan una diversidad de rastros, huellas y estelas que me resultan fascinantes. El ADN de las cosas, eso es lo que me cautiva y me mantiene atento, dispuesto a la próxima sorpresa, al siguiente gran hallazgo arqueológico.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2012-2013: Culinary art school, Tijuana B.C., Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2014-2016: sistema nacional de creadores 2014-16, FONCA/CONACULTA, Tijuana, Mexico.
- 2012: programa de residencia (Fonca) en Beijing, FONCA/Universidad Tsinghua, Beijing, China.
- 2010-2012: Programa Bancomer-MACG Arte actual, Museo de Arte Carrillo Gil/Bancomer, Mexico , D.F.
- 2008-2009,2005-2006, 2002-2003: Becario del fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Fondo Nacional para la cultura y las Artes, D.F., Mexico.
- 2007: Primer lugar en la XVI Bienal de Baja California, categoría Gráfica, Instituto e Cultura de Baja California, Mexicali B.C., Mexico.
- 2005: Start Up Award, del Museum of Contemporary Art San Diego, CA (adquisición de obra y una exposición individual en el museo), Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, San Diego, CA., U.S.
Solo Exhibitions
- 2011: “Registros de Labor, agosto”, la caja galeria, Tijuana, B.C., Mexico.
- 2010: “Registros de Labor”, Galeria Arroniz, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2010: “Cumulo”, Museo Universitario de Arte Contemporaneo MuAC, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2008: “Trade-Marks”, Centro Cultural Tijuana CECUT, Tijuana, Mexico.
- 2007: “Sobras Recientes”, Galeria La Caja Negra, Madrid, Spain.
- 2005: “Jaime Ruiz Otis/CERCA Series”, Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, MCASD, San Diego CA, U.S.
Group Exhibitions
- 2013: “La estampa de nuestro tiempo”, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguerez, Zacatecas, Mexico.
- 2013: “X Bienal Monterrey FEMSA”, Antiguo Colegio de San Ildefonso-UNAM, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2013: “Formas y Pasajes. Escultura contemporánea”, Centro de las Artes, CONARTE, Monterrey, Mexico.
- 2013: “El Insesante Ciclo entre Idea y Acción, Programa Bancomer-MACG. Arte Actual”, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2012: “The Very Large Array: San Diego/Tijuana Artists in the MCA Collection”, Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, San Diego CA, U.S.
- 2012: “El Panal/The Hive, Trienal Poligráfica de San Juan“, San Juan, Puerto Rico.
- 2011: “Des-hielo, solo-project Feria ChACO”, Feria ChACO, Santiago, Chile.
- 2011: “Mexico: Poetics and Politics”, San Francisco State University, San Francisco, U.S.
- 2010: “Descartes”, The Collaborative-MOLAA, Long Beach, U.S.
- 2010: “Moscow Biennale for Young Art“, Moscu, Rusia.
- 2009: “10 Años del FONCA”, Biblioteca Vasconcelos, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2009: ” X Bienal de Cuenca“, Cuenca, Ecuador.
- 2009: “PavillioM, Arte Contemporáneo Mexicano”, 53th Venice Biennale, Venezzia, Italy.
- 2007: ” IM/Polis Transitio/MX”, Laboratorio Arte Alameda, Ciduad de Mexico, Mexico.
- 2006: “Strange New World”, MCASD, Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, San Diego, CA, U.S.
Collections
- Colección FEMSA, Monterrey N.L., Mexico.
- Colección del Museo Universitario Arte Contemporáneo, MuAC., Ciudad de Mexico, Mexico.
- Colección del Museum of Contemporary Art San Diego, San Diego, CA, U.S.
- Colección Elías-Fontes., Mexicali B.C., Mexico.
- Private art collections in México, San Diego, Los Ángeles, San Francisco, Nueva York, Spain and Denmark.
Links
- Jaime Ruiz Otis, “Estela del Paisaje Negro”, 201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 165 x 150 cm.
- jaime Ruiz Otis, “Estela de horizonte Palido”, 1999-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 170 x 150 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela Chillante”, 1999-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 265 x 150 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela Arenosa”, 1999 , Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 165 x 150 cm. coleccion Elias-Fontes.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela Arenosa”, 1999-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 265 x 150 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela del Can”, 2005-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 250 x 140 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Crack”, 2013, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 45 x 65 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Bifurcacion”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 65 x 180 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Cumulo”, 2013, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 65 x 135 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Transmisor”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 122 x 195 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Avoid direct exposure to beam”, 2014, Series: calcomaticos, Found stickers on sheet, 71 x 81 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Desfase A”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 54 x 123 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Desfase C”, 2013, Series: calcomaticos, Found stickers on sheet, 80 x 126 cm. coleccion Femsa.
- Jaime Ruiz Otis, “Desfase B”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on acrylic, 123 x 181 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Caos-Orden-Caos”, 2013, Series: calcomaticos, Found stickers on sheet, 89 x 98 cm.
Translated from Spanish
Painting to me exists as an extension beyond the space-time limits where I put to test anti-epistemological values that aim to question some essentialist posture of the symbolic domain. They are sets, or sometimes equations that arise from a deliberate economy of resources and studies that explore the consequences of modernity in the representation of identitarian images (for example Casta paintings from the 19th century), or the conceptual limits of the history of modernity itself.
Para mi existe la pintura como una extensión más de los límites espacio-temporales donde pongo a prueba valores contra-epistemológicos que buscan cuestionar algunas posturas esencialistas del dominio simbólico. Son escalas, a veces ecuaciones que surgen de una deliberada economía de recursos y estudios que exploran las consecuencias de la modernidad en la representación de imágenes identitarias, (como por ejemplo la pintura de castas del siglo XIX) o bien, los límites conceptuales de la historia misma de la modernidad.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2010: Universidad Nacional Autónoma de Honduras, 5 años, Licenciado en Sociología, Tegucigalpa, Honduras.
- 1995: Escuela Nacional de Bellas Artes, 5 años, Maestro en Artes Plásticas, Tegucigalpa, Honduras.
Prizes / Fellowships
- 1995: Primer premio Bienal de Escultura y Cerámica, IHCI, Tegucigalpa, Honduras.
- 2007: Antología de las Artes Visuales, Tegucigalpa, Honduras.
- 2013: Premio Illy Sustain Art, Venecia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Pintura Política”, Galería PM8, Vigo, Spain.
- 2013: “Eccepolis”, Sala Luis Miro Quesada, Lima, Perú.
- 2012: “Frescos Fetiches”, Centro de Artes Visuales, Tegucigalpa, Honduras.
- 2012: “Charter City”, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- 2012: “Sedimentos”, Ex-Teresa, Arte Actual, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Topografías”, Solo Project, ARCO Madrid, Spain.
- 2011: Galería 80m2, Lima, Perú.
- 2008: “Dis-tensiones”, Centro Cultural de España, Tegucigalpa, Honduras.
- 2007: “Sociedad Ilícita”, Fundación Teorética, San José.
- 2007: “Denominaciones y Retroscopías”, Costa Rica.
- 2006: “El Poder de la Asepsia”, Image Art Factory Foundation, Belize City, Belize.
- 2005: Galería Portales, Tegucigalpa, Honduras.
- 1995: “Panópticos”, Galería Paradiso, Tegucigalpa, Honduras.
Group Exhibitions
- 2013: “California-Pacific Triennial”, Orange County Museum of Art, CA, USA.
- 2013: Musem of Latin American Art, Long Beach C.A, USA.
- 2013: “Intersections”, 7a Bienal de Curitiba, Brazil.
- 2012: “You will never walk alone again”, Radiator Gallery, New York, USA
- 2012: “Caribbean: Crossroads of the World”, Museo del Barrio, New York, USA.
- 2011: “(S) Files”, Bienal del Museo del Barrio, New York, USA.
- 2011: “Entre Siempre y Jamás”, 54 Bienal de Venecia, Italy.
- 2011: “Miradas Sin coordenadas”, La Casona, Galería 80m2, Lima, Perú.
- 2011: “Triangulo C-S-C, video arte de América Latina”, Ex Teresa Arte Actual, Mexico City, Mexico.
- 2010: Muestra Internacional de Performance, Mexico City, Mexico.
- 2010: Bienal del Istmo Centroamericano, Managua, Nicaragua.
- 2010: I Trienal del Caribe, Santo Domingo, República Dominicana.
- 2010: Bienal de Artes Visuales, Tegucigalpa, Honduras.
- 2010: Bienal de Pontevedra, Spain.
- 2010: Centroamérica Unida por el Arte, El Sitio, Antigua Guatemala.
- 2009: Centro Cultural de España, San Salvador, El Salvador.
- 2009: “Migraciones. Mirando al sur”, La mancha de tomate, Tegucigalpa, Honduras.
- 2009: “Pintura. Proyecto Incompleto”, Centro de Formación de la Cooperación Española, Antigua, Guatemala.
- 2009: Fortaleza de San Carlos de la Cabaña, la Habana, Cuba, Décima Bienal de la Habana, Cuba.
- 2009: ” Nostalgia de Futuro”, Museo de Arte Contemporáneo, Valencia, Spain.
- 2009: “Migraciones. Mirando al sur”, Centro de Cultura Hispánica, Tegucigalpa, Honduras.
Publications
- Fuentes Guaza, Luisa. Ustedes Nosotros, editorial Index Book, España, 2010, 303 pag.
- Fuentes Guaza, Luisa. Lenguajes Contemporáneos desde Centro América, 2013, 400 pag.
Collections
- Daros Latin-américa, Zurich, Switzerland.
- Colección Patricia Phelps de Cisneros, Nueva York-Caracas.
- Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- Fundación Teorética, San José, Costa Rica.
- Museum of Latin American Art (Molaa), Long Beach, California, USA.
- Saxo Bank, Denmark.
- Fundación Ortiz-Gurdian, Leon, Nicaragua.
- Image Art Factory Foundatión, Belize City, Belize.
- Adán Vallecillo, “Pantone”, 2013, Installation, Dimensions variable. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Acordes V”, 2012, Assembly, Dimensions variable. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Mulato”, Series: Pintura de Castas, Acrylic / canvas with embedded level, 65 x 60 cm. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Tomas S.K.
- Adán Vallecillo, “Topgrafía I”, 2012, Series: Topografías, Recycled tires on racks, 280 x 720 cm. CIFO Collection, Miami, USA. Photo credit: Xose Quiroa.
- Adán Vallecillo, “Loba”, 2011, Series: Pintura de Castas, Painting, 90 x 100 cm. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Tomas S.K.
- Adán Vallecillo, “Criolla y Morisca”, 2011, Series: Pintura de Castas, Acrylic / canvas with embedded level, 90 x 95 cm. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Castiza”, 2011, Series: Pintura de Castas, Acrylic / canvas with embedded level, 60 x 65 cm. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Tomas S.K.
- Adán Vallecillo, “Pintura Mural Curitiba”, 2013, Series: Pintura Mural, Performance, Dimensions variable. Curitiba, Brasil. Photo credit: Renan Guedes Gumiel.
- Adán Vallecillo, “Banderolas”, 2013, Series: Pintura política, Wood assembly, Dimensions variable. Galería 80m2, Vigo, España. Photo credit: Francisco Salas.
- Adán Vallecillo, “Provocación IV”, 2009, Series: Provocaciones a Mondrian, Acrylic on canvas with embedded level, 90 x 100 cm. Saxo Bank Collection, Denmark. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Provocación V”, 2009, Series: Provocaciones a Mondrian, Acrylic / canvas with embedded level, 100 x 100 cm. Private collection, Florida. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Provocación XV”, 2012, Series: Provocaciones a Mondrian, Acrylic on canvas and wood, 85 x 40 cm. Private collection, USA. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Remesa Republic V”, 2008, Series: Remesa Republic, Installation, Dimensions variable. Artist Workshop, Honduras. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Civilización IV”, 2013, Series: Civilizaciones, Rubber patches, 300 x 225 cm. Galería 80m2, Lima, Perú.
- Adán Vallecillo, “Civilización V”, 2013, Series: Civilizaciones, Rubber patches, 300 x 225 cm. Galería 80m2, Lima, Perú.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2013: Programa Di tella, Universidad Torcuato Di tella.
- 2011: CIA, Centro de Investigaciones Artisticas.
- 2010: Lipac, Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas.
- 2007: Licenciatura en Artes Visuales, A, Instituto Universitario Nacional.
Solo Exhibitions
- 2013: “Disponibilidad Arriesgada”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Atlas”, Hora del Té, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Pollo Frito”, Rayo Lazer, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “La Tierra Permanece”, Jardín Oculto Galería, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Des)afectos”, Biquini Wax, Mexico City.
- 2013: “Sucursal”, Darling Foundry, Montreal, Canada.
- 2013: “Casa”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Monstruo II”, La Fábrica, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- Born wild, Buenos Aires (2013).
- One Day, Haru Gallery, Jeju-do, South Korea.
- Art Spaces directory, New Museum, NY (2011).
- Mañana Temprano, Sosunc, Neuquén, Argentina.
- Maps, Mastodonte editorial, Bogotá, Colombia (2010).
- Big Sur, Buenos Aires, Argentina (2010).
- Gala Berger, “Disponibilidad Arriesgada”, 2013, Jelly, wire, spotlight, Variable dimensions. Location: Galería Inmigrante. Photo credit: Facundo Pires
- Gala Berger, “Disponibilidad Arriesgada”, 2013, Jelly, wire, spotlight, Variable dimensions. Photo credit: Facundo Pires
- Gala Berger, “Red Bean Jello”, 2009, Installation, military tent, recycled plastic, 300 x 180 x 400 cm. Site specific project. Location: Anyang Market, South Korea. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “Chino para principiantes”, 2010-2011-2012, Series: Chino para principiantes, Drawing on Mao Benzhi paper, 21.59 x 35.56 cm. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “Las puertas”, 2013, Series: Relocalizaciones, Installation, plastic and ink, Variable dimensions. Site specific project. Location: Tepoztlán, Mexico. Image courtesy of the artists.
- Gala Berger, “Red Bean Jello”, 2009, Installation, military tent, recycled plastic, 300 x 180 x 400 cm. Site specific project. Location: Anyang Market, South Korea. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “Pollo Frito”, 2011, Mask, fabric and paper, Variable dimensions. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “La tierra permanece”, 2011, Installation, 27 paints / 27 plants, Variable dimensions, Site specific project. Location: Jardín Oculto. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “thoreau”, 2010, Plastic, rubber, paper, Variable dimensions. Photo credit: Juan Chaneton.
- Gala Berger, “La piedra que cambió las cosas”, 2013, Series: La piedra que cambió las cosas, Wood, collectible bills, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “Agua Viva”, 2010, Installation, plastic, paint, tape, Variable dimensions, Site specific project. Location: Aeroparque de Buenos Aires. Photo credit: Juan Chaneton.
- Gala Berger, “Nacido Salvaje”, 2013, Paper, Variable dimensions, Site specific project. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “Pintura bisexual”, 2011, Painting with two sides, Side A oil, Side B ink, 190 x 140 cm. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “Sucursal”, 2012, Billboard, Variable dimensions, Site specific project. Location: in front of Mamba, Argentina. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “s/t”, 2013, Jelly and wire on overhead projector, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Art is the world for a second time.
El arte es el mundo por segunda vez.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Universidad de Buenos Aires UBA, Arquitecto, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2005: Gran Premio Adquisición del 94º Salón Nacional de Artes Visuales, categoría Nuevos soportes e Instalaciones, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: Premio Adquisición del LVIII Salón Nacional de Rosario, Argentina.
- 1975: Medalla de Oro Paz ´75, 30 Aniversario de las Naciones Unidas, Slovenj gradec, Slovenia.
Solo Exhibitions
- 2013: “(Hipótesis)”, Galería 11 x 7, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Horacio Zabala, desde 1972”, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Reiterations”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
- 2010: “Otras cartografías – obras 1972-1975”, Galería 11 x 7, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Analogies & Differences”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Geometría: desafíos y desmesuras”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Arte de sistemas 1969-1977”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2012-2013: “Ends of the Earth: Art of the Land to 1974”, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Hauss der Kunst, Munich, Germany.
- 2011-2012: “Frames and Documents. Conceptualist practices”, Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, USA.
- 2011: “Sistemas, Acciones y Procesos”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “De la revuelta a la posmodernidad (1962-1982)”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain.
- 2009: “Subversive Practices. Art Under Condition of Political Repression: 60s-80s /South America / Europe”, Württembergischer Kunstverein Stuttgart, Germany.
Publications
- Fernando Davis, Horacio Zabala, desde 1972, EDUNTREF, Buenos Aires, 2013.
- Horacio Zabala, 300 metros de cinta negra para enlutar una plaza pública, Ediciones otra cosa, Buenos Aires, 2012.
- Horacio Zabala, Marcel Duchamp y los restos del ready-made, Ediciones Infinito, Buenos Aires, 2012.
-
Horacio Zabala, Vademecum para artistas – Observaciones sobre el arte contemporáneo, Asuntoimpreso Ediciones, Buenos Aires, 2009.
- María José Herrera, Horacio Zabala, anteproyectos 1972-1978, Fundación Alon, Buenos Aires, 2007.
- Horacio Zabala, El arte o el mundo por segunda vez, UNR Editora, Rosario, 1998.
Collections
- Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Museo de Arte Contemporânea, Sâo Paulo, Brazil.
- Tate Modern, London, UK.
- Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, USA.
- Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain.
- Middlesbrough Institute of Modern Art, Middlesbrough, UK.
- Daros Latinamerica Collection, Zürich, Switzerland.
- Horacio Zabala, “Art is a jail”, 1972, Pencil and rubber stamp printing on tracing paper, 46 x 119 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Revisar / Censurar”, 1974, Ink on printed map, 21 x 80 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Obstrucciones (tríptico)”, 1974, Ink on printed map, 24 x 46 cm. Private collection. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “La Bolsa de París”, 1993, Pastel on paper sheet, 47 x 32 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Díptico rojo”, 2000, Mixed media on cardboard, 23 x 76 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Las obras completas de Mondrian (III)”, 2006, Acrylic on wood and cardboard, 30 x 50 x 50 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Hipótesis III”, 2009, Acrylic on canvas, enamel on wood, 40 x 70 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau
- Horacio Zabala, “Hipótesis XV”, 2010, Acrylic on canvas, enamel on wood, 50 x 60 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Hipótesis XXII (libros)”, 2010, Acrylic on canvas, enamel on wood, 20 x 240 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Monocromo obscuro sobre New York”, 2011, Ink on printed map, 28 x 49 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo amarillo entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo negro entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo blanco entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo rojo entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Dos monocromos sobre pedestal”, 2013, Wooden bench, acrylic on canvas. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
October 16, 2013 Guido Ignatti https://abstractioninaction.com/artists/guido-ignatti/
Translated from Spanish
I explore aesthetic theories through site-specific intervention and installation. I appeal to experimentation as a fundamental medium and I combine it with other traditional elements in sculpture or painting, as well as appropriation and relocation of existing cultural patrimony. The everyday image of presentations and representations I produce, are the result of these tangled combinations. My work appeals to the judgment of apparent reality. Since the last few years I have been working intensively with installations and interventions, meaning that I work mainly in specific exhibition spaces. The works are conceptually materialized within and from the place where they will be exhibited. In my work, the de-codification of the space is clearly a place of departure. Sometimes this approach within the exhibition context helps to propose something new and other times to adapt a preexisting idea that works in the space. As modus operandi, I am interested not in forcing ideas nor relationships between them and the place. It is fundamental to perceive and understand the environment, establish and mature the works to then proceed to measure time between both parts. Whichever the process is in each case, it is always necessary to establish a relationship with the place before beginning the work process. In my work, I use the edition of recognizable objects and their symbolic charge to configure a new language. Truthfully, I think about objects as letters that allow me to make words that did not exist before this combination that I propose. In turn, the objects used also retain their initial aural signifier, issue that is not a minor factor in the decision of its use. There is a net of meanings and signifiers that structure each piece. I also write. I began to do it simultaneous to my first installations since it helped to put into words the research process as it was happening and, above all, taking into account that the work was going to be destined to disappear after the exhibition. Something similar happened with the Sauna-revista de arte texts. For me, to be critical is not only to think about the work of somebody else or an idea in particular. The act of writing helps me to re-read my work in relation to what I am speaking about. The questions I have as an artist are not the same as the ones I have when I produce a text. Clearly, I do not consider myself an art critic, but writing about what happens around me also functions as the research for my work.
Me dedico a la exploración de teorías estéticas a partir la intervención y la instalación de sitio específico. Apelo a la experimentación como medio fundamental y la combino con otros elementos de tradición escultórica y/o pictórica, así como también con la apropiación y reubicación de bienes culturales existentes. La imagen de cotidianidad de las presentaciones y representaciones a las que llego, son el resultado de tan entramadas combinaciones. Mi labor apela al juicio sobre la realidad aparente. En los últimos años vengo trabajando intensamente en instalaciones e intervenciones, quiero decir que trabajo mayormente a partir de los espacios de exhibición concretos. Las obras se materializan conceptualmente en y desde el lugar donde van a exhibirse: en mi obra la decodificación del espacio es claramente un punto de partida. Algunas veces esa aproximación con el contexto de exhibición sirve para plantear algo nuevo y otras veces para adaptar alguna idea preexistente que funciona con el lugar. Como modo de operar me interesa no forzar ideas ni relaciones entre ellas y el lugar. Percibir y entender el entorno, asentar y madurar las obras para luego medir el tiempo entre ambas partes es algo fundamental. Pero sea como sea el desarrollo específico de cada caso, siempre es necesario establecer una relación con el lugar antes de empezar el proceso de trabajo. Por otro lado, en mis obras utilizo la edición de objetos reconocibles y de su carga simbólica para configurar un lenguaje nuevo. En realidad, pienso a los objetos como letras que me permiten armar palabras que no existían antes de esta combinación que propongo. A su vez, también los objetos usados conservan su aura significante inicial, cuestión que no es menor en la decisión de su uso. Hay una red de significados y significantes que estructuran cada pieza. También escribo. Comencé a hacerlo en simultáneo con mis primeras instalaciones, me servía poner en palabras el proceso de la investigación a medida que iba sucediendo y, sobretodo, teniendo en cuenta que la obra estaba destinada a desaparecer luego de su exhibición. Con los textos de Sauna-revista de arte pasa algo parecido. Para mi hacer una crítica no es solamnete pensar la obra de alguien o pensar alguna idea en particular, ese acto de escritura fundamentalmente me sirve para releer mi trabajo en relación a eso de lo que estoy hablando. Las preguntas que tengo como artista son las mismas que manifiesto cuando produzco un texto. Está claro que no me considero un crítico de arte pero escribir sobre lo que sucede en mi entorno también me sirve como parte de la investigación de lo que hago, de la investigación de mi obra.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2001-2005: Lic. en Artes Visuales, orientación en Escultura – IUNA. Buenos Aires, Argentina.
- 2000-2001: Caracterizador Escénico – Instituto del Teatro Colón. Buenos Aires, Argentina.
- 1995-2000: Dibujante Publicitario, Técnico en Publicidad – E.T. 15 “Maipú”. Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2013: Premio estímulo de la Fundación Castagnino para artistas emergentes del XVII Salón Nacional de Rosario Castagnino-MACRO.
- 2013: Mención especial II Premio Lucio Fontana, Buenos Aires, Argentina.
- 2012-2013: Premio Itaú Cultural, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: Salón Nacional de Pintura del Banco Nación en la Casa del Bicentenario.
- 2012: Segundo premio del 101º Salón Nacional de Artes Visuales en Nuevos soportes e instalaciones en el Palais de Glace.
- 2010-2011: Premio del Centro Cultural de España en BA de artistas jóvenes en el Palais de Glace y Centro Cultural Parque España Rosario.
Solo Exhibitions
- 2012: “Suite en 3 actos: presentación, auge y caída”, La Ira de Dios, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “La Consulta”, Nora Fisch Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Collages y colaboraciones”, Barraca Vorticista, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “El Techo”, Centro Cultural de España en BA, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “El Capricho”, ThisIsNotAGallery, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Sin título (publicidad exterior)”, Intervención urbana, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Habitación”, Humboldt 1564, Palermo, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Riña de gallos”, Rusia Galería, Tucumán, Argentina.
- 2013: “Espacios parasitados”, Espacio de Arte Universidad Católica Argentina, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Fuen7e”, Lordi Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Habitat”, Nora Fisch Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Exit/Salida 3ª ed.”, Barraca Vorticista, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Diálogo”, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires. Festival Visual Brasil, Barcelona, Spain.
- 2009: “Coronal”, Braga Menéndez Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Holyhome”, See you at home, Artist studio, London, UK.
- 2008: “La forma absurda”, La Munich contemporánea, Dir. Gral. de Museos de la Ciudad, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Poética intimista en un espacio que no le corresponde”, WarClub Appetite, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- SAUNA revista de arte. Editor y co-fundador. Buenos Aires, Argentina. Agosto 2010/2013. www.revistasauna.com.ar
- Premio CCEBA de arte joven argentino. Buenos Aires, Argentina. 1era ed. Octubre 2010. www.cceba.org.ar RAMONA 100.
- Poéticas. Buenos Aires, Argentina. Mayo 2010. www.ramona.org.ar LATE (los artistas también escriben), Guido Ignatti. Buenos Aires, Argentina. Mayo 2009. www.proyecto-late.blogspot.com
Links
- Guido Ignatti, “Parquet #1 y #2”, 2013, Series: Parquet, Sectioned rubber tiles, 55 x55 cm each. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Pintura”, 2013, Wood frames for linen cloths and fluorescent illumination, 100 x 200 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Pintura y tapiado para una ventana inexistente”, 2012, Wood, paint and fluorescent lighting + projection of slides, 110 x 150 x 12cm + projection 70 x 20 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Puesta o Caída”, 2012, Series: Capturas en la rutina de alguien, Wooden blinds, light projection, paper and mirror, 150 x 120 x 50 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Simulación (farsa)”, 2012, Pintura acrílica sobre capitoné encontrado de baja calidad, 34 x 142 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Caja ciega”, 2010, Wood packaging intervened with wood trim and paint, 90 x 74 x 33cm, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Suite en 3 actos: presentación, auge y caída”, 2012, Carteles de vía pública intervenidos con afiches publicitarios invertidos, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Espacio #1 y #2”, 2012, Series: La Consulta, acrílico sobre madera velado con vidrio martelé, 50 x 70 cm each. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Sin título (Moldura Lozza)”, 2010, Durlock, moldings and wood on the floor, 80 x 40 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Impresión”, 2010, Wood, paper, and projection with slides, 120 x 240cm + 230 cm distance between projector and wall. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “El techo”, 2009, Paper on the wall and expanded polystyrene moldings on the ceilings of two public bathrooms, Variable dimensions. CCEBA, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “El Capricho”, 2009, Painting and lighting in a shed + Video Color 3 ’08”, Variable dimensions. ThisIsNotAGallery, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Diálogo”, 2009, Paint on graffiti + Video Color 2’ 46’’, Unspecified dimensions, Moreno esq. Bolivar, Capital Federal, Buenos Aires, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “La forma absurda”, 2008, Vinyl paint on vinyl canvas, cement and vines, 105 x 405 x 85 cm, Munich DGM, Photo credit: Courtesy of the artist
- Guido Ignatti, “Pared y ventana #1, #2 y #3”, 2013, Series: Pared y ventana, Collage veiled painted ribbed glass, 83 x6 2cm each. Photo credit: Courtesy of the artist.
I believe that the beauty of an artwork is connected to the way we get to know it. A knowledge that comes along with a pleasing sensation related to understanding. Comprehending and enjoying how its components interact between each other and their mechanisms of sustentation. This can be seen in my works when stacking coins, interlacing rulers or giving mobility to something that seems motionless. I relate beauty to the subtlety of instability. Those moments in which you understand or feel consciously that you are alive, that something overflows and is lost at every instant. I like the static at the moment it waits, like the calm before the storm, because it foretells it. The amazing moment before jumping or not to the void because of heights vertigo and its fall. Depths stillness where silence will listen to my body, or, on the other side, heights, for making me believe I am outside things and there is no center in them. Reflections, because of the question my eyes return. It delights me to know there is always something I can´t understand. Candlelight for not being steady, making shadows bigger and in obscurity, space more dense. I like altering things because I know they are not definitive and by doing so, apprehend them in a different way. The photo that shows the camera that took it, because it´s the perfect symmetry that I can´t achieve before a mirror. Cages, because they are spaces which are difficult to penetrate and from where you might not want to get out. I like art, that when I leave it, I feel like I`m losing something. Feeling the wind, the sun, the cold and the pain of a wound because they make me believe I am in a place. Glass and transparencies because they cut through space, whereas everything else occupies it, and what occupies it because it completes it. For the same reasons I like to think, for the moments in which I believe I learn and move forward, but more than anything, I like to think because I believe I don´t understand. In this search for understanding, is that I use everyday objects as material for my works, so as, by taking them out of context, appreciate them in another way. By putting water inside it, or chiseling its glass, a light bulb becomes, to me, a metaphor about the fragility of the body. How, thanks to that border that is our skin, we develop all our feelings and thoughts. With measuring tapes, wooden or steel rules, you can measure something linear as the body, but you can´t measure, for example, feelings inside that body. Measuring what can´t be measured. The measure of pain related to a close death, started a body of work that developed from a personal concern; how to analyze and reason about feelings. Although the artwork started being self-referential, I have come to know that the intimacy of this subject is universal. Each person interprets this experiences and concerns from his or hers perspective. And is from this perspective, unique and personal, that I hope they will relate to my artwork.
Creo que la belleza de una obra tiene que ver con nuestra manera de conocerla, y ese conocimiento acarrea una sensación placentera relacionada al entender. Entender y disfrutar cómo sus componentes interactúan unos con otros y sus mecanismos de sustentación. Esto puede verse al apilar monedas, entrelazar reglas o darle movilidad a algo aparentemente inmóvil.
Relaciono la belleza a la sutileza de la inestabilidad. Esos momentos de entender o sentir conscientemente que se está vivo, que algo se desborda y se pierde a cada instante. Me gusta lo estático en el momento que espera, al igual que la calma antes de la tormenta porque la presagia. El alucinante momento antes de saltar o no al vacío por el vértigo de la altura y la caída. La quietud de las profundidades donde el silencio escuchará mi cuerpo, o por otro lado, las alturas por creer que estoy fuera de las cosas y no hay un centro en ellas. Los reflejos por la pregunta que me devuelven mis ojos. Me agrada que siempre haya algo que no entienda. La luz de la vela por no ser constante, hace a las sombras más grandes y en la penumbra al espacio más denso.
Me gusta alterar las cosas porque sé que no son definitivas y así aprehenderlas de otra manera. La foto en la que sale la cámara que la sacó, porque es la perfecta simetría que ante un espejo no puedo lograr. Las jaulas porque son espacios en que es difícil penetrar y de los que tal vez no se quiera salir. Me gusta el arte que cuando lo dejo, me hace sentir que pierdo algo. Sentir el viento, el sol, el frío y el dolor de una herida porque me hacen creer que soy en un lugar. El vidrio y las transparencias porque seccionan el espacio mientras que todo lo demás lo ocupa, y lo que lo ocupa porque lo completa. Por lo mismo me gusta pensar, por los momentos en que creo aprender y avanzar, pero más que nada me gusta pensar porque creo no entender.
En esa búsqueda por comprender, es que empleo objetos cotidianos como material de trabajo, para, sacándolos de su contexto, apreciarlos de otra manera.
Al poner agua en su interior, o cincelar su vidrio, una lamparita se convierte para mí en una metáfora de la fragilidad del cuerpo. Como, gracias a esta frontera que es la piel, desarrollamos todo nuestro sentir y pensar.
Con cintas métricas, reglas de madera o de acero, se puede medir algo lineal como el cuerpo, pero no se puede medir, por ejemplo, los sentimientos dentro de ese cuerpo. Medir lo que no se puede medir. La medida del dolor relacionada con una muerte cercana, dispara una serie de obras que nacen de una inquietud personal; cómo analizar y razonar sobre los sentimientos.
Si bien las obras partieron siendo auto referentes me he dado cuenta que la intimidad de estos temas resulta ser universal. Cada persona interpreta estas experiencias e inquietudes según su perspectiva. Y es desde esta perspectiva, única y personal, que espero se relacionen con mis obras.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1997-2001: Universidad Finis Terrae. Licenciado en Artes con Distinción Máxima, Mención Escultura. Santiago de Chile.
Prizes / Fellowships
- 2010: 3er Premio Bienal de Santa Cruz de la Sierra. Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.
- 2008: Premio Plataforma Ministerio de Educación y Cultura del Uruguay. Montevideo, Uruguay.
- 2004: Primer Premio menor de 30 años, Anual Municipal de Artes Visuales. Montevideo, Uruguay.
Solo Exhibitions
- 2013: “Paisaje interior”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “La vida entera”, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú.
- 2012: “Not space nor time”, Sicardi Gallery, Houston, Texas, U.S.A.
- 2012: “Más que nunca”, Galería Del Paseo, Punta del Este, Uruguay.
- 2011: “Luz Propia”, Galería Isabel Aninat, Santiago de Chile.
- 2011: “Proyecto Desvelo”, Sala de Arte CCU, Santiago de Chile.
- 2010: Intervención Patio Galería 980, Bogotá, Colombia.
- 2009: “Todo cuenta”, Museo de Arte del Tolima, Ibagué, Colombia.
- 2009: “Perdido jardín”, Ministerio de Educación y Cultura del Uruguay, Montevideo, Uruguay.
- 2009: “Cosecharás tu siembra”, Galería Isabel Aninat, Santiago, Chile.
Group Exhibitions
- 2013: “País sonhado”, Fundación Memorial da América Latina, Sao Paulo, Brazil.
- 2013: “Destination”, Bienal Internacional de Mykonos, Greece.
- 2012: “Equipaje de mano / Migraciones Contemporáneas”, Museo de las Migraciones, Montevideo, Uruguay.
- 2012: “Felisberto”, Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay.
- 2011: “Marked pages III”, Sicardy Gallery, Houston, Texas, U.S.A.
- 2011: “Summer 2011: Transition”, The Mission Projects, Chicago, USA.
- 2011: “Rasgos emotivos”, Galería Enlace, Lima, Perú.
- 2011: “The Latin American Experience”, Museum of Fine Arts, Houston, U.S.A.
- 2010: “Mes geométrico”, Galería Isabel Aninat, Santiago, Chile.
- 2010: “Naturaleza Gris”, Galería Del Paseo, Punta del Este, Uruguay.
Publications
- Catálogo Obra reciente. Galería Isabel Aninat. Santiago de Chile. 2011
- Catálogo Proyecto Desvelo. Fundación CCU. Santiago de Chile. 2011
- Catálogo Perdido Jardín. Ministerio de Educación y Cultura. Montevideo, Uruguay. 2009
Collections
- Museo de Arte Contemporáneo de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia.
- Museo Juan Manuel Blanes, Montevideo, Uruguay.
- Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay.
- Colección Compañía del Oriente, Montevideo, Uruguay.
- Fundación CCU, Santiago de Chile.
- Colección Gaviria, Bogotá, Colombia.
- Colección Alejandro Castaño, Bogotá, Colombia.
- Colección Louis and Gale Adler, Houston, U.S.A.
- Colección Brad Bucher, Houston, U.S.A.
- Colección Luis y Cecilia Campos, Houston, U.S.A.
- Colección Briggs, Australia.
- Colección Alberto Rebaza, Lima, Perú.
- Colección Susana de la Puente, Lima, Perú.
- Colección Andrés Von Buch, Buenos Aires, Argentina.
- Pedro Tyler, “Aún de pie”, Series: 1/3 + P/A, Measuring tape, steel bar and electric motor, Dimensions variable. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Aún de pie (detalle)”, 2013, Series: 1/3 + P/A, Measuring tape, steel bar and electric motor, Dimensions variable. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Edge”, 2012, Series: 1/3 + P/A, Wooden rulers, phrase bas-relief of Mark Rothko “We do not want unity”, 245 cm x 65 cm x 6 cm (96 x 26 x 2.5 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Edge (detalle)”, 2012, Series: 1/3 + P/A, Wooden rulers, phrase bas-relief of Mark Rothko “We do not want unity”, 245 cm x 65 cm x 6 cm (96 x 26 x 2.5 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Veil”, 2012, Series: 2/3 + P/A, Rules openwork wooden, metal and light, Mishima phrase “There’s a reason for shadows to exist”, Dimensions variable. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Offside”, 2012, Series: 1/3 + P/A, Wooden rulers, phrase bas-relief of Nicholas de Stael “The art world is not the world of forgiveness”, 200 x 125 x 6 cm (79 x 49 x 2.5 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “The harvest”, 2012, Series: 1/3 + P/A, Wooden rulers, phrase Ryunosuke Akutagawa bas “Nature is now more beautiful than ever”, 360 x 150x 6 cm (142 x 59 x 2.5 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Una cosa que piensa I y II”, 2010, Series: 1/3 + P/A, Acrylic rules, 40 x 40 x 30 cm and 30 x 30 x 23 cm (16 x 16 x 12 in. and 12 x 12 x 9 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Vértigo”, 2010, Series: 2/3 + P/A, Rules steel, metal and plastic, 40 x 50 x 2 cm (16 x 20 x 1 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Babel”, 2009, Rules and steel rods, 130 x 170 x 300 cm (51 x 67 x 119 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Babel (detalle)”, 2009, Rules and steel rods, 130 x 170 x 300 cm (51 x 67 x 119 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Mientras dormía”, 2009, Series: 1/3 + P/A, Pierced steel rules, 215 x 120 x 2 cm (85 x 47 x 1 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Mientras dormía (detalle)”, 2009, Series: 1/3 + P/A, Pierced steel rules, 215 x 120 x 2 cm (85 x 47 x 1 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Pandora”, 2009, Series: 1/3 + P/A, Steel and acrylic rules, 110 x 110 x 3 cm (43 x 43 x 1 in.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pedro Tyler, “Eco de un pensamiento”, 2003, Series: 2/3 + P/A, Lamps, headphones and audio system playing the 9th Symphony of Beethoven, Dimensions variable. Photo credit: Courtesy of the artist.
The notion of gesture is the primary impulse behind my work. My videos, photographs, installations, sculptures and drawings are the result of subtle gestures that intend to reveal what goes unseen or unexamined, be it architectural similarities between a settlement in the Amazon forest and a small town in Michigan or the intensive labor required to clean a pristine modernist government building in Brasília. Architecture, as a manifestation of identity, ideology and economic power is of great interest to me, as it is to investigate the invisible supporting structures of modernity, urban life and capitalism. In dialogue with these concerns are my interest in indexical processes and the cultural and historical connotations of a given material. My investment in indexicality stems from its intrinsic relationship to our bodies and therefore proximity to the real. Not unlike what happens with history and its material evidences. My works on paper exist in a place between bi and tridimensionality, as they usually hold object-like qualities. Double-sided prints, ink and paper disintegrated into dust, crushed folds and creases are some examples on how I treat surfaces as material. This approach triggers a tension between representation and trace while combining body movements to the articulation of ideas.
Traducido del inglés
La noción del gesto es el primer impulse detrás de mi obra. Mis videos, fotografías, instalaciones, esculturas y dibujos son el resultado de sutiles gestos que intentan revelar lo que pasa desapercibido o sin estudiarse, ya sea similitudes arquitectónicas entre una aldea en la selva Amazónica con un pueblito de Michigan; o la intensa labor requerida para limpiar un edificio gubernamental prístino en Brasilia. La arquitectura como manifestación de la identidad, ideología y poder económico es de gran interés para mí, como lo es investigar las estructuras de soporte de la modernidad que son invisibles, la vida y el capitalismo. En diálogo con estas preocupaciones está mi interés en los procesos de indicio y las connotaciones culturales e históricas de un material. Mi dedicación al indicio parte de su relación intrínseca con nuestros cuerpos y por tanto a la proximidad con lo real, no muy alejado de lo que pasa con la historia y sus evidencias materiales. Mi obra en papel existe en un lugar entre la bi y tridimensionalidad, ya que por lo regular poseen cualidades de objeto. Grabados de dos caras, tinta y pape desintegrados en polvo y dobleces machucados, son ejemplos de cómo manejo las superficies como material. Este acercamiento provoca una tensión entre la representación y el trazo mientras combino movimientos corporales a la articulación de las ideas.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2013: Artpace, International Artist-in-Residence, San Antonio, USA. (guest curator: Hanru Hou)
- 2010-2012: Core Program, The Museum of Fine Arts, Houston, USA.
- 2011: SOMA summer, Mexico City, Mexico.
- 2010: Fundación Botín, Santander, Spain. (mentor: Mona Hatoum)
- 2009: Skowhegan School of Painting & Sculpture, Skowhegan, ME, USA.
- 2009: M.F.A., California Institute of the Arts, Valencia, CA, USA.
- 2000: B.F.A., Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo, Brazil.
Prizes / Fellowships
- 2013: ARC Grant, Center for Cultural Innovation.
- 2012: VI Concurso de Videoarte, Fundação Joaquim Nabuco.
- 2012: Artistic Innovation Grant, Center for Cultural Innovation.
- 2010-2012: Core Program Fellowship, The Museum of Fine Arts, Houston.
- 2009: Skowhegan School of Painting & Sculpture, Donald and Doris Fisher Fellowship / CalArts Matching Fellowship.
- 2009: CAA Los Angeles MFA Award, College Art Association.
- 2009: Deanʼs Grant, California Institute of the Arts.
- 2008: Interdisciplinary Grant, California Institute of the Arts.
- 2007-2009: Graduate Scholarship, California Institute of the Arts.
Solo Exhibitions
- 2013: “Brasília, Cars, Pools & Other Modernities”, Artpace, San Antonio, TX, USA.
- 2013: “Study for a Landscape”, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA.
- 2012: “On Brasília”, Centre 3, Hamilton, Canada.
- 2011: “Gasto”, Luisa Strina Gallery, São Paulo, Brazil.
- 2009: “Real”, California Institute of the Arts, Valencia, CA (MFA Thesis).
Group Exhibitions
- 2013: “Panoramas do Sul – 18º Sesc_Videobrasil”, SESC Pompéia, São Paulo, Brazil.
- 2013: “Concreta Sonho”, Galerie Krinzinger, Vienna, Austria.
- 2013: “La Elipsis Arquitectónica”, Centro Cultural Universitario Tlatelolco, Mexico City, Mexico.
- 2013: “When Attitudes Became Form Become Attitudes”, Museum of Contemporary Art Detroit, MI, USA.
- 2012: “When Attitudes Became Form Become Attitudes”, CCA Wattis Institute, San Francisco, CA, USA.
- 2012: “Dallas Biennale”, Dallas Contemporary, Dallas, TX, USA.
- 2012 “Core Exhibition”, Glassell School of Art, Museum of Fine Arts Houston, Houston, TX, USA.
- 2011: “Building Arts”, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA.
- 2011: “YLA 16: Thought Cloud”, Mexic-Arte Museum, Austin, TX, USA.
- 2011: “Nowhere Near Here”, Houston Center for Photography, Houston, TX, USA.
- 2011: “Core Exhibition”, Glassell School of Art, Museum of Fine Arts Houston, Houston, TX, USA.
Publications
- 2013: “La Elipsis Arquitectónica,” Centro Cultural Universitario Tlatelolco (exhibition publication).
- 2012: “When Attitudes Became Form Become Attitudes,” CCA Wattis Institute (exhibition catalogue).
- 2012: “Core Program,” Museum of Fine Arts Houston (exhibition catalogue).
- 2011: “Core Program,” Museum of Fine Arts Houston (exhibition catalogue).
- 2010: “Brasília by Foot,” Shifter 16: Pluripotential (April): 44-51.
- 2009: “Why Theory,” California Institute of the Arts M.F.A. 2009 (exhibition publication).
Collections
- The Museum of Fine Arts, Houston, USA.
- Kadist Art Foundation, France / USA.
Links
- Blaffer Art Museum
- Current Magazine
- Arquine
- Arttextum, Tejido de agentes culturales inspirados en Latinoamérica
- Clarissa Tossin, “Mass Displacement (Detroit)”, 2013, Inkjet print dust and paper, 17 x 21 in. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Mass Displacement (Gaoyang Hubei Province)”, 2013, Inkjet print dust and paper, 17 x 21 in. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Mass Displacement (Chavez Ravine)”, 2013, Inkjet print dust, 17 x 21 in. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Unmapping the World”, 2011, Ink on tracing paper, 29 x 19 in. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Unmapping the World”, 2011, Ink on tracing paper, 29 x 19 in. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Unmapping the World”, 2011, Ink on tracing paper, 29 x 19 in. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Geographic Accident (9,468 miles collapsed)”, 2012, Double-sided archival inkjet print, 8 x 16 ft. (approx.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Geographic Accident (9,468 miles collapsed)”, 2012, Double-sided archival inkjet print, 8 x 16 ft. (approx.). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Fordlândia Fieldwork”, 2012, Double-sided archival inkjet print, Dimensions variable. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Fordlândia Fieldwork”, 2012, Double-sided archival inkjet print, Dimensions variable. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Shared Napkin (Andrezza, Guilherme, Ludovic and I)”, 2007, Paper napkin, lipstick, grease, red wine, chocolate, tomato sauce and coffee, 42 x 30 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Shared Napkin (Louisa, Lindsay and I)”, 2007, Paper napkin and pomegranate, 18 x 19 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Clarissa Tossin, “Shared Napkin (Ludovic and I)”, 2007, Paper napkin, red wine, grease, lipstick and squid ink, 27 x 28 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
My interest on abstraction began approximately in 2006, as a result of a refusal to keep representing problems and situations linked to Colombian identity within my individual artistic process—thematic axis that I explored in my works since 1999 and from which I proposed various mediums such as installation, printing and painting. Since 2007 I began a series of projects in which I decided to produce works about the relevance of the international style, i.e., the great boom that the modern architecture movement has had since its origins in the second decade of last century in Europe, aiming to develop post-colonial and transcultural positions from the proposals in which I juxtapose different historical urban periods around the world, with the purpose of highlighting the overwhelming aspect of the modernist movement and vice versa.
Mi interés por la abstracción vino a darse hacia 2006 a raíz de un rechazo a seguir representando problemas y situaciones vinculadas a temas de identidad colombiana dentro de mi proceso individual como artista, eje temático que identificó mis trabajos desde 1999 y el cual planteé desde varios medios como la instalación, el grabado y la pintura. A partir de 2007 inicié una serie de proyectos en los que me propuse elaborar trabajos sobre la relevancia del estilo internacional, es decir, el gran auge que ha vivido el movimiento moderno de arquitectura desde que se inició en la segunda década del siglo pasado en Europa, buscando de esa manera desarrollar posiciones poscoloniales y transculturales desde propuestas en las que yuxtapongo diferentes periodos históricos urbanos alrededor del mundo con el fin de resaltar el carácter avasallador del movimiento moderno y viceversa.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2008-2009: MA Fine Art, Central Saint Martins College of Art and Design, London, UK.
- 1996-2000: Maestro en Artes Plásticas, Universidad Nacional, Bogotá, Colombia.
Prizes / Fellowships
- 2009: Distinction, MA Fine Art, Central Saint Martins College of Art and Design, London, UK.
- 2004: Mención Laureada, Trabajo de Grado Frutos, Universidad Nacional, Bogotá, Colombia.
- 2001: Premio Mejores Trabajos de Grado, Área VII, Universidad Nacional, Bogotá, Colombia.
- 1998: Premio, 4to Salón Nacional de Arte Universitario, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2012: “ODAM 10 Proyectos”, Nueveochenta Arte Contemporaneo, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Oficina de Diseño de Arquitectura Moderna”, Nueveochenta Arte Contemporaneo, Bogotá, Colombia.
- 2010: “Entre Siglos”, Alberto Sendros Galería, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “1900-5100”, Nueveochenta Arte Contemporaneo, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Paisaje”, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá, Colombia.
- 2007: “El Cielo Con Las Manos”, Nueveochenta Arte Contemporaneo, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Covers”, Galería Sextante, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Señales”, Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Señales”, Museo de Arte Moderno de Bucaramanga, Bucaramanga, Colombia.
- 2002: “Subdesarrollado”, Alianza Colombo-Francesa, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “Paper Thin”, Bearspace, London, UK.
- 2012: “Una Línea de Polvo: Arte y Drogas”, El Centro de Expresiones Contemporáneas Paseo de las Artes y el Río Paraná, Rosario, Argentina.
- 2012: “Poetas en Tiempos de Escasez”, El Parqueadero-Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- 2012: ARCO-Solo Projects: Focus Latinoamérica, Madrid, Spain.
- 2011: “Maraloto”, Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Sobre el Territorio: Arte Contemporaneo en Colombia”, Museo Santralistanbul, Istanbul, Turkey.
- 2011: “Sobre el Territorio: Arte Contemporaneo en Colombia”, Cermodern, Ankara, Turkey.
- 2010: “Puntos Suspensivos”, Museo Diego Rivera, Guadalajara, Mexico.
- 2009: “Future Map 09”, 20 Hoxton Square, London, UK.
- 2008: “Otras Floras”, Galería Nara Roesler, Sao Paulo, Brazil.
Publications
- 2012: Transpolítico-Arte en Colombia 1992-2012, Lunwerg, Madrid, Spain.
- 2010: The Catlin Guide-New Artists in the UK, Catlin Holdings Limited, London, UK.
- 2007: Jaime Tarazona, Programa Enfoques, Banco UBS, Bogotá, Colombia.
Collections
- Banco Itaú, Bogotá, Colombia.
- Jaime Tarazona, “Gold Washing in the Brazils”, 2008, Acrylic on engraving, 24 x 18 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Pilori a Charing Cross”, 2009, Acrylic on engraving, 15 x 23 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “La Cumbre”, 2008, Acrylic on engraving, 15 x 24 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Nanking”, 2009, Acrylic on engraving, 16 x 21 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Harbour of Rio Janeiro”, 2008, Acrylic on engraving, 12 x 15 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “América 1”, 2010, Adhesive vinyl on map, 67 x 47 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “América 15-20”, 2010, Adhesive vinyl on map, 208 x 134 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Asia 7-9”, 2010, Adhesive vinyl on map, 141 x 67 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Europa 8-10”, 2012, Adhesive vinyl on map, 114 x 114 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Europa 15-25”, 2011, Adhesive vinyl on map, 114 x 335 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Bogotá 8”, 2010, Paper on postal, 10 x 15 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “La Boca Buenos Aires”, 2010, Paper on postal, 15 x 20 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Nueva York 1”, 2010, Paper on postal, 15 x 20 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Houses of Parliament”, 2009, Paper on postal, 10 x 23 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “St Paul’s Cathedral 2”, 2009 Paper on postal, 10 x 23 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
I see art and the processes it implies; as a main root that include many useful aspects in life which go from instincts to measure; intuitive aesthetics to rational ethical’s mechanics. Being in this path is a constant study of the whole, going through experiences, observations and resolutions to understand it as a big unity. This study helps me to obtain different perspectives for the experience of perceiving life in an analytical and contemplative way. With the appetite to keep making new findings; and understanding the mechanism by which different disciplines are related. This interest is the constant mark that motivates my work, acting and reacting starting from of one idea.
Entiendo el arte y los procesos que implican, como una rama madre que engloba muchos aspectos útiles para la vida, que van desde el instintivo hasta la mesura, desde la estética intuitiva hasta la ética racional mecánica. Estar en ese camino es un estudio constante del todo, avanzando por experiencias, observaciones, resoluciones para entenderlo como una gran unidad. Este estudio me ayuda a obtener perspectivas para la experiencia de percibir la vida, de forma analítica y contemplativa. Con apetito de seguir descubriendo más y comprender mecanismos en los que se relacionan las disciplinas. Este interés es la constante marca que motiva mi trabajo, accionando y reaccionando a partir de alguna idea.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2009: TALLER R.U.S. LIMA- c.c. casa España, Lima, Perú.
- 2008: CURSO Corel Draw – IPAD, Lima, Perú.
- 2008: CURSO Adobe Photoshop – IPAD, Lima, Perú.
- 2003-2007: ENSABAP especialidad pintura, Lima, Perú.
Prizes / Fellowships
- 2015: Finalista & exposición colectiva, “13vo Salón nacional de pintura ICPNA” Centro Cultural Peruano Norte Americano, Lima, Peru.
- 2012: Concurso 2do puesto, “La Pinta de Lima” Municipalidad Metropolitana de Lima & EMAPE, Lima, Peru.
- 2012: Finalista & exposición colectiva, “concurso: PASAPORTE PARA UN ARTISTA” Galería PUCP & c.c. Alianza Francesa, Lima, Peru.
- 2011: 3er Puesto Concurso Golden Graffiti, “interior” estacionamiento minera Hoschild, Lima, Peru.
Solo Exhibitions
- 2015: “OUTSIDER”, Galería Lucia de la Puente & Monumental Callao, Callao, Peru.
- 2014: “Regalo de joyas”, KIOSKO Galería, Santa Cruz, Bolivia.
- 2013: “Año nuevo en Etiopia”, Galería Lucia de la Puente, Lima, Peru.
- 2012: “-ADAPTACION”, Galería Morbo, Lima, Peru.
- 2009: “Radiochu presenta: Matizado con el abrigo de la noche”, Yacana, Lima, Peru.
- 2008: “Radiochu presenta: Valentino Sibadon”, La Maquina, Miraflores, Lima, Peru.
- 2007: “Radiochu”, Tienda la Pulga, Miraflores, Lima, Peru.
Group Exhibitions
- 2016: “RADIO XOMATOK: Mega Hertz”, Taller Detonador, Lima, Peru.
- 2016: “A mar”, Galería Lucia de la Puente, Lima, Peru.
- 2016: “20 años de graffiti y street art en Lima” 93Galeria, Callao, Peru.
- 2016: “Intersección (objeto, acontecimiento y geometría)”, Proyecto Showroom, San Miguel de Allende, México.
- 2015: “Señalamientos”, Galería Lucia de la Puente, Lima, Peru.
- 2015: “IN, OUT AND BETWEEN”, Nube Galeria, Santa Cruz, Bolivia.
- 2014: “Skateboarding 50 años de influencia”, Galería Paraiso, Lima, Peru.
- 2013: “VEJIGA DE PEZ 3-D”, Bellas Artes, Lima, Peru.
- 2013: “Noche en Blanco”, Barranco, Lima, Peru.
- 2012: “Proyecto AFUERA”, Casona 80m2 & Morbo, Lima, Peru.
- 2012: “Código Postal”, Galeria Vértice & Corriente Alterna, Lima, Peru.
- 2011: “City Tour”, Centro Cultural Qoricancha, Cusco, Peru.
- 2010: “RUS Lima”, Centro Cultural España, Lima, Peru.
- 2009: “La Nueva Línea”, Centro Cultural ICPNA Cusco, Cusco, Peru.
- 2007: “El Codo: La ciudad como escenario”, Galería John Harriman, Centro Cultural Británico, Miraflores, Lima, Peru.
- 2006: “El Codo: Autoadhesivo”, Centro Cultural Ricardo Palma, Miraflores, Lima, Peru.
Publications
- 2016: “Peru Al Limite” ed. Arte al Limite, Chile.
- 2016: “VALENTINO SIBADON- PUERTO MALDONADO/MOYOBAMBA/LIMA/SANTA CRUZ/LA PAZ/BARCELONA/BUENOS AIRES TOUR” Garbomagazine, Peru.
- 2015: “Casa Tomada” Phormula, Peru.
- 2015: “RADIO” Graffito mag, Chile.
- 2013: “Año nuevo en Etiopia” Blog CAUSE I NEED IT, Chile.
- 2013: “Ofrenda Celeste” Blog JUXTAPOZ, España.
- 2013: The World Atlas of Street Art and Graffiti (en colaboración con Sixe Paredes), Rafael Schacter, Inglaterra.
- 2013: CASA TOMADA las experiencias del colectivo Vesica Piscis, arte al limite, n.58, Chile.
- 2013: Blog Síndrome de stendhal, Perú.
- 2010: LINEA Y CUERPO, Felipe Mayuri & Iván Fernández Editores, Perú.
Collections
- Alberto Rebaza, Lima, Perú.
- Manuel Velarde, Lima, Perú.
- Bettina y Jorge Mufarech Colección, Lima, Perú.
- Rosario Prado, Lima, Perú.
Additional Links
- 2013: Exposición: “Año nuevo en Etiopia”
- 2013: “Ofrenda Celeste”, Nazca, Perú, en colaboración con Sixe Paredes
- 2011: “modulación de éter”, Lima, Peru, Exposicion Vejiga de Pez
- Valentino Sibadon, “Puente Invertido”, 2013, Series: intervención para “La Noche En Blanco”, Glossy paint on wall and floor, 4x18x8m / 157.5”x708.7”x314.9”, Site specific project. Location: Barranco, Lima, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Interior”, 2011, Series: intervención para concurso “Golden Graffiti”, Glossy paint and spray paint on wall, ceiling, and floor, 20x60x3.5m / 787.3”x 2362.2”x137.8”, Site specific work. Location: Estacionamiento minera Hoschild, Surco, Lima, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Que sea aca como es alla”, 2013, Glossy paint on wall, 16x10m/ 630”x393.7”, Site specific project. Location: Universidad Ricardo Palma, Lima, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “fachada desfasada”, 2012, Series: Mural para Exposición -ADAPTACION- Glossy paint on wall, 5x10m/ 196.8”x393.7”, Site specific project. Location: Fachada Morbo Galería, Barranco, Lima, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “amare”, 2013, Glossy paint on wall, 2.5x 3m / 98.4”x118.1” Site specific project. Location: Moyobamba, Región San Martin, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “jugueria”, 2013, Glossy paint on wall, 3x10m / 118.1”x393.7”, Site specific project. Location: Moyobamba, Región San Martin, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “cruz de capas”, 2013, Spray paint and glossy paint on wall, 2.5x4m / 98.3”x157.5”, Site specific project. Location: Asentamiento Canta Gallo, Rimac, Lima, Perú. Photo credit: Diego Cornejo
- Valentino Sibadon, “hard/soft”, 2013, Spray paint and glossy paint on wall, 2.8×4.5m / 110.2”x177.1”, Site specific project. Location: Gamarra, La Victoria, Lima, Peru. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Naranja, rosa y verde”, 2013, Series: Policarbonatos / exposición: Año nuevo en Etiopia, Spray paint on and inside of polycarbonate, 110x105cm / 43.3”x41.3”. Photo credit: Luis Elias
- Valentino Sibadon, “Cruz gris”, 2013, Series: Policarbonatos / exposición: Año nuevo en Etiopia, Spray paint on and inside of polycarbonate, 95x105cm / 37.5” x41.3”. Photo credit: Luis Elias
- Valentino Sibadon, “Degrade tropical”, 2013, Piecitas / exposición: Año nuevo en Etiopia, Spray sobre Melamine, 25x5cm/ 9.8”x9.8. Photo credit: Luis Elias
- Valentino Sibadon, “Frio Calido”, 2012, Spray paint on Plexiglas, 18x29cm each / 7”x11.5” each. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Nintendo”, 2011, Series: escombros, Spray paint on tile, 18x26cm / 7.3”x10.2”. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Caramelo”, 2012, Series: escombros, Spray paint on tile, 15x15cm /5.9”x5.9”. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Flotante”, 2011, Series: escombros, Acrylic on ceramic, 24x17cm / 9.5” x 6.8”. Image courtesy of the artist
Selected Biographical Information
Education / Training
- Pontificia Universidad Javeriana, cinco años, Arquitecto. Bogota, Colombia.
- Atelier 17, S.W. Hayter, Grabado Moderno, Paris, France.
- Art History, L’ Ecole du Louvre, Paris, France.
Prizes / Fellowships
- 2000: Premio Luis Caballero, Segunda Versión, IDCT, Alcaldia Mayor de Bogotá, Colombia.
- 1996: 1er premio pintura, XXXVI SALON NACIONAL DE ARTISTAS, Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura, Corferias, Bogota, Colombia.
- 1992: Mencion, XXXV SALON NACIONAL DE ARTISTAS, Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura, Corferias, Bogota, Colombia.
- 1990: Visual Arts New Work Award, Wisconsin Arts Board.
- 1989: Milwaukee County Artists Fellowship.
- 1984: Jury Award, SMALL WORKS, (Eight Annual Contest), Galleries, 80 Washington Square East, New York University, N.Y., USA.
- 1979: Icetex Fellowship for Art Studies Abroad.
Solo Exhibitions
- 2013: “MECHANICAL VENTILATION”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
- 2011: “SALTO TEQUENDAMA”, Galeria Casas Reigner, Bogotá, Colombia.
- 2010: “OTRAS VOCES”, Faria & Fabregas Galeria, Caracas, Venezuela.
- 2010: “REVISION”, New Mexico State University Art Gallery, Las Cruces, NM, USA.
- 2009: “CIRCUNSTANCIAS”, Galeria Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2007: “TERRITORIOS”, Galeria Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2006: “PERMUTANTES”, Cámara de Comercio de Bogotá, Colombia.
- 2006: “ACERCA DE LAS ESTRUCTURAS”, MADC, Costa Rica.
- 2005: “PERMUTANTES”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2005: “FRAGMENTED DREAMS”, Amelie A. Wallace Gallery, SUNY College at Old Westbury, New York, USA.
- 2005: “MARGENES PARALELAS”, Galeria Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “PERMANENCIA DEL ARTE GEOMETRICO”, Galeria Frances Wu, Lima, Peru.
- 2012: “TRACING TIME”, Josée Bienvenu Gallery, NY, USA.
- 2012: “X BIENAL MONTERREY FEMSA”, Exposición Sextanisqatsi –Curado por José Roca, Monterrey, Mexico.
- 2010: “THEN AND NOW”, Abstraction in Latin American Art 1950-present, 60 Wall Gallery, Deutsche Bank, NY, USA.
- 2009: “VENICE BIENNALE“, Pabellón de América Latina IILA “Mundus Novus ”, Artiglierie dell’Arsenale.
- 2008: “PROYECTOS ESPECIALES”, ARCO, Madrid, Spain.
- 2008: “FORMA, LINEA, GESTO, ESCRITURA”, MuVIM, Valencia, Spain.
- 2007: “LINEA CONTINUA”, Lugar a Dudas, Cali, Colombia.
- 2006: “MARCAS REGISTRADAS”, Museo Nacional de Colombia, Bogotá, Colombia.
- 2006: “ESTRECHO DUDOSO”, Teoretica, Costa Rica.
- 2004: “DIBUJOS”, Johana Calle – Luis Roldán, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “DIBUJOS”, Johann Calle – Luis Roldán, Museo de Arte Moderno de Montevideo.
- 2004: “URBES INTERIORES”, BLLA, Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- 2003: “VIOLOGY”, University of the Pacific.
- 2002: “VIOLOGY”, Galeria de la Raza, San Francisco, CA, USA.
Collections
- Bibilioteca Luis Angel Arango, Bogota, Colombia.
- Milwaukee Art Museum, Milwaukee, USA.
- Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia.
- Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
- Museo de Arte Moderno Medellin, MAM, Colombia.
- Museo de Arte Latinoamericano, Managua, Nicaragua.
- Museo de Arte Universidad Nacional de Bogotá, Colombia.
- Museo Nacional de Colombia, Bogotá MADC, Costa Rica.
- Museo del Barrio, New York, USA.
- The Frances Lehman Loeb Art Center, Vassar College, Poughkeepsie, N.Y., USA.
- Colección Suramericana, Medellín, Colombia.
- The Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), USA.
- Banco Mercantil, Caracas, Venezuela.
- Cisneros Fontanals Art Foundation, USA.
- Celarg Foundation, Caracas, Venezuela.
- Teorética, Costa Rica.
- Drawing Collection of the Deutsche Bank, New York, USA.
- Coleccion FEMSA, Monterrey, Mexico.
- Luis Roldán, “Reflexiones, : III”, 1990, Series: Reflexiones, Oil on linen, 183 x 157 cm. Photo credit: Tom Bamberger
- Luis Roldán, “Calendario”, 1996, Detrito, wood, 300 x 900 cm. Museo Nacional de Colombia, Bogotá. Photo credit: Clemencia Poveda
- Luis Roldán, “Parque de la independencia,Alicia…”, 1994, Series: Parque de la independencia, Oil on linen, 250 x 320 cm. Photo credit: Oscar Monsalve
- Luis Roldán, “Que estoy haciendo aqui”, 1999-2000, Graphite, paper, Installation view and details. Image courtesy of the artist
- Luis Roldán, “To be young and homeless”, 2002, Series: To be young and homeless, Oil on linen, 190 x 200 cm. Image courtesy of the artist
- Luis Roldán, “Columbrares”, 2006, Series: Margenes Paralelas, Ink, acrylinc on linen, 122 x 136 cm.
- Luis Roldán, “Columbrares”, 2005, Series: Margenes Paralelas, Ink, acrylinc on linen, 122 x 136 cm.
- Luis Roldán, “Desdoblado”, 2006, Series: Sueños, Torn sheet, 186 X 320 com. Location: BLAA, Bogotá.
- Luis Roldán, “Antipolar”, 2007, Series: Sueños, Torn sheet, Variable dimensions. Photo credit: Oscar Monsalve
- Luis Roldán, “Agobio”, 2007, Series: Sueños, Torn sheet, Variable dimensions. Photo credit: Oscar Monsalve
- Luis Roldán, “Pajarera”, 2009, Series: Circunstancias, Mixed media, Variable dimensions. Photo credit: Oscar Monsalve
- Luis Roldán, “Strike Gently II”, 2012, Series: Strike Gently, Books of found matches and cardboard, Variable dimensions. Colección FEMSA. Photo credit: Angela Bonadies
- Luis Roldán, “Numerales II”, 2008-2010, Series: Numerales, Found receipts and acrylic on paper, 100 frames of 31.5 x 24.5 each. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Luis Roldán, “La pared II”, 2013, Series: La pared, Paper, print paper and metallic frames, Variable dimensions. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Luis Roldán, “Wash & Ware”, 2013, Lint from dryer, Variable dimensions. Photo credit: Arturo Sanchez.
It has always been about the overlap between form and politics for me. I believe I need to occupy my own place in the world while taking responsibility for the way I do this, I have chosen to be an artist-this was not imposed upon me-and so I understand form to be my concern. I try to stay in the realm of the visual and the sensible as a means of defending that space itself, a space constantly open to redefinition-one in which subjectivity can be played out. This is why self-reflexivity can be important. To me it is a political stance. If one could say that art is concerned with the imagination, I believe that how imagination is formed is a pertinent question that also speaks to society in a larger sense. The ways we imagine and how we are conditioned to imagine are both artistic and political concerns to me.
Traducido del inglés
Para mí, siempre ha sido acerca de la superposición de la forma y la política. Creo que tengo que ocupar mi propio lugar en el mundo mientras me responsabilizo de la forma en la que lo hago. He elegido ser una artista—esto no fue impuesto sobre mí—así que entiendo la forma como interés. Intento permanecer en el ámbito de lo visual y lo sensible como modo de defender ese espacio, un espacio constantemente abierto a las redefiniciones, en el cual la subjetividad puede ser representada. Es por esto que la auto-reflexión puede ser importante. Es para mí una postura política. Si uno pudiera decir que el arte está interesado en la imaginación, creo que la manera en la que se forma la imaginación es también una pregunta pertinente que tiene que ver con la sociedad en un amplio sentido. Las formas en las que imaginaos y cómo estamos condicionados a imaginar son preocupaciones artísticas y políticas para mí.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2005: Rijksakademie van beeldende kunsten/Dutch Ministry of Education, Culture and Science.
- 2003: Instituto Universitario Nacional del Arte, Buenos Aires, Argentina.
- 2003: Escuela Nacional de Bellas Artes P.P. (I.U.N.A.), Buenos Aires, Argentina.
- 2001-2003: Clínica de Obra con Tulio de Sagastizabal.
Prizes / Fellowships
- 2011: Recipient of the Cisneros Fontanals Foundationʼs Grants & Commissions Program.
- 2011: Winner of Art Rotterdam, Illy Prize.
- 2007: Ayudas 07, Spain, C.C. Montehermoso.
- 2007: Certamen, Spain, Explum.
- 2005: Ministry of Foreign Affairs, The Netherlands.
- 2004: Madrid Abierto, Spain, Mention of the Jury.
- 2004: UNESCO-Aschberg, Germany.
- 2004: Bursaries for Artists programme Fundación Antorchas, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2013: “Low Visibility”, Johann König, Berlin, Germany.
- 2013: Museo Tamayo, Mexico City, Mexico.
- 2013: Museum of Contemporary Art, Chicago, IL, USA.
- 2013: List Visual Arts Center, Cambridge, MA, USA.
- 2012: Chisenhale Gallery, London, UK.
- 2012: “Amalia Pica – On paper”, Basis, Frankfurt.
- 2012: “For Shower Singers”, Modern Art Oxford, GB.
- 2012: “Chronic Listeners”, Kunsthalle Sankt Gallen, Switzerland.
- 2011: University of Michigan Museum of Art, Ann Arbor, MI, USA.
- 2011: “Endymion’s Journey”, Marc Foxx Gallery, Los Angeles, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Emmy Moore’s Journal”, Salts, Basel, Switzerland.
- 2013: “The Future Generation Art Prize“, Venice 2013, Palazzo Contarini Polignac, Venice, Italy.
- 2013: Aspen Art Museum, Aspen, CO, USA.
- 2013: “Silence, Berkeley Art Museum, University of California, USA.
- 2013: “When Attitudes Became Form Became Attitudes”, Museum of Contemporary Art Detroit, MI, USA.
- 2013: “Version Control”, Arnolfini, Bristol, GB.
- 2013: “Ruins in Reverse”, Tate Modern, London, UK.
- 2012: “Common Ground”, Public Art Fund, New York, USA.
Publications
- Amalia Pica. Edited by Joao Ribas, Julie Rodrigues Widholm, MIT List Visual Arts Center, Museum of Contemporary Art Chicag.
- Jacob Proctor: Amalia Pica. In: Artform, January 2013, p. 81.
- Amalia Pica in the studio with Charlotte Bonham-Carter. In: Art in America, June/July 2012, pp. 150-157.
- Amalia Pica. Edited by Malmö Konsthall, 2011.
Links
- Amalia Pica, “Untitled (tiles), 2006, Beer coasters, Variable dimensions. Installation view Modern Art Oxford, GB, 2012
- Amalia Pica, “Untitled (tiles), 2006, Beer coasters, Variable dimensions. Installation view Modern Art Oxford, GB, 2012
- Amalia Pica, “Eavesdropping”, 2011, Glasses, glue, 198 x 731.5 x 20.3 cm, Unique (large version), Installation view New Museum, New York, 2011. Photo credit: Benoit Pailley
- Amalia Pica, “Some of that colour #4”, 2011, Paper flags, drained paper, flag dye on watercolor paper, chair, 200 x 400 x 150 cm. Image courtesy of Marc Foxx
- Amalia Pica, “Stage (as seen on Afghan Star)”, 2011, Cardboard, tape, spotlight, motion sensor, lighting gel, 25.4 x 279.4 x 279.4 cm
- Amalia Pica, “Stage (as seen on Afghan Star)”, 2011, Cardboard, tape, spotlight, motion sensor, lighting gel, 25.4 x 279.4 x 279.4 cm
- Amalia Pica, “Venn Diagrams (under the spotlight)”, 2011, Spotlight on tripod, motion sensor, lighting gel, graphite on wall, Variable dimensions, Installation view List Visual Arts Center, Cambridge, MA, USA
- Amalia Pica, “Venn Diagrams (under the spotlight)”, 2011, Spotlight on tripod, motion sensor, lighting gel, graphite on wall, Variable dimensions, Installation view List Visual Arts Center, Cambridge, MA, USA
- Amalia Pica, “Stabile (with confetti)”, 2012, Paper and transparent adhesive tape, Variable dimensions. Photo credit: Kunst Halle Sankt Gallen, Gunnar Meier
- Amalia Pica, “A intersection B intersection C”, 2013, Variable dimensions, Installation view and performance shot: Museo Tamayo, Mexico City, Mexico
- Amalia Pica, “Catachresis # 41 (eye of the needle, head of the nail, teeth of the comb)”, 2013, Found materials, 34 x 27 x 187 cm, Unique. Photo credit: Roman März. Image courtesy of the artist and Johann König, Berlin
- Amalia Pica, “Catachresis # 44 (legs of the chairs)”, 2013, Found materials, 64 x 44 x 55 cm, Unique. Photo credit: Roman März. Image courtesy of the artist and Johann König, Berlin
- Amalia Pica, “Playing solo and indoors (mechanical jump rope)”, 2013, Steel, motor, rope, 207 x 126 x 600 cm, Unique. Photo credit: Roman März. Image courtesy of the artist and Johann König, Berlin
- Amalia Pica, “Reconfiguration #1”, 2013, Installation with gerahmten collages ( frame, paper, glue), frames each 39,5 x 29,5 x 4 cm, overall 150 x 950 x 4 cm. Unique. Photo credit: Roman März. Image courtesy of the artist and Johann König, Berlin
- Amalia Pica, “Shutter telegraph (as seen on TV)”, 2013, Wood, screws, iron, white paint, 242.5 x 135.2 x 139.2 cm. Unique. Photo credit: Roman März. Image courtesy of the artist and Johann König, Berlin