Abstraction in Action Jaime Ruiz Otis (RUIZCYCLE) https://abstractioninaction.com/artists/ruizcycle/
Translated from Spanish

From a very young age, I’ve been attracted by abandoned construction sites, vacant lots, useless things, and the tracks or traces that persist without intention. In these places I have discovered and collected all kinds of things, without a specific purpose in mind. It is until this moment in which I develop this statement that I can trace the origin of my work as artist in these explorations and discoveries of my first years of life.

My first formal experience working with residues was as a worker at a recycling plant, in which I was in charge of handling toxic industrial residues. This activity originated my series Las sobras (the leftovers). This series is comprised by materials and elements taken from waste—meaning that they pass through a double process of selection because I recover them from all that is rejected by factories and then by the recyclers.

Until today, I find the process of looking in industrial waste containers or recyclers, strongly linked to archaic human practices, such as those of the first nomads that learned to recognize and collect fruit, plants, insects, and materials for their survival, in the different territories they walked and lived in.

The work of the scavengers is completely underestimated against the patterns of production, consumption and massive waste of contemporary capitalist societies, even though it is more necessary than ever.

I am amazed by the quantity and I am attracted by the vast variety of materials that I hazardously find in waste containers. The diversity, qualities, and malleability of these materials is what trigger ideas and forms, and which determine what types of supports, media, and compositions I must use. To me, waste is not garbage but an opportunity to explore artistically, finding the most adequate uses and functions within the unusual forms and characteristics that I find. This practice allows me to meditate about existence, life’s origin, and the micro and macro.

The processes that are related with the homogenization of certain forms of life and consumption, which we call civilization, and from which the world is built from molds that are more generic every time, are in fact derived from entropy, and they leave several traces and cosmic tails that I find fascinating. The DNA of things captivates me and keeps me alert, waiting for the next surprise, the next great archeological discovery.

  

Desde pequeño me han fascinado las construcciones abandonadas, los terrenos baldíos, las cosas inservibles, las huellas o rastros que persisten sin que nadie se lo hubiera propuesto. En estos lugares he descubierto y recolectado todo tipo de cosas sin un objetivo específico en mente. Es hasta ahora que desarrollo esta declaración que puedo trazar el origen de mi trabajo como artista en estas exploraciones y descubrimientos de los primeros años de mi vida.

Mi primera experiencia formal trabajando con residuos fue como empleado en una planta recicladora, como encargado de manejo de residuos industriales tóxicos. Fue esta actividad la que dio origen a mi serie Las sobras. Esta serie se compone de materiales y elementos tomados de entre los desperdicios —es decir pasan por un doble proceso de selección, pues los recupero de entre aquello rechazado primero por las maquiladoras y después por las recicladoras.

Hasta la fecha, encuentro el proceso de buscar en los contenedores de basura industrial o recicladoras fuertemente conectado con prácticas humanas arcaicas: como los primeros nómadas que aprendían a reconocer y recolectar frutos, hierbas, insectos y materiales, para su subsistencia, en los distintos territorios que recorrían y habitaban.

La labor de los pepenadores está completamente subestimada en nuestros días frente a los patrones de producción, consumo y desecho masivo de las sociedades capitalistas contemporáneas, a pesar de ser más necesaria que nunca.

Me asombra la cantidad y me atrae la amplia variedad de materiales que azarosamente voy encontrando en los contenedores de basura. La diversidad, cualidades y maleabilidad de los mismos materiales son los que me disparan ideas y formas, y los que determinan qué clase de soportes, medios y composiciones debo utilizar. Para mí los residuos no son desperdicios sino una oportunidad de explorar plásticamente, encontrando el uso y función más adecuados entre las inusitadas formas y características que descubro. Esta práctica me permite meditar sobre la existencia, el origen mismo de la vida, lo micro y lo macro.

Los procesos que llamamos civilización, relacionados con la homogenización de ciertas formas de vida y consumo,  donde el mundo se construye bajo moldes cada vez más genéricos deriva, en cambio, en la entropía y dejan una diversidad de rastros, huellas y estelas que me resultan fascinantes. El ADN de las cosas, eso es lo que me cautiva y me mantiene atento, dispuesto a la próxima sorpresa, al siguiente gran hallazgo arqueológico.

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February 19, 2014 Adán Vallecillo https://abstractioninaction.com/artists/adan-vallecillo/
Translated from Spanish

Painting to me exists as an extension beyond the space-time limits where I put to test anti-epistemological values that aim to question some essentialist posture of the symbolic domain. They are sets, or sometimes equations that arise from a deliberate economy of resources and studies that explore the consequences of modernity in the representation of identitarian images (for example Casta paintings from the 19th century), or the conceptual limits of the history of modernity itself.

 

Para mi existe la pintura como una extensión más de los límites espacio-temporales donde pongo a prueba valores contra-epistemológicos que buscan cuestionar algunas posturas esencialistas del dominio simbólico. Son escalas, a veces ecuaciones que surgen de una deliberada economía de recursos y estudios que exploran las consecuencias de la modernidad en la representación de imágenes identitarias, (como por ejemplo la pintura de castas del siglo XIX) o bien, los límites conceptuales de la historia misma de la  modernidad.

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November 7, 2013 Gala Berger https://abstractioninaction.com/artists/gala-berger/

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  • 2013: “Disponibilidad Arriesgada”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
  • 2012: “Atlas”, Hora del Té, Buenos Aires, Argentina.
  • 2011: “Pollo Frito”, Rayo Lazer, Buenos Aires, Argentina.
  • 2011: “La Tierra Permanece”, Jardín Oculto Galería, Buenos Aires, Argentina.

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  • 2013: “Des)afectos”, Biquini Wax, Mexico City.
  • 2013: “Sucursal”, Darling Foundry, Montreal, Canada.
  • 2013: “Casa”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
  • 2012: “Monstruo II”, La Fábrica, Buenos Aires, Argentina.

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November 7, 2013 Horacio Zabala https://abstractioninaction.com/artists/horacio-zabala/

Translated from Spanish

Art is the world for a second time.

 

El arte es el mundo por segunda vez.

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October 16, 2013 Guido Ignatti https://abstractioninaction.com/artists/guido-ignatti/

Translated from Spanish

I explore aesthetic theories through site-specific intervention and installation. I appeal to experimentation as a fundamental medium and I combine it with other traditional elements in sculpture or painting, as well as appropriation and relocation of existing cultural patrimony. The everyday image of presentations and representations I produce, are the result of these tangled combinations. My work appeals to the judgment of apparent reality. Since the last few years I have been working intensively with installations and interventions, meaning that I work mainly in specific exhibition spaces. The works are conceptually materialized within and from the place where they will be exhibited. In my work, the de-codification of the space is clearly a place of departure. Sometimes this approach within the exhibition context helps to propose something new and other times to adapt a preexisting idea that works in the space. As modus operandi, I am interested not in forcing ideas nor relationships between them and the place. It is fundamental to perceive and understand the environment, establish and mature the works to then proceed to measure time between both parts. Whichever the process is in each case, it is always necessary to establish a relationship with the place before beginning the work process. In my work, I use the edition of recognizable objects and their symbolic charge to configure a new language. Truthfully, I think about objects as letters that allow me to make words that did not exist before this combination that I propose. In turn, the objects used also retain their initial aural signifier, issue that is not a minor factor in the decision of its use. There is a net of meanings and signifiers that structure each piece. I also write. I began to do it simultaneous to my first installations since it helped to put into words the research process as it was happening and, above all, taking into account that the work was going to be destined to disappear after the exhibition. Something similar happened with the Sauna-revista de arte texts. For me, to be critical is not only to think about the work of somebody else or an idea in particular. The act of writing helps me to re-read my work in relation to what I am speaking about. The questions I have as an artist are not the same as the ones I have when I produce a text. Clearly, I do not consider myself an art critic, but writing about what happens around me also functions as the research for my work.

 

Me dedico a la exploración de teorías estéticas a partir la intervención y la instalación de sitio específico. Apelo a la experimentación como medio fundamental y la combino con otros elementos de tradición escultórica y/o pictórica, así como también con la apropiación y reubicación de bienes culturales existentes. La imagen de cotidianidad de las presentaciones y representaciones a las que llego, son el resultado de tan entramadas combinaciones. Mi labor apela al juicio sobre la realidad aparente. En los últimos años vengo trabajando intensamente en instalaciones e intervenciones, quiero decir que trabajo mayormente a partir de los espacios de exhibición concretos. Las obras se materializan conceptualmente en y desde el lugar donde van a exhibirse: en mi obra la decodificación del espacio es claramente un punto de partida. Algunas veces esa aproximación con el contexto de exhibición sirve para plantear algo nuevo y otras veces para adaptar alguna idea preexistente que funciona con el lugar. Como modo de operar me interesa no forzar ideas ni relaciones entre ellas y el lugar. Percibir y entender el entorno, asentar y madurar las obras para luego medir el tiempo entre ambas partes es algo fundamental. Pero sea como sea el desarrollo específico de cada caso, siempre es necesario establecer una relación con el lugar antes de empezar el proceso de trabajo.   Por otro lado, en mis obras utilizo la edición de objetos reconocibles y de su carga simbólica para configurar un lenguaje nuevo. En realidad, pienso a los objetos como letras que me permiten armar palabras que no existían antes de esta combinación que propongo. A su vez, también los objetos usados conservan su aura significante inicial, cuestión que no es menor en la decisión de su uso. Hay una red de significados y significantes que estructuran cada pieza. También escribo. Comencé a hacerlo en simultáneo con mis primeras instalaciones, me servía poner en palabras el proceso de la investigación a medida que iba sucediendo y, sobretodo, teniendo en cuenta que la obra estaba destinada a desaparecer luego de su exhibición. Con los textos de Sauna-revista de arte pasa algo parecido. Para mi hacer una crítica no es solamnete pensar la obra de alguien o pensar alguna idea en particular, ese acto de escritura fundamentalmente me sirve para releer mi trabajo en relación a eso de lo que estoy hablando. Las preguntas que tengo como artista son las mismas que manifiesto cuando produzco un texto. Está claro que no me considero un crítico de arte pero escribir sobre lo que sucede en mi entorno también me sirve como parte de la investigación de lo que hago, de la investigación de mi obra.

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October 9, 2013 Pedro Tyler https://abstractioninaction.com/artists/pedro-tyler/

I believe that the beauty of an artwork is connected to the way we get to know it. A knowledge that comes along with a pleasing sensation related to understanding. Comprehending and enjoying how its components interact between each other and their mechanisms of sustentation. This can be seen in my works when stacking coins, interlacing rulers or giving mobility to something that seems motionless. I relate beauty to the subtlety of instability. Those moments in which you understand or feel consciously that you are alive, that something overflows and is lost at every instant. I like the static at the moment it waits, like the calm before the storm, because it foretells it. The amazing moment before jumping or not to the void because of heights vertigo and its fall. Depths stillness where silence will listen to my body, or, on the other side, heights, for making me believe I am outside things and there is no center in them. Reflections, because of the question my eyes return. It delights me to know there is always something I can´t understand. Candlelight for not being steady, making shadows bigger and in obscurity, space more dense. I like altering things because I know they are not definitive and by doing so, apprehend them in a different way. The photo that shows the camera that took it, because it´s the perfect symmetry that I can´t achieve before a mirror. Cages, because they are spaces which are difficult to penetrate and from where you might not want to get out. I like art, that when I leave it, I feel like I`m losing something. Feeling the wind, the sun, the cold and the pain of a wound because they make me believe I am in a place. Glass and transparencies because they cut through space, whereas everything else occupies it, and what occupies it because it completes it. For the same reasons I like to think, for the moments in which I believe I learn and move forward, but more than anything, I like to think because I believe I don´t understand. In this search for understanding, is that I use everyday objects as material for my works, so as, by taking them out of context, appreciate them in another way. By putting water inside it, or chiseling its glass, a light bulb becomes, to me, a metaphor about the fragility of the body. How, thanks to that border that is our skin, we develop all our feelings and thoughts. With measuring tapes, wooden or steel rules, you can measure something linear as the body, but you can´t measure, for example, feelings inside that body. Measuring what can´t be measured. The measure of pain related to a close death, started a body of work that developed from a personal concern; how to analyze and reason about feelings. Although the artwork started being self-referential, I have come to know that the intimacy of this subject is universal. Each person interprets this experiences and concerns from his or hers perspective. And is from this perspective, unique and personal, that I hope they will relate to my artwork.

 

Creo que la belleza de una obra tiene que ver con nuestra manera de conocerla, y ese conocimiento acarrea una sensación placentera relacionada al entender. Entender y disfrutar cómo sus componentes interactúan unos con otros y sus mecanismos de sustentación. Esto puede verse al apilar monedas, entrelazar reglas o darle movilidad a algo aparentemente inmóvil.

Relaciono la belleza a la sutileza de la inestabilidad. Esos momentos de entender o sentir conscientemente que se está vivo, que algo se desborda y se pierde a cada instante. Me gusta lo estático en el momento que espera, al igual que la calma antes de la tormenta porque la presagia. El alucinante momento antes de saltar o no al vacío por el vértigo de la altura y la caída. La quietud de las profundidades donde el silencio escuchará mi cuerpo, o por otro lado, las alturas por creer que estoy fuera de las cosas y no hay un centro en ellas. Los reflejos por la pregunta que me devuelven mis ojos. Me agrada que siempre haya algo que no entienda. La luz de la vela por no ser constante, hace a las sombras más grandes y en la penumbra al espacio más denso.

Me gusta alterar las cosas porque sé que no son definitivas y así aprehenderlas de otra manera. La foto en la que sale la cámara que la sacó, porque es la perfecta simetría que ante un espejo no puedo lograr. Las jaulas porque son espacios en que es difícil penetrar y de los que tal vez no se quiera salir. Me gusta el arte que cuando lo dejo, me hace sentir que pierdo algo.  Sentir el viento, el sol, el frío y el dolor de una herida porque me hacen creer que soy en un lugar. El vidrio y las transparencias porque seccionan el espacio mientras que todo lo demás lo ocupa, y lo que lo ocupa porque lo completa. Por lo mismo me gusta pensar, por los momentos en que creo aprender y avanzar, pero más que nada me gusta pensar porque creo no entender.

En esa búsqueda por comprender, es que empleo objetos cotidianos como material de trabajo, para, sacándolos de su contexto, apreciarlos de otra manera.

Al poner agua en su interior, o cincelar su vidrio, una lamparita se convierte para mí en una metáfora de la fragilidad del cuerpo. Como, gracias a esta frontera que es la piel, desarrollamos todo nuestro sentir y pensar.

Con cintas métricas, reglas de madera o de acero, se puede medir algo lineal como el cuerpo, pero no se puede medir, por ejemplo, los sentimientos dentro de ese cuerpo. Medir lo que no se puede medir. La medida del dolor relacionada con una muerte cercana, dispara una serie de obras que nacen de una inquietud personal; cómo analizar y razonar sobre los sentimientos.

Si bien las obras partieron siendo auto referentes me he dado cuenta que la intimidad de estos temas resulta ser universal. Cada persona interpreta estas experiencias e inquietudes según su perspectiva. Y es desde esta perspectiva, única y personal, que espero se relacionen con mis obras.

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October 9, 2013 Clarissa Tossin https://abstractioninaction.com/artists/clarissa-tossin/

The notion of gesture is the primary impulse behind my work. My videos, photographs, installations, sculptures and drawings are the result of subtle gestures that intend to reveal what goes unseen or unexamined, be it architectural similarities between a settlement in the Amazon forest and a small town in Michigan or the intensive labor required to clean a pristine modernist government building in Brasília. Architecture, as a manifestation of identity, ideology and economic power is of great interest to me, as it is to investigate the invisible supporting structures of modernity, urban life and capitalism. In dialogue with these concerns are my interest in indexical processes and the cultural and historical connotations of a given material. My investment in indexicality stems from its intrinsic relationship to our bodies and therefore proximity to the real. Not unlike what happens with history and its material evidences. My works on paper exist in a place between bi and tridimensionality, as they usually hold object-like qualities. Double-sided prints, ink and paper disintegrated into dust, crushed folds and creases are some examples on how I treat surfaces as material. This approach triggers a tension between representation and trace while combining body movements to the articulation of ideas.

 
Traducido del inglés

La noción del gesto es el primer impulse detrás de mi obra. Mis videos, fotografías, instalaciones, esculturas y dibujos son el resultado de sutiles gestos que intentan revelar lo que pasa desapercibido o sin estudiarse, ya sea similitudes arquitectónicas entre una aldea en la selva Amazónica con un pueblito de Michigan; o la intensa labor requerida para limpiar un edificio gubernamental prístino en Brasilia. La arquitectura como manifestación de la identidad, ideología y poder económico es de gran interés para mí, como lo es investigar las estructuras de soporte de la modernidad que son invisibles, la vida y el capitalismo. En diálogo con estas preocupaciones está mi interés en los procesos de indicio y las connotaciones culturales e históricas de un material. Mi dedicación al indicio parte de su relación intrínseca con nuestros cuerpos y por tanto a la proximidad con lo real, no muy alejado de lo que pasa con la historia y sus evidencias materiales. Mi obra en papel existe en un lugar entre la bi y tridimensionalidad, ya que por lo regular poseen cualidades de objeto. Grabados de dos caras, tinta y pape desintegrados en polvo y dobleces machucados, son ejemplos de cómo manejo las superficies como material. Este acercamiento provoca una tensión entre la representación y el trazo mientras combino movimientos corporales a la articulación de las ideas.

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October 9, 2013 Jaime Tarazona https://abstractioninaction.com/artists/jaime-tarazona/

Translated from Spanish

My interest on abstraction began approximately in 2006, as a result of a refusal to keep representing problems and situations linked to Colombian identity within my individual artistic process—thematic axis that I explored in my works since 1999 and from which I proposed various mediums such as installation, printing and painting. Since 2007 I began a series of projects in which I decided to produce works about the relevance of the international style, i.e., the great boom that the modern architecture movement has had since its origins in the second decade of last century in Europe, aiming to develop post-colonial and transcultural positions from the proposals in which I juxtapose different historical urban periods around the world, with the purpose of highlighting the overwhelming aspect of the modernist movement and vice versa.

 

Mi interés por la abstracción vino a darse hacia 2006 a raíz de un rechazo a seguir representando problemas y situaciones vinculadas a temas de identidad colombiana dentro de mi proceso individual como artista, eje temático que identificó mis trabajos desde 1999 y el cual planteé desde varios medios como la instalación, el grabado y la pintura. A partir de 2007 inicié una serie de proyectos en los que me propuse elaborar trabajos sobre la relevancia del estilo internacional, es decir, el gran auge que ha vivido el movimiento moderno de arquitectura desde que se inició en la segunda década del siglo pasado en Europa, buscando de esa manera desarrollar posiciones poscoloniales y transculturales desde propuestas en las que yuxtapongo  diferentes periodos históricos urbanos alrededor del mundo con el fin de resaltar el carácter avasallador del movimiento moderno y viceversa.

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October 9, 2013 Valentino Sibadón https://abstractioninaction.com/artists/valentino-sibadon/
Translated from Spanish

I see art and the processes it implies; as a main root that include many useful aspects in life which go from instincts to measure; intuitive aesthetics to rational ethical’s mechanics. Being in this path is a constant study of the whole, going through experiences, observations and resolutions to understand it as a big unity.   This study helps me to obtain different perspectives for the experience of perceiving life in an analytical and contemplative way. With the appetite to keep making new findings; and understanding the mechanism by which different disciplines are related. This interest is the constant mark that motivates my work, acting and reacting starting from of one idea.

 

Entiendo el arte y los procesos que implican, como una rama madre que engloba muchos aspectos útiles para la vida, que van desde el instintivo hasta la mesura, desde la estética intuitiva hasta la ética racional mecánica. Estar en ese camino es un estudio constante del todo, avanzando por experiencias, observaciones, resoluciones para entenderlo como una gran unidad. Este estudio me ayuda a obtener perspectivas para la experiencia de percibir la vida, de forma analítica y contemplativa. Con apetito de seguir descubriendo más y comprender mecanismos en los que se relacionan las disciplinas. Este interés es la constante marca que motiva mi trabajo, accionando y reaccionando a partir de alguna idea.

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October 8, 2013 Luis Roldán https://abstractioninaction.com/artists/luis-roldan/

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October 8, 2013 Amalia Pica https://abstractioninaction.com/artists/amalia-pica/

It has always been about the overlap between form and politics for me. I believe I need to occupy my own place in the world while taking responsibility for the way I do this, I have chosen to be an artist-this was not imposed upon me-and so I understand form to be my concern. I try to stay in the realm of the visual and the sensible as a means of defending that space itself, a space constantly open to redefinition-one in which subjectivity can be played out. This is why self-reflexivity can be important. To me it is a political stance. If one could say that art is concerned with the imagination, I believe that how imagination is formed is a pertinent question that also speaks to society in a larger sense. The ways we imagine and how we are conditioned to imagine are both artistic and political concerns to me.

 
Traducido del inglés

Para mí, siempre ha sido acerca de la superposición de la forma y la política. Creo que tengo que ocupar mi propio lugar en el mundo mientras me responsabilizo de la forma en la que lo hago. He elegido ser una artista—esto no fue impuesto sobre mí—así que entiendo la forma como interés. Intento permanecer en el ámbito de lo visual y lo sensible como modo de defender ese espacio, un espacio constantemente abierto a las redefiniciones, en el cual la subjetividad puede ser representada. Es por esto que la auto-reflexión puede ser importante. Es para mí una postura política. Si uno pudiera decir que el arte está interesado en la imaginación, creo que la manera en la que se forma la imaginación es también una pregunta pertinente que tiene que ver con la sociedad en un amplio sentido. Las formas en las que imaginaos y cómo estamos condicionados a imaginar son preocupaciones artísticas y políticas para mí.

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October 8, 2013