Abstraction in Action Sandra Gamarra: Paisaje entre comillas https://abstractioninaction.com/happenings/sandra-gamarra-paisaje-entre-comillas/

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Artist: Sandra Gamarra

Paisaje entre comillas
October 17 – November 14, 2015
Galería Lucía de la Puente
Lima, Peru

Como constructora de imágenes en un mundo en el que se multiplican constantemente, Sandra Gamarra las recicla y reincorpora para indagar en sus orígenes y especular sobre su posible destino. En su cuarta exposición en la galería Lucía de la Puente, utiliza el género de paisaje occidental “en el arte” para señalar de dónde procede, que lo caracteriza y cuáles son las repercusiones que ha tenido en nuestra relación con el entorno. Continuando con la apropiación de imágenes y cuestionamiento del arte mediante la pintura, Sandra Gamarra utiliza el medio con el que se creó la idea de paisaje europeo con la intención de desvelar su supuesto realismo y de esta manera confrontarlo con la Naturaleza.

Desde que el paisaje apareció como género propio en el siglo XV en el arte europeo, este concepto ha invadido otras áreas del conocimiento. Se habla de paisaje social, sonoro, visual, económico, psicológico, como si fuese una verdad tangible y olvidando que el paisaje ha sido construido como una ilusión, una aproximación y una fragmentación de la naturaleza, que de por sí no busca abarcarla por completo. Al construir puntos de vista parciales, el paisaje “no traza tanto los contornos o examina la topografía de su entorno como selecciona y reforma naturalmente la naturaleza para representarla de modo ejemplar”. (Sutton, 1994, El siglo de oro del paisaje holandés, p.16)

De este modo “ejemplar”, los paisajes sirvieron también de certificados de autenticidad. El territorio era delimitado y domesticado por la pintura. Al igual que el mapa, el paisaje sirve como una herramienta para relacionarse con el entorno, que la edita y reencuadra, desde una perspectiva única.

Por otro lado, la representación de la naturaleza en las culturas precolombinas fue siempre simbólica y abstracta; no existió, por tanto, la ilusión “realista” del paisaje. En comparación a la lógica cristiana que considera que el mundo fue creado por un dios, las culturas precolombinas ubican a sus propios dioses en la naturaleza. Esta distinción fundamental respecto a la interpretación e interacción con lo natural es producto de una mentalidad que no intenta dominar la naturaleza (a sus dioses), si no que más bien se sabe dominada por ésta.

El Perú actual se exporta como un país de paisajes. Los instrumentaliza para comercializarlos turísticamente o usarlos como símbolos de poder y permanencia en los billetes y monedas, tarjetas de crédito, condecoraciones, etc. Este “paisaje” que sirve de eje unificador de lo peruano ha reducido a la naturaleza, mucho más compleja y sensible a nuestra acción. La incomprensión de las consecuencias ambientales producto de la explotación de los recursos naturales y el uso del territorio es una medida de esta distorsión.

En nuestra sociedad, generadora incansable de imágenes, la pintura de paisaje podría parecer un género obsoleto, relegado a decorar pasillos y salvapantallas. Si bien la fotografía de paisaje ha tomado el relevo a la pintura, popularizándola a través del turismo y la publicidad, ha mantenido la fragmentación y reducción que la pintura, de la que es heredera, ha construido como “realidad”.

Paisaje entre comillas  tiene como punto de partida fotografías de paisajes peruanos provenientes de la prensa y reproducciones de obras de distintas épocas para colocarlas sobre soportes como espejos, cuadros antiguos y falso pan de oro. De esta manera, la carga simbólica y las propiedades de cada material hacen que la pintura pierda la independencia que le confiere la superficie blanca

Sandra Gamarra retoma el paisaje para cuestionar los elementos que lo conforman, señalar las consecuencias que tiene sobre nuestros modos de pensar y devolverle su perdida aura de falsedad. Desde este punto de vista, se pueden observar las deformaciones que infligen las imágenes en nuestro raciocinio cuando no son usadas con los fines para las que fueron creadas.

Antoine Henry Jonquères

November 24, 2015 Pier Stockholm https://abstractioninaction.com/artists/pier-stockholm/

I incorporate the material function of my studio as a means of illustrating my artistic practice.

 
Traducido del inglés

Incorporo la función material de mi estudio como medio de ilustrar mi práctica artística.

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August 19, 2015 Jorge Cabieses https://abstractioninaction.com/artists/jorge-cabieses/

Translated from Spanish

Which god, which infinite being can cease to be reduced into a single volume? For the iconoclast, the divine is indescribable, and every image of it is a lie. Precisely, the status of the image as such is the constant questioning that structures my work. Since my first exhibitions, the pop-style images began to run out, little by little, in their own repetition, until reaching present times, in which a symbolic bankruptcy of the image expropriated radically from its meaning, is defined in my most recent work. My current work is inscribed in this same process—the liberation of any symbolic association with reality. I have tried to settle in this equation, a discrete critical bias to the post-modern, which tries to idolize the maker of images in detriment of the image. The painter himself disappears and the spectator, used to the discourse of the figurative, ends up lost, facing the annulation of history and the vindication of the essential: form and color. Thus, in my work, I aim to confront certain canons of the Latin American image, through a problematization of the space: the obsession for narrative, the extreme sentimentality, the morbid fascination with the private. Opposite to that there is a constructive tension in search for something more universal, in spite of my own anxiety for harmony and thanks to an intimate conviction to my own elements.

 

¿Qué dios, qué ser infinito puede dejarse reducir en un sólo volumen? Para el iconoclasta, lo divino es indescriptible; y toda imagen de este, una mentira. Precisamente, el estatus de la imagen como tal es el constante cuestionamiento que estructura mi obra. Desde mis primeras muestras, las imágenes de corte pop se agotaban exhaustas, poco a poco, en su propia repetición; hasta llegar a la actualidad, en que una bancarrota simbólica de la imagen, expropiada radicalmente de su sentido, se concreta en mi obra más reciente. En este mismo proceso se inscribe mi proyecto actual: la liberación de cualquier asociación simbólica con la realidad. He intentado en esta ecuación cuajar un discreto sesgo crítico a lo post-moderno, aquel que se dedica a sacralizar al fabricante de imágenes en desmedro de la imagen. El pintor mismo desaparece y el espectador acostumbrado al discurso de lo figurativo termina extraviado frente a la anulación de la historia y la reivindicación de lo esencial: la forma y el color. Así, en mi obra pretendo a través de una problematización del espacio, confrontarme a ciertos cánones de la imagen  latinoamericana: la obsesión por la narración, el sentimentalismo exacerbado, el morbo de lo privado. Frente a ellos se establece una tensión constructiva en búsqueda de algo más universal, a pesar de mi propia angustia por la armonía y gracias a una íntima convicción de mis propios elementos.

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October 15, 2013 Sandra Gamarra https://abstractioninaction.com/artists/sandra-gamarra/

Translated from Spanish

My work focuses on the use of mechanisms from the art world, commerce, exhibitions and creative processes, to develop an analysis about reality. Fiction and selection are large-scale processes that break up in spectacle. Through my practice I aim—by reducing the scale of the elements that intervene—to signal these processes to make them latent and to question our participation in them. From my position within the arts (making reference to my position in the world), I propose that one of the ways we use to respond and face these systems would be to utilize their own processes of creating reality in order to create fictions, through a re-selection of this presupposed totality, which is ultimately always partial.

 

Mi trabajo se centra en el uso de los mecanismos del mundo de arte, el comercio, la exhibición y los procesos de creación para hacer con ello una reflexión acerca de la realidad. La ficción y la selección son procesos que a gran escala se disuelven en el espectáculo. Mediante mi práctica intento, al reducir la escala de los elementos que intervienen, señalar estos procesos para hacerlos latentes y cuestionar nuestra participación en ellos. Desde mi posición en el arte, (haciendo referencia a mi posición en el mundo) propongo que una de las maneras que tenemos para responder y hacer frente a estos sistemas es utilizar sus propios procesos de crear realidad para crear ficciones mediante una re-selección de esta supuesta totalidad, que es finalmente siempre parcial.

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October 9, 2013 Mariella Agois https://abstractioninaction.com/artists/mariella-agois/

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October 9, 2013 Pedro Tyler https://abstractioninaction.com/artists/pedro-tyler/

I believe that the beauty of an artwork is connected to the way we get to know it. A knowledge that comes along with a pleasing sensation related to understanding. Comprehending and enjoying how its components interact between each other and their mechanisms of sustentation. This can be seen in my works when stacking coins, interlacing rulers or giving mobility to something that seems motionless. I relate beauty to the subtlety of instability. Those moments in which you understand or feel consciously that you are alive, that something overflows and is lost at every instant. I like the static at the moment it waits, like the calm before the storm, because it foretells it. The amazing moment before jumping or not to the void because of heights vertigo and its fall. Depths stillness where silence will listen to my body, or, on the other side, heights, for making me believe I am outside things and there is no center in them. Reflections, because of the question my eyes return. It delights me to know there is always something I can´t understand. Candlelight for not being steady, making shadows bigger and in obscurity, space more dense. I like altering things because I know they are not definitive and by doing so, apprehend them in a different way. The photo that shows the camera that took it, because it´s the perfect symmetry that I can´t achieve before a mirror. Cages, because they are spaces which are difficult to penetrate and from where you might not want to get out. I like art, that when I leave it, I feel like I`m losing something. Feeling the wind, the sun, the cold and the pain of a wound because they make me believe I am in a place. Glass and transparencies because they cut through space, whereas everything else occupies it, and what occupies it because it completes it. For the same reasons I like to think, for the moments in which I believe I learn and move forward, but more than anything, I like to think because I believe I don´t understand. In this search for understanding, is that I use everyday objects as material for my works, so as, by taking them out of context, appreciate them in another way. By putting water inside it, or chiseling its glass, a light bulb becomes, to me, a metaphor about the fragility of the body. How, thanks to that border that is our skin, we develop all our feelings and thoughts. With measuring tapes, wooden or steel rules, you can measure something linear as the body, but you can´t measure, for example, feelings inside that body. Measuring what can´t be measured. The measure of pain related to a close death, started a body of work that developed from a personal concern; how to analyze and reason about feelings. Although the artwork started being self-referential, I have come to know that the intimacy of this subject is universal. Each person interprets this experiences and concerns from his or hers perspective. And is from this perspective, unique and personal, that I hope they will relate to my artwork.

 

Creo que la belleza de una obra tiene que ver con nuestra manera de conocerla, y ese conocimiento acarrea una sensación placentera relacionada al entender. Entender y disfrutar cómo sus componentes interactúan unos con otros y sus mecanismos de sustentación. Esto puede verse al apilar monedas, entrelazar reglas o darle movilidad a algo aparentemente inmóvil.

Relaciono la belleza a la sutileza de la inestabilidad. Esos momentos de entender o sentir conscientemente que se está vivo, que algo se desborda y se pierde a cada instante. Me gusta lo estático en el momento que espera, al igual que la calma antes de la tormenta porque la presagia. El alucinante momento antes de saltar o no al vacío por el vértigo de la altura y la caída. La quietud de las profundidades donde el silencio escuchará mi cuerpo, o por otro lado, las alturas por creer que estoy fuera de las cosas y no hay un centro en ellas. Los reflejos por la pregunta que me devuelven mis ojos. Me agrada que siempre haya algo que no entienda. La luz de la vela por no ser constante, hace a las sombras más grandes y en la penumbra al espacio más denso.

Me gusta alterar las cosas porque sé que no son definitivas y así aprehenderlas de otra manera. La foto en la que sale la cámara que la sacó, porque es la perfecta simetría que ante un espejo no puedo lograr. Las jaulas porque son espacios en que es difícil penetrar y de los que tal vez no se quiera salir. Me gusta el arte que cuando lo dejo, me hace sentir que pierdo algo.  Sentir el viento, el sol, el frío y el dolor de una herida porque me hacen creer que soy en un lugar. El vidrio y las transparencias porque seccionan el espacio mientras que todo lo demás lo ocupa, y lo que lo ocupa porque lo completa. Por lo mismo me gusta pensar, por los momentos en que creo aprender y avanzar, pero más que nada me gusta pensar porque creo no entender.

En esa búsqueda por comprender, es que empleo objetos cotidianos como material de trabajo, para, sacándolos de su contexto, apreciarlos de otra manera.

Al poner agua en su interior, o cincelar su vidrio, una lamparita se convierte para mí en una metáfora de la fragilidad del cuerpo. Como, gracias a esta frontera que es la piel, desarrollamos todo nuestro sentir y pensar.

Con cintas métricas, reglas de madera o de acero, se puede medir algo lineal como el cuerpo, pero no se puede medir, por ejemplo, los sentimientos dentro de ese cuerpo. Medir lo que no se puede medir. La medida del dolor relacionada con una muerte cercana, dispara una serie de obras que nacen de una inquietud personal; cómo analizar y razonar sobre los sentimientos.

Si bien las obras partieron siendo auto referentes me he dado cuenta que la intimidad de estos temas resulta ser universal. Cada persona interpreta estas experiencias e inquietudes según su perspectiva. Y es desde esta perspectiva, única y personal, que espero se relacionen con mis obras.

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October 9, 2013 Valentino Sibadón https://abstractioninaction.com/artists/valentino-sibadon/
Translated from Spanish

I see art and the processes it implies; as a main root that include many useful aspects in life which go from instincts to measure; intuitive aesthetics to rational ethical’s mechanics. Being in this path is a constant study of the whole, going through experiences, observations and resolutions to understand it as a big unity.   This study helps me to obtain different perspectives for the experience of perceiving life in an analytical and contemplative way. With the appetite to keep making new findings; and understanding the mechanism by which different disciplines are related. This interest is the constant mark that motivates my work, acting and reacting starting from of one idea.

 

Entiendo el arte y los procesos que implican, como una rama madre que engloba muchos aspectos útiles para la vida, que van desde el instintivo hasta la mesura, desde la estética intuitiva hasta la ética racional mecánica. Estar en ese camino es un estudio constante del todo, avanzando por experiencias, observaciones, resoluciones para entenderlo como una gran unidad. Este estudio me ayuda a obtener perspectivas para la experiencia de percibir la vida, de forma analítica y contemplativa. Con apetito de seguir descubriendo más y comprender mecanismos en los que se relacionan las disciplinas. Este interés es la constante marca que motiva mi trabajo, accionando y reaccionando a partir de alguna idea.

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October 8, 2013 Sandra Nakamura https://abstractioninaction.com/artists/sandra-nakamura/

Translated from Spanish

My work derives from the critical analysis of spatial, social and economic conditions that shape our sense of identity and permanence. Thus, the fragility of the everyday, the symbolic and real meanings of property and the imminent transformation of the urban environment, are recurrent elements in my drawings, installations and interventions. More recent works extend these issues to the exhibition space, with the intention of pointing to the influence of the contemporary art market and the demands of the current exhibition models and the distribution of artworks in the artistic practice.

 

Mi trabajo se origina a partir de una reflexión crítica en torno a las condiciones espaciales, sociales y económicas que dan forma a nuestro sentido de identidad y permanencia. Así, la fragilidad de lo cotidiano, los significados tanto reales como simbólicos de la propiedad y la inminente transformación del entorno urbano figuran de manera recurrente en mis dibujos, instalaciones e intervenciones. Obras más recientes extienden estos cuestionamientos hacia los  espacios de exhibición con la intención de señalar la influencia del mercado de arte contemporáneo y las exigencias de los modelos actuales de exposición y distribución de obras en la práctica del artista.

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 2008-2009: Center for Contemporary Art Kitakyushu, Research Program, Kitakyushu, Japan.
  • 2005-2008: Bauhaus Universität Weimar, M.F.A. Art in Public Space, Weimar, Germany.
  • 2001-2003: University of California San Diego, B.A. Visual Arts, La Jolla, USA.

Prizes / Fellowships

  • 2009: Convocatoria de proyectos en espacio público Centro Abierto ’09, Museo de Arte de Lima + Centro Fundación Telefónica, Lima, Perú.
  • 2008: Beca para producción de proyectos, ARTIUM Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Spain.
  • 2007-2008: Beca para estudios de post-grado, Fundación Rosa Luxemburg, Berlín, Germany.
  • 2006: Art in Context Programme, Pépiniéres europennés pour jeunes artistes, París, France.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

Publications

  • Miguel López, “Tregua en el arenal”, Museo de Arte Contemporáneo Lima (2013).
  • Elida Román, El Comercio, (2013).
  • Nicole Cromartie y Sharon Lerner (entrevista), Catálogo de la exposición “We have as much time as it takes”, CCA Wattis Institute for Contemporary Art (2010).

Collections

  • Museo de Arte de Lima, Peru.

October 5, 2013 Billy Hare https://abstractioninaction.com/artists/billy-hare/

Linear perspective was made possible at first through the “camera obscura” and has pervaded western art since the Renaissance. Today, most lens made photographs use this method as a standard way of registering the world. Taking fixed point perspective to an extreme would mean that photography was invented in the 15th century.

In some of my earlier series I had been challenging the way straight photography described my experience of time and place. A few years ago this concern took me to radically change the way of understanding how my experience of the visible could be freed of a single viewpoint. A structure oriented form of registering temporal and spatial relationships, continuous movement rendered by duplication and mirroring.

Continuous Variables is the mathematical term I chose for these series. The visual complexity of the repetitive modular units recombined, emphasizes variation within sameness. Once I started building these images it became clear that similar structures could be found in music, physics, the organic realm, and notoriously in the great Peruvian pre-Columbian textiles. Self expression was substituted by a sense of discovery of a different way to understanding the real. Continuous movement broken down and reconfigured gave me a whole new visual experience of the world around me and a clear departure from fixed point perspective.

 
Traducido del inglés

La perspectiva linear fue posible gracias a la cámara obscura y se ha difundido en el arte occidental desde el Renacimiento. Hoy en día, la mayoría de los lentes hicieron que la fotografía utilizara este método como norma al registrar el mundo. El tomar la perspectiva de punto fijo a un extremo podría significar que la fotografía fue inventada en el siglo XV.

En algunas de mis series tempranas había cuestionado la forma en la que la fotografía directa describía mi experiencia de tiempo y lugar. Hace algunos años, esta preocupación me llevó a cambiar radicalmente la manera de entender cómo mi experiencia de lo visible podía ser liberada del punto de vista singular. Una forma de registrar relaciones temporales y espaciales, movimiento continuo reproducido por medio de la duplicación y reflejos, concentrada en la estructura.

Continuos Variables (Variables continuas) es el término matemático que elegí para esta serie. La complejidad visual de la recombinación de la repetición de las unidades modulares enfatiza variación entre la semejanza. Cuando comencé a construir estas imágenes me quedó claro que estructuras similares podrían encontrarse en textiles peruanos precolombinos. La expresión individual fue sustituida por un sentido de descubrimiento de una forma diferente de entender lo real. El movimiento continuo, dividido y reconfigurado, me dio una nueva experiencia visual del mundo a mi alrededor y un claro alejamiento de la perspectiva de punto fijo.

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October 5, 2013