Abstraction in Action Andrea Canepa https://abstractioninaction.com/artists/andrea-canepa/
Translated from Spanish

In recent years, I have focused on the modern tendency of trying to simplify the complexity of the world with the aim to control that which escapes the limits of our understanding.

We tend to categorize, organize, and administer reality as if it was a set of and independent phenomena, creating a system that we take as natural.

My work stems from the alteration of the order in which information is presented. In some cases this modification uncovers some meanings that used to remain hidden under the imposition of a logic that assumes itself as the “correct one.” In others, by schematizing the information previously schematized, both synthesis systems cancel each other out and return mere forms and colors lacking any functionality.

Through my work, I hope to make evident that the regularity of the world obeys a set of rules that as such, they could have been different. In other words. I hope to point out that all logic of functionality, whatever it is, could be different and thus not necessary in itself.

 

En los últimos años, me he enfocado en la tendencia moderna a intentar simplificar la complejidad del mundo con miras a controlar aquello que escapa los límites de nuestro entendimiento.

Tendemos a categorizar, organizar y administrar la realidad como si se tratase de un conjunto de fenómenos aislados e independientes, creando un sistema que tomamos como natural.

Mi trabajo parte de la alteración del orden en el que la información es presentada. En algunos casos esta modificación libera ciertos significados que permanecían ocultos bajo la imposición de una lógica que se asume como “la correcta”. En otros, al esquematizar la información previamente esquematizada, ambos sistemas de síntesis se anulan entre sí, devolviéndonos meras formas y colores desprovistos de cualquier sentido funcional.

A través de mi obra, pretendo dar cuenta de que la regularidad del mundo obedece a un conjunto de reglas que, como tales, podrían haber sido distintas. En otras palabras, intento señalar que toda lógica de funcionamiento, sea como sea, podría ser diferente y, por lo tanto, no es necesaria en sí misma.

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  • 2014: Premio Miquel Casablancas, Sant Andreu Contemporani, Barcelona, Spain.
  • 2014: Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, Comunidad de Madrid, Madrid, Spain.
  • 2013: Premio Generaciones, Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
  • 2013: Beca Endesa para Artes Plásticas, Fundación Endesa, Teruel, Spain.
  • 2012: Pasaporte para un artista (segundo puesto), Alianza Francesa y Embajada de Francia en el Perú, Lima, Peru.
  • 2011: Beca de Formación Pilar Juncosa i Sotheby’s, Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca, Spain.
  • 2010: Premio Swab de Dibujo, Feria de Arte Contemporáneo Swab, Barcelona, Spain.
  • 2008: Certamen Jóvenes Creadores, Ayuntamiento de Madrid, Madrid, Spain.
  • 2006: Valencia Crea, Ayuntamiento de Valencia, Valencia, Spain.

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August 8, 2014 Pia Camil https://abstractioninaction.com/artists/pia-camil/

Through my work I have shown a proclivity to failure or the decaying associated to the Mexican urban landscape, aspects of modernist culture and traces of art history. My practice has explored the urban ruin – including paintings and photographs of halted projects along Mexico’s highways (Highway Follies); abandoned billboards that become theatre-like backdrops therefore theatricalizing failed capitalist strategies (Espectaculares), or the problems and contradictions that arise when engaging with iconic art works (No A trío A or Cuadrado Negro).

 
Traducido del inglés

A través de mi obra he mostrado una proclividad al fracaso o a la decadencia asociada al paisaje urbano de México, aspectos de la cultura modernista y las huellas de la historia del arte. Mi práctica ha explorado la ruina urbana, incluyendo pinturas y fotografías de proyectos inconclusos a lo largo de las carreteras de México (Highway Follies), espectaculares abandonados que se convierten en telones de fondo teatrales, por tanto teatralizando estrategias capitalistas fracasadas (Espectaculares) o los problemas y contradicciones que surgen al abordar obras de arte icónicas (No A trío A or Cuadrado Negro).

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February 25, 2014 Ana Belén Cantoni https://abstractioninaction.com/artists/ana-belen-cantoni/

The core of my work lies in the dichotomy between interior and exterior space. I explore the idea of the urban architectural space as a restraint, one that denies both the body and the landscape. Lately I’ve been analyzing how the monumentality and infinity of landscape can relate to our perceptions of the body. My installations are ephemeral; they are intricate and expansive constructions, impossible geometries that are meant to be broken.

 

La idea que anima mi trabajo se encuentra en la dicotomía entre espacio interior y exterior, así exploro la arquitectura urbana como una limitación que niega tanto el cuerpo como el paisaje. En mis proyectos más recientes he analizado cómo la monumentalidad y lo ilimitado del paisaje natural pueden relacionarse con nuestras percepciones del cuerpo. Mis instalaciones son efímeras; son intrincadas y expansivas construcciones, geometrías imposibles que habrán de romperse.

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February 19, 2014 Adrián S. Bará https://abstractioninaction.com/artists/adrian-bara/
Translated from Spanish

My work, influenced by my formation as a filmmaker and the constant contact with architecture, make me incorporate elements such as abstraction, geometry, memory, light, shadow, the relationships that exist in the creation processes and interaction with life itself.

The process is part of the result within itself, which makes us discover places or questions that we would not make if it wasn’t for that constant search and experimentation of situations and experiences.

The way I materialize my ideas—photography, painting, sculpture and video.

Based on the concept in which the goal is in the process of creation more than in the result, I always seek to let myself be guided by accidents and the unknown, to be able to explore new ideas of expression and abstraction.

 

Mi trabajo, influenciado por una formación como cinematógrafo y el constante contacto con la arquitectura hacen que incorpore elementos como la abstracción, la geometría, la memoria, la luz, la sombra, la relación que existe en los procesos de creación e interacción con la vida misma.

El proceso es parte del resultado en sí mismo; aquel que hace que descubramos lugares o preguntas que no nos formularíamos si no fuera por esa constante búsqueda y experimentación de situaciones y experiencias.

Las forma en la que materializo mis ideas son: fotografía, pintura, escultura y video.

Basado en el concepto de que la meta está en el proceso de creación más que en el resultado, siempre busco dejarme llevar por los accidentes y lo desconocido para explorar nuevas ideas de expresión y abstracción.

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December 3, 2013 Christian Camacho Reynoso https://abstractioninaction.com/artists/christian-camacho-reynoso/

Work occurs inside the intermittent activity conducted between things immediate and things suspended in thought: the familiar, the unknown and its eventual recombination. The employment of shifting materials and the recurrence of abstraction acts inside the practice as a reminder of all that persists only through relation: ideas which cannot be reflected upon without being translated, altered or negated. It is under these conditions that several aspects of the work are introduced; namely its particular use of the observer’s point of view, its relationship to a specific time of reading and the idea of a fragmentary expectation being the conduct in which the minor and the major activate their difference.

 
Traducido del inglés

El uso de materiales cambiantes y la recurrencia de la abstracción actúan dentro de la práctica como recordatorio de todo lo que persiste sólo por relaciones: ideas que no pueden reflejarse sin ser traducidas, alteradas o negadas. Es dentro de estas condiciones que muchos aspectos de la obra son introducidos; concretamente el uso particular del punto de vista del espectador, su relación con un tiempo específico de lectura y la idea de una expectativa fragmentaria como el conducto a través del cual lo menor y lo mayor activan su diferencia.

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November 5, 2013 Jorge Cabieses https://abstractioninaction.com/artists/jorge-cabieses/

Translated from Spanish

Which god, which infinite being can cease to be reduced into a single volume? For the iconoclast, the divine is indescribable, and every image of it is a lie. Precisely, the status of the image as such is the constant questioning that structures my work. Since my first exhibitions, the pop-style images began to run out, little by little, in their own repetition, until reaching present times, in which a symbolic bankruptcy of the image expropriated radically from its meaning, is defined in my most recent work. My current work is inscribed in this same process—the liberation of any symbolic association with reality. I have tried to settle in this equation, a discrete critical bias to the post-modern, which tries to idolize the maker of images in detriment of the image. The painter himself disappears and the spectator, used to the discourse of the figurative, ends up lost, facing the annulation of history and the vindication of the essential: form and color. Thus, in my work, I aim to confront certain canons of the Latin American image, through a problematization of the space: the obsession for narrative, the extreme sentimentality, the morbid fascination with the private. Opposite to that there is a constructive tension in search for something more universal, in spite of my own anxiety for harmony and thanks to an intimate conviction to my own elements.

 

¿Qué dios, qué ser infinito puede dejarse reducir en un sólo volumen? Para el iconoclasta, lo divino es indescriptible; y toda imagen de este, una mentira. Precisamente, el estatus de la imagen como tal es el constante cuestionamiento que estructura mi obra. Desde mis primeras muestras, las imágenes de corte pop se agotaban exhaustas, poco a poco, en su propia repetición; hasta llegar a la actualidad, en que una bancarrota simbólica de la imagen, expropiada radicalmente de su sentido, se concreta en mi obra más reciente. En este mismo proceso se inscribe mi proyecto actual: la liberación de cualquier asociación simbólica con la realidad. He intentado en esta ecuación cuajar un discreto sesgo crítico a lo post-moderno, aquel que se dedica a sacralizar al fabricante de imágenes en desmedro de la imagen. El pintor mismo desaparece y el espectador acostumbrado al discurso de lo figurativo termina extraviado frente a la anulación de la historia y la reivindicación de lo esencial: la forma y el color. Así, en mi obra pretendo a través de una problematización del espacio, confrontarme a ciertos cánones de la imagen  latinoamericana: la obsesión por la narración, el sentimentalismo exacerbado, el morbo de lo privado. Frente a ellos se establece una tensión constructiva en búsqueda de algo más universal, a pesar de mi propia angustia por la armonía y gracias a una íntima convicción de mis propios elementos.

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October 15, 2013 Octavio Abúndez https://abstractioninaction.com/artists/octavio-abundez/
Translated from Spanish

I divide my artistic production in three simultaneous directions. The phenomenological; the epistemological; and the topological. Perception, culture and place. Every direction converges in the human condition. Each one of these directions has its own visual language. The works focused on perception are full of color, of light. They oscillate between geometry and minimalism. Those centered in culture are textual and monochromatic. They oscillate between the joke, the absurd, the messianic and the politically incorrect. The ones focused on place are the backbone of my work. Through trips and moves I determine and subjectively give signs and values to cities and places. An un-scientific anthropology. A unique language in each place, which goes from the figurative to land art. There is a back and forth between directions and visual languages. I find, through constant exploration, my work’s reason to be.

 

Divido mi producción artística en tres direcciones simultáneas. Lo fenoménico, lo epistemológico y lo topológico. La percepción, la cultura y el sitio. Todas las direcciones convergen en la condición humana. Cada una de estas direcciones tiene su lenguaje plástico particular. Las piezas enfocadas a la percepción están llenas de color, de luz. Oscilan entre la geometría y el minimalismo. Aquellas enfocadas a la cultura son textuales y monocromáticas. Oscilan entre la broma, el absurdo, lo mesiánico y lo políticamente incorrecto. Las piezas enfocadas al sitio son la columna vertebral de mi trabajo. A través de viajes y cambios de residencia determino y subjetivamente le doy signos y valores a ciudades y lugares. Una antropología acientífica. Un lenguaje único en cada sitio, que va desde lo figurativo al land art. Existe un ir y venir entre direcciones y entre lenguajes plásticos. Encuentro en una constante exploración la razón de ser de mi trabajo.

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October 15, 2013 Emilia Azcárate https://abstractioninaction.com/artists/emilia-azcarate/

Translated from Spanish

My artistic research is based on the need to transmit and reveal what I live; it is a continuous self-observation. The initial impulse of creation comes from there, always under the construction of a very personal space that I combine with geometric and constructive traditions, more as a language related to my expressive necessities than as a conceptual avenue. My work is formally and conceptually mechanical, repetitive and obsessive. To constantly repeat a form or a phrase allows an elevated state, and I want to transmit through my work that energy, outwards. The letters, the dots, or bottle caps end up creating, in absolute coherence with my way of creating, a personal and sensorial language; a writing that travels parallel with my visual and spiritual history. I make the series of mandalas with bottle caps by cutting eight spikes to each cap. They turn into a weapon to harm but also to protect, in the form of chakras. The more oxidized and worn out is the cap, the more beautiful it is. I am also interested in their colors, and that the brand is also present. When I mix all the caps there is a light that sends me to the place where they were picked up. Though everything is made by chance, each mandala has its own energy and its particular form—when I arrange them, albeit their minor differences, no cap is the same as the other. Little by little I construct my maps from this unique element that is commonly found in every place of the world and that keeps an identity from each place. The caps have and will have many histories. My dedication to the work is total. There is a symbiosis with what I make, which is something very peculiar. It is not a masterpiece, but a footprint, something from within that is immensely vital and unique. The growth in my life is the growth of my work and vice versa.

 

Mi investigación artística se fundamenta en la necesidad de transmitir y revelar lo que vivo, es una auto observación continua. De ahí parte el impulso inicial de creación, siempre bajo la construcción de un espacio muy personal que conjugo con la tradición geométrica y constructiva, más como un lenguaje afín a mis necesidades expresivas que como una dirección conceptual en sí. Mi trabajo es mecánico, repetitivo y obsesivo tanto formal como conceptualmente. Repetir constantemente una forma o una frase crea un estado elevado, y en mis obras lo que quiero es transmitir esa energía hacia fuera. Las letras, los puntos, o chapas, terminan creando, en coherencia absoluta con mi manera de producir, un lenguaje personal y sensorial, una escritura que viaja en paralelo con mi historia visual y espiritual. La serie de mandalas de chapas las trabajo cortándole ocho picos a cada una de ellas. Se vuelven un arma cortante y también un arma protectora con forma de chacra. Mientras más oxidada y rota la chapa, más bella. Pero también me interesan sus colores, así como que esté presente la marca que se consume. Cuando mezclo todas las chapas se crea una luz que me remite al lugar donde fueron recogidas. Y aunque todo es al azar, cada mandala tiene su energía y su forma particular, porque al colocarlas, marcando pequeñas diferencias, ninguna resulta igual a la otra. Y así, poco a poco, voy construyendo mis mapas a partir de este único elemento que se encuentra comúnmente en todos los lugares del mundo y que guarda una identidad propia del mismo. Las chapas tienen y tendrán muchas historias. Mi entrega con mi trabajo es total, hay una simbiosis con lo que hago, que es como algo singular. No se trata de una obra maestra, sino de una huella, de algo ti que es inmensamente vital y único. El crecimiento en mi vida es el crecimiento en mi obra y viceversa.

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October 9, 2013 Marta Chilindrón https://abstractioninaction.com/artists/marta-chilindron/

My focus has always been on questioning the accuracy of our perception, our interpretation of reality.  I have tried to capture the state of flux of everything. Participation of the viewer is important because it brings the person into the sculpture; the public is the performer and the viewer, and that dual involvement is an important element of my work. I explore the ideas of sequencing, beginning and end, making objects that are simple networks with no definite shape and that exist between the second and third dimension with infinite possible configurations.

 
Traducido del inglés

Mi enfoque siempre ha sido el cuestionar la precisión de nuestra percepción, de nuestra interpretación de la realidad. He intentado capturar el estado de flujo de todas las cosas. La participación del espectador es importante porque trae a la persona dentro de la escultura; el público es el que realiza el performance y el espectador, y esa participación binaria es un elemento importante de mi obra. Exploro ideas de secuencia, principio y fin, realizando objetos que son redes simples sin forma definida y que existen entre la segunda y tercera dimensión, con configuraciones posibles infinitas.

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October 4, 2013 Roberto Behar & Rosario Marquardt https://abstractioninaction.com/artists/roberto-behar-rosario-marquardt/

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October 4, 2013 Alejandra Barreda https://abstractioninaction.com/artists/alejandra-barreda/

Translated from Spanish

I work within the framework of geometric abstraction traditions, in correlation with the contemporary world. I research the net of relationships established between painting and spatial context, so that the installation becomes part of the work and each project becomes inseparable from the specific space in which is inserted. On one hand, I resort to working in series, which prevents that the gaze converges to a fixed point in front of the multiplicity of canvases. On the other hand, I work systematically with lines, which produce a continuity effect and expand the pictorial surface.

 

Trabajo en el marco de la tradición de la abstracción geométrica, en resonancia con el mundo contemporáneo. Investigo la red de relaciones que se establece entre la pintura y el contexto espacial, de modo que el montaje se vuelve una parte de la obra y cada proyecto se vuelve inseparable del espacio específico en que se inserta. Por un lado, recurro a las series, que impiden que la mirada converja hacia un punto fijo frente a la multiplicidad de bastidores. Por otra parte, trabajo sistemáticamente con líneas, que producen ante la mirada un efecto de continuidad y una expansión de la superficie pictórica.

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October 4, 2013 Magdalena Atria https://abstractioninaction.com/artists/magdalena-atria/

Translated from Spanish

My work relates to the modernist tradition of geometric abstraction, but aiming to connect it to specific visual situations, found throughout the world. Differently from the traditional modernist abstraction that aspired to the absolute, to an incorporeal dimension of pure relations and exchanges, the focus of my work is rather in the impossibility of reaching that objective. Images, objects and materials that I use already possess or acquire through the work this double nature of contingency and idealism, and manifest the tension that keeps us permanently attached to one and yearn for the other. Some constants in my work are the tension between the rational and the emotional, the collective and the personal, the real and the ideal, the formal and the symbolic. I explore these notions through different mediums—painting, drawing, sculpture and photography—always with a particular emphasis on the materials and processes I utilize. These materials belong to specific uses and traditions and carry with them meanings and associations related to these origins.

 

Mi trabajo se relaciona con la tradición modernista de la abstracción geométrica, pero intenta conectarla con situaciones visuales específicas encontradas en el mundo. A diferencia de la abstracción dentro de la tradición modernista que aspiraba a lo absoluto, a una dimensión incorpórea de relaciones y correspodencias puras y permanentes, el foco de mi trabajo está más bien en la imposibilidad de alcanzar tal objetivo. Las imágenes, objetos y materiales que utilizo ya poseen, o bien adquieren en el trabajo esta doble condición de contingencia e idealidad, y manifiestan la tensión que nos mantiene permanente atados a una y anhelando la otra. Algunas constantes en mi trabajo son la tensión entre lo racional y lo emocional, lo colectivo y lo personal, lo real y lo ideal, y entre lo formal y lo simbólico: exploro estas nociones en diferentes medios: pintura, dibujo, escultura y fotografía, siempre con  un énfasis particular en los materiales y procesos que empleo. Los materiales que uso pertenecen a usos y tradiciones específicas y acarrean con ellos significados y asociaciones relativos a esos orígenes.

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October 4, 2013