Abstraction in Action Raquel Rabinovich https://abstractioninaction.com/artists/raquel-rabinovich/

For many years I have been investigating the ineffable nature of things, objects, words, thoughts. My art has always been informed by an underlying awareness of the concealed and ephemeral aspects of existence that we don’t see or that appear to be invisible. Through the processes I have explored, I try to reveal how that which has been concealed emerges into view. Art is for me making visible the invisible. In working across mediums for the last fifty years, I go to the unknown in order to know. I go to the dark to see the light.

  
Traducido del inglés

Durante muchos años, he estado investigando la naturaleza inefable de las cosas, los objetos, las palabras, los pensamientos. Mi arte siempre ha sido informado por una conciencia subyacente de los aspectos ocultos y efímeros de la existencia que no vemos o que parece ser invisible. A través de los procesos que he explorado, trato de mostrar cómo lo que se ha ocultado surge a la vista. El arte es para mí hacer visible lo invisible. Al trabajar en distintos medios durante los últimos cincuenta años, me voy hacia lo desconocido con la finalidad de conocer. Voy a la oscuridad para ver la luz.

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August 11, 2015 Jaime Davidovich https://abstractioninaction.com/artists/jaime-davidovich/

My taped projects are about surfaces, context and space.

I first started working with adhesive tape in 1966. Initially I used the tape to hold my paintings to the wall, but starting in 1970 I eliminated the painting and concentrated on the tapes as my primary medium. I wanted to explore the possibilities of using spaces where the viewer does not expect art to be found. This concept brought me to intervene staircases, landing platforms and outdoor walls and objects. Each work was created for a unique space. When covering a surface, the tape creates an additive grid full of amorphous patterns caused by air bubbles. When developing a tape project, sometimes paper or a photograph was the support and framework for the piece, but many times the project was able to become monumental as it seamlessly adapted to the architecture of the space. Also in 1970, I began to incorporate videotape as part of these projects. The taped projects became “Art on tape and tapes as art”.

 
Traducido del inglés

Mis proyectos con cinta tratan sobre superficies, contexto y espacio.

Comencé trabajando con cinta adhesiva en 1966. Inicialmente utilicé cinta para sostener mis pinturas sobre la pared, pero a partir de 1970, eliminé las pinturas y me concentré en las cintas como mi medio principal. Quería explorar las posibilidades del uso de espacios en donde el espectador no espera encontrar arte. Este concepto me llevó a intervenir escaleras, plataformas de aterrizaje, paredes exteriores y objetos. Cada obra fue creada para un espacio único. Al cubrir una superficie, la cinta crea una retícula de aditivo llena de patrones amorfos causados por burbujas de aire. Durante el desarrollo de un proyecto con cinta, a veces el papel o la fotografía era el soporte y el marco de la pieza, sin embargo, muchas de las veces, el proyecto fue capaz de convertirse en monumental al momento de adaptarse perfectamente a la arquitectura del espacio. También, en 1970, comencé a incorporar cinta de video como parte de estos proyectos. Los proyectos grabados se convirtieron en “Arte en cinta y las cintas como arte”.

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May 4, 2015 Raul Mourão https://abstractioninaction.com/artists/raul-mourao/

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  • 2014: “MOTO“, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil.
  • 2013: “Movimento Repouso“, Roberto Alban Galeria de Arte, Salvador, Brazil.
  • 2012: “Processo“, Estudio X, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Tração animal“, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Toque devagar“, Praça Tiradentes, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Homenagem ao cubo“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Chão, Parede e Gente“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2010: “Cuidado Quente“, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil.
  • 2010: “Balanço Geral“, Subterrânea,  Porto Alegre, Brazil.
  • 2007: “Fitografias“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2005: “LULADEPELÚCIA“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2004: “drama.doc“, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Niterói, Brazil.
  • 2004: “Entonces”, Paço Imperial, Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2003: “Pequenas frações“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2003: “Cego só bengala“, Centro Universitário Maria Antonia, São Paulo, Brazil.
  • 2002: “Portátil 98/02“, Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brazil.
  • 2002: “Carga Viva“, Celma Albuquerque Galeria de Arte,  Belo Horizonte, Brazil.
  • 1999: “Sintético“, Agora / Fundição Progresso,  Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1996: “Calouste“, Galeria Ismael Nery – Centro de Arte Calouste Gulbekian, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1993: “Humano“, Galeria Sérgio Porto, Rio de Janeiro, Brazil.

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September 3, 2014 Rosario López Parra https://abstractioninaction.com/artists/rosario-lopez-parra/
Translated from Spanish

As a visual artist, I have been interested in combining landscape photography with sculptural installation, in order to explore nature and the eruption of the invisible forces which exist within it. In this sense, I have discovered that elements such as wind, gravity, or temperature, can transform in tangible sensations. Using photographs of structures placed in the landscape, and their installation in a gallery, I am able to visualize the invisible and create a sculptural space between the object, the spectator, and the exhibition space.

Influenced by Minimalism and Land Art, my work seeks to move away from these traditions to be able to understand political notions of territory and its transcendence, install it in the gallery space, and in this way approach a continuum between nature and the white cube; landscape and its representation.

I live and work in Bogotá where I have a studio since more than 15 years ago, and I also work as professor of sculpture at the Universidad Nacional de Colombia (Colombia’s National University).

 

Como artista plástica, me he interesado en combinar la fotografía del paisaje y la instalación escultórica, para explorar la naturaleza y la erupción de las fuerzas invisibles que existen dentro de ella. En este sentido, he descubierto que los elementos como el viento, la gravedad, o la temperatura pueden convertirse en sensaciones tangibles, utilizando la fotografía de estructuras emplazadas en el paisaje, y la instalación de éstas estructuras dentro de la galería, para visualizar lo invisible y crear un espacio escultórico entre el objeto, el espectador  y el espacio de exposición.
Influenciada por el Minimalismo y el Land Art, mi trabajo busca apartarse de estas tradiciones, para comprender nociones políticas del territorio y su trascendencia, e instaurarlo en el espacio de la galería y plantear de esta manera un continuum entre la naturaleza y el cubo blanco, el paisaje y su representación.

Vivo y trabajo en Bogotá, donde tengo mi estudio desde hace más de 15 años y también dicto clases como profesora de Escultura en la Universidad Nacional de Colombia.

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February 19, 2014 Jorge Cabieses https://abstractioninaction.com/artists/jorge-cabieses/

Translated from Spanish

Which god, which infinite being can cease to be reduced into a single volume? For the iconoclast, the divine is indescribable, and every image of it is a lie. Precisely, the status of the image as such is the constant questioning that structures my work. Since my first exhibitions, the pop-style images began to run out, little by little, in their own repetition, until reaching present times, in which a symbolic bankruptcy of the image expropriated radically from its meaning, is defined in my most recent work. My current work is inscribed in this same process—the liberation of any symbolic association with reality. I have tried to settle in this equation, a discrete critical bias to the post-modern, which tries to idolize the maker of images in detriment of the image. The painter himself disappears and the spectator, used to the discourse of the figurative, ends up lost, facing the annulation of history and the vindication of the essential: form and color. Thus, in my work, I aim to confront certain canons of the Latin American image, through a problematization of the space: the obsession for narrative, the extreme sentimentality, the morbid fascination with the private. Opposite to that there is a constructive tension in search for something more universal, in spite of my own anxiety for harmony and thanks to an intimate conviction to my own elements.

 

¿Qué dios, qué ser infinito puede dejarse reducir en un sólo volumen? Para el iconoclasta, lo divino es indescriptible; y toda imagen de este, una mentira. Precisamente, el estatus de la imagen como tal es el constante cuestionamiento que estructura mi obra. Desde mis primeras muestras, las imágenes de corte pop se agotaban exhaustas, poco a poco, en su propia repetición; hasta llegar a la actualidad, en que una bancarrota simbólica de la imagen, expropiada radicalmente de su sentido, se concreta en mi obra más reciente. En este mismo proceso se inscribe mi proyecto actual: la liberación de cualquier asociación simbólica con la realidad. He intentado en esta ecuación cuajar un discreto sesgo crítico a lo post-moderno, aquel que se dedica a sacralizar al fabricante de imágenes en desmedro de la imagen. El pintor mismo desaparece y el espectador acostumbrado al discurso de lo figurativo termina extraviado frente a la anulación de la historia y la reivindicación de lo esencial: la forma y el color. Así, en mi obra pretendo a través de una problematización del espacio, confrontarme a ciertos cánones de la imagen  latinoamericana: la obsesión por la narración, el sentimentalismo exacerbado, el morbo de lo privado. Frente a ellos se establece una tensión constructiva en búsqueda de algo más universal, a pesar de mi propia angustia por la armonía y gracias a una íntima convicción de mis propios elementos.

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October 15, 2013 Guido Ignatti https://abstractioninaction.com/artists/guido-ignatti/

Translated from Spanish

I explore aesthetic theories through site-specific intervention and installation. I appeal to experimentation as a fundamental medium and I combine it with other traditional elements in sculpture or painting, as well as appropriation and relocation of existing cultural patrimony. The everyday image of presentations and representations I produce, are the result of these tangled combinations. My work appeals to the judgment of apparent reality. Since the last few years I have been working intensively with installations and interventions, meaning that I work mainly in specific exhibition spaces. The works are conceptually materialized within and from the place where they will be exhibited. In my work, the de-codification of the space is clearly a place of departure. Sometimes this approach within the exhibition context helps to propose something new and other times to adapt a preexisting idea that works in the space. As modus operandi, I am interested not in forcing ideas nor relationships between them and the place. It is fundamental to perceive and understand the environment, establish and mature the works to then proceed to measure time between both parts. Whichever the process is in each case, it is always necessary to establish a relationship with the place before beginning the work process. In my work, I use the edition of recognizable objects and their symbolic charge to configure a new language. Truthfully, I think about objects as letters that allow me to make words that did not exist before this combination that I propose. In turn, the objects used also retain their initial aural signifier, issue that is not a minor factor in the decision of its use. There is a net of meanings and signifiers that structure each piece. I also write. I began to do it simultaneous to my first installations since it helped to put into words the research process as it was happening and, above all, taking into account that the work was going to be destined to disappear after the exhibition. Something similar happened with the Sauna-revista de arte texts. For me, to be critical is not only to think about the work of somebody else or an idea in particular. The act of writing helps me to re-read my work in relation to what I am speaking about. The questions I have as an artist are not the same as the ones I have when I produce a text. Clearly, I do not consider myself an art critic, but writing about what happens around me also functions as the research for my work.

 

Me dedico a la exploración de teorías estéticas a partir la intervención y la instalación de sitio específico. Apelo a la experimentación como medio fundamental y la combino con otros elementos de tradición escultórica y/o pictórica, así como también con la apropiación y reubicación de bienes culturales existentes. La imagen de cotidianidad de las presentaciones y representaciones a las que llego, son el resultado de tan entramadas combinaciones. Mi labor apela al juicio sobre la realidad aparente. En los últimos años vengo trabajando intensamente en instalaciones e intervenciones, quiero decir que trabajo mayormente a partir de los espacios de exhibición concretos. Las obras se materializan conceptualmente en y desde el lugar donde van a exhibirse: en mi obra la decodificación del espacio es claramente un punto de partida. Algunas veces esa aproximación con el contexto de exhibición sirve para plantear algo nuevo y otras veces para adaptar alguna idea preexistente que funciona con el lugar. Como modo de operar me interesa no forzar ideas ni relaciones entre ellas y el lugar. Percibir y entender el entorno, asentar y madurar las obras para luego medir el tiempo entre ambas partes es algo fundamental. Pero sea como sea el desarrollo específico de cada caso, siempre es necesario establecer una relación con el lugar antes de empezar el proceso de trabajo.   Por otro lado, en mis obras utilizo la edición de objetos reconocibles y de su carga simbólica para configurar un lenguaje nuevo. En realidad, pienso a los objetos como letras que me permiten armar palabras que no existían antes de esta combinación que propongo. A su vez, también los objetos usados conservan su aura significante inicial, cuestión que no es menor en la decisión de su uso. Hay una red de significados y significantes que estructuran cada pieza. También escribo. Comencé a hacerlo en simultáneo con mis primeras instalaciones, me servía poner en palabras el proceso de la investigación a medida que iba sucediendo y, sobretodo, teniendo en cuenta que la obra estaba destinada a desaparecer luego de su exhibición. Con los textos de Sauna-revista de arte pasa algo parecido. Para mi hacer una crítica no es solamnete pensar la obra de alguien o pensar alguna idea en particular, ese acto de escritura fundamentalmente me sirve para releer mi trabajo en relación a eso de lo que estoy hablando. Las preguntas que tengo como artista son las mismas que manifiesto cuando produzco un texto. Está claro que no me considero un crítico de arte pero escribir sobre lo que sucede en mi entorno también me sirve como parte de la investigación de lo que hago, de la investigación de mi obra.

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October 9, 2013 Francisco Ugarte https://abstractioninaction.com/artists/francisco-ugarte/

Translated from Spanish

My work is supported by the fields of architecture and above all the creative process. The proposal is generated from the analysis of the environment and it is a reaction to it. It can be understood as a phenomenological exercise, from which reality is understood through the perception of phenomena and the essence of things. The works are self-referential, they speak about themselves. Perception, abstraction, intuition, light, time, change, place, the material and the universal, are some of the recurring themes of my work.

 

Mi trabajo se apoya en los terrenos de la arquitectura, y sobre todo en el del proceso creativo. La propuesta se genera a partir del análisis del entorno y es una respuesta a él. Se puede entender como un ejercicio fenomenológico, con el cual la realidad es conocida a través de la percepción de los fenómenos y las esencias de las cosas. Las obras son autorreferentes, hablan de sí mismas. La percepción, la abstracción, la intuición, la luz, el tiempo, los cambios, el lugar, lo material y lo universal son algunos de los temas recurrentes dentro de mi trabajo.

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October 9, 2013 Gabriel Sierra https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-sierra/

I studied Architecture and Industrial Design. My artistic practice reflects in a highly distinctive way my training in these two dissimilar yet interconnected fields. My works include objects, sculptures, writings, spatial constructions and site-specific interventions, using a vocabulary that points directly to the history of art and architecture.

 
Traducido del inglés

Estudié arquitectura y diseño industrial. Mi práctica artística refleja de manera significativa mi educación en estos dos campos tan diferentes pero tan interrelacionados. Mis obras incluyen objetos, esculturas, escritos, construcciones espaciales e intervenciones de sitio específico, usando un vocabulario que apunta de manera directa a la historia del arte y la arquitectura.

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October 8, 2013 Valentino Sibadón https://abstractioninaction.com/artists/valentino-sibadon/
Translated from Spanish

I see art and the processes it implies; as a main root that include many useful aspects in life which go from instincts to measure; intuitive aesthetics to rational ethical’s mechanics. Being in this path is a constant study of the whole, going through experiences, observations and resolutions to understand it as a big unity.   This study helps me to obtain different perspectives for the experience of perceiving life in an analytical and contemplative way. With the appetite to keep making new findings; and understanding the mechanism by which different disciplines are related. This interest is the constant mark that motivates my work, acting and reacting starting from of one idea.

 

Entiendo el arte y los procesos que implican, como una rama madre que engloba muchos aspectos útiles para la vida, que van desde el instintivo hasta la mesura, desde la estética intuitiva hasta la ética racional mecánica. Estar en ese camino es un estudio constante del todo, avanzando por experiencias, observaciones, resoluciones para entenderlo como una gran unidad. Este estudio me ayuda a obtener perspectivas para la experiencia de percibir la vida, de forma analítica y contemplativa. Con apetito de seguir descubriendo más y comprender mecanismos en los que se relacionan las disciplinas. Este interés es la constante marca que motiva mi trabajo, accionando y reaccionando a partir de alguna idea.

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October 8, 2013