Artist: Luis Roldán

Periplo
July 13, 2016 – October 10, 2016
Museo de Arte del Banco de la República
Bogotá, Colombia

La obra de Luis Roldán está determinada por un claro interés hacía la pintura, ya sea por las posibilidades de representación o por la expresividad de sus cualidades; la suya ha sido una trayectoria prolífica de más de treinta años, que lo han posicionado como uno de los artistas contemporáneos de Colombia con mayor reconocimiento a nivel internacional. En Luis Roldán. Periplo, la retrospectiva que presenta desde el 13 de julio hasta el 10 de octubre el Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá, se exhiben 60 obras que, más allá de hacer una revisión cronológica, indagan la manera como el artista presenta y representa el acontecer del tiempo íntimo, el tiempo del viaje, el tiempo de la ficción y el tiempo de la creación artística.

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Artist: Luis Roldán

Rompecabezas
Curated by Alejandro Martín
July 24 – October 25, 2015
Museo La Tertulia
Cali, Colombia

Son tan distintas las obras que ha realizado Luis Roldán durante su vida que en una primera mirada cuesta entender que sea la misma persona quien las haya hecho. ¿Pero qué es ser una misma persona? Hay distintas formas de entender la identidad: una salida es buscar aquello común, aquello que es siempre igual, y otra asumir la complejidad, viendo las partes con cuidado y estudiando las formas en que se conectan y se relacionan. Ante el conjunto de las piezas, al ser pensadas como una unidad, es en quien las aprehende donde se produce el clic que genera la conexión.

El trabajo de Roldán se configura en conjuntos de obras en las que las piezas se agrupan de modos muy diferentes. Es posible reunirlas en series, a la manera clásica, como sucede con su serie de pinturas Reflexiones (1989) y la de esculturas-pinturas Eidola (2015), pero también es posible hacerlo en conjuntos muy heterogéneos que más bien es posible pensar como “rompecabezas”, entre los cuales están aquellos que ocupan las salas principales de esta muestra: Circunstancias (2009) y Secreta prudencia (2014). En estos “rompecabezas”, Roldán presenta a la vez dibujos, pinturas, collages, instalaciones y objetos intervenidos que, reunidos, dan cuenta de su exploración tras una cierta pista, del seguimiento de una serie de intuiciones en cadena a partir de un impulso inicial. Al ver las piezas juntas, el espectador es quien debe armar el todo, atender a los detalles y dejarse guiar por su sensibilidad para llevarse consigo una emoción o una inquietud, más que un mensaje o una idea.

Circunstancias parte de una anécdota de En busca del tiempo perdido de Marcel Proust. En este libro se cuenta el último día de la vida de Bergotte, el escritor, y la forma en la que una crítica de arte que lee lo impulsa a visitar en el museo la Vista de Delft, de Vermeer, para buscar un detalle que allí se menciona y que no había notado en un cuadro que él creía conocer muy bien. Esa pequeña pared amarilla que mira con cuidado por primera vez lo lleva a pensar: “Así debería haber escrito yo. Mis libros son demasiado secos, tendría que haberles dado capas de color, que mi frase fuera preciosa por ella misma, como ese pequeño panel amarillo”. Esa pared amarilla, que tiene eso inasible que hace la obra de arte, hace eco de la frase musical que obsesiona a Swann, otro de los personajes de la novela, y a través de los dos motivos Proust va dando forma a su concepción de la belleza: en particular, sobre cómo ella se nos presenta y nos somete de modo implacable y caprichoso a la vez [1].

Secreta prudencia, por su lado, va configurándose al rededor de la lectura del libro Los tiempos de Stalin, de Anton Antonov-Ovseyenko (1920-2013), quien fue hijo de uno de los líderes revolucionarios bolcheviques traicionados, perseguidos y ejecutados por el gobierno de Stalin. El autor, que a su vez fue víctima del encerramiento injusto en campos de trabajo por trece años, intenta reconstruir en su libro los horrores sucedidos bajo el poder de Stalin y cuyo rastro ha intentado ser borrado de la historia. A partir de allí, Roldán produce obras que crean una situación inquietante, en las que se hacen presente la mirada policiva, la represión y las distintas estrategias para sobrevivir. Pero es clave notar cómo, si bien en la instalación hay elementos de representación literal como la gorra soviética o las gafas que nos hablan de la casi total ceguera de Antonov, la exploración del artista en todos los casos se apoya en esos gestos para dar un salto y crear otras piezas, en las que cada una crea su propio enigma, realiza su propia exploración con los materiales y las formas o da cuenta de un particular hallazgo o conexión.

En la serie Sueños (2003), Roldán cose sobre papel dibujos con hilos cargados de grafito que crean distintas estructuras dispersas y que también pueden ser vistas como códigos o partituras. Al seguir la metáfora sugerida por el título, uno puede tomarlos como diagramas de una consciencia intermitente: esquemas para pensar el yo no como una línea continua, sino como una línea que puede atenuarse y subrayarse, que a veces duda, que da vueltas, que se bifurca. Parte de esos Sueños son los Rotos (2005). En este caso, el papel, que era una superficie continua sobre la que sucedía el dibujo, se rasga y las líneas de hilo se tornan telarañas, marañas. La situación se troca: ahora el fondo no es el papel sino el espacio, el dibujo se curva, se tuerce y se hace tridimensional y ya no nos preguntamos por la unidad de la línea, sino de la superficie. Esos papeles quebrados están ahora a punto de separarse y permanecen frágilmente unidos por los hilos. La ruptura ya no es discontinuidad, sino quiebre y nos enfrentamos al vilo, a la tensión, al suspenso.

Esta exposición busca pensar los fragmentos, las rupturas, los quiebres y las formas. Invita a imaginar cómo a partir de allí se pueden hilar memorias o relatos, ligar intuiciones o emociones, trazando líneas que intenten unir, pero que son siempre conscientes de lo vulnerables que son los lazos que crean.

[1] «A la idea filosófica de “método” opone Proust la doble idea de “coacción” y de “azar”. La verdad depende de que demos con algo que nos obligue a pensar y a buscar lo verdadero. El azar de los hallazgos, la presión de las coacciones son los dos temas fundamentales de Proust. Es precisamente el signo el que establece el objeto de un hallazgo, el que ejerce sobre nosotros esta violencia. El azar del encuentro es lo que garantiza la necesidad de lo pensado»
(Deleuze [1971]. “Proust y los signos”. Ideas y Valores. Bogotá: Universidad Nacional de Colombia).

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Artists: Emilia Azcárate, Leyla Cárdenas, Danilo Dueñas, Bernardo Ortiz, Adolfo Bernal, Carlos Bunga, Feliza Bursztyn, Beatriz Eugenia Díaz, Fernando Fragateiro, Rosario López, Delcy Morelos, Aleex Rodríguez, Carlos Rojas, Luis Roldán, Rosemberg Sandoval, José Antonio Suárez Londoño and Icaro Zorbar.

Why Abstract Art? (¿Por qué el arte abstracto?)
May 7 – June 11, 2015
Casas Riegner
Bogotá, Colombia

Group show.

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Artist: Luis Roldán

Eidola
April 2 – May 16, 2015
Henrique Faria Fine Arts
NY, USA

A skull can be read as a ruin signifying the vanity of human existence, the inevitable transitory splendor of human life. Ruins are crumbles of our material world, abandoned fragments, hollowed out of the divine spirit that once animated them.

Images give us hope, that particular hope of accessing the world without limits. Images create a special bond with death, as if the birth of the image could both suppress and sustain life. Or even be exchanged for a life. The human skull, this faceless death mask, this skeletal residue with its empty stare that once animated a human face, is an image, an emblem, an allegorical representation of a history, a montage out of which is read, like a picture puzzle, the nature of human existence, its spirit. Yet it is also the figure of its greatest natural decay, the transformation of the body into corpse, and then, into dust.

But what is really remarkable of the skull as image is the effect it has on recognition. It looks like a figure with something missing; it is at once a body and its ghostly double. It is a cadaver, just as the French theorist Maurice Blanchot notes: “He is, I see this, perfectly like himself: he resembles himself. The cadaver is its own image”.

But all that isn’t so odd after all. Body and image are to resemble each other the same way a shape resembles its mold, emptiness resembles what surrounds it, or an observation or a thought translates into a painting or a sculpture.

Luis Roldán’s ever mutable urge to rescue ruinous objects from their fate by imposing upon them new destinies is, in truth, the task of all artists: that of embodying one’s observations. In the poem “Eidolon”, Walt Whitman suggests that the drive of human creativity is that of issuing eidola. In ancient Greek literature, an eidolon (plural: eidola) was an image, a double, a phantom, a ghostly apparition, a spirit-image of a living or dead person. For the Romans, the same type of spectrum was known as simulacra.

The gathered objects in Roldán’s new piece, Eidola, used to be hat molds. They were the volumes that shaped hollow felts into hats. They stood in the place of the head, like soulless wood brains —as the one Pinocchio must have had— constantly searching for another fragment to attach itself to, in pursuit of completeness.

Eidola is a legion of sculptures searching for idols and a band of paintings searching for corporeality. In other words, it’s an arrangement of elements that emphasize what is left of them, or, rather, what is missing. The sculptures and paintings organized in the exhibition space are fragments that invite us to continue completing, enlarging, augmenting, researching the myriad hypotheses that might justify their existence. But mostly, their purpose is to provoke our imagination, to make us creators of stories and narratives by suggesting an interplay between observation and materialization, surface and volume, void and being, possessions and desires.

Split surfaces, pieces in halves and fragments, invoke a certain fear that appears when we stand in front of an open body. It might be the fear not only of having to acknowledge the fragility of life, its brevity, but also the fear of probing and questioning the indivisibility of the human body. In Eidola, surfaces stop being the intangible frontier between interior and exterior. Roldán exposes the colorful fleshiness of the parts, and renders, as a visible residue, the delimitation among individuals.  These objects are fragments, as we are also fragments, constantly searching for an other who, even if not exact, will complement us, shape us, and make us whole.

Again, it is not about the independence of parts, but how they come together. Striping down the surfaces, opening a gap, creating a tension between paintings and sculptures, doesn’t come from a preoccupation with dissection that seeks to rescue some essence. On the contrary—and this is just an intuition—Roldán grants some sheen to these objects, covering their surfaces with brightness and color, creating new bonds and points of contact that will, in return, renew our gaze over mundane things.

Eidola is a response to constraints and a seizing of opportunities. Despite the use of found objects, Roldán’s representation of the external world becomes a much more complex thing. He shakes objects loose from their attachments and bestows new meanings upon them. Meanings that point toward absolute acts of poetic intuition, producing a text written with our own words, yet one which appears suddenly from a place beyond language.

For despite these attempts of interpretation, Eidola will remain a mystery, a resilient friction. These artworks will resist analysis and interpretation; they will not offer relief or closure. We will not be able to dismantle the mystery, at least not until we cash-in on their stubborn materiality. We cannot tear the mystery into pieces. Art invites and resists interpretation. This is what constitutes art and this is how it reveals the extent of our world yet to be encountered.

In fact, there is nothing to comprehend. The pleasure that derives from these objects comes not only from the beauty with which they have been invested, but also from their essential quality of being present, surrounding us, staying with us, completing us. Here is a traffic and an economy of properties: the object hides its essence, the essence hides in the attributes, but the attributes render visible the object in a grammar of intuition and anticipation, and above all, in a grammar of the encounter.

Perhaps, in a broader sense, we all depend on the images and thoughts that others have produced, what others have encountered for us. We have no easy way of distinguishing a genuine thought from those that have been borrowed or suggested by others. However, it is our good fortune to be able to enjoy them once we encounter them. As it is our fortune to continue imagining alternative realities, meanings.  Indeed, this is what a fragment calls for: to continue its creation, to invent its match, its double, to complete it.

Democritus did say that our attitudes and emotions give off eidola, but that they are too thin for us to detect them, except when we are asleep, as they enter our dreams.

Mariangela Méndez

Luis Roldán (Cali, Colombia, 1955) studied Art History at the École du Louvre (Paris), engraving at S.W. Hayter (Paris) and Architecture at Pontificia Universidad Javeriana (Bogotá, Colombia). He has exhibited extensively at institutions internationally. A selection of solo shows include: Expiación, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá (2014); Presión y flujo, Galería Casas Reigner, Bogotá (2014); Mechanical Ventilation. Interactions with Willys de Castro and Other Voices, Henrique Faria, New York (2013 and 2011); Transparencias, Museum of Modern Art, Medellín (2011); Continua, Sicardi Gallery, Houston (2007); Acerca de las estructuras, Museum of Contemporary Art and Design, San José, Costa Rica (2006) and Permutantes, Sala Mendoza, Caracas (2005). Selected group shows include: the First Biennial of Cartagena, 2014; the Tenth Monterrey Biennial, 2012; the 53^rd Venice Biennale, Latin America Pavilion, 2009; and Dibujos, Museum of Modern Art, Buenos Aires (2004). He has won numerous awards such as the Luis Caballero Award (Bogotá, 2001) and the National Award in Visual Arts (Colombia, 1996). His work is included in important collections such as Colección Patricia Phelps de Cisneros, Museo del Barrio and Deutsche Bank Collection, New York; FEMSA Collection, Monterrey; Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami and the Museums of Modern Art in Buenos Aires, Bogotá and Medellín. He lives and works both in New York City and Bogotá.

Image: Eidola (detail), 2015, Oil on wood, Dimensions variable.

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Artist: Luis Roldán

Secreta prudencia
November 13, 2014 – February 15, 2015
Fundación Gilberto Alzate Avedaño
Bogotá, Colombia

Con disimulo alguien observa o escucha lo que pasa para comunicárselo a otros. Lo inculpan por traición y se redime trayendo su historia política al presente con sueños de expiación. Un prisionero político aguarda su tortura en el lugar de encarcelamiento; trabaja forzadamente hasta el agotamiento grabando insignias en piedras y en grandes obras de ingeniería. Estas micronarrativas y sus vestigios, se enlazan en un lugar compartimentado con secreta prudencia.

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Artist: Luis Roldán

Presión y Flujo
April 23 – June 5, 2014
Galeria Casas Riegner
Bogotá, Colombia

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The First International Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias
#1: Cartagena
February 7–April 7, 2014
Cartagena de Indias, Colombia

#1: Cartagena is an issue-oriented project with works spread throughout the historic district. #1: Cartagena reflects on the cultural traditions of the people, the history and the deep connections to the colonial past, as well as encompassing literature, cinema, music, dance and crafts. The Biennial focuses on the idea of presence in its multitude of meanings, conveying how the past continues with us in the present. Structured as a hypertext, the macro project of the Biennial proposes a discontinuous journey through nine locations, each one presenting a multiplicity of narratives and memories. This structure also promotes the re-signification of the city as a monument. The viewer decides their own itinerary, making links from one space to another, stopping here and there to look at the city-monuments, and endowing their chosen circuit with the power, excitement and soul of the city. This personal journey gives meaning to the macro text: the Biennial and its exhibitions, site-specific projects, performances, film program and lectures.

Founded in 1533, Cartagena de Indias is a colonial town located in the center of the northeastern coast of Colombia. Surrounded by the Caribbean Sea, Cartagena has received a unique and interesting confluence of influences over its 500-year history that include pre-Columbian native Aboriginal, Spanish, African and Arab cultures. It is rich in multicultural folklore, and widely considered to be one of the most beautiful cities in the Caribbean.

The Biennial´s Artistic Director is international curator and writer Berta Sichel. For this project, she worked with three co-curators: Bisi Silva, the Center for Contemporary Art, Lagos; Barbara Krulik, independent curator; and Paul Willemsen, film scholar. She also consulted with critics and other curators in the formation of the Biennial.

#1: Cartagena: international exhibition
Suzanne Anker, Eduardo Abaroa, Helena Almeida, Julieta Aranda, Maria Jose Arjona, Charles Atlas, Radcliffe Bailey, Rosa Barba, Perry Bard, Yto Barrada, Lothar Baumgarten, Terry Berkowitz, Janet Biggs, Anna Boghiguian, Francois Bucher, Trisha Brown, Fernando Bryce, Anna Camner, Peter Campus, Nuria Carrasco, Nick Cave, Willie Cole, Bill Culvert, Elena del Rivero, William Engelen, Nezaket Ekici, Richard Garet, Ximena Garrido-Leca, Justine Graham, Asta Gröting, Federico Guzman, Romuald Hazoume, Diango Hernandez, Kirsten Heshusius, Sheila Hicks, Maria Teresa Hincapie, Candida Höfer, Katie Holten, Shirazeh Houshiary, Satch Hoyt, Marine Hugonnier, Jesper Just, Clemencia Labin, Dana Levy, Ligorano/Reese, Christiane Löhr, Inés Lombardi, Oswaldo Maciá, Lucía Madriz, Marcellvs L., Jenny Marketou, Billy Martin, Julie Mehretu, Zwelethu Methethwa, Marta Minujín, Guillermo Mora, Carlos Motta, Beth Moyses, Maria Nepomuceno, Lorraine O’Grady, Emeka Ogboh, Uche Opka-Iroha, Kristin Oppenheim, Trevor Paglen, Guillermo Paneque, Periferica, João Penalva, Libia Posada, Freya Powell, Khalil Rabah, Jessica Rankin, Luis Fernando Ramirez, Alvaro Restrepo and El Colegio de Cuerpo, Steven Roden, Lotty Rosenfeld, Ruby Rumié, Eduardo Sarabia, Carlos Schwartz, Teresa Serrano, Hassan Sharif, Yinka Shonibare, Kimsooja, Philip Taaffe, Tallur L.N., Alison Elizabeth Taylor, Mickalene Thomas, Ana Torfs, Adán Vallecillo, Raúl Gómez Valverde, Sergio Vega, Anton Vidokle, Leo Villareal, Bill Viola, Stephen Vitiello, Gijs van Bon, Svetlin Velchev, Friedemann von Stockhausen, Pawl Wojtaski, Ming Wong, Betty Woodman, Yin Xiuzhen, Suda Yoshihiro, Dolores Zinny and Juan Maidagan

Imperfect Idler or When Things Disappear: Colombian artists exhibition
Felipe Arturo, Jaime Avila, Andrés Felipe Castaño, Colectivo Octavo Plastico (Roberto Carlos Pérez, Ana Victoria Padilla, and Emanuel Julio Pinilla), Nicolás Consuegra, Wilson Díaz, Julián Dupont, Juan Manuel Echavarría, Clemencia Echeverri, Adrián Gaitán, Elías Heim, Leonardo Herrera, Juan David Laserna, Verónica Lehner, Diego Mendoza, Ana Maria Millan, Óscar Muñoz, Oscar Murillo, José Olano, Juan Obando, Bernardo Ortiz, Juan Peláez, María Fernanda Plata, Luis Roldan, Miguel Angel Rojas, Maria Isabel Rueda, Wilger Sotelo, Paola Tafur, Pablo Gomez Uribe

• Happenings

Artists: Alessandro Balteo Yazbeck, Hercules Barsotti, Willys de Castro, Jaime Davidovich, Guillermo Deisler, Mirtha Dermisache, León Ferrari, Héctor Fuenmayor, Anna Bella Geiger, Leandro Katz, Gerd Leufert, Luis Roldán, Osvaldo Romberg, Eduardo Santiere, Horacio Zabala.

Drawings from the South of America
January 24 – February 8, 2014
Henrique Faria Fine Art
New York, NY, USA

*Image: Horacio Zabala, “Terra Ignota”, 1973, Ink on paper, 36.4 x 82.4 cm

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Selected Biographical Information

Education / Training

• Pontificia Universidad Javeriana, cinco años, Arquitecto. Bogota, Colombia.
• Atelier 17, S.W. Hayter, Grabado Moderno, Paris, France.
• Art History, L’ Ecole du Louvre, Paris, France.

Prizes / Fellowships

• 2000: Premio Luis Caballero, Segunda Versión, IDCT, Alcaldia Mayor de Bogotá, Colombia.
• 1996: 1^er premio pintura, XXXVI SALON NACIONAL DE ARTISTAS, Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura, Corferias, Bogota, Colombia.
• 1992: Mencion, XXXV SALON NACIONAL DE ARTISTAS, Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura, Corferias, Bogota, Colombia.
• 1990: Visual Arts New Work Award, Wisconsin Arts Board.
• 1989: Milwaukee County Artists Fellowship.
• 1984: Jury Award, SMALL WORKS, (Eight Annual Contest), Galleries, 80 Washington Square East, New York University, N.Y., USA.
• 1979: Icetex Fellowship for Art Studies Abroad.

Solo Exhibitions

• 2013: “MECHANICAL VENTILATION”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
• 2011: “SALTO TEQUENDAMA”, Galeria Casas Reigner, Bogotá, Colombia.
• 2010: “OTRAS VOCES”, Faria & Fabregas Galeria, Caracas, Venezuela.
• 2010: “REVISION”, New Mexico State University Art Gallery, Las Cruces, NM, USA.
• 2009: “CIRCUNSTANCIAS”, Galeria Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
• 2007: “TERRITORIOS”, Galeria Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
• 2006: “PERMUTANTES”, Cámara de Comercio de Bogotá, Colombia.
• 2006: “ACERCA DE LAS ESTRUCTURAS”, MADC, Costa Rica.
• 2005: “PERMUTANTES”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
• 2005: “FRAGMENTED DREAMS”, Amelie A. Wallace Gallery, SUNY College at Old Westbury, New York, USA.
• 2005: “MARGENES PARALELAS”, Galeria Casas Riegner, Bogotá, Colombia.

Group Exhibitions

• 2013: “PERMANENCIA DEL ARTE GEOMETRICO”, Galeria Frances Wu, Lima, Peru.
• 2012: “TRACING TIME”, Josée  Bienvenu Gallery, NY, USA.
• 2012: “X BIENAL MONTERREY FEMSA”, Exposición Sextanisqatsi –Curado por José Roca, Monterrey, Mexico.
• 2010: “THEN AND NOW”, Abstraction in Latin American Art 1950-present, 60 Wall Gallery, Deutsche Bank, NY, USA.
• 2009: “VENICE BIENNALE“, Pabellón de América Latina IILA “Mundus Novus ”, Artiglierie dell’Arsenale.
• 2008: “PROYECTOS ESPECIALES”, ARCO, Madrid, Spain.
• 2008: “FORMA, LINEA, GESTO, ESCRITURA”, MuVIM, Valencia, Spain.
• 2007: “LINEA CONTINUA”, Lugar a Dudas, Cali, Colombia.
• 2006: “MARCAS REGISTRADAS”, Museo Nacional de Colombia, Bogotá, Colombia.
• 2006: “ESTRECHO DUDOSO”, Teoretica, Costa Rica.
• 2004: “DIBUJOS”, Johana Calle – Luis Roldán, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
• 2004: “DIBUJOS”, Johann Calle – Luis Roldán, Museo de Arte Moderno de Montevideo.
• 2004: “URBES INTERIORES”, BLLA, Banco de la República, Bogotá, Colombia.
• 2003: “VIOLOGY”, University of the Pacific.
• 2002: “VIOLOGY”, Galeria de la Raza, San Francisco, CA, USA.

Collections

• Bibilioteca Luis Angel Arango, Bogota, Colombia.
• Milwaukee Art Museum, Milwaukee, USA.
• Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
• Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia.
• Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
• Museo de Arte Moderno Medellin, MAM, Colombia.
• Museo de Arte Latinoamericano, Managua, Nicaragua.
• Museo de Arte Universidad Nacional de Bogotá, Colombia.
• Museo Nacional de Colombia, Bogotá MADC, Costa Rica.
• Museo del Barrio, New York, USA.
• The Frances Lehman Loeb Art Center, Vassar College, Poughkeepsie, N.Y., USA.
• Colección Suramericana, Medellín, Colombia.
• The Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), USA.
• Banco Mercantil, Caracas, Venezuela.
• Cisneros Fontanals Art Foundation, USA.
• Celarg Foundation, Caracas, Venezuela.
• Teorética, Costa Rica.
• Drawing Collection of the Deutsche Bank, New York, USA.
• Coleccion FEMSA, Monterrey, Mexico.

• Artists