Abstraction in Action Alexandre Canonico https://abstractioninaction.com/artists/alexandre-canonico/

About the Artist

My practice is influenced by the aesthetics and logic of architectural drawing and the legacy of geometric abstraction. However, instead of merely exploring the formal aspects associated to these disciplines, I am interested in investing my work with more playful, unstable or destabilising elements that disrupt the rigorous principles underlying traditional architecture and abstraction.

Over the past 5 years, I have been developing a series of wall-based sculptures/ drawings where three-dimensional elements (depth, shadow and movement) are used as a drawing tool, often incorporating elements from the surrounding space into the composition.

I had my first solo show in August 2015 at Galeria Marilia Razuk in São Paulo. The show was titled “Aonde”, which translates as “To where/ Where to”, implying the movement to or the search for a place. The works had in common a certain flexibility of boundaries and an interest in the space that contains or is contained by each piece.

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Mi práctica es influenciada por la estética y la lógica de dibujos arquitectónicos y el legado de la abstracción geométrica.  Sin embargo, en ves de únicamente explorar los aspectos formales asociados con esas disciplinas, estoy interesado en investir mi trabajo con elementos lúdicos, inestables y desestabilizadores, que interrumpen los principios rigurosos que  subyacen en la arquitectura tradicional y la abstracción.
Durante los últimos 5 años, he estado desarrollando una serie de esculturas de pared / dibujos, en los cuales elementos tridimensionales (profundidad, sombra y movimiento) son empleados como instrumentos de dibujo, a menudo incorporando elementos del espacio circundante en la composición.
Tuve mi primera exposición en agosto del 2015 en la Galería Marilia Razuk en São Paulo. La muestra titulada “Aonde”, que se traduce como “A donde/Hacia adonde”, implicando el movimiento hacia o la bísqueda por un lugar. Las obras tenían en común una cierta flexibilidad de limites y un interés en el espacio que contiene y es contenido por cada pieza.

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December 8, 2016 Martin Cordiano https://abstractioninaction.com/artists/martin-cordiano/

 

 

About the Artist

As a visual artist I aim to make constructions that offer an insight into the relationship with others and with the space that surrounds us; as well as to explore routine and the way we inhabit space. My practice is an exploration of the contradiction between the dynamic world we live in and the rigid structures of the building environment and architecture that contains it. As a result, art is used as lens to think and rethink this language, trying actively to renegotiate meaning through asking questions differently. Laying down the platform to engage in conversation to try to renegotiate these agreements.

Eminently simple yet complex in its implications, my work stands as a paradigm for a practice of making, which is beyond either art or architecture.

I experiment on and in the real world. Pulling apart the structures of our everyday life, playing with the materials out of which we construct our surroundings and our implements, and opening up new spaces within a world we thought we had defined. What remains inherent throughout my practice is the sense of experimentation and investigation that operates as an extension of our ability to be at home in the world, to remake our reality, and to question our existence through what we make.

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Como artista visual me propongo realizar construcciones que ofrecen una mirada sobre la relación con otros y con el espacio que nos rodea; como también de explorar la rutina y la forma como habitamos el espacio. Mi practica es una exploración de las contradicciones entre el mundo dinámico en el cual vivimos y las estructuras rígidas del paisaje construido y de la arquitectura que la contiene. Como resultado, el arte es empleado como un lente para pensar y repensar este lenguaje, de tratar activamente de renegociar el sentido, al preguntar de otras formas. Construir una plataforma para propiciar conversaciones e intentar renegociar estos acuerdos. 

Eminentemente simple pero a la vez complejas estas implicaciones, mi obra se plantea como un paradigma para la practica del hacer, que va mas allá del arte y de la arquitectura.

Yo experimento sobre y dentro del mundo real. Yo desarmo las estructuras del día a día, jugando con los materiales con los cuales construimos nuestros entornos y nuestros implementos,  y así abrir nuevos espacios dentro del mundo que pensamos habíamos definido. Lo que se mantiene inherente a lo largo de mi práctica es el sentido de experimentación e investigación que opera como extensión de nuestra habilidad de sentirnos en casa en el mundo, de rehacer nuestra realidad, y de interrogar nuestra existencia a través de lo que hacemos.

 

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December 6, 2016 Nicola Noemi Coppola https://abstractioninaction.com/artists/nicola-noemi-coppola/
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The contact between two or more preexisting elements generates variations in the state of matter. This series of transformations can provide representations that unveil their synergetic state. The representation of invisible forces demands tools so that they may be seen, otherwise they would escape the senses and as a result be lost to understanding. This is the motor for a great part of the sciences: the necessity of representing the invisible to be able to “comprehend it.” Coming from a branch of the sciences, I try to represent the force of matter that continues to inscribe the history of its causes and effects. For me this is also an obsession with the infinitely small or the invisible, and it is therefore necessary to solidify the symbolic mark of society, and the voice of the environment that will never be silenced.

 

El contacto entre dos o más elementos pre-existentes genera variaciones del estado de la materia. Esta serie de transformaciones puede dar representaciones que develan su estado sinérgico. La representación de fuerzas invisibles precisan de utensilios para ser vistas, de lo contrario escaparían a los sentidos y así al entendimiento. Éste es el motor de gran parte de las ciencias: la necesidad de representación de lo invisible para así “comprenderlo”. Viniendo de una rama científica, intento representar la fuerza de la materia que sigue inscribiendo la historia de sus causas y efectos. Para mi también es una obsesión lo infinitamente pequeño o lo invisible, y resulta necesario así, dejar asentada la huella simbólica de la sociedad, y la voz del ambiente que nunca será callada.

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May 4, 2015 John Mario Ortiz https://abstractioninaction.com/artists/john-mario-ortiz/
Translated from Spanish

My work is inspired by the contradictions of urban development and the growth of the city. It reflects on how these phenomena influence the relationships we have with spaces. I am interested in examining the influences of the process of architectural modernization in the shaping of particular ways of spatial perception.

Through a variety of mediums including installation, sculpture, photography, drawing, and video, my recent projects explore the ways architecture is conceived and projected, paying especial attention to the tools and systems of representation that are used for this purpose, and which strongly determine  the configuration and nature of the constructions. In these works, the mechanisms of projection are compared to real physical spaces, proposing new relationships, and translating abstract codes of representation to concrete physical spaces to discover tensions and discrepancies between these two instances, as well as reveal ideological implications that lie beneath.

 

Mi trabajo se nutre de las contradicciones del desarrollo urbano y del crecimiento de la ciudad. Reflexiona acerca de cómo estos fenómenos inciden en las relaciones que establecemos con los espacios. Me intereso por examinar las influencias del proceso de modernización arquitectónica en el moldeamiento de formas particulares de percepción espacial.

A través de un variado repertorio de medios que incluyen instalación, escultura, fotografía, dibujo y video, mis proyectos recientes investigan las formas como se concibe y proyecta la arquitectura, prestando especial atención a los instrumentos y sistemas de representación que se emplean para este fin, que determinan poderosamente la configuración y la naturaleza las construcciones. En estas obras se confrontan los mecanismos de proyección con los espacios físicos reales, proponiendo nuevas relaciones, y se traducen los códigos abstractos de representación a los espacios físicos concretos, para descubrir tensiones y discrepancias entre estas dos instancias, así como para develar implicaciones ideológicas que allí subyacen.

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February 19, 2014 Nicolás Consuegra https://abstractioninaction.com/artists/nicolas-consuegra/
Translated from Spanish

In about ten years of professional experience, I have been interested in different transcultural processes from which I intend to build paragons between the local knowledge of my Colombian context and how these face each other, validate, or are opposed to foreign cultural discourses and production.

In this period of time I have focused on developing projects in which I can combine my interests in installation, sculpture, and video, and how these artistic mediums can (and must) be understood contextually. I find pertinent to mention that I am drawn to recognize and study the breaks I find in artistic and cultural discourses as in the information that originates from different contexts as mine. Following this line of thought, I remember constantly Brazilian Oswaldo de Andrade and his ideas about “anthropophagy,” since we constantly devour what belongs to someone else so we can produce something new.

 

Durante algo más de diez años de ejercicio profesional, he estado interesado en diversos procesos transculturales con los cuales pretendo construir parangones entre los saberes locales de mi contexto colombiano y cómo estos se enfrentan, validan u oponen a discursos y producciones culturales foráneas.

En este período de tiempo me he concentrado en desarrollar proyectos en los que puedo combinar mis intereses en la instalación, la escultura y vídeo, y cómo estos términos artísticos pueden (y deben) ser entendidos contextualmente. Me parece pertinente mencionar que me siento muy atraído por reconocer y estudiar las fisuras que encuentro tanto en los discursos artísticos y culturales como en la información que proviene de contextos diferentes al propio. En este orden de ideas, recuerdo constantemente al brasilero Oswaldo de Andrade y sus ideas sobre la “antropofagia”, pues constantemente devoramos lo que es ajeno para producir algo nuevo.

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February 19, 2014 Gabriel Acevedo Velarde https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-acevedo-velarde/

“In general, all I want is to find my own way of doing politics.”

 
Traducido del inglés

“En general, lo único que quiero es encontrar mi propia manera de hacer política”.

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February 19, 2014 Chiara Banfi https://abstractioninaction.com/artists/chiara-banfi/

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I always thought of sound, volume and rhythm breaking through boundaries and barriers in search for a place by looking for ways in which to visualize how this sound could be “seen” if it were traveling in a room, a body, or a garden.

My present work is about exploring sound structures in a sensorial manner, where I feel that music and nature come together in a type of code.  In my earlier work I would attempt to ‘draw’ sound as it traveled through an architectural space. Visually it could be compared to a plant or bindweed traveling through space as it searches for its direction.

Presently, I am working on deconstructing that what produces sound by separating its parts. For instance, as in a musical instrument: I separated the body of the guitar from the neck, the cords and the pick guard.

By expanding the body of the instrument to the proportion of our bodies I want to express the explosion of sound through color and form.  Through my extensive research of instruments and its components, I arrived at the LPs, and the beauty and meaning of its covers and sleeves.  My generation received the last drop of the LP’s industry and the memory of listening to my parent’s records while looking at the covers reminded me how the visual part was so important.

Thirty by thirty cm cover is a huge area to represent the sound that is there, and to me the LP was always an object of awe and desire.  In my most recent work, I presented the records and sleeves in frames to relate them to the golden age of the music industry—now found in Music Museums with their walls covered with the platinum and golden records suggesting the completion of an anachronistic ritual of our days of MP3, which involved a different relation between the body (hearing) and sound.

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Siempre pensé en cómo el sonido, volumen y ritmo cortan los límites y las barreras en busca de un lugar; buscando maneras de visualizar cómo este sonido podría ser “visto” si viajase en un cuarto, un cuerpo, o un jardín.

Mi obra reciente aborda la exploración de estructuras de sonido de una manera sensorial, desde la que siento que la música y la naturaleza se unen en un tipo de código. En mi obra más temprana intenté “dibujar” el sonido a medida que avanzaba en el espacio y buscaba su dirección.

Hoy en día estoy trabajando en deconstruir aquello que produce sonido, separando sus partes. Por ejemplo, en un instrumento musical separé el cuerpo de la guitarra del mástil, las cuerdas y la caja protectora.

Al expandir el cuerpo del instrumento a la proporción de nuestros cuerpos, quiero expresar la explosión de sonido por medio del color y la forma. Mediante mi extensa investigación sobre los instrumentos y sus componentes, llegué a los LPs y la belleza y significado de sus portadas y cubiertas. Mi generación recibió la última gota de la industria de los LPs y la memoria de escuchar los álbumes de mis padres mientras que las portadas me recordaban la importancia de la parte visual.

Una portada de treinta por treinta centímetros es un área muy amplia para representar el sonido que está dentro y para mí el LP siempre fue un objeto de asombro y deseo. En mi obra más reciente presento los discos y carátulas en cuadros, para relacionarlos con la época de oro de la industria musical que ahora se encuentra en museos de música y sus muros cubiertos de los discos de platino y oro, sugiriendo el fin del ritual anacrónico de nuestros días del MP3, los cuales significaron una relación diferente entre el cuerpo (la acción de escuchar) y el sonido.

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February 19, 2014 Óscar Figueroa https://abstractioninaction.com/artists/oscar-figueroa/
Translated from Spanish

A constant in my work is the restlessness and questioning of the social constructs of identity; whether territorial, individual, or artistic. Within that framework, I try to interpret what aspects are traditional constructions and which ones are new forms of economic and cultural “colonization” in the context of “globalization,” which helps define the contemporary situation but that hides the huge inequalities of a world that, to paraphrase George Orwell, is much more global to some than others. Both (or more) fields coexist, are combined and overlapped without really defining the clarity of one possible answer. It is in this boundary where my motivations come to the surface.

 

Una constante en mi trabajo es la inquietud y el cuestionamiento por las construcciones sociales de identidad, ya sean territoriales, individuales o artísticas; dentro de este marco, tratar de descifrar qué aspectos son construcciones tradicionales y cuales son nuevas formas de “colonización”, tanto económica como cultural, en el entorno de la “globalización”, que sirve para caracterizar la situación contemporánea, pero que esconde las enormes desigualdades de un mundo que, parafraseando a George Orwell, es mucho más global para unos que para otros. Ambos ámbitos (o más) conviven, se mezclan y se contraponen sin realmente definir la claridad de una posible respuesta; y es en este linde donde se ponen a flote mis motivaciones.

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February 19, 2014 Adrián S. Bará https://abstractioninaction.com/artists/adrian-bara/
Translated from Spanish

My work, influenced by my formation as a filmmaker and the constant contact with architecture, make me incorporate elements such as abstraction, geometry, memory, light, shadow, the relationships that exist in the creation processes and interaction with life itself.

The process is part of the result within itself, which makes us discover places or questions that we would not make if it wasn’t for that constant search and experimentation of situations and experiences.

The way I materialize my ideas—photography, painting, sculpture and video.

Based on the concept in which the goal is in the process of creation more than in the result, I always seek to let myself be guided by accidents and the unknown, to be able to explore new ideas of expression and abstraction.

 

Mi trabajo, influenciado por una formación como cinematógrafo y el constante contacto con la arquitectura hacen que incorpore elementos como la abstracción, la geometría, la memoria, la luz, la sombra, la relación que existe en los procesos de creación e interacción con la vida misma.

El proceso es parte del resultado en sí mismo; aquel que hace que descubramos lugares o preguntas que no nos formularíamos si no fuera por esa constante búsqueda y experimentación de situaciones y experiencias.

Las forma en la que materializo mis ideas son: fotografía, pintura, escultura y video.

Basado en el concepto de que la meta está en el proceso de creación más que en el resultado, siempre busco dejarme llevar por los accidentes y lo desconocido para explorar nuevas ideas de expresión y abstracción.

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December 3, 2013 Pedro Tyler https://abstractioninaction.com/artists/pedro-tyler/

I believe that the beauty of an artwork is connected to the way we get to know it. A knowledge that comes along with a pleasing sensation related to understanding. Comprehending and enjoying how its components interact between each other and their mechanisms of sustentation. This can be seen in my works when stacking coins, interlacing rulers or giving mobility to something that seems motionless. I relate beauty to the subtlety of instability. Those moments in which you understand or feel consciously that you are alive, that something overflows and is lost at every instant. I like the static at the moment it waits, like the calm before the storm, because it foretells it. The amazing moment before jumping or not to the void because of heights vertigo and its fall. Depths stillness where silence will listen to my body, or, on the other side, heights, for making me believe I am outside things and there is no center in them. Reflections, because of the question my eyes return. It delights me to know there is always something I can´t understand. Candlelight for not being steady, making shadows bigger and in obscurity, space more dense. I like altering things because I know they are not definitive and by doing so, apprehend them in a different way. The photo that shows the camera that took it, because it´s the perfect symmetry that I can´t achieve before a mirror. Cages, because they are spaces which are difficult to penetrate and from where you might not want to get out. I like art, that when I leave it, I feel like I`m losing something. Feeling the wind, the sun, the cold and the pain of a wound because they make me believe I am in a place. Glass and transparencies because they cut through space, whereas everything else occupies it, and what occupies it because it completes it. For the same reasons I like to think, for the moments in which I believe I learn and move forward, but more than anything, I like to think because I believe I don´t understand. In this search for understanding, is that I use everyday objects as material for my works, so as, by taking them out of context, appreciate them in another way. By putting water inside it, or chiseling its glass, a light bulb becomes, to me, a metaphor about the fragility of the body. How, thanks to that border that is our skin, we develop all our feelings and thoughts. With measuring tapes, wooden or steel rules, you can measure something linear as the body, but you can´t measure, for example, feelings inside that body. Measuring what can´t be measured. The measure of pain related to a close death, started a body of work that developed from a personal concern; how to analyze and reason about feelings. Although the artwork started being self-referential, I have come to know that the intimacy of this subject is universal. Each person interprets this experiences and concerns from his or hers perspective. And is from this perspective, unique and personal, that I hope they will relate to my artwork.

 

Creo que la belleza de una obra tiene que ver con nuestra manera de conocerla, y ese conocimiento acarrea una sensación placentera relacionada al entender. Entender y disfrutar cómo sus componentes interactúan unos con otros y sus mecanismos de sustentación. Esto puede verse al apilar monedas, entrelazar reglas o darle movilidad a algo aparentemente inmóvil.

Relaciono la belleza a la sutileza de la inestabilidad. Esos momentos de entender o sentir conscientemente que se está vivo, que algo se desborda y se pierde a cada instante. Me gusta lo estático en el momento que espera, al igual que la calma antes de la tormenta porque la presagia. El alucinante momento antes de saltar o no al vacío por el vértigo de la altura y la caída. La quietud de las profundidades donde el silencio escuchará mi cuerpo, o por otro lado, las alturas por creer que estoy fuera de las cosas y no hay un centro en ellas. Los reflejos por la pregunta que me devuelven mis ojos. Me agrada que siempre haya algo que no entienda. La luz de la vela por no ser constante, hace a las sombras más grandes y en la penumbra al espacio más denso.

Me gusta alterar las cosas porque sé que no son definitivas y así aprehenderlas de otra manera. La foto en la que sale la cámara que la sacó, porque es la perfecta simetría que ante un espejo no puedo lograr. Las jaulas porque son espacios en que es difícil penetrar y de los que tal vez no se quiera salir. Me gusta el arte que cuando lo dejo, me hace sentir que pierdo algo.  Sentir el viento, el sol, el frío y el dolor de una herida porque me hacen creer que soy en un lugar. El vidrio y las transparencias porque seccionan el espacio mientras que todo lo demás lo ocupa, y lo que lo ocupa porque lo completa. Por lo mismo me gusta pensar, por los momentos en que creo aprender y avanzar, pero más que nada me gusta pensar porque creo no entender.

En esa búsqueda por comprender, es que empleo objetos cotidianos como material de trabajo, para, sacándolos de su contexto, apreciarlos de otra manera.

Al poner agua en su interior, o cincelar su vidrio, una lamparita se convierte para mí en una metáfora de la fragilidad del cuerpo. Como, gracias a esta frontera que es la piel, desarrollamos todo nuestro sentir y pensar.

Con cintas métricas, reglas de madera o de acero, se puede medir algo lineal como el cuerpo, pero no se puede medir, por ejemplo, los sentimientos dentro de ese cuerpo. Medir lo que no se puede medir. La medida del dolor relacionada con una muerte cercana, dispara una serie de obras que nacen de una inquietud personal; cómo analizar y razonar sobre los sentimientos.

Si bien las obras partieron siendo auto referentes me he dado cuenta que la intimidad de estos temas resulta ser universal. Cada persona interpreta estas experiencias e inquietudes según su perspectiva. Y es desde esta perspectiva, única y personal, que espero se relacionen con mis obras.

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October 9, 2013 Miguel Rothschild https://abstractioninaction.com/artists/miguel-rothschild/

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October 8, 2013 Marco Maggi https://abstractioninaction.com/artists/marco-maggi/

From CNN to the DNA, I focus my attention on reaching surfaces without the minor hope to get informed. Everyday, we are condemned to know more and understand less. This antiseptic process prefigures the first global semiotic indigestion. Reality collapses when one tries to portray an ocean by depicting drop after drop of water. My vision of the world is as precise as it is mistaken, and that is why I draw for hours with intense attention and no particular intention.

 
Traducido del inglés

De CNN al ADN, enfoco mi atención a alcanzar superficies sin la menor intención de estar informado. Todos los días estamos condenados a saber más y entender menos. Este proceso antiséptico prefigura la primera indigestión semiótica global. La realidad se colapsa cuando uno intenta representar un océano al ilustrar cada gota de agua. Mi visión del mundo es tan precisa como errada, y es por esto que dibujo por horas con intensa atención y sin particular intención.

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October 5, 2013 Tony Cruz Pabón https://abstractioninaction.com/artists/tony-cruz/

Translated from Spanish

Time, the everyday and repetitive actions like filling up, empty out, or repair, are recurring ideas in my work. To me, representing through drawing the distance between my home and the house of my relatives, or the calculation of the times that I take my hand to my mouth when I am smoking—both drawn on pencil over the wall—more than an act of measurement, they are to me a way of shaping everyday experience.

For example, the exercise of walking around the city of San Juan to document a series of constructions, made by the inhabitants of the city with everyday objects, made with the purpose of reserving a parking space. This document resulted in a publication that gathers this form and to which I add a series of drawings that propose the use of these same objects for other purposes or possible sculptures.

Generally, my work ends up becoming drawing, where I utilize a few material and visual resources. I am interested in materials that are easy to obtain, such as Plastiscine for children—which I have used to “repair” cracks on a deteriorated building—or powdered construction pigment, which registers the movement of a ball in a baseball field during a game.

In my most recent projects, I have investigated the visual production that generated from Puerto Rican popular music (Salsa, Bomba, and Plena), during the 60s, 70s and beginning of the 80s. The LP as an object, the graphic design, the typography and the images that are produced through the lyrics, give me the opportunity to make an analysis of the construction of landscape in that specific moment.

 

El  tiempo, lo cotidiano, y las acciones repetitivas, como rellenar, vaciar o reparar son ideas recurrentes en mi trabajo. Representar en dibujo la distancia entre mi residencia y la casa de mis familiares, o bien el cálculo de la cantidad de veces que me llevo la mano a la boca al fumar un cigarrillo (ambos dibujados en lápiz sobre la pared), más que un acto de mensura, son para mi una manera de dar forma a la experiencia cotidiana.

Como es el ejercicio de caminar por la ciudad de San Juan con el fin de documentar una serie de construcciones, hechas por los habitantes de la cuidad con objetos cotidianos, hecho con el propósito de reservar un estacionamiento. Este documento resultó en una publicación que recoge esta forma y en la cual añado una serie de dibujos que proponen el uso de éstos mismos objetos para otras funciones o posibles esculturas.

Generalmente mis trabajos terminan siendo dibujos, donde utilizar pocos recursos materiales y visuales. Me interesan los materiales que me son de fácil acceso, como la plastilina para niños, -que he utilizado para “reparar” grietas en un edificio deteriorado-, o el pigmento de construcción en polvo, con el que queda registrado el movimiento de una bola en un campo de baseball durante un partido.

En mis últimos proyectos me encuentro investigando la producción visual que se generó en la música popular puertorriqueña (salsa, bomba y plena) durante las décadas de los años 60, 70 y principios de los años ochenta. El LP como objeto, el diseño gráfico, la tipografía y las imágenes que se producen en las letras de las canciones, me dan pie a hacer un estudio de la construcción del paisaje en ese momento.

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October 5, 2013 Casari & PPPP https://abstractioninaction.com/artists/alberto-casari/

Translated from Spanish

PPPP (Peruvian Products To Think) is the extensive performance work that I began in 1994 and which resulted in the creation of the alter egos that I have been working with: Alfredo Covarrubias, Arturo Kobayashi, and the alias of El Místico. PPPP is a company in which I objectify myself to disappear as an individual creator, choosing the annonimity of a logo. Since then, I attribute the authorship of the works to each of them, depending on the type of work, its concept and its poetic. I mean, I attribute painting to Kobayashi, the study of materials to the alias El Místico, visual poetry and texts to Covarrubias, and the actions and performances created by Covarrubias that I excecute. In 1998 I also began a project with carpets and textiles, with some Andean weavers. This resulted in the necessity to create a structure for design, and that is how PPPPdesign was originated, in 2001, as a real company in the real world of commerce and work. In regards to this, the critic Jorge Villacorta affirms: “initially, he made of his work the combination of two minds: the one of Alfredo Covarrubias, a poet with conceptual artistic inclinations residing in Rotterdam (his first heteronym, i.e., the name used to cultivate other aspects of his personality) and his own. His signature disappeared, and instead the logo of a company appeared: PPPP. Inside it, without losing his name, Casari would turn into somebody that was not exactly him. With the use of heteronomy, he questioned the obsession of the signature as the seal of the artist and the fetishism centered in the possession of the frame as essential in the relationship of men with art. The works by PPPP were not objects that could be associated to emotional expression or subjectivity. Soon after that, the artist would explore new ways and the new branch of PPPPdesign appeared in his production. In PPPPdesign, two minds, this time in two bodies (the artist  and his wife), would fabricate objects of “domestic decoration” (Enciclopedia Temática del Perú, Capítulo 1, Arte y Arquitectura, El Comercio, 2004).

 

PPPP (Productos Peruanos Para Pensar) es la extensa obra performática que inicié en 1994 y que dio lugar a la creación de los alter ego con los cuales he venido trabajando: Alfredo Covarrubias, Arturo Kobayashi y el alias El Místico. PPPP es una empresa en la cual me despersonalizo para desaparecer como creador individual, optando por el anonimato de un logo. Desde entonces, atribuyo la autoría de  las obras a cada uno de ellos, según sea el tipo de trabajo, su conceptualidad y su poética. Es decir, la pintura a Kobayashi, el estudio de los materiales  a alias El Místico, la poesía visual y los textos escritos a Covarrubias, así como las acciones y performances creadas por Covarrubias y que yo ejecuto. En 1998 inicié también el proyecto de alfombras y textiles junto con algunos tejedores andinos. Esto originó la necesidad de crear una estructura para el diseño y es así como nace PPPPdesign, en 2001, una empresa real en el mundo real del comercio y del trabajo. Al respecto, el crítico Jorge Villacorta afirma: “Inicialmente, hizo de su obra la conjunción de dos mentes: la de Alfredo Covarrubias, poeta con inclinación artístico conceptual residente en Rotterdam (su primer heterónimo, es decir, nombre con el cual cultivar otros aspectos de su personalidad) y la suya propia. Su firma desaparecía, y aparecía en vez el logo de una empresa: PPPP. Dentro de ella, sin perder su nombre, Casari se convertía en alguien que no era exactamente él. Con la heteronimia, cuestionaba la obsesión con la firma como sello del artista y el fetichismo centrado en la posesión del cuadro como lo esencial en la relación del hombre con el arte. Las obras de PPPP no eran objetos asociables a la expresión emocional o a la subjetividad. Pronto, por eso, el artista exploraría nuevas rutas y en su producción aparecería la rama PPPPdesign, en la cual dos mentes, esta vez sí en dos cuerpos (el artista y su esposa), fabricarían objetos de “decoración domestica” (Enciclopedia Temática del Perú, Capítulo 1, Arte y Arquitectura, El Comercio, 2004).

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October 4, 2013 Omar Barquet https://abstractioninaction.com/artists/omar-barquet/

Translated from Spanish

I have recently developed an investigation that proposes various relationships among concepts of space, time, landscape, sound, silence, memory, and perception. The idea of variation is understood as the metamorphosis and interaction that occurs within this glossary of concepts, and which merges a series of projects where experimentation with different media and processes function as central axis of my artistic practice, and which allows a sense of dynamics during the process of the work itself.

Based on this outline, I began an interdisciplinary project in 2013, titled Ghost Variations, which states an analogy between the evolutionary phases of a hurricane and the movements of a symphony, giving to each one of its phases a selection of formal elements and collaborative practices for its production.

  

Recientemente, he desarrollado una investigación que propone diversas relaciones entre los conceptos de espacio, tiempo, paisaje, sonido, silencio, memoria y percepción. La idea de variación es entendida como la metamorfosis e interacción que acontece entre este glosario de conceptos y que integran una serie de proyectos donde la experimentación con diversos medios y procesos funciona como eje de mi práctica artística, los cuales otorgan un sentido dinámico durante el proceso mismo de la obra.

Basado en este esquema, inicié en 2013 un proyecto interdisciplinario titulado Ghost Variations, el cual articula una analogía entre las fases evolutivas de un huracán y los movimientos de una sinfonía, otorgando a cada una de sus fases una selección de elementos formales y estrategias colaborativas para su realización.

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October 4, 2013 Amadeo Azar https://abstractioninaction.com/artists/amadeo-azar/

My work revisits the historical trajectory developed by the great utopias and ideologies of the 20th century and how they transformed in the fears, skepticism and the “no future” of contemporary life. I am interested in history, sociology and architecture. I consider important in my work the exploration of the notion of ideologies and politics about phenomena rooted in the aesthetic. I work with monuments and projects that embody a certain view of the world and power plays; the tension between what could have been and isn’t. There is a melancholy for the ideal of a just society, an idea of nation that was repeatedly ill-fated. Because of this, I don’t want to transform my research about architecture or social phenomena into formulaic conceptual projects nor in illustrations of ideas, but my aim is to use them as a fertilizer to develop poetics.

Mi trabajo revisita el recorrido histórico desarrollado por las grandes utopías e ideologías del siglo XX y como se transformaron en los miedos, el escepticismo y el “no futuro” de la vida contemporánea.
Me interesa la historia, la sociología, la arquitectura. Considero muy importante en mi obra explorar la noción de ideologías y políticas en cuanto fenómenos enraizados en lo estético, trabajo con monumentos y proyectos que encarnan una cierta visión del mundo y de los juegos de poder, la tensión entre lo que pudo ser y lo que no fue. Hay una añoranza por ese ideal de sociedad justa, una idea de país luego reiteradamente malograda.
 No quiero por ello transformar mis investigaciones acerca de la arquitectura o fenómenos sociales en proyectos conceptuales de receta ni en una ilustración de ideas, sino usarlos como fertilizante para desarrollar una poética.

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October 4, 2013 Claudio Álvarez https://abstractioninaction.com/artists/claudio-alvarez/

Translated from Spanish

I believe that my creative process, can be compared in some aspects, to that of a scientific researcher, in the way that their investigation allows new discoveries to be included to their repertoire. The work I have been developing through my career, starting in the ‘80s, when I lived in Brazil, consists of this repertoire.

When I am prompted, like now, to think about my artistic production, I think that I would have to divide it in different lines of enquiry that intertwine or fuse together in the production of different works.

I think that I could divide it into different groupings. That which explores the possibilities of form in its temporal and spatial relationships, including in this group the strictly kinetic works, from the beginning of my career, such as the series Geometrías Inestables (Unstable Geometries), 2012, comprised by structures connected to each other by threads that deform with movement. Another one, which has light and movement as principal elements, included, for example in some works presented in the exhibition Apariencias (Appearances), in 2010. Finally, the group of works that explores the overlapping between the real and the virtual, inspiring reflection on what we really see. In this group of works I utilized optical resources with lenses and mirrors, to create virtual spaces, in works such as Instalación para viaje (Installation for Traveling), Colector de imágenes (Image Collector), and La fuente de la sala al lado (The Fountain at the Hall to the Side).

To conclude, I consider the possibility of altering conscience through the perception as leitmotif in my work. It is the conscience of perception itself what plays a role in the conception of many of my works.  It is also through perception that the interaction with the viewer is possible. The viewer also discovers something similar to what caused the work to be.

I like to think that my works have the virtue of stimulating the senses, provoking reflection and of awakening in the observer a renewed way to see the world.

 

Creo que mi proceso creativo, en algunos aspectos, puede compararse al de un investigador científico, en la medida que su investigación avanza nuevos descubrimientos se suman a su repertorio. El trabajo que vengo desarrollando a lo largo de mi carrera, iniciada en la década de 80, ya viviendo en Brasil, consiste en la aplicación de este repertorio.

Cuando soy inducido a pensar sobre mi producción artística, como ahora, veo que habría que dividirla en varias líneas de investigación que se entrecruzan o se funden en la elaboración de diversas obras.

Pienso que podría separarla en varios conjuntos. Aquel que explora las posibilidades de la forma en su relación espacial y temporal, incluyendo en este grupo mis trabajos estrictamente cinéticos, del inicio de mi carrera, así como la serie Geometrías Inestables de 2012, compuesta por estructuras conectadas entre sí por hilos, que se deforman por el movimiento. Otro, que tiene la luz y el movimiento como elementos principales, que están incluidos, por ejemplo, en algunos trabajos presentados en la exposición Apariencias en 2010. Por último, el grupo de trabajos que explora la transposición entre lo real y lo virtual, suscitando la reflexión sobre lo que realmente vemos. En este conjunto de trabajos se utilizaron recursos ópticos con lentes y espejos para crear espacios virtuales, tal como en las obras: Instalación para viaje, Colector de imágenes y La fuente de la sala al lado.

Para terminar, considero la posibilidad de alterar la conciencia a través de la percepción como el hilo conductor de mi trabajo. Es la conciencia de la propia percepción que entra en juego en la construcción de muchos de mis trabajos y también es por la percepción que se da la interacción con el observador. Él también descubre algo similar a lo que originó la obra.

Me gusta pensar que mis trabajos poseen la virtud de estimular la sensibilidad, provocar la reflexión y despertar en el observador una forma renovada de ver el mundo.

Selected Biographical Information

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

  • 2013: “Stand Ybakatu”, SP Arte, Feira Internacional de Arte, Pavilhão da Bienal, São Paulo, Brazil.
  • 2013: ARCO Feira Internacional de Arte, Madrid, Spain.
  • 2012-2013: “Aqui e Lá Ybakatu Espaço de Arte“, Curitiba, Brazil.
  • 2012: “Stand Ybakatu”, SP Arte, Feira Internacional de Arte, Pavilhão da Bienal, São Paulo, Brazil.
  • 2012: ARCO Feira Internacional de Arte, Madrid, Spain.
  • 2012: “PR BR, Produção da Imagem Simbólica do Paraná na Cultura Visual Brasileira”, Museu Oscar Niemeyer Curitiba, Brazil.

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October 4, 2013