- Magali Lara, “C / A + T =”, 2005, Series: Alzheimer, Grabado en metal, 22.1 x 16.4 cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Mar picado / Marina al amanecer”, 2005, Óleo sobre tela, 146 x 175 x c/u cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, ” Glaciares”, 2008 / 2009, Series: Glaciares, Animación digital, (8 min.,13 sec.), Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Problemas de lenguaje VIII 7”, 2012, Series: Melancolía, Tinta sobre papel, 28 x 21.5 cm. Image courtesy of the artist
- Magali Lara, “tres oh”, 2012, Series: Melancolía, Acuarela sobre papel, 20.8 x 29.2 cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Después de la lluvia “, 2009, Series: Akaso, Óleo sobre lino, 244 x 366 x 13 c / u cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Glaciares”, 2009, Series: Glaciares, Animación digital, (8 min., 13 sec.), Variable dimensions. Site-specific project. Location: Sala de Arte Público Siqueiros. SAPS Tres Picos No.29 Polanco, México DF, México. Image courtesy of the artist
- Magali Lara, “No me acuerdo”, 2008, Series: Alzheimer, Animación digital, (2’18), Variable dimensions. Magali Lara. Photo credit: Magali Lara.
- Magali Lara, “Principio de incertidumbre”, Agosto 2007, Series: Alzheimer, Dibujo en sitio / Gráfito y carbón, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Centro de las Artes de Monterrey, Fórum Universal de las Culturas, Monterrey, México. Photo credit: Luis Ordoñez.
- Magali Lara, “Principio de incertidumbre”, Agosto 2007, Series: Alzheimer, Dibujo en sitio / Gráfito y carbón, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Centro de las Artes de Monterrey, Fórum Universal de las Culturas, Monterrey, México. Photo credit: Luis Ordoñez.
- Magali Lara, “Lo que ya sabia V”, 2015, Series: Intemperie, Impresión digital en tela sobre bastidor, 150 x 95 x 5 cm.
About the Artist
My work is found in an intersection. Text and image coexist in different ways. As Siamese twins, that have developed different personalities but that, in the end, share a vital nucleus.
This is the way I understand as artists we come close to animation because it constitutes a fertile terrain to construct other ways of narrating. Firstly, because of the ease of the programs that are available today, that offer relatively simple ways of solving technical problems. Secondly, because animation, as comics in its moment, also allows to create sequences from a different place to cinema. It is as if drawing supports an exploration about subjectivity, and becoming fictional, it could excavate within memory with more freedom.
Many young artists are interested in exploring, like me, the narrative possibilities of animation. The basic difference between us, aside from the generational, is that even though we share the passion for comics, I’m interested in the evocation more than in the description of existential situations. They, instead, feed themselves from a rich world that stems from manga, pornography, and commercial caricatures, moving away from the pictorial tradition.
The image in movement is a risky bet and it is related to temporality.
Sound experimentation, the inclusion of chance, the voice in the music sheet, sometimes as a gesture, and others as narration, feed many of my preoccupations, and open a panorama with many combinations. At the same time, present day animation allows me to understand that to employ figuration or abstraction imply different ways of constructing stories. Figuration is closer to caricature and satire, or to a first person narrative. The visual abstract, sometimes used as a secondary element, appears more like an effect.
I feel closer to animation that uses a more abstract language, as in the movies of Norman McLaren. To want to tell not from the feminine body, but from the experience of the body that has seen, that knows that you do not tell all, and that sound makes the possible appear. Insinuation is sometimes more intense than the declaration.
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Mi trabajo se sitúa en la intersección. Texto e imagen conviven de diferentes maneras. Como hermanas siamesas que han desarrollado distintas personalidades pero que, al final, comparten un núcleo vital.
Así entiendo que muchos artistas nos aproximamos a la animación porque constituye un terreno fértil para construir otros modos de narrar. Primero, por la facilidad de los programas ahora disponibles, que ofrecen maneras relativamente sencillas de resolver problemas técnicos. Y en segundo lugar porque la animación, como el cómic en su momento, también permite hacer secuencias desde un lugar distinto del cine. Como si el dibujo apoyara una exploración sobre la subjetividad y, al hacerse ficticia, pudiera escarbar en la memoria con mayor libertad.
Muchos artistas jóvenes están interesados en explorar, como yo, sus posibilidades narrativas en la animación. La diferencia básica entre nosotros, aparte de la generacional, es que aunque compartimos la afición por los cómics, estoy interesada en una evocación más que en una descripción de situaciones existenciales. Ellos, en cambio, se nutren de un mundo riquísimo que viene tanto del manga, la pornografía, como de caricaturas comerciales, apartándose de la tradición pictórica tradicional.
La imagen en movimiento es una apuesta arriesgada y ligada a la temporalidad.
La experimentación sonora, la inclusión del azar y la voz en la partitura, a veces como gesto y otras como narración, alimentan muchas de mis inquietudes y abren un panorama de muchas combinaciones. Al mismo tiempo, la animación actual me permite entender que usar la figuración o la abstracción implica maneras diferentes de construir relatos. La figuración está más cercana a la caricatura y a la sátira, o a una narrativa en primera persona. Lo abstracto visual, a veces usado como elemento secundario, aparece más como efecto.
La animación que usa un lenguaje más abstracto, como las películas de Norman McLaren, me resulta más cercana. Querer contar no ya desde un cuerpo femenino, sino desde la experiencia del cuerpo que ha visto, que sabe que no lo dices todo, que el sonido hace aparecer lo posible. La insinuación a veces es más intensa que una declaración.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2013-2011: Doctorado en Teoría Crítica, 17, Instituto de Estudios Críticos, D.F. , México.
- 2011-2009: Maestro en Artes, Universidad Autónoma del Estado de Morelos, Morelos, México.
- 1980-1977: Lic. Artes Visuales, San Carlos, UNAM, D.F., México.
Prizes / Fellowships
- 2016-2014: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F. , México.
- 2013: Premio Libro de Artista con el libro: Que hurte en ti lo que me pertenece, Feria Internacional de Libro de Artista LÍA, Guadalajara, México.
- 2010-2008: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 2007-2005: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 2004-2002: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 2000: Residencia en The Banff Centre for the Arts, Banff Programa de Fomento a proyectos y coinversiones culturales del FONCA , Alberta, Canada.
- 1999: Residencia en Boréal Art/Nature, La Minerva, Québec, Canadá.
- 1999-1997: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 1996-1994: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 1986: Mención honorífica, V Bienal Iberoamericana de Arte, Instituto Cultural Domecq y el INBA, D.F., México.
Solo Exhibitions
- 2015: “Intemperie“, Museo Nacional de la Estampa, D.F. , México.
- 2014: “BATIENTE 0.5, la Mirada oblicua“, Casa del Lago, UNAM, D.F. , México.
- 2012: “ANIMACIONES-MAGALI LARA”, Museo Amparo, Puebla, México.
- 2011: “Titubeos”, Galería de Arte Mexicano, D.F., México.
- 2011: “escribir y dibujar”, Bodega Quetzalli Galería, Oaxaca, México.
- 2010: “Glaciares”, Visual Arts Center, Austin, Texas.
- 2009: “Glaciares”, Sala de Arte Público Siqueiros, DF., México.
- 2009: “Afonías”, Galería principal de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México, Toluca, Edo. de México.
- 2008: “Entre líneas”, Organizada por la Universidad Anahuac en la sede de 17 Instituto de Estudios Críticos, DF, México.
- 2007: “* Magali Lara gestos y trazos”, Galerie Rothe, Frankfurt, Alemania.
- 2007: “Como Sí”, Galería de libros Conejoblanco, DF, México.
- 2007: “Alzheimer”, (Intervención), Galería Ateneo Porfirio Barba Jacob, Medellín, Colombia.
- 2007: “Alzheimer”, Galería del Centro Morelense de las Artes, Cuernavaca, Morelos, México.
- 2006: “Alzheimer (Intervención)”, Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Antiguo Palacio del Arzobispado, DF, México.
- 2006: “Pero no me lo digas”, Museo de Arte de Zapopan, Zapopan, Jal ., México.
- 2006: “Tigre”, Galería Nina Menocal, DF, México.
- 2006: “La Misma Habitación”, Galería del Teatro Peón Contreras, Mérida, Yucatán, México.
- 2006: “La Misma Habitación”, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México.
- 2005: “Abstracto”, Galerie Ruta Correa, Freiburg, Alemania.
- 2005: “Abstracto”, Embajada de México en Berlín, Berlín, Alemania.
- 2005: “Mi Versión de los Hechos”, Museo Universitario de Ciencias y Arte, DF, México.
Group Exhibitions
- 2015: “Después del Edén”, SAPS, La Tallera, Cuernavaca, Mor. , México.
- 2014: “Desplazamientos en un sitio lejano”, 14 Galería Metropolitana, UAM, DF, México.
- 2014: “Materia Abyecta, resonancias y obstrucciones en torno a Rodolfo Nieto”, Museo de Arte Carrillo Gil, DF, México.
- 2014: “El juego y el juguete”, Centro de las Artes de San Agustín Etla, Oaxaca, México.
- 2014: “Silencio, rumor, grito”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2014: “Estudio del trazo”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2013: “Obras son amores, arte-vida-México 1964-1992”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2013: “Políticas del espacio”, La Calera, Oaxaca, México.
- 2013: “Favor de no tocar”, Fería Internacional de Libro de artista, Guadalajara, Jalisco, México.
- 2013: “Edición de invierno”, Galería Emma Molina, Monterrey NL, México.
- 2012: “GENÉRICACOLECCIÓNMACG”, Museo de Arte Carillo Gil, DF, México.
- 2012: “Hacer un dibujando, obras en pequeño formato”, Galería Domicilio Conocido, DF, México.
- 2011: “Bajo los párpados”, Biblioteca Lerdo de Tejada, DF, México.
- 2011: “NEOMEXICANISMOS?”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2011: “AKASO”, Museo Universitario del Chopo, DF, México.
- 2011: “Exposición de libros de artista”, Feria del libro y de la rosa, Librería del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, DF, México.
- 2011: “Un posible día”, colaboración, Javier Torres Maldonado, Ensemble 2E2M, Extension de création musicale, París, Francia.
- 2011: “Destello”, Fundación Colección Jumex, DF, México.
- 2011: “Circunstancias”, indagaciones femeninas en el arte, Museo de la Ciudad, Cuernavaca, Morelos, México.
- 2011: “Proceso 730”, Museo de la Ciudad Cuernavaca, Morelos, México.
- 2011: “La maquina visual”, La historia de las exposiciones del MAM a través de su colección, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2010: “Marea de Nudos”, Instituto Cultural de León, Guanajuato, México.
- 2010: “AKASO”, Museo del Centro Cultural Musas, Hermosillo, Sonora. , México.
- 2010: “Afectos diversos/Géneros en flujo”, Museo Universitario del Chopo, DF, México.
- 2010: “¿Tienes miedo?”, Galería Centro Morelense de las Artes, Cuernavaca, México.
- 2009: “Ruta Crítica (y alguna otra desviación)”, Galería de la Torre UAEM, Cuernavaca, Morelos, México.
- 2009: “IX Bienal Monterrey FEMSA”, FEMSA, Monterrey, Nuevo León, México.
- 2009: “Encuentros Gráficos”, Centro Cultural Ollin Yoliztli, Galería Tonalli, DF, México.
- 2009: “Paréntesis”, 17 años de trabajo, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, , México.
- 2009: “Pintura animada”, El Cubo, Tijuana, México.
- 2008: “V Bienal de Estandartes”, Centro Cultural de Tijuana, Tijuana, BC, México.
- 2008: “Arte y Naturaleza: El Poder de lo Pequeño”, organizada por el Museo de Mujeres Artistas Mexicanas en la Biblioteca Henestrosa, Oaxaca, México.
- 2008: “La era de la discrepancia. Arte y cultura visual de México 1968-1997”, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “ZOÓTROPO 7 proyectos de animación en video”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2008: “Mujeres: Sin Cuenta”, Instituto Cultural de México en San Antonio, Texas, EUA.
- 2008: “Historia de mujeres”, Artistas en México del siglo XX, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Monterrey, Nuevo León, México.
- 2008: “La colección: la tradición de las rupturas”, Museo de Arte Contemporáneo, DF, México.
- 2007: “Principio de Incertidumbre”, Centro de las Artes de Monterrey Fórum Universal de las Culturas, Monterrey , México.
- 2007: “Alarca”, Talavera Contemporánea, Museo Franz Mayer, DF, México.
- 2007: “MACO”, Feria México de Arte Contemporáneo, Galería Emma Molina, DF, México.
- 2007: “La era de la discrepancia. Arte y cultura visual de México 1968-1997, “, Museo Universitario de Ciencias y Arte, MUCA Campus, DF, México.
- 2007: “Solos Juntos”, Galería La Refaccionaria, DF, México.
- 2007: “* Arco 07”, Galería Emma Molina, Madrid, España.
- 2006: “Generación de los 70’s un Momento de Reflexión”, Academia de San Carlos, DF, México.
- 2005: “Wunderkammer Ii: Paisajes”, Galería Nina Menocal, DF, México.
- 2005: “MACO”, Galería Nina Menocal, DF, México.
- 2005: “Archipiélagos Gráficos”, Galería Metropolitana, DF, México.
Publications
- 2013: “El magnetismo y sus metáforas”. Eduardo Villar. Diario Clarin, 28/3/13.
- 2013: “Magnetico”, por Philippe Cyroulnik, marzo de 2013. Catalogo.
- 2013: “Excelentes muestras de Zech y Toto Blake en Recoleta”, Diario Ambito Financiero.
Collections
- Museo Universitario de Arte Contemporáneo, , México, DF.
- Museo de Ciencias y Arte de la Universidad Nacional Autónoma de México, México, DF.
- Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México.
- Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, México DF.
- Museo de Arte Carrillo Gil, México, DF.
- Museo José Luis Cuevas, México, DF.
- Colección de Jacques y Natasha Gelman, Cuernavaca, México.
- Stedelijk Museum voor Actuele Kunst.Gent S.M.A.K, Gante, Bélgica.
- Museum of Modern Art,Nueva York, NY, Estados Unidos.
- Museum Of Latin American Art, Long Beach California, EUA.
- Galería de Arte Mexicano, México, DF.
- Galería OMR, México, DF.
- Fundación Televisa, México, DF.
- Fundación Miguel Alemán, México, DF.
- Banco Nacional de México, México, DF.
- Seguros América, México, DF.
- IAGO, Oaxaca, México.
- MUNAE, México, DF.
- Rodrigo Canala, “Emblema Rosa”, 2014-2015, Rotulador, bolígrafo, grafito, óleo, esmalte sintético, pasta gravillante, cartón piedra, madera prensada, marco de madera pintado, vidrio corriente, 80.5 x 65.5 x 5 cm. Photo credit: Tomás Rodríguez.
- Rodrigo Canala, “Arma #1 (matamoscas)”, 2007, Matamoscas, escarcha metálica, 42.5 x 10.5 cm.
- Rodrigo Canala, “Arma #2 (luma)”, 2007, Bastón de seguridad, escarcha metálica, 55.5 x 15 aprox. cm.
- Rodrigo Canala, “Autorretrato”, 2014-2015, Rotulador, bolígrafo, grafito, papel cuadriculado, cartulina metalizada, marco de madera, vidrio corriente, 36 x 29.7 x 3 cm. Photo credit: Tomás Rodríguez .
- Rodrigo Canala, “Bandera”, 2014-2015, Esmalte sintético, óleo, rotulador, madera prensada, marco de madera pintado, vidrio corriente, 63.5 x 43.7 x 4.5 cm. Photo credit: Tomás Rodríguez.
- Rodrigo Canala, “Corona #2 (radar)”, 2012, Defensa metálica, escarcha plateada, soporte de aluminio, madera aglomerada, motor y cable eléctricos, 113.5 x 25 x 25 cm. Photo credit: Sebastián Mejia.
- Rodrigo Canala, “Corona”, 2006, Defensa metálica, escarcha dorada, tornillos, concreto, 20 x 44 x 13 cm. CCU. Photo credit: Tomás Rodríguez.
- Rodrigo Canala, “Diamante hueco”, 2011, Spray sobre vidrio exterior, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Galería Tajamar, Santiago, Chile. Photo credit: Sebastián Mejía.
- Rodrigo Canala, “El Patria”, 2006, Madera aglomerada, motores eléctricos, resina de poliéster, pintura, cable de acero, cable eléctrico (circuito variador de frecuencia), 200 x 570 x 200 cm. Colección Juan Yarur.
- Rodrigo Canala, “Escudo #2”, 2015, Fierro estructural, soldadura, esmalte sintético, tornillos, 100 x 70 x 9,5 cm. Privada colección. Santiago de Chile. Photo credit: Tomás Rodríguez .
- Rodrigo Canala, “Escudo, espejo, estandarte #2”, 2011-2012, Esmalte sintético, madera prensada, marco de madera pintado, vidrio corriente, 156 x 106 cm. MAVI. Photo credit: Tomás Rodríguez.
- Rodrigo Canala, “Paramento”, 2007, Madera aglomerada, terciopelo sintético, ampolletas incandescentes (circuito secuencial), portalámparas, tela de PVC, diversos objetos, cable eléctrico, 280 x 857 x 138 cm.
- Rodrigo Canala, “Señal”, 2011, Madera aglomerada, ampolletas incandescentes (circuito secuencial), portalámparas, pasta gravillante, pintura, bolígrafo, cable eléctrico, 237 x 117 x 117 cm. Museo de Artes Visuales (MAVI). Photo credit: Sebastián Mejía.
- Rodrigo Canala, “T.F.P.”, 2007, Polvo doméstico sobre muro, Variable dimensions.
- Rodrigo Canala, “Revelación”, 2014-2015, Rotulador, bolígrafo, grafito, papel milimetrado, cartulina metalizada, marco de madera, vidrio corriente. (Colaboración con Cristián Silva), 44.5 x 32.5 x 1 cm. Photo credit: Tomás Rodríguez.
- Rodrigo Canala, “Escudo #1”, 2015, Fierro estructural, soldadura, esmalte sintético, tornillos, 50 x 37.5 x 7.3 cm. Photo credit: Tomás Rodríguez.
About the Artist
En mi trabajo, por lo general volumétrico y otras veces gráfico, utilizo preferentemente materiales innobles, comunes o de bajo costo (madera aglomerada, escarcha metálica, polvo doméstico, luz artificial, pintura industrial). Éstos, a través de un tratamiento preciosista, obtienen una apariencia delicada e ilusoria. Muchas veces mis obras son acompañadas por aparatos eléctricos y electromecánicos, dotándolas de una condición móvil que acentúa dicho ilusionismo.
Basándome en una iconografía local popular (arquitectura pastiche, escenografía de televisión, estética de kermés o de pacotilla) y, por otra parte, en referencias artísticas como el arte óptico, cinético, abstracto y constructivista, recurro a diseños y patrones usualmente geométricos y decorativos (cercos, guirnaldas, rúbricas, destellos). Las obras muestran, finalmente, una parquedad y precariedad estructural, pero aún así cierta ostentación ornamental; están completa e irónicamente expuestas y, a su vez, son objeto de seducción y contemplación.
Mi trabajo, pienso, genera en el espectador una mezcla entre quietud y expectación, o lo que llamo “inercia óptica”. Se trata de una apariencia cautivante, hipnótica, “bella” y, a la vez, provocativa o amenazante, en la que se esconde en último término, una crítica paródica a una contingencia tendiente al espectáculo y a la exclusión, manifiesta no solo en el cotidiano y los mass media, sino también en el mismo arte.
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In my work, usually volumetric and sometimes graphic, I employ preferably ignoble, ordinary, or low cost materials, (chipboard, metallic chipping, domestic dust, artificial light, industrial paint). These, through an embellishing process, achieve a delicate and illusory appearance. Many times my works are accompanied by electric and electro mechanic equipment, which provide mobility, thus stressing the illusionary quality of the works.
Based on the one hand on local popular iconography (architecture, pastiche, television scenography, Kermés or trashy aesthetics) and on the other hand, it carries artistic references such as Op art, Kinetic art, abstract and constructivist art; I turn to designs and patterns which are usually geometric and decorative (wreaths, garlands, signs, glitter). The works show, finally a sparingness, a structural precariousness, though a certain ornamental ostentation. They are totally and ironically exposed, and at the same time, they are objects of seduction and contemplation.
My work, I think, generates in the spectator a combination of calm and expectation, or what I call “optical inertia.” It bears a captivating appearance, hypnotic, “beautiful”; and at the same time, provocative and threatening, in which what is hidden ultimately, is a parodic critique to a contingency which leans towards the spectacle and the exclusion, not only manifest in the daily, the mass media, but in art itself.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1998-1999: Magíster en Artes mención Artes Visuales, Universidad de Chile, Santiago, Chile.
- 1993-1996: Licenciado en Arte, Universidad Finis Terrae, Santiago, Chile.
Prizes / Fellowships
- 2012-2011: Beca Corporacion Arte+, Galería Patricia Ready, Santiago, Chile.
- 2009: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 2007: Premio 2º Lugar, 7º Concurso Artistas Siglo XXI, Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile.
- 2005: Premio 1º Lugar, 5º Concurso Artistas Siglo XXI, Pontificia Universidad Católica de Chile, Santiago, Chile.
- 2005: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 2004: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 2003: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 2001: Premio Mencion Especial, 23º Concurso Nacional Arte y Poesia, Universidad de Valparaíso, Valparaíso, Chile.
- 2000: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 1999: Beca FONDART (Fondo Nacional de Desarrollo Cultural y las Artes), Ministerio de Educación, Santiago, Chile.
- 1999: Beca Amigos del Arte, Corporación Amigos del Arte, Santiago, Chile.
Solo Exhibitions
- 2015: “Diseños”, Galería Patricia Ready, Santiago, Chile.
- 2013: “Circus”, Sala Puntángeles (Universidad de Playa Ancha), Valparaíso, Chile.
- 2012: “Deco”, Galería Patricia Ready, Santiago, Chile.
- 2011: “Diamante hueco”, Galería Tajamar, Santiago, Chile.
- 2011: “Señas, bordes, vacíos”, Galería YONO, Santiago, Chile.
- 2011: “Destellos negros”, Galería Centro, Santiago, Chile.
- 2007: “Suite-Patrón”, Galería Die Ecke, Santiago, Chile.
- 2004: “Edén”, Galería Artespacio, Santiago, Chile.
- 1999: “Ejercicio de contrapunto”, Club de Jazz de Santiago, Santiago, Chile.
Group Exhibitions
- 2015: “La misma”, Galería Die Ecke, Santiago, Chile.
- 2013: “Colección Juan Yarur: un relato personal”, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
- 2011: “Indios verdes”, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
- 2011: “Traveling light: five artists from Chile”, Art Museum of the Americas, Washington, D.C., Estados Unidos.
- 2011: “La oscura vida radiante”, CeAC (Centro de Arte Contemporáneo), Santiago, Chile.
- 2010: “Contaminaciones contemporáneas”, Museu de Arte Contemporánea da Universidade de São Paulo, São Paulo, Brasil.
- 2009: “Material ligero: five artists from Santiago, Chile travelling light”, VCA Margaret Lawrence Gallery (The University of Melbourne), Melbourne, Australia.
- 2007: “Stgo/Bog/Stgo. Envío de arte contemporáneo chileno”, Galería Valenzuela Klenner , Bogotá, Colombia.
- 2007: “If I can make it here, I’ll make it anywhere (Proyecto Hoffmann’s House) “, White Box, Nueva York, Estados Unidos.
- 2006: “5a Bienal de artes visuales. Utopías de bolsillo”, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
- 2005: “Arte contemporáneo chileno. Desde el otro sitio/lugar”, National Museum of Contemporary Art, Seúl, Corea.
- 2004: “Falso”, Centro Cultural de España , Santiago , Chile.
- 2002: “Frutos del país”, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
- 2002: “Sentido común”, Galería Balmaceda 1215, Santiago, Chile.
- 2000: “ESC.1:6”, Galería Animal, Santiago, Chile.
- 1998: “Material dispuesto”, Galería Posada del Corregidor, Santiago, Chile.
Links
June 15, 2016 Pier Stockholm https://abstractioninaction.com/artists/pier-stockholm/- Pier Stockholm, “Elephant Island”, 2014, Fluorescent lights, plants, wood board, cables, drawing curve ruler, photograph with frame, transparent plastic and clamps, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Elephant Island” (detail), 2014, Installation, Plants, mdf wood board, drawing curve ruler, photograph with green filter and painted frame, transparent red plastic, clamps and push pins.
- Pier Stockholm, “Elephant Island”, 2014, Detail: curve ruler, photograph with frame, transparent plastic and clamps, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Chromatic”, 2014, Gouache & paper cut on paper, 93 x 127 cm.
- Pier Stockholm, “Oscar 3”, 2012, Foam, wood with red acrylic paint, Dymo tag, ruler, elastic band & level, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Prismatic”, 2012, Print on cotton paper, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Pantone”, 2012, Series: Blue series, C-Print on aluminum , 29.7 x 42 x 0,25 cm.
- Pier Stockholm, “Do & Hope”, 2015, multimedia installation, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Gleichapel project space, Paris, France.
- Pier Stockholm, “Do & Hope”, 2015, Detail:Blue paint on wall, neon lights, polystyrene, push pins and elastics, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Gleichapel project space, Paris, France.
- Pier Stockholm, “Do & Hope”, 2015, Detail: Flowers, foam, rope, blue paint, cutting mat, neon light and foam cutter, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Gleichapel project space, Paris, France.
- Pier Stockholm, “The Weight of References”, 2015, Rope and printed matter, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Time &Tide (Flows wide)”, 2014, India ink on transparent paper, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “All lines and movements are the function”, 2013, India ink on transparent paper, 42 x 29.7 cm.
- Pier Stockholm, “Caran D’ache”, 2012, C-Print on aluminum and colors, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Pantone Connection”, 2012, Print on cotton paper, 25 x 20 cm.
I incorporate the material function of my studio as a means of illustrating my artistic practice.
Traducido del inglés
Incorporo la función material de mi estudio como medio de ilustrar mi práctica artística.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2006-2008: Programe La Seine – Postgraduate program, Ecole Nationale Supérieure Des Beaux Arts Paris-ENSBA, Paris, France.
- 2002-2005: Master in Fine Arts, Universidade de São Paulo. ECA- Escola de Comunicações e artes-USP, São Paulo, Brazil.
- 1995-2001: Bachelor’s Degree in Architecture and Urbanism, Universidad Ricardo Palma, Lima, Peru.
Prizes / Fellowships
- 2011: artistic residence, SOART, Millstättersee, Austria.
- 2010: artistic residence, Malongen Nordic Guest Studio, Stockholm, Sweden.
- 2008: artistic residence, Microresidencia Parasit(i)o in collaboration with MeetFactory, Prague, Czech Republic.
- 2008: artistic residence, NID- National Institute of Design – in collaboration program La Seine , Ahmedabad, India.
- 2007: artistic residence, Mongin art studios-collaboration program Las Seine, Seoul, South Korea.
- 2006-2007: artistic residence, Cité Internationale des Arts, Paris, France.
Solo Exhibitions
- 2015: “Do & Hope”, Gleichapel, Paris, France.
- 2014: “Elephant Island”, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2013: “Time & Tide (Flow wide)”, Galeria Casado Santapau, Madrid, Spain.
- 2013: “Head On”, Lisabird Contemporary, Vienna, Austria.
- 2012: “Prismatic”, Casa Triangulo, São Paulo, Brazil.
- 2011: “USURPATION: Le Folklore”, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2011: “INRI”, Casa Triangulo, São Paulo, Brazil.
- 2009: “God (and Le Corbusier) promises a safe landing (but not a calm voyage)”, Casado Santapau, Madrid, Spain.
- 2006: “Manimal”, De Vleeshal, Middleburg, Holland.
- 2005: “SantaCruz”, Casa Triangulo, São Paulo, Brazil.
- 2003: “Burocracia”, Paço Das Artes, São Paulo, Brazil.
Group Exhibitions
- 2015: “Idées Multiples”, Galerie Des Galeries, Paris, France.
- 2015: “A false Horizon“, Peana Projects, New York, USA.
- 2015: “Polivalencias “, Curated by Jorge Villacorta. Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2014: “Light/Color/Object”, Super Dakota, Brussels, Belgium.
- 2014: “Casa Triangulo No Pivò“, Casa Triangulo- Pivò, edificio Copan, São Paulo, Brazil.
- 2014: “UNTITLED miami Art Fair “, Rincón Projects, Miami, USA.
- 2011: “Choix de Paris”, Cité International des Arts curated by Elsy Lahner, Paris, France.
- 2010: “Everydays(s)“, Casino Luxembourg-Forum d’art contemporain, Luxembourg, Luxembourg.
- 2010: “Now or Never”, Rincón Projects, New York, USA.
- 2008: “El Papel del artista”, Doméstico 08. Curated by Teodora Diamantopoulos, Joaquín García, Giulietta Speranza, Andrés Mengs y Virginia Torrente, Madrid, Spain.
- 2005: “AU-DELA DU COPAN: Beyond the Copan, Supernatural Urbanism“, Fondation d’Enterprise Ricard, Paris, France.
- 2004: “Artista-Personagem -curated by Daniela Labra”, Centro cultural Maria Antonia, São Paulo, Brazil.
Publications
- Pier Stockholm, The Weight of References (Paris: onestar press), 150.
Collections
- Albertina Museum, Vienna, Austria.
- SBKM / De Vleeshal at MuHKA, Antwerp, Belgium.
Links
August 19, 2015 Raquel Rabinovich https://abstractioninaction.com/artists/raquel-rabinovich/- Raquel Rabinovich, “The Dark is Light Enough 12”, 1963, Series: The Dark is Light Enough, Oil on linen, 98,75 x 98,75 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Invisible Cities 6”, 1984-1985, Series: Invisible Cities, Graphite wash and rubber stamps on Arches paper, 145 x 110 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Chhodrtens 14”, 1989-90, Series Chhodrtens, Oil, wax and pencil on linen, 75 x 75 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Chhodrtens 15”, 1989-90, Series Chhodrtens, Oil, wax and pencil on linen, 100 x 80 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Thrones for the Gods, Suite A 5”, 1992-95, Series Thrones for the Gods, Charcoal, pastel, and manganese powder on handmade Nepalese paper, 77,5 x 52,5 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Thrones for the Gods, Suite B 3”, 1992-95, Series Thrones for the Gods, Charcoal, pastel, graphite wash and chalk on handmade Nepalese paper, 80 x 50 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Garbhagrihas 21”, 1991-93, Series Garbhagrihas, Oil, pencil and wax on canvas, 125 x 200 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Pabhavikas 1”, 1995-96, Series Pabhavikas, River split stone, 90 x 390 x 960 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Gateless Gates 11”, 1995-1997, Series Gateless Gates, Oil, wax and pencil on canvas, 105 x 80 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “River Library 350 with Footnotes”, 2010, Series River Library, Orinoco River mud and glue on Essindia paper, 43,75 x 100 cm width, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “River Library 380 with Footnotes”, 2011, Series River Library, Mississippi River mud and glue on Essindia paper, 38,75 x 56,25 cm, Collection Ruth Rosenblum, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “River Library 411 with Rivermaps”, 2012-2013, Series River Library, Nile River mud, pencil and glue on Essindia paper, 37,50 x 58,75 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “River Library Scrolls”, 2002-2014, Series: River Library, Drawing (table installation), River mud and glue on Essindia paper, 75 x 60 x 225 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Emergences (Hudson River)”, 2003-2009, Series: Emergences, Site-Specific Sculpture, Algonquin Fieldstone, S. Bay Quartzite stone, and on-site stones, Dimensions variable, Riverfront Park, Beacon, New York, USA, Collection City of Beacon, Photo credit: Camilo Rojas.
- Raquel Rabinovich, “Emergences (Hudson River)”, 2012-2014, Series: Emergences, Site-Specific Sculpture, On-site stones, Dimensions variable, Lighthouse Park, Port Ewen, New York, USA, Collection Town of Esopus, Photo credit: Camilo Rojas.
For many years I have been investigating the ineffable nature of things, objects, words, thoughts. My art has always been informed by an underlying awareness of the concealed and ephemeral aspects of existence that we don’t see or that appear to be invisible. Through the processes I have explored, I try to reveal how that which has been concealed emerges into view. Art is for me making visible the invisible. In working across mediums for the last fifty years, I go to the unknown in order to know. I go to the dark to see the light.
Traducido del inglés
Durante muchos años, he estado investigando la naturaleza inefable de las cosas, los objetos, las palabras, los pensamientos. Mi arte siempre ha sido informado por una conciencia subyacente de los aspectos ocultos y efímeros de la existencia que no vemos o que parece ser invisible. A través de los procesos que he explorado, trato de mostrar cómo lo que se ha ocultado surge a la vista. El arte es para mí hacer visible lo invisible. Al trabajar en distintos medios durante los últimos cincuenta años, me voy hacia lo desconocido con la finalidad de conocer. Voy a la oscuridad para ver la luz.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1958-1959: The University, Edinburgh, Scotland.
- 1956-1957: Atelier André Lhote, Paris, France.
- 1956: La Sorbonne, Paris, France.
- 1950-1953: Universidad de Córdoba, Córdoba, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2011-2012: Lee Krasner Award for Lifetime Achievement, The Pollock-Krasner Foundation, New York, USA.
- 2006: The Pollock-Krasner Foundation Grant, The Pollock-Krasner Foundation , New York, USA.
- 2001: The Pollock-Krasner Foundation Grant, The Pollock-Krasner Foundation , New York, USA.
- 1995: Individual Artist Grant for Works on Paper, New York State Council on the Arts, New York, USA.
- 1992: National Endowment for the Arts U.S./France Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1991: National Endowment for the Arts Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1986: Artists Space Grant, Artists Space, New York, USA.
- 1980: Artists Space Grant, Artists Space, New York , USA.
- 1978: CAPS Fellowship Grant, Creative Artists Public Service , New York, USA.
- 1964: Beca del Fondo Nacional de Las Artes, Fondo Nacional de Las Artes, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2014: “Gateless Gates“, Y Gallery, New York, USA.
- 2009: “River Library (The Poetics of Water)”, 10th International Cuenca Biennial, Cuenca, Ecuador.
- 2008: “Raquel Rabinovich: River Library”, Fundación Alon, Buenos Aires, Argentina.
- 2000: “Light Unworn: New Paintings by Raquel Rabinovich”, Trans Hudson Gallery, New York, USA.
- 1998: “Enfolded Darkness: Recent Drawings by Raquel Rabinovich”, Trans Hudson Gallery, New York, USA.
- 1996: “Raquel Rabinovich: Drawings 1978-1995”, INTAR Gallery, New York, USA.
- 1990: “Chhodrtens – Recent Work by Raquel Rabinovich (in conjunction with Beyond the Surface)”, Americas Society, New York, USA.
- 1986: “Invisible Cities: Sculpture and Drawings by Raquel Rabinovich”, Bronx Museum of the Arts, New York, USA.
- 1983: “TheThe Map Is Not the Territory (in conjunction with New Spaces)”, Center for Inter-American Relations, New York, USA.
- 1981: “Raquel Rabinovich: Esculturas – Dibujos 1981”, Galería Garcés Velásquez, Bogotá, Colombia.
- 1980: “Shelter”, Institute for Art and Urban Resources at P.S.1, Long Island City, NY., USA.
- 1979: “Cloister, Crossing, Passageway, 1.32”, The Jewish Museum Sculpture Court, New York, USA.
- 1974: “Raquel Rabinovich: Painting, Collage, Sculpture”, Heckscher Museum of Art, Huntington, NY, USA.
- 1963: “La oscuridad tiene su luz”, Galería Rioboo, Buenos Aires, Argentina.
- 1960: “First Exhibition in England of Paintings by Raquel Rabinovich”, Leicester Galleries, London, England.
Group Exhibitions
- 2015: “Empire of Dirt”, Paul Robeson Galleries, Rutgers State University of New Jersey, New Brunswick, NJ, USA.
- 2014: “Feral Objects”, CREON, New York, USA.
- 2013: “LINE & FORM”, MARC STRAUS, New York, USA.
- 2013: “Sofia International Paper Art Biennial 2013”, Amateras Foundation, Sofia, Bulgaria.
- 2012: “One of a Kind II – “Unbound” –An Exhibition in Three Chapters”, Dalhousie Art Gallery, Halifax, Nova Scotia, Canada.
- 2011: “Hudson River Contemporary: Works on Paper”, Boscobel Exhibition Gallery, Garrison, NY, USA.
- 2011: “Sticks and Stones”, Lehman College Art Gallery, New York, USA.
- 2010: “Marks that Matter, Contemporary Drawing in the Hudson Valley”, Ulster State University of New York, Stone Ridge, NY, USA.
- 2008: “Selection of Works from the Haim Chanin Collection”, Haim Chanin Fine Arts, New York, USA.
- 2007: “Minimal Interference in collaboration with Lucio Pozzi”, BCB Art Gallery, Hudson, NY, USA.
- 2004: “Art on Paper 2004”, Weatherspoon Art Museum, The University of North Carolina at Greensboro, Greensboro, NC, USA.
- 2004: “Voces y Visiones: Highlights from El Museo del Barrio’s Permanent Collection”, El Museo del Barrio, New York, USA.
- 2003: “Imaging the River”, Hudson River Museum, Yonkers, NY, USA.
- 2003: “Sticks and Stones”, Collaborative Concepts, Beacon, NY, USA.
- 2002: “Miami Currents”, Miami Art Museum, Miami, Fl, USA.
- 2002: “Blobs, Wiggles, and Dots, Webs and Crustillations”, Blobs, Wiggles, and Dots, Webs and Crustillations, The Work Space, New York, USA.
- 2001: “New Acquisitions”, Miami Art Museum, Miami, Fl, USA.
- 2000: “Re-Aligning Vision: Alternative Currents in South American Drawing”, El Museo del Barrio, New York, USA.
- 1995: “Presence/Absence”, Trans Hudson Gallery, Jersey City, NJ, USA.
- 1994: “The Persistence of Abstraction: American Abstract Artists”, Oceanville, NJ, USA.
Publications
- Nelly Perazzo, Historia general del arte en la Argentina, Tomo XI (Escultura argentina 1965-2000) (Buenos Aires: Academia Nacional de Bellas Artes), 263-264.
- David Levi Strauss, In Praise of Darkness, From Head to Hand: Art and the Manual (New York: Oxford University Press), 66-69.
- Julian P. Herzberg, Raquel Rabinovich: Antología del lecho de los ríos/Anthology of the Riverbeds (Buenos Aires: Editorial Fundación Alon ).
- Ann Philbin, 560 Broadway: A New York Drawing Collection at Work, 1991-2006 (New York: New York and Yale University Press), 137.
- Linda Weintraub with Skip Schuckmann, EnvironMentalities: Twenty-two Approaches to Eco-Art, Avant-Guardians: Textlets in Art and Ecology. (Rhinebeck, NY: Artnow Publications), 141-144.
- Hedwig Brenner, Judische Frauen in der bildenden Kunst II (Hartung-Gorre Verlag ), 275-276.
- Erin Aldana, St. James Guide to Hispanic Artists (New York: St. James Press), 485-488.
- Linda Weintraub and George Quasha, Raquel Rabinovich, The Dark Is the Source of Light (Barrytown, NY: Station Hill Arts).
- Peter Bellamy, The Artist Project: Portraits of the Real World / New York Artists 1981-1990 (New York: IN Publishing), 184.
- German Rubiano Caballero, La Escultura en América Latina (Siglo XX) (Bogotá: Ediciones de la Universidad Nacional de Colombia).
- Damián C. Bayón, Aventura Plástica de Hispanoamérica (México City: Breviarios del Fondo de Cultura Económica), 161.
- Ann McCoy, “The Artful Recluse: Painting, Poetry, and Politics in the 17th-Century China”, The Brooklyn Rail, May, 2013.
- Julia P. Herzberg, “Raquel Rabinovich: Stone Sculptures”, ARTE!Brasileiros, March, 2011, 66-70.
- Robert C. Morgan, “Raquel Rabinovich: Fluid Equilibrium”, Sculpture, December, 2010, 48-49.
- Luisa Valenzuela, “Palabras de agua”, Perfil, June 14, 2009.
- William Zimmer, “Out of the Water, Inspiration”, The New York Times, Dec. 28, 2003.
- Nicole Krauss, “Raquel Rabinovich at Trans Hudson”, Art in America, July, 1999.
- William Zimmer, “Beyond the Surface”, Arts Magazine, October, 1990.
- Grace Glueck, “Critics’ Choices”, The New York Times, October 19, 1986.
- Amei Wallach, “Contemplating What Is Beyond What We See”, Newsday, March 10, 1983.
- John Stringer, “Raquel Rabinovich: De lo mítico a lo actual”, Arte Informa , 1983, 12.
- George R. Collins, “Raquel Rabinovich”, Arts Magazine, February, 1983, 4.
- Grace Glueck, “There’s New Sculpture Under the Sun All OverTown”, The New York Times, August 3, 1979.
- John Gruen, “Raquel Rabinovich”, The Soho Weekly News, February, 1975.
- Jeanne Paris, “Jeanne Paris, Refines Her Art: Raquel Rabinovich Exhibit at Heckscher”, Long Island Press, February 3, 1975.
- Amei Wallach Her Fragile Art Arises from Wisps of Dreams Newsday, June 24, “Her Fragile Art Arises from Wisps of Dreams”, Newsday, June 24,1973.
- Jacqueline Barnitz, “Raquel Rabinovich at Benson, Bridgehampton”, Arts Magazine, September-October, 1970.
Collections
- The Museum of Fine Arts, Houston, Texas, USA.
- Whitney Museum of American Art , New York, USA.
- Argentine Banking Corporation, New York, USA.
- Arkansas Art Center, Little Rock, Arkansas, USA.
- The Blanton Museum of Art at the University of Texas Austin, Austin, Texas, USA.
- Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Foundation for Contemporary Arts, New York, USA.
- Miami Art Museum, Miami, Florida, USA.
- Museo de Arte Morderno, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Genaro Perez, Cordoba, Argentina.
- World Bank Fine Art Collection, Washington, D.C., USA.
- Museo Emilio Caraffa, Cordoba, Argentina.
- City of Phoenix, Phoenix, Arizona, USA.
- National Gallery of Art, Sofia, Bulgaria.
- Reading Public Museum, Reading, Pennsylvania, USA.
- Museo de Arte Abstracto, Zacatecas, Mexico.
- Museo de Arte Moderno, Bogota, Colombia.
- Museo del Barrio, New York, USA.
- San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, California, USA.
- The Bronx Museum, New York, USA.
Links
- World Literature Today
- 2015, Y Gallery: Exhibition showcasing works from series River Library and Gateless Gates.
- 2014, Ann McCoy, “IN CONVERSATION: Raquel Rabinovich with Ann McCoy.” Brooklyn Rail Interview, Brooklyn, NY, USA, November. P. 27, 28, 29. Interview on the occasion of solo exhibition at Y Gallery.
- 2014, Rachel Cole Dalamangas, INTERVIEW: ON THE NATURE OF ART & THE ART … – Zingmagazine Raquel Rabinovich on the invisible world, slowing down & mud as aesthetic” (Interview by Rachel Cole Dalamangas for Zingmagazine), NY, USA.
- 2014, Raquel Rabinovich’s Paradoxes.com, Essay by Alex Bacon, “Gateless Gates” exhibition, Y Gallery New York.
- 2014, Chronicles of Time, 2002 and 2013.com. Essays by Linda Weintraub on sculpture installations “Emergences” alongside Hudson River.
- 2014, Sculpture and Dance Collaboration, 2014.com. Video documenting sculpture and dance collaborationsRaquel Rabinovich/Julie Manna, Hudson River.
- 2013, Emergences Video, 2013.com. Documentary: stone sculpture installations along the shores of Hudson River.
- 2009, Cuenca Biennial Video, 2009.com. Documentary: exhibition sculpture installation/drawings “River Library” 10th International Cuenca Biennial, Ecuador.
- 2000, Time of the Gazing: A Glance at Raquel Rabinovich, 2000.com. Documentary of Raquel’s work, including interviews with the artist and others.
- Jesus Matheus, “Continuum”, 2008, Oil on canvas, 30 x 30 cm.
- Jesus Matheus, “Rojo/Barroco”, 2012, Oil on canvas, 46 x 46 cm.
- Jesus Matheus, “Codex”, 2011, Series: Edition 1 of 2, Woodcut on paper, 32 x 46 cm.
- Jesus Matheus, “Óxido/Barroco”, 2012, Oil on canvas, 46 x 46 cm.
- Jesus Matheus, “Estela”, 2012, Oil on canvas, 152 x 152 cm.
- Jesus Matheus, “Rose-Noir”, 2012, Oil on canvas, 152 x 147 cm.
- Jesus Matheus, “Muralito”, 2012, Oil on canvas, 46 x 183 cm.
- Jesus Matheus, “Formas Animistas”, 2014, wood and stone, 36 x 56 x 15 cm.
- Jesus Matheus, “Estela Serie”, 2013, Oil on canvas, 152 x 152 cm.
- Jesus Matheus, “Códice Suite”, 2011, Series: (Set of 5), Oil on canvas, Variable dimensions.
- Jesus Matheus, “Unus”, 2013, Acrylic and oil on canvas, 142 x 142 cm.
- Jesus Matheus, “Notebook”, 2014, Series: (Set of 4), Oil on canvas and painted wood, Variable dimensions. Private Collection, Boston, Massachusetts. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jesus Matheus, “Altarpiece”, 2014, Oil on canvas and painted wood, 185 x 216 x 10 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jesus Matheus, “Tectonic”, 2013, Oil on canvas and painted wood, 69 x 61 x 4 cm.
I am interested in a process of intermediation, in the admixture of media and the possibility of shaping their mutual resonances. What guides that process is a will to construct. Form takes root in those intermediary relations: form as the conceptual development of a tectonic sensation; form as the presentness of an object that migrates from one medium to the other. In each stage of my work, I have searched for that object, the place that cannot be framed within a medium-specific site. Detached from concrete objects, such a place is to be found between the works as a concept or idea in development. It is an ideogrammatic construction.
Traducido del inglés
Estoy interesado en un proceso de intermediación, en la mezcla de los medios y la posibilidad de transformar sus resonancias mutuas. Lo que guía este proceso es la voluntad de construir. La forma radica en esas relaciones de intermediación: la forma como el desarrollo conceptual de una sensación tectónica; la forma como el estado presente de un objeto que se desplaza de un medio a otro. En cada etapa de mi trabajo, he buscado para ese objeto el lugar que no se puede enmarcar dentro de un medio específico. Separado de objetos concretos, tal lugar se encuentra entre las obras como un concepto o idea en desarrollo. Se trata de una construcción ideogramática.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1981: Bachelors of Fine Arts, Escola de Belas Artes, Universidad Federal de Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
- 1987: Printmaking, Centro de Enseñanza Gráfica, Caracas, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- 2004: CAF Prize, Luisa Palacios XI Biennial of Miniatures, TAGA, Caracas, Venezuela.
- 1997: Honorable Mention in Graphic Arts, Colombian/Venezuelan Biennial, Mérida, Venezuela.
- 1990-1992: Grant, National Council of CultureGrant, Caracas, Venezuela.
- 1988: Honorable Mention, III Biennial, Maracaibo, Maracaibo, Venezuela.
- 1988: Honorable Mention, V Biennial of Miniature Graphics, TAGA, Caracas, Venezuela.
- 1986: Honorable Mention, Young Print Prize, Casa de las Américas, Havana, Cuba.
- 1978: Honorable Mention in Printmaking, University Salon of Fine Arts UFES, Vitoria, Brazil.
- 1977: Second Place, EBA Salon, UFRJ, Rio de Janeiro, Brazil.
Solo Exhibitions
- 2014: “The Ideogram of Place”, Cecilia de Torres, Ltd., New York, United States.
- 2012: “Jesús Matheus: New Work”, Solar Gallery, New York, United States.
- 2013: “Square Totem/recent work”, Ideobox Artspace, Miami, United States.
- 2008: “Recent Work”, Artepuy Gallery, Caracas, Venezuela.
- 2006: “Pure Form Paintings”, Solar Gallery, New york, United States.
- 2005: “Trashumantes Paintings and Drawings”, Pages Espai d’art, Barcelona, Spain.
- 2002: “Paintings”, Gomez Gallery, Baltimore, United States.
- 2002: “The Skin of the Painting”, Solar Gallery, New York, United States.
- 1999: “Nómada/Nomad Installations”, Sala Mendoza Gallery, Caracas, Venezuela.
- 1998: “Print Installations”, Museum of Americas, San Juan, Puerto Rico.
- 1997: “Casa de Signos/House of Signs: Paintings”, Leo Blasini Gallery, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2013: “Recent Works by Gallery Artists”, Cecilia de Torres, Ltd., New York, United States.
- 2013: “Time Pieces (two person show w/ Danielle Sauvé)”, gallery@ARTBLOCK, Boston, Massachusetts, United States.
- 2015: “Forms of the Journey “, WE ART GALLERY, Washington, DC, United States.
- 2010: “Variable Dimensions, (two person show)”, AIB/ Lesley University, University Hall Gallery, Cambridge, United States.
- 2013: “The Restless Square”, Artepuy Gallery, Caracas, Venezuela.
- 2012: “2D Salon”, Chandler Gallery, Cambridge, United States.
- 2012: “Línea Crítica/Desplazamientos Cromáticos”, Artepuy Gallery, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Magic Square”, Artkitec Gallery, Mérida, Venezuela.
- 2008: “Visual/Manual “, Center for Latino Arts CLA, Boston, United States.
- 2005: “Unseen paintings”, Diversity Gallery, QCC Community College, Worcester, United States.
- 2001: “Site B Works on Paper”, Open studios FPCA, Boston, United States.
- 1998: “In Situ Installations and Artist Books”, Unus Space, Caracas, Venezuela.
- 1996: “Print Installations”, Homestudio José Clemente Orozco, Guadalajara, Mexico.
- 1994: “Muro de Ofrendas/ Wall of Offerings”, Unus Space, Caracas, Venezuela.
- 1993: “Prints”, Latinoamerican Gallery, Casa de las Américas, Havana, Cuba.
- 1989: “Drawings”, VW Gallery, Caracas, Venezuela.
Publications
- John Angeline, “Review of The Ideogram of Place”, ArtNexus- Issue N 96, March-May 2015, 115-116.
- María Angelina Castillo, “La Geometría Filosofal”, Talcualdigital.com, May 15, 2013.
- Jessica Morón, “Jesús Matheus en cuatro costados”, El Universal, Caracas, Venezuela, May 14, 2013.
- Grisel Arvelaez, “Indagaciones desde el arte geométrico”, El Nacional, June 2, 2013.
- Carmen Victoria Méndez, “El cuadrado representa la libertad absoluta para Jesús Matheus”, El Nacional, May 14, 2013.
- Cate McQuaid, “Grids and ribbons”, The Boston Globe, December 17, 2013.
Collections
- Robert Blackburn Printmaking Workshop, New York, United States.
- Dana Faber Cancer Institute, Boston, United States.
- Cisneros Foundation, Caracas, Venezuela.
- Cabinet of Print and Drawing, National Gallery of Art, Caracas, Venezuela.
- Carlos Cruz-Diez Museum of Illustration and Design, Caracas, Venezuela.
- Mario Abreu Museum of Contemporary Art, Maracay, Venezuela.
- National Library, Caracas, Venezuela.
- Taller de Artistas Gráficos Asociados, Caracas, Venezuela.
- Venezuelan Corporation of Guayana, Venezuela.
- Mercantil Bank Foundation, Caracas, Venezuela.
- National Museum of Print, México City, México.
- Embassy of Venezuela, México City, México.
- Graphic Arts Institute of Oaxaca, Oaxaca, México.
- Wilfredo Lam Center, Havana, Cuba.
- Casa de las Américas, Havana, Cuba.
- René Portocarrero Silk Screen Workshop, Havana, Cuba.
- Embassy of Venezuela, Rio de Janeiro, Brazil.
- Federal University of Rio de Janeiro, School of Fine Arts, Rio de Janeiro, Brazil.
- Federal University of Espiritu Santo, Vitoria, Brazil.
- Puerto Rican Institute of Culture, San Juan, Puerto Rico.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1956-1958: Bachelor’s Degree in Architecture, Autonomous University of Mexico (UNAM), Mexico City, Mexico.
- 1960: Master’s in Architecture, Cornell University, Ithaca, New York, New York.
- 1962: Certificate in Prefabrication, Centre Scientifique et Technique du Batiment, Paris, France.
Solo Exhibitions
- 2015: “Eduardo Terrazas“, Timothy Taylor Gallery, London, United Kingdom.
- 2015: “Second Nature“, Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City, Mexico.
- 2015: “Ways od Perception“, Nils Staerk Gallery, Copenhaguen, Denmark.
2013: “The Predicament of Mankind“, Nils Staerk Gallery, Copenhaguen, Denmark.
2013: “The Predicament of Mankind“, Art Feature at Art Basel, Basel, Switzerland.
2013: “Constellations“, Almine Rech Gallery, Paris, France.
2012: “Posibilities of a Structure”, Casa Luis Barragán, Mexico City, Mexico.
2012: “1.1.4“, Proyectos Monclova, Mexico City, Mexico.
2010: “Posibilidades de una Estructura”, Museo de Arte de Sinaloa, Sinaloa, Mexico.
1987: “Everyday Museum”, OMR, Mexico City, Mexico.
1987: “Everyday Museum”, Cultural Institute of Mexico, San Antonio, United States.
1987: “Multiplications”, Mobile Oil Company, Mexico City, Mexico.
1975: “Not knowing it existed and unable to explain it”, Gallery of the Benjamin Franklin Library, Mexico City, Mexico.
1974: “Paintings and Tablas”, Tunnel Gallery, New York, United States.
1974: “Eduardo Terrazas”, Museo Nacional de Arte, La Paz, Bolivia.
1974: “Eduardo Terrazas”, Eugenio Mendoza Foundation, Caracas, Venezuela.
1974: “Tablas”, Casa de la Cultura, Maracay, Venezuela.
1973: “Eduardo Terrazas”, Museo Nacional de las Bellas Artes, Santiago, Chile.
1973: “Eduardo Terrazas”, Suzy Langlois Gallery, Paris, France.
1973: “Eduardo Terrazas”, Knoll International, Paris, France.
1972: “Tablas”, Palacio de Bellas Artes, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2014: “Platform“, Almine Rech Gallery, Paris, France.
- 2014: “Artevida”, Casa Francia Brasil, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2014: “Desafío a la estabilidad”, Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Mexico City, Mexico.
- 2013: “Sharjah Biennial 11”, Sharjah Biennial 11, Sharjah, United Arab Emirates.
- 2012: “Poule!”, Fundación/Collection Jumex, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Exposición conmemora los 40 años”, Museo de la Solidaridad, Santiago, Chile.
- 2011: “Espacio flexible”, La Quiñonera, Mexico City, Mexico.
- 2011: “México: Política y Poética”, San Francisco State University Fine Arts Gallery, San Francisco, USA.
- 2011: “Mexico and Mexico news”, San Francisco State University Fine Arts, San Francisco, USA.
- 2002: “ABCDF”, Portraits d’une Ville-Institut du Mexique à Paris, Paris, France.
- 1973: “Young artists ’73”, Union Carbide, New York City, United States of America.
- 1970: “Graphics 1 New Dimensions”, Museum of Modern Art, New York City, United States of America.
- 1968: “Word and Image: posters and typography from the graphic design collection”, Museum of Modern Art, New York City, USA.
Publications
- Eduardo Terrazas, Segunda Naturaleza (Second Nature) (Mexico City: RM + Museo de Arte Carrillo Gil (MACG).
- Eduardo Terrazas, Posibilidades de una Estructure (Possibilities of a Structure) (Mexico City: Turner).
- Editor Hossein Amirsadeghi, Contemporary Art Mexico (London: TransGlobe Publishing), 302-305.
- Cisneros Fontanals Art Foundation, Impulso, Razón, Sentido, Conflicto (Miami: Cisneros Fontanals Art Foundation), 112-113.
- Bera Nordal , Mexico – Poetry and Politics (Stockholm: Nordiska Akvarellmuseet), 66-67.
- María Minera, “Busco ir a la esencia del universo“, El País, 17/04/2015.
- Notimex, “Museo de Arte Carrillo Gil exhibirá obras de Eduardo Terrazas“, El Excelsior, 29/01/2015.
- “El MoMA Presenta “Latinoamérica en Construcción: Arquitectura De 1955 a 1980“, Artishock, 10/03/2015.
Collections
- Fundación-Colección Jumex, México City, Mexico.
- Museum of Fine Arts, Boston, United States of America.
- MUAC – Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- Museo Amparo, Puebla, Mexico.
- Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago, Chile.
- MOMA- Museum of Modern Art (architecture and design dpmt.), New York City, United States.
- Eduardo Terrazas, “14.23 Mural Jenga”, 2014-2015, From the series: Everyday Museum, Wooden blocks inked with aniline on wooden board, Overall dimensions: 250 x 886 cm. Courtesy of the artist and Proyectos Monclova. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “16.36”, 2014, Series: Constellations, Chaquira glass breads on wooden board covered with Campeche wax. 90.5 x 90.5 cm. Courtesy of the artist. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.25b”, 1974, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, India ink on paper, 46.4 x 46.4 cm, Courtesy of the artist and Proyectos Monclova. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.32”, 2013, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax. 120 x 120 cm, Private collection. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “1.1.66”, 2014, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Automotive lacquer with matte varnish on wooden board. 200 x 200 x 4.5 cm, Private collection. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.94”, 1970-1972, Series Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Wool Yarn on wooden board covered with Campeche wax, 150 x 150cm. Collection of the Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.147”, 1974-2014, Series: Possibilities of a Strucutre, Subseries: Cosmos, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax. 120 x 120 x 3.5 cm. Private collection. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “5.1”, 1971-1972, Series: Deconstruction of an Image, Automotive lacquer with matte varnish on wooden board, 252 x 200 x 5 cm. Collection of the Museo Amparo. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “1.3.11”, 1975-2015, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Diagonals, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax, 90 x 90 cm. Courtesy of the artist and Timothy Taylor Gallery. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “Crecimiento Orgánico (Organic Growth)”, 1975, Series: Organic Growth, Acrylic on canvas, Set of 16, Image Dimensions (each): 23.62 x 23.62 x .98 in, 60 x 60 x 2.5 cm. FEMSA Collection. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “1.4.11”, 1974-2015, Series: Possibilities of a Strucutre, Subserie: Grid, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax, 90 x 90 cm. Courtesy of the artist and Timothy Taylor Gallery. Photo: Agustin Estrada.
- Eduardo Terrazas, “2.52b”, 1974, Series: Tablas, Marker on paper, 37.5 x 37.5 x 3.5 cm. Courtesy of the artist and Monclova Proyectos. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “9.13”, 2010, Subserie: Universe, Acrylic on canvas, 200 x 200 x 4 cm. Courtesy of the artist Proyectos Monclova. Photos: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “0.2”, 1969, Series: 0, Acrylic on canvas, 120 x 100 x 2.5 cm. Courtesy of the artist and Proyectos Monclova. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “2.57”, 1972-2014, Series: Tablas, Wool yarn on wooden borard covered with Campeche wax. 90 x 90 x 3.5 cm. Courtesy of the artist and Nils Staerk Gallery. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.148”, 1974-2014, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax. 120 x 120 x 3.5 cm. Private Collection. Photo: Agustín Estrada.
- Jaime Davidovich, “Blue/Red/Yellow”, 1974, Three channel color video installation, silent, (Blue Tape: 00:12:12; Red Tape: 00:09:24; Yellow Tape: 00:12:13), Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Opening Square Taped Project with Frame”, 1972, Crayon, ink, graphite and tape on paper, 76.8 x 106.7 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “Not in New York Gallery”, 1972, Mixed media on paper, 55.8 x 66 cm.
- Jaime Davidovich, “Collage Tape Painting 4”, 1969, Crayon, graphite, tape and human hair on handmade paper, 61 x 87 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “Columbus Tape Project: Drawing”, 1971, Graphite, ink and tape on paper, 76.2 x 56.2 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “New York Project”, 1975, Digital video transferred from videotape, (00:11:20), Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Whitney Taped Project”, 1973, Canvas, oil, microfoam and tape on board, 66.6 x 56.5 cm.
- Jaime Davidovich, “New York Project Queens 65th Street Station”, 1975, Tape on photograph, 66.8 x 56.5 cm.
- Jaime Davidovich, “Adhesive Tape Project”, 1973, Graphite, marker and tape on two pieces of Masonite, 37.8 x 243.8 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “Tape Project: Sidewalk 1”, 1971, Gelatin silver print mounted on cardboard, 50.2 x 40.3 cm.
- Jaime Davidovich, “Tape Project”, 1972-2012, Clear adhesive tape, Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Tape Project, Yellow Tape”, 1970, Photograph and yellow adhesive tape, Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Queens Boulevard (Fake Estates)”, 1973, Collage on paper, 40.3 x 50.5 cm. Private Collection.
- Jaime Davidovich, “Tape and Canvas Project”, 1970, Canvas, oil, graphite and tape on board, 47.7 x 55.8 cm.
- Jaime Davidovich, “Project for Column”, 1972, Tape on photograph, 66.6 x 56.5 cm.
- Jaime Davidovich, “Untitled”, 1970, Oil, canvas and tape on board, 77.8 x 52.4 cm.
My taped projects are about surfaces, context and space.
I first started working with adhesive tape in 1966. Initially I used the tape to hold my paintings to the wall, but starting in 1970 I eliminated the painting and concentrated on the tapes as my primary medium. I wanted to explore the possibilities of using spaces where the viewer does not expect art to be found. This concept brought me to intervene staircases, landing platforms and outdoor walls and objects. Each work was created for a unique space. When covering a surface, the tape creates an additive grid full of amorphous patterns caused by air bubbles. When developing a tape project, sometimes paper or a photograph was the support and framework for the piece, but many times the project was able to become monumental as it seamlessly adapted to the architecture of the space. Also in 1970, I began to incorporate videotape as part of these projects. The taped projects became “Art on tape and tapes as art”.
Traducido del inglés
Mis proyectos con cinta tratan sobre superficies, contexto y espacio.
Comencé trabajando con cinta adhesiva en 1966. Inicialmente utilicé cinta para sostener mis pinturas sobre la pared, pero a partir de 1970, eliminé las pinturas y me concentré en las cintas como mi medio principal. Quería explorar las posibilidades del uso de espacios en donde el espectador no espera encontrar arte. Este concepto me llevó a intervenir escaleras, plataformas de aterrizaje, paredes exteriores y objetos. Cada obra fue creada para un espacio único. Al cubrir una superficie, la cinta crea una retícula de aditivo llena de patrones amorfos causados por burbujas de aire. Durante el desarrollo de un proyecto con cinta, a veces el papel o la fotografía era el soporte y el marco de la pieza, sin embargo, muchas de las veces, el proyecto fue capaz de convertirse en monumental al momento de adaptarse perfectamente a la arquitectura del espacio. También, en 1970, comencé a incorporar cinta de video como parte de estos proyectos. Los proyectos grabados se convirtieron en “Arte en cinta y las cintas como arte”.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1963: School of Visual Arts, New York, USA.
- 1959-1961: , University of Uruguay, Montevideo, Uruguay.
- 1954-1958: , National College of Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 1990: Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1984: Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1982: Creative Artists Public Service Program, New York State Council on the Arts, New York, USA.
- 1978: Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1975: Creative Artists Public Service Program, New York State Council on the Arts, New York, USA.
Solo Exhibitions
- 2015: “Jaime Davidovich: Adventures of the Avant-Garde“, The Bronx Museum of the Arts, New York, USA.
- 2015: “Jaime Davidovich: Tapes Period. 1969-1975”, Henrique Faria, New York, New York, USA.
- 2013: “Museum of Television Culture“, Churner and Churner, New York, USA.
- 2010: “Biting the Hand that Feeds You”, ARTIUM, Vitoria Gasteiz, Spain.
- 2008: “Dr. Videovich”, Anthology Film Archives, New York, USA.
- 2004: “Jaime Davidovich Video Works 1970-2000”, The Phatory Gallery, New York, USA.
- 1991: “Forces/Farces”, Exit Art, New York, USA.
- 1989: “The Live! Show Retrospective”, The Museum of the Moving Image, New York, United States.
- 1978: “Jaime Davidovich: Art Turns on Television”, Coroborree, Iowa City, United States.
- 1976: “Baseboard”, The Kitchen, New York, USA.
- 1976: “Jame Davidovich Video VII”, Museum of Modern Art, New York, USA.
Group Exhibitions
- 2010: “Changing Channels”, MUMOK, Vienna, Austria.
- 2009: “Compass in Hand”, Museum of Modern Art, New York, United States.
- 2009: “From the Archives: 40 Years, 40 Projects”, White Columns, New York, United States.
- 2008: “Arte no es Vida”, El Museo del Barrio, New York, United States.
- 2007: “Primera Generación. Arte e imagen en movimiento”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain.
- 2000: “The End: An 18-Year History of Exit Art”, Exit Art, New York, United States.
- 1990: “Ideas and Images from Argentina”, The Bronx Museum of the Arts, New York, USA.
- 1986: “Television’s Impact on Contemporary Art”, Queens Museum, New York, USA.
- 1977: “Art of the Seventies”, Fundació Joan Miró, Barcelona, Spain.
- 1972: “Arte de Sistemas”, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
- 1971: “Experiments in Art and Technology”, B.K. Smith Gallery, Painesville, USA.
Publications
- Thomas Riggs, St. James Guide to Hispanic Artists (New York: St. James Press).
- Marc H. Miller, Television’s Impact on Contemporary Art (New York: Queens Museum).
- Les Krantz, American Artists – An Illustrated Survey of Leading Contemporary Americans (Chicago: The Krantz Company Publishers, Inc.)
- Holland Cotter, “10 Galleries to Visit on the Upper East Side“, The New York Times, April 16, 2015, C33.
- Jacob Proctor, “Jaime Davidovich at Threewalls”, ArtForum, April 2015, 255.
- Joseph Jacobs, “When Video Was Young”, Art in America, 2007, .
- Lower Manhattan Cultural Council, “Site Matters”, Distributed Art Publishers, 2004, .
- Herman Rapaport, “Jaime Davidovich – A Video Promenade – Jorge Luis Borges Interview with Davidovich While Walking on University Place from 12th to 11th Streets, New York, 1982”, Points of Contact, Fall 1995, 16-21.
- Carolyn Kinder Karr, “Jaime Davidovich”, ArtForum, February 1974, 61-62.
Collections
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain.
- Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona, Spain.
- Clarisa and Edgar J. Bronfman, New York, USA.
- Private Collection, New York, USA.
Links
May 4, 2015 Ivelisse Jiménez https://abstractioninaction.com/artists/ivelisse-jimenez/- ivelisse jimenez, “description without place.2”, 2006, Series: description without place, Painting on canvas, collage of plastic and plexiglass partially covered by a screen of mylar. What is behind can be seen from the sides. The frontal view offers a blurred perspective. , Variable dimensions.
- ivelisse jimenez, “Ten con Ten 21”, 2003, Series: Ten con Ten, painting on canvas, collage of plastic and plexiglass partially covered by a screen of mylar. What is behind can be seen from the sides. The frontal view offers a blurred perspective. Variable dimensions.
- ivelisse jimenez, “goes without saying”, 2014, modules of painting on canvas, collage of plastic and plexiglass partially covered by screens of mylar. What is behind can be seen from the sides. The frontal view offers a blurred perspective, Variable dimensions.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1997-1999: Master of Fine Arts, New York University, New York, USA.
Prizes / Fellowships
- 2012: Arte Laguna first prize in painting, Arte Laguna , Venice, Italy.
- 2009: Joan Mitchell Award for painters and scul, Joan Mitchell, New York, US.
Links
January 28, 2015 Cipriano Martínez https://abstractioninaction.com/artists/cipriano-martinez/- Cipriano Martínez, “Alopecia”, 2009, Silkscreen on paper, 100 cm x 66 cm.
- Cipriano Martínez, “Ordenamiento VII”, 2005, Series: Situación Naranja, Intervention on reflective fabric, 128 x 115 cm.
- Cipriano Martínez, “Ejercicio para preservar la memoria”, 2005, Oil on canvas, Variable dimensions.
- Cipriano Martínez, “Dislocación YCM02”, 2009, Silkscreen on paper, 65.5 x 50.5 cm.
- Cipriano Martínez, “Permutación CYM”, 2008, Lythographic print on paper, 360 x 480 cm. Site-specific project. Location: Sala Mendoza, Caracas, Venezuela. Photo credit: Centro Documental de la Sala Mendoza.
- Cipriano Martínez, “Permutación CYM”, 2009, Silkscreen on paper, 72 x 72 cm.
- Cipriano Martínez, “Pabellón Norte”, 2010, Series: Pantallas, Oil on canvas, 100 x 180 cm. Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.
- Cipriano Martínez, “Brillante”, 2011, Oil on canvas, 150 x 150 cm.
- Cipriano Martínez, “Facade”, 2012, Oil on canvas, 170 x 280 cm.
- Cipriano Martínez, “Blueprint”, 2012, Series: Orthodrome, Oil on canvas, 150 x 140 cm.
- Cipriano Martínez, “Colour Testing”, 2012, Oil on canvas, 40 x 30 cm.
- Cipriano Martínez, “Cammouflage”, 2012, Oil on canvas, 60 x 50 cm.
- Cipriano Martínez, “Torres del Silencio”, 2007, Oil on canvas, 50 x 40 cm.
- Cipriano Martínez, “Untitled”, 2012, Series: Orthodrome, Oil on canvas, 180 x 120 cm.
- Cipriano Martínez, “Untitled”, 2012, Oil on canvas, 60 x 50 cm.
- Cipriano Martínez, “Untitled”, 2011, Series: Screen, Oil on canvas, 180 x 140 cm.
- Cipriano Martínez, “Untitled”, 2014, Series: Residual, Silkscreen on paper mounted on canvas, 100 x 140 cm.
- Cipriano Martínez, “Spill”, 2012, Oil on canvas, 144 x 110 cm.
The rain of this valley
drags everything, slowly, toward its entrance,
it does not have another slope.
ITACA. For a homage to Konstantinos
Kavafis. Eugenio Montejo.
Caracas, the place where I was born, is a city full of contrasts that grew exponentially in just half a century as a result of the oil boom. It is a place where memory is constantly blurred, and where another city grows from within. It is precisely this mutant character, this kind of patchwork, what makes it both complex and fascinating.
Serial repetitions, dislocated structures, changes in the scale of representation, frontal and aerial views, and obsessive patterns constitute the strategy that I use to approach a notion of chaos, or perhaps a desired order suitable of a city that appears in my paintings as a vestige.
In recent years, my oil paintings have become increasingly informed by my parallel interest in printmaking. These investigations of the printing process have lent my work a mathematical precision that I believe enforces the underlying themes of the work.
In the exhibition catalogue for Destructive Testing (Maddox Arts, 2012) Patricia Velasco writes “It is the changing geography and accidental architecture of the city which captures the artist’s interest, the misshapen and vague cartography, the metamorphosis of architecture in a state of constant transformation, the variety and, from a temporal viewpoint, the unstable nature of the layout and tissue on which the modern city is built.”
La lluvia de este valle,
todo lo arrastra, despacio, hasta sus puertas,
no tiene otro declive.
ITACA. Para un homenaje a Konstantinos
Kavafis. Eugenio Montejo.
Caracas, el lugar donde nací, es una ciudad llena de contrastes que creció exponencialmente en cuestión de medio siglo, como resultado del boom petrolero. Es un lugar donde la memoria se borra constantemente, y donde otra ciudad crece desde adentro. Es precisamente este carácter mutante, esa especie de patchwork lo que la hace compleja y fascinante a la vez.
Repeticiones seriales, estructuras dislocadas, cambios en la escala de representación, visiones frontal y cenital, ausencia de gesto, patrones obsesivos, forman parte de la estrategia que empleo para aproximarme a la noción de caos, o a un orden quizá deseado propio de una ciudad que aparece en mi pintura a modo de vestigio.
En los últimos años mis pinturas–óleo sobre tela–han recibido una influencia cada vez mayor de mi interés paralelo en las artes gráficas . Estas investigaciones en el proceso de impresión han ofrecido a mi trabajo una precisión que refuerza los temas fundamentales de la obra.
En la presentación del catálogo de la muestra Destructive Testing (Maddox Arts, 2012) Patricia Velasco escribe “Le interesa al artista la geografía cambiante y accidental de la ciudad, la cartografía mutante e imprecisa, la arquitectura que se metamorfosea y que está en constante transformación, la variabilidad y el carácter inestable desde el punto de vista temporal de los trazos y tejidos sobre los cuales se edifica la urbe moderna”
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1998-2000: Master in Art, Chelsea College of Arts & Design, London, United Kingdom.
- 1991-1996: Licenciado en Artes Plásticas, Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón, Caracas, Venezuela.
- 1983-1989: Ingeniero Civil, Universidad Central de Venezuela, Caracas, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- 2003: Mención Especial del Jurado “XI Premio Mendoza” , Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1998: Beca “Fundación Gran Mariscal de Ayacucho”, Caracas, Venezuela, Fundación Gran Mariscal de Ayacucho, Caracas, Venezuela.
- 1998: Distinción Especial “II Bienal Nacional del Paisaje”, Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu, Maracay, Venezuela.
Solo Exhibitions
- 2015: “Failed Geometry”, Viloria Blanco Gallery, Miami, USA.
- 2012: “Destructive Testing”, Maddox Arts, London, United Kingdom.
- 2010: “Serial Reconstructions”, South Hill Park, Bracknell, United Kingdom.
- 2009: “Caracas Espectral”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2006: “El Orden desde Adentro”, Pages Espai d’Art, Barcelona, Spain.
- 1999: Galería Luis Adelantado, Valencia, Spain.
Group Exhibitions
- 2014: “Gráfica Mercantil. Indagación y Seguimiento”, Espacios Mercantil, Caracas, Venezuela.
- 2014: “Punto de Quiebre. 16 Ensayos Latinoamericanos”, Beatriz Gil Galería, Caracas, Venezuela.
- 2014: “Degrees of Separation”, Maddox Arts, London, United Kingdom.
- 2013: “Zonas en Relación”, La Caja. Fundación Cultural Chacao, Caracas, Venezuela.
- 2013: “Nuevas Adquisiciones y Donaciones”, Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.
- 2013: “Multiplied 2013”, Christie’s, London, United Kingdom.
- 2013: “Obra en Papel”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2013: “Solo Project. Colour Testing”, Pinta Art Fair, London, United Kingdom.
- 2011: “Once Tipos del 11”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Jungle City”, Fringe Festival, Edinburgh, United Kingdom.
- 2010: “Bottletop”, Phillips de Pury & Company, London, United Kingdom.
- 2010: “Abstract”, Maddox Arts, London, United Kingdom.
- 2010: “International Collective Show”, Christopher Paschall S. XXI, Bogotá, .
- 2010: “Desplazados”, Artepuy, Caracas, Venezuela.
- 2008: “Escala Mural”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2007: “Mapping the Necklace”, Baltic Square, Newcastle, United Kingdom.
- 2006: “Subasta de Arte Latinoamericano”, Fernando Durán, Madrid, Spain.
- 2005: “Torres de Caracas: Modernidad Silenciada”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2004: “Futuribles”, ARCO, Madrid, Spain.
- 2003: “XI Edición Premio Mendoza”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2002: “60 Salón Arturo Michelena”, , Valencia, Venezuela.
- 2002: “De Colección”, CELARG, Caracas, Venezuela.
- 2000: “Jóvenes con FIA”, Ateneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 1999: “Vestigios de Materia”, Galería Corporación Andina de Fomento, Caracas, Venezuela.
- 1999: “Artistas para el Tíbet Libre”, Fundación Lázaro Galdiano, Madrid, Spain.
- 1998: “Cosecha 98”, Galería de Arte Centro Li, Caracas, Venezuela.
- 1998: “II Bienal Nacional del Paisaje”, Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu, Maracay, Venezuela.
- 1997: “V Bienal de Artes Visuales Christian Dior”, Centro Cultural Consolidado, Caracas, Venezuela.
- 1997: “Caballo de Troya”, Museo del Oeste Jacobo Borges, Caracas, Venezuela.
- 1995: “II Salón Pirelli”, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 1994: “VII Bienal de Dibujo de Caracas”, Museo de Artes Visuales Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
Publications
- Herald Jackie, Experimental Pattern Sourcebook (Massachusetts: Rockport Publishers).
- Ramos, María Elena, El Avila en la mirada de todos. (Caracas: Playco Editores).
- Dubraska Falcón, “Caracas inspira pasiones de arte”, El Universal, September 2009.
- Andrés Isaac Santana, “Soñando el mapa”, ArtNexus No.60 Vol.5, 2006.
Collections
- Fundación Banco Mercantil, Caracas, Venezuela.
- Colección Banesco, Caracas, Venezuela.
- Mark Rothko Foundation, Daugavpils, Latvia.
- Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.
- Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- Kenji Nakama, “Planestática”, 2006, Series: Serie de 4 fotos, Still shot of TV monitor, 40 x 50 cm.
- Kenji Nakama, “Nueva Naturaleza”, 2007, Series: Serie de 6 fotos, Still shot of TV monitor, 40 x 50 cm.
- Kenji Nakama, “Monet”, 2006, Series: Nueva Naturaleza, Oil on MDF, 10.8 x 48 x .5 cm.
- Kenji Nakama, “03”, 2009, Series: Pangea, Oil on canvas, 180 x 300 cm.
- Kenji Nakama, “Montaña”, 2010, Collage with TV guides, 130 x 150 cm.
- Kenji Nakama, “Corte transversal del fragmento de una montaña”, 2010, Collage with TV guides, 130 x 150 cm.
- Kenji Nakama, “Sin título”, 2011, Series: Mutación y Desborde, Collage with bond paper, 103 x 73 x 20 cm.
- Kenji Nakama, “Sin título”, 2011, Series: Mutación y Desborde, Collage with newspapers, 80 x 80 x 73 cm.
- Kenji Nakama, “Sin título”, 2011, Series: Mutación y Desborde, Collage with magazines, 25 x 33 cm.
- Kenji Nakama, “Sin título”, 2011, Series: Mutación y Desborde, Collage with magazines and wood bookcase, 200 x 150 x 90 cm.
- Kenji Nakama, “Sin título”, 2011, Series: Mutación y Desborde, Collage with magazines, books, encyclopedias, etc, Variable dimensions.
- Kenji Nakama, “Jardín”, 2011, Series: Jardín, Collage with bond paper, Variable dimensions.
- Kenji Nakama, “25 perspectivas del mundo”, 2012, Series: 25 perspectivas, Collage with 25 geopolitical maps cut in squares and glued into one, 41 x 69 cm.
- Kenji Nakama, “Estudio N4”, 2013, Series: Estudios del Pliegue, Collage with bond paper, 130 x 100 cm.
- Kenji Nakama, “Estudio N9”, 2013, Series: Estudios del Pliegue, Collage with bond paper, 130 x 100 cm.
Selected Biographical Information
Education
- 1999-2006: Bachiller, Facultad de Artes – PUCP, Lima, Perú.
Prizes / Fellowships
- 2011-2012: Residencia , Cité Internationale des Arts , Paris, Francia.
- 2010: XIII Concurso de artes visuales ‘Pasaporte Para un Artista’ (primer puesto), Embajada de Francia en el Perú, Lima, Perú.
- 2011: III Concurso de Pintura del BCR, Banco Central de la Reserva del Perú, Lima , Perú.
- 2007: II Concurso de Artistas Jóvenes de Lima Metropolitana, Municipalidad de Lima, Lima, Perú.
- 2006: Premio de la Crítica a la especialidad de pintura, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Perú.
- 2006: Premio Winternitz para sexto año de pIntura, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Perú.
Solo Exhibitions
- 2013: “Estudios del Pliegue“, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú.
- 2011: “Jardín“, Galería L’Imaginaire – Alianza Francesa de Miraflores, Lima, Perú.
- 2011: “Mutación y Desborde“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.
- 2009: “Pangea“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.
Group Exhibitions
- 2013: “Primera Década-Arte joven en Lima a inicios del nuevo siglo”, ICPNA de Miraflores, Lima , Perú.
- 2012: “Terra Incognita”, Centro Cultural de España, Lima, Perú.
- 2012: “Realidad Suprimida”, Centro Cultural Ricardo Palma, Lima , Perú.
- 2007: “La prolongación del espacio”, Galería 80m2, Lima, Perú.
- Andrea Canepa, “A second chance to rephrase the question”, 2013, Wool on canvas, digital print, glass, wooden shelfs, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Wu Galería, Lima, Peru. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Paisaje con cabaña “, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 27 x 37 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Paisaje con molino”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 30 x 24,7 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Arreglo de flores en cesto”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 25 x 25 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Caballo y potro con arbol”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 24,5 x 18 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Campesina”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 40,5 x 18,5 x 4 cm. Private collection. Photo credit: Edi Hirose.
- Andrea Canepa, “Plaza con monumento”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 26 x 19,5 x 4 cm. Sammlung Goetz. Photo credit: Edi Hirose.
- Andrea Canepa, “Green Piece(s)”, 2013, Cardboard puzzle assembled from 8 different puzzles, 50 x 70 cm. Private collection, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Blue Piece(s)”, 2013, Cardboard puzzle assembled from 8 different puzzles, 50 x 70 cm. Private collection, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Lineas de desplazamiento”, 2014, Tempera and ink on paper, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Volta Art Fair, Basel, Switzerland. Photo credit: Nicholas Winter.
- Andrea Canepa, “Unir los puntos”, 2014, Series: Lineas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 98 x 149 cm. Private collection, London. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Círculo Cromático”, 2014, Series: Lineas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 90 x 90 cm. Private collection, London. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Línea de tiempo”, 2014, Series: Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 25 x 430 cm. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Líneas 5”, 2014, Series: Líneas por número / Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 21 x 27,5 cm. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Líneas 10”, 2014, Series: Líneas por número / Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 21 x 27,5 cm. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
Translated from Spanish
In recent years, I have focused on the modern tendency of trying to simplify the complexity of the world with the aim to control that which escapes the limits of our understanding.
We tend to categorize, organize, and administer reality as if it was a set of and independent phenomena, creating a system that we take as natural.
My work stems from the alteration of the order in which information is presented. In some cases this modification uncovers some meanings that used to remain hidden under the imposition of a logic that assumes itself as the “correct one.” In others, by schematizing the information previously schematized, both synthesis systems cancel each other out and return mere forms and colors lacking any functionality.
Through my work, I hope to make evident that the regularity of the world obeys a set of rules that as such, they could have been different. In other words. I hope to point out that all logic of functionality, whatever it is, could be different and thus not necessary in itself.
En los últimos años, me he enfocado en la tendencia moderna a intentar simplificar la complejidad del mundo con miras a controlar aquello que escapa los límites de nuestro entendimiento.
Tendemos a categorizar, organizar y administrar la realidad como si se tratase de un conjunto de fenómenos aislados e independientes, creando un sistema que tomamos como natural.
Mi trabajo parte de la alteración del orden en el que la información es presentada. En algunos casos esta modificación libera ciertos significados que permanecían ocultos bajo la imposición de una lógica que se asume como “la correcta”. En otros, al esquematizar la información previamente esquematizada, ambos sistemas de síntesis se anulan entre sí, devolviéndonos meras formas y colores desprovistos de cualquier sentido funcional.
A través de mi obra, pretendo dar cuenta de que la regularidad del mundo obedece a un conjunto de reglas que, como tales, podrían haber sido distintas. En otras palabras, intento señalar que toda lógica de funcionamiento, sea como sea, podría ser diferente y, por lo tanto, no es necesaria en sí misma.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2007-2008: Master en Artes Visuales y Multimedia, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2004-2006: Licenciatura en Bellas Artes, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2000-2003: Facultad De Arte, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Peru.
- 1998-1999: Estudios Generales Letras, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Peru.
Prizes / Fellowships
- 2014: Premio Miquel Casablancas, Sant Andreu Contemporani, Barcelona, Spain.
- 2014: Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, Comunidad de Madrid, Madrid, Spain.
- 2013: Premio Generaciones, Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
- 2013: Beca Endesa para Artes Plásticas, Fundación Endesa, Teruel, Spain.
- 2012: Pasaporte para un artista (segundo puesto), Alianza Francesa y Embajada de Francia en el Perú, Lima, Peru.
- 2011: Beca de Formación Pilar Juncosa i Sotheby’s, Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca, Spain.
- 2010: Premio Swab de Dibujo, Feria de Arte Contemporáneo Swab, Barcelona, Spain.
- 2008: Certamen Jóvenes Creadores, Ayuntamiento de Madrid, Madrid, Spain.
- 2006: Valencia Crea, Ayuntamiento de Valencia, Valencia, Spain.
Solo Exhibitions
- 2013: “Ejercicios de Localización”, Galeria L’ Imaginaire, Alianza Francesa, Lima, Peru.
- 2013: “Ejercicios de Localización“, Galería Rosa Santos, Valencia, Spain.
- 2013: “Ornamento y Sistema“, Wu Galería, Lima, Peru.
- 2011: “The Fragile Assembly of Everyday Life”, LAB. Laboratorio de Arte Joven, Murcia, Spain.
- 2009: “El Revés de lo Doméstico”, Galería Rosa Santos, Valencia, Spain.
Group Exhibitions
- 2014: “Generación 2014, Proyectos de arte Caja Madrid”, La Casa Encendida, Madrid, Spain.
- 2013: “As Everything Moves“, Node Center, Berlin, Germany.
- 2013: “Expedición Amazonas”, Galería Pancho Fierro, Lima , Peru.
- 2012: “La tiranía de la intimidad”, Centro Cultural de España, Lima, Peru.
- 2009: “Dibujo: Nuevas Propuestas”, Galería 80m2, Lima, Peru.
Collections
- CA2M: Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid, Spain.
- Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
- IVAM, Instituto Valenciano de arte Moderno, Valencia, Spain.
- Colección DKV Arte y Salud, Valencia, Spain.
- Sammlung Goetz, Munich, Germany.
- Cristina Ghetti, “Vibrancy and joy”, 2014, Acrylic on canvas, 180 x 180 x 4 cm. MACBA museum Bs As
- Cristina Ghetti, “rojo”, 2014, Series: shaped, Acrylic on wood, 40 x 70 x 2 cm. Private collection.
- istina Ghetti, “Colour thinking composition”, 2013, Acrylic on canvas, 150 x 150 x 4 cm. Private collection.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2010, Series: Mareas series, Acrylic on canvas, 150 x 150 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2010, Series: Mareas, Acrylic on canvas, 180 x 180 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2010, Series: Mareas, Acrylic on canvas, 120 x 120 x 4 cm. Polythecnic university valencia.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2012, Series: shaped, Acrylic on wood, 100 x 50 x 2 cm. Private collection.
- Cristina Ghetti, “Double wave”, 2013, Acrylic on canvas, 120 x 120 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “double wave”, 2014, Series: shaped, Acrylic on wood, 60 x 160 x 2 cm.
- Cristina Ghetti, “Mareas (detail)”, 2013, Series: shaped, acrylic on wood, 60 x 100 x 2 cm.
- Cristina Ghetti, “round mirror”, 2014, acrylic, wood and print, 100 x 100 x 15 cm.
- Cristina Ghetti, “Folding”, 2014, Series: Folding patterns, CGI, Variable dimensions.
- Cristina Ghetti, “Folding”, 2014, Series: folding patterns, audio visual instalation, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Visual arts Faculty, Fem Code festival, Valencia, Spain.
- Cristina Ghetti, “Blinky”, 2012, Acrylic on canvas, 180 x 180 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “Double wave”, 2014, Series: shaped, Acrylic on wood, 50 x 100 x 2 cm.
- Cristina Ghetti, “ZIG PAINTING M14Ar”, 2014, Series: mareas, Acrylic, 60 x 160 x 2 cm. Private Collection.
I work with geometric abstraction, the goal of my work is both the interest in the re-contextualization of the foundational ideas of Abstraction, incorporating contaminations and re-appropriations, mostly of works of the 60’s.
I’m interested in points from concrete art, constructivism, kinetic and op art, permitting free transits and reconnections between forms and ideas belonging to different periods, traditions and categories in my own work.
Most of my work is a study in progress about perception, or better the boundaries between perception and reality, and art practice is an interesting field to study this condition.
I’m now centralized in the use of digital tools to materialize art pieces of different formats, I’m focused to an evolution of abstract ad kinetic art, with special mention of Op art. Interrelating: geometry, color, movement and sound, using the languages developed in the conceptual territory of abstraction, in the context of new technologies and new ways of producing/diffusing the art work. My production had been mostly centered in painting and installation, but recently I began to incorporate new media in my work believing that it can emphasize concepts as immersive spaces, synesthesia, interactivity and participation, analyzing how these characteristics can enrich the conceptual dimensions of the art work.
I’m interested also in using programming from a visual and creative perspective exploring the results in art pieces. My paintings are generated first in the computer, then translated to traditional painting, I like to mix and play with media crossings. As an artist, I’m interested in the connection with other fields, I’m working in team projects with infomaticians and mathematicians.
I have a Master of visual arts and multimedia at the UPV, Polytechnic University Valencia, Spain, and I actually develop my doctoral thesis “Post Medial Geometry,” where I make a research about the development of new geometries in visual arts.
Traducido del inglés
Trabajo con abstracción geométrica. El objetivo de mi trabajo es el interés en la recontextualización de las ideas fundacionales del abstraccionismo, incorporando contaminaciones y reapropiaciones, en su mayoría obras de la década de los sesenta.
Me interesan puntos del arte concreto, constructivismo, cinetismo y arte Op que permitan libre tránsito y reconexiones entre ideas y formas pertenecientes a diferentes periodos, tradiciones y categorías en mi propia obra.
La mayoría de mi obra es un estudio en proceso sobre la percepción o mejor dicho, los límites entre la percepción y la realidad y la práctica artística es un campo interesante para estudiar esta condición.
Hoy en día me centro en el uso de herramientas digitales para materializar obras en distintos formatos. Me enfoco en la evolución del arte abstracto y cinético con una mención especial al arte Op, interrelacionando geometría, color, movimiento y sonido, usando los lenguajes desarrollados en el territorio conceptual de la abstracción, en el contexto de nuevas tecnologías y nuevas formas de producir y difundir la obra. Mi producción se centraliza en pintura e instalación, pero recientemente comencé a incorporar nuevos medios en mi obra, puesto que creo que puede enfatizar conceptos tales como espacios inmersivos, sinestesia, interactividad y participación analizando cómo éstas características pueden enriquecer las dimensiones conceptuales de la obra.
Me interesa también utilizar programación desde una perspectiva visual y creativa explorando los resultados en las obras. Mis pinturas son primero generadas en la computadora, luego traducidos a pintura tradicional, puesto que me gusta mezclar y jugar con los cruces de medios. Como artista, me interesa la conexión con otros campos y trabajo en proyectos de equipo con especialistas de informática y matemáticos.
Tengo una maestría en artes visuales y multimedios de la Universidad Politécnica de Valencia, España y actualmente me encuentro desarrollando mi tesis doctoral “Geometría post-medios” en la que investigo la evolución de nuevas geometrías en las artes visuales.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2012: Doctoral thesis in course, UPV Polythecnic university valencia, Valencia, Spain.
- 2008-2010: Master in visual arts and multimedia, UPV Polythecnic university valencia, Valencia, Spain.
Prizes / Fellowships
- 2014: Beca Ifitry 2014, Ifitry, residence international d’artistes http://www.ifitry.ma/, Essaouira, Morocco.
- 2010: Beca de producción de la fundación arte y derecho 2010, para desarrollo de proyectos, Fundacion arte y derecho, Madrid, Spain.
- 2003: Primer premio Bienal de Pintura I Pinazo, Ayuntamiento de Godella, Valencia, Spain.
- 1996: Beca de residencia en la Cité Internationale des Arts, Mozarteum Argentino, Paris, France.
- 1995: Beca a la creación artística, FNA Fondo nacional de las artes, Buenos Aires, : Argentina.
- 1993: Premio Fundación nuevo mundo a la nueva pintura argentina, Fundación nuevo mundo, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2015: “recent works”, 100 Kubik gallery, Köln, Germany.
- 2014: “colour thinking compositions“, Galleria GUM, Miami, Fl, USA.
- 2014: “Vibrancy and joy, recent works“, Galleria GUM, Miami, USA.
- 2013: “Dynamic land, recent works“, Imaginart Gallery, Barcelona, Spain.
- 2013: “recent works“, Fundación Caixa Vinarós, Vinaros, Spain.
- 2012: “Cristina Ghetti”, GC Arte, Buenos aires, Argentina.
- 2010: “recent works“, Punto Gallery, Valencia, Spain.
- 2009: “Cristina Ghetti, mareas”, Sala Coll Allas, Gandia, Spain.
Group Exhibitions
- 2015: “Flatpack art”, La aurora, Sao Paolo, Brazil.
- 2015: “group show”, Islingtonmil art space, Manchester, England.
- 2014: “Biennale de casablanca“, Ancien cathedral, Casablanca, Casablanca, Morocco
- 2014: “a global exchange, geometric abstraction since 1950“, Frost museum of art, Miami, Fl, USA.
- 2014: “flatpack art “, Kalpany art sapce, Milano, Italy.
- 2014: “Femcode“, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2013: “Op & Cinetic Art Then and Now, de Victor Vasarely, Carlos Cruz-Díez, Julio Le Parc, Eusebio Sempere, José María Yturralde, Eon Seon Kim y Cristina Ghetti”, Punto Gallery, Valencia, Spain.
- 2013: “Un Fold“, sala La Metro, Valencia, Spain.
- 2013: “Fem Code Festival Miradas de mujeres“, UPV, Facultad de BBAA de sant carles, Valencia, Spain.
- 2013: “FRAME research 2013“, Museu Soares dos Reis, Porto, Portugal.
- 2013: “ExUrban Screens“, Public spaces in Melbourne city, Melbourne, Australia.
- 2013: “Swapping the shifts”, freiraum art gallery, Berlin, Germany.
- 2013: “Wege Ums Kino“, Spanish embassy in Berlin, Berlin, Germany.
- 2012: “un_fold”, Fondazione Barriera, Torino, Italy.
- 2012: “Overlapping memories”, Space Gallery, Pittsburgh, USA.
- 2010: “Artistainvitartista”, Spazio Museale di Pallazzo Tornielli, Ameno, Italy.
- 1995: “Mesotica, the amercia non representativa”, Museo de arte y diseño contemporaneo, San Jose, Costa Rica.
Publications
- ANALYZING ART,CULTURE AND DESIGN IN THE DGITAL AGE” (IJACDT), chapter “abstraction in motion”.
- “Discursos en transito” (Valencia: UPV).
Collections
- MACBA Museo de arte contemporáneo de buenos aires, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Nacional de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- Universidad politécnica de valencia, Valencia, Spain.
- Fundación Max Aub, Segorbe, Spain.
- Parque escultórico del rincón de Ademuz, Ademuz, Spain.
- Museo Municipal de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
Links
- Postmedial geometry
- Folding, A Study about Perception
- R3sist3ncias
- Cristina Ghetti in youtube
- Artista Cristina Guetti
Through my work I have shown a proclivity to failure or the decaying associated to the Mexican urban landscape, aspects of modernist culture and traces of art history. My practice has explored the urban ruin – including paintings and photographs of halted projects along Mexico’s highways (Highway Follies); abandoned billboards that become theatre-like backdrops therefore theatricalizing failed capitalist strategies (Espectaculares), or the problems and contradictions that arise when engaging with iconic art works (No A trío A or Cuadrado Negro).
Traducido del inglés
A través de mi obra he mostrado una proclividad al fracaso o a la decadencia asociada al paisaje urbano de México, aspectos de la cultura modernista y las huellas de la historia del arte. Mi práctica ha explorado la ruina urbana, incluyendo pinturas y fotografías de proyectos inconclusos a lo largo de las carreteras de México (Highway Follies), espectaculares abandonados que se convierten en telones de fondo teatrales, por tanto teatralizando estrategias capitalistas fracasadas (Espectaculares) o los problemas y contradicciones que surgen al abordar obras de arte icónicas (No A trío A or Cuadrado Negro).
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2006-2008: Master of Fine Arts, The Slade School of Fine Art, London, United Kingdom.
- 1999-2003: Bachelor of Fine Arts, Rhode Island School of Design, Providence, R.I., USA.
Solo Exhibitions
- 2014: “Entrecortinas: abre, jala, corre“, Galería OMR, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Espectacular Telón“, Sultana Gallery, Paris, France.
- 2013: “Cuadrado Negro, part of the program Mutatis Mutandis in Artium“, Basque museum-center of contemporary art, Vitoria, Spain.
- 2010: “Lost In You (A Performance That Never Happened)”, Open studio performance, Mexico City, Mexico.
- 2009: “El Resplandor”, El 52 Gallery (project space and residence program ran by OMR Gallery), Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Draft Urbanism”, Biennial of the Americas, Denver, Colorado, USA.
- 2013: “No A Trio A”, La Casa Encendida, Madrid, Spain.
- 2013: “Horizontal”, La Central Gallery, Bogota, Colombia.
- 2012: “Popo de Paris“, Sultana Gallery, Paris, France.
- 2011: “El Grito“, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), Leon, Spain.
- 2011: “Mañana”, Proyectos Ultravioleta, Guatemala, Guatemala.
- 2010: “Sin techo está pelón, colección Jumex”, Universidad de Guanajuato, Guanajuato, Mexico.
- 2010: “El Resplandor”, Museo Experimental el Eco, Mexico City, Mexico.
- 2009: “There are false problems…”, Proyectos Monclova, Monterrey, Mexico.
- 2009: “Residencia de El Resplandor “, OMR Projects, Mexico City, Mexico.
- 2009: “[sic]”, OMR Gallery, Mexico city, Mexico.
- 2009: “This is not an invitation, it’s a presentation”, OMR projects, Mexico City, Mexico.
- 2008: “Lanzarote”, Keith Talent Gallery, London, United Kingdom.
- 2008: “Croyances Quotidiennes”, Palais Université Robert Schuman, Strasbourg, France.
- 2007: “Eventos Sociales”, Galería de Arte Mexicano, Mexico City, Mexico.
Collections
- La Colección Jumex, Mexico City, Mexico.
- Patricia Phelps de Cisneros, New York City, USA.
- Kadist Art Foundation, San Francisco, USA.
- Pia Camil, “Espectacular Telón Toluca I-VI”, 2014, Hand dyed and stitched canvas, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Galería OMR, Mexico City, Mexico. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Espectacular Telón Ecatepec II”, 2014, Hand dyed and stitched canvas, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Galería OMR, Mexico City, Mexico. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Espectacular Telón Pachuca I, and Fragmento 8 I”, 2014, Hand dyed and stitched canvas, and low temperature ceramic with enamel, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Galería OMR, Mexico City, Mexico. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Fragmento 8 I”, 2014, Low temperature ceramic with enamel, 82.5 x 42.5 x 16.9 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Espectacular Telón”, 2013, Hand dyed and stitched canvas, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Sultana, Paris, France. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Espectacular Telón”, 2013, Hand dyed and stitched canvas, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Sultana, Paris, France. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Cuadrado Negro”, 2013, Metal beams and construction mesh, 800 x 800 x 800 cm. Site-specific project. Location: Basque museum-center of contemporary art, Vitoria, Spain. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Cuadrado Negro”, 2013, Metal beams and construction mesh, 800 x 800 x 800 cm. Site-specific project. Location: Basque museum-center of contemporary art, Vitoria, Spain. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “No A Trio A”, 2013, The installation was made for La Casa Encendida, Madrid, with artist Guillermo Mora and the suit was designed in collaboration with Uriel Urban. , Variable dimensions. Site-specific project. Location: La Casa Encendida, Madrid, Spain. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Tlatelolco: Shot from a balcony”, 2011, still from Video Floor Projection, (00:06:09), Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Maqueta para el monumento”, 2011, Engraved black marble on wooden base, 27 x 75 x 15 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Highway Follies”, 2011, Resin and mineral powdered pigment, 150 x 200 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Highway Follies (study I)”, 2011, Inkjet Print, 35 x 45 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “More or less Frank Stella”, 2009, Wooden planks painted and treated, floor mounted, 270 x 310 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Diagonal Hoarding”, 2008, Painted wooden lengths, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Statement 5 of 12 (“Formalist”)
“My work aims to point out a fissure (or a void, or a distance) between the support—a page, a sheet of paper, a wall—and its content—a mark, two words, several stains, a color. From this viewpoint, the work seems like a snake that bites its own tail. If content affects the support, the latter returns to affect the content. As a general rule, the interventions on the support are always minimal—hard pencils that leave very delicate and almost invisible lines, very light papers, very thin layers of paint. In this sense, the “page” determines what can happen in it. It can be for example the contrast between the transparency of the paper and the opacity of gouache, the weight of oil or the density of enamel. At other times these can be slight differences between two identical drawings. For example, a drawing that says “He found happiness” next to one that says “He found A happiness.” The way in which some formal strategies can be used to say things. In this sense, they are literary drawings about paintings. Reproductions within pages.”
Statement No. 5 de 12 (“Formalista”)
“Mi trabajo busca señalar una grieta (o un vacío, o una distancia) entre un soporte –una página, una hoja de papel, una pared– y su contenido –un rayón, dos palabras, varias manchas, un color. Visto así, el trabajo parece una serpiente que se muerde la cola. Porque si el contenido afecta al soporte, este se devuelve afectando el contenido. Como regla general, las intervenciones sobre el soporte son casi siempre mínimas –Lápices muy duros que dejan líneas muy delgadas y casi invisibles, papeles muy livianos, capas muy delgadas de pintura. En ese sentido la “página” determina lo que pueda pasar en ella. Puede ser, por ejemplo, el contraste entre la transparencia del papel y la opacidad del gouache, el peso del óleo o la densidad del esmalte. Otras veces pueden ser pequeñas diferencias entre dos dibujos iguales. Por ejemplo: un dibujo que dice “He found happiness” (él encontró la felicidad) al lado de otro que dice “He found A happiness” (él encontró UNA felicidad). La manera en que ciertas estrategias formales pueden ser aprovechadas para decir cosas. En ese sentido son dibujos literarios acerca de pinturas. Reproducciones en páginas”.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2000-2002: MA in Philosophy, Universidad del Valle, Cali, Colombia.
- 1990-1995: BFA in Art, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Ensayo”, Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Game Piece (with Erick Beltrán)“, TBA 21-Augarten, Vienna, Austria.
- 2011: “Dibujos”, Casas Riegner, Bogotá , Colombia.
- 2003: “Dibujos”, Galeria Jenny Vilá, Cali, Colombia.
- 1995: “Dibujos”, Galería Jenny Vilá, Cali, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “Imperfect Idler or When Things Dissapear. I Bienal Internacional de Arte Contemporáneo”, Fundación Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena, Cartagena , Colombia.
- 2013: “Secret Codes”, Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2013: “The Circle Walked Casually”, Deutsche Bank Kunsthalle, Berlin, Germany.
- 2013: “Conferencia performativa: nuevos formatos, lugares, prácticas y comportamientos artísticos”, MUSAC, León, Spain.
- 2013: “Saber Desconocer, 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas”, Ministerio de Cultura de Colombia, Medellín, Colombia.
- 2013: “Prix Canson Nominees Exhibition”, Petit Palais, Paris, France.
- 2013: “Música”, Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Marking Language”, Drawing Room, London, England.
- 2012: “30th São Paulo Bienal. The inminence of poetics”, Fundação Bienal de São Paulo, São Paulo, Brazil.
- 2012: “Ficciones Modernas”, Camara de Comercio de Bogotá, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Empatía”, Casas Riegner, Bogota , Colombia.
- 2012: “Modelling Standard”, Galeria Joan Prats, Barcelona, Spain.
- 2012: “Air de Lyon”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: 11e Biennale de Lyon. “Une terrible beauté est née”, La Biennale de Lyon, Lyon, France.
- 2011: “El ojo del coleccionista: la colección Maraloto”, Banco de la República, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Boceto, trampa e instalación”, Banco de la República, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, Colombia.
- 2010: “Primera e ultima: Notas sobre o monumento”, Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2007: “Documenta Magazines”, Documenta 12, Kassel, Germany.
- 2007: “MDE07”, Museo de Antioquia, Medellin, Colombia.
Publications
- Bernardo Ortiz, “A Pile of Orange Peels“, OEI # 60-61 Extra-disciplinary spaces and de-disciplinizing moments (in and out of the 30th Bienal de São Paulo), April.
- Bernardo Ortiz, “Criticism and Experience“, E-Flux Journal, February 2010.
Collections
- Museum of Modern Art, New York, USA.
- Centre National de Artes Plastiques, Paris, France.
- Deutsche Bank, Berlin, Germany.
- Kadist, San Francisco, Paris, USA, France.
- Colección Maraloto, Bogotá, Colombia.
- Colección Patricia Phelps de Cisneros, New York, USA.
- Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, Gouache and rubber stamp on printed paper, 25 x 75 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 1995-2012, Gouache, pencil and fungus on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, India ink on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, India ink and oil on waxed paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, Gouache on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Graphite wash on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Gouache, pencil, cloth tape on waxed paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Graphite wash and typescript on paper, 50 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Bernardo Ortiz, “Paper”, 2013, Giclee prints mounted on wooden structure, 300 x 600 cm. Photo credit: Eduard Fraipont.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, Pencil on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, India ink and rubber stamp on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Cyanotype, 70 x 100 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Pencil and typescript on paper mounted with wooden studs, 75 x 140 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 1995-2012, Gouache, pencil and fungus on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Pencil and india ink on paper, 35 x 25 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
My process of working is always about the development of one idea that starts first from little annotations, observations, and drawings, and then sometimes suggests a series, a sequence of a thought, using the same elements in different ways—sometimes concerned with the use of color or just in black and white, showing the strength and balance of the forms. I always need to be connected to music… because music is one of the most important things to me. In order to develop ideas, to think about colors, and even to define the compositions; music is essential all the time, as I work or think about new possibilities.
The artist is thinking all the time… trying to solve problems. First, it’s a mental process, I need to solve or to look for the better way to solve it before I start working, using different supports such as paper, hardboard, wood, or metal.
Traducido del inglés
Mi proceso de trabajo siempre consiste en el desarrollo de una idea que comienza primero desde pequeñas anotaciones, observaciones y dibujos y luego sugiere una serie, una secuencia de pensamiento, usando los mismos elementos de maneras diferentes, algunas veces preocupado por el uso de color o sólo en blanco y negro, mostrando la fuerza y el balance de las formas. Siempre tengo que estar conectado con la música… porque la música es una de las cosas más importantes para mí. Para poder desarrollar ideas, pensar en colores y hasta para definir composiciones, la música es esencial todo el tiempo, mientras que pienso o trabajo en nuevas posibilidades.
El artista está pensando todo el tiempo… tratando de solucionar problemas. Primero es un proceso mental; necesito solucionar o buscar la mejor manera de solucionar antes de comenzar a trabajar, utilizando diferentes soportes como el papel, aglomerado, madera, o metal.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Self-taught
Solo Exhibitions
- 2012: Arevalo Gallery, Miami, USA.
- 2011: Galerie Denise René, Paris, France.
- 2010: Jorge Mara La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: Dan Galerie, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2009: Galerie Cayon, Madrid, Spain.
- 2007: Dan Galerie, Sao Paulo, Brazil.
- 2004: “Dessins et objets”, Galerie Arte em Dobro, Rio de Janeiro, RJ, Brazil.
- 2004: “Culture et peinture”, Dan Galerie, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2000: Dan Galerie, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 1994: Pinacothèque de l’état de Sao Paulo, Sao Paulo, SP, Brazil.
Group Exhibitions
- 2011: Jorge Mara La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Foire de Bâle”, Galerie Denise René, Paris, France.
- 2010: Jorge Mara La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Matière grise”, Galerie Cayon, Madrid, Spain.
- 2009: “Dessins et sculptures”, Galerie A34 Barcelone, Spain.
- 2008: ARCO, Dan Galerie, Madrid, Spain.
- 2007: ARCO, Dan Galerie, Madrid, Spain.
- 2006: “Contrastes, collection du MASP”, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2006: “Le goût d’un collectionneur, collection de la fondation Nemirovsky”, Estaçao, Pinacothèque, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2005: “Anthologie de la collection MAM”, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2005: “L’art dans la ville”, musée Oscar Niemeyer, Curitiba, PR, Brazil.
- 2005: “Metropolis”, Institut Tomie Ohtake, Sao paulo, SP, Brazil.
- 2004: “Brésilien, brésiliens”, musée Afrobrésil, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2004: “Collection du MAC”, Sao Paulo, Brazil.
- 2004: “Quelques aspects de l’abstraction”, MASP, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2003: “Le Brésil des années 20 à 90”, MAC, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2003: “Artistes brésiliens”, Espace Virgilio, Sao Paulo, SP, Brazil.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Series: Homenaje a Hércules Barsotti, Pigments and acrylic on plaque, 138 x 136 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin título”, 2013, Series: Deslocamientos, Acrylic and collange on cardboard, 55 x 170 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2012, Acrylic and pigments on panel, 45 cm diameter. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2012, Acrylic and pigments on canvas glued to panel, 45 x 45 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2012, Acrylic and pigments on canvas glued to panel, 45 x 45 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Ink and collage on cardboard, 120 x 80 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Ink and collage on cardboard, 120 x 80 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Series: Homenaje a Hércules Barsotti, Acrylic and pigments on plaque, 138 x 138 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Series: Serie 8 aros, Mixed media on wood, 98 cm diameter. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Ink and collage on cardboard, 120 x 80 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2010, Mixed media on wood, 40 x 30 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2011, Mixed media on cardboard, 83 x 121 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Proyecto para relieve”, 2011, Cardboard and foamboard, 71 x 66 x 6 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2011, Mixed media on hardboard, 65 x 50 x 43 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2011, Mixed media on cardboard, 80 x 60 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
February 19, 2014 KIRIN https://abstractioninaction.com/artists/kirin/
Selected Biographical Information
Solo Exhibitions
- 2011: “Kirin”, Galería Jorge Mara – La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Uroboro”, Daniel Maman Fine Arts, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “Negro de Marfil”, Galería Jorge Mara – Galería van Riel, Buenos Aires, Argentina.
- 1999: “Naipes y Cartas”, Galería Sur, Punta del Este, Uruguay.
- 1996: “Arquitecturas y Lenguajes del Silencio”, Galería Sur, Punta del Este, Uruguay.
- 1995: Galería van Riel, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Blanco de Silencio”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Collage”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “Homenaje a Galería van Riel”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2002: “Pequeño Formato”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
- 1992: “Surrealismo Nuevo Mundo”, Biblioteca Nacional, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- 2011: Kirin, Ediciones Galería Jorge Mara.
- 2007: Kirin, Ediciones Daniel Maman Fine Arts.
- 2004: Kirin, Ediciones Galería Jorge Mara – Galería van Riel.
- 1999: Los Ángeles son las moscas del Paraíso. Kirin. Ediciones Galería Sur, (Collages y textos de Kirin).
- 1999: Arcanos Mayores. Kirin. Ediciones Galería Sur, (Selección de textos e introducción de Alejandro Puga y 22 collages de Kirin).
- 1991: Razón Poética, Vicente Z. Lema y Kirin. Ediciones Fin de Siglo, (Textos de V. Z. Lema y 50 collages de Kirin).
- 1986: El Diamante de la Noche cae entre las Plantas, Kirin. Ediciones de la Alondra, (Selección de textos de Juan Carlos Otaño y 23 collages de Kirin).
- KIRIN, “Sin Título”, 2010, Oil and graphite on paper, 76 x 56 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2011, Oil and graphite on paper, 155 x 105 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “COLLAGE”, 2011, Mixed media on paper, 155 x 105 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Mandragora femenina”, 2011, Oil, collage and graphite on canvas, 190 x 145 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2011, Oil and graphite on paper, 76 x 56 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Cielo Circular”, 2004, Oil on canvas, 110 x 100 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Huellas Negras”, 2004, Oil on paper, 56 x 76 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Eterno indiferente II”, 2004, Oil on paper, 76 x 56 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Cuatro lados”, 2004, Oil on paper, 38 x 38 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Cartografías II”, 2004, Oil on paper, 38 x 38 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 70 x 50 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 50 x 35 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 100 x 70 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 100 x 70 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 70 x 50 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
Translated from Spanish
From a very young age, I’ve been attracted by abandoned construction sites, vacant lots, useless things, and the tracks or traces that persist without intention. In these places I have discovered and collected all kinds of things, without a specific purpose in mind. It is until this moment in which I develop this statement that I can trace the origin of my work as artist in these explorations and discoveries of my first years of life.
My first formal experience working with residues was as a worker at a recycling plant, in which I was in charge of handling toxic industrial residues. This activity originated my series Las sobras (the leftovers). This series is comprised by materials and elements taken from waste—meaning that they pass through a double process of selection because I recover them from all that is rejected by factories and then by the recyclers.
Until today, I find the process of looking in industrial waste containers or recyclers, strongly linked to archaic human practices, such as those of the first nomads that learned to recognize and collect fruit, plants, insects, and materials for their survival, in the different territories they walked and lived in.
The work of the scavengers is completely underestimated against the patterns of production, consumption and massive waste of contemporary capitalist societies, even though it is more necessary than ever.
I am amazed by the quantity and I am attracted by the vast variety of materials that I hazardously find in waste containers. The diversity, qualities, and malleability of these materials is what trigger ideas and forms, and which determine what types of supports, media, and compositions I must use. To me, waste is not garbage but an opportunity to explore artistically, finding the most adequate uses and functions within the unusual forms and characteristics that I find. This practice allows me to meditate about existence, life’s origin, and the micro and macro.
The processes that are related with the homogenization of certain forms of life and consumption, which we call civilization, and from which the world is built from molds that are more generic every time, are in fact derived from entropy, and they leave several traces and cosmic tails that I find fascinating. The DNA of things captivates me and keeps me alert, waiting for the next surprise, the next great archeological discovery.
Desde pequeño me han fascinado las construcciones abandonadas, los terrenos baldíos, las cosas inservibles, las huellas o rastros que persisten sin que nadie se lo hubiera propuesto. En estos lugares he descubierto y recolectado todo tipo de cosas sin un objetivo específico en mente. Es hasta ahora que desarrollo esta declaración que puedo trazar el origen de mi trabajo como artista en estas exploraciones y descubrimientos de los primeros años de mi vida.
Mi primera experiencia formal trabajando con residuos fue como empleado en una planta recicladora, como encargado de manejo de residuos industriales tóxicos. Fue esta actividad la que dio origen a mi serie Las sobras. Esta serie se compone de materiales y elementos tomados de entre los desperdicios —es decir pasan por un doble proceso de selección, pues los recupero de entre aquello rechazado primero por las maquiladoras y después por las recicladoras.
Hasta la fecha, encuentro el proceso de buscar en los contenedores de basura industrial o recicladoras fuertemente conectado con prácticas humanas arcaicas: como los primeros nómadas que aprendían a reconocer y recolectar frutos, hierbas, insectos y materiales, para su subsistencia, en los distintos territorios que recorrían y habitaban.
La labor de los pepenadores está completamente subestimada en nuestros días frente a los patrones de producción, consumo y desecho masivo de las sociedades capitalistas contemporáneas, a pesar de ser más necesaria que nunca.
Me asombra la cantidad y me atrae la amplia variedad de materiales que azarosamente voy encontrando en los contenedores de basura. La diversidad, cualidades y maleabilidad de los mismos materiales son los que me disparan ideas y formas, y los que determinan qué clase de soportes, medios y composiciones debo utilizar. Para mí los residuos no son desperdicios sino una oportunidad de explorar plásticamente, encontrando el uso y función más adecuados entre las inusitadas formas y características que descubro. Esta práctica me permite meditar sobre la existencia, el origen mismo de la vida, lo micro y lo macro.
Los procesos que llamamos civilización, relacionados con la homogenización de ciertas formas de vida y consumo, donde el mundo se construye bajo moldes cada vez más genéricos deriva, en cambio, en la entropía y dejan una diversidad de rastros, huellas y estelas que me resultan fascinantes. El ADN de las cosas, eso es lo que me cautiva y me mantiene atento, dispuesto a la próxima sorpresa, al siguiente gran hallazgo arqueológico.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2012-2013: Culinary art school, Tijuana B.C., Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2014-2016: sistema nacional de creadores 2014-16, FONCA/CONACULTA, Tijuana, Mexico.
- 2012: programa de residencia (Fonca) en Beijing, FONCA/Universidad Tsinghua, Beijing, China.
- 2010-2012: Programa Bancomer-MACG Arte actual, Museo de Arte Carrillo Gil/Bancomer, Mexico , D.F.
- 2008-2009,2005-2006, 2002-2003: Becario del fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Fondo Nacional para la cultura y las Artes, D.F., Mexico.
- 2007: Primer lugar en la XVI Bienal de Baja California, categoría Gráfica, Instituto e Cultura de Baja California, Mexicali B.C., Mexico.
- 2005: Start Up Award, del Museum of Contemporary Art San Diego, CA (adquisición de obra y una exposición individual en el museo), Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, San Diego, CA., U.S.
Solo Exhibitions
- 2011: “Registros de Labor, agosto”, la caja galeria, Tijuana, B.C., Mexico.
- 2010: “Registros de Labor”, Galeria Arroniz, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2010: “Cumulo”, Museo Universitario de Arte Contemporaneo MuAC, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2008: “Trade-Marks”, Centro Cultural Tijuana CECUT, Tijuana, Mexico.
- 2007: “Sobras Recientes”, Galeria La Caja Negra, Madrid, Spain.
- 2005: “Jaime Ruiz Otis/CERCA Series”, Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, MCASD, San Diego CA, U.S.
Group Exhibitions
- 2013: “La estampa de nuestro tiempo”, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguerez, Zacatecas, Mexico.
- 2013: “X Bienal Monterrey FEMSA”, Antiguo Colegio de San Ildefonso-UNAM, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2013: “Formas y Pasajes. Escultura contemporánea”, Centro de las Artes, CONARTE, Monterrey, Mexico.
- 2013: “El Insesante Ciclo entre Idea y Acción, Programa Bancomer-MACG. Arte Actual”, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2012: “The Very Large Array: San Diego/Tijuana Artists in the MCA Collection”, Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, San Diego CA, U.S.
- 2012: “El Panal/The Hive, Trienal Poligráfica de San Juan“, San Juan, Puerto Rico.
- 2011: “Des-hielo, solo-project Feria ChACO”, Feria ChACO, Santiago, Chile.
- 2011: “Mexico: Poetics and Politics”, San Francisco State University, San Francisco, U.S.
- 2010: “Descartes”, The Collaborative-MOLAA, Long Beach, U.S.
- 2010: “Moscow Biennale for Young Art“, Moscu, Rusia.
- 2009: “10 Años del FONCA”, Biblioteca Vasconcelos, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2009: ” X Bienal de Cuenca“, Cuenca, Ecuador.
- 2009: “PavillioM, Arte Contemporáneo Mexicano”, 53th Venice Biennale, Venezzia, Italy.
- 2007: ” IM/Polis Transitio/MX”, Laboratorio Arte Alameda, Ciduad de Mexico, Mexico.
- 2006: “Strange New World”, MCASD, Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, San Diego, CA, U.S.
Collections
- Colección FEMSA, Monterrey N.L., Mexico.
- Colección del Museo Universitario Arte Contemporáneo, MuAC., Ciudad de Mexico, Mexico.
- Colección del Museum of Contemporary Art San Diego, San Diego, CA, U.S.
- Colección Elías-Fontes., Mexicali B.C., Mexico.
- Private art collections in México, San Diego, Los Ángeles, San Francisco, Nueva York, Spain and Denmark.
Links
- Jaime Ruiz Otis, “Estela del Paisaje Negro”, 201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 165 x 150 cm.
- jaime Ruiz Otis, “Estela de horizonte Palido”, 1999-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 170 x 150 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela Chillante”, 1999-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 265 x 150 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela Arenosa”, 1999 , Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 165 x 150 cm. coleccion Elias-Fontes.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela Arenosa”, 1999-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 265 x 150 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela del Can”, 2005-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 250 x 140 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Crack”, 2013, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 45 x 65 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Bifurcacion”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 65 x 180 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Cumulo”, 2013, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 65 x 135 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Transmisor”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 122 x 195 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Avoid direct exposure to beam”, 2014, Series: calcomaticos, Found stickers on sheet, 71 x 81 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Desfase A”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 54 x 123 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Desfase C”, 2013, Series: calcomaticos, Found stickers on sheet, 80 x 126 cm. coleccion Femsa.
- Jaime Ruiz Otis, “Desfase B”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on acrylic, 123 x 181 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Caos-Orden-Caos”, 2013, Series: calcomaticos, Found stickers on sheet, 89 x 98 cm.
Translated from Spanish
In this series of works I focus my gaze in a common object: wood in its different ways of display for sale, in specialized stores. If on one hand I establish relationships between the exact copy of the visual aspects in a wood ribbon; on the other hand I stay aware of the natural and/or artificial phenomena can reveal in time, which involves being able to understand this process on the particular characteristics of each material.
My aim is to establish a game with the mimesis principle: by choosing carefully a color, to which I apply many glazes to represent it once more, applying many retouches. Through this procedure I emphasize volumes and shadows, and simulate light reflections. After the result, I see how my painting transforms into something else, I conceive it as an abstraction derived from a figurative dimension. I change the perspective from which pictorial representation has traditionally worked to make figuration a paradox of abstraction, where the artificial looks “natural” and where camouflage confuses because albeit present, we cannot perceive it. In this game of values, painting dissolves the illusion of the pictorial space to construct an image that is more real than the original model.
En esta serie de obras centro mi mirada en un objeto común: la madera en sus diferentes formas de exhibición para la venta en lugares especializados. Si por un lado establezco relaciones entre la copia fiel de apariencias visuales que suceden en un listón de madera, por el otro, me mantengo atento a lo que los fenómenos naturales y/o artificiales puedan revelar con el paso del tiempo, lo que implica entender los efectos de este transcurso sobre las características particulares de cada material.
Me propongo establecer un juego con el principio de mimesis: al escoger minuciosamente un color, al que aplico sucesivas veladuras para volverlo a representar -nuevamente- aplicando sucesivos retoques. En este procedimiento acentúo volúmenes y sombras, y simulo reflejos de luz. Después del resultado veo como mi pintura se transforma en otra cosa, la concibo como que es abstracción que deriva de una dimensión figurativa; cambio la perspectiva en que tradicionalmente ha funcionado la representación pictórica figurativa para hacer de la figuración una paradoja con la abstracción, donde lo artificial parece “natural” y donde el camuflaje desconcierta porque además de estar ahí presente, no lo percibimos. En este juego de valores, la pintura disuelve la ilusión del espacio pictórico para construir una imagen más real que el modelo original.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2003-2008: Maestro en Artes Plásticas, Universidad de Antioquia, Medellín, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Naturaleza & Artificio”, Galeria Nueveochenta, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Naturaleza & Artificio”, Galeria de la Oficina, Medellin, Colombia.
Group Exhibitions
- 2012: “Ensayos para un mundo perfecto. Salón de Arte BBVA Nuevos Nombres del Banco de la República“, Casa Republicana, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Encuentro Internacional de Arte de Medellín MDE11. Enseñar y aprender lugares del conocimiento en el arte“, Museo de Antioquia, Medellín, Colombia.
- 2011: “42 Salón Nacional de Artistas. Independientemente”, Cartagena, Colombia.
- 2010: “13 Salón Regional de Artistas – Región Centro Occidente”, Palacio de la Cultura Rafael Uribe Uribe, Medellín, Colombia.
- 2009: “IV Salón de Arte Bidimensional”, Fundación Gilberto Alzata Avendaño, Bogotá, Colombia.
- 2009: “Casa de Citas. Gabinete de Curiosidades Múltiples”, Museo de Antioquia, Medellín, Colombia.
- 2008: “Reflexiones desde la Realidad y la Ficción”, Galeria La Cometa, Bogotá, Colombia.
- 2008: “Salón Premio Fernando Botero”, Claustro de la Enseñanza, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Los Hiperamigos, Jóvenes Artistas Colombianos”, Abierta Galeria. Sala experimental de arte contemporáneo, Medellín, Colombia.
- 2007: “Salón Premio Fernando Botero”, Claustro de la Enseñanza, Bogotá, Colombia.
Publications
- Oscar Roldan, “Ilusión cientifica del arte“, Revista Co-herencias, 2013.
Collections
- Suramericana de Seguros, Medellín, Colombia.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio (detail)”, 2013, Natural wood panel and oil on canvas, framed, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, Galería de La Oficina (installation view, “Naturaleza & Artificio”)
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio” (detail), 2012, 3 units of natural pine and 3 units of oil painting on canvas, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio”, 2012, 3 units of natural pine and 3 units of oil painting on canvas, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio”, 2013, Natural wood panel and oil on canvas, framed, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio”, 2013, Oil on paper, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio”, 2013, Oil on paper, 85 x 45 x 45 cm. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio” (vista posterior), 2013, Oil on Moleskine notebook, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, Galeria Nueveochenta (installation view, “Naturaleza & Artificio”). Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Exposición “Naturaleza & Artificio” Galería Nueveochenta”, 2013, Wood, oil, paper, canvas, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of artist.
- Edwin Monsalve, “Taxonomía de árbol (detail)”, 2014, Cut on paper, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Taxonomía de árbol “, 2014, Oil on paper, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Sin titulo (detail)”, 2014, Natural wood sheet and color pencils on paper, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio” (vista frontal), 2013, Oil on Moleskine notebook, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Sin titulo”, 2014, Natural wood sheet and color pencils on paper, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
About the Artist
I always thought of sound, volume and rhythm breaking through boundaries and barriers in search for a place by looking for ways in which to visualize how this sound could be “seen” if it were traveling in a room, a body, or a garden.
My present work is about exploring sound structures in a sensorial manner, where I feel that music and nature come together in a type of code. In my earlier work I would attempt to ‘draw’ sound as it traveled through an architectural space. Visually it could be compared to a plant or bindweed traveling through space as it searches for its direction.
Presently, I am working on deconstructing that what produces sound by separating its parts. For instance, as in a musical instrument: I separated the body of the guitar from the neck, the cords and the pick guard.
By expanding the body of the instrument to the proportion of our bodies I want to express the explosion of sound through color and form. Through my extensive research of instruments and its components, I arrived at the LPs, and the beauty and meaning of its covers and sleeves. My generation received the last drop of the LP’s industry and the memory of listening to my parent’s records while looking at the covers reminded me how the visual part was so important.
Thirty by thirty cm cover is a huge area to represent the sound that is there, and to me the LP was always an object of awe and desire. In my most recent work, I presented the records and sleeves in frames to relate them to the golden age of the music industry—now found in Music Museums with their walls covered with the platinum and golden records suggesting the completion of an anachronistic ritual of our days of MP3, which involved a different relation between the body (hearing) and sound.
—
Siempre pensé en cómo el sonido, volumen y ritmo cortan los límites y las barreras en busca de un lugar; buscando maneras de visualizar cómo este sonido podría ser “visto” si viajase en un cuarto, un cuerpo, o un jardín.
Mi obra reciente aborda la exploración de estructuras de sonido de una manera sensorial, desde la que siento que la música y la naturaleza se unen en un tipo de código. En mi obra más temprana intenté “dibujar” el sonido a medida que avanzaba en el espacio y buscaba su dirección.
Hoy en día estoy trabajando en deconstruir aquello que produce sonido, separando sus partes. Por ejemplo, en un instrumento musical separé el cuerpo de la guitarra del mástil, las cuerdas y la caja protectora.
Al expandir el cuerpo del instrumento a la proporción de nuestros cuerpos, quiero expresar la explosión de sonido por medio del color y la forma. Mediante mi extensa investigación sobre los instrumentos y sus componentes, llegué a los LPs y la belleza y significado de sus portadas y cubiertas. Mi generación recibió la última gota de la industria de los LPs y la memoria de escuchar los álbumes de mis padres mientras que las portadas me recordaban la importancia de la parte visual.
Una portada de treinta por treinta centímetros es un área muy amplia para representar el sonido que está dentro y para mí el LP siempre fue un objeto de asombro y deseo. En mi obra más reciente presento los discos y carátulas en cuadros, para relacionarlos con la época de oro de la industria musical que ahora se encuentra en museos de música y sus muros cubiertos de los discos de platino y oro, sugiriendo el fin del ritual anacrónico de nuestros días del MP3, los cuales significaron una relación diferente entre el cuerpo (la acción de escuchar) y el sonido.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1999-2003: Fine Arts, Fundação Armando AAlvares Penteado FAAP, Aão Paulo, Brazil.
Prizes / Fellowships
- 2003: Bolsa-Prêmio – 35° Anual de Arte , FAAP Fundação Armando Alvares Penteado, São Paulo, Brazil.
- 2004: Art in Residency Programme at Gasworks Gallery – 1° lugar Prêmio Chamex de Arte Jovem, Chamex, London, England.
- 2008: Mountain School of Arts Residency, Mountain School of Arts, Los Angeles, ESA.
Solo Exhibitions
- 2013: “gravações perdidas [lost recordings]“, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2013: “no no yes please“, Galeria Silvia Cintra + Box 4, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2012: “sunburst“, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2011: “O papel do jardim [the role of the garden]”, Galeria Silvia Cintra + Box4, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2010: “KOTO “, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2010: “Place to Be”, GaleryRio, Nantes, France.
- 2009: “LUGAR”, Camara de Comércio de Bogotá, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Mirante”, Galeria Lunara, Porto Alegre, Brazil.
- 2007: “Pausa [pause]“, Galeria Vemelho, São Paulo, Brazil.
- 2006: “Cruzamentos – Caminhos [crossings – paths]”, DRCLAS – Harvard, Cambridge, USA.
- 2006: “Cruzamentos – Encontros [crossings – encounters]”, Boston Arts Academy, Boston, USA.
- 2006: “Sweet Melody“, LABF15, Lyon, France.
- 2005: “Firehouse“, De Vleeshal, Middelburg, Holland.
- 2005: “Viga Mestra [main beam]“, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
Group Exhibitions
- 2013: “Imagine Brazil“, Astrup Fearnley Museet, Oslo, Norway.
- 2013: “Prospect 1“, Museum of Contemporary Art San Dieg, San Diego, USA.
- 2013: “Tomie Ohtake Correspondências“, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brazil.
- 2011: “Contra a Parede [against the wall]“, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2011: “32º Panorama da arte Brasileira“, Museu de Arte Moderna [MAM SP] , São Paulo, Brazil.
- 2010: “Quem tem medo?”, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2008: “Blooming Brasil-Japão – O seu lugar – [Blooming Brasil-Japan – Your Place]“, Toyota Municipal Museum of Art , Province of Aichi, Japan.
- 2008: “Exposição de Verão”, Galeria Silvia Cintra-Box 4, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2007: “Futuro do Presente [the future of the present]”, Instituto Itaú Cultural, São Paulo, Brazil.
- 2006: “10 anos + 1 – Os anos recentes da arte brasileira – [10 years + 1 – the recent years of brazilian art]“, Instituto Tomie Othake, São Paulo, Brazil.
- 2006: “Urban Spaces“, DNA Galerie, Berlin, Germany.
- 2006: “Rumos Itaú Cultural 2005/2006 Artes Visuais”, Instituto Itaú Cultural, São Paulo, Brazil.
- 2005: “Panorama “, Museu de Arte de São Paulo [MAM SP], São Paulo, Brazil.
- 2005: “J’en Rêve“, Fondation Cartier, Paris, France.
- 2004: “udo Aquilo que Escapa – 46° Salão Pernambucano de Artes Plásticas“, Espaço Cícero Dias do Museu do Estado, Recife, Brazil.
Publications
- Luiz Camillo Osorio, Coleção Gilberto Chauteaubriand (Rio de Janeiro: Barléu Edições LTDA.), 133.
Collections
- Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brazil.
- De Vleeshal, Middelburg, Holland.
- Harvard University, Cambridge, USA.
- Museum of Contemporary Art San Diego, San Diego, USA.
- Coleção Gilberto Chateaubriand -Museu de Arte Moderna [MAM RJ], Rio de Janeiro, Brazil.
- Chiara Banfi, “les paul of the series sunburst – triptic”, 2013, Series: sunburst, three hardboard one covered with Abdul wood leaf, another with Maple and the last with ash, a yellow and orange sayerlack pigment is applied in each piece and then a PLB cover coat , 160 x 110 x 7 (each piece) cm . Photo credit: calé Azad.
- Chiara Banfi, “Em Branco [blank] of the series empty records”, 2013/2014, Series: empty records, vinyls with no music recorded on them, old sleeves presented in a wooden frame, this piece consists of 12 parts, 37 x 70 x 3 (each) cm . Photo credit: Edouard Fraipont.
- Chiara Banfi, “fender precision black soulages – back”, 2013, Series: fender, black paint with PLB finish on hardboard sculpted wood, 160 x 110 x 7 cm. Private Collection: Caracas, Venezuela. Photo credit: Edouard Fraipont.
- Chiara Banfi, “strange fruit of the series silence”, 2013, Series: silence, used magnetic audio tape 2 inches wide applied on an alumminum surface, 160 x 125 x 5 cm. Private Collection: São Paulo, Brazil. Photo credit: Edouard Fraipont.
- Chiara Banfi, “baixo e guitarra [bass and guitar] of the series desenhos sonoros [sonoric drawings]”, 2012, Series: desenhos sonoros [sonoric drawings], 8 bass and 12 gutiar tuners on wood attached to the wall, wire connecting one side to the other, 4 pickups in the centre sending sound to the amplifier , 154 x 238 x 3 cm . Photo credit: Rafael Cañas.
- Chiara Banfi, “mapa 10 – prata [map 10 – silver]”, 2012, color plus 180 grams paper silkscreened and cut out placed over silver Lotka paper also silkscreened , 196 x 156 x 5 cm. Private Collection: São Paulo, Brazil. Photo credit: Marcelo Guarnieri.
- Chiara Banfi, “sem titulo “, 2011, Series: papel do jardim, color plus 180 grams paper silkscreened with music staff applied over papirus paper, 210 x 115 x 5 cm. Private Collection: Belo Horizonte, Brazil. Photo credit: Marcelo Guarnieri.
- Chiara Banfi, “Dique Seco [Drydock]”, 2009, music paper cutout and applied overmusic paper, 106 x 79.5 x 4 cm. Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brazil. Photo credit: Ding Musa.
- Chiara Banfi, “sweet melody – asa branca”, 2006-2009, this drawing is part of a series of installations where from a music sheet I would draw onto the wall with adhesive vinyl up to the ceiling and the ‘drawing’ or ‘music note’ would drop (next picture), Variable dimensions. Photo credit: Ding Musa.
- Chiara Banfi, “sweet melody”, 2006-2009, this is the continuation of the previous picture, as the adhesive vinyl reaches the ceiling the ‘drawing’ drops. vinyl and wood, Variable dimensions. Private Collection: São Paulo, Brazil. Photo credit: Ding Musa.
- Chiara Banfi, “Wind”, 2008, inlay of different woods and laca, 200 x 70 x 8 each cm. Private Collection: São Paulo, Brazil. Photo credit: Ding Musa.
- Chiara Banfi, “incoming wind”, 2008, A view of an installation I did in the Toyota Museum of Art, with adhesive vinyl paint and wood inlay panal , Variable dimensions. Site-specific project. Location: Toyota Municipal Museum of Art, Toyota, Province of Achi, Japan. Photo credit: Chiara Banfi.
- Chiara Banfi, “Jardim Suspenso [Suspended Garden]”, 2007, metal structure in an organic form, with a garden., Variable dimensions. Site-specific project. Location: Instituto Itaú Cultural, São Paulo, Brazil. Photo credit: Edouard Fraipont.
- Chiara Banfi, “Balanço [Swing]”, 2005, adhesive vinyl on an acrylic panel and frame , 80 x 120 x 5 cm. Private Collection: Miami, USA. Photo credit: Ding Musa.
- Chiara Banfi, “Red Boat – Firehouse”, 2005, Hammock with cloth, paint on wall and adhesive vinyl on the wall , Variable dimensions. Site-specific project. Location: De Vleeshal, Middelburg , Holland. Private Collection: Middleburg, Holland. Photo credit: Chiara Banfi.
Translated from Spanish
Since 2009, my work has focused on the study of Op and geometric art, mainly how haute couture houses and readymade brands appropriated these avant-gardes for the creation of fashion trends. My works begin with the appropriation of patterns found in magazines, books, and websites about fashion. These appropriations are presented in installations, paintings and collages, using not only art techniques but also materials and techniques from fashion design and graphic design, such as studs, leather, and cutting plotter.
Optical Power is a project, developed in black and white, in which I focused on Op Art, recontextualizing designs by Rudi Gernreich, Rei Kawakuro, and Pucci, among others. In Geometría Pura Mente Consumista (Pure Geometry Consumerist Mind) I wanted to include geometric patterns designed by haute couture brands and multinational corporations, but as collages in die-cut leather, with studs or cut and sewn pieces. I am developing the most recent work with polyurethane paint and polyester, and continue to appropriate geometric patterns—but in this case, the patterns are combined as diptychs and polyptychs that are loaded with color and content.
Desde el 2009 mi trabajo se ha enfocado en estudiar el arte óptico y geométrico, principalmente como las casas de alta costura y las marcas readymade se apropian de estas vanguardias para la creación de tendencias de moda. La creación de mis trabajos parte de la apropiación de patrones encontrados en revistas, libros y páginas web sobre moda. Estas apropiaciones son presentadas en instalaciones, pinturas y collages, utilizando no solamente las técnicas propias del arte sino a su vez materiales y técnicas del diseño de moda y el diseño gráfico como taches, cueros y plotter de corte.
Optical Power es un proyecto que se desarrollo en blanco y negro y donde me enfoque en el arte óptico, recontextualizando diseños de Rudi Gernreich, Rei Kawakuro y Pucci entre otros. En Geometría Pura Mente Consumista quise abarcar los patrones geométricos diseñados por casas de alta costura y marcas multinacionales pero trabajados a manera de collage en cueros troquelados, con taches o piezas recortadas y cosidas. El trabajo más reciente lo estoy desarrollando con pinturas en poliuretano y poliéster donde sigo apropiándome de patrones geométricos pero esta vez estos patrones son conjugados a manera de dípticos y polípticos tomando una fuerza de color y contenido.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2007-2008: MA Fine Arts, Central Saint Martins College of arts and design, London, UK.
- 1998-2002: Artista Plástica, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
- 1994-1996: Applied arts in Fashion Design, The Art Institute of Dallas, Dallas, USA.
Prizes / Fellowships
- 2007-2008: Jóvenes Talentos, Banco de la República, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Geometría Pura Mente Consumista”, Nueveochenta arte contemporáneo, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Optical Power”, Nueveochenta arte contemporáneo, Bogotá , Colombia.
- 2009: “Made In”, Nueveochenta arte contemporáneo, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Sueños Technicolor”, Alianza Francesa, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Knock off”, Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2014: “Project Room Zona Maco Sur: Las cosas son repentinas”, Zona Maco Sur, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Nuestro sitio: artistas de America del Sur”, Mavi, Santiago de Chile, Chile.
- 2011: ” Nuestro sitio: artistas de America del Sur”, MacNiteroi, Niteroi, Brazil.
- 2011: “Resurfaced: Contemporary Colombian art”, MagnanMetz Gallery, Nueva York, USA.
- 2011: “Sobre el Territorio: Arte Contemporáneo en Colombia”, Santralistanbul, Istanbul, Turkey.
- 2011: “Project Room Chaco: Expediciones visuales: Viajes por el Pacifico”, Chaco, Santiago de Chile, Chile.
- 2010: “Puntos suspensivos”, Museo Diego Rivero, Mexico City, México.
- 2009: “The Red Mansion Art Prize Exhibition”, Slade Research Centre, London, UK.
- 2009: “Integración y Resistencia en la era global”, X Bienal de la Habana, Habana, Cuba.
- 2008: “Degreeshow”, Central Saint Martins College of art and design, London, UK.
- 2008: “A constant cracking of the surface”, Bargehouse, London, UK.
Collections
- Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- Barbarita Cardozo, “Telón”, 2011, Series: 7, Adhesive vinyl on wall, Variable dimensions.
- Barbarita Cardozo, “Fall 1971, Autum\winter 2000, Fall 1971 II”, 2011, Series: 5, Digital printing on canvas encapsulated in acrylic, 120 cm x 120 cm x 2 cm. Private collection.
- Barbarita Cardozo, “Spring/Summer 1973”, 2011, Series: 1, Enamel on acrylic, 158 cm x 120 cm x 1 cm.
- Barbarita Cardozo, “Mid 1950´s”, 2011, Series: 7, Adhesive vinyl on wall, Variable dimensions. Private collection.
- Barbarita Cardozo, “Geometría No. 11”, 2013, Series: 1, Collage on synthetic leather, 130 cm x 111 cm
- Barbarita Cardozo, “Geometría No.1”, 2012, Series: 1, Collage of rhinestones on synthetic leather, 50 x 33 cm each. Private collection
- Barbarita Cardozo, “Geometría No. 8”, 2013, Series: 1, Collage on synthetic leather, 168 cm x 120 cm
- Barbarita Cardozo, “Geometría No. 10”, 2013, Series: 1, Collage on synthetic leather, 115 cm x 151 cm. Private collection.
- Barbarita Cardozo, “Geometría No.4”, 2013, Series: 1, Collage on synthetic leather, 136 cm x 206 cm. Private collection
- Barbarita Cardozo, “Geometría No. 6”, 2013, Series: 1, Collage on synthetic leather, 136 cm x 206 cm
- Barbarita Cardozo, “Otoño\Invierno 2013”, 2013, Series: 1, Polyurethane on mdf, 210 cm x 180 cm. Private collection
- Barbarita Cardozo, “Otoño\Invierno 2014”, 2014, Series: 1, Polyurethane on mdf, 210 cm x 180 cm. Private collection
Translated from Spanish
Artistic practice exists in the antithesis of what is considered solid: it moves forward blindly without reaching its destination, or in the best case scenario, simulating arrivals, fragmenting destinies. Every material, exposed in the abstraction of the work itself, tells a triple meaning. First, the history of itself, revealed as material. Secondly, its history in and through the objects, where material is in itself and ceases to be simultaneously, without changing; and finally, its own history, which is inflected through its existence as part of an everyday that ignores it because it does not belong to it—our own fragility.
El trabajo artístico está en las antípodas de lo que se considera sólido: avanza a tientas sin llegar a destino o, en el mejor de los casos, simulando las llegadas, fragmentando los destinos. Todo material, expuesto en la abstracción de la obra misma, cuenta un triple sentido: en primer lugar, la historia de sí mismo, develado como materia; en segundo, su historia en y a través de los objetos, donde el material es sí mismo y deja de serlo, al mismo tiempo, sin cambiar materialmente; por último, su propia historia, la que se conjuga a través de su existencia como parte de una cotidianeidad que ignora porque no le pertenece: la fragilidad de nosotros todos.
Selected Biographical Information
Prizes / Fellowships
- 2012: Mención del Jurado Premio Mac Salta, Museo de Arte Contemporáneo de Salta, Salta, Argentina.
- 2008: Premio Nacional de Pintura Banco Central (Segundo Premio), Banco Central de la República Argentina, Buenos Aires, Argentina.
- 2006: Premio Argentino de Artes Visuales (Primer Premio), Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2006: Concurso de pintura contemporánea (Primera Mención), Fundación Deloitte, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2011: “Sólos y Dúos”, Galería Zabaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Surfaces”, Birdhouse Gallery, Austin/Texas, USA.
- 2009: “Retorno”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Open Space”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Dys Functional”, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
- 2007: “Sobremesa”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: “Cuarto punto bis”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “Cuarto punto”, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 2002: “14 unidades mixtas”, Galería Dabbah Torrejón , Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2014: “La suerte del aire”, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 2014: “ArteBa”, Zavaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
- 2014: “Itineraria 10 mujeres”, Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay.
- 2014: “Premio Fundación Klemm 2014”, Fundación Klemm, Buenos Aires, Argentina.
- 2014: “Cromofobia“, Museo de Arte Contemporáneo (MACBA), Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Expansiva IV”, Teatro San Martín, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Urra Residencia Internacional de Arte (artistas participantes)”, Urra Residencia Internacional de Arte , Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Roberto Aizemberg. Trascendencia Descendencia”, Fundación Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Muestra Itinerante Museo de Arte Contemporáneo Buenos Aires (Macba)”, Museo Caraffa, Córdoba, Argentina.
- 2012: “Vytlacil Artists in Residency”, Vytlacil Residency, New York, USA.
- 2009: “Dialogues. Chapters of Latin American Art in the MOLAA permanent collection”, Museo de Arte Latinoamericano, Los Angeles, USA.
Publications
- AAVV, Poéticas contemporáneas. Itinerario de las artes visuales en Argentina de los ’90 al 2010 (Buenos Aires: Fondo Nacional de las Artes).
- Rossi, Cristina (coordinadora), Melé en diálogo (Buenos Aires: Expotrastiendas).
- Casanegra, Mercedes, “Cruce de caminos”, Diario La nación, 21-10-2011.
- Perez Bergliaffa, Mercedes, “La tierra y la abstracción en diálogo”, Diario Clarín, 08-10-2011.
- Legenblik, Fabián, “Ciertas transfiguraciones”, Diario Página 12, 18-08-2009.
- Damian, Carol, “Art Miami 2006”, Revista Art Nexus no. 60, Marzo 2006.
- López Anaya, Jorge, “Geometría de las sensaciones”, Diario La nación, 12-09-2004.
- Gainza, María, “Silvana Lacarra”, Revista Tema Celeste, Marzo 2003.
Collections
- Deutsche Bank Collection, Frankfurt, Germany.
- Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian, Washington, D.C., USA.
- Escala (Essex Collection of Art from Latin America), Colchester, UK.
- Museo de Arte Moderno, México DF, México.
- MUAC, UNAM, México DF, México.
- Kunsthaus Santa Fé, Espacio de Arte contemporáneo, San Miguel de Allende, Guanajuato, México.
Links
- Silvana Lacarra, “Dúo I”, 2011, Series: Sólos y Dúos. Formica, beech and plant corn. 100 x 100 / 100 x 70 cm.
- Silvana Lacarra, “39 Movimientos”, 2006, Wood covered with formica, 36 cm each piece.
- Silvana Lacarra, “Rio”, 2006, Wood covered with formica, 135 x 95 x 70 cm.
- Silvana Lacarra, “Ola”, 2006, Wood covered with formica, 120 x 60 cm.
- Silvana Lacarra, “De esta muerte no se muere”, 2007, Wood covered with formica, 130 x 90 x 73 cm.
- Silvana Lacarra, “Agua, vino y champagne”, 2008, Wood covered with formica, 100 cm diameter each. Banco Central de la República Argentina.
- Silvana Lacarra, “Sólo I”, 2011, Series: Sólos y Dúos, (Marquetry in wood and formica), Plastic coating, Formica and eucalyptus bark, 150 x 120 cm.
- Silvana Lacarra, “Sólo II”, 2011, Series: Sólos y Dúos, Formica, alpaca and aluminum, 120 x 150 cm. Museo de Arte Contemporáneo Buenos Aires (MACBA).
- Silvana Lacarra, “Mural de Fórmica”, 2012, Formica, Variable dimensions.
- Silvana Lacarra, “Otro Audi IV”, 2013, Series: Otro Audi, Acrylic car paint applied with blowtorch over wood, 140 x 120 cm.
- Silvana Lacarra, “Otro Audi IV”, 2013, Series: Otro Audi, Acrylic car paint applied with blowtorch over wood, 90 x 120 cm.
- Silvana Lacarra, “Otro Audi IV”, 2013, Series: Otro Audi, Acrylic car paint applied with blowtorch over wood, 90 x 120 cm.
- Silvana Lacarra, “Otro Audi IV”, 2013, Series: Otro Audi, Acrylic car paint applied with blowtorch over wood, 90 x 120 cm.
- Silvana Lacarra, “sin título”, 2004, Wood covered with formica, 100 x 70 x 10 cm.
- Silvana Lacarra, “Sólo III”, 2011, Series: Sólos y Dúos. Formica, laurel root and Californian walnut. Marquetry and formica. 100 x100 cm.
Translated from Spanish
My work, influenced by my formation as a filmmaker and the constant contact with architecture, make me incorporate elements such as abstraction, geometry, memory, light, shadow, the relationships that exist in the creation processes and interaction with life itself.
The process is part of the result within itself, which makes us discover places or questions that we would not make if it wasn’t for that constant search and experimentation of situations and experiences.
The way I materialize my ideas—photography, painting, sculpture and video.
Based on the concept in which the goal is in the process of creation more than in the result, I always seek to let myself be guided by accidents and the unknown, to be able to explore new ideas of expression and abstraction.
Mi trabajo, influenciado por una formación como cinematógrafo y el constante contacto con la arquitectura hacen que incorpore elementos como la abstracción, la geometría, la memoria, la luz, la sombra, la relación que existe en los procesos de creación e interacción con la vida misma.
El proceso es parte del resultado en sí mismo; aquel que hace que descubramos lugares o preguntas que no nos formularíamos si no fuera por esa constante búsqueda y experimentación de situaciones y experiencias.
Las forma en la que materializo mis ideas son: fotografía, pintura, escultura y video.
Basado en el concepto de que la meta está en el proceso de creación más que en el resultado, siempre busco dejarme llevar por los accidentes y lo desconocido para explorar nuevas ideas de expresión y abstracción.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Cinematógrafo, Capilano College, Vancouver, Canada.
Prizes / Fellowships
- 2012: Residencia estudio extendido, Casa Vecina, Mexico City, Mexico.
Solo Exhibitions
- 2013: “En las profundidades de la naturaleza, la razón debe inclinarse”, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Rock and Roll“, Casa Vecina, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Mondrian abstract skating”, T0, T1, T2, T3, T4, T5, Sala Juarez, Guadalajara, Jalisco, Mexico.
- 2012: “Losing Mysealf”, Calle 2, Pabellón A, Guadalajara, Jalisco, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “(untitled)”, San Pedro, Garza, García Nuevo León, Mexico
- 2013: “Sin necesidad de profecías”, Guadalajara, Jalisco, Mexico.
- 2013: “Tinnitus y Fosfenos”, Museo de Arte Zapopan, Guadalajara, Jalisco, Mexico.
- 2013: “Paradise is an Island so is Hell”, Careyes, Jalisco, Mexico.
- 2011: “Everything Must Go”, New York, USA.
Publications
- 2013: Rock and Roll, Casa Vecina, estudio extendido.
Collections
- Sayago & Pardon, CA, USA.
- Colección Suro, Guadalajara, Mexico.
- Colección Fajer, Mexico City, Mexico.
- Colección Enrique Macotela, Mexico City, Mexico.
- Varias colecciones privadas San Pedro, Garza-Garcia, Mexico City, Mexico.
Links
- Adrián S. Bará, “untitled”, Masking tape and acrylic paint, 60 x 50 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “untitled” (Detail), Masking tape and acrylic paint, 60 x 50 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “transworld skateboarding 2005-2012”, 2012, Acrylic paint on magazine pages, 38 x 32 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “transworld skateboarding 2005-2012” (Detail), 2012, Acrylic paint on magazine pages, 38 x 32 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “transworld skateboarding 2005-2012” (Detail), 2012, Acrylic paint on magazine pages, 38 x 32 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “imperfect ramp as imperfect structure” (detail), C-print, 45 x 35 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “imperfect ramp as imperfect structure” (detail), C-print, 45 x 35 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “imperfect ramp as imperfect structure” (detail), C-print, 45 x 35 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “imperfect ramp as imperfect structure”, C-print, 45 x 35 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “TL 1948”, Wood, glass and aluminum, 150 x 80 x 15 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “mondrian abstract skating”, Vinyl, wood, neon, ramp, melamine, Installation, 120 x 170 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “storytellers”, Magazine pages, acrylic, 39 x 31 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “storytellers” (detail), Magazine pages, acrylic, 39 x 31 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “The Economist (19 abril de 1968), (22 de marzo de 1968)”, 2013, Acrylic paint on canvas, 34 x 40 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “untitled”, Collage, 100 x 70 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
Translated from Spanish
My practice is the result of my interest in the eroticism and geometry manifested through painting and installation. My recent work has largely referenced the human body and gender conditions; abstract and geometrical representations of bodies are made with diverse materials such as paint, sand, plaster, wood, fake fruits and shampoo, and more traditional oil paints. A more inclusive vision of sexuality can change and improve the way we live. This has been made apparent through the contributions of Feminism and queer theory. This is also a space where I locate dialogues that are informative for my work. I play with gender pictorially, mixing spiritual values, historical appreciations, aesthetics and styles. I am interested in the anthropological importance of decoration as a process and in its application in objects, and I play with this by challenging fixed ideas and unconscious meaning. How does the mind sense the materials and shapes of things? Why do we make decisions in one way and not in another? Is there a place where these dualities are simultaneously possible? I transform everyday materials into something new, as in Manzanas [Apples] where geometric forms adorn fake plastic fruits. My work as a painter engages a diversity of formats and media, from easel painting and installation, to the organization of cultural projects and results of the relationships between artists. I have participated actively with artist collectives like as Kiosko De Artistas, and in projects of col-leagues, clinical workshops and research meetings. I co-founded PintorAs [Female Painters], a project that includes 20 women artists from Argentina. As a curator, I organized the exhibitions Rework and Figuras [Figures], as a way to collectively investigate answers to questions of that arise from my own work.
Mi práctica es el resultado de mi interés en el erotismo y la geometría, manifiesto a través de la pintura pero también en otros medios como instalación. Mi trabajo reciente en gran medida hace referencia al cuerpo humano y a condiciones de género: representaciones abstractas y geométricas hechas con diversos materiales tales como pintura, arena, yeso, madera, frutas falsas y champú, y óleos. Una visión más integradora de la sexualidad puede cambiar y mejorar la forma en que vivimos. Esto ha sido evidente a través de las contribuciones de las teorías feministas y queer. En estas contribuciones, encuentro diálogos que son nutritivos para mi trabajo y desarrollo. También interpeló el género pictórico, mezclando los valores espirituales, la apreciación histórica, estéticas y estilos. Estoy interesada en la importancia escondida de la decoración como un mecanismo y en su aplicación en objetos y dispositivos. Busco desafiar las ideas fijas y los significados inconscientes. ¿Cómo la mente percibe las materialidades y formas de las cosas que nos rodean? ¿Por qué asumimos esa percepción de una manera natural y no en otra dirección? ¿Hay un lugar donde lo dado como opuestos son al mismo tiempo posibles e iguales? Busco convertir materiales de uso cotidiano en algo nuevo, como en Manzanas donde las formas geométricas adornan falsos frutos de plástico. Mi trabajo como pintora involucra una diversidad de formatos, soportes y medios, desde la pintura de caballete y la instalación, a la organización de proyectos culturales, muestras, y las relaciones entre los artistas. Fui co-fundadora de PintorAs, un proyecto que incluye 20 artistas de Argentina. Como artista-curadora, también organicé las muestras Rework y Figuras, siendo una manera de investigar colectivamente las preguntas que surgen en mi proceso de obras.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, 5 años, BFA, Buenos Aires, Argentina.
- Cursos en el Centro de Investigaciones Artísticas, 2009/10, with Paul Ramírez Jonas, Michael Smith, Roberto Amigo, Tulio de Sagastizábal, Doris Sommer, Andrea Giunta, Victoria Noorthoorn, María Moreno, Yoshua Okon.
Prizes / Fellowships
- 2013: Premio de Pintura Latinoamericana Arcos Dorados, Arteba, 1er Premio Adquisición.
- 2013: Premio Braque, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero.
- 2013: Bienal MBA/MAC Bahía Blanca, 1er Premio Adquisición.
- 2013: Premio Adquisición Igualdad Cultural Argentina.
- 2012: XV Premio KLEMM, 2do Premio, Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires.
- 2012: Salón Nacional de Rosario, Museo Castagnino.
- 2012: Beca Nacional del Fondo Nacional de las Artes, Argentina.
- 2011: Beca de movilidad a México de la Secretaria de Cultura de Argentina.
- 2011: XV Premio KLEMM, Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires.
- 2010/09: Beca de estudios en El Centro de Investigaciones Artísticas, Bs As.
- 2009: Auction 09 – Selection, MOLAA Awards, Museam of Latin American Art, Miami.
- 2008: Salón Nacional de Rosario, Museo Castagnino.
- 2007: Subsidio Línea Creadores – Fondo Metropolitano de las Artes -Gobierno de la Ciudad
- 2007: Laboratorio de Artes Visuales del Ctro Cultural Rojas.
- 2007: Salón Nacional de Instalaciones – Selección, Palias de Glace.
- 2006: Concurso Proyecto A – Selección.
- 2004: CURRÍCULUM CERO – 1° Premio, Galería Ruth Benzacar.
Solo Exhibitions
- 2013: “Paris”, Museo La Ene de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Popurrí”, Saffron Gallery, NY, USA.
- 2012: “Playroom”, Galería Daniel Abate.
- 2011: “Mis fantasías en el Changarrito”, Antiguo Colegio San Idelfonso, Mexico DF, Mexico.
- 2011: “Fabricando objetos de deseo”, taller e intervención, Casa Vecina, Mexico DF, Mexico.
- 2011: “Centros de mesa”, Perfecta Couture, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Pre- Construction Preview”, Boulogne Sur Mer Studio Art Building, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Desborde”, Centro Cultural de España en Bs As, Argentina.
- 2005: “Sin título”, Nuevo Espacio, Galería Ruth Benzacar, Bs As, Argentina.
- 2004: “Fotonovelas”, Festival de la Luz– fotografías en La Casona de los Olivera, Bs As, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Herstory Inventory”, Oakville Galleries, Toronto, Canada.
- 2013: “PintorAs”, Magda Bellotti Gallery, Madrid, Spain.
- 2013: Solo Projects, ArtRío, Brazil.
- 2012: “L.E.A.”, Faena Arts Center, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Ultimas tendencias II”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “PintorAs”, La Maison de l’Argentine, París, France.
- 2012: “Function Follows Form”, curator Aldo Chaparro Winder, Mexico DF, Mexico.
- 2012: “Herstory Inventory”, Ulrike Müller, Kunsthaus Bregenz Austria, and Brooklyn Museum NY, USA.
- 2011: “Un Museo Chévere”, Museo La Ene en Encuentro Internacional (Cheverista) Medellin, MDE11, Colombia.
- 2010: “The constructive élan”, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
Publications
- Big sur, número 2.
- Prosa plebeya, Ediciones Excursiones.
- Un Museo Chévere, de Museo La Ene.
- Crudo ediciones, de Martin Legón.
- 2obras N7 3ª año , de Verónica Romano.
- Convi.com.ar -videolinks-, de Mónica Heller.
- Revistas Ramona 60 Especial Poéticas Contemporáneas (II) y Ramona 101.
Collections
- Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- MAC Bahia Blanca, Argentina.
- Fundación Federico Klemm, Buenos Aires, Argentina.
- Adriana Minoliti, “Figuras sobre selva”, 2012, Oli and acrylic on canvas, 2.50 x 10 m. Photo credit: Ximena Martinez
- Adriana Minoliti, “Centerpiece”, 2012, Mannequin head, white glue, sand and paint on wood, 70 x 120 x 70 cm. Photo credit: Ximena Martinez
- Adriana Minoliti, “Playroom”, 2012, Installation with curtains, flooring and impressions, Variable dimensions. Photo credit: Ximena Martinez
- Adriana Minoliti, “SET -for a geometric postporn movie-“, 2012, Installation with “Selva” acrylic on canvas, “Cama”, PVA glue, sand and paint on wood, and “QUEER DECO”, color print on canvas, 3 x 4 x 3 m.
- Adriana Minoliti, “Naranaja”, 2011, Series: Queer Deco, Print on canvas, Variable dimensions.
- Adriana Minoliti, “Celeste”, 2011, Series: Queer Deco, Print on canvas, Variable dimensions
- Adriana Minoliti, “Hard”, 2011, Series: Playboy, B&W print, Variable dimensions
- Adriana Minoliti, “Abstract Porn”, 2011, video 2:20 min
- Adriana Minoliti, 2012, Series: Fantasías, Acrylic and ink on paper, 35 x 25 cm
- Adriana Minoliti, 2012, Series: Dibujos, Acrylic and ink on paper, 35 x 25 cm
- Adriana Minoliti, 2012, Series: Dibujos, Acrylic and ink on paper, 35 x 25 cm
- Adriana Minoliti, “XOXO”, 2013, Series: Paris, Print
- Adriana Minoliti, “Tarot -abstracción de catálogos de lencería “Frederick’s of Hollywood”-“, 2013, Projection, 9 color slides, variable dimensions
- Adriana Minoliti, “Queer Abstraction”, 2013, Series: Periodo Rosa, Acrylic on canvas, 50 x 40 cm
- Adriana Minoliti, “Soft”, 2012, Serigraphy on sheets, Variable dimensions
Selected Biographical Information
Prizes / Fellowships
- 2004: “Artist’s Choice Award”, Artbots, Saints Michael and John’s Church, Dublin, Ireland.
- 2005: “Premio Armando Reverón”, 61 Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Valencia, Venezuela.
Solo Exhibitions
- 2015: “Geometric choreographies”, Das Kleine Museum, Weissenstadt, Germany.
- 2014: “Elias Crespin”, Galerie Denise René, Paris, France.
- 2014: “Elias Crespin”, Temps suspendu, Galerie de la Marine, Nice, France.
- 2012: “Et Op! Elias Crespin”, Musée en Herbe, Paris, France.
- 2012: “Elias Crespin. Parallels”, Cecilia de Torres Ltd., New York, NY, USA.
- 2011: “Visionary Collection Vol. 14. Elias Crespin Electrokinetics”, Haus Konstruktiv, Zurich, Switzerland.
- 2010: “Hiperficies”, Ars Longa, Paris, France.
- 2006: “Electrocinéticas”, Canal Centro de Producción Cultural, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2015: “Selección = Relación”, Espacio Monitor, Caracas, Venezuela.
- 2015: “Mapping Festival”, Geneva, Switzerland.
- 2014: “Busan Biennale”, Busan, South Korea.
- 2014: “Structures de l’invisible”, Galerija Klovicevi dvori, Zagreb, Croatia / Foundation Vasarely, Aix-en-Provence, France.
- 2013: “Turbulences II”, Villa Empain – Fondation Boghossian, Brussels, Belgium.
- 2013: “Intersecting Modernities. Latin American Art from the Brillembourg Capriles Collection”, MFAH, Houston, TX, USA.
- 2013: “Dynamo”, Grand Palais, Paris, France.
- 2013: “Des gestes de la pensée”, La Verrière Fondation d’entreprise Hermès, Brussels, Belgium.
- 2012: “Turbulences“, Espace culturel Louis Vuitton, Paris, France.
- 2012: “Hommage à Denise René”, Galerie Denise René, Paris, France.
- 2011: “Cosmopolitan Routes”, MFAH, Houston, TX, USA.
- 2009: “North Looks South”, MFAH, Houston, TX, USA.
- 2006: “Life Forms”, Kinetica Museum, London, UK.
- 2004: “Ingravidez”, Ateneo de Cabudare, Cabudare, Venezuela.
- 2004: “Mutaciones en el espacio”, Museo del Estado Miranda, Los Teques, Venezuela.
Publications
- Elias Crespin. Parallels, Cecilia de Torres Ltd., New York, NY, USA, 2012.
- Elias Crespin. Hiperficies, Ars Longa, Paris, Francia, 2010.
- Virginie Chuimer-Layen, “Elias Crespin et la poésie de la cinétique”, in La Gazette de Drouot, 6, Febrero 15, 2013.
- Amélie Adamo, “Elias Crespin. Sculpteur d’algorithme”, in Art Absolument, 49, Septiembre-Octubre 2012.
- Victoria Verlichak, “Geometric Choreographies”, in Art Nexus, 78, 2012.
Collections
- Colleción Ella Fontanals – Cisneros, Miami, FL, USA.
- El Museo del Barrio, New York, NY, USA.
- Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- The Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA.
Links
- Elías Crespín, “Malla Electrocinética i”, 2012, Stainless steel, leads, nylon, motors, computer, electronic interface, 50 x 50 cm. Private Collection, Paris. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “10 Cuadrosi”, 2007. Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, FL. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Tetralineados Circular Azul”, 2009, Plexigalss, nylon, motors, computer, electronic interface, 20 x 80 x 80 cm. Private Collection, Houston TX, USA. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Tetralineados Rojo”, 2009, Plexigalss, nylon, motors, computer, electronic interface, 20 x 20 x 155 cm. Private Collection, Buenos Aires, Argentina. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Angulados Beta”, 2009, Stainless steel, nylon, motors, computer, electronic interface, 100 x 42 cm. Private Collection. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Hiperficie”, 2010, Steel, bronze, nylon, motors, computer, electronic interface, 210 x 195 cm. The Brillembourg Capriles Collection of Latin American Art, Miami, FL, USA. Image courtesy of the artist and Museum Haus Konstruktiv, Zurich
- Elías Crespín, “TriNet”, 2011, Stainless steel, nylon, motors, computer, electronic interface, 100 x 42 cm. Private Collection. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Cubo Electrocinético”, 2011, Aluminum, leads, nylon, motors, computer, electronic interface, 50 x 50 x 50 cm. Private Collection, Paris, France. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “4Net”, 2011, Steel, brass, nylon, motors, computer, electronic interface, 247 x 247 cm. Private Collection. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Circuconcéntricos Inoxidable”, 2012, Stainless steel, nylon, motors, computer, electronic interface, Diameter 100 cm. Private Collection. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Plano Flexionante 2”, 2012, Stainless steel, nylon, motors, computer, electronic interface, 592 x 24 cm. Private Collection, Hong Kong. Image courtesy of the artist and Cecilia de Torres Ltd., New York.
- Elías Crespín, “Plano Flexionante Circular”, 2012, Stainless steel, aluminum, brass, nylon, motors, computer, electronic interface, Diameter 300 cm. Private Collection. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Circuconcéntricos Transparente”, 2013, Plexiglass, nylon, motors, computer, electronic interface, Diameter 100 cm. Private Collection. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “16 cubos”, 2013, Stainless steel, nickel, nylon, motors, computer, electronic interface, 50 x 50 x 10 cm. Private Collection. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Plano Flexionante Circular Rojo”, 2013, Plexiglass, nylon, motors, computer, electronic interface, Diameter 100 cm. Private Collection, Paris, France. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
*This artist statement has been generated by a computer.
Emilio Chapela lives and works both in Mexico City and the Forgotten Realms of the Earth. He works with the latest technology from Japan and China. His artistic practice is concerned with the development of a system that allows the operator to control various processes such as those used for conventional and unconventional methods to determine the relative importance of individualized factors. He also investigates the effect of increasing importance of the different methods used to identify the specific factors involved in the production and dissemination of a particular type of information. In such a way, he has worked with several different methods to determine how the various systems respond to the needs identified through their own resources. He has participated in shows both at galleries, museums and other cultural institutions, at places like the U.S. Geological Society of America and at the Museum of Modern Art in New York. He was awarded with the prestigiou award for gallantry in the field of public procurement and disposal. In 2010, he published his first book on the history of the world. In the near future, he will be showing his work at the National Institute of Technology and Information Ethics in Washington DC.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Lic. en Comunicaciones. Universidad Iberoamericana, Mexico City, Mexico.
- Diploma en Fotografía y Medios Alternativos. Centro de la Imagen, Mexico City, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2003: Jovenes Creadores, FONCA.
- 2007: Residencias en el Extranjero, FONCA/ISCP NYC.
- 2008: Fomento y Coinversiones Culturales, FONCA.
- 2010: Premio Tequila Centenario al Artista Emergente, ZONA MACO.
- 2013: Fondo para Publicaciones, Fundación/Colección Jumex.
- 2013: Jovenes Creadores, FONCA.
Solo Exhibitions
- 2013: “Requiem“, Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Ein Ungerhueurliches Beispiel von Sozialismus”, V.F.K.U. Rosa-Luxemburg-Platz, Berlin, Germany.
- 2012: “La Guerra de las Termitas”, Galería 11×7, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “A measure for some things“, Henrique Faria Fine Art, NYC, USA.
- 2011: “Ask Google”, Saw Gallery, Ottawa, Canada.
- 2010: “Made in Italy”, Galleria Galica, Milan, Italy.
Group Exhibitions
- 2013: “Obra Colección”, Foto Colectania, Barcelona, Spain. Curated by Joan Fontcuberta.
- 2013: “Formas y Pasajes”, Centro de las Artes, Monterrey, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Tiempo de Sospecha”, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2012: “The Black Market of Translation”, NGBK and Kunstraum Kreuzberg, Berlin, Germnay.
- 2011: “Social Media”, Pace Gallery NY, USA.
- 2011: “Patria o Libertad”, MOCA Toronto, Canada.
Publications
- Miscomunication: Baragouins, Giberish and Googledygook. 2008. Catálogo de Expoisición. Die Kurt Gödel Bibliothek. 2014. Ed. Sicomoro.
Collections
Links
- Emilio Chapela, “Imbalance”, 2011, Formica (HPL) and plywood, 48 x 17 x 17 in. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “512 Drinks”, 2008, Series: 3+2AP, C-prints and aluminum frames, 700 x 201 cm. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Taco Bell”, 2011, Series: Unique, Acrylic on canvas, 200 x 100 cm. Sayago & Pardon Collection. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Illy-Lavazza”, 2010, Series: Unique, Acrylic on canvas, 220 x 200 cm. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Oli di Oliva”, 2010, Series: 3+2AP, C-prints and aluminum frames, 100 x 150 cm. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Tea Party, Democrats, Republicans”, 2011, Series: Unique, Paint and MDF, Variable dimensions. Location: NYC / Artist Pension Trust. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Narco”, 2011, Series: Unique, Formica and MDF, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Religión, Ciencia”, 2011, Series: Unique, Plywood and MDF, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Finnegan’s Wake”, 2012, Series: 1+AP, Inkjet print, 60 x 120 cm. Sayago & Pardon Collection. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Pepsi (history)”, 2012, Series: Unique, Acrylic on MDF, 270 x 25 cm. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Wal-Mart”, 2012, Series: Unique, Acrylic paint and MDF, 120 x 25 cm. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Natural Numbers 1”, 2009, Series: Unique, Paper, 10 letter sized frames. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Democrazia, Democracia, Democracy, Démocratie, Demokratie”, 2010, Series: Unique, Acrylic pain on canvas, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Peso, dollar, euro, pound”, 2010, Series: Unique, Acrylic paint on canvas, Variable dimensions. Location: Berlin (Artist Pension Trust). Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
My work consists in propose to people a way of thinking that with plans or without them could unveil doubts or solutions. I would like to open a discourse where we could discuss themes that could help us solve our lives as a community. Basically, my work consists of questions and perspectives about the world with projections to the future, where armed conflicts are kids’ toys, for children that have faith in living and not in hating (to live without hate). Without forgetting to judge the ones who have brought us to these poverty conditions and misinformation. I do not consider myself conceptual or minimalist, but utilitarian of these mediums, as a precise way of approaching concrete subjects without much paraphernalia.
Mi trabajo consiste en proponer a las personas una forma de pensamiento que, con planes o sin ellos, descubran dudas o soluciones. Me gustaría poder entablar un discurso donde podamos discutir temas que nos ayuden a solucionar nuestras vidas en comunidad. Básicamente mi trabajo radica en interrogantes y perspectivas de un mundo con proyecciones al futuro donde los conflictos armados sean de juguete sin para niños que tengan fe en vivir y no en odiar (vivir sin odio). Pero sin olvidar juzgar a los que nos han llevado a estos estados de pobreza y mala información. No me considero conceptual ni minimalista, sino utilitario estos medios como forma precisa de abarcar temas más concretos sin tanta parafernalia.
Selected Biographical Information
Prizes / Fellowships
- 2001: Golden Lion for best young artist, 49th Venice Biennal, Venice, Italy.
- 1996: First Prize “Glifo de oro” X Bienal de Arte Paiz. Category: Invited artists. Guatemala 1994.
- 1996: First Prize “Glifo de oro” IX Bienal de Arte Paiz. Guatemala.
- 1996: First Prize “Mención de honor” IX Bienal de Arte Paiz, Category: General. Guatemala.
Solo Exhibitions
- 2004:”Anibal López – A-1 53167″, Fondazione Adriano Olivetti, Rome and Associazione Prometeo per l’Arte Contemporanea, Lucca, Italy.
Group Exhibitions
- 2011: “Economía informal”, (Ex)Céntrico – Centro Cultural de España en Guatemala, Guatemala City, Guatemala.
- 2007: “Cátedra arte de la Conducta”, La Habana, Cuba.
- 2006: “Colectiva”, prometeogallery di Ida Pisani, Milan, Italy.
- 2006: “Drawings on paper”, Carlos Woods Gallery, Guatemala City, Guatemala.
- 2006: “The Power of Economy”, Festival dell’economia, Galleria Civica di Arte Contemporanea, Trento, Italy.
- 2006: “Frontera corozal. Un chol fotografando a un lacandon”, Chiapas, Mexico.
- 2005: “Gratis”, Sol del Rio Arte Contemporaneo, Guatemala City, Guatemala.
Publications
- UNIVERSES IN UNIVERSE. Entrevista con Pat Binder & Gerhard Haupt, durante la 49na. Biennale di Venezia.
- Viviane Lorea, Catalogo: Mesoamerica, Osilaciones y Artificios.Centro Atlantico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria Pags.: 32, 33, 127, 129,
- Catalogo: Last Minute, Verso la Fine Dell’eternita A cura di Lara facco e Lino Baldini, 12 di Maggio – 16 giugno 2002 Organizzazione a Cura delle Gallerie
- Pianisimo (Milano) e Placentia Arte (Piacenza) Pag.: 42.
- Rocina Cazali, Catalogo di la 49 Biennale di Venezia, Italia
- Javir Fuuentes Feo Revista magna Terra
- Ariel Riwo, Revista Magna Terra
- A-1 53167 Aníbal López, “Contaminación visual”, 2013, Installation, pencil on wall. Location: 9-99 Project, Guatemala
- A-1 53167 Aníbal López, “Línea”, 2013, Ink on paper.
- A-1 53167 Aníbal López, “El proceso, Córdoba, Argentina. Fabricación de una caja de concreto en cuyo interior se colocaron fotografías de personas desaparecidas, posteriormente se destruyó.”, 2011
- A-1 53167 Aníbal López, “El proceso, Córdoba, Argentina. Fabricación de una caja de concreto en cuyo interior se colocaron fotografías de personas desaparecidas, posteriormente se destruyó.”, 2011
- A-1 53167 Aníbal López, “9mm”, 2009, Marble sculpture intervened with 9mm bullets
- A-1 53167 Aníbal López, “Escultura pasada de contrabando de Paraguay a Brasil”, 2007, 500 boxes illegally transported from Paraguay to Brazil
- A-1 53167 Aníbal López, “Dibujos sobre papel”, 2006, Site specific project. Location: Galería Carlos Woods
- A-1 53167 Aníbal López, “Dibujos sobre papel”, 2006, Site specific project. Location: Galería Carlos Woods
- A-1 53167 Aníbal López, “Arma de defensa personal”, 2005, Performance, peddler was asked to sell river stones. Location: Guatemala City.
- A-1 53167 Aníbal López, “Arma de defensa personal”, 2005, Performance, peddler was asked to sell river stones. Location: Guatemala City.
- A-1 53167 Aníbal López, “Listón de Plástico Negro de 120 m de largo x 4 m de ancho colgado sobre el Puente del Incienso”, 2002, Black plastic strip, 120 m long x 4 m.
- A-1 53167 Aníbal López, “30 de Junio. Guatemala, Guatemala.Diez sacos de carbon esparcidos sore la sexta avenida, una de las calles principals de la ciudad de Guatemala, sobre la que desfila (por última vez) el ejército de Guatemala. Durante el genocidio efectuado contra aldeas y campesinos indígenas, sus restos fueron quemados y enterrados en fossa communes. A dicha operación se le llamó “tierra arrasada”. Hasta hoy existen dichos depósitos de carbon.”, 2000, Ten bags of charcoal scattered on Sixth Avenue, one of the main streets of Guatemala City, on this street the Guatemalan army realized a parade (for the last time). This action recalls the genocide against villages and indigenous peasants, who were burned and buried in mass graves. This operation was called “scorched earth”. To this day these carbon deposits still exist.
- A-1 53167 Aníbal López, “30 de Junio. Guatemala, Guatemala.Diez sacos de carbon esparcidos sore la sexta avenida, una de las calles principals de la ciudad de Guatemala, sobre la que desfila (por última vez) el ejército de Guatemala. Durante el genocidio efectuado contra aldeas y campesinos indígenas, sus restos fueron quemados y enterrados en fossa communes. A dicha operación se le llamó “tierra arrasada”. Hasta hoy existen dichos depósitos de carbon.”, 2000, Ten bags of charcoal scattered on Sixth Avenue, one of the main streets of Guatemala City, on this street the Guatemalan army realized a parade (for the last time). This action recalls the genocide against villages and indigenous peasants, who were burned and buried in mass graves. This operation was called “scorched earth”. To this day these carbon deposits still exist.
- A-1 53167 Aníbal López, “Mancha de 55,000 puntos”, 2002, Intervention on newspaper Siglo XXI, Guatemala
- A-1 53167 Aníbal López, “Punto en movimiento”, 2002, Intervention on urban space, Guatemala
- A-1 53167 Aníbal López, “La Distancia entre dos puntos”, 2002, Sol Del Río Arte Contemporáneo, Guatemala
Translated from Spanish
The expressive possibilities and the contact with material that oil painting give me, are essential in the construction of my geometric paintings. I can even subordinate some of my ideas to the impulses of the material, as if it had a conscience parallel to my state of will. In this delicate balance, straight lines, angles, spirals, curves, accumulations of dots, and wavelengths appear on the surface of the canvas. Many of these elements of composition that I transfer from the field of scientific representation to the field of art, help me define my interest on some concepts: truth/false, my relationship with Op Art, the movement of the gaze and perception, among others. As an example, Líneas paralelas (parallel lines) is one of the works that questions reality or at least it questions it as a convention. A painting of straight lines that because of tonality, contrast, and arrangement of the squares, they look curved. Can we say they are not? Empirically, they are not, but they are to our perception, and in this case, this is what prevails. Isn’t “truth” what we see? Does accuracy matter in art? I think, for example, in Albers and his theory of color. In the same way, the works from the series Velocidad (speed) are fragments of the light spectrum, which I multiply forward, backwards, up and down. In this way, we see some of the colors that are the same, differently. Geometry interests me in this sense too.
Back when I began to draw still lives as an academy student, the teachers told me not to draw figures but the spaces between them. In a way, this originated in me the seed of geometric abstraction. I would say I still have a fascination for the process of abstracting the invisible from the visible. Years later, contemporary geometric art means to me the same as always: the supremacy of the forms and the invisible spaces over naturalism. We give noise or silence to a form through composition, and it is from that place where we are committing our position or view of the world. In this sense, I like to understand art in the words of these two Argentinean poets, Olga Orozco: “Art is a reflection of the invisible;” and Léonidas Lamborghini: “Poetry is not the music of the soul but the silence of intelligence.” It is as if art and poetry would appear when there is nothing else to say. In this sense, subtraction also operates in my paintings as a tool that I use to define concepts.
In the works of the exhibition El amor probablemente, 2005, I used some names and icons of art (Jesús Soto, Morandi, and Bridget Riley, among others) as a possibility for a historical “dialogue”, but this dialogue, due to the density and imprint of the artists, could not be made through derivation, continuity or contribution without misinterpretation. In a way, I had to destroy those works to make reverence afterwards. In the historical evolution, “conversations” amongst contemporary artists of from different eras, were often of consolidation or continuity of their postulates. But when Soto saw Mondrian, he asked himself how to continue with painting from there, how to follow from the place Mondrian had left of, and when he remembered the light with silver white in the water reflections from the paintings by Reverón, he saw the possibility of incorporating movement to his paintings and developing the idea of a more optical art. What is relevant to me from this historical moment is the need of the artist of relating to his/her equals. En el amor… (in love…) I tried to make a work from the author’s self-consciousness, a sort of painting inside a painting. It was a hinge in my work, in the sense that I added to my formal relationship with science the concept of painting as a legacy, or as a more intense dialogue with previous movements, and especially with some artists. Subtraction then functioned more indispensably to continue these close relationships.
I remember a work by Soto that inspired such love from me to it that I had to become physically involved. It was a background with lines in black and white and in the front had black metal wires hanging. When one moved, the background also produced movement. Soto said that to give movement to a work he didn’t need a motor. I partially reproduced this work but omitted the wire and substituted the black lines from the background for blue and then ochre. In this way, and due to the ability of oil to keep the “breathing” of the color underneath, that a simple effect of movement was increased substantially. Even without Soto’s wires, the work did not stop its motion, meaning that I understood that they were not necessary for the purpose of going beyond the plane. This work, just as more recent ones, are which give me the guidelines and desire to work more intensively within geometry.
Las posibilidades expresivas y el contacto con la materia que me proporciona la pintura al óleo son móviles esenciales en la construcción de mis cuadros geométricos. Puedo incluso subordinar algunas de mis ideas a los caprichos de la materia, como si ésta tuviera una conciencia paralela a mi estado de voluntad. En este delgado equilibrio van apareciendo o desplazándose sobre la superficie de la tela: formas rectas, ángulos, espirales, vértices, acumulaciones de puntos, longitudes de onda. Muchos de ellos elementos de composición que mudo del campo de las representaciones científicas al de las artes y que me sirven para delinear mi interés sobre algunos conceptos: verdad/falsedad, mi relación con el Op art, desplazamiento de la mirada y de la percepción, entre otros. A modo de ejemplo, Líneas paralelas es uno de los cuadros que pone en duda la verdad o al menos la cuestiona como convención. Un cuadro de líneas rectas que por un tema de valor de los tonos, contraste y desplazamiento de los cuadrados, se ven curvas. ¿Acaso podemos decir que no lo son?, empíricamente no, pero para nuestra percepción sí, y en tal caso, aquí eso es lo que prima. ¿No es acaso “verdad” lo que vemos?; ¿importa la comprobación en el arte? Pienso en Albers y su teoría de color por ejemplo. Del mismo modo, los cuadros de la serie Velocidad son fragmentos del espectro lumínico que multiplico hacia adelante, hacia atrás, para arriba y para abajo; de esta manera algunos colores que son iguales los vemos diferentes. La geometría me interesa en ese sentido también.
Cuando de estudiante en la academia comencé a dibujar naturalezas muertas, los profesores me decían que dibujara no las figuras sino los espacios entre ellas, de alguna manera esto creó en mí el germen de la abstracción geométrica. Diría que me quedó cierta fascinación por el proceso de abstraer lo invisible de lo visible. Años después, el arte geométrico contemporáneo significa para mí lo mismo que siempre: la supremacía de las formas y los espacios invisibles por sobre el naturalismo. El ruido o silencio de una forma lo damos en la composición y ahí es que estamos comprometiendo nuestra posición o mirada frente al mundo. En este sentido me gusta entender el arte en las frases de estos dos poetas argentinos; Olga Orozco: “El arte es el reflejo de lo invisible” y Leónidas Lamborghini: “La poesía no es la música del alma sino el silencio de la inteligencia”. Es como si el arte y la poesía aparecieran cuando ya no hay nada más para decir. En este sentido la sustracción también opera en mis pinturas como una herramienta que utilizo para la definición de conceptos.
En los cuadros de la muestra El amor probablemente, 2005, utilicé algunos nombres e iconos del arte (Jesús Soto, Morandi, Bridget Riley, entre otros) como posibilidad hacia alguna forma de “diálogo” histórico, pero este diálogo, por la espesura y huella de estos artistas, no podía darlo a partir de una derivación, continuidad o aporte hacia ellos sin antes violentarlos. De alguna manera debía destruir esos cuadros para poder reverenciarme luego. En el devenir histórico las “conversaciones” entre artistas contemporáneos o de diferentes épocas solían ser muchas veces de profundización o continuidad de sus postulados. Pero cuando Soto observó a Mondrian se preguntó cómo seguir con la pintura a partir de ahí, cómo seguir desde el punto que Mondrian la había dejado, y recordando los golpes de luz con blanco de plata en los reflejos del agua de las pinturas de Reverón, vio como posibilidad el incorporar movimiento a sus pinturas e ir desarrollando la idea hasta la aparición de un arte más óptico. Lo importante para mí en este episodio histórico, es la necesidad del artista en relacionarse con sus pares. “En el amor…” intenté hacer un trabajo más desde la autoconciencia del pintor, una suerte de pintura dentro de la pintura. Fue una bisagra para mis trabajos en el sentido que sumé a mi relación formal con la ciencia el concepto de pintura como un legado, o en tal caso como un diálogo más intenso con los movimientos anteriores y en particular con algunos artistas. La sustracción entonces, operó aquí de una manera indispensable para continuar esas estrechas relaciones.
Recuerdo una obra de Soto que despertó tal amor de mí hacia ella que debí involucrarme físicamente. Era un fondo de rayas en blanco y negro y delante colgaban unas varillas negras de metal. Al moverse uno, en el fondo también se producía movimiento. Soto decía que para poner en movimiento la obra no necesitaba ningún motor. Reproduje parcialmente esa obra pero le suprimí las varillas y sustituí el negro de las líneas del fondo, primero con azul y luego una última mano de ocre; de esa manera y por esa capacidad que tiene el óleo de mantener la “respiración” del color de abajo, un simple efecto de movimiento fue potenciado sustancialmente. Aún sin las varillas de Soto, el cuadro no detenía su movimiento, es decir que advertí que no era necesario para lograr ese fin, ir más allá del plano. Este trabajo como otros más actuales en mi producción son los que me van dando las pautas y el deseo de trabajar con intensidad dentro de la geometría.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1993-91: Beca de la Fundación Antorchas, coordinada por Guillermo Kuitca, Buenos Aires, Argentina.
- 1988-87: Taller de Ahuva Szlimowicz, Buenos Aires, Argentina.
- 1987-85: Taller de Felipe Noé, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 1993-91: Beca de la Fundación Antorchas, coordinada por Guillermo Kuitca. Buenos Aires, Argentina.
- 2002: Segundo premio, Premio Aerolíneas Argentinas a las Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina.
- 1996: Subsidio Anual a la Creación, Fundación Antorchas, Buenos Aires, Argentina.
- 1991: Mención de Honor, Premio Nuevo Mundo para jóvenes artistas, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 1987: Mención especial, Premio Quinquela Martín, Museo Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2013: “Comiéndose a Raúl“, Galería Vasari, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Abstracta”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Conferencia de Prensa“, Galería Alejandra Von Hartz, Miami, USA.
- 2007: “Fabián Burgos”, Galería de Arte 5006, Hotel Design Suites, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: “El amor probablemente”, Galería Dabbah Torrejon, Buenos Aires, Argentina.
- 2003: “MC5 Misceláneas”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2003: “MC5 Misceláneas”, Teatro Auditorium, Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina.
- 2000: “Fabián Burgos”, Annina Nosei Gallery, Nueva York, USA.
- 2000: “Ilusión de ver”, Galería Dabbah Torrejon, Buenos Aires, Argentina.
- 1997: “Works on canvas”, Annina Nosei Gallery, Nueva York, USA.
- 1994: Centro Cultural Ricardo Rojas, Buenos Aires, Argentina.
- 1993: ICI, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2011: Espacio Arte American Express, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Recovering Beauty: The 1990s in Buenos Aires”, Blanton Museum of Art, Houston, Texas, USA.
- 2011: “Punto Línea Curva”, Curator Philippe Cyroulnik, Galería del Infinito, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: Subasta 2011, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: Art First, Colección MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Fundación Pablo Atchugarry, Manantiales, Punta del Este, Uruguay.
- 2011: “4 Museos + 40 Obras. Muestra Itinerante de Colección MACBA”, Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén, Argentina, Museo Emilio Caraffa, Córdoba, Argentina, Centro Cultural del Bicentenario de Santiago del Estero, Argentina, Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “30 Años”, Subasta, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Arte en el Plata”, Intervención artística sobre la fachada del Edificio del Plata, Buenos Aires, Argentina. Curators: Inés Katztenstein y Eva Grinstein.
- 2009: “El color en toda su diversidad”, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina, Curator: Philippe Cyroulnik.
- 2009: “Geometrías dislocadas”, Burgos, Door, Siquier, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2009: “All Boys”, en el Rosa x 6, in charged: Rocío Paladini, Santa Fe, Argentina.
- 2009: “Escuelismo. Arte argentino de los 90”, MALBA Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- 2011: Pintura Latinoamericana Contemporánea. Edward Shaw. Santiago de Chile. Chile.
- 2011: Catálogo 4 Museos + 40 Obras. Colección MACBA. Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires. Argentina.
- 2011: Catálogo Recovering Beauty: The 1990s in Buenos Aires .Published by The Blanton Museum of Art at the University of Texas at Austin. Houston.Texas. USA.
- 2010: Arte Cinético y neocinetismo. Hitos y nuevas manifestaciones en el siglo XXI. Elena Oliveras. Emecé Arte
- 2009: Como el amor. Valeria González y Máximo Jacoby. Libros del Rojas. Universidad de Buenos Aires. Buenos Aires. Argentina.
- 2006: Revista Inrockuptibles, Buenos Aires, Argentina / Rial Ungaro, Santiago, Radar, diario Página 12, Buenos Aires, Argentina / López Anaya, Jorge, diario La Nación, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: Curadores. Entrevistas. Gumier Maier. Libros del Rojas. Universidad de Buenos Aires. Buenos Aires. Argentina.
- 2003: Rial Ungaro, Santiago, “El Coleccionista” Radar, diario Página 12, 6 de julio de 2003. Buenos Aires, Argentina / Bouts, Fernando, “Fabián Burgos y sus recortes”, revista Ricardito. Agosto de 2003, Buenos Aires, Argentina.
- 2001: Pintura Argentina. Final del siglo XX (II). Ediciones Banco Velox. Buenos Aires. Argentina.
- 2000: De Ambrosini, Silvia, “Broche ciencia-arte”, revista Artinf, Nro. 110, 2000, Buenos Aires, Argentina / López Anaya, Jorge, “Versiones del mismo mundo”, diario La Nación, 15 de octubre de 2000, buenos Aires, Argentina / Grinstein, Eva, “La realidad, una ilusión que se percibe con los cinco sentidos”, diario El Cronista Comercial, 27 de septiembre de 2000, Buenos Aires, Argentina / Diéguez Videla, Albino, “ El valor y el “precio” del arte”, diario La Prensa, 24 de septiembre de 2000, Buenos Aires, Argentina / Kuropatwa, Alejandro, “Al agua patawa”; Bruzzone, Gustavo.
- 2000: “Exaltando la óptica”; Baccetti, R, “Otra Galería otra!”; Moyal, M, “Cuadros de adictiva vibración”, revista Ramona, Octubre de 2000, Buenos Aires, Argentina.
- 1999: “Artistas argentinos de los `90” (Fondo nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina, 1999). Págs. 100,101,219-224 y 225.
- 1998: Grinstein, Eva, “ArteBA, cambios y persistencias”, diario El Cronista Comercial, 20 de mayo de 1998, Buenos Aires, Argentina.
- 1996: Katzenstein, Inés, “Ballesteros, Burgos y Kacero: la plástica y la ciencia en contacto”, diario El Cronista Comercial, 31 de julio de 1996, Buenos Aires, Argentina / Lebenglik, Fabián, “Consecuencias insospechadas” diario Página 12, 30 de julio de 1996, Buenos Aires, Argentina.
- 1995: Tager, Alisa, “Report from Buenos Aires: Argentine Artifice” revista Art in America, septiembre 1995. Miami, USA.
- 1992: Dibar, Juan Carlos, “Dos muestras de artistas argentinos”, diario El Cronista Comercial, 21 de junio de 1992, Buenos Aires, Argentina / Oliveras, Elena, “Pluralismo”, diario Clarín, 10 de octubre de 1992, Buenos Aires, Argentina.
- Fabián Burgos, “Velocidad marrón”, 2005, Oil on canvas, 170 x 230 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Velocidad en círculo”, 2010, Oil on canvas, 130 x 0 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Rotación sobre Max Bill”, 2005, Oil on canvas, 185 x 185 cm. Image courtesy of the artist
- Fabián Burgos, “Sin fin”, 2013, Oil on canvas, 120 x 2015 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Giro y círculos sobre rojo”, 2009, Oil on canvas, 146 x 159 cm. Image courtesy off the artist.
- Fabián Burgos, “Borroso (línea central)”, 2010, Oil on canvas, 96 x 121 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Velocidad con círculos”, 2010, Oil on canvas, 170 x 200 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Líneas paralelas roja”, 2010, Oil on canvas, 150 x 150 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Desplazamiento (políptico 2)”, 2008, Oil on canvas, 30 x 180 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Líneas paralelas (mural – imagen parcial)”, 2007, Acrylic on wall, 2,5 x 8 mts, Site specific Project. Location: Montbeliard (Francia). Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Líneas paralelas (mural- imagen completa)”, 2007, Acrylic on wall, 2,5 x 16 mts, Ste specific Project. Location: Montbeliard (Francia). Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Espiral amarillo”, 2010, Oil on canvas, 118 x 150 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Espiral azul”, 2010, Oil on canvas, 190 x 240 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Sin fin Nº 2”, 2010, Oil on canvas, 190 x 243 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Kramnik us Portich (1983)”, 2010, Series: Tableros, Oil on canvas, 144 x 149 cm. Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Painting to me exists as an extension beyond the space-time limits where I put to test anti-epistemological values that aim to question some essentialist posture of the symbolic domain. They are sets, or sometimes equations that arise from a deliberate economy of resources and studies that explore the consequences of modernity in the representation of identitarian images (for example Casta paintings from the 19th century), or the conceptual limits of the history of modernity itself.
Para mi existe la pintura como una extensión más de los límites espacio-temporales donde pongo a prueba valores contra-epistemológicos que buscan cuestionar algunas posturas esencialistas del dominio simbólico. Son escalas, a veces ecuaciones que surgen de una deliberada economía de recursos y estudios que exploran las consecuencias de la modernidad en la representación de imágenes identitarias, (como por ejemplo la pintura de castas del siglo XIX) o bien, los límites conceptuales de la historia misma de la modernidad.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2010: Universidad Nacional Autónoma de Honduras, 5 años, Licenciado en Sociología, Tegucigalpa, Honduras.
- 1995: Escuela Nacional de Bellas Artes, 5 años, Maestro en Artes Plásticas, Tegucigalpa, Honduras.
Prizes / Fellowships
- 1995: Primer premio Bienal de Escultura y Cerámica, IHCI, Tegucigalpa, Honduras.
- 2007: Antología de las Artes Visuales, Tegucigalpa, Honduras.
- 2013: Premio Illy Sustain Art, Venecia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Pintura Política”, Galería PM8, Vigo, Spain.
- 2013: “Eccepolis”, Sala Luis Miro Quesada, Lima, Perú.
- 2012: “Frescos Fetiches”, Centro de Artes Visuales, Tegucigalpa, Honduras.
- 2012: “Charter City”, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- 2012: “Sedimentos”, Ex-Teresa, Arte Actual, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Topografías”, Solo Project, ARCO Madrid, Spain.
- 2011: Galería 80m2, Lima, Perú.
- 2008: “Dis-tensiones”, Centro Cultural de España, Tegucigalpa, Honduras.
- 2007: “Sociedad Ilícita”, Fundación Teorética, San José.
- 2007: “Denominaciones y Retroscopías”, Costa Rica.
- 2006: “El Poder de la Asepsia”, Image Art Factory Foundation, Belize City, Belize.
- 2005: Galería Portales, Tegucigalpa, Honduras.
- 1995: “Panópticos”, Galería Paradiso, Tegucigalpa, Honduras.
Group Exhibitions
- 2013: “California-Pacific Triennial”, Orange County Museum of Art, CA, USA.
- 2013: Musem of Latin American Art, Long Beach C.A, USA.
- 2013: “Intersections”, 7a Bienal de Curitiba, Brazil.
- 2012: “You will never walk alone again”, Radiator Gallery, New York, USA
- 2012: “Caribbean: Crossroads of the World”, Museo del Barrio, New York, USA.
- 2011: “(S) Files”, Bienal del Museo del Barrio, New York, USA.
- 2011: “Entre Siempre y Jamás”, 54 Bienal de Venecia, Italy.
- 2011: “Miradas Sin coordenadas”, La Casona, Galería 80m2, Lima, Perú.
- 2011: “Triangulo C-S-C, video arte de América Latina”, Ex Teresa Arte Actual, Mexico City, Mexico.
- 2010: Muestra Internacional de Performance, Mexico City, Mexico.
- 2010: Bienal del Istmo Centroamericano, Managua, Nicaragua.
- 2010: I Trienal del Caribe, Santo Domingo, República Dominicana.
- 2010: Bienal de Artes Visuales, Tegucigalpa, Honduras.
- 2010: Bienal de Pontevedra, Spain.
- 2010: Centroamérica Unida por el Arte, El Sitio, Antigua Guatemala.
- 2009: Centro Cultural de España, San Salvador, El Salvador.
- 2009: “Migraciones. Mirando al sur”, La mancha de tomate, Tegucigalpa, Honduras.
- 2009: “Pintura. Proyecto Incompleto”, Centro de Formación de la Cooperación Española, Antigua, Guatemala.
- 2009: Fortaleza de San Carlos de la Cabaña, la Habana, Cuba, Décima Bienal de la Habana, Cuba.
- 2009: ” Nostalgia de Futuro”, Museo de Arte Contemporáneo, Valencia, Spain.
- 2009: “Migraciones. Mirando al sur”, Centro de Cultura Hispánica, Tegucigalpa, Honduras.
Publications
- Fuentes Guaza, Luisa. Ustedes Nosotros, editorial Index Book, España, 2010, 303 pag.
- Fuentes Guaza, Luisa. Lenguajes Contemporáneos desde Centro América, 2013, 400 pag.
Collections
- Daros Latin-américa, Zurich, Switzerland.
- Colección Patricia Phelps de Cisneros, Nueva York-Caracas.
- Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- Fundación Teorética, San José, Costa Rica.
- Museum of Latin American Art (Molaa), Long Beach, California, USA.
- Saxo Bank, Denmark.
- Fundación Ortiz-Gurdian, Leon, Nicaragua.
- Image Art Factory Foundatión, Belize City, Belize.
- Adán Vallecillo, “Pantone”, 2013, Installation, Dimensions variable. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Acordes V”, 2012, Assembly, Dimensions variable. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Mulato”, Series: Pintura de Castas, Acrylic / canvas with embedded level, 65 x 60 cm. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Tomas S.K.
- Adán Vallecillo, “Topgrafía I”, 2012, Series: Topografías, Recycled tires on racks, 280 x 720 cm. CIFO Collection, Miami, USA. Photo credit: Xose Quiroa.
- Adán Vallecillo, “Loba”, 2011, Series: Pintura de Castas, Painting, 90 x 100 cm. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Tomas S.K.
- Adán Vallecillo, “Criolla y Morisca”, 2011, Series: Pintura de Castas, Acrylic / canvas with embedded level, 90 x 95 cm. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Castiza”, 2011, Series: Pintura de Castas, Acrylic / canvas with embedded level, 60 x 65 cm. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Tomas S.K.
- Adán Vallecillo, “Pintura Mural Curitiba”, 2013, Series: Pintura Mural, Performance, Dimensions variable. Curitiba, Brasil. Photo credit: Renan Guedes Gumiel.
- Adán Vallecillo, “Banderolas”, 2013, Series: Pintura política, Wood assembly, Dimensions variable. Galería 80m2, Vigo, España. Photo credit: Francisco Salas.
- Adán Vallecillo, “Provocación IV”, 2009, Series: Provocaciones a Mondrian, Acrylic on canvas with embedded level, 90 x 100 cm. Saxo Bank Collection, Denmark. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Provocación V”, 2009, Series: Provocaciones a Mondrian, Acrylic / canvas with embedded level, 100 x 100 cm. Private collection, Florida. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Provocación XV”, 2012, Series: Provocaciones a Mondrian, Acrylic on canvas and wood, 85 x 40 cm. Private collection, USA. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Remesa Republic V”, 2008, Series: Remesa Republic, Installation, Dimensions variable. Artist Workshop, Honduras. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Civilización IV”, 2013, Series: Civilizaciones, Rubber patches, 300 x 225 cm. Galería 80m2, Lima, Perú.
- Adán Vallecillo, “Civilización V”, 2013, Series: Civilizaciones, Rubber patches, 300 x 225 cm. Galería 80m2, Lima, Perú.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2013: Programa Di tella, Universidad Torcuato Di tella.
- 2011: CIA, Centro de Investigaciones Artisticas.
- 2010: Lipac, Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas.
- 2007: Licenciatura en Artes Visuales, A, Instituto Universitario Nacional.
Solo Exhibitions
- 2013: “Disponibilidad Arriesgada”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Atlas”, Hora del Té, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Pollo Frito”, Rayo Lazer, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “La Tierra Permanece”, Jardín Oculto Galería, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Des)afectos”, Biquini Wax, Mexico City.
- 2013: “Sucursal”, Darling Foundry, Montreal, Canada.
- 2013: “Casa”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Monstruo II”, La Fábrica, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- Born wild, Buenos Aires (2013).
- One Day, Haru Gallery, Jeju-do, South Korea.
- Art Spaces directory, New Museum, NY (2011).
- Mañana Temprano, Sosunc, Neuquén, Argentina.
- Maps, Mastodonte editorial, Bogotá, Colombia (2010).
- Big Sur, Buenos Aires, Argentina (2010).
- Gala Berger, “Disponibilidad Arriesgada”, 2013, Jelly, wire, spotlight, Variable dimensions. Location: Galería Inmigrante. Photo credit: Facundo Pires
- Gala Berger, “Disponibilidad Arriesgada”, 2013, Jelly, wire, spotlight, Variable dimensions. Photo credit: Facundo Pires
- Gala Berger, “Red Bean Jello”, 2009, Installation, military tent, recycled plastic, 300 x 180 x 400 cm. Site specific project. Location: Anyang Market, South Korea. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “Chino para principiantes”, 2010-2011-2012, Series: Chino para principiantes, Drawing on Mao Benzhi paper, 21.59 x 35.56 cm. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “Las puertas”, 2013, Series: Relocalizaciones, Installation, plastic and ink, Variable dimensions. Site specific project. Location: Tepoztlán, Mexico. Image courtesy of the artists.
- Gala Berger, “Red Bean Jello”, 2009, Installation, military tent, recycled plastic, 300 x 180 x 400 cm. Site specific project. Location: Anyang Market, South Korea. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “Pollo Frito”, 2011, Mask, fabric and paper, Variable dimensions. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “La tierra permanece”, 2011, Installation, 27 paints / 27 plants, Variable dimensions, Site specific project. Location: Jardín Oculto. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “thoreau”, 2010, Plastic, rubber, paper, Variable dimensions. Photo credit: Juan Chaneton.
- Gala Berger, “La piedra que cambió las cosas”, 2013, Series: La piedra que cambió las cosas, Wood, collectible bills, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “Agua Viva”, 2010, Installation, plastic, paint, tape, Variable dimensions, Site specific project. Location: Aeroparque de Buenos Aires. Photo credit: Juan Chaneton.
- Gala Berger, “Nacido Salvaje”, 2013, Paper, Variable dimensions, Site specific project. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “Pintura bisexual”, 2011, Painting with two sides, Side A oil, Side B ink, 190 x 140 cm. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “Sucursal”, 2012, Billboard, Variable dimensions, Site specific project. Location: in front of Mamba, Argentina. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “s/t”, 2013, Jelly and wire on overhead projector, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
My work relates to everyday life in the city, specifically of a city like Guatemala, which is considered to be one of the most dangerous in Latin America. I try to take the behavior of a society, portraying the everyday in different ways.
Mi trabajo está ligado a la vida diaria de la ciudad, específicamente de una ciudad como Guatemala, considerada una de las más peligrosas de América Latina. Trato de llevar el comportamiento de una sociedad, retratando de diferentes maneras la cotidianidad.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Escuela Nacional de Artes Plásticas Guatemala.
Prizes / Fellowships
- 2013: Juannio, Guatemala.
- 2006: Bienal de arte Paíz, Guatemala.
Solo Exhibitions
- 2013: “Vertigo”, Centro municipal de arte y cultura en la ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “COLONIA”, galería “La Botica Cultural” de Ciudad de la Imaginación, Guatemala.
- 2011: “Revisiones”, galería Ex-Céntrico de la cooperación española, Guatemala.
- 2007: “HOMO-LOGO”, galería Carlos Woods Arte Antiguo y Contemporáneo, en Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2006: “Biografía Completa”, Arte La Fábrica, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
Group Exhibitions
- 2013: “Raw Material / Materia Prima”, Diablo Ross + Proyectos Ultravioleta + Sultana + La Central + Yautepec, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Post Después del Genocidio”, Centro para las artes visuales, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Así que se vaya”, Proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Proyectos Ultravioleta presenta”, proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Subasta de Arte Latinoamericano Juannio 2013”, Museo de Arte Moderno, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Forma y Sustancia Festival de Performance”, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “Proyectos Ultravioleta presenta”, Christinger De Mayo and Proyectos Ultravioleta, Zurich, Switzerland.
- 2012: “En la curvatura del tiempo: Arte y mujer”, Museo de Antropología e Historia, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “Así que se vaya”, Kamin y Proyectos Ultravioleta, Comalapa, Guatemala.
- 2012: “Así que se vaya”, Proyectos Ultravioleta, Quetzaltenango, Guatemala.
- 2012: “Convivir y Compartir”, XVIII Bienal de arte Paiz, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “Trienal Poli/gráfica”, San Juan, San Juan, Puerto Rico.
- 2012: “La ciudad”, Centro Cultural Metropolitano, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2011: “Me asusta pero me gusta”, Diablo Rosso, Ciudad de Panama, Panama.
- 2011: “Hoja Blanca”, exposición intinerante entre Suiza y Guatemala.
- 2011: “Ciudad como escenario e idea”, Galeria Kilometro 0, ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2011: “Experi[mental]”, Latin American Art on the Cusp of Contemporary, Los Angeles, USA.
Publications
- Art Nexus.
- Revista Bild Punk.
- Convivir y Compartir.
- Contemporary Languages from Centro América.
- Revista Digital de Arte y literatura.
- Revista Rara.
Collections
- Sayago y Pardon, USA.
- Blanton Museum Austin Texas, USA.
- Colección Ortiz Gurdian, Nicaragua.
Links
- Jorge de León, “Sin Título (blocks #3)”, 2013, Series: Colonia, Acrylic on cut canvas, 33 x 43 cm. Photo credit: Nora Pérez. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Sin Título (Colonia #2)”, 2013, Series: Colonia, Upholstery tape and pins, Variable dimensions. Photo credit: Nora Pérez. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Sin Título (Block #2)”, 2013, Series: Colonia edición 2/3, Cut paper on wall, 20 pieces of 26 x 15 each, organized in variable dimensions. Sit-specific project. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Block #6”, 2013, Series: Colonia, Cut paper74 x 54 cm. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Block #5”, 2013, Series: Colonia, Cut paper, 74 x 54 cm. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Block #4”, 2013, Series: Colonia, Cut paper, 74 x 54 cm. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Combustión”, 2012, Series: Acciones cotidianas, Video performance, 7 minutes installation, Variable dimensions. Photo credit: Nora Pérez and Ana Cosenza. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Sin Título (Cristal #6)”, 2012, Series: Date. Photo credit: Byron Marmol. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Antigua Combustión”, 2013, Series: Acciones cotidianas, Street intervention, video installation, 5 minutes, Variable dimensions. Photo credit: Bernardo Euler and Daniel Chauche. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Loop”, 2010, Series: Acciones cotidianas, Video performance, 7 minutes, Site-specific project. Location: Guatemala. Photo credit: Jenifer Alburez and Percy Cantillo. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Visor”, Octubre 2013, Series: Date, Zinc plate -found object, 174 x 88 cm. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Mariella Franco
- Jorge de León, “Visor #3”, Octubre 2012, Series: Date, Zinc plate -found object, 174 x 88 cm. Photo credit: Mariella Franco
Translated from Spanish
My site-specific works aim to create relationship bridges between art and architecture, where the architectural space is affected. The visitors relate to each other through works that alter the perception of “reality.” The interventions intersect, juxtapose, overflow, or are contained in the exhibition space.
Some have their origin in the display of a drawing or a painting in space. While some works are more related to the context of the place of exhibition, others seek a universal communication, beyond a specific culture. Present in my works is the constant use of few elements, an interest in shadow, void, absence, the passage of time, death. The most recent work explores from the visual arts to the geometric impossibility of relating parallel worlds through narratives.
Mis trabajos site-specific buscan construir puentes de relación entre Arte y Arquitectura, en donde el espacio arquitectónico es afectado. Los visitantes se relacionan entre sí a través de obras que alteran la percepción de “realidad”. Las intervenciones intersectan, se superponen, desbordan o son contenidas por el espacio de exhibición.
Algunas tienen su origen en el despliegue de un dibujo o una pintura en el espacio. Mientras unos trabajos están más ligados al contexto del lugar de exposición, otros buscan una comunicación universal, más allá una cultura específica. En mis obras se puede leer una constante en la utilización de pocos elementos, y el interés por la sombra, el vacío, la ausencia, las huellas del tiempo, la muerte. El trabajo más reciente explora desde las artes plásticas la imposibilidad geométrica de relacionar mundos paralelos a través de narrativas.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2000 Maestría interdisciplinaria en Arte y Arquitectura, (Prof. Christian Megert, Prof. Gerhard Merz), Academia de Arte de Dusseldorf, Germany.
- 1993 Arquitecto, Universidad de Los Andes, Bogotá, Colombia.
- 1991 Semestre de intercambio, Academia Real Danesa de Bellas Artes, Copenhague, Denmark.
Prizes / Fellowships
- 2012: Beca de investigación artística. Tras los pasos del mito Germania. DAAD (Servicio Alemán de Intercambio Académico), Berlín, Germany.
- 2009: Residencia Artística. Verein zur Förderung künstlerischer Projekte mit gesellschaftlicher Relevanz e.V., Wiesbaden, Alemania Beca de investigación artística. Palimpsestos urbanos en Berlin 20 años después de la caída del muro. DAAD (Servicio Alemán de Intercambio Académico), Berlín, Germany.
- 2007: Finalista. Premio Luis Caballero IV Versión, Bogotá, Colombia 2005 Mención de Honor. Premio Memoria.
- 2005: Holocausto del Palacio de Justicia, 20 años, Medellín, Colombia 2004 Ganador Concurso de Exposiciones. Secuela de Zeuxis y Parrhasios, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
- 1997 – 2000: Beca del DAAD (Servicio Alemán de Intercambio Académico), Bonn, Germany.
Solo Exhibitions
- 2013: “Herencia incómoda y Matrioshka-Germania”, Servicio de Información y Prensa del Gobierno Federal, Berlin, Germany.
- 2013: “Herencia incómoda y Matrioshka-Germania”, Academia de Las Artes, Pariser Platz 4, Berlín, Germany.
- 2012: “Atrapaluces y Matrioshkas”, Galería Alonso Garcés, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Vórtice”, Sala de Arte, Casa de la Música, Programa ALBO (MAMM / EPM), Medellín, Colombia.
- 2010: “Como les guste”, LA Galería, Bogotá, Colombia.
- 2009: “Raumableitung”, Bellevue-Saal, Wiesbaden, Germany.
- 2008: “Zafiro y Acero”, Fundación Valenzuela y Klenner, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Algebra”, Alianza Colombo Francesa, Sede Centro, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Circundante”, IV Premio Luis Caballero, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
- 2004: “Secuela de Zeuxis y Parrhasios”, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2010: “7 Bienal de Arquitectura: Puntos de fuga”, Museo de Arte Moderno (MAMM), Medellín, Colombia.
- 2009: “Pinta Art Fair”, RJ Fine Arts, Nueva York, USA.
- 2009: “Feria Internacional de Arte de Bogotá”, LA Galería, Bogotá, Colombia.
- 2009: “Positionen 09”, Seewerk-Moers, Germany.
- 2009: “Diálogo: entre materias, entre naciones”, Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia.
- 2008: “MOLAA Awards 08”, Museum of Latin American Art, Long Beach, California, USA.
- 2007: “In praise of shadows”, RJ Fine Arts, Third Rail Studio, New Rochelle, Nueva York, USA.
- 2001: “Transit”, Warehouse Garden Pier, Nagoya, Japan.
- 2000: “L’eau. Sala de exposiciones”, Alcaldía de Saint-Paul de Vence, France.
- 1998: “Kulturkoffer”, Centro Cultural Rod El-Farag, El Cairo, Egypt.
Publications
- 2008: Edgar Guzmanruiz: Trabajos seleccionados 1998 – 2008, ISBN: 978-958-445127-9, Bogotá, Colombia.
- 2007: Altares: arte para arrodillarse en “Creer y Poder hoy: Cátedra Manuel Ancízar”, p. 179-212, ISBN: 978-958-701-746-5, Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, Colombia.
- 2007: No lugares y fotografía contemporánea en revista virtual “El Niuton” (Ed. 04), p. 79-90: http://elniuton.com/indiceart.php?pag=3, ISSN: 1909-504X, Bogotá, Colombia.
- 2007: IV Premio Luis Caballero No.5, Circundante, Proyecto de Edgar Guzmanruiz, ISSN: 1909-36599, Bogotá, Colombia.
- 2004: El laberinto como mito y símbolo en Revista “Escala” #197-198, p. 111-119, ISSN: 01206702, Bogotá, Colombia.
- 2003 Mazzocchio storto en “Entwürfe”, Seltmann & Hein, p. 61-67, ISBN: 3-934687-0, Dusseldorf, Germany.
Collections
- Matrioshka III (Opaca) caos-orden, Colección MAMM.
- Museo de Arte Moderno de Medellín, Medellín, Colombia.
- Ausencia II, Colección Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia.
- Corte, MOLAA – Museum of Latin American Art, Long Beach, California, USA.
- Mazzocchio storto, Colección de Arte Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- Denn alles Fleisch es ist wie Gras, Berliner Unterwelten e.V., Berlín, Germany.
- Umkippende Objekte, Anonyme Begegnung, Museo Schloss Freudenberg, Wiesbaden, Germany.
Links
- Edgar Guzmanruiz, “Tejido”, 2013, Gesso, metalic screen, 30 x 30 x 3.4 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Atrapaluces”, 2012, Installation, cloth, nylon, metal cable, 5.34 x 6.2 x 14.56 M, Site specific project. Location: Bogotá, Colombia. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Vórtice”, 2011, Installation, cardboard, wood, metal cable, furniture, 10.82 x 29.6 x 10.5 M. Site specific project. Location: Medellín, Colombia. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Circundante”, 2007, Installation, cord, mirrors, eyelets, 3.24 x 8 x 55 M, Site specific project. Location: Bogotá, Colombia, Images courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Algebra”, 2007, Instalation, wood, vinyl, text, 588 x 1152 x 4 cm, Site specific project. Location: Bogotá, Colombia, Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Cortes”, 2011, Wood, vinyl-acrylic, 100 x 40 x 7.5 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Corte”, 2006, Wood, vinyl-acrylic, lacquer, 60.2 x 120 x 6.2 cm. MOLAA Collection. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Elogio de la sombra II”, 2006, Installation, wood, veil, 2.4 x 8 x 4.5 M, Site specific project. Location: Bogotá, Colombia. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Monocromo”, 2005, wood, vinyl, 180 x 45 x 92 cm, Site specific project. Location: Bogotá, Colombia. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Inversión”, 2005, Series: Inversión, wood, enamel, 66 x 66 x 66 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Cubo”, 2005, Wood, vinyl, lacquer, 62 x 62 x 62 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Pliegue esquina”, 2007, Series: Pliegues, Photograph printed on Hannemühle paper, 126 x 89 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Elogio de la sombra I”, 2005, Wood, Vinyl-acrylic, 30 x 90 x 20 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Mazzocchio storto”, 2003, Series: Mazzorchio storto, Wood, vinyl, 99 x 99 x 16 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Homenaje a Castellani”, 2007, Wood, canvas, pink lacquer, enamel, 43 x 43 x 8 cm. Image courtesy of the artist
Translated from Spanish
I like to think of my studio as a laboratory, a place that allows work to be developed into an accumulative process of the graphic experience. Drawing is a way of thinking that makes connections between acquired concepts and executed forms. Far from representing concepts, I try to present them, shape them, and give them a new type of classification to designate them. The act of drawing connects mind with hand, oral language with the sense of touch. The shape might come close to a raw, primary, organic translation of the mind.
Me gusta pensar en mi estudio como un laboratorio, un lugar que permite que el trabajo que hago se desarrolle en un proceso acumulativo de la experiencia gráfica. El dibujo es una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas. Lejos de tratar de representar conceptos trato de presentarlos, darles una forma, un nuevo tipo de clasificación para designarlos. El acto de dibujar conecta la mente con la mano, el lenguaje oral con el tacto. La forma podría acercarse a una traducción cruda, primaria y orgánica de la mente.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2010: Residencia Revolver galería, Lima Peru.
- 2009: Residencia “La Curtiduría”, TAGA Taller de Gráfica Actual, Oaxaca, Mexico.
- 2000-2005: Licenciatura en artes visuales: Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” ENPEG CENART, Mexico City, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2014-2016: Becario del FONCA Sistema Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA INBA, Mexico City, Mexico.
- 2013: Becario del FNA Fondo Nacional de las Artes, Bs As Argentina.
- 2010: Becario de CIA Centro de Investigaciones Artísticas, Bs As Argentina.
- 2007-2008: Becario del FONCA Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA INBA, Mexico City, Mexico.
Solo Exhibitions
- 2013: “Taxonomía de un paisaje”, Dot fifityone gallery, Miami, USA.
- 2013: “Verosímil – Ficcional”, Document Art galería, Bs As Argentina.
- 2012: “Paisaje recuperado”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
- 2011: “Taxonomía de un hallazgo”, MAM Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Frag-mentes (sistema de interpretación)”, Revolver galería, Lima, Peru.
- 2010: “Sesera”, Dot fiftyone gallery, Miami, USA.
- 2009: “La Razón a Voluntad”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
- 2007: “Cambios de sitio”, Casa del Lago UNAM, Mexico City, Mexico.
- 2006: “Basura Afortunada”, Claustro de Sor Juana / Celda de Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Abstracción”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Open Studio 8”, Fundación Rozemblun, Bs As Argentina, Curator: Teresa Riccardi.
- 2013: “Rudimentum” Christinger de Mayo galería and Arróniz galería, Zürich, Switzerland.
- 2013: “Utopías de ilusión”, Art Nube (Kiosco) galería and Dot fiftyone gallery, Santa cruz de la Sierra, Bolivia.
- 2013: “Arróniz galería en Lima Perú”, Lima, Peru.
- 2013: “Building Bridges”, Fundación Rozemblum and Nosco Gallery, Bs As Argentina.
- 2012: Colectivo 2do piso, Agustín González, Moris, Omar Barquet y José Luis Landet, Baro galería, Sao Paulo, Brazil.
- 2012: “Open Studio 6”, Fundación Rozemblum, Bs As Argentina, Curator: Rodrigo Alonso.
- 2012: “Lo común y lo colectivo”. Artistas de Arróniz galería en galería Libertad, Querétaro, Mexico.
- 2012: “Discourse of the non-representational”, Dot Fiftyone gallery, Miami. USA.
- 2009: “20 años del FONCA”, magna exposición retrospectiva, Biblioteca Vasconcelos, Mexico City, Mexico.
- 2009 “Proyectos”, Revolver galería, Lima, Peru.
Publications
Links
- Taxonomy of a discovery | Jose Luis Landet
- Mexico: Agustín González, José Luis Landet, Moris and Omar Barquet
- Revista Magenta – Jose Luis Landet
- Arte Aldia – Jose Luis Landet
- José Luis Landet, “Volemia”, 2012, Series: 1, Wood, 6 liters of black ink, 5034 A4 sheets, 300 x 200 x 170 cm, Site specific project. Location: Arróniz galería, Mexico. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Volemia continuo”, 2013, 4 Wood panels, 160 A4 sheets and blue ink, 250 x 500 cm, Site specific project. Location: Dot fiftyone gallery, Miami. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2013, Series: XII, XIII y XIV, Oil on canvas (1940-1960), enamel, glue on wood for each panel, 160 x 120 cm each. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Porosidad”, 2013, Series: 7, Oil on canvas (1940-1960), enamel, glue on wood for each panel, 150 x 200 x 6 cm. Photo credit: Albano Garcia
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2010, Series: 1, Oil on canvas (1940-1960), glue on cardboard, 150 x 110 cm. Sayao & Pardon Collection. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2012, Series: 2, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2012, Series: 4, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2012, Series: 5, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2013, Series: 11, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Colección Trapiche Argentina. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Border, tiras y contornos”, 2012, Series: 1, Oil on canvas, 9 fragments, 150 x 20 cm each. Site specific project. Location: Dot fiftyone gallery, Miami. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Duda”, 2012, Black ink on gray felt, 150 x 200 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2012, Series: 1, Black ink on white felt, 30 x 42 cm each. Private Collection, Mexico. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2013, Series: 18 dibujos, Black ink on paper, realized with hands, arms and elbows, 260 x 650 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2013, Series: 17, Black ink on paper, realized with hands, arms and elbows, 70 x 100 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2013, Series: 9, Black ink on paper, realized with hands, arms and elbows, 70 x 100 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3”, 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3” (Detail), 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3” (Detail), 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3” (Detail), 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Borde, contorno y límite”, 2013, Oil on canvas 1940-1960 and cement, 60 x 90 cm. Image courtesy of the artist.
My work is a platform of investigation where four lines of work converge. Arriving from different reflections on the idea of production and artistic product, I develop a personal questionnaire to resolve through concepts characteristic of art, beyond supports or specific media. The work begins years before its exhibition under a rigorous daily process –quotidian-‐ where text and image start to determine the path of apparition of the object and, above all, a recognition of how far to go, so that both the construction process as well as the moments that follow the work: exhibit, documentation, collection, are conducive to a latent state of conditions. The first line of work then, runs and traverses over an Arbeit Journal (workbook) that is usually a container of written poetic acts, preparation drawings, synoptical paintings and new glossaries. In my work there is an interest in the belief that “The syntax is a quality of the soul”, as Paul Valéry said, so it substantially asks not a reading from the possible spectator, but a kind of co-‐ responsibility from its own substance. My second and third lines to investigate are extremely formal, conceptual and plastic determinants from materiality and the inherent boundaries of each substance used. I try to meditate about sculpture, painting, drawing and photography from their humanistic affiliation, from its undeniable quality as anthropological links; which is why my work is a kind of tracking, punctual, specific, not of art history, but of gaps where, although special circumstances exist, an inexplicable and elusive emptiness evidences a human potential almost lost, forgotten. In these moments of rupture, these breaks on the folded surface of time and space are axes of my personal network, which has been formed 12 years ago. It allows me not only a congruent and organic structure between each work, but it favors territories mainly unique and close to my own entity. Around the idea of painting and sculpture, for example, the raw materials gesticulate their own resonance; they limit the scope of form that the tooling and hand dissect, while the drawing is that possibility of looking at what one desires, almost immediately, almost simultaneously to the desire, like photography. The last line of investigation is the one that defines the links. My work is a field of action for the spectator, an observatory, an inventory. The work is not hermetic but neither immediate. Requires and is required, softens up when seen, solidifies itself at the sight. In the meantime (sway), my interest is to proliferate –more than to explain-‐ an interest for the questions. Try to make the spectator believe that we surely inhabit an enormous and indecipherable question, and as beings from that realm, we converse through questions, and not through answers, with things. This correspondence and exchange could explain the diversity of appearances in my work. It is not a reflex of a pretentious question. It is evidence of the simplest question that we haven’t been able to formulate. The art work, for me, is that one presence whose origin never distorts its aim, and whose aim extols every moment of its origin. It is my way to have a discussion and to generate bonds from small questions for a more and more extensive listing of answers
Mi obra es una plataforma de investigación en donde convergen cuatro líneas de trabajo. A partir de distintas reflexiones en torno a la idea de producción y producto artístico, desarrollo un interrogatorio personal a resolver mediante los conceptos propios del arte, más allá de soportes o medios específicos. El trabajo comienza años antes de su exhibición bajo un riguroso proceso diario –cotidiano-‐ en donde texto e imágenes comienzan a determinar la ruta de aparición del objeto y, sobretodo, un reconocimiento de hasta dónde ha de detenerse, para que tanto proceso constructivo como los momentos que la a obra suceden: exhibición, documentación, coleccionismo, propicien un estado latente de condiciones. La primera línea de trabajo entonces, corre y atraviesa sobre un Arbeit Journal (libro de trabajo), que usualmente es contenedor de actos poéticos escritos, dibujos preparatorios, cuadros sinópticos y glosarios nuevos. En mi obra existe un interés en la creencia de que “La sintaxis es una cualidad del alma”, según Paul Valéry, por lo que sustancialmente solicita no una lectura del espectador posible, sino una especie de co-‐responsabilidad desde su propia sustancia. Mi segunda y tercera línea a investigar son sumamente formales, determinantes conceptuales y plásticas a partir de la materialidad y los alcances propios de cada sustancia a utilizar. Intento reflexionar acerca de la escultura, la pintura, el dibujo y la fotografía desde su afiliación humanística, desde su innegable cualidad de eslabón antropológico; por ello, mi obra es una clase de rastreo, puntual, específico, no de la historia del arte, sino de las brechas en donde, si bien existen circunstancias particulares, un vacío inexplicable e inasible evidencia un potencial humano casi perdido, olvidado. Esos momentos de ruptura, esos quiebres sobre la superficie plegada del tiempo y el espacio, son ejes de mi red personal, que se ha venido conformando desde hace 12 años. Me permite no sólo una estructuración congruente y orgánica entre cada obra, sino que propicia territorios mayormente únicos y apegados a mi propia entidad. En torno a la idea de pintura y escultura, por ejemplo, las materias primas gesticulan su propia resonancia, delimitan en sí los alcances de la forma, que el herramental y la mano disecan, mientras que el dibujo es aquella posibilidad de mirar lo que se desea, casi inmediatamente, casi simultáneo al deseo, como la fotografía. La última línea de investigación es la que define: los vínculos. Mi obra es un campo de acción para el espectador, un observatorio, un inventario. No es una obra hermética pero tampoco inmediata. Exige y es exigida, se reblandece al ser vista, se solidifica en la mirada. En ese intervalo (vaivén), mi interés es el de contagiar -‐más que explicar-‐ el interés por las preguntas. Hacer creer que seguramente habitamos una pregunta enorme e indescifrable, y que como seres de ese paraje, dialogamos a través de preguntas, y no de respuestas, con las cosas. Esa correspondencia e intercambio podría explicar la diversidad de apariencias de mi trabajo. No es un reflejo de una respuesta pretenciosa. Es una evidencia de la pregunta más simple que no hemos sabido formular. La obra de arte para mí es aquella presencia que nunca tergiversa su fin, y cuyo fin enaltece cada momento de su origen
Selected Biographical Information
Education / Training
- UNAM, Licenciado en Diseño Industrial, Mexico City, Mexico.
- INBA La Esmeralda, Licenciado en Artes Plásticas, Mexico City, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2005-2006: Beca Jóvenes Creadores Mexico City, FONCA, CONACULTA.
- 2012: Beca Sistema Nacional de Creadores Mexico City, FONCA, CONACULTA.
Solo Exhibitions
- 2013: “Think Tanks (im-producción reciente)”, Arróniz Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Speranza (Colectivo Viernes)”, El 52 (Galería OMR), Mexico City, Mexico.
- 2009: “Cannibal fantasy (reciprocity)”, KBK Gallery, Mexico City, Mexico.
- 2008: “The eye will learn to long a world beyond reach”, Trolebús Galería, Mexico City, Mexico.
- 2006: “Al principio siempre era domingo”, KBK Gallery, Mexico City, Mexico.
- 2004: “Star Border”, Galería José María Velasco, INBA, Mexico City, Mexico.
- 2004: “Elephant Island Workshop”, Galería Nina Menocal, Mexico City, Mexico.
- 1998: “Fragmentos de Circo”, Casa de Cultura Rosario Castellanos, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Rudimentum”, Christinger De Mayo, Zurich, Switzerland.
- 2012: “Poule!”, Colección Júmex, Mexico City, Mexico.
- 2011: “Now”, Colección Júmex, Instututo Cultural Cabañas, Guadalajara, Mexico.
- 2011: “Re-Cover”, Casa del Lago, Mexico City, Mexico.
- 2009: “Les Enfants Terribles”, Colección Júmex, Mexico City, Mexico.
- 2007-2009: “Escultura Social: A new generation of art from Mexico City”, Nasher Museum of Art, Duke University, North Carolina, USA / Museo Alameda, San Antonio Texas USA / MCA Chicago USA.
- 2005: “Wunderkammer II: landscapes”, Galería Nina Menocal, Mexico City, Mexico.
- 2005: “Panoramic put off center”, X-Teresa Arte Actual CONACULTA, Mexico City, Mexico.
- 2005: “Cheap & Chic”, Galería Origina, Mexico City, Mexico.
Publications
- 2013: Palabras sobre el mar incierto, Arte al Día Internacional 144, Santiago Espinosa de los Monteros.
- 2013: Tempest Fugit: The Sea In-between, Deborah Deboer.
- 2011: Cuadernos y márgenes, Editorial Acapulco.
- 2010: Les Enfants Terribles, Michel Blancsubé.
- 2009: The Simplicity of Art to the Significance of life, Britanny Titus.
- 2009: Nuevos ritos, Revista Poder, P.80-‐83, Adriana Herrera.
- 2009: Artista Caníbal, El Universal, Sonia Sierra.
- 2009: Árbol del Lenguaje, Excelsior, Patricia Cordero.
- 2006: Escultura Social (A new generation of art from Mexico City), P.97‐100, Julie Rodrigues Widholm.
Collections
- Fundación / Colección Jumex.
- Colección Steven & Solita Mishaan.
- Colección Teófilo Cohen.
- Colección Boris Hirmas.
- Jack Tilton Gallery.
Links
- fernandocarabajal.com
- Now: works Jumex Collection
- Interview with Fernando Carabajal
- Blog: The Simplicity of Art to the Significance of Life
- Mexartdb: Fernando Carabajal
- Fernando Carbajal, “La paradoja del pájaro carpintero”, 2013, Series: 100 piezas, Wood, acrylic paint, steel, Variable dimensions, Site specific project. Location: México DF, Lima Peru, Zurich Switzerland. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “90º”, 2013, Mikado (chopsticks) and epoxy, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes A”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes D”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes H”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes J”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Extra-tiempos subversivos B”, 2010, Acrylic and ink on canvas, 39.3 x 51.1 in (100 x 130 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Extra-tiempos subversivos C”, 2010, Acrylic and ink on canvas, 39.3 x 51.1 in (100 x 130 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Extra-tiempos subversivos E”, 2010, Acrylic and ink on canvas, 39.3 x 51.1 in (100 x 130 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “An eye for optical theory (platos sucios 1) – 2F”, 2009, Series: de 3 conjuntos de 20 cuadros cada uno de la misma técnica y dimensión, Oil on canvas, 15.7 x 15.7 in (40 x 40 cm). Júmex Collection, Mexico DF. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “An eye for optical theory (platos sucios 1) – 1D”, 2009, Series: de 3 conjuntos de 20 cuadros cada uno de la misma técnica y dimensión, Oil on canvas, 15.7 x 15.7 in (40 x 40 cm). Júmex Collection, Mexico DF. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “An eye for optical theory (platos sucios 1) – 0”, 2009, Series: de 3 conjuntos de 20 cuadros cada uno de la misma técnica y dimensión, Oil on canvas, 15.7 x 15.7 in (40 x 40 cm). Júmex Collection, Mexico DF. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Roller coaster (boring site specific) 3”, 2003, Series: de 46, Drawing notebook marked with carbon film on paper, 5.9 x 8.2 x 0.3 in (15 x 21 x 0.8 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Roller coaster (boring site specific) 5”, 2003, Series: de 46, Drawing notebook marked with carbon film on paper, 5.9 x 8.2 x 0.3 in (15 x 21 x 0.8 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Roller coaster (boring site specific) 12”, 2003, Series: de 46, Drawing notebook marked with carbon film on paper, 5.9 x 8.2 x 0.3 in (15 x 21 x 0.8 cm). Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Art is the world for a second time.
El arte es el mundo por segunda vez.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Universidad de Buenos Aires UBA, Arquitecto, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2005: Gran Premio Adquisición del 94º Salón Nacional de Artes Visuales, categoría Nuevos soportes e Instalaciones, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: Premio Adquisición del LVIII Salón Nacional de Rosario, Argentina.
- 1975: Medalla de Oro Paz ´75, 30 Aniversario de las Naciones Unidas, Slovenj gradec, Slovenia.
Solo Exhibitions
- 2013: “(Hipótesis)”, Galería 11 x 7, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Horacio Zabala, desde 1972”, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Reiterations”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
- 2010: “Otras cartografías – obras 1972-1975”, Galería 11 x 7, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Analogies & Differences”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Geometría: desafíos y desmesuras”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Arte de sistemas 1969-1977”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2012-2013: “Ends of the Earth: Art of the Land to 1974”, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Hauss der Kunst, Munich, Germany.
- 2011-2012: “Frames and Documents. Conceptualist practices”, Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, USA.
- 2011: “Sistemas, Acciones y Procesos”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “De la revuelta a la posmodernidad (1962-1982)”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain.
- 2009: “Subversive Practices. Art Under Condition of Political Repression: 60s-80s /South America / Europe”, Württembergischer Kunstverein Stuttgart, Germany.
Publications
- Fernando Davis, Horacio Zabala, desde 1972, EDUNTREF, Buenos Aires, 2013.
- Horacio Zabala, 300 metros de cinta negra para enlutar una plaza pública, Ediciones otra cosa, Buenos Aires, 2012.
- Horacio Zabala, Marcel Duchamp y los restos del ready-made, Ediciones Infinito, Buenos Aires, 2012.
-
Horacio Zabala, Vademecum para artistas – Observaciones sobre el arte contemporáneo, Asuntoimpreso Ediciones, Buenos Aires, 2009.
- María José Herrera, Horacio Zabala, anteproyectos 1972-1978, Fundación Alon, Buenos Aires, 2007.
- Horacio Zabala, El arte o el mundo por segunda vez, UNR Editora, Rosario, 1998.
Collections
- Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Museo de Arte Contemporânea, Sâo Paulo, Brazil.
- Tate Modern, London, UK.
- Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, USA.
- Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain.
- Middlesbrough Institute of Modern Art, Middlesbrough, UK.
- Daros Latinamerica Collection, Zürich, Switzerland.
- Horacio Zabala, “Art is a jail”, 1972, Pencil and rubber stamp printing on tracing paper, 46 x 119 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Revisar / Censurar”, 1974, Ink on printed map, 21 x 80 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Obstrucciones (tríptico)”, 1974, Ink on printed map, 24 x 46 cm. Private collection. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “La Bolsa de París”, 1993, Pastel on paper sheet, 47 x 32 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Díptico rojo”, 2000, Mixed media on cardboard, 23 x 76 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Las obras completas de Mondrian (III)”, 2006, Acrylic on wood and cardboard, 30 x 50 x 50 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Hipótesis III”, 2009, Acrylic on canvas, enamel on wood, 40 x 70 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau