- Magali Lara, “C / A + T =”, 2005, Series: Alzheimer, Grabado en metal, 22.1 x 16.4 cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Mar picado / Marina al amanecer”, 2005, Óleo sobre tela, 146 x 175 x c/u cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, ” Glaciares”, 2008 / 2009, Series: Glaciares, Animación digital, (8 min.,13 sec.), Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Problemas de lenguaje VIII 7”, 2012, Series: Melancolía, Tinta sobre papel, 28 x 21.5 cm. Image courtesy of the artist
- Magali Lara, “tres oh”, 2012, Series: Melancolía, Acuarela sobre papel, 20.8 x 29.2 cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Después de la lluvia “, 2009, Series: Akaso, Óleo sobre lino, 244 x 366 x 13 c / u cm. Image courtesy of the artist.
- Magali Lara, “Glaciares”, 2009, Series: Glaciares, Animación digital, (8 min., 13 sec.), Variable dimensions. Site-specific project. Location: Sala de Arte Público Siqueiros. SAPS Tres Picos No.29 Polanco, México DF, México. Image courtesy of the artist
- Magali Lara, “No me acuerdo”, 2008, Series: Alzheimer, Animación digital, (2’18), Variable dimensions. Magali Lara. Photo credit: Magali Lara.
- Magali Lara, “Principio de incertidumbre”, Agosto 2007, Series: Alzheimer, Dibujo en sitio / Gráfito y carbón, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Centro de las Artes de Monterrey, Fórum Universal de las Culturas, Monterrey, México. Photo credit: Luis Ordoñez.
- Magali Lara, “Principio de incertidumbre”, Agosto 2007, Series: Alzheimer, Dibujo en sitio / Gráfito y carbón, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Centro de las Artes de Monterrey, Fórum Universal de las Culturas, Monterrey, México. Photo credit: Luis Ordoñez.
- Magali Lara, “Lo que ya sabia V”, 2015, Series: Intemperie, Impresión digital en tela sobre bastidor, 150 x 95 x 5 cm.
About the Artist
My work is found in an intersection. Text and image coexist in different ways. As Siamese twins, that have developed different personalities but that, in the end, share a vital nucleus.
This is the way I understand as artists we come close to animation because it constitutes a fertile terrain to construct other ways of narrating. Firstly, because of the ease of the programs that are available today, that offer relatively simple ways of solving technical problems. Secondly, because animation, as comics in its moment, also allows to create sequences from a different place to cinema. It is as if drawing supports an exploration about subjectivity, and becoming fictional, it could excavate within memory with more freedom.
Many young artists are interested in exploring, like me, the narrative possibilities of animation. The basic difference between us, aside from the generational, is that even though we share the passion for comics, I’m interested in the evocation more than in the description of existential situations. They, instead, feed themselves from a rich world that stems from manga, pornography, and commercial caricatures, moving away from the pictorial tradition.
The image in movement is a risky bet and it is related to temporality.
Sound experimentation, the inclusion of chance, the voice in the music sheet, sometimes as a gesture, and others as narration, feed many of my preoccupations, and open a panorama with many combinations. At the same time, present day animation allows me to understand that to employ figuration or abstraction imply different ways of constructing stories. Figuration is closer to caricature and satire, or to a first person narrative. The visual abstract, sometimes used as a secondary element, appears more like an effect.
I feel closer to animation that uses a more abstract language, as in the movies of Norman McLaren. To want to tell not from the feminine body, but from the experience of the body that has seen, that knows that you do not tell all, and that sound makes the possible appear. Insinuation is sometimes more intense than the declaration.
—
Mi trabajo se sitúa en la intersección. Texto e imagen conviven de diferentes maneras. Como hermanas siamesas que han desarrollado distintas personalidades pero que, al final, comparten un núcleo vital.
Así entiendo que muchos artistas nos aproximamos a la animación porque constituye un terreno fértil para construir otros modos de narrar. Primero, por la facilidad de los programas ahora disponibles, que ofrecen maneras relativamente sencillas de resolver problemas técnicos. Y en segundo lugar porque la animación, como el cómic en su momento, también permite hacer secuencias desde un lugar distinto del cine. Como si el dibujo apoyara una exploración sobre la subjetividad y, al hacerse ficticia, pudiera escarbar en la memoria con mayor libertad.
Muchos artistas jóvenes están interesados en explorar, como yo, sus posibilidades narrativas en la animación. La diferencia básica entre nosotros, aparte de la generacional, es que aunque compartimos la afición por los cómics, estoy interesada en una evocación más que en una descripción de situaciones existenciales. Ellos, en cambio, se nutren de un mundo riquísimo que viene tanto del manga, la pornografía, como de caricaturas comerciales, apartándose de la tradición pictórica tradicional.
La imagen en movimiento es una apuesta arriesgada y ligada a la temporalidad.
La experimentación sonora, la inclusión del azar y la voz en la partitura, a veces como gesto y otras como narración, alimentan muchas de mis inquietudes y abren un panorama de muchas combinaciones. Al mismo tiempo, la animación actual me permite entender que usar la figuración o la abstracción implica maneras diferentes de construir relatos. La figuración está más cercana a la caricatura y a la sátira, o a una narrativa en primera persona. Lo abstracto visual, a veces usado como elemento secundario, aparece más como efecto.
La animación que usa un lenguaje más abstracto, como las películas de Norman McLaren, me resulta más cercana. Querer contar no ya desde un cuerpo femenino, sino desde la experiencia del cuerpo que ha visto, que sabe que no lo dices todo, que el sonido hace aparecer lo posible. La insinuación a veces es más intensa que una declaración.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2013-2011: Doctorado en Teoría Crítica, 17, Instituto de Estudios Críticos, D.F. , México.
- 2011-2009: Maestro en Artes, Universidad Autónoma del Estado de Morelos, Morelos, México.
- 1980-1977: Lic. Artes Visuales, San Carlos, UNAM, D.F., México.
Prizes / Fellowships
- 2016-2014: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F. , México.
- 2013: Premio Libro de Artista con el libro: Que hurte en ti lo que me pertenece, Feria Internacional de Libro de Artista LÍA, Guadalajara, México.
- 2010-2008: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 2007-2005: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 2004-2002: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 2000: Residencia en The Banff Centre for the Arts, Banff Programa de Fomento a proyectos y coinversiones culturales del FONCA , Alberta, Canada.
- 1999: Residencia en Boréal Art/Nature, La Minerva, Québec, Canadá.
- 1999-1997: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 1996-1994: Sistema Nacional de Creadores, FONCA, D.F., México.
- 1986: Mención honorífica, V Bienal Iberoamericana de Arte, Instituto Cultural Domecq y el INBA, D.F., México.
Solo Exhibitions
- 2015: “Intemperie“, Museo Nacional de la Estampa, D.F. , México.
- 2014: “BATIENTE 0.5, la Mirada oblicua“, Casa del Lago, UNAM, D.F. , México.
- 2012: “ANIMACIONES-MAGALI LARA”, Museo Amparo, Puebla, México.
- 2011: “Titubeos”, Galería de Arte Mexicano, D.F., México.
- 2011: “escribir y dibujar”, Bodega Quetzalli Galería, Oaxaca, México.
- 2010: “Glaciares”, Visual Arts Center, Austin, Texas.
- 2009: “Glaciares”, Sala de Arte Público Siqueiros, DF., México.
- 2009: “Afonías”, Galería principal de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma del Estado de México, Toluca, Edo. de México.
- 2008: “Entre líneas”, Organizada por la Universidad Anahuac en la sede de 17 Instituto de Estudios Críticos, DF, México.
- 2007: “* Magali Lara gestos y trazos”, Galerie Rothe, Frankfurt, Alemania.
- 2007: “Como Sí”, Galería de libros Conejoblanco, DF, México.
- 2007: “Alzheimer”, (Intervención), Galería Ateneo Porfirio Barba Jacob, Medellín, Colombia.
- 2007: “Alzheimer”, Galería del Centro Morelense de las Artes, Cuernavaca, Morelos, México.
- 2006: “Alzheimer (Intervención)”, Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Antiguo Palacio del Arzobispado, DF, México.
- 2006: “Pero no me lo digas”, Museo de Arte de Zapopan, Zapopan, Jal ., México.
- 2006: “Tigre”, Galería Nina Menocal, DF, México.
- 2006: “La Misma Habitación”, Galería del Teatro Peón Contreras, Mérida, Yucatán, México.
- 2006: “La Misma Habitación”, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México.
- 2005: “Abstracto”, Galerie Ruta Correa, Freiburg, Alemania.
- 2005: “Abstracto”, Embajada de México en Berlín, Berlín, Alemania.
- 2005: “Mi Versión de los Hechos”, Museo Universitario de Ciencias y Arte, DF, México.
Group Exhibitions
- 2015: “Después del Edén”, SAPS, La Tallera, Cuernavaca, Mor. , México.
- 2014: “Desplazamientos en un sitio lejano”, 14 Galería Metropolitana, UAM, DF, México.
- 2014: “Materia Abyecta, resonancias y obstrucciones en torno a Rodolfo Nieto”, Museo de Arte Carrillo Gil, DF, México.
- 2014: “El juego y el juguete”, Centro de las Artes de San Agustín Etla, Oaxaca, México.
- 2014: “Silencio, rumor, grito”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2014: “Estudio del trazo”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2013: “Obras son amores, arte-vida-México 1964-1992”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2013: “Políticas del espacio”, La Calera, Oaxaca, México.
- 2013: “Favor de no tocar”, Fería Internacional de Libro de artista, Guadalajara, Jalisco, México.
- 2013: “Edición de invierno”, Galería Emma Molina, Monterrey NL, México.
- 2012: “GENÉRICACOLECCIÓNMACG”, Museo de Arte Carillo Gil, DF, México.
- 2012: “Hacer un dibujando, obras en pequeño formato”, Galería Domicilio Conocido, DF, México.
- 2011: “Bajo los párpados”, Biblioteca Lerdo de Tejada, DF, México.
- 2011: “NEOMEXICANISMOS?”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2011: “AKASO”, Museo Universitario del Chopo, DF, México.
- 2011: “Exposición de libros de artista”, Feria del libro y de la rosa, Librería del Museo Universitario de Arte Contemporáneo, DF, México.
- 2011: “Un posible día”, colaboración, Javier Torres Maldonado, Ensemble 2E2M, Extension de création musicale, París, Francia.
- 2011: “Destello”, Fundación Colección Jumex, DF, México.
- 2011: “Circunstancias”, indagaciones femeninas en el arte, Museo de la Ciudad, Cuernavaca, Morelos, México.
- 2011: “Proceso 730”, Museo de la Ciudad Cuernavaca, Morelos, México.
- 2011: “La maquina visual”, La historia de las exposiciones del MAM a través de su colección, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2010: “Marea de Nudos”, Instituto Cultural de León, Guanajuato, México.
- 2010: “AKASO”, Museo del Centro Cultural Musas, Hermosillo, Sonora. , México.
- 2010: “Afectos diversos/Géneros en flujo”, Museo Universitario del Chopo, DF, México.
- 2010: “¿Tienes miedo?”, Galería Centro Morelense de las Artes, Cuernavaca, México.
- 2009: “Ruta Crítica (y alguna otra desviación)”, Galería de la Torre UAEM, Cuernavaca, Morelos, México.
- 2009: “IX Bienal Monterrey FEMSA”, FEMSA, Monterrey, Nuevo León, México.
- 2009: “Encuentros Gráficos”, Centro Cultural Ollin Yoliztli, Galería Tonalli, DF, México.
- 2009: “Paréntesis”, 17 años de trabajo, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, , México.
- 2009: “Pintura animada”, El Cubo, Tijuana, México.
- 2008: “V Bienal de Estandartes”, Centro Cultural de Tijuana, Tijuana, BC, México.
- 2008: “Arte y Naturaleza: El Poder de lo Pequeño”, organizada por el Museo de Mujeres Artistas Mexicanas en la Biblioteca Henestrosa, Oaxaca, México.
- 2008: “La era de la discrepancia. Arte y cultura visual de México 1968-1997”, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “ZOÓTROPO 7 proyectos de animación en video”, Museo de Arte Moderno, DF, México.
- 2008: “Mujeres: Sin Cuenta”, Instituto Cultural de México en San Antonio, Texas, EUA.
- 2008: “Historia de mujeres”, Artistas en México del siglo XX, Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Monterrey, Nuevo León, México.
- 2008: “La colección: la tradición de las rupturas”, Museo de Arte Contemporáneo, DF, México.
- 2007: “Principio de Incertidumbre”, Centro de las Artes de Monterrey Fórum Universal de las Culturas, Monterrey , México.
- 2007: “Alarca”, Talavera Contemporánea, Museo Franz Mayer, DF, México.
- 2007: “MACO”, Feria México de Arte Contemporáneo, Galería Emma Molina, DF, México.
- 2007: “La era de la discrepancia. Arte y cultura visual de México 1968-1997, “, Museo Universitario de Ciencias y Arte, MUCA Campus, DF, México.
- 2007: “Solos Juntos”, Galería La Refaccionaria, DF, México.
- 2007: “* Arco 07”, Galería Emma Molina, Madrid, España.
- 2006: “Generación de los 70’s un Momento de Reflexión”, Academia de San Carlos, DF, México.
- 2005: “Wunderkammer Ii: Paisajes”, Galería Nina Menocal, DF, México.
- 2005: “MACO”, Galería Nina Menocal, DF, México.
- 2005: “Archipiélagos Gráficos”, Galería Metropolitana, DF, México.
Publications
- 2013: “El magnetismo y sus metáforas”. Eduardo Villar. Diario Clarin, 28/3/13.
- 2013: “Magnetico”, por Philippe Cyroulnik, marzo de 2013. Catalogo.
- 2013: “Excelentes muestras de Zech y Toto Blake en Recoleta”, Diario Ambito Financiero.
Collections
- Museo Universitario de Arte Contemporáneo, , México, DF.
- Museo de Ciencias y Arte de la Universidad Nacional Autónoma de México, México, DF.
- Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México.
- Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, México DF.
- Museo de Arte Carrillo Gil, México, DF.
- Museo José Luis Cuevas, México, DF.
- Colección de Jacques y Natasha Gelman, Cuernavaca, México.
- Stedelijk Museum voor Actuele Kunst.Gent S.M.A.K, Gante, Bélgica.
- Museum of Modern Art,Nueva York, NY, Estados Unidos.
- Museum Of Latin American Art, Long Beach California, EUA.
- Galería de Arte Mexicano, México, DF.
- Galería OMR, México, DF.
- Fundación Televisa, México, DF.
- Fundación Miguel Alemán, México, DF.
- Banco Nacional de México, México, DF.
- Seguros América, México, DF.
- IAGO, Oaxaca, México.
- MUNAE, México, DF.
- Pier Stockholm, “Elephant Island”, 2014, Fluorescent lights, plants, wood board, cables, drawing curve ruler, photograph with frame, transparent plastic and clamps, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Elephant Island” (detail), 2014, Installation, Plants, mdf wood board, drawing curve ruler, photograph with green filter and painted frame, transparent red plastic, clamps and push pins.
- Pier Stockholm, “Elephant Island”, 2014, Detail: curve ruler, photograph with frame, transparent plastic and clamps, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Chromatic”, 2014, Gouache & paper cut on paper, 93 x 127 cm.
- Pier Stockholm, “Oscar 3”, 2012, Foam, wood with red acrylic paint, Dymo tag, ruler, elastic band & level, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Prismatic”, 2012, Print on cotton paper, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Pantone”, 2012, Series: Blue series, C-Print on aluminum , 29.7 x 42 x 0,25 cm.
- Pier Stockholm, “Do & Hope”, 2015, multimedia installation, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Gleichapel project space, Paris, France.
- Pier Stockholm, “Do & Hope”, 2015, Detail:Blue paint on wall, neon lights, polystyrene, push pins and elastics, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Gleichapel project space, Paris, France.
- Pier Stockholm, “Do & Hope”, 2015, Detail: Flowers, foam, rope, blue paint, cutting mat, neon light and foam cutter, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Gleichapel project space, Paris, France.
- Pier Stockholm, “The Weight of References”, 2015, Rope and printed matter, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Time &Tide (Flows wide)”, 2014, India ink on transparent paper, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “All lines and movements are the function”, 2013, India ink on transparent paper, 42 x 29.7 cm.
- Pier Stockholm, “Caran D’ache”, 2012, C-Print on aluminum and colors, Variable dimensions.
- Pier Stockholm, “Pantone Connection”, 2012, Print on cotton paper, 25 x 20 cm.
I incorporate the material function of my studio as a means of illustrating my artistic practice.
Traducido del inglés
Incorporo la función material de mi estudio como medio de ilustrar mi práctica artística.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2006-2008: Programe La Seine – Postgraduate program, Ecole Nationale Supérieure Des Beaux Arts Paris-ENSBA, Paris, France.
- 2002-2005: Master in Fine Arts, Universidade de São Paulo. ECA- Escola de Comunicações e artes-USP, São Paulo, Brazil.
- 1995-2001: Bachelor’s Degree in Architecture and Urbanism, Universidad Ricardo Palma, Lima, Peru.
Prizes / Fellowships
- 2011: artistic residence, SOART, Millstättersee, Austria.
- 2010: artistic residence, Malongen Nordic Guest Studio, Stockholm, Sweden.
- 2008: artistic residence, Microresidencia Parasit(i)o in collaboration with MeetFactory, Prague, Czech Republic.
- 2008: artistic residence, NID- National Institute of Design – in collaboration program La Seine , Ahmedabad, India.
- 2007: artistic residence, Mongin art studios-collaboration program Las Seine, Seoul, South Korea.
- 2006-2007: artistic residence, Cité Internationale des Arts, Paris, France.
Solo Exhibitions
- 2015: “Do & Hope”, Gleichapel, Paris, France.
- 2014: “Elephant Island”, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2013: “Time & Tide (Flow wide)”, Galeria Casado Santapau, Madrid, Spain.
- 2013: “Head On”, Lisabird Contemporary, Vienna, Austria.
- 2012: “Prismatic”, Casa Triangulo, São Paulo, Brazil.
- 2011: “USURPATION: Le Folklore”, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2011: “INRI”, Casa Triangulo, São Paulo, Brazil.
- 2009: “God (and Le Corbusier) promises a safe landing (but not a calm voyage)”, Casado Santapau, Madrid, Spain.
- 2006: “Manimal”, De Vleeshal, Middleburg, Holland.
- 2005: “SantaCruz”, Casa Triangulo, São Paulo, Brazil.
- 2003: “Burocracia”, Paço Das Artes, São Paulo, Brazil.
Group Exhibitions
- 2015: “Idées Multiples”, Galerie Des Galeries, Paris, France.
- 2015: “A false Horizon“, Peana Projects, New York, USA.
- 2015: “Polivalencias “, Curated by Jorge Villacorta. Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2014: “Light/Color/Object”, Super Dakota, Brussels, Belgium.
- 2014: “Casa Triangulo No Pivò“, Casa Triangulo- Pivò, edificio Copan, São Paulo, Brazil.
- 2014: “UNTITLED miami Art Fair “, Rincón Projects, Miami, USA.
- 2011: “Choix de Paris”, Cité International des Arts curated by Elsy Lahner, Paris, France.
- 2010: “Everydays(s)“, Casino Luxembourg-Forum d’art contemporain, Luxembourg, Luxembourg.
- 2010: “Now or Never”, Rincón Projects, New York, USA.
- 2008: “El Papel del artista”, Doméstico 08. Curated by Teodora Diamantopoulos, Joaquín García, Giulietta Speranza, Andrés Mengs y Virginia Torrente, Madrid, Spain.
- 2005: “AU-DELA DU COPAN: Beyond the Copan, Supernatural Urbanism“, Fondation d’Enterprise Ricard, Paris, France.
- 2004: “Artista-Personagem -curated by Daniela Labra”, Centro cultural Maria Antonia, São Paulo, Brazil.
Publications
- Pier Stockholm, The Weight of References (Paris: onestar press), 150.
Collections
- Albertina Museum, Vienna, Austria.
- SBKM / De Vleeshal at MuHKA, Antwerp, Belgium.
Links
August 19, 2015 Raquel Rabinovich https://abstractioninaction.com/artists/raquel-rabinovich/- Raquel Rabinovich, “The Dark is Light Enough 12”, 1963, Series: The Dark is Light Enough, Oil on linen, 98,75 x 98,75 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Invisible Cities 6”, 1984-1985, Series: Invisible Cities, Graphite wash and rubber stamps on Arches paper, 145 x 110 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Chhodrtens 14”, 1989-90, Series Chhodrtens, Oil, wax and pencil on linen, 75 x 75 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Chhodrtens 15”, 1989-90, Series Chhodrtens, Oil, wax and pencil on linen, 100 x 80 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Thrones for the Gods, Suite A 5”, 1992-95, Series Thrones for the Gods, Charcoal, pastel, and manganese powder on handmade Nepalese paper, 77,5 x 52,5 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Thrones for the Gods, Suite B 3”, 1992-95, Series Thrones for the Gods, Charcoal, pastel, graphite wash and chalk on handmade Nepalese paper, 80 x 50 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Garbhagrihas 21”, 1991-93, Series Garbhagrihas, Oil, pencil and wax on canvas, 125 x 200 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Pabhavikas 1”, 1995-96, Series Pabhavikas, River split stone, 90 x 390 x 960 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Gateless Gates 11”, 1995-1997, Series Gateless Gates, Oil, wax and pencil on canvas, 105 x 80 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “River Library 350 with Footnotes”, 2010, Series River Library, Orinoco River mud and glue on Essindia paper, 43,75 x 100 cm width, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “River Library 380 with Footnotes”, 2011, Series River Library, Mississippi River mud and glue on Essindia paper, 38,75 x 56,25 cm, Collection Ruth Rosenblum, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “River Library 411 with Rivermaps”, 2012-2013, Series River Library, Nile River mud, pencil and glue on Essindia paper, 37,50 x 58,75 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “River Library Scrolls”, 2002-2014, Series: River Library, Drawing (table installation), River mud and glue on Essindia paper, 75 x 60 x 225 cm, Collection the artist, Photo credit: Douglas Baz.
- Raquel Rabinovich, “Emergences (Hudson River)”, 2003-2009, Series: Emergences, Site-Specific Sculpture, Algonquin Fieldstone, S. Bay Quartzite stone, and on-site stones, Dimensions variable, Riverfront Park, Beacon, New York, USA, Collection City of Beacon, Photo credit: Camilo Rojas.
- Raquel Rabinovich, “Emergences (Hudson River)”, 2012-2014, Series: Emergences, Site-Specific Sculpture, On-site stones, Dimensions variable, Lighthouse Park, Port Ewen, New York, USA, Collection Town of Esopus, Photo credit: Camilo Rojas.
For many years I have been investigating the ineffable nature of things, objects, words, thoughts. My art has always been informed by an underlying awareness of the concealed and ephemeral aspects of existence that we don’t see or that appear to be invisible. Through the processes I have explored, I try to reveal how that which has been concealed emerges into view. Art is for me making visible the invisible. In working across mediums for the last fifty years, I go to the unknown in order to know. I go to the dark to see the light.
Traducido del inglés
Durante muchos años, he estado investigando la naturaleza inefable de las cosas, los objetos, las palabras, los pensamientos. Mi arte siempre ha sido informado por una conciencia subyacente de los aspectos ocultos y efímeros de la existencia que no vemos o que parece ser invisible. A través de los procesos que he explorado, trato de mostrar cómo lo que se ha ocultado surge a la vista. El arte es para mí hacer visible lo invisible. Al trabajar en distintos medios durante los últimos cincuenta años, me voy hacia lo desconocido con la finalidad de conocer. Voy a la oscuridad para ver la luz.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1958-1959: The University, Edinburgh, Scotland.
- 1956-1957: Atelier André Lhote, Paris, France.
- 1956: La Sorbonne, Paris, France.
- 1950-1953: Universidad de Córdoba, Córdoba, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2011-2012: Lee Krasner Award for Lifetime Achievement, The Pollock-Krasner Foundation, New York, USA.
- 2006: The Pollock-Krasner Foundation Grant, The Pollock-Krasner Foundation , New York, USA.
- 2001: The Pollock-Krasner Foundation Grant, The Pollock-Krasner Foundation , New York, USA.
- 1995: Individual Artist Grant for Works on Paper, New York State Council on the Arts, New York, USA.
- 1992: National Endowment for the Arts U.S./France Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1991: National Endowment for the Arts Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1986: Artists Space Grant, Artists Space, New York, USA.
- 1980: Artists Space Grant, Artists Space, New York , USA.
- 1978: CAPS Fellowship Grant, Creative Artists Public Service , New York, USA.
- 1964: Beca del Fondo Nacional de Las Artes, Fondo Nacional de Las Artes, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2014: “Gateless Gates“, Y Gallery, New York, USA.
- 2009: “River Library (The Poetics of Water)”, 10th International Cuenca Biennial, Cuenca, Ecuador.
- 2008: “Raquel Rabinovich: River Library”, Fundación Alon, Buenos Aires, Argentina.
- 2000: “Light Unworn: New Paintings by Raquel Rabinovich”, Trans Hudson Gallery, New York, USA.
- 1998: “Enfolded Darkness: Recent Drawings by Raquel Rabinovich”, Trans Hudson Gallery, New York, USA.
- 1996: “Raquel Rabinovich: Drawings 1978-1995”, INTAR Gallery, New York, USA.
- 1990: “Chhodrtens – Recent Work by Raquel Rabinovich (in conjunction with Beyond the Surface)”, Americas Society, New York, USA.
- 1986: “Invisible Cities: Sculpture and Drawings by Raquel Rabinovich”, Bronx Museum of the Arts, New York, USA.
- 1983: “TheThe Map Is Not the Territory (in conjunction with New Spaces)”, Center for Inter-American Relations, New York, USA.
- 1981: “Raquel Rabinovich: Esculturas – Dibujos 1981”, Galería Garcés Velásquez, Bogotá, Colombia.
- 1980: “Shelter”, Institute for Art and Urban Resources at P.S.1, Long Island City, NY., USA.
- 1979: “Cloister, Crossing, Passageway, 1.32”, The Jewish Museum Sculpture Court, New York, USA.
- 1974: “Raquel Rabinovich: Painting, Collage, Sculpture”, Heckscher Museum of Art, Huntington, NY, USA.
- 1963: “La oscuridad tiene su luz”, Galería Rioboo, Buenos Aires, Argentina.
- 1960: “First Exhibition in England of Paintings by Raquel Rabinovich”, Leicester Galleries, London, England.
Group Exhibitions
- 2015: “Empire of Dirt”, Paul Robeson Galleries, Rutgers State University of New Jersey, New Brunswick, NJ, USA.
- 2014: “Feral Objects”, CREON, New York, USA.
- 2013: “LINE & FORM”, MARC STRAUS, New York, USA.
- 2013: “Sofia International Paper Art Biennial 2013”, Amateras Foundation, Sofia, Bulgaria.
- 2012: “One of a Kind II – “Unbound” –An Exhibition in Three Chapters”, Dalhousie Art Gallery, Halifax, Nova Scotia, Canada.
- 2011: “Hudson River Contemporary: Works on Paper”, Boscobel Exhibition Gallery, Garrison, NY, USA.
- 2011: “Sticks and Stones”, Lehman College Art Gallery, New York, USA.
- 2010: “Marks that Matter, Contemporary Drawing in the Hudson Valley”, Ulster State University of New York, Stone Ridge, NY, USA.
- 2008: “Selection of Works from the Haim Chanin Collection”, Haim Chanin Fine Arts, New York, USA.
- 2007: “Minimal Interference in collaboration with Lucio Pozzi”, BCB Art Gallery, Hudson, NY, USA.
- 2004: “Art on Paper 2004”, Weatherspoon Art Museum, The University of North Carolina at Greensboro, Greensboro, NC, USA.
- 2004: “Voces y Visiones: Highlights from El Museo del Barrio’s Permanent Collection”, El Museo del Barrio, New York, USA.
- 2003: “Imaging the River”, Hudson River Museum, Yonkers, NY, USA.
- 2003: “Sticks and Stones”, Collaborative Concepts, Beacon, NY, USA.
- 2002: “Miami Currents”, Miami Art Museum, Miami, Fl, USA.
- 2002: “Blobs, Wiggles, and Dots, Webs and Crustillations”, Blobs, Wiggles, and Dots, Webs and Crustillations, The Work Space, New York, USA.
- 2001: “New Acquisitions”, Miami Art Museum, Miami, Fl, USA.
- 2000: “Re-Aligning Vision: Alternative Currents in South American Drawing”, El Museo del Barrio, New York, USA.
- 1995: “Presence/Absence”, Trans Hudson Gallery, Jersey City, NJ, USA.
- 1994: “The Persistence of Abstraction: American Abstract Artists”, Oceanville, NJ, USA.
Publications
- Nelly Perazzo, Historia general del arte en la Argentina, Tomo XI (Escultura argentina 1965-2000) (Buenos Aires: Academia Nacional de Bellas Artes), 263-264.
- David Levi Strauss, In Praise of Darkness, From Head to Hand: Art and the Manual (New York: Oxford University Press), 66-69.
- Julian P. Herzberg, Raquel Rabinovich: Antología del lecho de los ríos/Anthology of the Riverbeds (Buenos Aires: Editorial Fundación Alon ).
- Ann Philbin, 560 Broadway: A New York Drawing Collection at Work, 1991-2006 (New York: New York and Yale University Press), 137.
- Linda Weintraub with Skip Schuckmann, EnvironMentalities: Twenty-two Approaches to Eco-Art, Avant-Guardians: Textlets in Art and Ecology. (Rhinebeck, NY: Artnow Publications), 141-144.
- Hedwig Brenner, Judische Frauen in der bildenden Kunst II (Hartung-Gorre Verlag ), 275-276.
- Erin Aldana, St. James Guide to Hispanic Artists (New York: St. James Press), 485-488.
- Linda Weintraub and George Quasha, Raquel Rabinovich, The Dark Is the Source of Light (Barrytown, NY: Station Hill Arts).
- Peter Bellamy, The Artist Project: Portraits of the Real World / New York Artists 1981-1990 (New York: IN Publishing), 184.
- German Rubiano Caballero, La Escultura en América Latina (Siglo XX) (Bogotá: Ediciones de la Universidad Nacional de Colombia).
- Damián C. Bayón, Aventura Plástica de Hispanoamérica (México City: Breviarios del Fondo de Cultura Económica), 161.
- Ann McCoy, “The Artful Recluse: Painting, Poetry, and Politics in the 17th-Century China”, The Brooklyn Rail, May, 2013.
- Julia P. Herzberg, “Raquel Rabinovich: Stone Sculptures”, ARTE!Brasileiros, March, 2011, 66-70.
- Robert C. Morgan, “Raquel Rabinovich: Fluid Equilibrium”, Sculpture, December, 2010, 48-49.
- Luisa Valenzuela, “Palabras de agua”, Perfil, June 14, 2009.
- William Zimmer, “Out of the Water, Inspiration”, The New York Times, Dec. 28, 2003.
- Nicole Krauss, “Raquel Rabinovich at Trans Hudson”, Art in America, July, 1999.
- William Zimmer, “Beyond the Surface”, Arts Magazine, October, 1990.
- Grace Glueck, “Critics’ Choices”, The New York Times, October 19, 1986.
- Amei Wallach, “Contemplating What Is Beyond What We See”, Newsday, March 10, 1983.
- John Stringer, “Raquel Rabinovich: De lo mítico a lo actual”, Arte Informa , 1983, 12.
- George R. Collins, “Raquel Rabinovich”, Arts Magazine, February, 1983, 4.
- Grace Glueck, “There’s New Sculpture Under the Sun All OverTown”, The New York Times, August 3, 1979.
- John Gruen, “Raquel Rabinovich”, The Soho Weekly News, February, 1975.
- Jeanne Paris, “Jeanne Paris, Refines Her Art: Raquel Rabinovich Exhibit at Heckscher”, Long Island Press, February 3, 1975.
- Amei Wallach Her Fragile Art Arises from Wisps of Dreams Newsday, June 24, “Her Fragile Art Arises from Wisps of Dreams”, Newsday, June 24,1973.
- Jacqueline Barnitz, “Raquel Rabinovich at Benson, Bridgehampton”, Arts Magazine, September-October, 1970.
Collections
- The Museum of Fine Arts, Houston, Texas, USA.
- Whitney Museum of American Art , New York, USA.
- Argentine Banking Corporation, New York, USA.
- Arkansas Art Center, Little Rock, Arkansas, USA.
- The Blanton Museum of Art at the University of Texas Austin, Austin, Texas, USA.
- Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Foundation for Contemporary Arts, New York, USA.
- Miami Art Museum, Miami, Florida, USA.
- Museo de Arte Morderno, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Genaro Perez, Cordoba, Argentina.
- World Bank Fine Art Collection, Washington, D.C., USA.
- Museo Emilio Caraffa, Cordoba, Argentina.
- City of Phoenix, Phoenix, Arizona, USA.
- National Gallery of Art, Sofia, Bulgaria.
- Reading Public Museum, Reading, Pennsylvania, USA.
- Museo de Arte Abstracto, Zacatecas, Mexico.
- Museo de Arte Moderno, Bogota, Colombia.
- Museo del Barrio, New York, USA.
- San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco, California, USA.
- The Bronx Museum, New York, USA.
Links
- World Literature Today
- 2015, Y Gallery: Exhibition showcasing works from series River Library and Gateless Gates.
- 2014, Ann McCoy, “IN CONVERSATION: Raquel Rabinovich with Ann McCoy.” Brooklyn Rail Interview, Brooklyn, NY, USA, November. P. 27, 28, 29. Interview on the occasion of solo exhibition at Y Gallery.
- 2014, Rachel Cole Dalamangas, INTERVIEW: ON THE NATURE OF ART & THE ART … – Zingmagazine Raquel Rabinovich on the invisible world, slowing down & mud as aesthetic” (Interview by Rachel Cole Dalamangas for Zingmagazine), NY, USA.
- 2014, Raquel Rabinovich’s Paradoxes.com, Essay by Alex Bacon, “Gateless Gates” exhibition, Y Gallery New York.
- 2014, Chronicles of Time, 2002 and 2013.com. Essays by Linda Weintraub on sculpture installations “Emergences” alongside Hudson River.
- 2014, Sculpture and Dance Collaboration, 2014.com. Video documenting sculpture and dance collaborationsRaquel Rabinovich/Julie Manna, Hudson River.
- 2013, Emergences Video, 2013.com. Documentary: stone sculpture installations along the shores of Hudson River.
- 2009, Cuenca Biennial Video, 2009.com. Documentary: exhibition sculpture installation/drawings “River Library” 10th International Cuenca Biennial, Ecuador.
- 2000, Time of the Gazing: A Glance at Raquel Rabinovich, 2000.com. Documentary of Raquel’s work, including interviews with the artist and others.
- Jesus Matheus, “Continuum”, 2008, Oil on canvas, 30 x 30 cm.
- Jesus Matheus, “Rojo/Barroco”, 2012, Oil on canvas, 46 x 46 cm.
- Jesus Matheus, “Codex”, 2011, Series: Edition 1 of 2, Woodcut on paper, 32 x 46 cm.
- Jesus Matheus, “Óxido/Barroco”, 2012, Oil on canvas, 46 x 46 cm.
- Jesus Matheus, “Estela”, 2012, Oil on canvas, 152 x 152 cm.
- Jesus Matheus, “Rose-Noir”, 2012, Oil on canvas, 152 x 147 cm.
- Jesus Matheus, “Muralito”, 2012, Oil on canvas, 46 x 183 cm.
- Jesus Matheus, “Formas Animistas”, 2014, wood and stone, 36 x 56 x 15 cm.
- Jesus Matheus, “Estela Serie”, 2013, Oil on canvas, 152 x 152 cm.
- Jesus Matheus, “Códice Suite”, 2011, Series: (Set of 5), Oil on canvas, Variable dimensions.
- Jesus Matheus, “Unus”, 2013, Acrylic and oil on canvas, 142 x 142 cm.
- Jesus Matheus, “Notebook”, 2014, Series: (Set of 4), Oil on canvas and painted wood, Variable dimensions. Private Collection, Boston, Massachusetts. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jesus Matheus, “Altarpiece”, 2014, Oil on canvas and painted wood, 185 x 216 x 10 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jesus Matheus, “Tectonic”, 2013, Oil on canvas and painted wood, 69 x 61 x 4 cm.
I am interested in a process of intermediation, in the admixture of media and the possibility of shaping their mutual resonances. What guides that process is a will to construct. Form takes root in those intermediary relations: form as the conceptual development of a tectonic sensation; form as the presentness of an object that migrates from one medium to the other. In each stage of my work, I have searched for that object, the place that cannot be framed within a medium-specific site. Detached from concrete objects, such a place is to be found between the works as a concept or idea in development. It is an ideogrammatic construction.
Traducido del inglés
Estoy interesado en un proceso de intermediación, en la mezcla de los medios y la posibilidad de transformar sus resonancias mutuas. Lo que guía este proceso es la voluntad de construir. La forma radica en esas relaciones de intermediación: la forma como el desarrollo conceptual de una sensación tectónica; la forma como el estado presente de un objeto que se desplaza de un medio a otro. En cada etapa de mi trabajo, he buscado para ese objeto el lugar que no se puede enmarcar dentro de un medio específico. Separado de objetos concretos, tal lugar se encuentra entre las obras como un concepto o idea en desarrollo. Se trata de una construcción ideogramática.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1981: Bachelors of Fine Arts, Escola de Belas Artes, Universidad Federal de Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
- 1987: Printmaking, Centro de Enseñanza Gráfica, Caracas, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- 2004: CAF Prize, Luisa Palacios XI Biennial of Miniatures, TAGA, Caracas, Venezuela.
- 1997: Honorable Mention in Graphic Arts, Colombian/Venezuelan Biennial, Mérida, Venezuela.
- 1990-1992: Grant, National Council of CultureGrant, Caracas, Venezuela.
- 1988: Honorable Mention, III Biennial, Maracaibo, Maracaibo, Venezuela.
- 1988: Honorable Mention, V Biennial of Miniature Graphics, TAGA, Caracas, Venezuela.
- 1986: Honorable Mention, Young Print Prize, Casa de las Américas, Havana, Cuba.
- 1978: Honorable Mention in Printmaking, University Salon of Fine Arts UFES, Vitoria, Brazil.
- 1977: Second Place, EBA Salon, UFRJ, Rio de Janeiro, Brazil.
Solo Exhibitions
- 2014: “The Ideogram of Place”, Cecilia de Torres, Ltd., New York, United States.
- 2012: “Jesús Matheus: New Work”, Solar Gallery, New York, United States.
- 2013: “Square Totem/recent work”, Ideobox Artspace, Miami, United States.
- 2008: “Recent Work”, Artepuy Gallery, Caracas, Venezuela.
- 2006: “Pure Form Paintings”, Solar Gallery, New york, United States.
- 2005: “Trashumantes Paintings and Drawings”, Pages Espai d’art, Barcelona, Spain.
- 2002: “Paintings”, Gomez Gallery, Baltimore, United States.
- 2002: “The Skin of the Painting”, Solar Gallery, New York, United States.
- 1999: “Nómada/Nomad Installations”, Sala Mendoza Gallery, Caracas, Venezuela.
- 1998: “Print Installations”, Museum of Americas, San Juan, Puerto Rico.
- 1997: “Casa de Signos/House of Signs: Paintings”, Leo Blasini Gallery, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2013: “Recent Works by Gallery Artists”, Cecilia de Torres, Ltd., New York, United States.
- 2013: “Time Pieces (two person show w/ Danielle Sauvé)”, gallery@ARTBLOCK, Boston, Massachusetts, United States.
- 2015: “Forms of the Journey “, WE ART GALLERY, Washington, DC, United States.
- 2010: “Variable Dimensions, (two person show)”, AIB/ Lesley University, University Hall Gallery, Cambridge, United States.
- 2013: “The Restless Square”, Artepuy Gallery, Caracas, Venezuela.
- 2012: “2D Salon”, Chandler Gallery, Cambridge, United States.
- 2012: “Línea Crítica/Desplazamientos Cromáticos”, Artepuy Gallery, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Magic Square”, Artkitec Gallery, Mérida, Venezuela.
- 2008: “Visual/Manual “, Center for Latino Arts CLA, Boston, United States.
- 2005: “Unseen paintings”, Diversity Gallery, QCC Community College, Worcester, United States.
- 2001: “Site B Works on Paper”, Open studios FPCA, Boston, United States.
- 1998: “In Situ Installations and Artist Books”, Unus Space, Caracas, Venezuela.
- 1996: “Print Installations”, Homestudio José Clemente Orozco, Guadalajara, Mexico.
- 1994: “Muro de Ofrendas/ Wall of Offerings”, Unus Space, Caracas, Venezuela.
- 1993: “Prints”, Latinoamerican Gallery, Casa de las Américas, Havana, Cuba.
- 1989: “Drawings”, VW Gallery, Caracas, Venezuela.
Publications
- John Angeline, “Review of The Ideogram of Place”, ArtNexus- Issue N 96, March-May 2015, 115-116.
- María Angelina Castillo, “La Geometría Filosofal”, Talcualdigital.com, May 15, 2013.
- Jessica Morón, “Jesús Matheus en cuatro costados”, El Universal, Caracas, Venezuela, May 14, 2013.
- Grisel Arvelaez, “Indagaciones desde el arte geométrico”, El Nacional, June 2, 2013.
- Carmen Victoria Méndez, “El cuadrado representa la libertad absoluta para Jesús Matheus”, El Nacional, May 14, 2013.
- Cate McQuaid, “Grids and ribbons”, The Boston Globe, December 17, 2013.
Collections
- Robert Blackburn Printmaking Workshop, New York, United States.
- Dana Faber Cancer Institute, Boston, United States.
- Cisneros Foundation, Caracas, Venezuela.
- Cabinet of Print and Drawing, National Gallery of Art, Caracas, Venezuela.
- Carlos Cruz-Diez Museum of Illustration and Design, Caracas, Venezuela.
- Mario Abreu Museum of Contemporary Art, Maracay, Venezuela.
- National Library, Caracas, Venezuela.
- Taller de Artistas Gráficos Asociados, Caracas, Venezuela.
- Venezuelan Corporation of Guayana, Venezuela.
- Mercantil Bank Foundation, Caracas, Venezuela.
- National Museum of Print, México City, México.
- Embassy of Venezuela, México City, México.
- Graphic Arts Institute of Oaxaca, Oaxaca, México.
- Wilfredo Lam Center, Havana, Cuba.
- Casa de las Américas, Havana, Cuba.
- René Portocarrero Silk Screen Workshop, Havana, Cuba.
- Embassy of Venezuela, Rio de Janeiro, Brazil.
- Federal University of Rio de Janeiro, School of Fine Arts, Rio de Janeiro, Brazil.
- Federal University of Espiritu Santo, Vitoria, Brazil.
- Puerto Rican Institute of Culture, San Juan, Puerto Rico.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1956-1958: Bachelor’s Degree in Architecture, Autonomous University of Mexico (UNAM), Mexico City, Mexico.
- 1960: Master’s in Architecture, Cornell University, Ithaca, New York, New York.
- 1962: Certificate in Prefabrication, Centre Scientifique et Technique du Batiment, Paris, France.
Solo Exhibitions
- 2015: “Eduardo Terrazas“, Timothy Taylor Gallery, London, United Kingdom.
- 2015: “Second Nature“, Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City, Mexico.
- 2015: “Ways od Perception“, Nils Staerk Gallery, Copenhaguen, Denmark.
2013: “The Predicament of Mankind“, Nils Staerk Gallery, Copenhaguen, Denmark.
2013: “The Predicament of Mankind“, Art Feature at Art Basel, Basel, Switzerland.
2013: “Constellations“, Almine Rech Gallery, Paris, France.
2012: “Posibilities of a Structure”, Casa Luis Barragán, Mexico City, Mexico.
2012: “1.1.4“, Proyectos Monclova, Mexico City, Mexico.
2010: “Posibilidades de una Estructura”, Museo de Arte de Sinaloa, Sinaloa, Mexico.
1987: “Everyday Museum”, OMR, Mexico City, Mexico.
1987: “Everyday Museum”, Cultural Institute of Mexico, San Antonio, United States.
1987: “Multiplications”, Mobile Oil Company, Mexico City, Mexico.
1975: “Not knowing it existed and unable to explain it”, Gallery of the Benjamin Franklin Library, Mexico City, Mexico.
1974: “Paintings and Tablas”, Tunnel Gallery, New York, United States.
1974: “Eduardo Terrazas”, Museo Nacional de Arte, La Paz, Bolivia.
1974: “Eduardo Terrazas”, Eugenio Mendoza Foundation, Caracas, Venezuela.
1974: “Tablas”, Casa de la Cultura, Maracay, Venezuela.
1973: “Eduardo Terrazas”, Museo Nacional de las Bellas Artes, Santiago, Chile.
1973: “Eduardo Terrazas”, Suzy Langlois Gallery, Paris, France.
1973: “Eduardo Terrazas”, Knoll International, Paris, France.
1972: “Tablas”, Palacio de Bellas Artes, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2014: “Platform“, Almine Rech Gallery, Paris, France.
- 2014: “Artevida”, Casa Francia Brasil, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2014: “Desafío a la estabilidad”, Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Mexico City, Mexico.
- 2013: “Sharjah Biennial 11”, Sharjah Biennial 11, Sharjah, United Arab Emirates.
- 2012: “Poule!”, Fundación/Collection Jumex, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Exposición conmemora los 40 años”, Museo de la Solidaridad, Santiago, Chile.
- 2011: “Espacio flexible”, La Quiñonera, Mexico City, Mexico.
- 2011: “México: Política y Poética”, San Francisco State University Fine Arts Gallery, San Francisco, USA.
- 2011: “Mexico and Mexico news”, San Francisco State University Fine Arts, San Francisco, USA.
- 2002: “ABCDF”, Portraits d’une Ville-Institut du Mexique à Paris, Paris, France.
- 1973: “Young artists ’73”, Union Carbide, New York City, United States of America.
- 1970: “Graphics 1 New Dimensions”, Museum of Modern Art, New York City, United States of America.
- 1968: “Word and Image: posters and typography from the graphic design collection”, Museum of Modern Art, New York City, USA.
Publications
- Eduardo Terrazas, Segunda Naturaleza (Second Nature) (Mexico City: RM + Museo de Arte Carrillo Gil (MACG).
- Eduardo Terrazas, Posibilidades de una Estructure (Possibilities of a Structure) (Mexico City: Turner).
- Editor Hossein Amirsadeghi, Contemporary Art Mexico (London: TransGlobe Publishing), 302-305.
- Cisneros Fontanals Art Foundation, Impulso, Razón, Sentido, Conflicto (Miami: Cisneros Fontanals Art Foundation), 112-113.
- Bera Nordal , Mexico – Poetry and Politics (Stockholm: Nordiska Akvarellmuseet), 66-67.
- María Minera, “Busco ir a la esencia del universo“, El País, 17/04/2015.
- Notimex, “Museo de Arte Carrillo Gil exhibirá obras de Eduardo Terrazas“, El Excelsior, 29/01/2015.
- “El MoMA Presenta “Latinoamérica en Construcción: Arquitectura De 1955 a 1980“, Artishock, 10/03/2015.
Collections
- Fundación-Colección Jumex, México City, Mexico.
- Museum of Fine Arts, Boston, United States of America.
- MUAC – Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- Museo Amparo, Puebla, Mexico.
- Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago, Chile.
- MOMA- Museum of Modern Art (architecture and design dpmt.), New York City, United States.
- Eduardo Terrazas, “14.23 Mural Jenga”, 2014-2015, From the series: Everyday Museum, Wooden blocks inked with aniline on wooden board, Overall dimensions: 250 x 886 cm. Courtesy of the artist and Proyectos Monclova. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “16.36”, 2014, Series: Constellations, Chaquira glass breads on wooden board covered with Campeche wax. 90.5 x 90.5 cm. Courtesy of the artist. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.25b”, 1974, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, India ink on paper, 46.4 x 46.4 cm, Courtesy of the artist and Proyectos Monclova. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.32”, 2013, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax. 120 x 120 cm, Private collection. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “1.1.66”, 2014, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Automotive lacquer with matte varnish on wooden board. 200 x 200 x 4.5 cm, Private collection. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.94”, 1970-1972, Series Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Wool Yarn on wooden board covered with Campeche wax, 150 x 150cm. Collection of the Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.147”, 1974-2014, Series: Possibilities of a Strucutre, Subseries: Cosmos, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax. 120 x 120 x 3.5 cm. Private collection. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “5.1”, 1971-1972, Series: Deconstruction of an Image, Automotive lacquer with matte varnish on wooden board, 252 x 200 x 5 cm. Collection of the Museo Amparo. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “1.3.11”, 1975-2015, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Diagonals, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax, 90 x 90 cm. Courtesy of the artist and Timothy Taylor Gallery. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “Crecimiento Orgánico (Organic Growth)”, 1975, Series: Organic Growth, Acrylic on canvas, Set of 16, Image Dimensions (each): 23.62 x 23.62 x .98 in, 60 x 60 x 2.5 cm. FEMSA Collection. Photo: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “1.4.11”, 1974-2015, Series: Possibilities of a Strucutre, Subserie: Grid, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax, 90 x 90 cm. Courtesy of the artist and Timothy Taylor Gallery. Photo: Agustin Estrada.
- Eduardo Terrazas, “2.52b”, 1974, Series: Tablas, Marker on paper, 37.5 x 37.5 x 3.5 cm. Courtesy of the artist and Monclova Proyectos. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “9.13”, 2010, Subserie: Universe, Acrylic on canvas, 200 x 200 x 4 cm. Courtesy of the artist Proyectos Monclova. Photos: Diego Berruecos.
- Eduardo Terrazas, “0.2”, 1969, Series: 0, Acrylic on canvas, 120 x 100 x 2.5 cm. Courtesy of the artist and Proyectos Monclova. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “2.57”, 1972-2014, Series: Tablas, Wool yarn on wooden borard covered with Campeche wax. 90 x 90 x 3.5 cm. Courtesy of the artist and Nils Staerk Gallery. Photo: Agustín Estrada.
- Eduardo Terrazas, “1.1.148”, 1974-2014, Series: Possibilities of a Structure, Subseries: Cosmos, Wool yarn on wooden board covered with Campeche wax. 120 x 120 x 3.5 cm. Private Collection. Photo: Agustín Estrada.
- Jaime Davidovich, “Blue/Red/Yellow”, 1974, Three channel color video installation, silent, (Blue Tape: 00:12:12; Red Tape: 00:09:24; Yellow Tape: 00:12:13), Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Opening Square Taped Project with Frame”, 1972, Crayon, ink, graphite and tape on paper, 76.8 x 106.7 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “Not in New York Gallery”, 1972, Mixed media on paper, 55.8 x 66 cm.
- Jaime Davidovich, “Collage Tape Painting 4”, 1969, Crayon, graphite, tape and human hair on handmade paper, 61 x 87 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “Columbus Tape Project: Drawing”, 1971, Graphite, ink and tape on paper, 76.2 x 56.2 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “New York Project”, 1975, Digital video transferred from videotape, (00:11:20), Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Whitney Taped Project”, 1973, Canvas, oil, microfoam and tape on board, 66.6 x 56.5 cm.
- Jaime Davidovich, “New York Project Queens 65th Street Station”, 1975, Tape on photograph, 66.8 x 56.5 cm.
- Jaime Davidovich, “Adhesive Tape Project”, 1973, Graphite, marker and tape on two pieces of Masonite, 37.8 x 243.8 cm. Photo credit: Arturo Sanchez.
- Jaime Davidovich, “Tape Project: Sidewalk 1”, 1971, Gelatin silver print mounted on cardboard, 50.2 x 40.3 cm.
- Jaime Davidovich, “Tape Project”, 1972-2012, Clear adhesive tape, Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Tape Project, Yellow Tape”, 1970, Photograph and yellow adhesive tape, Variable dimensions.
- Jaime Davidovich, “Queens Boulevard (Fake Estates)”, 1973, Collage on paper, 40.3 x 50.5 cm. Private Collection.
- Jaime Davidovich, “Tape and Canvas Project”, 1970, Canvas, oil, graphite and tape on board, 47.7 x 55.8 cm.
- Jaime Davidovich, “Project for Column”, 1972, Tape on photograph, 66.6 x 56.5 cm.
- Jaime Davidovich, “Untitled”, 1970, Oil, canvas and tape on board, 77.8 x 52.4 cm.
My taped projects are about surfaces, context and space.
I first started working with adhesive tape in 1966. Initially I used the tape to hold my paintings to the wall, but starting in 1970 I eliminated the painting and concentrated on the tapes as my primary medium. I wanted to explore the possibilities of using spaces where the viewer does not expect art to be found. This concept brought me to intervene staircases, landing platforms and outdoor walls and objects. Each work was created for a unique space. When covering a surface, the tape creates an additive grid full of amorphous patterns caused by air bubbles. When developing a tape project, sometimes paper or a photograph was the support and framework for the piece, but many times the project was able to become monumental as it seamlessly adapted to the architecture of the space. Also in 1970, I began to incorporate videotape as part of these projects. The taped projects became “Art on tape and tapes as art”.
Traducido del inglés
Mis proyectos con cinta tratan sobre superficies, contexto y espacio.
Comencé trabajando con cinta adhesiva en 1966. Inicialmente utilicé cinta para sostener mis pinturas sobre la pared, pero a partir de 1970, eliminé las pinturas y me concentré en las cintas como mi medio principal. Quería explorar las posibilidades del uso de espacios en donde el espectador no espera encontrar arte. Este concepto me llevó a intervenir escaleras, plataformas de aterrizaje, paredes exteriores y objetos. Cada obra fue creada para un espacio único. Al cubrir una superficie, la cinta crea una retícula de aditivo llena de patrones amorfos causados por burbujas de aire. Durante el desarrollo de un proyecto con cinta, a veces el papel o la fotografía era el soporte y el marco de la pieza, sin embargo, muchas de las veces, el proyecto fue capaz de convertirse en monumental al momento de adaptarse perfectamente a la arquitectura del espacio. También, en 1970, comencé a incorporar cinta de video como parte de estos proyectos. Los proyectos grabados se convirtieron en “Arte en cinta y las cintas como arte”.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1963: School of Visual Arts, New York, USA.
- 1959-1961: , University of Uruguay, Montevideo, Uruguay.
- 1954-1958: , National College of Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 1990: Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1984: Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1982: Creative Artists Public Service Program, New York State Council on the Arts, New York, USA.
- 1978: Visual Arts Fellowship, National Endowment for the Arts, Washington, D.C., USA.
- 1975: Creative Artists Public Service Program, New York State Council on the Arts, New York, USA.
Solo Exhibitions
- 2015: “Jaime Davidovich: Adventures of the Avant-Garde“, The Bronx Museum of the Arts, New York, USA.
- 2015: “Jaime Davidovich: Tapes Period. 1969-1975”, Henrique Faria, New York, New York, USA.
- 2013: “Museum of Television Culture“, Churner and Churner, New York, USA.
- 2010: “Biting the Hand that Feeds You”, ARTIUM, Vitoria Gasteiz, Spain.
- 2008: “Dr. Videovich”, Anthology Film Archives, New York, USA.
- 2004: “Jaime Davidovich Video Works 1970-2000”, The Phatory Gallery, New York, USA.
- 1991: “Forces/Farces”, Exit Art, New York, USA.
- 1989: “The Live! Show Retrospective”, The Museum of the Moving Image, New York, United States.
- 1978: “Jaime Davidovich: Art Turns on Television”, Coroborree, Iowa City, United States.
- 1976: “Baseboard”, The Kitchen, New York, USA.
- 1976: “Jame Davidovich Video VII”, Museum of Modern Art, New York, USA.
Group Exhibitions
- 2010: “Changing Channels”, MUMOK, Vienna, Austria.
- 2009: “Compass in Hand”, Museum of Modern Art, New York, United States.
- 2009: “From the Archives: 40 Years, 40 Projects”, White Columns, New York, United States.
- 2008: “Arte no es Vida”, El Museo del Barrio, New York, United States.
- 2007: “Primera Generación. Arte e imagen en movimiento”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain.
- 2000: “The End: An 18-Year History of Exit Art”, Exit Art, New York, United States.
- 1990: “Ideas and Images from Argentina”, The Bronx Museum of the Arts, New York, USA.
- 1986: “Television’s Impact on Contemporary Art”, Queens Museum, New York, USA.
- 1977: “Art of the Seventies”, Fundació Joan Miró, Barcelona, Spain.
- 1972: “Arte de Sistemas”, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
- 1971: “Experiments in Art and Technology”, B.K. Smith Gallery, Painesville, USA.
Publications
- Thomas Riggs, St. James Guide to Hispanic Artists (New York: St. James Press).
- Marc H. Miller, Television’s Impact on Contemporary Art (New York: Queens Museum).
- Les Krantz, American Artists – An Illustrated Survey of Leading Contemporary Americans (Chicago: The Krantz Company Publishers, Inc.)
- Holland Cotter, “10 Galleries to Visit on the Upper East Side“, The New York Times, April 16, 2015, C33.
- Jacob Proctor, “Jaime Davidovich at Threewalls”, ArtForum, April 2015, 255.
- Joseph Jacobs, “When Video Was Young”, Art in America, 2007, .
- Lower Manhattan Cultural Council, “Site Matters”, Distributed Art Publishers, 2004, .
- Herman Rapaport, “Jaime Davidovich – A Video Promenade – Jorge Luis Borges Interview with Davidovich While Walking on University Place from 12th to 11th Streets, New York, 1982”, Points of Contact, Fall 1995, 16-21.
- Carolyn Kinder Karr, “Jaime Davidovich”, ArtForum, February 1974, 61-62.
Collections
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain.
- Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona, Spain.
- Clarisa and Edgar J. Bronfman, New York, USA.
- Private Collection, New York, USA.
Links
May 4, 2015 Ivelisse Jiménez https://abstractioninaction.com/artists/ivelisse-jimenez/- ivelisse jimenez, “description without place.2”, 2006, Series: description without place, Painting on canvas, collage of plastic and plexiglass partially covered by a screen of mylar. What is behind can be seen from the sides. The frontal view offers a blurred perspective. , Variable dimensions.
- ivelisse jimenez, “Ten con Ten 21”, 2003, Series: Ten con Ten, painting on canvas, collage of plastic and plexiglass partially covered by a screen of mylar. What is behind can be seen from the sides. The frontal view offers a blurred perspective. Variable dimensions.
- ivelisse jimenez, “goes without saying”, 2014, modules of painting on canvas, collage of plastic and plexiglass partially covered by screens of mylar. What is behind can be seen from the sides. The frontal view offers a blurred perspective, Variable dimensions.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1997-1999: Master of Fine Arts, New York University, New York, USA.
Prizes / Fellowships
- 2012: Arte Laguna first prize in painting, Arte Laguna , Venice, Italy.
- 2009: Joan Mitchell Award for painters and scul, Joan Mitchell, New York, US.
Links
January 28, 2015 Cipriano Martínez https://abstractioninaction.com/artists/cipriano-martinez/- Cipriano Martínez, “Alopecia”, 2009, Silkscreen on paper, 100 cm x 66 cm.
- Cipriano Martínez, “Ordenamiento VII”, 2005, Series: Situación Naranja, Intervention on reflective fabric, 128 x 115 cm.
- Cipriano Martínez, “Ejercicio para preservar la memoria”, 2005, Oil on canvas, Variable dimensions.
- Cipriano Martínez, “Dislocación YCM02”, 2009, Silkscreen on paper, 65.5 x 50.5 cm.
- Cipriano Martínez, “Permutación CYM”, 2008, Lythographic print on paper, 360 x 480 cm. Site-specific project. Location: Sala Mendoza, Caracas, Venezuela. Photo credit: Centro Documental de la Sala Mendoza.
- Cipriano Martínez, “Permutación CYM”, 2009, Silkscreen on paper, 72 x 72 cm.
- Cipriano Martínez, “Pabellón Norte”, 2010, Series: Pantallas, Oil on canvas, 100 x 180 cm. Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.
- Cipriano Martínez, “Brillante”, 2011, Oil on canvas, 150 x 150 cm.
- Cipriano Martínez, “Facade”, 2012, Oil on canvas, 170 x 280 cm.
- Cipriano Martínez, “Blueprint”, 2012, Series: Orthodrome, Oil on canvas, 150 x 140 cm.
- Cipriano Martínez, “Colour Testing”, 2012, Oil on canvas, 40 x 30 cm.
- Cipriano Martínez, “Cammouflage”, 2012, Oil on canvas, 60 x 50 cm.
- Cipriano Martínez, “Torres del Silencio”, 2007, Oil on canvas, 50 x 40 cm.
- Cipriano Martínez, “Untitled”, 2012, Series: Orthodrome, Oil on canvas, 180 x 120 cm.
- Cipriano Martínez, “Untitled”, 2012, Oil on canvas, 60 x 50 cm.
- Cipriano Martínez, “Untitled”, 2011, Series: Screen, Oil on canvas, 180 x 140 cm.
- Cipriano Martínez, “Untitled”, 2014, Series: Residual, Silkscreen on paper mounted on canvas, 100 x 140 cm.
- Cipriano Martínez, “Spill”, 2012, Oil on canvas, 144 x 110 cm.
The rain of this valley
drags everything, slowly, toward its entrance,
it does not have another slope.
ITACA. For a homage to Konstantinos
Kavafis. Eugenio Montejo.
Caracas, the place where I was born, is a city full of contrasts that grew exponentially in just half a century as a result of the oil boom. It is a place where memory is constantly blurred, and where another city grows from within. It is precisely this mutant character, this kind of patchwork, what makes it both complex and fascinating.
Serial repetitions, dislocated structures, changes in the scale of representation, frontal and aerial views, and obsessive patterns constitute the strategy that I use to approach a notion of chaos, or perhaps a desired order suitable of a city that appears in my paintings as a vestige.
In recent years, my oil paintings have become increasingly informed by my parallel interest in printmaking. These investigations of the printing process have lent my work a mathematical precision that I believe enforces the underlying themes of the work.
In the exhibition catalogue for Destructive Testing (Maddox Arts, 2012) Patricia Velasco writes “It is the changing geography and accidental architecture of the city which captures the artist’s interest, the misshapen and vague cartography, the metamorphosis of architecture in a state of constant transformation, the variety and, from a temporal viewpoint, the unstable nature of the layout and tissue on which the modern city is built.”
La lluvia de este valle,
todo lo arrastra, despacio, hasta sus puertas,
no tiene otro declive.
ITACA. Para un homenaje a Konstantinos
Kavafis. Eugenio Montejo.
Caracas, el lugar donde nací, es una ciudad llena de contrastes que creció exponencialmente en cuestión de medio siglo, como resultado del boom petrolero. Es un lugar donde la memoria se borra constantemente, y donde otra ciudad crece desde adentro. Es precisamente este carácter mutante, esa especie de patchwork lo que la hace compleja y fascinante a la vez.
Repeticiones seriales, estructuras dislocadas, cambios en la escala de representación, visiones frontal y cenital, ausencia de gesto, patrones obsesivos, forman parte de la estrategia que empleo para aproximarme a la noción de caos, o a un orden quizá deseado propio de una ciudad que aparece en mi pintura a modo de vestigio.
En los últimos años mis pinturas–óleo sobre tela–han recibido una influencia cada vez mayor de mi interés paralelo en las artes gráficas . Estas investigaciones en el proceso de impresión han ofrecido a mi trabajo una precisión que refuerza los temas fundamentales de la obra.
En la presentación del catálogo de la muestra Destructive Testing (Maddox Arts, 2012) Patricia Velasco escribe “Le interesa al artista la geografía cambiante y accidental de la ciudad, la cartografía mutante e imprecisa, la arquitectura que se metamorfosea y que está en constante transformación, la variabilidad y el carácter inestable desde el punto de vista temporal de los trazos y tejidos sobre los cuales se edifica la urbe moderna”
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1998-2000: Master in Art, Chelsea College of Arts & Design, London, United Kingdom.
- 1991-1996: Licenciado en Artes Plásticas, Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón, Caracas, Venezuela.
- 1983-1989: Ingeniero Civil, Universidad Central de Venezuela, Caracas, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- 2003: Mención Especial del Jurado “XI Premio Mendoza” , Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1998: Beca “Fundación Gran Mariscal de Ayacucho”, Caracas, Venezuela, Fundación Gran Mariscal de Ayacucho, Caracas, Venezuela.
- 1998: Distinción Especial “II Bienal Nacional del Paisaje”, Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu, Maracay, Venezuela.
Solo Exhibitions
- 2015: “Failed Geometry”, Viloria Blanco Gallery, Miami, USA.
- 2012: “Destructive Testing”, Maddox Arts, London, United Kingdom.
- 2010: “Serial Reconstructions”, South Hill Park, Bracknell, United Kingdom.
- 2009: “Caracas Espectral”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2006: “El Orden desde Adentro”, Pages Espai d’Art, Barcelona, Spain.
- 1999: Galería Luis Adelantado, Valencia, Spain.
Group Exhibitions
- 2014: “Gráfica Mercantil. Indagación y Seguimiento”, Espacios Mercantil, Caracas, Venezuela.
- 2014: “Punto de Quiebre. 16 Ensayos Latinoamericanos”, Beatriz Gil Galería, Caracas, Venezuela.
- 2014: “Degrees of Separation”, Maddox Arts, London, United Kingdom.
- 2013: “Zonas en Relación”, La Caja. Fundación Cultural Chacao, Caracas, Venezuela.
- 2013: “Nuevas Adquisiciones y Donaciones”, Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.
- 2013: “Multiplied 2013”, Christie’s, London, United Kingdom.
- 2013: “Obra en Papel”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2013: “Solo Project. Colour Testing”, Pinta Art Fair, London, United Kingdom.
- 2011: “Once Tipos del 11”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Jungle City”, Fringe Festival, Edinburgh, United Kingdom.
- 2010: “Bottletop”, Phillips de Pury & Company, London, United Kingdom.
- 2010: “Abstract”, Maddox Arts, London, United Kingdom.
- 2010: “International Collective Show”, Christopher Paschall S. XXI, Bogotá, .
- 2010: “Desplazados”, Artepuy, Caracas, Venezuela.
- 2008: “Escala Mural”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2007: “Mapping the Necklace”, Baltic Square, Newcastle, United Kingdom.
- 2006: “Subasta de Arte Latinoamericano”, Fernando Durán, Madrid, Spain.
- 2005: “Torres de Caracas: Modernidad Silenciada”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2004: “Futuribles”, ARCO, Madrid, Spain.
- 2003: “XI Edición Premio Mendoza”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2002: “60 Salón Arturo Michelena”, , Valencia, Venezuela.
- 2002: “De Colección”, CELARG, Caracas, Venezuela.
- 2000: “Jóvenes con FIA”, Ateneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 1999: “Vestigios de Materia”, Galería Corporación Andina de Fomento, Caracas, Venezuela.
- 1999: “Artistas para el Tíbet Libre”, Fundación Lázaro Galdiano, Madrid, Spain.
- 1998: “Cosecha 98”, Galería de Arte Centro Li, Caracas, Venezuela.
- 1998: “II Bienal Nacional del Paisaje”, Museo de Arte Contemporáneo Mario Abreu, Maracay, Venezuela.
- 1997: “V Bienal de Artes Visuales Christian Dior”, Centro Cultural Consolidado, Caracas, Venezuela.
- 1997: “Caballo de Troya”, Museo del Oeste Jacobo Borges, Caracas, Venezuela.
- 1995: “II Salón Pirelli”, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 1994: “VII Bienal de Dibujo de Caracas”, Museo de Artes Visuales Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
Publications
- Herald Jackie, Experimental Pattern Sourcebook (Massachusetts: Rockport Publishers).
- Ramos, María Elena, El Avila en la mirada de todos. (Caracas: Playco Editores).
- Dubraska Falcón, “Caracas inspira pasiones de arte”, El Universal, September 2009.
- Andrés Isaac Santana, “Soñando el mapa”, ArtNexus No.60 Vol.5, 2006.
Collections
- Fundación Banco Mercantil, Caracas, Venezuela.
- Colección Banesco, Caracas, Venezuela.
- Mark Rothko Foundation, Daugavpils, Latvia.
- Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.
- Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “56 Panopticon empty spaces”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “56 Panopticon empty spaces (DETALLE)”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “COLLAPSED-3-HOUSING-UNIT-EMPTY-SPACE”, 2013, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “Topographic cloud (DETALLE)”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “Topographic cloud”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “Non cubic empty spaces”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “Adding 6 lineal empty spaces”, 2011, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “Tin Tin minimal unit empty space”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “Correo-Reticularea-GEGO”, 2012, Series: Correo-Reticularea-GEGO MACC 2012, Sewed postcards, Variable dimensions. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “automatic-architecture-RedVsBlue-20141118”, 2014, Series: arquitecturas automáticas, Acrylic paint on canvas, 50 x 50 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “automatic-architecture-RedVsBlue-20141224”, 2014, Series: arquitecturas automáticas, Acrylic paint on canvas, 38 x 38 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “automatic-architecture-cluster-guarimba-red-blue-B”, 2014, Series: arquitecturas automáticas, Drawings, crayon on paper and sewing, 38 x 38 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “single-unit-housing-project-space”, 2013, Series: arquitecturas automáticas, Crayon on albanel paper, 35 x 95 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “single-unit-housing-project-space”, 2013, Series: arquitecturas automáticas, Crayon on albanel paper, 35 x 95 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “20-single-unit-housing-A”, 2013, Series: arquitecturas automáticas, Sewed paper, 30 x 30 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “table-room-living-room”, 2011, Series: In-Side out 2011, Cut out paper on glass case, 34 x 43 x 7 cm. Private Collection. Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Some notes about the politics in my work, called “automatic architectures…”
Join together, get shelter, protection, appropriation. Appropriation of the space, creation of place, object.
Attachment.
To demolish,
To build…
“All build-up is refuge against danger.”
Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973
To a large extent, my work lies beneath like an architecture, as a strategy of ideological appropriation of space, the conquest of place, of the object, of the contained body… Do not think, do not live, do not feel… Let me build you, win that battle of “abitare,” I build you and think you, I appropriate you, live in you, in your space, in that space in between which surrounds you, that makes you, that molds you, configures you, and figures you.
The “Empty Box” becomes imposed in its abstraction, its economy knows no rival, and its synthesis is undefeated. That subdivided, fragmented, quadratic, cubic, universal, reproducible, “built-up” space. Optimal, minimal.
The ultimate ending: winning
territory,
defeat the
weak.
Totalitarianism of the majority; nothing and no one can win the battle over this cubic formula…
Place,
Home.
My “automatic architectures,” are conceived as models of “creation and destruction.” Their origin is tangentially dominated by patterns, actions around the notion of “appropriation.” To make myself one with space, place, and object, through a predetermined and preconceived model. An ideological, formal structure that models actions. To think of void as a structural content, is that border between collapse and equilibrium of content and container… Lines that intersect, supremacy battles between horizontality and verticality of space, of the object and its drifts. The imminence of matter to be transformed into an object, regroup and reconcile as a new form. To join spaces… imposing the plural to the singular, to the individual… Making the indivisible visible. To join as defense, not as addition. Build up to distract, to sublimate, to delete, eliminate, destroy.
Lines draw themselves in a describing without writing. As with the spiral, the constructive space is an internal ideology; its limit emerges on every layer, from intimacy.
To build and destroy. Collapsing is not an improper accident of the structure, but an inevitable stage of existence itself. Collapse, implosion, deflation… Strategies in the poetics of the terminal. To build and destroy. Modernist therapy of an infinitely delayed agony. Running an incomplete defeat.
Matter is raw, quotidian, on the verge, cyclical, re-oriented, re-conceived, resented, re-lived… Every skin suggests its needlework, its stitches… in its reusing, a corner disappears; it’s filed down, making its own way, its exile. To sew and undo… String together and undo, and gain aerial space, the dream of “flying,” of the suspended, the pending. Always an imminent departure, or loss. Stringing together without completing the fabric… Weaving looms without instructions. Too many complications for the pre-functions. Improvisation of survival, of error, of the everyday, of the doing without thinking, of being without being, without permanence.
Today, the promised paradise… Looks more like hell.
I do not see, I do not speak, I do not listen, I do not feel…
I do not exist.
I only
Exist
For
The
Promised
“Paradise.”
Algunas notas sobre las políticas asumidas por mi trabajo en las llamadas “arquitecturas automáticas”…
Aglomerar, refugiarse, protegerse, apropiarse. Apropiación del espacio, creación del lugar, objeto.
Apego.
Demoler,
construir…
“Toda aglomeración es un refugio contra un peligro”.
Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973
En gran medida mi obra subyace como una arquitectura, como una estrategia de apropiación ideológica del espacio, la conquista del lugar, del objeto, del cuerpo contenido… No pienses, no vivas, no sientas… Déjame construirte, ganarte esa batalla del “abitare”, yo te construyo y te pienso, me apropio de ti, vivo en ti, en tu espacio, en ese intersticio que te bordea, que te hace, te moldea, te configura, te figura.
La “Caja vacía” se impone, en su abstracción, su economía no tiene adversarios, su síntesis esta invicta. Ese espacio subdividido, fragmentado, “cuadrático”, cúbico, universal, reproducible, “aglo-merable”. Optimo, mínimo.
El fin supremo: ganar
territorio,
vencer al
débil.
Totalitarismo de las mayorías, nadie, ni nada, puede ganarle la batalla a esta fórmula cúbica…
Lugar,
hogar.
Mis “arquitecturas automáticas”, se piensan como modelos del “crear y destruir”, su génesis viene dominada tangencialmente por patrones, acciones en torno a la noción de “apropiación”. Hacerme con el espacio, el lugar, el objeto a través de un modelo predeterminado, pre-pensado. Una estructura ideológica, formal, que modela las acciones. Pensar en el vacío como contenido estructural, es ese filo entre el colapso y el equilibrio del contenido y el contenedor… Líneas que se entrecruzan, batallas de supremacías entre la horizontalidad y la verticalidad del espacio, del objeto, de sus derivas. Esa inminencia de la materia por transformarse en objeto, reagruparse y conciliar una nueva forma. Aglomerar espacios… imponiendo lo plural a lo singular, al individuo… Haciendo invisible lo indivisible. Aglomerar como defensa, no como sumatoria. Aglomerar para distraer, para sublimar, para borrar, eliminar, destruir.
Las líneas se dibujan solas, es un describir sin escribir. Como en el caracol, el espacio constructivo es una ideología interna, su límite emerge capa a capa desde la intimidad.
Construir-destruir. El colapsar no es un accidente impropio de la estructura, es una fase inevitable de la existencia misma. Colapso, implosión, deflación… Estrategias en las poéticas de lo terminal. Construir-deconstruir. Terapia modernista de una agonía retardada al infinito. Gestión de una derrota inacabada.
La materia, es cruda, cotidiana, al borde, cíclica, re-orientada, re-pensada, re-sentida, re-vivida… Cada piel sugiere su costura, su punto y cruz… en el re-usar, la esquina desaparece, se lima, se hace su propio camino, destierro. Coser y descoser… Hilar y des-hilar y ganar el espacio aéreo, el ensueño de “lo volador”, de lo sus-pendido, colgante, siempre inminente partida, perdida. Hilar sin llegar nunca a completar la tela… Telares sin instrucciones, demasiadas complejidades para las pre-funciones. Improvisación de la supervivencia, del error, del cotidiano, del hacer sin pensar, del ser sin estar, sin permanencia.
Hoy, el paraíso prometido… Parece más un infierno.
No veo, no hablo, no escucho, no siento…
No existo.
Solo
existo
para
el
“paraíso”
prometido.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1999-2000: MA in Fine Art, Chelsea College of Art and Design (The London Institute), London, UK.
- 1992-1994: Incomplete, Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plasticas Armando Reveron, Caracas, Venezuela.
- 1989-1995: Architect, Facultad de Arquitectura y Urbanismo – Universidad Central de Venezuela, Caracas, Venezuela.
- 2000-2001: “Research Program Dali.”, Chelsea College of Art And Design, London, UK.
Prizes / Fellowships
- 1999-2001: Credito Fundayacucho, Fundayacucho, Caracas, Venezuela.
- 1999-2001: “Distinction”, Chelsea College of Art and Design, London, UK.
Solo Exhibitions
- 2013: “IN BETWEEN OBJECT & EMPTINESS“, Galerie Ulrike Hrobsky, Vienna, Austria.
- 2012: “SUPER-BLOCK Space & others species“, Galeria Astarté, Madrid, Spain.
- 2012: “Super-block” One-project“, Art Madrid 2012 Art Fair – Astarté Gallery, Madrid, Spain.
- 2011: “Diario de viaje” Drawing, spaces and other pieces”, Kling Store, Madrid, Spain.
- 2010: “Empty objects, spaces and other pieces“, Galeria Astarté, Madrid, Spain.
- 1998: “Identidades Terminales” Models for the Libaration of Inanimate Objects”, Galeria Terraquea, Caracas, Venezuela.
- 1998: “Der Golem, Sketches and Models”, Museo de Arte Contemporaneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 1996: “Maquinando Otra”, Escuela de Comunicación Visual PRODiseño, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2014: “Estampa Art Fair Madrid-Matadero“, Galeria Astarté – Centro Matadero de Madrid, Madrid, Spain.
- 2014: “Smell of Cerdanyola“, Museu d’Art de Cerdanyola, Cerdanyola, Barcelona, Spain.
- 2014: “Degrees of saparation“, Maddox Arts Gallery, London, UK.
- 2013: “Sluice Art Fair“, Square Art Projects, London, UK.
- 2013: “Casa-Decor Art Fair”, Galería Astarté, Madrid, Spain.
- 2012: “Willow Foundation Blank Canvas Project”, Maddox Art Gallery with Willow Foundation , London, UK.
- 2012: “Gego obra abierta: testimonios y vigencia”, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Photo Opportunity“, Maddox Art Gallery, London, UK.
- 2012: “Paramito“, Group pop-up show by Square Studio, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Art Lisboa” International Contemporary Art fair”, Galeria Astarté, Lisbon, Portugal.
- 2011: “INSIDE-OUT 6 Colecciones“, Galería Astarté, Madrid, Spain.
- 2011: “PINTA London Art Fair” International Contemporary Art fair”, Maddox Art Gallery, London, UK.
- 2010: “Art Lisboa” International Contemporary Art fair”, Galeria Astarté, Lisbon, Portugal.
- 2010: “Cuerpo Maquinico”, Museo de Arte Contemporaneo del Zulia, Marcaibo, Venezuela.
- 2010: “PAPEL(ES)“, Galería Astarté, Madrid, Spain.
- 2009: “The New truth of Leather”, Centro Tecnológico de la Piel, Fundación Movex, Sevilla, Spain.
- 2009: “Cuerpo Maquinico I”, Museo de Arte Acarigua Araure, Acarigua, Venezuela.
- 2009: “Viajando en Papel”, Cabinet Gallery , Madrid, Spain.
- 2005: “Der Golem”, Museum of Contemporary Art of Acarigua Araure, Acarigua, Venezuela.
- 2005: “Ingravitas”, Museo Jacobo Borges de Catia, Caracas, Venezuela.
- 2003: “II Exxon Mobil”, Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.
- 2002: “Happening Extreme 5”, Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
- 2001: ““Cuando todo se ha visto y hecho” V Salón Pirelli de Jóvenes Artistas”, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 2001: ““Liberating Old York Road” DALI Reaserch Program final show”, Chelsea College of Art And Design, London, UK.
- 2000: ““ASSEMBLY SHOW” “, Royal College of Art, Goldsmiths College and ARTslag. Stepney City E1, London, UK.
- 2000: “Chelsea MA Fine Art Show”, Brighton Media Centre Gallery, Brighton, UK.
- 2000: “Chelsea Fine Art 2000”, Chelsea College of Art and Design, London, UK.
- 2000: “ARK 2000 an Experiment Work”, Cafe Gallery Project, London, UK.
- 1999: “New Blood Young Venezuelan Art”, Bruce castle Museum, London, UK.
Publications
- Jason Potts, Daniel Stout, Theory Aside (North Carolina: Duke University Press Books), 328 pages.
- Rafael Reveron-Pojan, “super block space and other species“, DesignBoom, 22 oct 2012, 1.
Collections
- Olor Visual, Barcelona, Spain.
- ThyssenKrupp Madrid, Madrid, Spain.
Links
January 21, 2015 Kenji Nakama https://abstractioninaction.com/artists/kenji-nakama/- Kenji Nakama, “Planestática”, 2006, Series: Serie de 4 fotos, Still shot of TV monitor, 40 x 50 cm.
- Kenji Nakama, “Nueva Naturaleza”, 2007, Series: Serie de 6 fotos, Still shot of TV monitor, 40 x 50 cm.
- Kenji Nakama, “Monet”, 2006, Series: Nueva Naturaleza, Oil on MDF, 10.8 x 48 x .5 cm.
- Kenji Nakama, “03”, 2009, Series: Pangea, Oil on canvas, 180 x 300 cm.
- Kenji Nakama, “Montaña”, 2010, Collage with TV guides, 130 x 150 cm.
- Kenji Nakama, “Corte transversal del fragmento de una montaña”, 2010, Collage with TV guides, 130 x 150 cm.
- Kenji Nakama, “Sin título”, 2011, Series: Mutación y Desborde, Collage with bond paper, 103 x 73 x 20 cm.
- Kenji Nakama, “Sin título”, 2011, Series: Mutación y Desborde, Collage with newspapers, 80 x 80 x 73 cm.
- Kenji Nakama, “Sin título”, 2011, Series: Mutación y Desborde, Collage with magazines, 25 x 33 cm.
- Kenji Nakama, “Sin título”, 2011, Series: Mutación y Desborde, Collage with magazines and wood bookcase, 200 x 150 x 90 cm.
- Kenji Nakama, “Sin título”, 2011, Series: Mutación y Desborde, Collage with magazines, books, encyclopedias, etc, Variable dimensions.
- Kenji Nakama, “Jardín”, 2011, Series: Jardín, Collage with bond paper, Variable dimensions.
- Kenji Nakama, “25 perspectivas del mundo”, 2012, Series: 25 perspectivas, Collage with 25 geopolitical maps cut in squares and glued into one, 41 x 69 cm.
- Kenji Nakama, “Estudio N4”, 2013, Series: Estudios del Pliegue, Collage with bond paper, 130 x 100 cm.
- Kenji Nakama, “Estudio N9”, 2013, Series: Estudios del Pliegue, Collage with bond paper, 130 x 100 cm.
Selected Biographical Information
Education
- 1999-2006: Bachiller, Facultad de Artes – PUCP, Lima, Perú.
Prizes / Fellowships
- 2011-2012: Residencia , Cité Internationale des Arts , Paris, Francia.
- 2010: XIII Concurso de artes visuales ‘Pasaporte Para un Artista’ (primer puesto), Embajada de Francia en el Perú, Lima, Perú.
- 2011: III Concurso de Pintura del BCR, Banco Central de la Reserva del Perú, Lima , Perú.
- 2007: II Concurso de Artistas Jóvenes de Lima Metropolitana, Municipalidad de Lima, Lima, Perú.
- 2006: Premio de la Crítica a la especialidad de pintura, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Perú.
- 2006: Premio Winternitz para sexto año de pIntura, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Perú.
Solo Exhibitions
- 2013: “Estudios del Pliegue“, Galería Lucía de la Puente, Lima, Perú.
- 2011: “Jardín“, Galería L’Imaginaire – Alianza Francesa de Miraflores, Lima, Perú.
- 2011: “Mutación y Desborde“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.
- 2009: “Pangea“, Galería Lucia de la Puente, Lima, Perú.
Group Exhibitions
- 2013: “Primera Década-Arte joven en Lima a inicios del nuevo siglo”, ICPNA de Miraflores, Lima , Perú.
- 2012: “Terra Incognita”, Centro Cultural de España, Lima, Perú.
- 2012: “Realidad Suprimida”, Centro Cultural Ricardo Palma, Lima , Perú.
- 2007: “La prolongación del espacio”, Galería 80m2, Lima, Perú.
- Andrea Canepa, “A second chance to rephrase the question”, 2013, Wool on canvas, digital print, glass, wooden shelfs, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Wu Galería, Lima, Peru. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Paisaje con cabaña “, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 27 x 37 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Paisaje con molino”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 30 x 24,7 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Arreglo de flores en cesto”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 25 x 25 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Caballo y potro con arbol”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 24,5 x 18 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Campesina”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 40,5 x 18,5 x 4 cm. Private collection. Photo credit: Edi Hirose.
- Andrea Canepa, “Plaza con monumento”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 26 x 19,5 x 4 cm. Sammlung Goetz. Photo credit: Edi Hirose.
- Andrea Canepa, “Green Piece(s)”, 2013, Cardboard puzzle assembled from 8 different puzzles, 50 x 70 cm. Private collection, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Blue Piece(s)”, 2013, Cardboard puzzle assembled from 8 different puzzles, 50 x 70 cm. Private collection, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Lineas de desplazamiento”, 2014, Tempera and ink on paper, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Volta Art Fair, Basel, Switzerland. Photo credit: Nicholas Winter.
- Andrea Canepa, “Unir los puntos”, 2014, Series: Lineas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 98 x 149 cm. Private collection, London. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Círculo Cromático”, 2014, Series: Lineas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 90 x 90 cm. Private collection, London. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Línea de tiempo”, 2014, Series: Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 25 x 430 cm. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Líneas 5”, 2014, Series: Líneas por número / Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 21 x 27,5 cm. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Líneas 10”, 2014, Series: Líneas por número / Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 21 x 27,5 cm. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
Translated from Spanish
In recent years, I have focused on the modern tendency of trying to simplify the complexity of the world with the aim to control that which escapes the limits of our understanding.
We tend to categorize, organize, and administer reality as if it was a set of and independent phenomena, creating a system that we take as natural.
My work stems from the alteration of the order in which information is presented. In some cases this modification uncovers some meanings that used to remain hidden under the imposition of a logic that assumes itself as the “correct one.” In others, by schematizing the information previously schematized, both synthesis systems cancel each other out and return mere forms and colors lacking any functionality.
Through my work, I hope to make evident that the regularity of the world obeys a set of rules that as such, they could have been different. In other words. I hope to point out that all logic of functionality, whatever it is, could be different and thus not necessary in itself.
En los últimos años, me he enfocado en la tendencia moderna a intentar simplificar la complejidad del mundo con miras a controlar aquello que escapa los límites de nuestro entendimiento.
Tendemos a categorizar, organizar y administrar la realidad como si se tratase de un conjunto de fenómenos aislados e independientes, creando un sistema que tomamos como natural.
Mi trabajo parte de la alteración del orden en el que la información es presentada. En algunos casos esta modificación libera ciertos significados que permanecían ocultos bajo la imposición de una lógica que se asume como “la correcta”. En otros, al esquematizar la información previamente esquematizada, ambos sistemas de síntesis se anulan entre sí, devolviéndonos meras formas y colores desprovistos de cualquier sentido funcional.
A través de mi obra, pretendo dar cuenta de que la regularidad del mundo obedece a un conjunto de reglas que, como tales, podrían haber sido distintas. En otras palabras, intento señalar que toda lógica de funcionamiento, sea como sea, podría ser diferente y, por lo tanto, no es necesaria en sí misma.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2007-2008: Master en Artes Visuales y Multimedia, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2004-2006: Licenciatura en Bellas Artes, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2000-2003: Facultad De Arte, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Peru.
- 1998-1999: Estudios Generales Letras, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Peru.
Prizes / Fellowships
- 2014: Premio Miquel Casablancas, Sant Andreu Contemporani, Barcelona, Spain.
- 2014: Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, Comunidad de Madrid, Madrid, Spain.
- 2013: Premio Generaciones, Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
- 2013: Beca Endesa para Artes Plásticas, Fundación Endesa, Teruel, Spain.
- 2012: Pasaporte para un artista (segundo puesto), Alianza Francesa y Embajada de Francia en el Perú, Lima, Peru.
- 2011: Beca de Formación Pilar Juncosa i Sotheby’s, Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca, Spain.
- 2010: Premio Swab de Dibujo, Feria de Arte Contemporáneo Swab, Barcelona, Spain.
- 2008: Certamen Jóvenes Creadores, Ayuntamiento de Madrid, Madrid, Spain.
- 2006: Valencia Crea, Ayuntamiento de Valencia, Valencia, Spain.
Solo Exhibitions
- 2013: “Ejercicios de Localización”, Galeria L’ Imaginaire, Alianza Francesa, Lima, Peru.
- 2013: “Ejercicios de Localización“, Galería Rosa Santos, Valencia, Spain.
- 2013: “Ornamento y Sistema“, Wu Galería, Lima, Peru.
- 2011: “The Fragile Assembly of Everyday Life”, LAB. Laboratorio de Arte Joven, Murcia, Spain.
- 2009: “El Revés de lo Doméstico”, Galería Rosa Santos, Valencia, Spain.
Group Exhibitions
- 2014: “Generación 2014, Proyectos de arte Caja Madrid”, La Casa Encendida, Madrid, Spain.
- 2013: “As Everything Moves“, Node Center, Berlin, Germany.
- 2013: “Expedición Amazonas”, Galería Pancho Fierro, Lima , Peru.
- 2012: “La tiranía de la intimidad”, Centro Cultural de España, Lima, Peru.
- 2009: “Dibujo: Nuevas Propuestas”, Galería 80m2, Lima, Peru.
Collections
- CA2M: Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid, Spain.
- Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
- IVAM, Instituto Valenciano de arte Moderno, Valencia, Spain.
- Colección DKV Arte y Salud, Valencia, Spain.
- Sammlung Goetz, Munich, Germany.
- Cristina Ghetti, “Vibrancy and joy”, 2014, Acrylic on canvas, 180 x 180 x 4 cm. MACBA museum Bs As
- Cristina Ghetti, “rojo”, 2014, Series: shaped, Acrylic on wood, 40 x 70 x 2 cm. Private collection.
- istina Ghetti, “Colour thinking composition”, 2013, Acrylic on canvas, 150 x 150 x 4 cm. Private collection.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2010, Series: Mareas series, Acrylic on canvas, 150 x 150 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2010, Series: Mareas, Acrylic on canvas, 180 x 180 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2010, Series: Mareas, Acrylic on canvas, 120 x 120 x 4 cm. Polythecnic university valencia.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2012, Series: shaped, Acrylic on wood, 100 x 50 x 2 cm. Private collection.
- Cristina Ghetti, “Double wave”, 2013, Acrylic on canvas, 120 x 120 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “double wave”, 2014, Series: shaped, Acrylic on wood, 60 x 160 x 2 cm.
- Cristina Ghetti, “Mareas (detail)”, 2013, Series: shaped, acrylic on wood, 60 x 100 x 2 cm.
- Cristina Ghetti, “round mirror”, 2014, acrylic, wood and print, 100 x 100 x 15 cm.
- Cristina Ghetti, “Folding”, 2014, Series: Folding patterns, CGI, Variable dimensions.
- Cristina Ghetti, “Folding”, 2014, Series: folding patterns, audio visual instalation, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Visual arts Faculty, Fem Code festival, Valencia, Spain.
- Cristina Ghetti, “Blinky”, 2012, Acrylic on canvas, 180 x 180 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “Double wave”, 2014, Series: shaped, Acrylic on wood, 50 x 100 x 2 cm.
- Cristina Ghetti, “ZIG PAINTING M14Ar”, 2014, Series: mareas, Acrylic, 60 x 160 x 2 cm. Private Collection.
I work with geometric abstraction, the goal of my work is both the interest in the re-contextualization of the foundational ideas of Abstraction, incorporating contaminations and re-appropriations, mostly of works of the 60’s.
I’m interested in points from concrete art, constructivism, kinetic and op art, permitting free transits and reconnections between forms and ideas belonging to different periods, traditions and categories in my own work.
Most of my work is a study in progress about perception, or better the boundaries between perception and reality, and art practice is an interesting field to study this condition.
I’m now centralized in the use of digital tools to materialize art pieces of different formats, I’m focused to an evolution of abstract ad kinetic art, with special mention of Op art. Interrelating: geometry, color, movement and sound, using the languages developed in the conceptual territory of abstraction, in the context of new technologies and new ways of producing/diffusing the art work. My production had been mostly centered in painting and installation, but recently I began to incorporate new media in my work believing that it can emphasize concepts as immersive spaces, synesthesia, interactivity and participation, analyzing how these characteristics can enrich the conceptual dimensions of the art work.
I’m interested also in using programming from a visual and creative perspective exploring the results in art pieces. My paintings are generated first in the computer, then translated to traditional painting, I like to mix and play with media crossings. As an artist, I’m interested in the connection with other fields, I’m working in team projects with infomaticians and mathematicians.
I have a Master of visual arts and multimedia at the UPV, Polytechnic University Valencia, Spain, and I actually develop my doctoral thesis “Post Medial Geometry,” where I make a research about the development of new geometries in visual arts.
Traducido del inglés
Trabajo con abstracción geométrica. El objetivo de mi trabajo es el interés en la recontextualización de las ideas fundacionales del abstraccionismo, incorporando contaminaciones y reapropiaciones, en su mayoría obras de la década de los sesenta.
Me interesan puntos del arte concreto, constructivismo, cinetismo y arte Op que permitan libre tránsito y reconexiones entre ideas y formas pertenecientes a diferentes periodos, tradiciones y categorías en mi propia obra.
La mayoría de mi obra es un estudio en proceso sobre la percepción o mejor dicho, los límites entre la percepción y la realidad y la práctica artística es un campo interesante para estudiar esta condición.
Hoy en día me centro en el uso de herramientas digitales para materializar obras en distintos formatos. Me enfoco en la evolución del arte abstracto y cinético con una mención especial al arte Op, interrelacionando geometría, color, movimiento y sonido, usando los lenguajes desarrollados en el territorio conceptual de la abstracción, en el contexto de nuevas tecnologías y nuevas formas de producir y difundir la obra. Mi producción se centraliza en pintura e instalación, pero recientemente comencé a incorporar nuevos medios en mi obra, puesto que creo que puede enfatizar conceptos tales como espacios inmersivos, sinestesia, interactividad y participación analizando cómo éstas características pueden enriquecer las dimensiones conceptuales de la obra.
Me interesa también utilizar programación desde una perspectiva visual y creativa explorando los resultados en las obras. Mis pinturas son primero generadas en la computadora, luego traducidos a pintura tradicional, puesto que me gusta mezclar y jugar con los cruces de medios. Como artista, me interesa la conexión con otros campos y trabajo en proyectos de equipo con especialistas de informática y matemáticos.
Tengo una maestría en artes visuales y multimedios de la Universidad Politécnica de Valencia, España y actualmente me encuentro desarrollando mi tesis doctoral “Geometría post-medios” en la que investigo la evolución de nuevas geometrías en las artes visuales.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2012: Doctoral thesis in course, UPV Polythecnic university valencia, Valencia, Spain.
- 2008-2010: Master in visual arts and multimedia, UPV Polythecnic university valencia, Valencia, Spain.
Prizes / Fellowships
- 2014: Beca Ifitry 2014, Ifitry, residence international d’artistes http://www.ifitry.ma/, Essaouira, Morocco.
- 2010: Beca de producción de la fundación arte y derecho 2010, para desarrollo de proyectos, Fundacion arte y derecho, Madrid, Spain.
- 2003: Primer premio Bienal de Pintura I Pinazo, Ayuntamiento de Godella, Valencia, Spain.
- 1996: Beca de residencia en la Cité Internationale des Arts, Mozarteum Argentino, Paris, France.
- 1995: Beca a la creación artística, FNA Fondo nacional de las artes, Buenos Aires, : Argentina.
- 1993: Premio Fundación nuevo mundo a la nueva pintura argentina, Fundación nuevo mundo, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2015: “recent works”, 100 Kubik gallery, Köln, Germany.
- 2014: “colour thinking compositions“, Galleria GUM, Miami, Fl, USA.
- 2014: “Vibrancy and joy, recent works“, Galleria GUM, Miami, USA.
- 2013: “Dynamic land, recent works“, Imaginart Gallery, Barcelona, Spain.
- 2013: “recent works“, Fundación Caixa Vinarós, Vinaros, Spain.
- 2012: “Cristina Ghetti”, GC Arte, Buenos aires, Argentina.
- 2010: “recent works“, Punto Gallery, Valencia, Spain.
- 2009: “Cristina Ghetti, mareas”, Sala Coll Allas, Gandia, Spain.
Group Exhibitions
- 2015: “Flatpack art”, La aurora, Sao Paolo, Brazil.
- 2015: “group show”, Islingtonmil art space, Manchester, England.
- 2014: “Biennale de casablanca“, Ancien cathedral, Casablanca, Casablanca, Morocco
- 2014: “a global exchange, geometric abstraction since 1950“, Frost museum of art, Miami, Fl, USA.
- 2014: “flatpack art “, Kalpany art sapce, Milano, Italy.
- 2014: “Femcode“, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2013: “Op & Cinetic Art Then and Now, de Victor Vasarely, Carlos Cruz-Díez, Julio Le Parc, Eusebio Sempere, José María Yturralde, Eon Seon Kim y Cristina Ghetti”, Punto Gallery, Valencia, Spain.
- 2013: “Un Fold“, sala La Metro, Valencia, Spain.
- 2013: “Fem Code Festival Miradas de mujeres“, UPV, Facultad de BBAA de sant carles, Valencia, Spain.
- 2013: “FRAME research 2013“, Museu Soares dos Reis, Porto, Portugal.
- 2013: “ExUrban Screens“, Public spaces in Melbourne city, Melbourne, Australia.
- 2013: “Swapping the shifts”, freiraum art gallery, Berlin, Germany.
- 2013: “Wege Ums Kino“, Spanish embassy in Berlin, Berlin, Germany.
- 2012: “un_fold”, Fondazione Barriera, Torino, Italy.
- 2012: “Overlapping memories”, Space Gallery, Pittsburgh, USA.
- 2010: “Artistainvitartista”, Spazio Museale di Pallazzo Tornielli, Ameno, Italy.
- 1995: “Mesotica, the amercia non representativa”, Museo de arte y diseño contemporaneo, San Jose, Costa Rica.
Publications
- ANALYZING ART,CULTURE AND DESIGN IN THE DGITAL AGE” (IJACDT), chapter “abstraction in motion”.
- “Discursos en transito” (Valencia: UPV).
Collections
- MACBA Museo de arte contemporáneo de buenos aires, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Nacional de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- Universidad politécnica de valencia, Valencia, Spain.
- Fundación Max Aub, Segorbe, Spain.
- Parque escultórico del rincón de Ademuz, Ademuz, Spain.
- Museo Municipal de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
Links
- Postmedial geometry
- Folding, A Study about Perception
- R3sist3ncias
- Cristina Ghetti in youtube
- Artista Cristina Guetti
Through my work I have shown a proclivity to failure or the decaying associated to the Mexican urban landscape, aspects of modernist culture and traces of art history. My practice has explored the urban ruin – including paintings and photographs of halted projects along Mexico’s highways (Highway Follies); abandoned billboards that become theatre-like backdrops therefore theatricalizing failed capitalist strategies (Espectaculares), or the problems and contradictions that arise when engaging with iconic art works (No A trío A or Cuadrado Negro).
Traducido del inglés
A través de mi obra he mostrado una proclividad al fracaso o a la decadencia asociada al paisaje urbano de México, aspectos de la cultura modernista y las huellas de la historia del arte. Mi práctica ha explorado la ruina urbana, incluyendo pinturas y fotografías de proyectos inconclusos a lo largo de las carreteras de México (Highway Follies), espectaculares abandonados que se convierten en telones de fondo teatrales, por tanto teatralizando estrategias capitalistas fracasadas (Espectaculares) o los problemas y contradicciones que surgen al abordar obras de arte icónicas (No A trío A or Cuadrado Negro).
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2006-2008: Master of Fine Arts, The Slade School of Fine Art, London, United Kingdom.
- 1999-2003: Bachelor of Fine Arts, Rhode Island School of Design, Providence, R.I., USA.
Solo Exhibitions
- 2014: “Entrecortinas: abre, jala, corre“, Galería OMR, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Espectacular Telón“, Sultana Gallery, Paris, France.
- 2013: “Cuadrado Negro, part of the program Mutatis Mutandis in Artium“, Basque museum-center of contemporary art, Vitoria, Spain.
- 2010: “Lost In You (A Performance That Never Happened)”, Open studio performance, Mexico City, Mexico.
- 2009: “El Resplandor”, El 52 Gallery (project space and residence program ran by OMR Gallery), Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Draft Urbanism”, Biennial of the Americas, Denver, Colorado, USA.
- 2013: “No A Trio A”, La Casa Encendida, Madrid, Spain.
- 2013: “Horizontal”, La Central Gallery, Bogota, Colombia.
- 2012: “Popo de Paris“, Sultana Gallery, Paris, France.
- 2011: “El Grito“, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), Leon, Spain.
- 2011: “Mañana”, Proyectos Ultravioleta, Guatemala, Guatemala.
- 2010: “Sin techo está pelón, colección Jumex”, Universidad de Guanajuato, Guanajuato, Mexico.
- 2010: “El Resplandor”, Museo Experimental el Eco, Mexico City, Mexico.
- 2009: “There are false problems…”, Proyectos Monclova, Monterrey, Mexico.
- 2009: “Residencia de El Resplandor “, OMR Projects, Mexico City, Mexico.
- 2009: “[sic]”, OMR Gallery, Mexico city, Mexico.
- 2009: “This is not an invitation, it’s a presentation”, OMR projects, Mexico City, Mexico.
- 2008: “Lanzarote”, Keith Talent Gallery, London, United Kingdom.
- 2008: “Croyances Quotidiennes”, Palais Université Robert Schuman, Strasbourg, France.
- 2007: “Eventos Sociales”, Galería de Arte Mexicano, Mexico City, Mexico.
Collections
- La Colección Jumex, Mexico City, Mexico.
- Patricia Phelps de Cisneros, New York City, USA.
- Kadist Art Foundation, San Francisco, USA.
- Pia Camil, “Espectacular Telón Toluca I-VI”, 2014, Hand dyed and stitched canvas, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Galería OMR, Mexico City, Mexico. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Espectacular Telón Ecatepec II”, 2014, Hand dyed and stitched canvas, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Galería OMR, Mexico City, Mexico. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Espectacular Telón Pachuca I, and Fragmento 8 I”, 2014, Hand dyed and stitched canvas, and low temperature ceramic with enamel, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Galería OMR, Mexico City, Mexico. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Fragmento 8 I”, 2014, Low temperature ceramic with enamel, 82.5 x 42.5 x 16.9 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Espectacular Telón”, 2013, Hand dyed and stitched canvas, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Sultana, Paris, France. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Espectacular Telón”, 2013, Hand dyed and stitched canvas, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Sultana, Paris, France. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Cuadrado Negro”, 2013, Metal beams and construction mesh, 800 x 800 x 800 cm. Site-specific project. Location: Basque museum-center of contemporary art, Vitoria, Spain. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Cuadrado Negro”, 2013, Metal beams and construction mesh, 800 x 800 x 800 cm. Site-specific project. Location: Basque museum-center of contemporary art, Vitoria, Spain. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “No A Trio A”, 2013, The installation was made for La Casa Encendida, Madrid, with artist Guillermo Mora and the suit was designed in collaboration with Uriel Urban. , Variable dimensions. Site-specific project. Location: La Casa Encendida, Madrid, Spain. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Tlatelolco: Shot from a balcony”, 2011, still from Video Floor Projection, (00:06:09), Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Maqueta para el monumento”, 2011, Engraved black marble on wooden base, 27 x 75 x 15 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Highway Follies”, 2011, Resin and mineral powdered pigment, 150 x 200 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Highway Follies (study I)”, 2011, Inkjet Print, 35 x 45 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “More or less Frank Stella”, 2009, Wooden planks painted and treated, floor mounted, 270 x 310 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Pia Camil, “Diagonal Hoarding”, 2008, Painted wooden lengths, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Statement 5 of 12 (“Formalist”)
“My work aims to point out a fissure (or a void, or a distance) between the support—a page, a sheet of paper, a wall—and its content—a mark, two words, several stains, a color. From this viewpoint, the work seems like a snake that bites its own tail. If content affects the support, the latter returns to affect the content. As a general rule, the interventions on the support are always minimal—hard pencils that leave very delicate and almost invisible lines, very light papers, very thin layers of paint. In this sense, the “page” determines what can happen in it. It can be for example the contrast between the transparency of the paper and the opacity of gouache, the weight of oil or the density of enamel. At other times these can be slight differences between two identical drawings. For example, a drawing that says “He found happiness” next to one that says “He found A happiness.” The way in which some formal strategies can be used to say things. In this sense, they are literary drawings about paintings. Reproductions within pages.”
Statement No. 5 de 12 (“Formalista”)
“Mi trabajo busca señalar una grieta (o un vacío, o una distancia) entre un soporte –una página, una hoja de papel, una pared– y su contenido –un rayón, dos palabras, varias manchas, un color. Visto así, el trabajo parece una serpiente que se muerde la cola. Porque si el contenido afecta al soporte, este se devuelve afectando el contenido. Como regla general, las intervenciones sobre el soporte son casi siempre mínimas –Lápices muy duros que dejan líneas muy delgadas y casi invisibles, papeles muy livianos, capas muy delgadas de pintura. En ese sentido la “página” determina lo que pueda pasar en ella. Puede ser, por ejemplo, el contraste entre la transparencia del papel y la opacidad del gouache, el peso del óleo o la densidad del esmalte. Otras veces pueden ser pequeñas diferencias entre dos dibujos iguales. Por ejemplo: un dibujo que dice “He found happiness” (él encontró la felicidad) al lado de otro que dice “He found A happiness” (él encontró UNA felicidad). La manera en que ciertas estrategias formales pueden ser aprovechadas para decir cosas. En ese sentido son dibujos literarios acerca de pinturas. Reproducciones en páginas”.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2000-2002: MA in Philosophy, Universidad del Valle, Cali, Colombia.
- 1990-1995: BFA in Art, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Ensayo”, Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Game Piece (with Erick Beltrán)“, TBA 21-Augarten, Vienna, Austria.
- 2011: “Dibujos”, Casas Riegner, Bogotá , Colombia.
- 2003: “Dibujos”, Galeria Jenny Vilá, Cali, Colombia.
- 1995: “Dibujos”, Galería Jenny Vilá, Cali, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “Imperfect Idler or When Things Dissapear. I Bienal Internacional de Arte Contemporáneo”, Fundación Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena, Cartagena , Colombia.
- 2013: “Secret Codes”, Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2013: “The Circle Walked Casually”, Deutsche Bank Kunsthalle, Berlin, Germany.
- 2013: “Conferencia performativa: nuevos formatos, lugares, prácticas y comportamientos artísticos”, MUSAC, León, Spain.
- 2013: “Saber Desconocer, 43 Salón (Inter) Nacional de Artistas”, Ministerio de Cultura de Colombia, Medellín, Colombia.
- 2013: “Prix Canson Nominees Exhibition”, Petit Palais, Paris, France.
- 2013: “Música”, Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Marking Language”, Drawing Room, London, England.
- 2012: “30th São Paulo Bienal. The inminence of poetics”, Fundação Bienal de São Paulo, São Paulo, Brazil.
- 2012: “Ficciones Modernas”, Camara de Comercio de Bogotá, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Empatía”, Casas Riegner, Bogota , Colombia.
- 2012: “Modelling Standard”, Galeria Joan Prats, Barcelona, Spain.
- 2012: “Air de Lyon”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: 11e Biennale de Lyon. “Une terrible beauté est née”, La Biennale de Lyon, Lyon, France.
- 2011: “El ojo del coleccionista: la colección Maraloto”, Banco de la República, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Boceto, trampa e instalación”, Banco de la República, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, Colombia.
- 2010: “Primera e ultima: Notas sobre o monumento”, Galeria Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2007: “Documenta Magazines”, Documenta 12, Kassel, Germany.
- 2007: “MDE07”, Museo de Antioquia, Medellin, Colombia.
Publications
- Bernardo Ortiz, “A Pile of Orange Peels“, OEI # 60-61 Extra-disciplinary spaces and de-disciplinizing moments (in and out of the 30th Bienal de São Paulo), April.
- Bernardo Ortiz, “Criticism and Experience“, E-Flux Journal, February 2010.
Collections
- Museum of Modern Art, New York, USA.
- Centre National de Artes Plastiques, Paris, France.
- Deutsche Bank, Berlin, Germany.
- Kadist, San Francisco, Paris, USA, France.
- Colección Maraloto, Bogotá, Colombia.
- Colección Patricia Phelps de Cisneros, New York, USA.
- Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, Gouache and rubber stamp on printed paper, 25 x 75 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 1995-2012, Gouache, pencil and fungus on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, India ink on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, India ink and oil on waxed paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, Gouache on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Graphite wash on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Gouache, pencil, cloth tape on waxed paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Graphite wash and typescript on paper, 50 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Bernardo Ortiz, “Paper”, 2013, Giclee prints mounted on wooden structure, 300 x 600 cm. Photo credit: Eduard Fraipont.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, Pencil on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2012, India ink and rubber stamp on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Cyanotype, 70 x 100 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Pencil and typescript on paper mounted with wooden studs, 75 x 140 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 1995-2012, Gouache, pencil and fungus on paper, 25 x 35 cm. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Bernardo Ortiz, “Untitled”, 2013, Pencil and india ink on paper, 35 x 25 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2002-2007: Bachelor Architecture, Cooper Union for the Advancement of Science and Art, NYC, USA.
Solo Exhibitions
- 2013: “Financial Times“, Mary Boone Gallery, New York City, USA.
- 2013: “The Red and the Black“, Y Gallery, New York, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Neo Povera“, L&M Gallery, Los Angeles, USA.
- 2013: “Come Together: Surviving Sandy“, Dedalus Foundation, New York, USA.
- 2013: “Une Exibicion Sans Textes“, Jeu de Paume, Paris, France.
- 2013: “La Bienal: here is where we Jump“, El Museo del Barrio, New York City, USA.
- 2013: “Draft Urbanism“, Biennial of the Americas, Denver, USA.
Publications
- Nathlie Provosty, “In Conversation“, The Brooklyn Rail, February 2014, 2-5. (Article).
- Chloe Rosetti, “Financial Times“, Artforum, January 2014 (Article).
- Ann Binlot, “Graphic Design“, The Economist, January 17, 2014 (Article).
- Holland Cotter, “A Constellation of Identities“, The New York Times, 13/6/13 (Article).
- Thomas Mitchell, “Guilt Complex: Selling Painting by the Square Foot“, Hyperallergic, 1/6/13 (Article).
- G. T. Pellizzi, “Transitional Geometry in Blue (Cathedra) “, 2013, Eggshell acrylic on plywood, 144 x 544 x 12 cm.
- G. T. Pellizzi, “Conduits in Red Yellow and Blue (Figure 2)”, 2011, Porcelain, galvanized steel, copper wire, ceramic coated lightbulbs, , 92 x 122 x 15 cm.
- G. T. Pellizzi, “”Financial Times” (Diagram 3)”, 2013, Steel pipe, books on fiinance, 127 x 76 x 112 cm.
- G. T. Pellizzi, “Financial Times”, Graph (Figure 2)”, 2013, Powdered pigment and gesso on linen, 122 x 137 cm.
- G. T. Pellizzi, “”Financial Times”, Graph (Figure 3)”, 2013, Powdered pigment on linen, 183 x 46 cm.
- G. T. Pellizzi, “”Financial Times”, I Ching (hexagram 61)”, 2013, Encaustic and pigment on linen, 221 x 213 cm.
- G. T. Pellizzi, “Knot Abstraction #55 “, 2011, Oil enamel on steel, 69 x 46 cm.
- G. T. Pellizzi, “Constellation in Red (figure 1)”, 2013, Galvanized steel, copper wire, porcelain and ceramic coated lightbulbs., 244 x 376 x 15 cm.
- G. T. Pellizzi, “The Red and the Black”, 2013, The walls of the gallery were rebuilt in plywood and painted with red oil paint. the wall surfaces were sold by the square foot according to the realestate marked value of the gallery itself. buyers could choose what size and shape they wanted, these were progressively painted onto the walls in black oil paint, and cut out at the end of the exhibition, Variable dimensions.
- G. T. Pellizzi, “Primary Tryptich: Snap Lines in Red Yellow and Blue 1”, 2013, Encaustic and pigment on linen, 92 x 137 cm.
- G. T. Pellizzi, “Primary Tryptich: Snap Lines in Red Yellow and Blue 4”, 2013, Pigent and gesso on canvas, 92 x 168 cm.
- G. T. Pellizzi, “”Financial Times”, exhibition view”, 2014, Installation view at Mary Boone Gallery, Variable dimensions.
My process of working is always about the development of one idea that starts first from little annotations, observations, and drawings, and then sometimes suggests a series, a sequence of a thought, using the same elements in different ways—sometimes concerned with the use of color or just in black and white, showing the strength and balance of the forms. I always need to be connected to music… because music is one of the most important things to me. In order to develop ideas, to think about colors, and even to define the compositions; music is essential all the time, as I work or think about new possibilities.
The artist is thinking all the time… trying to solve problems. First, it’s a mental process, I need to solve or to look for the better way to solve it before I start working, using different supports such as paper, hardboard, wood, or metal.
Traducido del inglés
Mi proceso de trabajo siempre consiste en el desarrollo de una idea que comienza primero desde pequeñas anotaciones, observaciones y dibujos y luego sugiere una serie, una secuencia de pensamiento, usando los mismos elementos de maneras diferentes, algunas veces preocupado por el uso de color o sólo en blanco y negro, mostrando la fuerza y el balance de las formas. Siempre tengo que estar conectado con la música… porque la música es una de las cosas más importantes para mí. Para poder desarrollar ideas, pensar en colores y hasta para definir composiciones, la música es esencial todo el tiempo, mientras que pienso o trabajo en nuevas posibilidades.
El artista está pensando todo el tiempo… tratando de solucionar problemas. Primero es un proceso mental; necesito solucionar o buscar la mejor manera de solucionar antes de comenzar a trabajar, utilizando diferentes soportes como el papel, aglomerado, madera, o metal.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Self-taught
Solo Exhibitions
- 2012: Arevalo Gallery, Miami, USA.
- 2011: Galerie Denise René, Paris, France.
- 2010: Jorge Mara La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: Dan Galerie, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2009: Galerie Cayon, Madrid, Spain.
- 2007: Dan Galerie, Sao Paulo, Brazil.
- 2004: “Dessins et objets”, Galerie Arte em Dobro, Rio de Janeiro, RJ, Brazil.
- 2004: “Culture et peinture”, Dan Galerie, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2000: Dan Galerie, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 1994: Pinacothèque de l’état de Sao Paulo, Sao Paulo, SP, Brazil.
Group Exhibitions
- 2011: Jorge Mara La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Foire de Bâle”, Galerie Denise René, Paris, France.
- 2010: Jorge Mara La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Matière grise”, Galerie Cayon, Madrid, Spain.
- 2009: “Dessins et sculptures”, Galerie A34 Barcelone, Spain.
- 2008: ARCO, Dan Galerie, Madrid, Spain.
- 2007: ARCO, Dan Galerie, Madrid, Spain.
- 2006: “Contrastes, collection du MASP”, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2006: “Le goût d’un collectionneur, collection de la fondation Nemirovsky”, Estaçao, Pinacothèque, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2005: “Anthologie de la collection MAM”, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2005: “L’art dans la ville”, musée Oscar Niemeyer, Curitiba, PR, Brazil.
- 2005: “Metropolis”, Institut Tomie Ohtake, Sao paulo, SP, Brazil.
- 2004: “Brésilien, brésiliens”, musée Afrobrésil, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2004: “Collection du MAC”, Sao Paulo, Brazil.
- 2004: “Quelques aspects de l’abstraction”, MASP, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2003: “Le Brésil des années 20 à 90”, MAC, Sao Paulo, SP, Brazil.
- 2003: “Artistes brésiliens”, Espace Virgilio, Sao Paulo, SP, Brazil.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Series: Homenaje a Hércules Barsotti, Pigments and acrylic on plaque, 138 x 136 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin título”, 2013, Series: Deslocamientos, Acrylic and collange on cardboard, 55 x 170 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2012, Acrylic and pigments on panel, 45 cm diameter. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2012, Acrylic and pigments on canvas glued to panel, 45 x 45 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2012, Acrylic and pigments on canvas glued to panel, 45 x 45 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Ink and collage on cardboard, 120 x 80 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Ink and collage on cardboard, 120 x 80 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Series: Homenaje a Hércules Barsotti, Acrylic and pigments on plaque, 138 x 138 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Series: Serie 8 aros, Mixed media on wood, 98 cm diameter. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2013, Ink and collage on cardboard, 120 x 80 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2010, Mixed media on wood, 40 x 30 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2011, Mixed media on cardboard, 83 x 121 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Proyecto para relieve”, 2011, Cardboard and foamboard, 71 x 66 x 6 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2011, Mixed media on hardboard, 65 x 50 x 43 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- Macaparana, “Sin titulo”, 2011, Mixed media on cardboard, 80 x 60 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
February 19, 2014 KIRIN https://abstractioninaction.com/artists/kirin/
Selected Biographical Information
Solo Exhibitions
- 2011: “Kirin”, Galería Jorge Mara – La Ruche, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Uroboro”, Daniel Maman Fine Arts, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “Negro de Marfil”, Galería Jorge Mara – Galería van Riel, Buenos Aires, Argentina.
- 1999: “Naipes y Cartas”, Galería Sur, Punta del Este, Uruguay.
- 1996: “Arquitecturas y Lenguajes del Silencio”, Galería Sur, Punta del Este, Uruguay.
- 1995: Galería van Riel, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Blanco de Silencio”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Collage”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “Homenaje a Galería van Riel”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2002: “Pequeño Formato”, Galería Jorge Mara, Buenos Aires, Argentina.
- 1992: “Surrealismo Nuevo Mundo”, Biblioteca Nacional, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- 2011: Kirin, Ediciones Galería Jorge Mara.
- 2007: Kirin, Ediciones Daniel Maman Fine Arts.
- 2004: Kirin, Ediciones Galería Jorge Mara – Galería van Riel.
- 1999: Los Ángeles son las moscas del Paraíso. Kirin. Ediciones Galería Sur, (Collages y textos de Kirin).
- 1999: Arcanos Mayores. Kirin. Ediciones Galería Sur, (Selección de textos e introducción de Alejandro Puga y 22 collages de Kirin).
- 1991: Razón Poética, Vicente Z. Lema y Kirin. Ediciones Fin de Siglo, (Textos de V. Z. Lema y 50 collages de Kirin).
- 1986: El Diamante de la Noche cae entre las Plantas, Kirin. Ediciones de la Alondra, (Selección de textos de Juan Carlos Otaño y 23 collages de Kirin).
- KIRIN, “Sin Título”, 2010, Oil and graphite on paper, 76 x 56 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2011, Oil and graphite on paper, 155 x 105 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “COLLAGE”, 2011, Mixed media on paper, 155 x 105 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Mandragora femenina”, 2011, Oil, collage and graphite on canvas, 190 x 145 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2011, Oil and graphite on paper, 76 x 56 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Cielo Circular”, 2004, Oil on canvas, 110 x 100 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Huellas Negras”, 2004, Oil on paper, 56 x 76 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Eterno indiferente II”, 2004, Oil on paper, 76 x 56 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Cuatro lados”, 2004, Oil on paper, 38 x 38 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Cartografías II”, 2004, Oil on paper, 38 x 38 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 70 x 50 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 50 x 35 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 100 x 70 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 100 x 70 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
- KIRIN, “Sin Título”, 2013, Oil and graphite on paper, 70 x 50 cm. Photo credit: Jorge Mara – La Ruche.
Translated from Spanish
From a very young age, I’ve been attracted by abandoned construction sites, vacant lots, useless things, and the tracks or traces that persist without intention. In these places I have discovered and collected all kinds of things, without a specific purpose in mind. It is until this moment in which I develop this statement that I can trace the origin of my work as artist in these explorations and discoveries of my first years of life.
My first formal experience working with residues was as a worker at a recycling plant, in which I was in charge of handling toxic industrial residues. This activity originated my series Las sobras (the leftovers). This series is comprised by materials and elements taken from waste—meaning that they pass through a double process of selection because I recover them from all that is rejected by factories and then by the recyclers.
Until today, I find the process of looking in industrial waste containers or recyclers, strongly linked to archaic human practices, such as those of the first nomads that learned to recognize and collect fruit, plants, insects, and materials for their survival, in the different territories they walked and lived in.
The work of the scavengers is completely underestimated against the patterns of production, consumption and massive waste of contemporary capitalist societies, even though it is more necessary than ever.
I am amazed by the quantity and I am attracted by the vast variety of materials that I hazardously find in waste containers. The diversity, qualities, and malleability of these materials is what trigger ideas and forms, and which determine what types of supports, media, and compositions I must use. To me, waste is not garbage but an opportunity to explore artistically, finding the most adequate uses and functions within the unusual forms and characteristics that I find. This practice allows me to meditate about existence, life’s origin, and the micro and macro.
The processes that are related with the homogenization of certain forms of life and consumption, which we call civilization, and from which the world is built from molds that are more generic every time, are in fact derived from entropy, and they leave several traces and cosmic tails that I find fascinating. The DNA of things captivates me and keeps me alert, waiting for the next surprise, the next great archeological discovery.
Desde pequeño me han fascinado las construcciones abandonadas, los terrenos baldíos, las cosas inservibles, las huellas o rastros que persisten sin que nadie se lo hubiera propuesto. En estos lugares he descubierto y recolectado todo tipo de cosas sin un objetivo específico en mente. Es hasta ahora que desarrollo esta declaración que puedo trazar el origen de mi trabajo como artista en estas exploraciones y descubrimientos de los primeros años de mi vida.
Mi primera experiencia formal trabajando con residuos fue como empleado en una planta recicladora, como encargado de manejo de residuos industriales tóxicos. Fue esta actividad la que dio origen a mi serie Las sobras. Esta serie se compone de materiales y elementos tomados de entre los desperdicios —es decir pasan por un doble proceso de selección, pues los recupero de entre aquello rechazado primero por las maquiladoras y después por las recicladoras.
Hasta la fecha, encuentro el proceso de buscar en los contenedores de basura industrial o recicladoras fuertemente conectado con prácticas humanas arcaicas: como los primeros nómadas que aprendían a reconocer y recolectar frutos, hierbas, insectos y materiales, para su subsistencia, en los distintos territorios que recorrían y habitaban.
La labor de los pepenadores está completamente subestimada en nuestros días frente a los patrones de producción, consumo y desecho masivo de las sociedades capitalistas contemporáneas, a pesar de ser más necesaria que nunca.
Me asombra la cantidad y me atrae la amplia variedad de materiales que azarosamente voy encontrando en los contenedores de basura. La diversidad, cualidades y maleabilidad de los mismos materiales son los que me disparan ideas y formas, y los que determinan qué clase de soportes, medios y composiciones debo utilizar. Para mí los residuos no son desperdicios sino una oportunidad de explorar plásticamente, encontrando el uso y función más adecuados entre las inusitadas formas y características que descubro. Esta práctica me permite meditar sobre la existencia, el origen mismo de la vida, lo micro y lo macro.
Los procesos que llamamos civilización, relacionados con la homogenización de ciertas formas de vida y consumo, donde el mundo se construye bajo moldes cada vez más genéricos deriva, en cambio, en la entropía y dejan una diversidad de rastros, huellas y estelas que me resultan fascinantes. El ADN de las cosas, eso es lo que me cautiva y me mantiene atento, dispuesto a la próxima sorpresa, al siguiente gran hallazgo arqueológico.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2012-2013: Culinary art school, Tijuana B.C., Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2014-2016: sistema nacional de creadores 2014-16, FONCA/CONACULTA, Tijuana, Mexico.
- 2012: programa de residencia (Fonca) en Beijing, FONCA/Universidad Tsinghua, Beijing, China.
- 2010-2012: Programa Bancomer-MACG Arte actual, Museo de Arte Carrillo Gil/Bancomer, Mexico , D.F.
- 2008-2009,2005-2006, 2002-2003: Becario del fondo Nacional para la Cultura y las Artes, Fondo Nacional para la cultura y las Artes, D.F., Mexico.
- 2007: Primer lugar en la XVI Bienal de Baja California, categoría Gráfica, Instituto e Cultura de Baja California, Mexicali B.C., Mexico.
- 2005: Start Up Award, del Museum of Contemporary Art San Diego, CA (adquisición de obra y una exposición individual en el museo), Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, San Diego, CA., U.S.
Solo Exhibitions
- 2011: “Registros de Labor, agosto”, la caja galeria, Tijuana, B.C., Mexico.
- 2010: “Registros de Labor”, Galeria Arroniz, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2010: “Cumulo”, Museo Universitario de Arte Contemporaneo MuAC, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2008: “Trade-Marks”, Centro Cultural Tijuana CECUT, Tijuana, Mexico.
- 2007: “Sobras Recientes”, Galeria La Caja Negra, Madrid, Spain.
- 2005: “Jaime Ruiz Otis/CERCA Series”, Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, MCASD, San Diego CA, U.S.
Group Exhibitions
- 2013: “La estampa de nuestro tiempo”, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguerez, Zacatecas, Mexico.
- 2013: “X Bienal Monterrey FEMSA”, Antiguo Colegio de San Ildefonso-UNAM, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2013: “Formas y Pasajes. Escultura contemporánea”, Centro de las Artes, CONARTE, Monterrey, Mexico.
- 2013: “El Insesante Ciclo entre Idea y Acción, Programa Bancomer-MACG. Arte Actual”, Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2012: “The Very Large Array: San Diego/Tijuana Artists in the MCA Collection”, Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, San Diego CA, U.S.
- 2012: “El Panal/The Hive, Trienal Poligráfica de San Juan“, San Juan, Puerto Rico.
- 2011: “Des-hielo, solo-project Feria ChACO”, Feria ChACO, Santiago, Chile.
- 2011: “Mexico: Poetics and Politics”, San Francisco State University, San Francisco, U.S.
- 2010: “Descartes”, The Collaborative-MOLAA, Long Beach, U.S.
- 2010: “Moscow Biennale for Young Art“, Moscu, Rusia.
- 2009: “10 Años del FONCA”, Biblioteca Vasconcelos, Ciudad de Mexico, Mexico.
- 2009: ” X Bienal de Cuenca“, Cuenca, Ecuador.
- 2009: “PavillioM, Arte Contemporáneo Mexicano”, 53th Venice Biennale, Venezzia, Italy.
- 2007: ” IM/Polis Transitio/MX”, Laboratorio Arte Alameda, Ciduad de Mexico, Mexico.
- 2006: “Strange New World”, MCASD, Museo de Arte Contemporaneo de San Diego, San Diego, CA, U.S.
Collections
- Colección FEMSA, Monterrey N.L., Mexico.
- Colección del Museo Universitario Arte Contemporáneo, MuAC., Ciudad de Mexico, Mexico.
- Colección del Museum of Contemporary Art San Diego, San Diego, CA, U.S.
- Colección Elías-Fontes., Mexicali B.C., Mexico.
- Private art collections in México, San Diego, Los Ángeles, San Francisco, Nueva York, Spain and Denmark.
Links
- Jaime Ruiz Otis, “Estela del Paisaje Negro”, 201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 165 x 150 cm.
- jaime Ruiz Otis, “Estela de horizonte Palido”, 1999-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 170 x 150 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela Chillante”, 1999-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 265 x 150 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela Arenosa”, 1999 , Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 165 x 150 cm. coleccion Elias-Fontes.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela Arenosa”, 1999-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 265 x 150 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Estela del Can”, 2005-201?, Series: Estelas, procesos recuperados, Found cotton fabric, 250 x 140 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Crack”, 2013, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 45 x 65 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Bifurcacion”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 65 x 180 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Cumulo”, 2013, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 65 x 135 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Transmisor”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 122 x 195 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Avoid direct exposure to beam”, 2014, Series: calcomaticos, Found stickers on sheet, 71 x 81 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Desfase A”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on sheet, 54 x 123 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Desfase C”, 2013, Series: calcomaticos, Found stickers on sheet, 80 x 126 cm. coleccion Femsa.
- Jaime Ruiz Otis, “Desfase B”, 2014, Series: Calcomaticos, Found stickers on acrylic, 123 x 181 cm.
- Jaime Ruiz Otis, “Caos-Orden-Caos”, 2013, Series: calcomaticos, Found stickers on sheet, 89 x 98 cm.
Translated from Spanish
In this series of works I focus my gaze in a common object: wood in its different ways of display for sale, in specialized stores. If on one hand I establish relationships between the exact copy of the visual aspects in a wood ribbon; on the other hand I stay aware of the natural and/or artificial phenomena can reveal in time, which involves being able to understand this process on the particular characteristics of each material.
My aim is to establish a game with the mimesis principle: by choosing carefully a color, to which I apply many glazes to represent it once more, applying many retouches. Through this procedure I emphasize volumes and shadows, and simulate light reflections. After the result, I see how my painting transforms into something else, I conceive it as an abstraction derived from a figurative dimension. I change the perspective from which pictorial representation has traditionally worked to make figuration a paradox of abstraction, where the artificial looks “natural” and where camouflage confuses because albeit present, we cannot perceive it. In this game of values, painting dissolves the illusion of the pictorial space to construct an image that is more real than the original model.
En esta serie de obras centro mi mirada en un objeto común: la madera en sus diferentes formas de exhibición para la venta en lugares especializados. Si por un lado establezco relaciones entre la copia fiel de apariencias visuales que suceden en un listón de madera, por el otro, me mantengo atento a lo que los fenómenos naturales y/o artificiales puedan revelar con el paso del tiempo, lo que implica entender los efectos de este transcurso sobre las características particulares de cada material.
Me propongo establecer un juego con el principio de mimesis: al escoger minuciosamente un color, al que aplico sucesivas veladuras para volverlo a representar -nuevamente- aplicando sucesivos retoques. En este procedimiento acentúo volúmenes y sombras, y simulo reflejos de luz. Después del resultado veo como mi pintura se transforma en otra cosa, la concibo como que es abstracción que deriva de una dimensión figurativa; cambio la perspectiva en que tradicionalmente ha funcionado la representación pictórica figurativa para hacer de la figuración una paradoja con la abstracción, donde lo artificial parece “natural” y donde el camuflaje desconcierta porque además de estar ahí presente, no lo percibimos. En este juego de valores, la pintura disuelve la ilusión del espacio pictórico para construir una imagen más real que el modelo original.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2003-2008: Maestro en Artes Plásticas, Universidad de Antioquia, Medellín, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Naturaleza & Artificio”, Galeria Nueveochenta, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Naturaleza & Artificio”, Galeria de la Oficina, Medellin, Colombia.
Group Exhibitions
- 2012: “Ensayos para un mundo perfecto. Salón de Arte BBVA Nuevos Nombres del Banco de la República“, Casa Republicana, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Encuentro Internacional de Arte de Medellín MDE11. Enseñar y aprender lugares del conocimiento en el arte“, Museo de Antioquia, Medellín, Colombia.
- 2011: “42 Salón Nacional de Artistas. Independientemente”, Cartagena, Colombia.
- 2010: “13 Salón Regional de Artistas – Región Centro Occidente”, Palacio de la Cultura Rafael Uribe Uribe, Medellín, Colombia.
- 2009: “IV Salón de Arte Bidimensional”, Fundación Gilberto Alzata Avendaño, Bogotá, Colombia.
- 2009: “Casa de Citas. Gabinete de Curiosidades Múltiples”, Museo de Antioquia, Medellín, Colombia.
- 2008: “Reflexiones desde la Realidad y la Ficción”, Galeria La Cometa, Bogotá, Colombia.
- 2008: “Salón Premio Fernando Botero”, Claustro de la Enseñanza, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Los Hiperamigos, Jóvenes Artistas Colombianos”, Abierta Galeria. Sala experimental de arte contemporáneo, Medellín, Colombia.
- 2007: “Salón Premio Fernando Botero”, Claustro de la Enseñanza, Bogotá, Colombia.
Publications
- Oscar Roldan, “Ilusión cientifica del arte“, Revista Co-herencias, 2013.
Collections
- Suramericana de Seguros, Medellín, Colombia.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio (detail)”, 2013, Natural wood panel and oil on canvas, framed, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, Galería de La Oficina (installation view, “Naturaleza & Artificio”)
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio” (detail), 2012, 3 units of natural pine and 3 units of oil painting on canvas, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio”, 2012, 3 units of natural pine and 3 units of oil painting on canvas, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio”, 2013, Natural wood panel and oil on canvas, framed, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio”, 2013, Oil on paper, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio”, 2013, Oil on paper, 85 x 45 x 45 cm. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio” (vista posterior), 2013, Oil on Moleskine notebook, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, Galeria Nueveochenta (installation view, “Naturaleza & Artificio”). Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Exposición “Naturaleza & Artificio” Galería Nueveochenta”, 2013, Wood, oil, paper, canvas, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of artist.
- Edwin Monsalve, “Taxonomía de árbol (detail)”, 2014, Cut on paper, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Taxonomía de árbol “, 2014, Oil on paper, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Sin titulo (detail)”, 2014, Natural wood sheet and color pencils on paper, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Naturaleza & Artificio” (vista frontal), 2013, Oil on Moleskine notebook, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
- Edwin Monsalve, “Sin titulo”, 2014, Natural wood sheet and color pencils on paper, Variable dimensions. Photo credit: Image courtesy of the artist.
About the Artist
I always thought of sound, volume and rhythm breaking through boundaries and barriers in search for a place by looking for ways in which to visualize how this sound could be “seen” if it were traveling in a room, a body, or a garden.
My present work is about exploring sound structures in a sensorial manner, where I feel that music and nature come together in a type of code. In my earlier work I would attempt to ‘draw’ sound as it traveled through an architectural space. Visually it could be compared to a plant or bindweed traveling through space as it searches for its direction.
Presently, I am working on deconstructing that what produces sound by separating its parts. For instance, as in a musical instrument: I separated the body of the guitar from the neck, the cords and the pick guard.
By expanding the body of the instrument to the proportion of our bodies I want to express the explosion of sound through color and form. Through my extensive research of instruments and its components, I arrived at the LPs, and the beauty and meaning of its covers and sleeves. My generation received the last drop of the LP’s industry and the memory of listening to my parent’s records while looking at the covers reminded me how the visual part was so important.
Thirty by thirty cm cover is a huge area to represent the sound that is there, and to me the LP was always an object of awe and desire. In my most recent work, I presented the records and sleeves in frames to relate them to the golden age of the music industry—now found in Music Museums with their walls covered with the platinum and golden records suggesting the completion of an anachronistic ritual of our days of MP3, which involved a different relation between the body (hearing) and sound.
—
Siempre pensé en cómo el sonido, volumen y ritmo cortan los límites y las barreras en busca de un lugar; buscando maneras de visualizar cómo este sonido podría ser “visto” si viajase en un cuarto, un cuerpo, o un jardín.
Mi obra reciente aborda la exploración de estructuras de sonido de una manera sensorial, desde la que siento que la música y la naturaleza se unen en un tipo de código. En mi obra más temprana intenté “dibujar” el sonido a medida que avanzaba en el espacio y buscaba su dirección.
Hoy en día estoy trabajando en deconstruir aquello que produce sonido, separando sus partes. Por ejemplo, en un instrumento musical separé el cuerpo de la guitarra del mástil, las cuerdas y la caja protectora.
Al expandir el cuerpo del instrumento a la proporción de nuestros cuerpos, quiero expresar la explosión de sonido por medio del color y la forma. Mediante mi extensa investigación sobre los instrumentos y sus componentes, llegué a los LPs y la belleza y significado de sus portadas y cubiertas. Mi generación recibió la última gota de la industria de los LPs y la memoria de escuchar los álbumes de mis padres mientras que las portadas me recordaban la importancia de la parte visual.
Una portada de treinta por treinta centímetros es un área muy amplia para representar el sonido que está dentro y para mí el LP siempre fue un objeto de asombro y deseo. En mi obra más reciente presento los discos y carátulas en cuadros, para relacionarlos con la época de oro de la industria musical que ahora se encuentra en museos de música y sus muros cubiertos de los discos de platino y oro, sugiriendo el fin del ritual anacrónico de nuestros días del MP3, los cuales significaron una relación diferente entre el cuerpo (la acción de escuchar) y el sonido.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1999-2003: Fine Arts, Fundação Armando AAlvares Penteado FAAP, Aão Paulo, Brazil.
Prizes / Fellowships
- 2003: Bolsa-Prêmio – 35° Anual de Arte , FAAP Fundação Armando Alvares Penteado, São Paulo, Brazil.
- 2004: Art in Residency Programme at Gasworks Gallery – 1° lugar Prêmio Chamex de Arte Jovem, Chamex, London, England.
- 2008: Mountain School of Arts Residency, Mountain School of Arts, Los Angeles, ESA.
Solo Exhibitions
- 2013: “gravações perdidas [lost recordings]“, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2013: “no no yes please“, Galeria Silvia Cintra + Box 4, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2012: “sunburst“, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2011: “O papel do jardim [the role of the garden]”, Galeria Silvia Cintra + Box4, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2010: “KOTO “, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2010: “Place to Be”, GaleryRio, Nantes, France.
- 2009: “LUGAR”, Camara de Comércio de Bogotá, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Mirante”, Galeria Lunara, Porto Alegre, Brazil.
- 2007: “Pausa [pause]“, Galeria Vemelho, São Paulo, Brazil.
- 2006: “Cruzamentos – Caminhos [crossings – paths]”, DRCLAS – Harvard, Cambridge, USA.
- 2006: “Cruzamentos – Encontros [crossings – encounters]”, Boston Arts Academy, Boston, USA.
- 2006: “Sweet Melody“, LABF15, Lyon, France.
- 2005: “Firehouse“, De Vleeshal, Middelburg, Holland.
- 2005: “Viga Mestra [main beam]“, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
Group Exhibitions
- 2013: “Imagine Brazil“, Astrup Fearnley Museet, Oslo, Norway.
- 2013: “Prospect 1“, Museum of Contemporary Art San Dieg, San Diego, USA.
- 2013: “Tomie Ohtake Correspondências“, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brazil.
- 2011: “Contra a Parede [against the wall]“, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2011: “32º Panorama da arte Brasileira“, Museu de Arte Moderna [MAM SP] , São Paulo, Brazil.
- 2010: “Quem tem medo?”, Galeria Vermelho, São Paulo, Brazil.
- 2008: “Blooming Brasil-Japão – O seu lugar – [Blooming Brasil-Japan – Your Place]“, Toyota Municipal Museum of Art , Province of Aichi, Japan.
- 2008: “Exposição de Verão”, Galeria Silvia Cintra-Box 4, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2007: “Futuro do Presente [the future of the present]”, Instituto Itaú Cultural, São Paulo, Brazil.
- 2006: “10 anos + 1 – Os anos recentes da arte brasileira – [10 years + 1 – the recent years of brazilian art]“, Instituto Tomie Othake, São Paulo, Brazil.
- 2006: “Urban Spaces“, DNA Galerie, Berlin, Germany.
- 2006: “Rumos Itaú Cultural 2005/2006 Artes Visuais”, Instituto Itaú Cultural, São Paulo, Brazil.
- 2005: “Panorama “, Museu de Arte de São Paulo [MAM SP], São Paulo, Brazil.
- 2005: “J’en Rêve“, Fondation Cartier, Paris, France.
- 2004: “udo Aquilo que Escapa – 46° Salão Pernambucano de Artes Plásticas“, Espaço Cícero Dias do Museu do Estado, Recife, Brazil.
Publications
- Luiz Camillo Osorio, Coleção Gilberto Chauteaubriand (Rio de Janeiro: Barléu Edições LTDA.), 133.
Collections
- Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brazil.
- De Vleeshal, Middelburg, Holland.
- Harvard University, Cambridge, USA.
- Museum of Contemporary Art San Diego, San Diego, USA.
- Coleção Gilberto Chateaubriand -Museu de Arte Moderna [MAM RJ], Rio de Janeiro, Brazil.
- Chiara Banfi, “les paul of the series sunburst – triptic”, 2013, Series: sunburst, three hardboard one covered with Abdul wood leaf, another with Maple and the last with ash, a yellow and orange sayerlack pigment is applied in each piece and then a PLB cover coat , 160 x 110 x 7 (each piece) cm . Photo credit: calé Azad.
- Chiara Banfi, “Em Branco [blank] of the series empty records”, 2013/2014, Series: empty records, vinyls with no music recorded on them, old sleeves presented in a wooden frame, this piece consists of 12 parts, 37 x 70 x 3 (each) cm . Photo credit: Edouard Fraipont.
- Chiara Banfi, “fender precision black soulages – back”, 2013, Series: fender, black paint with PLB finish on hardboard sculpted wood, 160 x 110 x 7 cm. Private Collection: Caracas, Venezuela. Photo credit: Edouard Fraipont.
- Chiara Banfi, “strange fruit of the series silence”, 2013, Series: silence, used magnetic audio tape 2 inches wide applied on an alumminum surface, 160 x 125 x 5 cm. Private Collection: São Paulo, Brazil. Photo credit: Edouard Fraipont.
- Chiara Banfi, “baixo e guitarra [bass and guitar] of the series desenhos sonoros [sonoric drawings]”, 2012, Series: desenhos sonoros [sonoric drawings], 8 bass and 12 gutiar tuners on wood attached to the wall, wire connecting one side to the other, 4 pickups in the centre sending sound to the amplifier , 154 x 238 x 3 cm . Photo credit: Rafael Cañas.
- Chiara Banfi, “mapa 10 – prata [map 10 – silver]”, 2012, color plus 180 grams paper silkscreened and cut out placed over silver Lotka paper also silkscreened , 196 x 156 x 5 cm. Private Collection: São Paulo, Brazil. Photo credit: Marcelo Guarnieri.
- Chiara Banfi, “sem titulo “, 2011, Series: papel do jardim, color plus 180 grams paper silkscreened with music staff applied over papirus paper, 210 x 115 x 5 cm. Private Collection: Belo Horizonte, Brazil. Photo credit: Marcelo Guarnieri.
- Chiara Banfi, “Dique Seco [Drydock]”, 2009, music paper cutout and applied overmusic paper, 106 x 79.5 x 4 cm. Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brazil. Photo credit: Ding Musa.
- Chiara Banfi, “sweet melody – asa branca”, 2006-2009, this drawing is part of a series of installations where from a music sheet I would draw onto the wall with adhesive vinyl up to the ceiling and the ‘drawing’ or ‘music note’ would drop (next picture), Variable dimensions. Photo credit: Ding Musa.
- Chiara Banfi, “sweet melody”, 2006-2009, this is the continuation of the previous picture, as the adhesive vinyl reaches the ceiling the ‘drawing’ drops. vinyl and wood, Variable dimensions. Private Collection: São Paulo, Brazil. Photo credit: Ding Musa.
- Chiara Banfi, “Wind”, 2008, inlay of different woods and laca, 200 x 70 x 8 each cm. Private Collection: São Paulo, Brazil. Photo credit: Ding Musa.
- Chiara Banfi, “incoming wind”, 2008, A view of an installation I did in the Toyota Museum of Art, with adhesive vinyl paint and wood inlay panal , Variable dimensions. Site-specific project. Location: Toyota Municipal Museum of Art, Toyota, Province of Achi, Japan. Photo credit: Chiara Banfi.
- Chiara Banfi, “Jardim Suspenso [Suspended Garden]”, 2007, metal structure in an organic form, with a garden., Variable dimensions. Site-specific project. Location: Instituto Itaú Cultural, São Paulo, Brazil. Photo credit: Edouard Fraipont.
- Chiara Banfi, “Balanço [Swing]”, 2005, adhesive vinyl on an acrylic panel and frame , 80 x 120 x 5 cm. Private Collection: Miami, USA. Photo credit: Ding Musa.
- Chiara Banfi, “Red Boat – Firehouse”, 2005, Hammock with cloth, paint on wall and adhesive vinyl on the wall , Variable dimensions. Site-specific project. Location: De Vleeshal, Middelburg , Holland. Private Collection: Middleburg, Holland. Photo credit: Chiara Banfi.
Translated from Spanish
Since 2009, my work has focused on the study of Op and geometric art, mainly how haute couture houses and readymade brands appropriated these avant-gardes for the creation of fashion trends. My works begin with the appropriation of patterns found in magazines, books, and websites about fashion. These appropriations are presented in installations, paintings and collages, using not only art techniques but also materials and techniques from fashion design and graphic design, such as studs, leather, and cutting plotter.
Optical Power is a project, developed in black and white, in which I focused on Op Art, recontextualizing designs by Rudi Gernreich, Rei Kawakuro, and Pucci, among others. In Geometría Pura Mente Consumista (Pure Geometry Consumerist Mind) I wanted to include geometric patterns designed by haute couture brands and multinational corporations, but as collages in die-cut leather, with studs or cut and sewn pieces. I am developing the most recent work with polyurethane paint and polyester, and continue to appropriate geometric patterns—but in this case, the patterns are combined as diptychs and polyptychs that are loaded with color and content.
Desde el 2009 mi trabajo se ha enfocado en estudiar el arte óptico y geométrico, principalmente como las casas de alta costura y las marcas readymade se apropian de estas vanguardias para la creación de tendencias de moda. La creación de mis trabajos parte de la apropiación de patrones encontrados en revistas, libros y páginas web sobre moda. Estas apropiaciones son presentadas en instalaciones, pinturas y collages, utilizando no solamente las técnicas propias del arte sino a su vez materiales y técnicas del diseño de moda y el diseño gráfico como taches, cueros y plotter de corte.
Optical Power es un proyecto que se desarrollo en blanco y negro y donde me enfoque en el arte óptico, recontextualizando diseños de Rudi Gernreich, Rei Kawakuro y Pucci entre otros. En Geometría Pura Mente Consumista quise abarcar los patrones geométricos diseñados por casas de alta costura y marcas multinacionales pero trabajados a manera de collage en cueros troquelados, con taches o piezas recortadas y cosidas. El trabajo más reciente lo estoy desarrollando con pinturas en poliuretano y poliéster donde sigo apropiándome de patrones geométricos pero esta vez estos patrones son conjugados a manera de dípticos y polípticos tomando una fuerza de color y contenido.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2007-2008: MA Fine Arts, Central Saint Martins College of arts and design, London, UK.
- 1998-2002: Artista Plástica, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
- 1994-1996: Applied arts in Fashion Design, The Art Institute of Dallas, Dallas, USA.
Prizes / Fellowships
- 2007-2008: Jóvenes Talentos, Banco de la República, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Geometría Pura Mente Consumista”, Nueveochenta arte contemporáneo, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Optical Power”, Nueveochenta arte contemporáneo, Bogotá , Colombia.
- 2009: “Made In”, Nueveochenta arte contemporáneo, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Sueños Technicolor”, Alianza Francesa, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Knock off”, Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2014: “Project Room Zona Maco Sur: Las cosas son repentinas”, Zona Maco Sur, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Nuestro sitio: artistas de America del Sur”, Mavi, Santiago de Chile, Chile.
- 2011: ” Nuestro sitio: artistas de America del Sur”, MacNiteroi, Niteroi, Brazil.
- 2011: “Resurfaced: Contemporary Colombian art”, MagnanMetz Gallery, Nueva York, USA.
- 2011: “Sobre el Territorio: Arte Contemporáneo en Colombia”, Santralistanbul, Istanbul, Turkey.
- 2011: “Project Room Chaco: Expediciones visuales: Viajes por el Pacifico”, Chaco, Santiago de Chile, Chile.
- 2010: “Puntos suspensivos”, Museo Diego Rivero, Mexico City, México.
- 2009: “The Red Mansion Art Prize Exhibition”, Slade Research Centre, London, UK.
- 2009: “Integración y Resistencia en la era global”, X Bienal de la Habana, Habana, Cuba.
- 2008: “Degreeshow”, Central Saint Martins College of art and design, London, UK.
- 2008: “A constant cracking of the surface”, Bargehouse, London, UK.
Collections
- Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- Barbarita Cardozo, “Telón”, 2011, Series: 7, Adhesive vinyl on wall, Variable dimensions.
- Barbarita Cardozo, “Fall 1971, Autum\winter 2000, Fall 1971 II”, 2011, Series: 5, Digital printing on canvas encapsulated in acrylic, 120 cm x 120 cm x 2 cm. Private collection.
- Barbarita Cardozo, “Spring/Summer 1973”, 2011, Series: 1, Enamel on acrylic, 158 cm x 120 cm x 1 cm.
- Barbarita Cardozo, “Mid 1950´s”, 2011, Series: 7, Adhesive vinyl on wall, Variable dimensions. Private collection.
- Barbarita Cardozo, “Geometría No. 11”, 2013, Series: 1, Collage on synthetic leather, 130 cm x 111 cm
- Barbarita Cardozo, “Geometría No.1”, 2012, Series: 1, Collage of rhinestones on synthetic leather, 50 x 33 cm each. Private collection
- Barbarita Cardozo, “Geometría No. 8”, 2013, Series: 1, Collage on synthetic leather, 168 cm x 120 cm
- Barbarita Cardozo, “Geometría No. 10”, 2013, Series: 1, Collage on synthetic leather, 115 cm x 151 cm. Private collection.
- Barbarita Cardozo, “Geometría No.4”, 2013, Series: 1, Collage on synthetic leather, 136 cm x 206 cm. Private collection
- Barbarita Cardozo, “Geometría No. 6”, 2013, Series: 1, Collage on synthetic leather, 136 cm x 206 cm
- Barbarita Cardozo, “Otoño\Invierno 2013”, 2013, Series: 1, Polyurethane on mdf, 210 cm x 180 cm. Private collection
- Barbarita Cardozo, “Otoño\Invierno 2014”, 2014, Series: 1, Polyurethane on mdf, 210 cm x 180 cm. Private collection
Translated from Spanish
Artistic practice exists in the antithesis of what is considered solid: it moves forward blindly without reaching its destination, or in the best case scenario, simulating arrivals, fragmenting destinies. Every material, exposed in the abstraction of the work itself, tells a triple meaning. First, the history of itself, revealed as material. Secondly, its history in and through the objects, where material is in itself and ceases to be simultaneously, without changing; and finally, its own history, which is inflected through its existence as part of an everyday that ignores it because it does not belong to it—our own fragility.
El trabajo artístico está en las antípodas de lo que se considera sólido: avanza a tientas sin llegar a destino o, en el mejor de los casos, simulando las llegadas, fragmentando los destinos. Todo material, expuesto en la abstracción de la obra misma, cuenta un triple sentido: en primer lugar, la historia de sí mismo, develado como materia; en segundo, su historia en y a través de los objetos, donde el material es sí mismo y deja de serlo, al mismo tiempo, sin cambiar materialmente; por último, su propia historia, la que se conjuga a través de su existencia como parte de una cotidianeidad que ignora porque no le pertenece: la fragilidad de nosotros todos.
Selected Biographical Information
Prizes / Fellowships
- 2012: Mención del Jurado Premio Mac Salta, Museo de Arte Contemporáneo de Salta, Salta, Argentina.
- 2008: Premio Nacional de Pintura Banco Central (Segundo Premio), Banco Central de la República Argentina, Buenos Aires, Argentina.
- 2006: Premio Argentino de Artes Visuales (Primer Premio), Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2006: Concurso de pintura contemporánea (Primera Mención), Fundación Deloitte, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2011: “Sólos y Dúos”, Galería Zabaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Surfaces”, Birdhouse Gallery, Austin/Texas, USA.
- 2009: “Retorno”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Open Space”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Dys Functional”, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
- 2007: “Sobremesa”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: “Cuarto punto bis”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “Cuarto punto”, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 2002: “14 unidades mixtas”, Galería Dabbah Torrejón , Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2014: “La suerte del aire”, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 2014: “ArteBa”, Zavaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
- 2014: “Itineraria 10 mujeres”, Espacio de Arte Contemporáneo, Montevideo, Uruguay.
- 2014: “Premio Fundación Klemm 2014”, Fundación Klemm, Buenos Aires, Argentina.
- 2014: “Cromofobia“, Museo de Arte Contemporáneo (MACBA), Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Expansiva IV”, Teatro San Martín, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Urra Residencia Internacional de Arte (artistas participantes)”, Urra Residencia Internacional de Arte , Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Roberto Aizemberg. Trascendencia Descendencia”, Fundación Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Muestra Itinerante Museo de Arte Contemporáneo Buenos Aires (Macba)”, Museo Caraffa, Córdoba, Argentina.
- 2012: “Vytlacil Artists in Residency”, Vytlacil Residency, New York, USA.
- 2009: “Dialogues. Chapters of Latin American Art in the MOLAA permanent collection”, Museo de Arte Latinoamericano, Los Angeles, USA.
Publications
- AAVV, Poéticas contemporáneas. Itinerario de las artes visuales en Argentina de los ’90 al 2010 (Buenos Aires: Fondo Nacional de las Artes).
- Rossi, Cristina (coordinadora), Melé en diálogo (Buenos Aires: Expotrastiendas).
- Casanegra, Mercedes, “Cruce de caminos”, Diario La nación, 21-10-2011.
- Perez Bergliaffa, Mercedes, “La tierra y la abstracción en diálogo”, Diario Clarín, 08-10-2011.
- Legenblik, Fabián, “Ciertas transfiguraciones”, Diario Página 12, 18-08-2009.
- Damian, Carol, “Art Miami 2006”, Revista Art Nexus no. 60, Marzo 2006.
- López Anaya, Jorge, “Geometría de las sensaciones”, Diario La nación, 12-09-2004.
- Gainza, María, “Silvana Lacarra”, Revista Tema Celeste, Marzo 2003.
Collections
- Deutsche Bank Collection, Frankfurt, Germany.
- Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Smithsonian, Washington, D.C., USA.
- Escala (Essex Collection of Art from Latin America), Colchester, UK.
- Museo de Arte Moderno, México DF, México.
- MUAC, UNAM, México DF, México.
- Kunsthaus Santa Fé, Espacio de Arte contemporáneo, San Miguel de Allende, Guanajuato, México.
Links
- Silvana Lacarra, “Dúo I”, 2011, Series: Sólos y Dúos. Formica, beech and plant corn. 100 x 100 / 100 x 70 cm.
- Silvana Lacarra, “39 Movimientos”, 2006, Wood covered with formica, 36 cm each piece.
- Silvana Lacarra, “Rio”, 2006, Wood covered with formica, 135 x 95 x 70 cm.
- Silvana Lacarra, “Ola”, 2006, Wood covered with formica, 120 x 60 cm.
- Silvana Lacarra, “De esta muerte no se muere”, 2007, Wood covered with formica, 130 x 90 x 73 cm.
- Silvana Lacarra, “Agua, vino y champagne”, 2008, Wood covered with formica, 100 cm diameter each. Banco Central de la República Argentina.
- Silvana Lacarra, “Sólo I”, 2011, Series: Sólos y Dúos, (Marquetry in wood and formica), Plastic coating, Formica and eucalyptus bark, 150 x 120 cm.
- Silvana Lacarra, “Sólo II”, 2011, Series: Sólos y Dúos, Formica, alpaca and aluminum, 120 x 150 cm. Museo de Arte Contemporáneo Buenos Aires (MACBA).
- Silvana Lacarra, “Mural de Fórmica”, 2012, Formica, Variable dimensions.
- Silvana Lacarra, “Otro Audi IV”, 2013, Series: Otro Audi, Acrylic car paint applied with blowtorch over wood, 140 x 120 cm.
- Silvana Lacarra, “Otro Audi IV”, 2013, Series: Otro Audi, Acrylic car paint applied with blowtorch over wood, 90 x 120 cm.
- Silvana Lacarra, “Otro Audi IV”, 2013, Series: Otro Audi, Acrylic car paint applied with blowtorch over wood, 90 x 120 cm.
- Silvana Lacarra, “Otro Audi IV”, 2013, Series: Otro Audi, Acrylic car paint applied with blowtorch over wood, 90 x 120 cm.
- Silvana Lacarra, “sin título”, 2004, Wood covered with formica, 100 x 70 x 10 cm.
- Silvana Lacarra, “Sólo III”, 2011, Series: Sólos y Dúos. Formica, laurel root and Californian walnut. Marquetry and formica. 100 x100 cm.
Translated from Spanish
My work, influenced by my formation as a filmmaker and the constant contact with architecture, make me incorporate elements such as abstraction, geometry, memory, light, shadow, the relationships that exist in the creation processes and interaction with life itself.
The process is part of the result within itself, which makes us discover places or questions that we would not make if it wasn’t for that constant search and experimentation of situations and experiences.
The way I materialize my ideas—photography, painting, sculpture and video.
Based on the concept in which the goal is in the process of creation more than in the result, I always seek to let myself be guided by accidents and the unknown, to be able to explore new ideas of expression and abstraction.
Mi trabajo, influenciado por una formación como cinematógrafo y el constante contacto con la arquitectura hacen que incorpore elementos como la abstracción, la geometría, la memoria, la luz, la sombra, la relación que existe en los procesos de creación e interacción con la vida misma.
El proceso es parte del resultado en sí mismo; aquel que hace que descubramos lugares o preguntas que no nos formularíamos si no fuera por esa constante búsqueda y experimentación de situaciones y experiencias.
Las forma en la que materializo mis ideas son: fotografía, pintura, escultura y video.
Basado en el concepto de que la meta está en el proceso de creación más que en el resultado, siempre busco dejarme llevar por los accidentes y lo desconocido para explorar nuevas ideas de expresión y abstracción.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Cinematógrafo, Capilano College, Vancouver, Canada.
Prizes / Fellowships
- 2012: Residencia estudio extendido, Casa Vecina, Mexico City, Mexico.
Solo Exhibitions
- 2013: “En las profundidades de la naturaleza, la razón debe inclinarse”, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Rock and Roll“, Casa Vecina, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Mondrian abstract skating”, T0, T1, T2, T3, T4, T5, Sala Juarez, Guadalajara, Jalisco, Mexico.
- 2012: “Losing Mysealf”, Calle 2, Pabellón A, Guadalajara, Jalisco, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “(untitled)”, San Pedro, Garza, García Nuevo León, Mexico
- 2013: “Sin necesidad de profecías”, Guadalajara, Jalisco, Mexico.
- 2013: “Tinnitus y Fosfenos”, Museo de Arte Zapopan, Guadalajara, Jalisco, Mexico.
- 2013: “Paradise is an Island so is Hell”, Careyes, Jalisco, Mexico.
- 2011: “Everything Must Go”, New York, USA.
Publications
- 2013: Rock and Roll, Casa Vecina, estudio extendido.
Collections
- Sayago & Pardon, CA, USA.
- Colección Suro, Guadalajara, Mexico.
- Colección Fajer, Mexico City, Mexico.
- Colección Enrique Macotela, Mexico City, Mexico.
- Varias colecciones privadas San Pedro, Garza-Garcia, Mexico City, Mexico.
Links
- Adrián S. Bará, “untitled”, Masking tape and acrylic paint, 60 x 50 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “untitled” (Detail), Masking tape and acrylic paint, 60 x 50 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “transworld skateboarding 2005-2012”, 2012, Acrylic paint on magazine pages, 38 x 32 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “transworld skateboarding 2005-2012” (Detail), 2012, Acrylic paint on magazine pages, 38 x 32 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “transworld skateboarding 2005-2012” (Detail), 2012, Acrylic paint on magazine pages, 38 x 32 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “imperfect ramp as imperfect structure” (detail), C-print, 45 x 35 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “imperfect ramp as imperfect structure” (detail), C-print, 45 x 35 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “imperfect ramp as imperfect structure” (detail), C-print, 45 x 35 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “imperfect ramp as imperfect structure”, C-print, 45 x 35 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “TL 1948”, Wood, glass and aluminum, 150 x 80 x 15 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “mondrian abstract skating”, Vinyl, wood, neon, ramp, melamine, Installation, 120 x 170 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “storytellers”, Magazine pages, acrylic, 39 x 31 cm each. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “storytellers” (detail), Magazine pages, acrylic, 39 x 31 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “The Economist (19 abril de 1968), (22 de marzo de 1968)”, 2013, Acrylic paint on canvas, 34 x 40 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
- Adrián S. Bará, “untitled”, Collage, 100 x 70 cm. Image courtesy of the artist and FIFI projects
Translated from Spanish
My practice is the result of my interest in the eroticism and geometry manifested through painting and installation. My recent work has largely referenced the human body and gender conditions; abstract and geometrical representations of bodies are made with diverse materials such as paint, sand, plaster, wood, fake fruits and shampoo, and more traditional oil paints. A more inclusive vision of sexuality can change and improve the way we live. This has been made apparent through the contributions of Feminism and queer theory. This is also a space where I locate dialogues that are informative for my work. I play with gender pictorially, mixing spiritual values, historical appreciations, aesthetics and styles. I am interested in the anthropological importance of decoration as a process and in its application in objects, and I play with this by challenging fixed ideas and unconscious meaning. How does the mind sense the materials and shapes of things? Why do we make decisions in one way and not in another? Is there a place where these dualities are simultaneously possible? I transform everyday materials into something new, as in Manzanas [Apples] where geometric forms adorn fake plastic fruits. My work as a painter engages a diversity of formats and media, from easel painting and installation, to the organization of cultural projects and results of the relationships between artists. I have participated actively with artist collectives like as Kiosko De Artistas, and in projects of col-leagues, clinical workshops and research meetings. I co-founded PintorAs [Female Painters], a project that includes 20 women artists from Argentina. As a curator, I organized the exhibitions Rework and Figuras [Figures], as a way to collectively investigate answers to questions of that arise from my own work.
Mi práctica es el resultado de mi interés en el erotismo y la geometría, manifiesto a través de la pintura pero también en otros medios como instalación. Mi trabajo reciente en gran medida hace referencia al cuerpo humano y a condiciones de género: representaciones abstractas y geométricas hechas con diversos materiales tales como pintura, arena, yeso, madera, frutas falsas y champú, y óleos. Una visión más integradora de la sexualidad puede cambiar y mejorar la forma en que vivimos. Esto ha sido evidente a través de las contribuciones de las teorías feministas y queer. En estas contribuciones, encuentro diálogos que son nutritivos para mi trabajo y desarrollo. También interpeló el género pictórico, mezclando los valores espirituales, la apreciación histórica, estéticas y estilos. Estoy interesada en la importancia escondida de la decoración como un mecanismo y en su aplicación en objetos y dispositivos. Busco desafiar las ideas fijas y los significados inconscientes. ¿Cómo la mente percibe las materialidades y formas de las cosas que nos rodean? ¿Por qué asumimos esa percepción de una manera natural y no en otra dirección? ¿Hay un lugar donde lo dado como opuestos son al mismo tiempo posibles e iguales? Busco convertir materiales de uso cotidiano en algo nuevo, como en Manzanas donde las formas geométricas adornan falsos frutos de plástico. Mi trabajo como pintora involucra una diversidad de formatos, soportes y medios, desde la pintura de caballete y la instalación, a la organización de proyectos culturales, muestras, y las relaciones entre los artistas. Fui co-fundadora de PintorAs, un proyecto que incluye 20 artistas de Argentina. Como artista-curadora, también organicé las muestras Rework y Figuras, siendo una manera de investigar colectivamente las preguntas que surgen en mi proceso de obras.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, 5 años, BFA, Buenos Aires, Argentina.
- Cursos en el Centro de Investigaciones Artísticas, 2009/10, with Paul Ramírez Jonas, Michael Smith, Roberto Amigo, Tulio de Sagastizábal, Doris Sommer, Andrea Giunta, Victoria Noorthoorn, María Moreno, Yoshua Okon.
Prizes / Fellowships
- 2013: Premio de Pintura Latinoamericana Arcos Dorados, Arteba, 1er Premio Adquisición.
- 2013: Premio Braque, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero.
- 2013: Bienal MBA/MAC Bahía Blanca, 1er Premio Adquisición.
- 2013: Premio Adquisición Igualdad Cultural Argentina.
- 2012: XV Premio KLEMM, 2do Premio, Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires.
- 2012: Salón Nacional de Rosario, Museo Castagnino.
- 2012: Beca Nacional del Fondo Nacional de las Artes, Argentina.
- 2011: Beca de movilidad a México de la Secretaria de Cultura de Argentina.
- 2011: XV Premio KLEMM, Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires.
- 2010/09: Beca de estudios en El Centro de Investigaciones Artísticas, Bs As.
- 2009: Auction 09 – Selection, MOLAA Awards, Museam of Latin American Art, Miami.
- 2008: Salón Nacional de Rosario, Museo Castagnino.
- 2007: Subsidio Línea Creadores – Fondo Metropolitano de las Artes -Gobierno de la Ciudad
- 2007: Laboratorio de Artes Visuales del Ctro Cultural Rojas.
- 2007: Salón Nacional de Instalaciones – Selección, Palias de Glace.
- 2006: Concurso Proyecto A – Selección.
- 2004: CURRÍCULUM CERO – 1° Premio, Galería Ruth Benzacar.
Solo Exhibitions
- 2013: “Paris”, Museo La Ene de Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Popurrí”, Saffron Gallery, NY, USA.
- 2012: “Playroom”, Galería Daniel Abate.
- 2011: “Mis fantasías en el Changarrito”, Antiguo Colegio San Idelfonso, Mexico DF, Mexico.
- 2011: “Fabricando objetos de deseo”, taller e intervención, Casa Vecina, Mexico DF, Mexico.
- 2011: “Centros de mesa”, Perfecta Couture, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Pre- Construction Preview”, Boulogne Sur Mer Studio Art Building, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Desborde”, Centro Cultural de España en Bs As, Argentina.
- 2005: “Sin título”, Nuevo Espacio, Galería Ruth Benzacar, Bs As, Argentina.
- 2004: “Fotonovelas”, Festival de la Luz– fotografías en La Casona de los Olivera, Bs As, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Herstory Inventory”, Oakville Galleries, Toronto, Canada.
- 2013: “PintorAs”, Magda Bellotti Gallery, Madrid, Spain.
- 2013: Solo Projects, ArtRío, Brazil.
- 2012: “L.E.A.”, Faena Arts Center, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Ultimas tendencias II”, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “PintorAs”, La Maison de l’Argentine, París, France.
- 2012: “Function Follows Form”, curator Aldo Chaparro Winder, Mexico DF, Mexico.
- 2012: “Herstory Inventory”, Ulrike Müller, Kunsthaus Bregenz Austria, and Brooklyn Museum NY, USA.
- 2011: “Un Museo Chévere”, Museo La Ene en Encuentro Internacional (Cheverista) Medellin, MDE11, Colombia.
- 2010: “The constructive élan”, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
Publications
- Big sur, número 2.
- Prosa plebeya, Ediciones Excursiones.
- Un Museo Chévere, de Museo La Ene.
- Crudo ediciones, de Martin Legón.
- 2obras N7 3ª año , de Verónica Romano.
- Convi.com.ar -videolinks-, de Mónica Heller.
- Revistas Ramona 60 Especial Poéticas Contemporáneas (II) y Ramona 101.
Collections
- Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- MAC Bahia Blanca, Argentina.
- Fundación Federico Klemm, Buenos Aires, Argentina.
- Adriana Minoliti, “Figuras sobre selva”, 2012, Oli and acrylic on canvas, 2.50 x 10 m. Photo credit: Ximena Martinez
- Adriana Minoliti, “Centerpiece”, 2012, Mannequin head, white glue, sand and paint on wood, 70 x 120 x 70 cm. Photo credit: Ximena Martinez
- Adriana Minoliti, “Playroom”, 2012, Installation with curtains, flooring and impressions, Variable dimensions. Photo credit: Ximena Martinez
- Adriana Minoliti, “SET -for a geometric postporn movie-“, 2012, Installation with “Selva” acrylic on canvas, “Cama”, PVA glue, sand and paint on wood, and “QUEER DECO”, color print on canvas, 3 x 4 x 3 m.
- Adriana Minoliti, “Naranaja”, 2011, Series: Queer Deco, Print on canvas, Variable dimensions.
- Adriana Minoliti, “Celeste”, 2011, Series: Queer Deco, Print on canvas, Variable dimensions
- Adriana Minoliti, “Hard”, 2011, Series: Playboy, B&W print, Variable dimensions
- Adriana Minoliti, “Abstract Porn”, 2011, video 2:20 min
- Adriana Minoliti, 2012, Series: Fantasías, Acrylic and ink on paper, 35 x 25 cm
- Adriana Minoliti, 2012, Series: Dibujos, Acrylic and ink on paper, 35 x 25 cm
- Adriana Minoliti, 2012, Series: Dibujos, Acrylic and ink on paper, 35 x 25 cm
- Adriana Minoliti, “XOXO”, 2013, Series: Paris, Print
- Adriana Minoliti, “Tarot -abstracción de catálogos de lencería “Frederick’s of Hollywood”-“, 2013, Projection, 9 color slides, variable dimensions
- Adriana Minoliti, “Queer Abstraction”, 2013, Series: Periodo Rosa, Acrylic on canvas, 50 x 40 cm
- Adriana Minoliti, “Soft”, 2012, Serigraphy on sheets, Variable dimensions
Selected Biographical Information
Prizes / Fellowships
- 2004: “Artist’s Choice Award”, Artbots, Saints Michael and John’s Church, Dublin, Ireland.
- 2005: “Premio Armando Reverón”, 61 Salón Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Valencia, Venezuela.
Solo Exhibitions
- 2015: “Geometric choreographies”, Das Kleine Museum, Weissenstadt, Germany.
- 2014: “Elias Crespin”, Galerie Denise René, Paris, France.
- 2014: “Elias Crespin”, Temps suspendu, Galerie de la Marine, Nice, France.
- 2012: “Et Op! Elias Crespin”, Musée en Herbe, Paris, France.
- 2012: “Elias Crespin. Parallels”, Cecilia de Torres Ltd., New York, NY, USA.
- 2011: “Visionary Collection Vol. 14. Elias Crespin Electrokinetics”, Haus Konstruktiv, Zurich, Switzerland.
- 2010: “Hiperficies”, Ars Longa, Paris, France.
- 2006: “Electrocinéticas”, Canal Centro de Producción Cultural, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2015: “Selección = Relación”, Espacio Monitor, Caracas, Venezuela.
- 2015: “Mapping Festival”, Geneva, Switzerland.
- 2014: “Busan Biennale”, Busan, South Korea.
- 2014: “Structures de l’invisible”, Galerija Klovicevi dvori, Zagreb, Croatia / Foundation Vasarely, Aix-en-Provence, France.
- 2013: “Turbulences II”, Villa Empain – Fondation Boghossian, Brussels, Belgium.
- 2013: “Intersecting Modernities. Latin American Art from the Brillembourg Capriles Collection”, MFAH, Houston, TX, USA.
- 2013: “Dynamo”, Grand Palais, Paris, France.
- 2013: “Des gestes de la pensée”, La Verrière Fondation d’entreprise Hermès, Brussels, Belgium.
- 2012: “Turbulences“, Espace culturel Louis Vuitton, Paris, France.
- 2012: “Hommage à Denise René”, Galerie Denise René, Paris, France.
- 2011: “Cosmopolitan Routes”, MFAH, Houston, TX, USA.
- 2009: “North Looks South”, MFAH, Houston, TX, USA.
- 2006: “Life Forms”, Kinetica Museum, London, UK.
- 2004: “Ingravidez”, Ateneo de Cabudare, Cabudare, Venezuela.
- 2004: “Mutaciones en el espacio”, Museo del Estado Miranda, Los Teques, Venezuela.
Publications
- Elias Crespin. Parallels, Cecilia de Torres Ltd., New York, NY, USA, 2012.
- Elias Crespin. Hiperficies, Ars Longa, Paris, Francia, 2010.
- Virginie Chuimer-Layen, “Elias Crespin et la poésie de la cinétique”, in La Gazette de Drouot, 6, Febrero 15, 2013.
- Amélie Adamo, “Elias Crespin. Sculpteur d’algorithme”, in Art Absolument, 49, Septiembre-Octubre 2012.
- Victoria Verlichak, “Geometric Choreographies”, in Art Nexus, 78, 2012.
Collections
- Colleción Ella Fontanals – Cisneros, Miami, FL, USA.
- El Museo del Barrio, New York, NY, USA.
- Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- The Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA.
Links
- Elías Crespín, “Malla Electrocinética i”, 2012, Stainless steel, leads, nylon, motors, computer, electronic interface, 50 x 50 cm. Private Collection, Paris. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “10 Cuadrosi”, 2007. Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, FL. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Tetralineados Circular Azul”, 2009, Plexigalss, nylon, motors, computer, electronic interface, 20 x 80 x 80 cm. Private Collection, Houston TX, USA. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Tetralineados Rojo”, 2009, Plexigalss, nylon, motors, computer, electronic interface, 20 x 20 x 155 cm. Private Collection, Buenos Aires, Argentina. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Angulados Beta”, 2009, Stainless steel, nylon, motors, computer, electronic interface, 100 x 42 cm. Private Collection. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Hiperficie”, 2010, Steel, bronze, nylon, motors, computer, electronic interface, 210 x 195 cm. The Brillembourg Capriles Collection of Latin American Art, Miami, FL, USA. Image courtesy of the artist and Museum Haus Konstruktiv, Zurich
- Elías Crespín, “TriNet”, 2011, Stainless steel, nylon, motors, computer, electronic interface, 100 x 42 cm. Private Collection. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Cubo Electrocinético”, 2011, Aluminum, leads, nylon, motors, computer, electronic interface, 50 x 50 x 50 cm. Private Collection, Paris, France. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “4Net”, 2011, Steel, brass, nylon, motors, computer, electronic interface, 247 x 247 cm. Private Collection. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Circuconcéntricos Inoxidable”, 2012, Stainless steel, nylon, motors, computer, electronic interface, Diameter 100 cm. Private Collection. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Plano Flexionante 2”, 2012, Stainless steel, nylon, motors, computer, electronic interface, 592 x 24 cm. Private Collection, Hong Kong. Image courtesy of the artist and Cecilia de Torres Ltd., New York.
- Elías Crespín, “Plano Flexionante Circular”, 2012, Stainless steel, aluminum, brass, nylon, motors, computer, electronic interface, Diameter 300 cm. Private Collection. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Circuconcéntricos Transparente”, 2013, Plexiglass, nylon, motors, computer, electronic interface, Diameter 100 cm. Private Collection. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “16 cubos”, 2013, Stainless steel, nickel, nylon, motors, computer, electronic interface, 50 x 50 x 10 cm. Private Collection. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
- Elías Crespín, “Plano Flexionante Circular Rojo”, 2013, Plexiglass, nylon, motors, computer, electronic interface, Diameter 100 cm. Private Collection, Paris, France. Photo credit: Pascal Maillard. Image courtesy of the artist.
*This artist statement has been generated by a computer.
Emilio Chapela lives and works both in Mexico City and the Forgotten Realms of the Earth. He works with the latest technology from Japan and China. His artistic practice is concerned with the development of a system that allows the operator to control various processes such as those used for conventional and unconventional methods to determine the relative importance of individualized factors. He also investigates the effect of increasing importance of the different methods used to identify the specific factors involved in the production and dissemination of a particular type of information. In such a way, he has worked with several different methods to determine how the various systems respond to the needs identified through their own resources. He has participated in shows both at galleries, museums and other cultural institutions, at places like the U.S. Geological Society of America and at the Museum of Modern Art in New York. He was awarded with the prestigiou award for gallantry in the field of public procurement and disposal. In 2010, he published his first book on the history of the world. In the near future, he will be showing his work at the National Institute of Technology and Information Ethics in Washington DC.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Lic. en Comunicaciones. Universidad Iberoamericana, Mexico City, Mexico.
- Diploma en Fotografía y Medios Alternativos. Centro de la Imagen, Mexico City, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2003: Jovenes Creadores, FONCA.
- 2007: Residencias en el Extranjero, FONCA/ISCP NYC.
- 2008: Fomento y Coinversiones Culturales, FONCA.
- 2010: Premio Tequila Centenario al Artista Emergente, ZONA MACO.
- 2013: Fondo para Publicaciones, Fundación/Colección Jumex.
- 2013: Jovenes Creadores, FONCA.
Solo Exhibitions
- 2013: “Requiem“, Sala de Arte Público Siqueiros, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Ein Ungerhueurliches Beispiel von Sozialismus”, V.F.K.U. Rosa-Luxemburg-Platz, Berlin, Germany.
- 2012: “La Guerra de las Termitas”, Galería 11×7, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “A measure for some things“, Henrique Faria Fine Art, NYC, USA.
- 2011: “Ask Google”, Saw Gallery, Ottawa, Canada.
- 2010: “Made in Italy”, Galleria Galica, Milan, Italy.
Group Exhibitions
- 2013: “Obra Colección”, Foto Colectania, Barcelona, Spain. Curated by Joan Fontcuberta.
- 2013: “Formas y Pasajes”, Centro de las Artes, Monterrey, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Tiempo de Sospecha”, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2012: “The Black Market of Translation”, NGBK and Kunstraum Kreuzberg, Berlin, Germnay.
- 2011: “Social Media”, Pace Gallery NY, USA.
- 2011: “Patria o Libertad”, MOCA Toronto, Canada.
Publications
- Miscomunication: Baragouins, Giberish and Googledygook. 2008. Catálogo de Expoisición. Die Kurt Gödel Bibliothek. 2014. Ed. Sicomoro.
Collections
Links
- Emilio Chapela, “Imbalance”, 2011, Formica (HPL) and plywood, 48 x 17 x 17 in. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “512 Drinks”, 2008, Series: 3+2AP, C-prints and aluminum frames, 700 x 201 cm. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Taco Bell”, 2011, Series: Unique, Acrylic on canvas, 200 x 100 cm. Sayago & Pardon Collection. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Illy-Lavazza”, 2010, Series: Unique, Acrylic on canvas, 220 x 200 cm. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Oli di Oliva”, 2010, Series: 3+2AP, C-prints and aluminum frames, 100 x 150 cm. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Tea Party, Democrats, Republicans”, 2011, Series: Unique, Paint and MDF, Variable dimensions. Location: NYC / Artist Pension Trust. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Narco”, 2011, Series: Unique, Formica and MDF, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Religión, Ciencia”, 2011, Series: Unique, Plywood and MDF, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Finnegan’s Wake”, 2012, Series: 1+AP, Inkjet print, 60 x 120 cm. Sayago & Pardon Collection. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Pepsi (history)”, 2012, Series: Unique, Acrylic on MDF, 270 x 25 cm. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Wal-Mart”, 2012, Series: Unique, Acrylic paint and MDF, 120 x 25 cm. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Natural Numbers 1”, 2009, Series: Unique, Paper, 10 letter sized frames. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Democrazia, Democracia, Democracy, Démocratie, Demokratie”, 2010, Series: Unique, Acrylic pain on canvas, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Emilio Chapela, “Peso, dollar, euro, pound”, 2010, Series: Unique, Acrylic paint on canvas, Variable dimensions. Location: Berlin (Artist Pension Trust). Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
My work consists in propose to people a way of thinking that with plans or without them could unveil doubts or solutions. I would like to open a discourse where we could discuss themes that could help us solve our lives as a community. Basically, my work consists of questions and perspectives about the world with projections to the future, where armed conflicts are kids’ toys, for children that have faith in living and not in hating (to live without hate). Without forgetting to judge the ones who have brought us to these poverty conditions and misinformation. I do not consider myself conceptual or minimalist, but utilitarian of these mediums, as a precise way of approaching concrete subjects without much paraphernalia.
Mi trabajo consiste en proponer a las personas una forma de pensamiento que, con planes o sin ellos, descubran dudas o soluciones. Me gustaría poder entablar un discurso donde podamos discutir temas que nos ayuden a solucionar nuestras vidas en comunidad. Básicamente mi trabajo radica en interrogantes y perspectivas de un mundo con proyecciones al futuro donde los conflictos armados sean de juguete sin para niños que tengan fe en vivir y no en odiar (vivir sin odio). Pero sin olvidar juzgar a los que nos han llevado a estos estados de pobreza y mala información. No me considero conceptual ni minimalista, sino utilitario estos medios como forma precisa de abarcar temas más concretos sin tanta parafernalia.
Selected Biographical Information
Prizes / Fellowships
- 2001: Golden Lion for best young artist, 49th Venice Biennal, Venice, Italy.
- 1996: First Prize “Glifo de oro” X Bienal de Arte Paiz. Category: Invited artists. Guatemala 1994.
- 1996: First Prize “Glifo de oro” IX Bienal de Arte Paiz. Guatemala.
- 1996: First Prize “Mención de honor” IX Bienal de Arte Paiz, Category: General. Guatemala.
Solo Exhibitions
- 2004:”Anibal López – A-1 53167″, Fondazione Adriano Olivetti, Rome and Associazione Prometeo per l’Arte Contemporanea, Lucca, Italy.
Group Exhibitions
- 2011: “Economía informal”, (Ex)Céntrico – Centro Cultural de España en Guatemala, Guatemala City, Guatemala.
- 2007: “Cátedra arte de la Conducta”, La Habana, Cuba.
- 2006: “Colectiva”, prometeogallery di Ida Pisani, Milan, Italy.
- 2006: “Drawings on paper”, Carlos Woods Gallery, Guatemala City, Guatemala.
- 2006: “The Power of Economy”, Festival dell’economia, Galleria Civica di Arte Contemporanea, Trento, Italy.
- 2006: “Frontera corozal. Un chol fotografando a un lacandon”, Chiapas, Mexico.
- 2005: “Gratis”, Sol del Rio Arte Contemporaneo, Guatemala City, Guatemala.
Publications
- UNIVERSES IN UNIVERSE. Entrevista con Pat Binder & Gerhard Haupt, durante la 49na. Biennale di Venezia.
- Viviane Lorea, Catalogo: Mesoamerica, Osilaciones y Artificios.Centro Atlantico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria Pags.: 32, 33, 127, 129,
- Catalogo: Last Minute, Verso la Fine Dell’eternita A cura di Lara facco e Lino Baldini, 12 di Maggio – 16 giugno 2002 Organizzazione a Cura delle Gallerie
- Pianisimo (Milano) e Placentia Arte (Piacenza) Pag.: 42.
- Rocina Cazali, Catalogo di la 49 Biennale di Venezia, Italia
- Javir Fuuentes Feo Revista magna Terra
- Ariel Riwo, Revista Magna Terra
- A-1 53167 Aníbal López, “Contaminación visual”, 2013, Installation, pencil on wall. Location: 9-99 Project, Guatemala
- A-1 53167 Aníbal López, “Línea”, 2013, Ink on paper.
- A-1 53167 Aníbal López, “El proceso, Córdoba, Argentina. Fabricación de una caja de concreto en cuyo interior se colocaron fotografías de personas desaparecidas, posteriormente se destruyó.”, 2011
- A-1 53167 Aníbal López, “El proceso, Córdoba, Argentina. Fabricación de una caja de concreto en cuyo interior se colocaron fotografías de personas desaparecidas, posteriormente se destruyó.”, 2011
- A-1 53167 Aníbal López, “9mm”, 2009, Marble sculpture intervened with 9mm bullets
- A-1 53167 Aníbal López, “Escultura pasada de contrabando de Paraguay a Brasil”, 2007, 500 boxes illegally transported from Paraguay to Brazil
- A-1 53167 Aníbal López, “Dibujos sobre papel”, 2006, Site specific project. Location: Galería Carlos Woods
- A-1 53167 Aníbal López, “Dibujos sobre papel”, 2006, Site specific project. Location: Galería Carlos Woods
- A-1 53167 Aníbal López, “Arma de defensa personal”, 2005, Performance, peddler was asked to sell river stones. Location: Guatemala City.
- A-1 53167 Aníbal López, “Arma de defensa personal”, 2005, Performance, peddler was asked to sell river stones. Location: Guatemala City.
- A-1 53167 Aníbal López, “Listón de Plástico Negro de 120 m de largo x 4 m de ancho colgado sobre el Puente del Incienso”, 2002, Black plastic strip, 120 m long x 4 m.
- A-1 53167 Aníbal López, “30 de Junio. Guatemala, Guatemala.Diez sacos de carbon esparcidos sore la sexta avenida, una de las calles principals de la ciudad de Guatemala, sobre la que desfila (por última vez) el ejército de Guatemala. Durante el genocidio efectuado contra aldeas y campesinos indígenas, sus restos fueron quemados y enterrados en fossa communes. A dicha operación se le llamó “tierra arrasada”. Hasta hoy existen dichos depósitos de carbon.”, 2000, Ten bags of charcoal scattered on Sixth Avenue, one of the main streets of Guatemala City, on this street the Guatemalan army realized a parade (for the last time). This action recalls the genocide against villages and indigenous peasants, who were burned and buried in mass graves. This operation was called “scorched earth”. To this day these carbon deposits still exist.
- A-1 53167 Aníbal López, “30 de Junio. Guatemala, Guatemala.Diez sacos de carbon esparcidos sore la sexta avenida, una de las calles principals de la ciudad de Guatemala, sobre la que desfila (por última vez) el ejército de Guatemala. Durante el genocidio efectuado contra aldeas y campesinos indígenas, sus restos fueron quemados y enterrados en fossa communes. A dicha operación se le llamó “tierra arrasada”. Hasta hoy existen dichos depósitos de carbon.”, 2000, Ten bags of charcoal scattered on Sixth Avenue, one of the main streets of Guatemala City, on this street the Guatemalan army realized a parade (for the last time). This action recalls the genocide against villages and indigenous peasants, who were burned and buried in mass graves. This operation was called “scorched earth”. To this day these carbon deposits still exist.
- A-1 53167 Aníbal López, “Mancha de 55,000 puntos”, 2002, Intervention on newspaper Siglo XXI, Guatemala
- A-1 53167 Aníbal López, “Punto en movimiento”, 2002, Intervention on urban space, Guatemala
- A-1 53167 Aníbal López, “La Distancia entre dos puntos”, 2002, Sol Del Río Arte Contemporáneo, Guatemala
Translated from Spanish
The expressive possibilities and the contact with material that oil painting give me, are essential in the construction of my geometric paintings. I can even subordinate some of my ideas to the impulses of the material, as if it had a conscience parallel to my state of will. In this delicate balance, straight lines, angles, spirals, curves, accumulations of dots, and wavelengths appear on the surface of the canvas. Many of these elements of composition that I transfer from the field of scientific representation to the field of art, help me define my interest on some concepts: truth/false, my relationship with Op Art, the movement of the gaze and perception, among others. As an example, Líneas paralelas (parallel lines) is one of the works that questions reality or at least it questions it as a convention. A painting of straight lines that because of tonality, contrast, and arrangement of the squares, they look curved. Can we say they are not? Empirically, they are not, but they are to our perception, and in this case, this is what prevails. Isn’t “truth” what we see? Does accuracy matter in art? I think, for example, in Albers and his theory of color. In the same way, the works from the series Velocidad (speed) are fragments of the light spectrum, which I multiply forward, backwards, up and down. In this way, we see some of the colors that are the same, differently. Geometry interests me in this sense too.
Back when I began to draw still lives as an academy student, the teachers told me not to draw figures but the spaces between them. In a way, this originated in me the seed of geometric abstraction. I would say I still have a fascination for the process of abstracting the invisible from the visible. Years later, contemporary geometric art means to me the same as always: the supremacy of the forms and the invisible spaces over naturalism. We give noise or silence to a form through composition, and it is from that place where we are committing our position or view of the world. In this sense, I like to understand art in the words of these two Argentinean poets, Olga Orozco: “Art is a reflection of the invisible;” and Léonidas Lamborghini: “Poetry is not the music of the soul but the silence of intelligence.” It is as if art and poetry would appear when there is nothing else to say. In this sense, subtraction also operates in my paintings as a tool that I use to define concepts.
In the works of the exhibition El amor probablemente, 2005, I used some names and icons of art (Jesús Soto, Morandi, and Bridget Riley, among others) as a possibility for a historical “dialogue”, but this dialogue, due to the density and imprint of the artists, could not be made through derivation, continuity or contribution without misinterpretation. In a way, I had to destroy those works to make reverence afterwards. In the historical evolution, “conversations” amongst contemporary artists of from different eras, were often of consolidation or continuity of their postulates. But when Soto saw Mondrian, he asked himself how to continue with painting from there, how to follow from the place Mondrian had left of, and when he remembered the light with silver white in the water reflections from the paintings by Reverón, he saw the possibility of incorporating movement to his paintings and developing the idea of a more optical art. What is relevant to me from this historical moment is the need of the artist of relating to his/her equals. En el amor… (in love…) I tried to make a work from the author’s self-consciousness, a sort of painting inside a painting. It was a hinge in my work, in the sense that I added to my formal relationship with science the concept of painting as a legacy, or as a more intense dialogue with previous movements, and especially with some artists. Subtraction then functioned more indispensably to continue these close relationships.
I remember a work by Soto that inspired such love from me to it that I had to become physically involved. It was a background with lines in black and white and in the front had black metal wires hanging. When one moved, the background also produced movement. Soto said that to give movement to a work he didn’t need a motor. I partially reproduced this work but omitted the wire and substituted the black lines from the background for blue and then ochre. In this way, and due to the ability of oil to keep the “breathing” of the color underneath, that a simple effect of movement was increased substantially. Even without Soto’s wires, the work did not stop its motion, meaning that I understood that they were not necessary for the purpose of going beyond the plane. This work, just as more recent ones, are which give me the guidelines and desire to work more intensively within geometry.
Las posibilidades expresivas y el contacto con la materia que me proporciona la pintura al óleo son móviles esenciales en la construcción de mis cuadros geométricos. Puedo incluso subordinar algunas de mis ideas a los caprichos de la materia, como si ésta tuviera una conciencia paralela a mi estado de voluntad. En este delgado equilibrio van apareciendo o desplazándose sobre la superficie de la tela: formas rectas, ángulos, espirales, vértices, acumulaciones de puntos, longitudes de onda. Muchos de ellos elementos de composición que mudo del campo de las representaciones científicas al de las artes y que me sirven para delinear mi interés sobre algunos conceptos: verdad/falsedad, mi relación con el Op art, desplazamiento de la mirada y de la percepción, entre otros. A modo de ejemplo, Líneas paralelas es uno de los cuadros que pone en duda la verdad o al menos la cuestiona como convención. Un cuadro de líneas rectas que por un tema de valor de los tonos, contraste y desplazamiento de los cuadrados, se ven curvas. ¿Acaso podemos decir que no lo son?, empíricamente no, pero para nuestra percepción sí, y en tal caso, aquí eso es lo que prima. ¿No es acaso “verdad” lo que vemos?; ¿importa la comprobación en el arte? Pienso en Albers y su teoría de color por ejemplo. Del mismo modo, los cuadros de la serie Velocidad son fragmentos del espectro lumínico que multiplico hacia adelante, hacia atrás, para arriba y para abajo; de esta manera algunos colores que son iguales los vemos diferentes. La geometría me interesa en ese sentido también.
Cuando de estudiante en la academia comencé a dibujar naturalezas muertas, los profesores me decían que dibujara no las figuras sino los espacios entre ellas, de alguna manera esto creó en mí el germen de la abstracción geométrica. Diría que me quedó cierta fascinación por el proceso de abstraer lo invisible de lo visible. Años después, el arte geométrico contemporáneo significa para mí lo mismo que siempre: la supremacía de las formas y los espacios invisibles por sobre el naturalismo. El ruido o silencio de una forma lo damos en la composición y ahí es que estamos comprometiendo nuestra posición o mirada frente al mundo. En este sentido me gusta entender el arte en las frases de estos dos poetas argentinos; Olga Orozco: “El arte es el reflejo de lo invisible” y Leónidas Lamborghini: “La poesía no es la música del alma sino el silencio de la inteligencia”. Es como si el arte y la poesía aparecieran cuando ya no hay nada más para decir. En este sentido la sustracción también opera en mis pinturas como una herramienta que utilizo para la definición de conceptos.
En los cuadros de la muestra El amor probablemente, 2005, utilicé algunos nombres e iconos del arte (Jesús Soto, Morandi, Bridget Riley, entre otros) como posibilidad hacia alguna forma de “diálogo” histórico, pero este diálogo, por la espesura y huella de estos artistas, no podía darlo a partir de una derivación, continuidad o aporte hacia ellos sin antes violentarlos. De alguna manera debía destruir esos cuadros para poder reverenciarme luego. En el devenir histórico las “conversaciones” entre artistas contemporáneos o de diferentes épocas solían ser muchas veces de profundización o continuidad de sus postulados. Pero cuando Soto observó a Mondrian se preguntó cómo seguir con la pintura a partir de ahí, cómo seguir desde el punto que Mondrian la había dejado, y recordando los golpes de luz con blanco de plata en los reflejos del agua de las pinturas de Reverón, vio como posibilidad el incorporar movimiento a sus pinturas e ir desarrollando la idea hasta la aparición de un arte más óptico. Lo importante para mí en este episodio histórico, es la necesidad del artista en relacionarse con sus pares. “En el amor…” intenté hacer un trabajo más desde la autoconciencia del pintor, una suerte de pintura dentro de la pintura. Fue una bisagra para mis trabajos en el sentido que sumé a mi relación formal con la ciencia el concepto de pintura como un legado, o en tal caso como un diálogo más intenso con los movimientos anteriores y en particular con algunos artistas. La sustracción entonces, operó aquí de una manera indispensable para continuar esas estrechas relaciones.
Recuerdo una obra de Soto que despertó tal amor de mí hacia ella que debí involucrarme físicamente. Era un fondo de rayas en blanco y negro y delante colgaban unas varillas negras de metal. Al moverse uno, en el fondo también se producía movimiento. Soto decía que para poner en movimiento la obra no necesitaba ningún motor. Reproduje parcialmente esa obra pero le suprimí las varillas y sustituí el negro de las líneas del fondo, primero con azul y luego una última mano de ocre; de esa manera y por esa capacidad que tiene el óleo de mantener la “respiración” del color de abajo, un simple efecto de movimiento fue potenciado sustancialmente. Aún sin las varillas de Soto, el cuadro no detenía su movimiento, es decir que advertí que no era necesario para lograr ese fin, ir más allá del plano. Este trabajo como otros más actuales en mi producción son los que me van dando las pautas y el deseo de trabajar con intensidad dentro de la geometría.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1993-91: Beca de la Fundación Antorchas, coordinada por Guillermo Kuitca, Buenos Aires, Argentina.
- 1988-87: Taller de Ahuva Szlimowicz, Buenos Aires, Argentina.
- 1987-85: Taller de Felipe Noé, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 1993-91: Beca de la Fundación Antorchas, coordinada por Guillermo Kuitca. Buenos Aires, Argentina.
- 2002: Segundo premio, Premio Aerolíneas Argentinas a las Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina.
- 1996: Subsidio Anual a la Creación, Fundación Antorchas, Buenos Aires, Argentina.
- 1991: Mención de Honor, Premio Nuevo Mundo para jóvenes artistas, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 1987: Mención especial, Premio Quinquela Martín, Museo Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2013: “Comiéndose a Raúl“, Galería Vasari, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Abstracta”, Galería Dabbah Torrejón, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Conferencia de Prensa“, Galería Alejandra Von Hartz, Miami, USA.
- 2007: “Fabián Burgos”, Galería de Arte 5006, Hotel Design Suites, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: “El amor probablemente”, Galería Dabbah Torrejon, Buenos Aires, Argentina.
- 2003: “MC5 Misceláneas”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2003: “MC5 Misceláneas”, Teatro Auditorium, Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina.
- 2000: “Fabián Burgos”, Annina Nosei Gallery, Nueva York, USA.
- 2000: “Ilusión de ver”, Galería Dabbah Torrejon, Buenos Aires, Argentina.
- 1997: “Works on canvas”, Annina Nosei Gallery, Nueva York, USA.
- 1994: Centro Cultural Ricardo Rojas, Buenos Aires, Argentina.
- 1993: ICI, Instituto de Cooperación Iberoamericana, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2011: Espacio Arte American Express, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Recovering Beauty: The 1990s in Buenos Aires”, Blanton Museum of Art, Houston, Texas, USA.
- 2011: “Punto Línea Curva”, Curator Philippe Cyroulnik, Galería del Infinito, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: Subasta 2011, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: Art First, Colección MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Fundación Pablo Atchugarry, Manantiales, Punta del Este, Uruguay.
- 2011: “4 Museos + 40 Obras. Muestra Itinerante de Colección MACBA”, Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén, Argentina, Museo Emilio Caraffa, Córdoba, Argentina, Centro Cultural del Bicentenario de Santiago del Estero, Argentina, Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano de La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “30 Años”, Subasta, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Arte en el Plata”, Intervención artística sobre la fachada del Edificio del Plata, Buenos Aires, Argentina. Curators: Inés Katztenstein y Eva Grinstein.
- 2009: “El color en toda su diversidad”, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina, Curator: Philippe Cyroulnik.
- 2009: “Geometrías dislocadas”, Burgos, Door, Siquier, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2009: “All Boys”, en el Rosa x 6, in charged: Rocío Paladini, Santa Fe, Argentina.
- 2009: “Escuelismo. Arte argentino de los 90”, MALBA Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- 2011: Pintura Latinoamericana Contemporánea. Edward Shaw. Santiago de Chile. Chile.
- 2011: Catálogo 4 Museos + 40 Obras. Colección MACBA. Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires. Argentina.
- 2011: Catálogo Recovering Beauty: The 1990s in Buenos Aires .Published by The Blanton Museum of Art at the University of Texas at Austin. Houston.Texas. USA.
- 2010: Arte Cinético y neocinetismo. Hitos y nuevas manifestaciones en el siglo XXI. Elena Oliveras. Emecé Arte
- 2009: Como el amor. Valeria González y Máximo Jacoby. Libros del Rojas. Universidad de Buenos Aires. Buenos Aires. Argentina.
- 2006: Revista Inrockuptibles, Buenos Aires, Argentina / Rial Ungaro, Santiago, Radar, diario Página 12, Buenos Aires, Argentina / López Anaya, Jorge, diario La Nación, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: Curadores. Entrevistas. Gumier Maier. Libros del Rojas. Universidad de Buenos Aires. Buenos Aires. Argentina.
- 2003: Rial Ungaro, Santiago, “El Coleccionista” Radar, diario Página 12, 6 de julio de 2003. Buenos Aires, Argentina / Bouts, Fernando, “Fabián Burgos y sus recortes”, revista Ricardito. Agosto de 2003, Buenos Aires, Argentina.
- 2001: Pintura Argentina. Final del siglo XX (II). Ediciones Banco Velox. Buenos Aires. Argentina.
- 2000: De Ambrosini, Silvia, “Broche ciencia-arte”, revista Artinf, Nro. 110, 2000, Buenos Aires, Argentina / López Anaya, Jorge, “Versiones del mismo mundo”, diario La Nación, 15 de octubre de 2000, buenos Aires, Argentina / Grinstein, Eva, “La realidad, una ilusión que se percibe con los cinco sentidos”, diario El Cronista Comercial, 27 de septiembre de 2000, Buenos Aires, Argentina / Diéguez Videla, Albino, “ El valor y el “precio” del arte”, diario La Prensa, 24 de septiembre de 2000, Buenos Aires, Argentina / Kuropatwa, Alejandro, “Al agua patawa”; Bruzzone, Gustavo.
- 2000: “Exaltando la óptica”; Baccetti, R, “Otra Galería otra!”; Moyal, M, “Cuadros de adictiva vibración”, revista Ramona, Octubre de 2000, Buenos Aires, Argentina.
- 1999: “Artistas argentinos de los `90” (Fondo nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina, 1999). Págs. 100,101,219-224 y 225.
- 1998: Grinstein, Eva, “ArteBA, cambios y persistencias”, diario El Cronista Comercial, 20 de mayo de 1998, Buenos Aires, Argentina.
- 1996: Katzenstein, Inés, “Ballesteros, Burgos y Kacero: la plástica y la ciencia en contacto”, diario El Cronista Comercial, 31 de julio de 1996, Buenos Aires, Argentina / Lebenglik, Fabián, “Consecuencias insospechadas” diario Página 12, 30 de julio de 1996, Buenos Aires, Argentina.
- 1995: Tager, Alisa, “Report from Buenos Aires: Argentine Artifice” revista Art in America, septiembre 1995. Miami, USA.
- 1992: Dibar, Juan Carlos, “Dos muestras de artistas argentinos”, diario El Cronista Comercial, 21 de junio de 1992, Buenos Aires, Argentina / Oliveras, Elena, “Pluralismo”, diario Clarín, 10 de octubre de 1992, Buenos Aires, Argentina.
- Fabián Burgos, “Velocidad marrón”, 2005, Oil on canvas, 170 x 230 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Velocidad en círculo”, 2010, Oil on canvas, 130 x 0 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Rotación sobre Max Bill”, 2005, Oil on canvas, 185 x 185 cm. Image courtesy of the artist
- Fabián Burgos, “Sin fin”, 2013, Oil on canvas, 120 x 2015 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Giro y círculos sobre rojo”, 2009, Oil on canvas, 146 x 159 cm. Image courtesy off the artist.
- Fabián Burgos, “Borroso (línea central)”, 2010, Oil on canvas, 96 x 121 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Velocidad con círculos”, 2010, Oil on canvas, 170 x 200 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Líneas paralelas roja”, 2010, Oil on canvas, 150 x 150 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Desplazamiento (políptico 2)”, 2008, Oil on canvas, 30 x 180 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Líneas paralelas (mural – imagen parcial)”, 2007, Acrylic on wall, 2,5 x 8 mts, Site specific Project. Location: Montbeliard (Francia). Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Líneas paralelas (mural- imagen completa)”, 2007, Acrylic on wall, 2,5 x 16 mts, Ste specific Project. Location: Montbeliard (Francia). Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Espiral amarillo”, 2010, Oil on canvas, 118 x 150 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Espiral azul”, 2010, Oil on canvas, 190 x 240 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Sin fin Nº 2”, 2010, Oil on canvas, 190 x 243 cm. Image courtesy of the artist.
- Fabián Burgos, “Kramnik us Portich (1983)”, 2010, Series: Tableros, Oil on canvas, 144 x 149 cm. Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Painting to me exists as an extension beyond the space-time limits where I put to test anti-epistemological values that aim to question some essentialist posture of the symbolic domain. They are sets, or sometimes equations that arise from a deliberate economy of resources and studies that explore the consequences of modernity in the representation of identitarian images (for example Casta paintings from the 19th century), or the conceptual limits of the history of modernity itself.
Para mi existe la pintura como una extensión más de los límites espacio-temporales donde pongo a prueba valores contra-epistemológicos que buscan cuestionar algunas posturas esencialistas del dominio simbólico. Son escalas, a veces ecuaciones que surgen de una deliberada economía de recursos y estudios que exploran las consecuencias de la modernidad en la representación de imágenes identitarias, (como por ejemplo la pintura de castas del siglo XIX) o bien, los límites conceptuales de la historia misma de la modernidad.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2010: Universidad Nacional Autónoma de Honduras, 5 años, Licenciado en Sociología, Tegucigalpa, Honduras.
- 1995: Escuela Nacional de Bellas Artes, 5 años, Maestro en Artes Plásticas, Tegucigalpa, Honduras.
Prizes / Fellowships
- 1995: Primer premio Bienal de Escultura y Cerámica, IHCI, Tegucigalpa, Honduras.
- 2007: Antología de las Artes Visuales, Tegucigalpa, Honduras.
- 2013: Premio Illy Sustain Art, Venecia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Pintura Política”, Galería PM8, Vigo, Spain.
- 2013: “Eccepolis”, Sala Luis Miro Quesada, Lima, Perú.
- 2012: “Frescos Fetiches”, Centro de Artes Visuales, Tegucigalpa, Honduras.
- 2012: “Charter City”, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- 2012: “Sedimentos”, Ex-Teresa, Arte Actual, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Topografías”, Solo Project, ARCO Madrid, Spain.
- 2011: Galería 80m2, Lima, Perú.
- 2008: “Dis-tensiones”, Centro Cultural de España, Tegucigalpa, Honduras.
- 2007: “Sociedad Ilícita”, Fundación Teorética, San José.
- 2007: “Denominaciones y Retroscopías”, Costa Rica.
- 2006: “El Poder de la Asepsia”, Image Art Factory Foundation, Belize City, Belize.
- 2005: Galería Portales, Tegucigalpa, Honduras.
- 1995: “Panópticos”, Galería Paradiso, Tegucigalpa, Honduras.
Group Exhibitions
- 2013: “California-Pacific Triennial”, Orange County Museum of Art, CA, USA.
- 2013: Musem of Latin American Art, Long Beach C.A, USA.
- 2013: “Intersections”, 7a Bienal de Curitiba, Brazil.
- 2012: “You will never walk alone again”, Radiator Gallery, New York, USA
- 2012: “Caribbean: Crossroads of the World”, Museo del Barrio, New York, USA.
- 2011: “(S) Files”, Bienal del Museo del Barrio, New York, USA.
- 2011: “Entre Siempre y Jamás”, 54 Bienal de Venecia, Italy.
- 2011: “Miradas Sin coordenadas”, La Casona, Galería 80m2, Lima, Perú.
- 2011: “Triangulo C-S-C, video arte de América Latina”, Ex Teresa Arte Actual, Mexico City, Mexico.
- 2010: Muestra Internacional de Performance, Mexico City, Mexico.
- 2010: Bienal del Istmo Centroamericano, Managua, Nicaragua.
- 2010: I Trienal del Caribe, Santo Domingo, República Dominicana.
- 2010: Bienal de Artes Visuales, Tegucigalpa, Honduras.
- 2010: Bienal de Pontevedra, Spain.
- 2010: Centroamérica Unida por el Arte, El Sitio, Antigua Guatemala.
- 2009: Centro Cultural de España, San Salvador, El Salvador.
- 2009: “Migraciones. Mirando al sur”, La mancha de tomate, Tegucigalpa, Honduras.
- 2009: “Pintura. Proyecto Incompleto”, Centro de Formación de la Cooperación Española, Antigua, Guatemala.
- 2009: Fortaleza de San Carlos de la Cabaña, la Habana, Cuba, Décima Bienal de la Habana, Cuba.
- 2009: ” Nostalgia de Futuro”, Museo de Arte Contemporáneo, Valencia, Spain.
- 2009: “Migraciones. Mirando al sur”, Centro de Cultura Hispánica, Tegucigalpa, Honduras.
Publications
- Fuentes Guaza, Luisa. Ustedes Nosotros, editorial Index Book, España, 2010, 303 pag.
- Fuentes Guaza, Luisa. Lenguajes Contemporáneos desde Centro América, 2013, 400 pag.
Collections
- Daros Latin-américa, Zurich, Switzerland.
- Colección Patricia Phelps de Cisneros, Nueva York-Caracas.
- Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- Fundación Teorética, San José, Costa Rica.
- Museum of Latin American Art (Molaa), Long Beach, California, USA.
- Saxo Bank, Denmark.
- Fundación Ortiz-Gurdian, Leon, Nicaragua.
- Image Art Factory Foundatión, Belize City, Belize.
- Adán Vallecillo, “Pantone”, 2013, Installation, Dimensions variable. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Acordes V”, 2012, Assembly, Dimensions variable. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Mulato”, Series: Pintura de Castas, Acrylic / canvas with embedded level, 65 x 60 cm. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Tomas S.K.
- Adán Vallecillo, “Topgrafía I”, 2012, Series: Topografías, Recycled tires on racks, 280 x 720 cm. CIFO Collection, Miami, USA. Photo credit: Xose Quiroa.
- Adán Vallecillo, “Loba”, 2011, Series: Pintura de Castas, Painting, 90 x 100 cm. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Tomas S.K.
- Adán Vallecillo, “Criolla y Morisca”, 2011, Series: Pintura de Castas, Acrylic / canvas with embedded level, 90 x 95 cm. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Castiza”, 2011, Series: Pintura de Castas, Acrylic / canvas with embedded level, 60 x 65 cm. Galería 80m2, Lima, Perú. Photo credit: Tomas S.K.
- Adán Vallecillo, “Pintura Mural Curitiba”, 2013, Series: Pintura Mural, Performance, Dimensions variable. Curitiba, Brasil. Photo credit: Renan Guedes Gumiel.
- Adán Vallecillo, “Banderolas”, 2013, Series: Pintura política, Wood assembly, Dimensions variable. Galería 80m2, Vigo, España. Photo credit: Francisco Salas.
- Adán Vallecillo, “Provocación IV”, 2009, Series: Provocaciones a Mondrian, Acrylic on canvas with embedded level, 90 x 100 cm. Saxo Bank Collection, Denmark. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Provocación V”, 2009, Series: Provocaciones a Mondrian, Acrylic / canvas with embedded level, 100 x 100 cm. Private collection, Florida. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Provocación XV”, 2012, Series: Provocaciones a Mondrian, Acrylic on canvas and wood, 85 x 40 cm. Private collection, USA. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Remesa Republic V”, 2008, Series: Remesa Republic, Installation, Dimensions variable. Artist Workshop, Honduras. Photo credit: Adán Vallecillo.
- Adán Vallecillo, “Civilización IV”, 2013, Series: Civilizaciones, Rubber patches, 300 x 225 cm. Galería 80m2, Lima, Perú.
- Adán Vallecillo, “Civilización V”, 2013, Series: Civilizaciones, Rubber patches, 300 x 225 cm. Galería 80m2, Lima, Perú.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2013: Programa Di tella, Universidad Torcuato Di tella.
- 2011: CIA, Centro de Investigaciones Artisticas.
- 2010: Lipac, Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas.
- 2007: Licenciatura en Artes Visuales, A, Instituto Universitario Nacional.
Solo Exhibitions
- 2013: “Disponibilidad Arriesgada”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Atlas”, Hora del Té, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Pollo Frito”, Rayo Lazer, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “La Tierra Permanece”, Jardín Oculto Galería, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Des)afectos”, Biquini Wax, Mexico City.
- 2013: “Sucursal”, Darling Foundry, Montreal, Canada.
- 2013: “Casa”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Monstruo II”, La Fábrica, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- Born wild, Buenos Aires (2013).
- One Day, Haru Gallery, Jeju-do, South Korea.
- Art Spaces directory, New Museum, NY (2011).
- Mañana Temprano, Sosunc, Neuquén, Argentina.
- Maps, Mastodonte editorial, Bogotá, Colombia (2010).
- Big Sur, Buenos Aires, Argentina (2010).
- Gala Berger, “Disponibilidad Arriesgada”, 2013, Jelly, wire, spotlight, Variable dimensions. Location: Galería Inmigrante. Photo credit: Facundo Pires
- Gala Berger, “Disponibilidad Arriesgada”, 2013, Jelly, wire, spotlight, Variable dimensions. Photo credit: Facundo Pires
- Gala Berger, “Red Bean Jello”, 2009, Installation, military tent, recycled plastic, 300 x 180 x 400 cm. Site specific project. Location: Anyang Market, South Korea. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “Chino para principiantes”, 2010-2011-2012, Series: Chino para principiantes, Drawing on Mao Benzhi paper, 21.59 x 35.56 cm. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “Las puertas”, 2013, Series: Relocalizaciones, Installation, plastic and ink, Variable dimensions. Site specific project. Location: Tepoztlán, Mexico. Image courtesy of the artists.
- Gala Berger, “Red Bean Jello”, 2009, Installation, military tent, recycled plastic, 300 x 180 x 400 cm. Site specific project. Location: Anyang Market, South Korea. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “Pollo Frito”, 2011, Mask, fabric and paper, Variable dimensions. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “La tierra permanece”, 2011, Installation, 27 paints / 27 plants, Variable dimensions, Site specific project. Location: Jardín Oculto. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “thoreau”, 2010, Plastic, rubber, paper, Variable dimensions. Photo credit: Juan Chaneton.
- Gala Berger, “La piedra que cambió las cosas”, 2013, Series: La piedra que cambió las cosas, Wood, collectible bills, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “Agua Viva”, 2010, Installation, plastic, paint, tape, Variable dimensions, Site specific project. Location: Aeroparque de Buenos Aires. Photo credit: Juan Chaneton.
- Gala Berger, “Nacido Salvaje”, 2013, Paper, Variable dimensions, Site specific project. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “Pintura bisexual”, 2011, Painting with two sides, Side A oil, Side B ink, 190 x 140 cm. Photo credit: Facundo Pires.
- Gala Berger, “Sucursal”, 2012, Billboard, Variable dimensions, Site specific project. Location: in front of Mamba, Argentina. Image courtesy of the artist.
- Gala Berger, “s/t”, 2013, Jelly and wire on overhead projector, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
My work relates to everyday life in the city, specifically of a city like Guatemala, which is considered to be one of the most dangerous in Latin America. I try to take the behavior of a society, portraying the everyday in different ways.
Mi trabajo está ligado a la vida diaria de la ciudad, específicamente de una ciudad como Guatemala, considerada una de las más peligrosas de América Latina. Trato de llevar el comportamiento de una sociedad, retratando de diferentes maneras la cotidianidad.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Escuela Nacional de Artes Plásticas Guatemala.
Prizes / Fellowships
- 2013: Juannio, Guatemala.
- 2006: Bienal de arte Paíz, Guatemala.
Solo Exhibitions
- 2013: “Vertigo”, Centro municipal de arte y cultura en la ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “COLONIA”, galería “La Botica Cultural” de Ciudad de la Imaginación, Guatemala.
- 2011: “Revisiones”, galería Ex-Céntrico de la cooperación española, Guatemala.
- 2007: “HOMO-LOGO”, galería Carlos Woods Arte Antiguo y Contemporáneo, en Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2006: “Biografía Completa”, Arte La Fábrica, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
Group Exhibitions
- 2013: “Raw Material / Materia Prima”, Diablo Ross + Proyectos Ultravioleta + Sultana + La Central + Yautepec, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Post Después del Genocidio”, Centro para las artes visuales, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Así que se vaya”, Proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Proyectos Ultravioleta presenta”, proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Subasta de Arte Latinoamericano Juannio 2013”, Museo de Arte Moderno, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Forma y Sustancia Festival de Performance”, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “Proyectos Ultravioleta presenta”, Christinger De Mayo and Proyectos Ultravioleta, Zurich, Switzerland.
- 2012: “En la curvatura del tiempo: Arte y mujer”, Museo de Antropología e Historia, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “Así que se vaya”, Kamin y Proyectos Ultravioleta, Comalapa, Guatemala.
- 2012: “Así que se vaya”, Proyectos Ultravioleta, Quetzaltenango, Guatemala.
- 2012: “Convivir y Compartir”, XVIII Bienal de arte Paiz, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “Trienal Poli/gráfica”, San Juan, San Juan, Puerto Rico.
- 2012: “La ciudad”, Centro Cultural Metropolitano, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2011: “Me asusta pero me gusta”, Diablo Rosso, Ciudad de Panama, Panama.
- 2011: “Hoja Blanca”, exposición intinerante entre Suiza y Guatemala.
- 2011: “Ciudad como escenario e idea”, Galeria Kilometro 0, ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2011: “Experi[mental]”, Latin American Art on the Cusp of Contemporary, Los Angeles, USA.
Publications
- Art Nexus.
- Revista Bild Punk.
- Convivir y Compartir.
- Contemporary Languages from Centro América.
- Revista Digital de Arte y literatura.
- Revista Rara.
Collections
- Sayago y Pardon, USA.
- Blanton Museum Austin Texas, USA.
- Colección Ortiz Gurdian, Nicaragua.
Links
- Jorge de León, “Sin Título (blocks #3)”, 2013, Series: Colonia, Acrylic on cut canvas, 33 x 43 cm. Photo credit: Nora Pérez. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Sin Título (Colonia #2)”, 2013, Series: Colonia, Upholstery tape and pins, Variable dimensions. Photo credit: Nora Pérez. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Sin Título (Block #2)”, 2013, Series: Colonia edición 2/3, Cut paper on wall, 20 pieces of 26 x 15 each, organized in variable dimensions. Sit-specific project. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Block #6”, 2013, Series: Colonia, Cut paper74 x 54 cm. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Block #5”, 2013, Series: Colonia, Cut paper, 74 x 54 cm. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Block #4”, 2013, Series: Colonia, Cut paper, 74 x 54 cm. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Combustión”, 2012, Series: Acciones cotidianas, Video performance, 7 minutes installation, Variable dimensions. Photo credit: Nora Pérez and Ana Cosenza. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Sin Título (Cristal #6)”, 2012, Series: Date. Photo credit: Byron Marmol. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Antigua Combustión”, 2013, Series: Acciones cotidianas, Street intervention, video installation, 5 minutes, Variable dimensions. Photo credit: Bernardo Euler and Daniel Chauche. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Loop”, 2010, Series: Acciones cotidianas, Video performance, 7 minutes, Site-specific project. Location: Guatemala. Photo credit: Jenifer Alburez and Percy Cantillo. Image courtesy of the artist
- Jorge de León, “Visor”, Octubre 2013, Series: Date, Zinc plate -found object, 174 x 88 cm. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Mariella Franco
- Jorge de León, “Visor #3”, Octubre 2012, Series: Date, Zinc plate -found object, 174 x 88 cm. Photo credit: Mariella Franco
Translated from Spanish
My site-specific works aim to create relationship bridges between art and architecture, where the architectural space is affected. The visitors relate to each other through works that alter the perception of “reality.” The interventions intersect, juxtapose, overflow, or are contained in the exhibition space.
Some have their origin in the display of a drawing or a painting in space. While some works are more related to the context of the place of exhibition, others seek a universal communication, beyond a specific culture. Present in my works is the constant use of few elements, an interest in shadow, void, absence, the passage of time, death. The most recent work explores from the visual arts to the geometric impossibility of relating parallel worlds through narratives.
Mis trabajos site-specific buscan construir puentes de relación entre Arte y Arquitectura, en donde el espacio arquitectónico es afectado. Los visitantes se relacionan entre sí a través de obras que alteran la percepción de “realidad”. Las intervenciones intersectan, se superponen, desbordan o son contenidas por el espacio de exhibición.
Algunas tienen su origen en el despliegue de un dibujo o una pintura en el espacio. Mientras unos trabajos están más ligados al contexto del lugar de exposición, otros buscan una comunicación universal, más allá una cultura específica. En mis obras se puede leer una constante en la utilización de pocos elementos, y el interés por la sombra, el vacío, la ausencia, las huellas del tiempo, la muerte. El trabajo más reciente explora desde las artes plásticas la imposibilidad geométrica de relacionar mundos paralelos a través de narrativas.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2000 Maestría interdisciplinaria en Arte y Arquitectura, (Prof. Christian Megert, Prof. Gerhard Merz), Academia de Arte de Dusseldorf, Germany.
- 1993 Arquitecto, Universidad de Los Andes, Bogotá, Colombia.
- 1991 Semestre de intercambio, Academia Real Danesa de Bellas Artes, Copenhague, Denmark.
Prizes / Fellowships
- 2012: Beca de investigación artística. Tras los pasos del mito Germania. DAAD (Servicio Alemán de Intercambio Académico), Berlín, Germany.
- 2009: Residencia Artística. Verein zur Förderung künstlerischer Projekte mit gesellschaftlicher Relevanz e.V., Wiesbaden, Alemania Beca de investigación artística. Palimpsestos urbanos en Berlin 20 años después de la caída del muro. DAAD (Servicio Alemán de Intercambio Académico), Berlín, Germany.
- 2007: Finalista. Premio Luis Caballero IV Versión, Bogotá, Colombia 2005 Mención de Honor. Premio Memoria.
- 2005: Holocausto del Palacio de Justicia, 20 años, Medellín, Colombia 2004 Ganador Concurso de Exposiciones. Secuela de Zeuxis y Parrhasios, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
- 1997 – 2000: Beca del DAAD (Servicio Alemán de Intercambio Académico), Bonn, Germany.
Solo Exhibitions
- 2013: “Herencia incómoda y Matrioshka-Germania”, Servicio de Información y Prensa del Gobierno Federal, Berlin, Germany.
- 2013: “Herencia incómoda y Matrioshka-Germania”, Academia de Las Artes, Pariser Platz 4, Berlín, Germany.
- 2012: “Atrapaluces y Matrioshkas”, Galería Alonso Garcés, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Vórtice”, Sala de Arte, Casa de la Música, Programa ALBO (MAMM / EPM), Medellín, Colombia.
- 2010: “Como les guste”, LA Galería, Bogotá, Colombia.
- 2009: “Raumableitung”, Bellevue-Saal, Wiesbaden, Germany.
- 2008: “Zafiro y Acero”, Fundación Valenzuela y Klenner, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Algebra”, Alianza Colombo Francesa, Sede Centro, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Circundante”, IV Premio Luis Caballero, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
- 2004: “Secuela de Zeuxis y Parrhasios”, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2010: “7 Bienal de Arquitectura: Puntos de fuga”, Museo de Arte Moderno (MAMM), Medellín, Colombia.
- 2009: “Pinta Art Fair”, RJ Fine Arts, Nueva York, USA.
- 2009: “Feria Internacional de Arte de Bogotá”, LA Galería, Bogotá, Colombia.
- 2009: “Positionen 09”, Seewerk-Moers, Germany.
- 2009: “Diálogo: entre materias, entre naciones”, Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia.
- 2008: “MOLAA Awards 08”, Museum of Latin American Art, Long Beach, California, USA.
- 2007: “In praise of shadows”, RJ Fine Arts, Third Rail Studio, New Rochelle, Nueva York, USA.
- 2001: “Transit”, Warehouse Garden Pier, Nagoya, Japan.
- 2000: “L’eau. Sala de exposiciones”, Alcaldía de Saint-Paul de Vence, France.
- 1998: “Kulturkoffer”, Centro Cultural Rod El-Farag, El Cairo, Egypt.
Publications
- 2008: Edgar Guzmanruiz: Trabajos seleccionados 1998 – 2008, ISBN: 978-958-445127-9, Bogotá, Colombia.
- 2007: Altares: arte para arrodillarse en “Creer y Poder hoy: Cátedra Manuel Ancízar”, p. 179-212, ISBN: 978-958-701-746-5, Universidad Nacional de Colombia, Bogotá, Colombia.
- 2007: No lugares y fotografía contemporánea en revista virtual “El Niuton” (Ed. 04), p. 79-90: http://elniuton.com/indiceart.php?pag=3, ISSN: 1909-504X, Bogotá, Colombia.
- 2007: IV Premio Luis Caballero No.5, Circundante, Proyecto de Edgar Guzmanruiz, ISSN: 1909-36599, Bogotá, Colombia.
- 2004: El laberinto como mito y símbolo en Revista “Escala” #197-198, p. 111-119, ISSN: 01206702, Bogotá, Colombia.
- 2003 Mazzocchio storto en “Entwürfe”, Seltmann & Hein, p. 61-67, ISBN: 3-934687-0, Dusseldorf, Germany.
Collections
- Matrioshka III (Opaca) caos-orden, Colección MAMM.
- Museo de Arte Moderno de Medellín, Medellín, Colombia.
- Ausencia II, Colección Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia.
- Corte, MOLAA – Museum of Latin American Art, Long Beach, California, USA.
- Mazzocchio storto, Colección de Arte Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- Denn alles Fleisch es ist wie Gras, Berliner Unterwelten e.V., Berlín, Germany.
- Umkippende Objekte, Anonyme Begegnung, Museo Schloss Freudenberg, Wiesbaden, Germany.
Links
- Edgar Guzmanruiz, “Tejido”, 2013, Gesso, metalic screen, 30 x 30 x 3.4 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Atrapaluces”, 2012, Installation, cloth, nylon, metal cable, 5.34 x 6.2 x 14.56 M, Site specific project. Location: Bogotá, Colombia. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Vórtice”, 2011, Installation, cardboard, wood, metal cable, furniture, 10.82 x 29.6 x 10.5 M. Site specific project. Location: Medellín, Colombia. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Circundante”, 2007, Installation, cord, mirrors, eyelets, 3.24 x 8 x 55 M, Site specific project. Location: Bogotá, Colombia, Images courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Algebra”, 2007, Instalation, wood, vinyl, text, 588 x 1152 x 4 cm, Site specific project. Location: Bogotá, Colombia, Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Cortes”, 2011, Wood, vinyl-acrylic, 100 x 40 x 7.5 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Corte”, 2006, Wood, vinyl-acrylic, lacquer, 60.2 x 120 x 6.2 cm. MOLAA Collection. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Elogio de la sombra II”, 2006, Installation, wood, veil, 2.4 x 8 x 4.5 M, Site specific project. Location: Bogotá, Colombia. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Monocromo”, 2005, wood, vinyl, 180 x 45 x 92 cm, Site specific project. Location: Bogotá, Colombia. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Inversión”, 2005, Series: Inversión, wood, enamel, 66 x 66 x 66 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Cubo”, 2005, Wood, vinyl, lacquer, 62 x 62 x 62 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Pliegue esquina”, 2007, Series: Pliegues, Photograph printed on Hannemühle paper, 126 x 89 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Elogio de la sombra I”, 2005, Wood, Vinyl-acrylic, 30 x 90 x 20 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Mazzocchio storto”, 2003, Series: Mazzorchio storto, Wood, vinyl, 99 x 99 x 16 cm. Image courtesy of the artist
- Edgar Guzmanruiz, “Homenaje a Castellani”, 2007, Wood, canvas, pink lacquer, enamel, 43 x 43 x 8 cm. Image courtesy of the artist
Translated from Spanish
I like to think of my studio as a laboratory, a place that allows work to be developed into an accumulative process of the graphic experience. Drawing is a way of thinking that makes connections between acquired concepts and executed forms. Far from representing concepts, I try to present them, shape them, and give them a new type of classification to designate them. The act of drawing connects mind with hand, oral language with the sense of touch. The shape might come close to a raw, primary, organic translation of the mind.
Me gusta pensar en mi estudio como un laboratorio, un lugar que permite que el trabajo que hago se desarrolle en un proceso acumulativo de la experiencia gráfica. El dibujo es una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas. Lejos de tratar de representar conceptos trato de presentarlos, darles una forma, un nuevo tipo de clasificación para designarlos. El acto de dibujar conecta la mente con la mano, el lenguaje oral con el tacto. La forma podría acercarse a una traducción cruda, primaria y orgánica de la mente.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2010: Residencia Revolver galería, Lima Peru.
- 2009: Residencia “La Curtiduría”, TAGA Taller de Gráfica Actual, Oaxaca, Mexico.
- 2000-2005: Licenciatura en artes visuales: Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” ENPEG CENART, Mexico City, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2014-2016: Becario del FONCA Sistema Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA INBA, Mexico City, Mexico.
- 2013: Becario del FNA Fondo Nacional de las Artes, Bs As Argentina.
- 2010: Becario de CIA Centro de Investigaciones Artísticas, Bs As Argentina.
- 2007-2008: Becario del FONCA Fondo Nacional para la Cultura y las Artes, CONACULTA INBA, Mexico City, Mexico.
Solo Exhibitions
- 2013: “Taxonomía de un paisaje”, Dot fifityone gallery, Miami, USA.
- 2013: “Verosímil – Ficcional”, Document Art galería, Bs As Argentina.
- 2012: “Paisaje recuperado”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
- 2011: “Taxonomía de un hallazgo”, MAM Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Frag-mentes (sistema de interpretación)”, Revolver galería, Lima, Peru.
- 2010: “Sesera”, Dot fiftyone gallery, Miami, USA.
- 2009: “La Razón a Voluntad”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
- 2007: “Cambios de sitio”, Casa del Lago UNAM, Mexico City, Mexico.
- 2006: “Basura Afortunada”, Claustro de Sor Juana / Celda de Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Abstracción”, Arróniz galería, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Open Studio 8”, Fundación Rozemblun, Bs As Argentina, Curator: Teresa Riccardi.
- 2013: “Rudimentum” Christinger de Mayo galería and Arróniz galería, Zürich, Switzerland.
- 2013: “Utopías de ilusión”, Art Nube (Kiosco) galería and Dot fiftyone gallery, Santa cruz de la Sierra, Bolivia.
- 2013: “Arróniz galería en Lima Perú”, Lima, Peru.
- 2013: “Building Bridges”, Fundación Rozemblum and Nosco Gallery, Bs As Argentina.
- 2012: Colectivo 2do piso, Agustín González, Moris, Omar Barquet y José Luis Landet, Baro galería, Sao Paulo, Brazil.
- 2012: “Open Studio 6”, Fundación Rozemblum, Bs As Argentina, Curator: Rodrigo Alonso.
- 2012: “Lo común y lo colectivo”. Artistas de Arróniz galería en galería Libertad, Querétaro, Mexico.
- 2012: “Discourse of the non-representational”, Dot Fiftyone gallery, Miami. USA.
- 2009: “20 años del FONCA”, magna exposición retrospectiva, Biblioteca Vasconcelos, Mexico City, Mexico.
- 2009 “Proyectos”, Revolver galería, Lima, Peru.
Publications
Links
- Taxonomy of a discovery | Jose Luis Landet
- Mexico: Agustín González, José Luis Landet, Moris and Omar Barquet
- Revista Magenta – Jose Luis Landet
- Arte Aldia – Jose Luis Landet
- José Luis Landet, “Volemia”, 2012, Series: 1, Wood, 6 liters of black ink, 5034 A4 sheets, 300 x 200 x 170 cm, Site specific project. Location: Arróniz galería, Mexico. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Volemia continuo”, 2013, 4 Wood panels, 160 A4 sheets and blue ink, 250 x 500 cm, Site specific project. Location: Dot fiftyone gallery, Miami. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2013, Series: XII, XIII y XIV, Oil on canvas (1940-1960), enamel, glue on wood for each panel, 160 x 120 cm each. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Porosidad”, 2013, Series: 7, Oil on canvas (1940-1960), enamel, glue on wood for each panel, 150 x 200 x 6 cm. Photo credit: Albano Garcia
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2010, Series: 1, Oil on canvas (1940-1960), glue on cardboard, 150 x 110 cm. Sayao & Pardon Collection. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2012, Series: 2, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2012, Series: 4, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2012, Series: 5, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Paisaje recuperado”, 2013, Series: 11, Oil on canvas (1940-1960), glue on canvas, 160 x 120 cm. Colección Trapiche Argentina. Photo credit: Andrea Martinez
- José Luis Landet, “Border, tiras y contornos”, 2012, Series: 1, Oil on canvas, 9 fragments, 150 x 20 cm each. Site specific project. Location: Dot fiftyone gallery, Miami. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Duda”, 2012, Black ink on gray felt, 150 x 200 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2012, Series: 1, Black ink on white felt, 30 x 42 cm each. Private Collection, Mexico. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2013, Series: 18 dibujos, Black ink on paper, realized with hands, arms and elbows, 260 x 650 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2013, Series: 17, Black ink on paper, realized with hands, arms and elbows, 70 x 100 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Principio de polaridad”, 2013, Series: 9, Black ink on paper, realized with hands, arms and elbows, 70 x 100 cm. Image courtesy of the artist
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3”, 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3” (Detail), 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3” (Detail), 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Anti-monumento 3” (Detail), 2013, Wooden racks of various dimensions and oil and enamel on canvas, 303 x 497 x 97 cm. Image courtesy of the artist.
- José Luis Landet, “Borde, contorno y límite”, 2013, Oil on canvas 1940-1960 and cement, 60 x 90 cm. Image courtesy of the artist.
My work is a platform of investigation where four lines of work converge. Arriving from different reflections on the idea of production and artistic product, I develop a personal questionnaire to resolve through concepts characteristic of art, beyond supports or specific media. The work begins years before its exhibition under a rigorous daily process –quotidian-‐ where text and image start to determine the path of apparition of the object and, above all, a recognition of how far to go, so that both the construction process as well as the moments that follow the work: exhibit, documentation, collection, are conducive to a latent state of conditions. The first line of work then, runs and traverses over an Arbeit Journal (workbook) that is usually a container of written poetic acts, preparation drawings, synoptical paintings and new glossaries. In my work there is an interest in the belief that “The syntax is a quality of the soul”, as Paul Valéry said, so it substantially asks not a reading from the possible spectator, but a kind of co-‐ responsibility from its own substance. My second and third lines to investigate are extremely formal, conceptual and plastic determinants from materiality and the inherent boundaries of each substance used. I try to meditate about sculpture, painting, drawing and photography from their humanistic affiliation, from its undeniable quality as anthropological links; which is why my work is a kind of tracking, punctual, specific, not of art history, but of gaps where, although special circumstances exist, an inexplicable and elusive emptiness evidences a human potential almost lost, forgotten. In these moments of rupture, these breaks on the folded surface of time and space are axes of my personal network, which has been formed 12 years ago. It allows me not only a congruent and organic structure between each work, but it favors territories mainly unique and close to my own entity. Around the idea of painting and sculpture, for example, the raw materials gesticulate their own resonance; they limit the scope of form that the tooling and hand dissect, while the drawing is that possibility of looking at what one desires, almost immediately, almost simultaneously to the desire, like photography. The last line of investigation is the one that defines the links. My work is a field of action for the spectator, an observatory, an inventory. The work is not hermetic but neither immediate. Requires and is required, softens up when seen, solidifies itself at the sight. In the meantime (sway), my interest is to proliferate –more than to explain-‐ an interest for the questions. Try to make the spectator believe that we surely inhabit an enormous and indecipherable question, and as beings from that realm, we converse through questions, and not through answers, with things. This correspondence and exchange could explain the diversity of appearances in my work. It is not a reflex of a pretentious question. It is evidence of the simplest question that we haven’t been able to formulate. The art work, for me, is that one presence whose origin never distorts its aim, and whose aim extols every moment of its origin. It is my way to have a discussion and to generate bonds from small questions for a more and more extensive listing of answers
Mi obra es una plataforma de investigación en donde convergen cuatro líneas de trabajo. A partir de distintas reflexiones en torno a la idea de producción y producto artístico, desarrollo un interrogatorio personal a resolver mediante los conceptos propios del arte, más allá de soportes o medios específicos. El trabajo comienza años antes de su exhibición bajo un riguroso proceso diario –cotidiano-‐ en donde texto e imágenes comienzan a determinar la ruta de aparición del objeto y, sobretodo, un reconocimiento de hasta dónde ha de detenerse, para que tanto proceso constructivo como los momentos que la a obra suceden: exhibición, documentación, coleccionismo, propicien un estado latente de condiciones. La primera línea de trabajo entonces, corre y atraviesa sobre un Arbeit Journal (libro de trabajo), que usualmente es contenedor de actos poéticos escritos, dibujos preparatorios, cuadros sinópticos y glosarios nuevos. En mi obra existe un interés en la creencia de que “La sintaxis es una cualidad del alma”, según Paul Valéry, por lo que sustancialmente solicita no una lectura del espectador posible, sino una especie de co-‐responsabilidad desde su propia sustancia. Mi segunda y tercera línea a investigar son sumamente formales, determinantes conceptuales y plásticas a partir de la materialidad y los alcances propios de cada sustancia a utilizar. Intento reflexionar acerca de la escultura, la pintura, el dibujo y la fotografía desde su afiliación humanística, desde su innegable cualidad de eslabón antropológico; por ello, mi obra es una clase de rastreo, puntual, específico, no de la historia del arte, sino de las brechas en donde, si bien existen circunstancias particulares, un vacío inexplicable e inasible evidencia un potencial humano casi perdido, olvidado. Esos momentos de ruptura, esos quiebres sobre la superficie plegada del tiempo y el espacio, son ejes de mi red personal, que se ha venido conformando desde hace 12 años. Me permite no sólo una estructuración congruente y orgánica entre cada obra, sino que propicia territorios mayormente únicos y apegados a mi propia entidad. En torno a la idea de pintura y escultura, por ejemplo, las materias primas gesticulan su propia resonancia, delimitan en sí los alcances de la forma, que el herramental y la mano disecan, mientras que el dibujo es aquella posibilidad de mirar lo que se desea, casi inmediatamente, casi simultáneo al deseo, como la fotografía. La última línea de investigación es la que define: los vínculos. Mi obra es un campo de acción para el espectador, un observatorio, un inventario. No es una obra hermética pero tampoco inmediata. Exige y es exigida, se reblandece al ser vista, se solidifica en la mirada. En ese intervalo (vaivén), mi interés es el de contagiar -‐más que explicar-‐ el interés por las preguntas. Hacer creer que seguramente habitamos una pregunta enorme e indescifrable, y que como seres de ese paraje, dialogamos a través de preguntas, y no de respuestas, con las cosas. Esa correspondencia e intercambio podría explicar la diversidad de apariencias de mi trabajo. No es un reflejo de una respuesta pretenciosa. Es una evidencia de la pregunta más simple que no hemos sabido formular. La obra de arte para mí es aquella presencia que nunca tergiversa su fin, y cuyo fin enaltece cada momento de su origen
Selected Biographical Information
Education / Training
- UNAM, Licenciado en Diseño Industrial, Mexico City, Mexico.
- INBA La Esmeralda, Licenciado en Artes Plásticas, Mexico City, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2005-2006: Beca Jóvenes Creadores Mexico City, FONCA, CONACULTA.
- 2012: Beca Sistema Nacional de Creadores Mexico City, FONCA, CONACULTA.
Solo Exhibitions
- 2013: “Think Tanks (im-producción reciente)”, Arróniz Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Speranza (Colectivo Viernes)”, El 52 (Galería OMR), Mexico City, Mexico.
- 2009: “Cannibal fantasy (reciprocity)”, KBK Gallery, Mexico City, Mexico.
- 2008: “The eye will learn to long a world beyond reach”, Trolebús Galería, Mexico City, Mexico.
- 2006: “Al principio siempre era domingo”, KBK Gallery, Mexico City, Mexico.
- 2004: “Star Border”, Galería José María Velasco, INBA, Mexico City, Mexico.
- 2004: “Elephant Island Workshop”, Galería Nina Menocal, Mexico City, Mexico.
- 1998: “Fragmentos de Circo”, Casa de Cultura Rosario Castellanos, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Rudimentum”, Christinger De Mayo, Zurich, Switzerland.
- 2012: “Poule!”, Colección Júmex, Mexico City, Mexico.
- 2011: “Now”, Colección Júmex, Instututo Cultural Cabañas, Guadalajara, Mexico.
- 2011: “Re-Cover”, Casa del Lago, Mexico City, Mexico.
- 2009: “Les Enfants Terribles”, Colección Júmex, Mexico City, Mexico.
- 2007-2009: “Escultura Social: A new generation of art from Mexico City”, Nasher Museum of Art, Duke University, North Carolina, USA / Museo Alameda, San Antonio Texas USA / MCA Chicago USA.
- 2005: “Wunderkammer II: landscapes”, Galería Nina Menocal, Mexico City, Mexico.
- 2005: “Panoramic put off center”, X-Teresa Arte Actual CONACULTA, Mexico City, Mexico.
- 2005: “Cheap & Chic”, Galería Origina, Mexico City, Mexico.
Publications
- 2013: Palabras sobre el mar incierto, Arte al Día Internacional 144, Santiago Espinosa de los Monteros.
- 2013: Tempest Fugit: The Sea In-between, Deborah Deboer.
- 2011: Cuadernos y márgenes, Editorial Acapulco.
- 2010: Les Enfants Terribles, Michel Blancsubé.
- 2009: The Simplicity of Art to the Significance of life, Britanny Titus.
- 2009: Nuevos ritos, Revista Poder, P.80-‐83, Adriana Herrera.
- 2009: Artista Caníbal, El Universal, Sonia Sierra.
- 2009: Árbol del Lenguaje, Excelsior, Patricia Cordero.
- 2006: Escultura Social (A new generation of art from Mexico City), P.97‐100, Julie Rodrigues Widholm.
Collections
- Fundación / Colección Jumex.
- Colección Steven & Solita Mishaan.
- Colección Teófilo Cohen.
- Colección Boris Hirmas.
- Jack Tilton Gallery.
Links
- fernandocarabajal.com
- Now: works Jumex Collection
- Interview with Fernando Carabajal
- Blog: The Simplicity of Art to the Significance of Life
- Mexartdb: Fernando Carabajal
- Fernando Carbajal, “La paradoja del pájaro carpintero”, 2013, Series: 100 piezas, Wood, acrylic paint, steel, Variable dimensions, Site specific project. Location: México DF, Lima Peru, Zurich Switzerland. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “90º”, 2013, Mikado (chopsticks) and epoxy, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes A”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes D”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes H”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “El curso de los márgenes J”, 2010, Ink on trilayer tracing paper, 23.6 x 35.4 in (60 x 90 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Extra-tiempos subversivos B”, 2010, Acrylic and ink on canvas, 39.3 x 51.1 in (100 x 130 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Extra-tiempos subversivos C”, 2010, Acrylic and ink on canvas, 39.3 x 51.1 in (100 x 130 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Extra-tiempos subversivos E”, 2010, Acrylic and ink on canvas, 39.3 x 51.1 in (100 x 130 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “An eye for optical theory (platos sucios 1) – 2F”, 2009, Series: de 3 conjuntos de 20 cuadros cada uno de la misma técnica y dimensión, Oil on canvas, 15.7 x 15.7 in (40 x 40 cm). Júmex Collection, Mexico DF. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “An eye for optical theory (platos sucios 1) – 1D”, 2009, Series: de 3 conjuntos de 20 cuadros cada uno de la misma técnica y dimensión, Oil on canvas, 15.7 x 15.7 in (40 x 40 cm). Júmex Collection, Mexico DF. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “An eye for optical theory (platos sucios 1) – 0”, 2009, Series: de 3 conjuntos de 20 cuadros cada uno de la misma técnica y dimensión, Oil on canvas, 15.7 x 15.7 in (40 x 40 cm). Júmex Collection, Mexico DF. Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Roller coaster (boring site specific) 3”, 2003, Series: de 46, Drawing notebook marked with carbon film on paper, 5.9 x 8.2 x 0.3 in (15 x 21 x 0.8 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Roller coaster (boring site specific) 5”, 2003, Series: de 46, Drawing notebook marked with carbon film on paper, 5.9 x 8.2 x 0.3 in (15 x 21 x 0.8 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando Carbajal, “Roller coaster (boring site specific) 12”, 2003, Series: de 46, Drawing notebook marked with carbon film on paper, 5.9 x 8.2 x 0.3 in (15 x 21 x 0.8 cm). Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Art is the world for a second time.
El arte es el mundo por segunda vez.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Universidad de Buenos Aires UBA, Arquitecto, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2005: Gran Premio Adquisición del 94º Salón Nacional de Artes Visuales, categoría Nuevos soportes e Instalaciones, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: Premio Adquisición del LVIII Salón Nacional de Rosario, Argentina.
- 1975: Medalla de Oro Paz ´75, 30 Aniversario de las Naciones Unidas, Slovenj gradec, Slovenia.
Solo Exhibitions
- 2013: “(Hipótesis)”, Galería 11 x 7, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Horacio Zabala, desde 1972”, Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Reiterations”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
- 2010: “Otras cartografías – obras 1972-1975”, Galería 11 x 7, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Analogies & Differences”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Geometría: desafíos y desmesuras”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Arte de sistemas 1969-1977”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2012-2013: “Ends of the Earth: Art of the Land to 1974”, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Hauss der Kunst, Munich, Germany.
- 2011-2012: “Frames and Documents. Conceptualist practices”, Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, USA.
- 2011: “Sistemas, Acciones y Procesos”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “De la revuelta a la posmodernidad (1962-1982)”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain.
- 2009: “Subversive Practices. Art Under Condition of Political Repression: 60s-80s /South America / Europe”, Württembergischer Kunstverein Stuttgart, Germany.
Publications
- Fernando Davis, Horacio Zabala, desde 1972, EDUNTREF, Buenos Aires, 2013.
- Horacio Zabala, 300 metros de cinta negra para enlutar una plaza pública, Ediciones otra cosa, Buenos Aires, 2012.
- Horacio Zabala, Marcel Duchamp y los restos del ready-made, Ediciones Infinito, Buenos Aires, 2012.
-
Horacio Zabala, Vademecum para artistas – Observaciones sobre el arte contemporáneo, Asuntoimpreso Ediciones, Buenos Aires, 2009.
- María José Herrera, Horacio Zabala, anteproyectos 1972-1978, Fundación Alon, Buenos Aires, 2007.
- Horacio Zabala, El arte o el mundo por segunda vez, UNR Editora, Rosario, 1998.
Collections
- Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Museo de Arte Contemporânea, Sâo Paulo, Brazil.
- Tate Modern, London, UK.
- Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, USA.
- Museo de Arte Latinoamericano, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain.
- Middlesbrough Institute of Modern Art, Middlesbrough, UK.
- Daros Latinamerica Collection, Zürich, Switzerland.
- Horacio Zabala, “Art is a jail”, 1972, Pencil and rubber stamp printing on tracing paper, 46 x 119 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Revisar / Censurar”, 1974, Ink on printed map, 21 x 80 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Obstrucciones (tríptico)”, 1974, Ink on printed map, 24 x 46 cm. Private collection. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “La Bolsa de París”, 1993, Pastel on paper sheet, 47 x 32 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Díptico rojo”, 2000, Mixed media on cardboard, 23 x 76 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Las obras completas de Mondrian (III)”, 2006, Acrylic on wood and cardboard, 30 x 50 x 50 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Hipótesis III”, 2009, Acrylic on canvas, enamel on wood, 40 x 70 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau
- Horacio Zabala, “Hipótesis XV”, 2010, Acrylic on canvas, enamel on wood, 50 x 60 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Hipótesis XXII (libros)”, 2010, Acrylic on canvas, enamel on wood, 20 x 240 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Monocromo obscuro sobre New York”, 2011, Ink on printed map, 28 x 49 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo amarillo entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo negro entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo blanco entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Anteproyecto para un monocromo rojo entre paréntesis”, 2013, Pencil and acrylic on paper, 38 x 57 cm. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
- Horacio Zabala, “Dos monocromos sobre pedestal”, 2013, Wooden bench, acrylic on canvas. Collection of the artist. Photo credit: Estudio Giménez-Duhau.
October 16, 2013 Fernando Uhía https://abstractioninaction.com/artists/fernando-uhia/
Translated from Spanish
For more than two decades I have tried to work (in negative), to make art that functions as a cleaning and disinfecting machine for a specially decadent version of Colombian rhetoric, a (blind) rhetoric that puts its loquaciousness at the service of foreign spaces that are dreamed, greco-latin, invisible, plagued with artists unable to get involved in the urgent need to modernize not only political and cultural institutions but also the general view of the nation. For this, the abstract appearance is useful, as well as the massive subjugation, since they place the spectator in front of materials and visual events that are concrete and unlimited. From tempered rubber on stretchers, passing through appropriations of famous modern artists, seasoned by infamous rhetoric, to drippings immersed in ultra-shinny Formica; the machine works at great speed while it leaves highly-visual restudies in a country submerged in the false illusion of an idealized poetic past, depressingly conservative. I oppose consciously and advantageously to the (poetically) anachronic national perception, systems of production that are prosaic and superficial.
Por más de dos décadas años he intentado trabajar <>, hacer un arte que funcione como una máquina limpiadora y desinfectante para una versión especialmente decadente de la retórica colombiana, una retórica <> que pone su verborrea al servicio de lugares ajenos, soñados, grecolatinos, invisibles, plagados de artistas incapaces de involucrarse en la urgente necesidad de modernizar tanto las instituciones políticas y culturales así como la visualidad general de la nación. Para esta labor es útil la apariencia abstracta y el avasallamiento por cantidad, pues ponen al espectador frente a materiales y hechos plásticos concretos e ilimitados. Desde hules templados en bastidores, pasando por apropiaciones de famosos modernistas, condimentados de la infame retórica, hasta chorreaduras inmersas en Formicas ultra brillantes, la máquina trabaja a gran velocidad mientras va dejando residuos altamente visuales en un país hundido en la falsa ilusión de un pasado poético idealizado, deprimentemente conservador. A una percepción nacional anacrónicamente <<poética>> le opongo consciente y alevosamente sistemas de hacer prosaicos y superficiales.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1999: Master of Fine Arts. San Francisco Art Institute, California. Tutores: Doug Hall, Paul Kos, Tony Labat, Frances McKormick, John Rapko.
- 1990: Maestro en Bellas Artes. Universidad de Bogotá Jorge Tadeo Lozano.
Prizes / Fellowships
- 2007: Ganador absoluto. IV Premio Luis Caballero. Secretaría de recreación y deportes de Bogotá, Colombia.
- 2007: Ganador Convocatoria de jurados Galería Santafé. Secretaría de recreación y deportes de Bogotá, Colombia.
- 1997: Beca Jóvenes talentos del Banco de la República de Colombia.
- 1997: Mención de Honor Solidarte 97, Galería El Museo y Embajada de Francia, Bogotá, Colombia.
- 1993: Beca Colcultura y Presidencia de la República de Colombia.
- 1989: Primer premio VII Salón universitario del ICFES, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2013: “Ready Zombie: Fernando Uhía y los 90”, Museo la Tertulia, Cali, Colombia.
- 2012: “Fútbol, tenis, carros y otras cosas de hombres”, Nueveochenta, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Ready Zombie: Fernando Uhía y los 90”, Retrospectiva de los 90, Centro Colombo Americano, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Seguridad democrática”, Nueveochenta, Bogotá, Colombia.
- 2010: “Sudáfrica 2010”, Jenny Vilá, Cali, Colombia.
- 2008: “La Implacable pesadez del diseño. 30 Años del MAMM“, Medellín, Colombia.
- 2008: “Masa Crítica”, MUZAC, Montería, Colombia.
- 2008: “Regurgitando diseño”, Valenzuela & Klenner, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Masa Crítica”, Premiación del Luis Caballero, Galería Santafé, Bogotá, Colombia.
- 2006: “Masa Crítica”, IV Premio Luis Caballero, Galería Santafé, Bogotá, Colombia.
- 2006: “Technoesmaltes”, Galería Jenny Vilá, Cali, Colombia.
- 2004: “Technoesmaltes”, Valenzuela & Klenner, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “Al claro de luna: reminiscencias sonoras”, Galería Santafé, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Correspondencia”, Nueveochenta, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Catalejo. Egresados de La Tadeo”, Museo UJTL, Bogotá, Colombia.
- 2009: “X Bienal de La Habana”, Morro La Fortaleza, Cuba.
- 2009: “Corte 50”, MAMM, Medellín, Colombia.
- 2008: “Bodegón con espejo y naranja, 60 años de Uniandes”, Bogotá, Colombia.
- 2007: “12 Salones regionales”, Artista Invitado por la curaduría TRANSMISIONES, Tunja, Colombia.
- 2007: “Colectiva de año nuevo”, Galería Valenzuela & Klenner, Bogotá, Colombia.
- 2006: “6 Festival de performance”, Varias locaciones, Cali, Colombia.
- 2006: “40 Salón nacional de artistas”, Bogotá, Colombia.
Publications
- 2011: Ready Zombie: Fernando Uhía y los 90.Bogotá: Universidad de los Andes.
- 2008: Technoesmaltes de Fernando Uhía: ilusionismo expansivo y retóricas suspendidas. Por Leonardo Vargas. En Premio nacional de crítica 4°versión. Bogotá, Colombia.
Collections
- Banco de la república, Colombia.
- Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia.
- Museo de Arte Moderno de Medellin, Colombia.
- Museo la Tertulia, Cali, Colombia.
- Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia.
- Arcos Dorados.
- Fernando Uhía, “s/t”, 09/23/2013, Vinyl and watercolor on industrial paper, 180 x 340 cm
- Fernando Uhía, “s/t”, 1990, Oil and collage on canvas, 160 x 250 cm
- Fernando Uhía, “Mondrian & Van Doesburg”, 1991, Tempered rubbers, 3 x 10 mt
- Fernando Uhía, “s/t”, 1991, Vynil and stencil paint on canvas. Text by Ana María Escallón, 120 x 220cm
- Fernando Uhía, “Sincronía sintética”, 1993, Acrylic and adhesive on canvas. Text by Ana María Escallón, 160 x 120 cm
- Fernando Uhía, “De la serie Porsche Kantiano”, 1994, Acrylic and framed photos on wood, 150 x 200 cm
- Fernando Uhía, “Ascensión”, 1995, Oil, acrylic and adhesive on canvas. Text by Ana María Escallón, 250 x 160 cm
- Fernando Uhía, “Readymade estilístico #1 (Van Gogh)”, 1995, Oil, flouresente vynil, and adhesive on canvas. Text by Marta Traba, 150 x 250 cm
- Fernando Uhía, “ClonClown #1 (Botero)”, 1997, Oil on canvas, 230 x 380 cm
- Fernando Uhía, “s/t (Marlboro)”, 1998, Enamel on wood, 200 x 60 cm
- Fernando Uhía, “Sudafrica 2010, Final (España -Holanda)”, 2011, Enamel on formica, 201 x 120 cm
- Fernando Uhía, “Technoesmalte 3”, 2003, Enamel on wood, 200 x 60 cm
- Fernando Uhía, “Technoesmalte Hugo Boss”, 2007, Enamel on wood, 200 x 80 cm
- Fernando Uhía, “Interferencia”, 2008, Enamel on wood, 200 x 80 cm
- Fernando Uhía, “Holanda vs. Eslovaquia”, 2010, Enamel on formica superbright, 190 x 100 cm
Most of my work has implicit connections to my native country, Venezuela, where oil production made the promise of modernism more tangible, and its failure more poignant, than elsewhere in Latin America. I ruminate on the future of abstraction while glancing back at Venezuela’s collapsed modernist project – its chromatic remains – through the fracturing prism of contemporary conditions. I use the language of abstraction as a way to materialize and connect ideas. Conceiving abstraction as the critical and poetic language of potential allows me to pierce the detached geometries of ordering structures, making them responsive and more pliable. I work with paint, paper, ink, slides, spices, felt and vinyl. But my favored material is paradox: the promise and perils of utopian abstraction, political formalisms, universal specificities, and the underlying order of chaos.
La mayor parte de mi trabajo tiene conexiones implícitas con mi país natal, Venezuela, donde la producción de petróleo hizo la promesa de la modernidad más tangible, y su fracaso más doloroso, que en otras partes de América Latina. Yo exploro el futuro a través de la abstracción, a su vez miro el pasado, estudiando el colapsado proyecto modernista de Venezuela – sus restos cromáticos – a través del prisma de la fractura de las condiciones contemporáneas. Uso el lenguaje de la abstracción como una forma de materializar y conectar ideas. Concebir la abstracción como lenguaje de crítica y poética de un potencial me permite perforar las geometrías de las estructuras adosadas y llevarlas hacia algo más sensible y más flexible. Trabajo con la pintura, el papel, la tinta, las diapositivas, las especias, el fieltro y vinilo. Pero mi materia favorita es la paradoja: la promesa y los peligros de la abstracción utópica, formalismos políticos, las especificidades universales, y el orden que ya subyace al caos.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2009: MA, Aesthetics and Politics, School of Critical Studies, CalArts, CA, USA.
- 1999: MFA, Painting, Claremont Graduate University, CA, USA.
- 1996: BA, Hampshire College, Amherst, MA, USA.
- 1989-1990: Instituto de Arte Federico Brandt, Caracas, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- Obermann Grant Wood Fellowship, University of Iowa, IA, USA.
- Ahmanson Scholarship, California Institute of the Arts, CA, USA.
- Five College Center for the Interdisciplinary Study of the Americas Fellowship, Five Colleges, MA, USA.
- Community Foundation of Western Massachusetts Grant, MA, USA.
- Claremont Graduate University Fellowship, CA, USA.
Solo Exhibitions
- 2013: “Color Felt”, Soho20 Chelsea Gallery, NY, USA.
- 2013: Los Angeles, Ruth Bachofner Gallery, CA, USA.
- 2012-2013: “Never Underestimate a Monochrome”, University of Iowa Museum, Iowa City, IA, USA.
- 2012: Wignall Museum of Contemporary Art, CA, USA.
- 2012: “Color’s Ordinates and Affinities: Instructions for Chromatic Living”, University of Iowa ABW Gallery, IA, USA.
- 2011: “Abstract Numbers of a Revolution”, University of Iowa, IA, USA.
- 2010-2011: “The Utopian Tense of Green”, Ruth Bachofner Gallery, Los Angeles, CA, USA.
- 2010: Soho20 Chelsea Gallery, NY, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Lines of Poetry”, Diane Birdsall Gallery, Old Lyme, CT, USA.
- 2012: “Pink Assignment”, Soho20 Gallery, NYC, NY, USA.
- 2011: “An Exchange with Sol Lewitt”, MASS MoCA, USA.
- 2011: “Gifting Abstraction”, Soho20 Gallery, NYC, NY, USA.
- 2010: “Muse/Reuse”, Doug Adams Gallery at the Badé Museum, Berkeley, CA, USA.
Publications
- 2013: Goodrich, John, “Only Engage,” City Arts: New York’s Review of Arts and Culture.
- 2013: Prugh, Brian,”Revolt Against the City and Never Underestimate a Monochrome,” Iowa City Arts Review, 1, Vol. 7.
- 2013: Berry, Amy,” Artists on the same page in Old Lyme exhibit,” The Day.
- 2007: Benko, Susana, “Extra-pictórico,” Art Nexus, 66, Vol. 6.
- 2007: Miguel, Miguel “Mariángeles Soto-Díaz,” Arte al Día.
- 2007: Carreño, Freddy, “Fia 2007,” Art Nexus, 66, Vol. 6.
- 2007: Yáñez, Ondina “Mariángeles Soto-Díaz en un Laboratorio de Chocolate,” Revista GP.
- 2006: Méndez, María Gabriela “El Chocolate y sus Divinas Proporciones” El Universal.
- 2005: Carr, Carlin “Gallery: Mariángeles Soto-Díaz” New England Watershed.
- 2002: Monsalve, Jasmín “Mariángeles Soto-Díaz Muestra Abstracción con Olor a Canela” El Universal.
- 2002: Feely, Erik “Mariángeles Soto-Díaz at the Galería Alternativa” The Daily Journal.
- 2001: Cun, Lan “Exhibitions at the Sweeney” Radar.
- 2001: Knaff, Devorah “Revelatory Art” The Press Enterprise.
- 2000: Ollman, Leah “Blood Oaths” Los Angeles Times.
- 2000: Letran, Vivian “Grave Events” Los Angeles Times.
Additional Links
- Mariángeles Soto-Díaz, “Color Felt Translation #4”, 2013, Series: Color Felt, Acrylic on canvas, 63 x 76 in. (160 x 193 cm). Ruth Bachofner Gallery, Los Angeles, CA. Photo credit: Gene Ogami.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Color Felt Installation”, 2013, Series: Color Felt, Acrylic on canvas, felt, text. Ruth Bachofner Gallery, Los Angeles, CA. Photo credit: Gene Ogami.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Color Felt Translation #5”, 2013, Series: Color Felt, Acrylic on canvas, 40 x 40 in. (102 x 102 cm). Photo credit: Gene Ogami.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Color Felt Translation #1”, 2013, Series: Color Felt, Acrylic on canvas, 63 x 76 in. (160 x 193 cm ). Photo credit: Gene Ogami.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Color Felt Translation #8”, 2013, Series: Color Felt, Acrylic on canvas, 18 x 24 in. (46 x 61 cm). Photo credit: Debbie Reisel.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Color’s Ordinates and Affinities: Instructions for Chromatic Living, Installation”, 2012, Series: Color’s Ordinates and Affinities: Instructions for Chromatic Living, Acrylic on bamboo and vinyl, Dimensions variable. ABW Gallery at the University of Iowa, Iowa City, IA. Photo credit: Jesse Sinclair.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Color’s Ordinates and Affinities: Instructions for Chromatic Living, Installation”, 2012, Series: Color’s Ordinates and Affinities: Instructions for Chromatic Living, Acrylic on bamboo and vinyl, Dimensions variable. ABW Gallery at the University of Iowa, Iowa City, IA. Photo credit: Jesse Sinclair.
- Mariángeles Soto-Díaz, “White Monochrome”, 2012, Series: Color’s Ordinates and Affinities: Instructions for Chromatic Living, Acrylic on bamboo, 24 x 24 in. (61 x 61 cm). Photo credit: Jesse Sinclair.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Abstract Numbers of a Revolution, Installation”, 2012, Series: Abstract Numbers of a Revolution, Acrylic on wood, Dimensions variable. ABW Gallery at the University of Iowa, Iowa City, IA. Photo credit: Jesse Sinclair.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Abstract Numbers of a Revolution, Installation”, 2012, Series: Abstract Numbers of a Revolution, Acrylic on wood, Dimensions variable. ABW Gallery at the University of Iowa, Iowa City, IA. Photo credit: Jesse Sinclair.
- Mariángeles Soto-Díaz, “157,808: Total number of homicides registered in Venezuela during the twelve and a half years of Hugo Chavez’s democratic government”, 2012, Series: Abstract Numbers of a Revolution, Acrylic on wood, 31 x 36 cm (12 x 14 in.). Photo credit: Jesse Sinclair.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Utopian Tense of Green #1”, 2011, Series: The Utopian Tense of Green, Acrylic on wood, 36 x 36 in. (92 x 92 cm). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Utopian Tense of Green #4”, 2011, Series: The Utopian Tense of Green, Acrylic on wood, 47 x 62 in. (120 x 158 cm). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Utopian Tense of Green #2”, 2011, Series: The Utopian Tense of Green, Acrylic on wood, 36 x 36 in. (92 x 92 cm). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Mariángeles Soto-Díaz, “Utopian Tense of Green, Installation, Ruth Bachofner Gallery”, 2011, Series: The Utopian Tense of Green, Acrylic on wood. Ruth Bachofner Gallery, Los Angeles. Photo credit: Courtesy of the artist.
Art to Art. Life to Life Osvaldo Romberg. The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 Art begins when life is not enough. In modern culture the acceptance of death signifies the loss of connection with the infinite. It is in this area of thinking, in the loss of the infinite, that art gives relief and new hopes for spirituality. Art makes evident (and occasionally succeeds in resolving) the conflict between being and integrating with the world. This is a dilemma which religion can no longer address. All the religions of the world are narratives. In these narratives are implicit mythologies and explanations which help people to survive the panic of death and solitude. In the past, art merely rearticulated these narratives. In recent years, however, I have observed that art is replacing religion by raising its own issues of morality, identity, mortality, and transcendence. Art used to be the illustration of the metaphysical. It has now become the metaphysical itself. The vitality and dynamism of contemporary art challenges religions ability to face the relevant issues at the end of the millennium: artificiality, reproduction of the species, and equality. Paraphrasing Martin Heidegger, we can say that the authentic dialogue with the art of an artist is artistic, as opposed to critical. There is no artistic dialogue between artists and those who do not believe in the power of art to contain essential truths. Art can be viewed as an antidote to the static and paralyzing force of religion in a post-capitalist, globalist era. The idea of art as a regenerative activity is described in The Glass Bead Game by Hermann Hesse, which I read in my adolescence. The book is about the translation of all information systems and human knowledge into one code, The Game. Once you enter this universal language, you can integrate all aspects of human experience. Marcel Duchamp is the “Magister Ludi.” Art today can surpass the two pervasive theories confronting our post-capitalist world: the pseudo-democratic relativism of postmodernism vs. the oppressive dictatorship of fundamentalism. Referring to The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even, in a 1966 interview with Pierre Cabanne, Duchamp said, “… I almost never put any calculations into the Large Glass. Simply, I thought of the idea of a projection, of an invisible fourth dimension, something you couldn’t see with your eyes.” Is this not the domain of the divine?
Traducido del inglés
El arte al arte, la vida a la vida. Osvaldo Romberg. The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 El arte comienza cuando la vida no es suficiente. En la cultura moderna, la aceptación de la muerte significa la pérdida de la conexión con lo infinito. Es dentro de esta área de pensamiento, en la pérdida de lo infinito, que el arte da alivio y nuevas esperanzas para una espiritualidad. El arte hace evidente (y en ocasiones tiene éxito en resolver) el conflicto entre ser e integrarse con el mundo. Este es un dilema que la religión no puede abordar. Todas las religiones del mundo son narrativas. En estas narrativas, mitologías y explicaciones que ayudan a la gente a sobrevivir el pánico de la muerte y la soledad se hacen implícitas. En el pasado, el arte simplemente expresaba estas narrativas. En años recientes, sin embargo, he observado que el arte está reemplazando a la religión al manifestar sus propios problemas de moralidad, identidad, mortalidad y trascendencia. El arte solía ser la ilustración de lo metafísico. Hoy en día se ha vuelto lo metafísico. La vitalidad y el dinamismo del arte contemporáneo cuestionan la capacidad de la religión de enfrentar los temas del fin del milenio: artificialidad, reproducción de las especies, e igualdad. Parafraseando a Martin Heidegger, podemos decir que el diálogo auténtico con el arte de un artista es artístico, a diferencia de crítico. No existe un diálogo artístico entre los artistas y aquellos que no creen en el poder del arte de contener estas verdades esenciales. El arte puede ser visto como antídoto a la fuerza estática y paralizante de la religión en la era post-capitalista y global. La idea del arte como actividad regenerativa es descrita en El Juego de los Abalorios por Hermann Hesse, el cual leí en mi adolescencia. El libro es acerca de la traducción de todos los sistemas de información y el conocimiento humano en un sólo código: El Juego. Al entrar en este lenguaje universal, te puedes integrar a todos los aspectos de la experiencia humana. Marcel Ducham es el “Magister Ludi”. El arte hoy en día puede superar las dos teorías generalizadas que confrontan nuestro mundo post-capitalista: el relativismo pseudo-democrático del posmodernismo vs. la dictadura opresora del fundamentalismo. Al referirse a La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso, en una entrevista de 1966 con Pierre Cabanne, Duchamp dijo “a pesar de que casi no haya incluido ningún cálculo en Le Grand Verre… Simplemente, pensé en la idea de una proyección, de una cuarta dimensión invisible puesto que no se puede ver con los ojos”. ¿No es este el dominio de lo divino?
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1956-1962: Universidad de Buenos Aires, Facultad de Arquitectura.
Solo Exhibitions
- 2013: “The Color Factor”, Henrique Faria Fine Art, New York, USA.
- 2012: “Color Constellation Project”, 11×7 Galería de Arte, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Works from the 1970s”, Henrique Faria Fine Art, New York, USA.
- 2011: Zemack Contemporary Art Gallery, Tel Aviv.
- 2011: “Drawings from the series Art History”, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, USA.
- 2010: “Osvaldo Romberg: The study of structures and story telling”, The Artists’ House, Tel Aviv.
- 2010: “1960 – 2010 Works on paper”, Galería Laura Haber, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “The Eye of the Fly (Multimedia installation)”, Mestrovic Pavilion, Zagrev, Croatia.
- 2009: “Video Installation”, Neue Galerie am Landesmuseum Joanneum, Graz, Austria.
- 2009: “Videos and Stills”, Z.K.M., Karlsruhe.
- 2009: “Buildings, Footprints, and Watercolors”, Sabanci University, Istanbul, Turkey.
- 2008: “Videos and Stills”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Dear Theo, The Night that Van Gogh Cried”, Galería Vasari, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Jesus de Buenos Aires”, Kunst Museum, Bonn.
- 2007: “Buildings Footprints”, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Framing the Art”, Heike Curtze Gallery, Vienna.
- 2005: “Narrative Architectural (1987—2005)”, (cat.), Musée d’Art Moderne, Saint Etienne.
- 2005: “Text, Image, Object (1963 – 2005)”, (cat.), Van Abbemuseum, Eindhoven.
- 2003: “From Paradise to Paradise: A Hypertext about Love in Three Parts”, Universal Concepts Unlimited, New York, USA.
- 2001: “The Library Is Burning”, (recent books), Jan Van der Donk Gallery, New York, USA.
- 2000: “Bésame Mucho: A Hypertext About Love”, (cat.), Domgrabungsmuseum, Salzburg; White Box Gallery, New York, USA.
- 2000: “Retinal-Non-Retinal”, (cat.), Staedtische Kunstsammlungen, Augsburg.
- 1999: “Romberg´s Walks at the Kunsthistorische Museum” (cat.), Kunsthistorische Museum, Vienna and Galerie Heike Curtze, Vienna.
- 1997: “Bypass (1972-1997)”, (cat.), Kunstmuseum, Bonn.
- 1997: “Osvaldo Romberg: A Survey (1974-1997)”, Stux Gallery, New York, USA.
- 1996: “+2000/-2000 Even” (cat.), exhibited simultaneously at: Fundacion Xavier Corbero, Barcelona; Ludwig Museum, Budapest; Ludwig Museum, Cologne; Museum of Modern Art, Odessa; Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Philadelphia; The Reykjavik Municipal Art Museum, Reykjavik; Stadtgalerie, Saarbruecken; Tel Aviv University Gallery, Central Library; Sudo Museum, Tokyo; Museum Moderner Kunst, Vienna.
Group Exhibitions
- 2012: “Palabras, imágenes y otros textos”, Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Sistemas, Acciones y Procesos: 1965-1975”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “A Line of Color”, Henrique Faria Fine Art, New York, USA.
- 2010: “Imán: Nueva York”, Fundación Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Medium Religion”, Z.K.M. Zentrum fur Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe.
- 2007: “Lightning”, Galerie Heike Curtze, Salzburg.
- 2005: “Domicile: Privé/Public (installations of “Syzygy III” and “The Last, Machu Pichu”)”, Musée d’Art Moderne, Saint Etienne.
- 2000: “Topologies: Weiner, Le Va, Anastasi, Romberg”, White Box Gallery, New York, USA.
- 1999: “Faith”, The Aldrich Museum of Contemporary Art, Connecticut, USA.
- 1999: “Plural Speech”, White Box Gallery, New York, USA.
- 1998: “The Seventies”, Tel Aviv Museum, Tel Aviv.
- 1997: “Unmapping the Earth”, Kwangju Biennial.
- 1997: “Transversions”, Second Biennial of Johannesburg.
- 1995: “Avant-Garde Walk a Venezia”, Venice Biennial, Italy.
- 1995: “White Machu Pichu”, Artists’ Museum, Mitzpeh Ramon, Israel.
Collections
- Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
- MUHKA-Museum of Contemporary Art, Antwerp.
- Kunstmuseum, Bonn.
- Museo de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Ludwig Museum, Cologne, Germany.
- Leopold-Hoesch Museum, Dueren.
- Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg.
- The Haifa Museum of Modern Art, Haifa.
- Sprengel Museum, Hannover.
- The Israel Museum, Jerusalem.
- California State University, University Library, Long Beach, USA.
- Wilhelm Hack Museum, Ludwigshafen.
- Jewish Museum, New York, USA.
- Museum of Modern Art, New York, USA.
- Philadelphia Museum, Philadelphia.
- The Tel Aviv Museum, Tel Aviv.
- Museum Moderner Kunst, Vienna.
- Library of Congress, Washington, DC., USA.
- Osvaldo Romberg, “Orange cadmium”
- Osvaldo Romberg, “1-388 All the Colors of the Chromatic Circle Interacted by Blue Ultramarine”, 1980, Acrylic and graphite on canvas, 78 x 70 in. (198 x 177.8 cm) Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “1-389 All the Colors of the Chromatic Circle Interacted by Orange Cadmium”, 1980, Acrylic and graphite on canvas, 78 x 70 in. (198 x 177.8 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “1-77 of 77 Tonal Value Classif. Of 77 Stripes (All of Them) from “Madonna Di Pellegrini”, Caravaggio”, 1977, Collage and graphite on paper, 21 1/2 x 29 in. (54.5 x 73.5 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “The Hanover Color Constellation”, 1982/2012, Acrylic on wood, Dimensions variable, Edition of 3. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “Dirty Geometry”, 2012, Acrylic on canvas, 31 1/2 x 47 1/4 in. (80 x 120 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “Analysis of the Tempest “Giorgione”, 1976, Acrylic, collage and pencil on paper, 27 3/16 x 38 3/8 in. (69.5 x 97.5 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “1-24 Box order (Family Color Order) 25 – 43 Not Order”, 1975, Colored pencil on paper, 19 1/3 x 27 1/2 in. (49 x 69.8 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “1-7 Tonal Value Key”, 1977, Acrylic on canvas ,33 1/2 x 49 in. (85 x 124.5 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “The Blue, the Red, the Yellow”, 1975, Ink and graphite on paper, 27 3/8 x 19 1/2 in. (69.5 x 49.5 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Osvaldo Romberg, “Black Printed Paper Analysis”, 1976, Collage and rubber-stamp on paper, 18 1/2 x 25 5/8 in. (47 x 65 cm). Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
Translated from Spanish
Everything is amorphous, confusing. I restlessly look for a bond that integrates with the environment as something inaccurate, not codified. I struggle to give form to these transitory states. B’atz is the name of a day in the Maya calendar that means the beginning and the end, to roll and unroll, to tie and untie. The knot is the bond between beings and their beginnings; it is the union that allows to continue on a certain path. The knot is the articulation between kinfolk and/or enemies which maintains a structure and at the same time creates tension between them. This bond between two or more systems also represents a closure, a forced enclosure that grasps through the ropes and that hinders that liberation of a determined gesture: the knot in the throat that submerges the voice. We are beginning a new era of Maya world view that is associated with important events. Departing from an interdisciplinary investigation, anthropological approximately ten years, in the city as in the rural areas, I began to work in the reengagement of images, forms, codes, moorings, baskets, chests, Quipos, candles, Maya ceremonies, with meanings charged of deep energetic presence that mark the passage of time. I believe in artistic expression as a product of the everyday. I situate myself within this perspective, materializing though ephemeral objects, like a candle that is lit, is consumed and finished. That action indicates time. I propose to reprise ritual elements like candles, bundles or baskets, incense, flowers, and of course, energy, to create art objects. I am interested in constructing, intervening, wither the visible through the occult; from the private to the public.
Todo es amorfo, confuso busco con inquietud un lazo que se integran al entorno como algo inexacto, no codificado, lucho por darle cuerpo a estados transitorios. B’atz es el nombre de un día del calendario maya, que significa el inicio y el final, enrollar y desenrollar, amarar y desamarrar. El nudo es el vínculo entre los seres y su principio; es la unión que permite continuar cierto trayecto. El nudo es la articulación entre los semejantes y/o entre los contrarios que mantiene una estructura y al mismo tiempo la tensa. Este lazo entre dos o más sistemas representa también un cierre, una fuerza de clausura que se empuña por los cabos y que impide la liberación de un gesto determinado: el nudo en la garganta sumerge la voz. Estamos empezando un nueva era en la cosmovisión maya que se asocia con eventos importantes. Partiendo de una investigación interdisciplinaria, aproximadamente 10 años en especial antropológica, tanto en la ciudad como en el área rural comencé a trabajar el reencuentro con imágenes, formas, códigos, amarres, tanates, bustos, quipos, candelas, ceremonias mayas, con significados cargados de profunda presencia energética que marcan el tiempo. Creo en la expresión artística como producto de lo cotidiano. Me ubico en esta perspectiva proponiéndome materializar a través de objetos efímeros, como una candela que se enciende, se consume y se termina. Así tal acción marca el tiempo. Me propongo retomar elementos rituales como candelas bultos o tanates, incienso, flores y por supuesto la energía, para crear objetos de arte. Me interesa construir, intervenir, marchitar a partir de lo oculto a lo visible de lo privado a lo público.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1999-2003: Egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Rafael Rodriguez Padilla ciudad de Guatemala. Miembro del grupo TEI talle estudio investigación con métodos y estudios e investigación interdisciplinaria alrededor del arte contemporáneo dirigido por Roberto Cabrera.
Prizes / Fellowships
- 2012: Mención honorífica en la I bienal indígena intercontinental Mexico D.F., Mexico.
- 2010: Ganador de la II ayudas para la creación artística, centro cultural de España, Guatemala.
- 2005: Finalista de arte latinoamericano Juannio, Guatemala.
- 2003: mención honorifica Helvetas, cooperación Suiza en Guatemala.
- 2002: tercer lugar en el salón nacional de acuarela, ministerio de cultura y deporte.
- 2001: Segundo lugar en pintura, jóvenes+ humanitarios Guatemala.
Solo Exhibitions
- 2012: “B`ATZ`”, Galería Panza verde, Antigua, Guatemala.
- 2012: “P`ICH YA`”, Galería Kilometro Cero, Palacio Nacional de la Cultura Ciudad de Guatemala.
- 2010: “PODERES OCULTOS”, Centro Cultural de España, Guatemala.
- 2001: “MEMORIAS”, salón de exposiciones San Pedro La Laguna, Sololá.
Group Exhibitions
- 2013: “Subasta de arte Latinoamericano Juannio”, SOMA centro cultural Guatemala.
- 2012: “Bienal Indígena Intercontinental”, Museo de arte popular México, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Simposio de escultura”, Antigua Guatemala
- 2012: “FIN DE CICLO”, Centro Cultural Hermanos Aguilar, San Salvador, El Salvador.
- 2011: “Subasta de arte Latinoamericano Juannio”, Museo de arte Moderno Guatemala.
- 2010: “XVII bienal de arte Paiz“, Guatemala.
- 2010: “Subasta de arte Latinoamericano Juannio”, Museo de arte Moderno Guatemala.
- 2009: “Subasta de arte latinoamericano Juannio. MORFO Arte joven emergente”, Centro Cultural Metropolitano, Guatemala.
- 2007: “OTRA MIRADA”, Centro Cultural Luis Cardoza y Aragon, Embajada de Mexico, Guatemala.
- 2007: “SHHH”, Centro Cultural de España, Guatemala.
- 2007: “Subasta de arte latinoamericano, Juannio”, Museo de Arte Moderno, Guatemala.
- 2004: “GUATERICA”, Museo del Niño, San José, Costa Rica.
- 2004: “Arte Mixto, Comunicarte”, Museo Santo Domingo, Antigua, Guatemala.
- 2004: “Agua color de vida”, Helvetas, Guatemala.
- 2002: XIII bienal de arte paiz, Guatemala.
Publications
- Catalogo de la I bienal continental de artes indígenas contemporáneas, Mexico 2012
- Catalogos de juannio 2013, 2011, 2009, 2007, 2006 y 2005, Guatemala.
- Catalogo de la XVII bienal de arte paiz, Guatemala.
Collections
- Lars Romer Coppenhague, Denmark.
- Dexter Lelain San Francisco, USA.
- Chris Eaton Antigua, Guatemala.
Links
- Antonio Pichillá, “Nudo”, 2012, Wood and fabric, 48 x 63 in. (122 x 160 cm). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichillá, “Nudo”, 2011, Wood and textile, 39 x 28 in. (100 X 70 cm), Guatemala, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichillá, “Quipo”, 2004, Wood and textil, 39 x 19 x 1.5 in. (100 x 50 x 4 cm), Guatemala, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichillá, “Quetzalcoatl,” 2010, Fabric, 390 x 156 x 19 in. (1000 x 400 x 50 cm), Guatemala, Photo credit: Carlos Lilo.
- Antonio Pichillá, “La piedra del sol”, 2008, Fabric, 39 x 39 x 4 in. (100 x 100 x 10 cm), Guatemala, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichillá, “Glifo de kukulkan”, 2010, Stone and paraffin, 11 x 17 x 1.5 in (28 x 43 x 4 cm)., Guatemala, Credit: Rene de Carufel.
- Antonio Pichillá, “Glifo”, 2010, Wood and paraffin, 8 x 11 x 1.5 in. (21 x 28 x 4 cm), Guatemala, Credit: Rene de Carufel.
- Antonio Pichillá, “Lo oculto”, 2005, Wood and fabric, 25 x 25 x 9 in. (65 x 65 x 24 cm), Guatemala, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichillá, “El viaje”, 2010, Wood and fabric, 39 x 39 x 10 in. (100 x 100 x 24 cm), Guatemala, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichillá, “Anudar y desanudar”, 2012, Oil on canvas, 61 x 71 in. (155 x 180 cm), Guatemala, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichillá, “Vida”, 2011, parafina, 12 x 8 x 4 in. (30 x 20 x 10 cm), Mexico, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichillá, “Instalando energia”, 2012, Oil on canvas, 24 x 18 in. (60 x 45 cm), Guatemala, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichillá, “Instalando energia”, 2013, Oil on canvas, 73 x 43 in. (185 x 135 cm), Guatemala, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichillá, “Quetzalcoatl”, 2010, DVD video: 56 sec, Guatemala, Credit: filming and editing: Francisco Quiacain.
- Antonio Pichillá, “Me consume”, 2010, DVD video: 2 min y 16 sec, Guatemala, Credit: filming: Juan Manuel Sepulveda, editing: Francisco Quiacain.
- Antonio Pichilla, “abuelo”, 2013, Stone and artisan fabric, 30 x 20 x 10 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichilla, “glifo”, 2011, Stone and parafifn wax, 10 x 30 x 30 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichilla, “quipo”, 2014, Oil on canvas and artisan fabric, 100 x 55 x 8 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichilla, “quipo”, 2014, Oil on canvas and artisan fabric, 120 x 80 x 10 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichilla, “energia”, 2013, Oil on canvas, 200 x 120 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio Pichilla, “b’atz’ enrollar y desenrollar”, 2010, Oil on canvas and thread, 114 x 30 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Antonio pichilla, “negro anudado”, 2014, Oil on canvas, wood and metal, 107 x 65 x 10 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Artists have not conformed to being simply artists; they have also needed to create a theoretic framework. Generally, artists have been their own theorists, they have created their own arena as artists, have believed necessary to take a position not only in order to make their works but to create their own world, their own code… Everything we do and think exists, in only in a way. What happens is what we make evident. There are artists that speak about their own trade and who take great pleasure in giving explanations. In my case, I have a lot of issues when analyzing my own work. There are also artists that are better orators than creators… What I meant to say is that their theory often goes beyond their own work. The tendency to take theorist definitions about art, in some cases, traps them in their own creation. In my interactive or motorized works I try to introduce movement with the intention of avoiding a single and fixed phase, and the possibility of perpetual change to make evident the quality of matter and its behavior. I rely on manual or mechanic grounds to animate the work, in which mobility is an accident, creating changing situations just as it occurs at every moment in nature. When I say this, I am based on kinetic art concepts that I acquired very late, in the year ’68 when I arrived in Paris for the first time. It was shocking to discover new ways of tackling art, since I was a gestural artist… The encounter with artists such as Soto, Cruz-Diez, Camargo, Le Parc, Lygia Clark, etc., created a conflict in me, which took me to a contradiction of my previous work. Later I understood that the situation was a possible exit to a new way of seeing, to a new experience… Nevertheless, it is good to say that in my work method is closer to a gestural painter than to a constructivist or kinetic artist. In any case, what is proposed by an artist or creator is not to make “good paintings” or pay the bills, but to try to invent, modify certain established structures despite all the contradictions that this may represent…
Los artistas no se han conformado con simples artistas también han necesitado un marco teórico. Generalmente han sido sus propios teóricos, han creado su propio terreno como artistas, han creído necesario tomar posición no solamente para hacer obras, sino para fabricar su proprio mundo, su propio código… Todo lo que hacemos y pensamos existe de una cierta manera tan solo, lo que pasa, es que lo ponemos en evidencia. Hay artistas que hablan de su proprio oficio y que tienen gran placer en dar explicaciones. En mi caso, yo, tengo muchísimos problemas en analizar mi propia obra. También hay artistas que son mejores conversadores que creadores… lo que quiero decir es que su teoría muchas veces va más allá de su propia obra. La tendencia a tomar definiciones teóricas sobre el arte, en ciertos casos, los encierran en su propia creación. En mis obras manipulables o motorizadas, trato de introducir el movimiento con la intención de evitar una fase fija y única y la posibilidad del cambio perpetuo para evidenciar la calidad de la materia y su comportamiento. Me apoyo en fundamento mecánico o manual para animar la obra en la que la movilidad es un accidente creando situaciones siempre cambiantes como ocurre a cada instante en la naturaleza. Cuando digo esto, me baso en conceptos del arte cinético que yo adquirí bastante tarde en el año 68 cuando yo llegue a Paris por la primera vez. Para mí fue un impacto descubrir nuevas maneras de afrontar el arte, siendo yo un artista gestual… El contacto con artistas como Soto, Cruz-Diez, Camargo, Le Parc, Lygia Clark, etc… Crearon en mí un conflicto que me llevo a una contradicción con mi trabajo anterior. Pero luego comprendí que esa situación era una posible salida a una nueva manera de ver, a una nueva experiencia… Sin embargo, es bueno decir, que mi método de trabajo está más cerca de un pintor gestual, que de un artista cinético constructivista. En todo caso, lo que se propone un artista o creador no es de hacer “buena pintura” o buena factura sino trabar de inventar, modificar ciertas estructuras establecidas a pesar todas las contradicciones que esto pueda representar…
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1950-1958: Fine art training. School of fine art – Arturo Michelena, Valencia, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- 14 prizes given by Venezuelan Salons and Museums along with a prize by Vitry City, France.
Solo Exhibitions
- 2013: “Usuyuki / Chantier”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
- 2010: Espace Meyer Zafra, Paris, France.
- 2001: “Monochrome, matière, movement”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
- 2000: University of Los Andes, Merida, Venezuela.
- 2000: Museum of Art, Tovar, Merida, Venezuela.
- 1998: Centre de Culture et de Jeunesse, Neuilly sur Seine, France.
- 1995: Embassy of Venezuela, Paris, France.
- 1993: Haus van der Redoute, Bonn, Germany.
Group Exhibitions
- 2012: “10 works in the shop windows”, Hermes of Paris, NY, Monaco, Hong-Kong.
- 2012: “Fondation Datris”, L’Isle-sur-la-Sorgue, France.
- 2011-2012: Espace Meyer Zafra, France.
- 2009: “Atlas Sztuki”, Lodz, Poland.
- 2006-2012: Art Paris Art Fair, Grand Palais, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
- 2006: “Collective Show Une Histoire du Cinétisme”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
- 2005: “Collective Show Autour de Soto”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
- 2004: “Collective Show Movement and Abstraction”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
- 2003: “4 Maitres du Venezuela”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
Collections
- Musèe des Beaux – Arts, Caracas, Venezuela.
Links
- Manuel Mérida, “Cercle Uniblanco”, 2012, Painted wood, pigments, metallic stems, glass, motor, Diameter: 103 cm. Photo credit: Mattheir Ferrier.
- Manuel Mérida, “Circulo Orange Signal”, 2012, Wood, pigments, glass, motor, Diameter: 150 cm. Photo credit: Hermés International.
- Manuel Mérida, “Circulo Amarillo”, 2011, Wood, pigment, glass, motor, 81 cm, Courtesy Espace Meyer Zafra.
- Manuel Mérida, “Cercle Brun Oxyde, 2013”, Wood, pigments, metallic stems, glass, motor, Diameter: 97 cm. Photo credit: Mattheir Ferrier.
- Manuel Mérida, “Cercle Rose Tyrien”, 2012, Wood, pigments, glass, motor, Diameter: 120 cm. Photo credit: Espace Meyer Zafra.
- Manuel Mérida, “Cercle Noir”, 2011, Wood, pigments, glass, motor, Diameter: 160 cm. Photo credit: Espace Meyer Zafra.
- Manuel Mérida, “Cercle Bleu Outremer”, 2011, Wood, pigments, glass, motor, Diameter: 160 cm. Photo credit: Philippe Illiesco.
- Manuel Mérida, “Cercle Rouge Capucine”, 2012, Wood, pigments, glass, motor, Diameter: 161 cm. Photo credit: Philippe Illiesco.
- Manuel Mérida, “Cercle Rouge Vermillon”, 2013, wood, pigments, glass, motor, Diameter: 125 cm. Photo credit: Mattheir Ferrier.
- Manuel Mérida, “Circulo Britancio”, 2013, Wood, pigments, glass, motor, Diameter: 130 cm. Photo credit: Mattheir Ferrier
- Manuel Mérida, “Cercle Vert Veronése”, 2012, Wood, pigments, glass, motor, Diameter: 153 cm. Photo credit: Philippe Illiesco
- Manuel Mérida, “Cercle Bleu Gris”, 2012, Wood, pigments, glass, motor, diameter: 87 cm. Photo credit: Espace Meyer Zafra.
- Manuel Mérida, “Petite Boite Jaune”, 1992, Wood, pigments, glass, 40 x 40 x 6 cm. Photo credit: Espace Meyer Zafra.
- Manuel Mérida, “Usuyuki/Bidon”, 1992, 270 x 250 cm. Photo credit: Philippe Illiesco.
- Manuel Mérida, “Circulo Dorado”, 2012, Gold metallic paint on wood, glitters, glass, motor, Diameter: 100cm. Photo credit: Matthieu Ferrier.
Selected Biographical Information
Prizes / Fellowships
- 1998: UNESCO-Aschberg, London, UK.
Solo Exhibitions
- 2013: “Stairway to Heaven”, Dot fiftyone, Miami, USA.
- 2013: “Geometría 4 en kilo”, Galería Artepuy, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Todasana”, Venezuela.
- 2012: Hand painted drums for the tradicional Saint John Festival in the town of Todasana, Venezuela.
- 2011: Pepe López en la Residencia de Francia, French embassy in Caracas, Venezuela.
- 2010: “Oxigone punk & the gossip lines series”, Galerie 13-Jeannette Mariani, Paris, France.
- 2010: “Puño e cruces”, Galería Fernando Zubillaga, Caracas, Venezuela.
- 2009: “Money boom”, Galerie 13-Jeannette Mariani, Paris, France.
- 2008: “Big, Bang, Boom”, Galería Fernando Zubillaga, Caracas, Venezuela.
- 2008: Project room, Hardcore Art Contemporary, Miami, USA.
Group Exhibitions
- 2014: “New Territories: Design, Art and Craft from Latin America 2000-2013”, Museum of arts and design New York City, USA.
- 2014: “5×5 Real un-real”, Venezuelan American Endowment for the Arts, New York City, USA.
- 2013: “Utopías de ilusión”, Kiosco, NUBE gallery, Santa Cruz, Bolivia.
- 2012: “5×5, Real-un real”, Museo de arte Acarigua-Araure, Acarigua, Venezuela.
- 2012: “The wave”, Molaa, Los Angeles, USA.
- 2012: 6emme Bienal d’art contemporain de Marcigny, France.
- 2012: “País en vilo”, Faria-Fábregas, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Línea crítica 2”, Artepuy, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Blanco y negro”, Galería Fernando Zubillaga, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Gego, testimonios y vigencia”, Museo de arte Contemporáneo, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Línea crítica 1”, Artepuy, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Dibujo reposicionado”, 39 Galería, Caracas, Venezuela.
- Pepe López, “Puño e cruces”, 2010, 400 bamboo kites’ structures installation, Variable and adaptable dimensions. Location: Galería Fernando Zubillaga, Caracas. Photo credit: Carlos German Rojas
- Pepe López, “Puño e cruces”, 2010, 400 bamboo kites’ structures installation, Variable and adaptable dimensions. Location: Galería Fernando Zubillaga, Caracas. Photo credit: Carlos German Rojas
- Pepe López, “Puño e cruces”, 2010, 400 bamboo kites’ structures installation, Variable and adaptable dimensions. Location: Galería Fernando Zubillaga, Caracas. Photo credit: Carlos German Rojas
- Pepe López, “La sexualidad contaminada”, 1992, Ten thousand meters of water hoses come out of the gallery walls, spreading all over the exhibition space, Variable and adaptable dimensions. Location: Sala Mendoza, Caracas. Image courtesy of the artist
- Pepe López, “Echando un Macadam”, 2006, in collaboration with dj Lupita Plata, performance consisting of a large central pile of discarded printing paper, placed in the middle of a room. The artist invites the public to spread, along with him, the scrap papers on the gallery floor, until it becomes fully covered, Variable dimensions. Location: Galería Fernando Zubillaga. Image courtesy of the artist
- Pepe López, “Echando un Macadam”, 2006, in collaboration with dj Lupita Plata, performance consisting of a large central pile of discarded printing paper, placed in the middle of a room. The artist invites the public to spread, along with him, the scrap papers on the gallery floor, until it becomes fully covered, Variable dimensions. Location: Galería Fernando Zubillaga. Image courtesy of the artist
- Pepe López, “Geometría 4 en kilo”, 2013, Puzzle of 500 cardboard cut-out pieces, resulting from the forms drawn after the projection of the buildings of Petare, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Pepe López, “Geometría 4 en kilo”, 2013, Puzzle of 500 cardboard cut-out pieces, resulting from the forms drawn after the projection of the buildings of Petare, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Pepe López, “Todosana”, 2012, Work in collaboration with artist and musician Armando Pantoja, 40 hand carved wooden drums, painted wiyh colorful geometric shapes ,Variable dimensions. Image courtesy of the artist
- Pepe López, “Todosana”, 2012, Work in collaboration with artist and musician Armando Pantoja, 40 hand carved wooden drums, painted wiyh colorful geometric shapes ,Variable dimensions. Photo credit: Paloma López
- Pepe López, “Todosana”, 2012, Work in collaboration with artist and musician Armando Pantoja, 40 hand carved wooden drums, painted wiyh colorful geometric shapes ,Variable dimensions. Photo credit: Isabela Eseverri
- Pepe López, “Mondrian meets Hansaplast”, 2005, Performance, band-aids on wall, Diameter 260 cm. Photo credit: Carlos Márquez
- Pepe López “Caracas mapa #5”, 2012, Series: Fantastic plastic, Urban Cartographies, Collage on paper, Variable dimensions, Private Collection. Photo credit: Paloma López
- Pepe López, “Caracas Showime”, 2010, Series: Fantastic Plastic, Collage on tar, Variable dimensions. Image courtesy of the artist
- Pepe López, “Geometría blanda”, 2010, 300 Chinese plastic bags, stitched one over the other, 39 x 39 cm. Private Collection. Photo credit: Carlos Germán Rojas
Translated from Spanish
We paint blindly, we see through the canvas, we perceive with more senses. Is painting tabula rasa? Is it writing over writing? I fall in love again and it is as if I would have lost the instructions or if I never had them. I exist between the intersection of two times—the one of my digital mind and the one that belongs to oil painting’s ancient times; in the crossroads between contemporary observation and painting’s historical practice. I think about art history as a palimpsest and I put in tension the discourse of the images by considering a blind painting. Present over present, I rip the canvas so that times can meet. I examine the minimal, looking for painting’s DNA, in such a way that when extracted from a totality it can be included in another, dragging its meaning. I work with reminders, with vestiges, the part that remains in everything, following the traces of what seems to have been left out of sight, what has been discarded from the history of painting and from my own history. The works manifest the preoccupations that surround my work since the beginning: the friction between the acceleration of the world and the delay of pictorial production, the flattening of history and its availability, the change from a narrative flow to the horizontal perception of time. The ludicrous acceleration that our visual perception is put through. I point out in which way painting, its production, as well as its perception and observation, can produce a temporary cradle, an extension of the perception of time and thus an enhancement of its accessibility.
Se pinta a ciegas, se ve a través del lienzo, se percibe con más sentidos. ¿Pintar es tabula rasa? ¿Es escritura sobre escritura? Me vuelvo a enamorar, y es como si hubiera perdido las instrucciones o nunca las hubiera tenido. Me sitúo en la intersección de dos tiempos, el de mi mente digital y el tiempo ancestral del óleo. En el cruce entre el mirar contemporáneo y la práctica histórica de la pintura. Pienso la historia del arte como un palimpsesto y pongo en tensión el propio discurso de las imágenes en el planteo de una pintura a ciegas. Presente sobre presente, rasgo el óleo, así los tiempos se encuentran. Examino lo pequeño, buscando el ADN de la pintura, de tal forma que extraído de una totalidad pueda ser incluido en otra, arrastrando el sentido. Trabajo con los restos, los vestigios, la parte que queda del todo, siguiendo los rastros de lo que parece haber quedado fuera de la vista, que ha sido desechado, en la historia de la pintura y en mi propia historia. Las obras manifiestan las preocupaciones que rondan mi trabajo desde el comienzo: la fricción entre la aceleración del mundo y la morosidad de la producción pictórica, el aplanamiento de la historia y su disponibilidad, el cambio del discurrir narrativo a la percepción horizontal de la temporalidad. La disparatada aceleración a la que es sometida nuestra percepción visual. Señalo de qué modo la pintura, su producción, pero también su percepción y observación, produce una cuña temporal, una ampliación de la percepción del tiempo y por lo tanto un aumento de su disponibilidad.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1978-1979: Universidad de Buenos Aires, Facultad de Filosofía y Letras, Carrera de Filosofía, Buenos Aires, Argentina.
- 1999-2000: Clínicas de Análisis de Obra con Tulio de Sagastizabal, Buenos Aires (Argentina). 2001-2007: maestra en el Posgrado de la Universidad de Buenos Aires, Argentina.
- 2010: El texto de la obra, taller de escritura para artistas, que dicta de modo particular y en diversas instituciones, como Centro de Investigaciones Contemporáneas (2012) y Universidad Di Tella (2014).
Prizes / Fellowships
- 2012: Beca Nacional a la Creación en Artes Visuales, Fondo Nacional de las Artes, Argentina.
- 2011: Primer Premio, XV Premio Klemm a las Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: Premio Itinerancia Andreani con PintorAs, Buenos Aires, Rosario, Salta, Corrientes, Argentina.
- 2005: Beca Programa Intercampos Fundación Telefónica, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: Mención Especial del Jurado, Concurso de Pintura Fundación Deloitte, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2013. “Lo Intratable”, Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “La Celebración De La Materia, El Color Y La Forma”, Praxis, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “El Libro De Las Excepciones”, Casa Triangulo, Sao Paulo, Brazil, and Zavaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
- 2007: “Temporal”, Zavaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
- 2006: “Concentrada”, Casa Triangulo, San Pablo, Brazil.
Group Exhibitions
- 2013: “Algunos Artistas 90 / Hoy”, Proa, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Diálogo De Musas”, Osde, Rosario, Argentina.
- 2012: “Últimas Tendencias Ii”, Mamba, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Geométricos Hoy-Caminos En Expansión”, Museo Caraffa, Córdoba, Mac, Salta.
- 2011: “PintorAs”, Paris, Francia /V Premio Banco Central, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- 2013: Daniel Molina / El discreto arte de la sedimentación /Perfil / 29 de septiembre de 2013.
- 2013. Rosario Bléfari / La función del otro lado / Catálogo / Octubre de 2013.
- 2011: Ana María Battistozzi / El camino hacia la abstracción / Revista eñe Suplemento cultural de Clarin / 6 de Diciembre de 2011.
- 2010: Verónica Gómez / Los ríos de la mente / Diario Página 12 Suplemento Radar / 10 de Octubre de 2010.
- 2010: Dolores Curia / Íntima Excepción / Diario Página 12 Suplemento las 12 / 1 de Octubre de 2010.
Collections
- Oxenford, Buenos Aires, Argentina.
- Alejandro Ikonicoff, Buenos Aires, Argentina.
- Esteban Tedesco, Buenos Aires, Argentina.
- James Martin, Washington, U.S.A.
- Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO), Rosario, Argentina.
- Silvia Gurfein, “La física de los relojes y la física de las nubes”, 2009, Oil on canvas, 133 x 95 cm. Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Have you fed the fish today? Have you made your wish today?”, 2006, Oil on canvas, 150 x 150 cm. Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Perfecto error”, 2007, Oil on canvas, 150 x 150 cm. Argentina, Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “s/t (ensayo sobre la imposibilidad de ver)”, 2005, Serie: ensayo sobre la imposibilidad de ver, Oil on canvas, 150 x 150 cm. Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “s/t (canción infinita para cruzar el tiempo)”, 2004, Serie: canción infinita para cruzar el tiempo, Oil on canvas, 50 x 50 cm. Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Carta a los videntes para uso de los ciegos” (Detail), 2013, Serie: Lo intratable, Oil on canvas, board, easels, Variable (110 x 170 x 80 cm). Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Excavación”, 2013, Serie: Lo intratable, Oil on canvas, 157 x 97 cm. Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Sublimatum Lotum”, 2009, Oil on canvas, 150 x 150 cm. Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Fulgor de un canto antiguo” (instalación modular), 2010, Oil on canvas., Variable (400 x 700 cm total, cada pieza entre 150 y 230 x 7 y 10 cm). Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Desertor”, 2004, Serie: Frecuencias fuera, Oil on canvas, 85 x 157 cm. Argentina, Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Del capítulo en el que nuestra heroína encuentra oro”, 2010, Serie: El libro de las excepciones, Oil on canvas, 50 x 42 cm. Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Una distancia inexplicable”, 2010, Serie: El libro de las excepciones, Oil on canvas, 38 x 50 cm. Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Pierdo el tiempo”, 2007, Oil on canvas, (Diptych) 40 x 40 cm each. Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Pierdo el tiempo”, 2007, Oil on canvas, 45 x 38 cm. U.S.A, Photo credit: Gustavo Lowry.
- Silvia Gurfein, “Pierdo el tiempo”, 2007, Oil on canvas, 37.5 x 21 cm. Photo credit: Gustavo Lowry.
Translated from Spanish
Extract from “Fernanda Laguna. Central desde los márgenes” by Inés Katzenstein, in Otra Parte Revista de Letras y Artes, no. 28, Autumn-Winter, 2013 […] The artistic language is a language of communication; a language to speak outside of the art system, outside of the institution of art. It is a form of communication—it should not be a code within a closed system. […] To me, art allows a collective ritual from something personal. It is about sharing something. It is about revealing to other people a very personal experience through which an object or situation is created. […] Sometimes I depart from an idea, not always; sometimes I let myself be guided by the physicality of the act of painting. Sometimes I start by just moving the brush with a little bit of black acrylic paint because I am seduced by the shine of that color, and I begin with that first sensation of the need to paint. Then I paint a cat or anything, and I keep painting the following needs that come up, which sometimes are basic needs that arise from having seen something on the table, but I never say “I am going out to buy green yarn.” If I have pink yarn, I make everything with pink yarn—I think the reason it is there is because it’s calling me. And I let myself be taken by the emotion that the materials produce in me; the lines or curves, the colors… I see something such as a textured wall and I say “I will put a texture here,” and I avoid asking myself if that is good or bad (which is something that is hard for me, but I avoid thinking about it because many times I paint things that I don’t like) or if there is something that appears as a necessity and I don’t like it. And if I were to say “I don’t like it,” and would take it out, I would miss the opportunity of learning something new. Then I try to keep going or postpone, and at some point something will come out of that.
Fragmento de “Fernanda Laguna. Central desde los márgenes” por Inés Katzenstein, en Otra Parte Revista de Letras y Artes, no. 28, Otoño-Invierno, 2013 […] El lenguaje artístico es un lenguaje de comunicación, un idioma para hablar fuera del sistema del arte, fuera del instituto del arte. Es una forma de comunicación, no debería ser un código dentro de un sistema cerrado. […] Para mí el arte logra hacer un ritual colectivo de algo personal. Se trata de compartir algo. Se trata de revelar a otras personas una experiencia muy personal a partir de la cual se crea un objeto o situación. […] A veces parto de una idea, a veces no, a veces me dejo llevar bastante por lo físico del pintar. A veces empiezo solamente moviendo el pincel con un poco de acrílico negro porque me seduce el brillo de ese color, y empiezo con esa primera sensación de necesidad de pintar. Y entonces pinto una gata o cualquier cosa y sigo pintando las siguientes necesidades que me van surgiendo, que a veces son necesidades muy básicas que surgen de haber visto algo en la mesa, pero nunca me pasa que digo “voy a salir a comprar lana verde”. Si tengo lana rosa hago todo con lana rosa, igual si está ahí es porque me llama. Y voy dejándome llevar por la emoción que me producen los materiales, las rectas o las curvas, los colores… veo algo como una pared texturada y digo “voy a poner una textura acá”, y evito pensar si está bueno o no –algo que me cuesta, pero evito pensarlo porque muchas veces pinto cosas que no me gustan–, o hay algo que aparece como una necesidad y no me gusta. Y si dijera “no me gusta” y lo sacara, me perdería la posibilidad de conocer algo nuevo, entonces intento seguir y posponer y en algún momento algo se arma.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Escuela Superior de Artes Visuales Prilidiano Pueyrredón, Profesora Nacional de dibujo y pintura, Estudios completos, Ciudad de Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 1994: Beca Kuitca, Ciudad de Buenos Aires, Argentina.
- 2006-2009-2001: Beca Fondo Nacional de las Artes.
- 2007: Beca Foundation for Arts Iniciatives.
Solo Exhibitions
- 2012: “No confíes en lo que ves”, Galería Nora Fisch, Bs.As. Argentina.
- 2010: “Individual”, Galería Mite, Bs.As, Argentina.
- 2009: “El mensaje de las formas”, Galería Miaumiau, Bs.As. Argentina.
- 2008: “La ama de casa”, Galería Dabdah-torrejón, Bs.As. Argentina.
- 2004: “Ella está viva”, Espacio SUBTE, Montevideo, Uruguay.
Group Exhibitions
- 2013: 9 Bienal del MERCOSUR, Porto Allegre, Brazil.
- 2010: “Fetiches críticos”, Centro de arte dos de Mayo, Spain.
- 2010: “Colectiva”, Larissa Goldston Gallery, New York, USA.
- 2009: “Escuelismo”, Museo de Arte Latinoamericano, Argentina.
- 2009: “Vínculos rituales y retazos de Magia”, Galería Alberto Sendrós, Arte BA, Bs.As. Argentina.
Publications
- 2012: Prince Claus Awards texto por César Aira.
- 2011: Desbunde y felicidad Editotial Blatt y Ríos.
- 2010: Poéticas contemporánes Fondo Nacional de las Artes.
- 2009: Escuelismo Museo de Arte Latinoamericano.
- 2008: Industria Argentina arte contemporáneo en construcción.
Links
- Fernanda Laguna, “Francis”, 2011, Series: Mimbres, Acrylic on canvas and wicker, 170 x 130 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “Amor te quier mucho”, 2010, Series: Mimbres, Acrylic on canvas and wicker, 100 x 80 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “Los jóvenes”, 2013, Series: formas negras, Acrylic on canvas, 70 x 60 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “La primavera”, el verano, 2013, Series: Formas negras, Acrylic on canvas, 63 x 45 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “Cuando las cosas se ponen raras”, 2012, Series: Formas negras, Acrylic on canvas, 58 x 57 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “La belleza 2013”, 2013, Series: Relieves, Acrylic on styrofoam, 45 x 39 x 10 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “La belleza 2013 II”, 2013, Series: relieves, Acrylic on styrofoam and feathers, 48 x 37 x 10 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “Puntas”, 2013, Series: Tapices, Tapestry in wool, 29 x 69 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “Rayos”, 2013, Series: Tapices, Tapestry in wool, 32 x 70 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “El aire”, 2013, Series: Tapices, Tapestry in wool, 71 x 31 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “Para siempre”, 2012, Series: Formas negras, Acrylic on canvas, 67 x 115 cm (Diptych). Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “Rayos II”, 1994, Series: Rayos, Acrylic on canvas, 21 x 73 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “Rayos I”,1995, Series: Rayos, Acrylic on canvas, 22 x 81 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “Rayos IV”, 1995, Series: Rayos, Acrylic on canvas, 20 x 73 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
- Fernanda Laguna, “57”, 2013, Series: Mimbres, Acrylic on canvas and wicker, 92 x 82 cm. Photo credit: Courtesy of artist.
A way to talk about the future while talking about the past. It is our present moment.
My multi-disciplinary practice, involving painting, sculpture, collages and manipulation.
Locations normally seen out the corner of the eye. The happy themes of arts, books, advertising, languages and different sources. Imagery from other eras where both treatment of the subject and the physical elements of the photography are current convention. Evoking narratives and memories through the juxtaposition of objects and images. I strive to create work that is highly charged and simultaneously empty.
My eclectic use of materials – including resin, aluminum, wood or clay—develops my fascination with the visual importance and presentation of objects. Working with photography, and painting my interests have evolved into the realms of 3D, presenting still images in an ever more engaging and dynamic set-up. Sometimes obscures parts of my found photographs and magazine cutting—playing on the interpretation and interplay between images—after my careful arrangement.
My work might also be interpreted as a comment on populist vs. elitist art. But they’re certainly not meant as criticism, as I am interested in both high and low culture and materials itself.
Traducido del inglés
Una forma de hablar sobre el futuro mientras se habla del pasado. Es nuestro momento presente. Una práctica multidisciplinaria, que incluye pintura, escultura, collage y manipulación. Lugares normalmente vistos de reojo. Los temas felices de las artes, libros, publicidad, lenguajes y diversas fuentes. Imágenes de otras eras donde el tratamiento del tema y los elementos físicos de la fotografía son la convención actual. Evocar narrativas y memorias por medio de la yuxtaposición de objetos e imágenes. Lucho por crear obra que está cargada de contenido y es vacía a la vez.
Mi uso ecléctico de materiales, incluyendo resina, aluminio, madera o arcilla, desarrolla mi fascinación con la importancia visual y la presentación de los objetos. Trabajando con fotografía y pintura, mis intereses han evolucionado hacia el campo de la tercera dimensión, presentando imágenes fijas en configuraciones más dinámicas e interesantes. Mi obra también puede ser interpretada como un comentario del arte populista vs. elitista, pero ciertamente no están hechas como crítica, puesto que también estoy interesado en materiales elevados y de cultura popular.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2009 – 2010: International Studio and Curatorial Program, New York, USA.
- 2009: School of Visual Arts SVA, New York, USA.
- 1996 – 2000: BFA, UFT of Chile, Santiago, Chile.
Prizes / Fellowships
- 2014: APT, Artist Pension Trust, New York – México, USA.
- 2012: Dirac “Visible Arquitects” Chilean art at a global crossroads, Chile.
- 2011: Nes Artist Lista Midstod, Skagaströnd, Iceland.
- 2010: Nominate Scholarship Beca, Gasworks ResidencIes London-UK.
- 2010: International Studio and Curatorial Program ISCP NY-USA.
- 2009: International Studio and Curatorial Program ISCP NY-USA.
Solo Exhibitions
- 2014: “I with out Kleenex“, ArtEspacio, Santiago, Chile.
- 2012: “Fall and Fold“, The Goma, Madrid, Spain.
- 2011: “20 minutes of weight“, The Goma, Madrid, Spain.
- 2011: “Okk Raum/29″, Okk Raum/29, Berlín, Germany.
Group Exhibitions
- 2014: “Eleven Rivington“, Eleven Rivington, New York, USA.
- 2013: “Restos Impresos”, LIMAC MUSEUM, Lima, Perú.
- 2013: Biennial Museo del Barrio “Here is where we jump”, Museo del Barrio, New York, USA.
- 2013: “Visible arquitects“, Chilean Embassy Washington DC, Washington DC, Chile.
- 2013: “Arco Highlighted artist “, Arco Madrid – The Goma, Madrid, Spain.
Publications
- 2014: Art in America, “Exhibitions The Lookout“, Art in America, July 2014 , 1.
- 2013: Arco 2013 Catalogue“Hightlighted artist”.
- 2013: AD Magazine Spain Arco 2013.
- 2012: Revista ED, fall and fol, d Carlos Loyola. Chile Agosto 2012.
- 2011: Adriana Herrera Téllez, Arte al Día ( Nov ). Pinta New York 2011.
- 2011: Adriana Herrera Tellez . Hispanic, NewYork, Pinta. Geometrías del Sur. New York. US.
- Pablo Jansana, “Untitled Nr 3 AbEx”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass and plexiglass, 23 x 17 in. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Munich circle”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass and plexiglass, 23 x 17 in. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Untitled Nr10, Gisele Freund”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass, plexiglass and aluminum, 23 x 17 in. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Untitled Nr10”, Adrienne Rich”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass, plexiglass, wood and aluminum, 23 x 17 in. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Untitled Nr6, Gloria Steiman + Dorothy Pitman”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass, plexiglass, wood and aluminum, 23 x 17 in. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Untitled Nr6, Sarah Lucas”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass, plexiglass, wood and aluminum, 23 x 17 in. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Untitled Nr11, Hannah Hock + Til Brugman”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass, plexiglass, wood and aluminum, Various dimensions. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Untitled Nr 3 Pina Bausch”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass wood and plexiglass, 23 x 17 in. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Untitled Nr 3 Georgia O’Keefe”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass wood and plexiglass, 23 x 17 in. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Untitled Nr5, Tracey Emin”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass, plexiglass, wood, aluminum, 23 x 17 in. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Untitled Nr5, Alice Neel”, 2012, Epson Ultrachrome PRO 4880 on MDF, fiberglass, plexiglass, wood and aluminum, 23 x 17 in. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Fall and Fold Solo Exhibition”, 2012, Mixed media, Variable dimensions. The Goma Gallery, Madrid. Spain, Photo credit: The Goma Gallery.
- Pablo Jansana, “W1&B1”, 2011, Resin epoxy and pigment on canvas, 102 x 59 in. Photo credit: Courtesy of artist.
- Pablo Jansana, “B1&B1”, 2011, Resin epoxy and pigment on canvas, 102 x 59 on. Photo credit: Thelma García.
- Pablo Jansana, “Fall and Fold Solo Exhibition”, 2012, Mixed media, Variable dimensions. The Goma Gallery, Madrid. Spain, Photo credit: The Goma Gallery.
Translated from Spanish
My work has been developing for the past few years as a study of the pictorial within an abstract perspective that many qualify as post-minimalist, and from which I seek to establish links and similarities with scientific thought, psychological experience and the organic and social models around us, through the development of comment based on visual experience.
Mi trabajo se desenvuelve desde hace varios años como una reflexión de lo pictórico dentro de una perspectiva abstracta que muchos califican de post-minimalista y en donde a través del desarrollo de comentarios basados en la experiencia visual, busco establecer vínculos y similitudes con el pensamiento científico, la experiencia psicológica y los modelos orgánicos y sociales que nos rodean.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1978 – 1980: Escuela Nacional de Pintura y Escultura “La Esmeralda” y Academia de San Carlos.
- 1980 – 1983: Escuela Nacional de Bellas Artes de París. Diploma de Dibujo, Mención Honorífica.
Prizes / Fellowships
- 2013: Mención al proyecto gráfico Procurada Corrupción de Fernando García Correa. Premio Quorum.
- 2011: Miembro del Sistema Nacional de Creadores.
- 2010: Beca de la Fundación Pollock-Krasner, USA.
- 2006: Premio de Adquisición. XIII Bienal Rufino Tamayo.
- 2005: Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del FONCA.
Solo Exhibitions
- 2012-2013: “Procurada Corrupción”, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Sombra de Bosque”, Arroniz Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- 2007: “Azúcar sobre papel”, Galería de Arte Mexicano, Mexico City, Mexico.
- 2006: “Mural temporal”, Museo Experimental EL ECO, Mexico City, Mexico.
- 2001: “4A2G”, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2010-2011: “Cimbra. Formas especulativas y armados metafísicos”, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Bella y Terca. Nueve argumentos sobre la pintura”, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2008: “Elefante Negro”, Museo Diego Rivera Anahuacalli, Mexico City, Mexico.
- 2006: “XII Bienal Rufino Tamayo”, Museo Tamayo, Mexico City, Mexico.
- 2005: “ECO. Arte Contemporáneo Mexicano”, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain.
Publications
- Procurada Corrupción / Fernando García Correa. Editorial RM. Impreso en Barcelona. Textos de Víctor Palacios, Miguel Ángel Ramos Sánchez, María Minera y Fernando García Correa. 2013.
- Carga útil. 39 artistas contemporáneos en el MAM. Fundación BBVA Bancomer. Museo de Arte Moderno. 2012.
- Alarca, 54 artistas contemporáneos. Talavera de la Reina, Catálogo, CONACULTA UDLA-Volkswagen. 2005.
- José María Parreño Ingeniosos enredos. Fernando García Correa y Franco Aceves Humana, en el catálogo de la exposición de la galería Almirante. 2005.
- Tobias Ostrander, “Líneas de tiempo”, (catálogo), Fernando García Correa Trabajos Recientes, Myto Arte Contemporáneo. 2002.
Collections
- Ministerio de Finanzas, Paris, France.
- Museo de Arte Contemporáneo Alvar y Carmen T. de Carrillo, Mexico City, Mexico.
- Museo de la SHCP, Antiguo Palacio del Arzobispado, Mexico.
- Museo de Arte Abstracto Manuel Felguerez, Zacatecas, Mexico.
- Fundación Cultural Omnilife, Guadalajara, Jalisco, Mexico.
- Fernando García Correa, “Sin título 4”, 2012, Series: Suculentas, Laser cut on paper, 5 sheets, 19.69 x 19.68 in. (50 x 50 cm). Photo credit: César Flores Ruiz
- Fernando García Correa, “Suculenta 2”, 2011, Series: Suculentas, Watercolor on paper, 13.97 x 20.07 in. (35.5 x 51 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, “Frotage (1)”, 2011, Graphite on paper, 8.85 x 23.62 in. (22.5 x 60 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, “Frotage (3)”, 2011, Graphite on paper, 17.91 x 11.41 in. (45.5 x 29 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, Series: Piel de Elefante IV, 2011, Acrylic on canvas, 37 x 123.62 in. (94 x 314 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, Series: Piel de Elefante III, 2010, Acrylic on canvas, 75 x 103.93 in. (190.5 x 264 cm). Private Collection, Mexico City. Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, Series: Piel deElefante II, 2010, Acrylic on canvas, 190 x 250 cm. Private Collection, Mexico City. Photo credit: Gerardo Helión.
- Fernando García Correa, “Carnaval”, 2010, Ink on paper, 12 x 17.91 in. (30.5 x 45.5 cm). Private Collection, Mexico City, Mexico. Image courtesy of the artist.
- Fernando García Correa, “Sombra de Bosque (K)”, 2010, Ink on paper, 12 x 17.91 in. (30.5 X 45.5 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, “Tokio Blues I (120-6)”, 2009, Acrylic on dibon, diameter 47.24 in. (120 cm). Photo credit: Gerardo Helión
- Fernando García Correa, “Sin título, (120-5)”, 2009, Acrylic on dibon, diameter 47.24 in. (120 cm). Museo de Arte Moderno Collection, Mexico City. Photo credit: Gerardo Helión
- Fernando García Correa, “21375R-S”, 2007, Series: Wakashan, Mineral ink on paper and wood, 83.85 x 59.05 in. (213 x 150 cm). Image courtesy of the artist.
- Fernando García Correa, “130250R2”, 2004, Acrylic on canvas, 51.18 x 98.42 in. (130 x 250 cm). Photo credit: Ramón Outón
- Fernando García Correa, “180180R1-2”, 2004, Acrylic on canvas, 70.86 x 141.73 in. (180 x 360 cm). Private Collection, Mexico City, Mexico. Photo credit: César Flores Ruiz.
- Fernando García Correa, “Nudo 1”, 2011, Series: Suculentas, Acrylic, fabric, wood, 38.58 x 48.03 in. (98 x 122 cm). Photo credit: César Flores Ruiz.
On painting
A wall, the painting, the floor, the ceiling, the mist in the room.
The organ, the flute, the hemlock.
The truth, the specter, the real.
What is it that lives?, said the hare to the tortoise, is it the hemlock or the rose? The rose said, it is me, I shall always live, whilst the room shall grow and the sound shall ring in our ears. But my life shall never cease. Please testify to this never-ending truth and you too, shall live as me.
Traducido del inglés
Sobre la pintura
Un muro, la pintura, el piso, el techo, la neblina en la habitación.
El órgano, la flauta, la cicuta.
La verdad, el espectro, lo real.
¿Qué es lo que vive?, dijo la liebre a la tortuga, ¿es la cicuta o la rosa? La rosa dijo,
soy yo, siempre viviré, mientras que la habitación crezca y el sonido repique en nuestros oídos. Pero mi vida nunca terminará. Favor de testificar a esta verdad sinfín y tú también vivirás como yo.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Derecho, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Prizes / Fellowships
- 2011: DAAD Berliner Kunstler programm, Berlin, Germany.
- 2003: Finalista Premio Luis Caballero, Planetario Distrital, Bogotá, Colombia.
- 1999: Premio Johnnie Walker en las Artes, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, Colombia.
- 1993: Primer Premio, VI Salón Regional, Corferias, Bogotá, Colombia.
- 1993: Beca Nacional de Creación, Colcultura, Corferias, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2012: “A door repeated and tha wardrobe fell”, Thomas Schulte Galerie, Berlín, Germany.
- 2011: “At Actium and a tribute to John McCracken”, DAAD Galerie, Berlin, Germany.
- 2008-2009: “El Salón de actos, “La tormenta de Constable”,”Plataformas verdaderas”, “Poblaciones”, Colegio de la Sagrada Familia, 41 Salón Nacional, Cali, Colombia.
- 2008: “Dentro del espacio expositivo”, Periférico Caracas, Caracas, Venezuela.
- 2003: “Local (tllaqpc)”, Premio Luis Caballero, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
- 2003: “Local (BOG-CCS)”, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Caracas, Venezuela.
- 2001: “Sin las palabras circundantes”, Museo de Arte Moderno, Bogotá, Colombia.
- 2001: “Sin las palabras circundantes”, Museo de Arte de la Universidad Nacional, Bogotá, Colombia.
- 1993: “Enchape”, Museo de Arte de la Universidad Nacional, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “Latin American Art at Hunter, From the Colección Patricia Phelps de Cisneros”, Hunter College, New York, USA.
- 2013: “A door repeated and the wardrobe fell”, abc art berlin contemporary, Berlin, Germany.
- 2011: “Beuys y mas allá – el enseñar como arte,” Versión Colombia, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá, Colombia.
- 2008: “Correspondences, Contemporary Art from the Colección Patricia Phelps de Cisneros”, Wheaton College, Norton Massachusetts, USA.
- 2008: “Geografias (in)visibles, Arte Contemporáneo Latinoamericano en la Colección Patricia Phelps de Cisneros”, Centro León, Dominican Republican.
- 2006: “Parallel Economies”, Wertz Contemporary, Atlanta, USA.
- 2005: “Cuerpo Plural, Abstraccionismos en la colección Maccsi”, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber, Caracas, Venezuela.
- 2005: “Diálogos, Colección Cisneros”, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia.
- 1995: “Mesótica- the america non representativa”, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José de Costa Rica.
- 1995: “Transatlántica- the america-europa non representativa”, Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
Publications
- 2013: Turme aus Alten Turen by Katrin Schirner.
- 2011: So malerisch kann Schrott sein, by Julia Gwendolyn Schneider, in: taz.die tageszeitung, Berlin.
- 2011: Kunst ist alles andere als Schrott, by Markus Woeller, in: sounds like me. com, Berlin.
- 2011: Schaut auf dieses Land, by Sebastian Frenzel, in: Monopol Magazin, Berlin.
- 2011: Boceto, Trampa e Instalación, by Sylvia Suárez, in: Beuys y más allá, Biblioteca Luis Angel Arango, Bogotá.
- 2009: Urgent, Various venues, Cali, Colombia, by Jens Hoffmann, in: Frieze.
- 2008: Moebius Strips por Gean Moreno, in: Art Nexus issue 73.
- 2006: Hey, something is happening out there! Natalia Gutiérrez, in: Arte al Día, Bogotá, 2006.
- 2006: Velocidades por Eugenio Espinoza, in: Art Nexus issue 61, Miami, 2006.
- 2005: Ilegibilidad por Eduardo Serrano, Alianza Colombo- Francesa, Bogotá.
- 2003: Local (BOG-CCS), El lugar del pensamiento por Carmen María Jaramillo, Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber, Caracas.
- 2003: Duración por María Iovino, Universidad Eafit, Medellín.
- 2002: Instalador by Jaime Cerón, Fundación Incertidumbre, octubre, Bogotá.
- 2001: Sin las palabras circundantes by María Iovino, Museo de Arte de la Universidad Nacional, Bogotá.
- 2011: Sin las palabras circundantes (Cronología), by María Iovino, Museo de Arte Moderno de Bogotá.
- 1998: A través del Espejo por Carmen María Jaramillo, Museo de Arte Moderno de Bogotá.
- 1998: Soporte por Carmen María Jaramillo, Centro Cultural William Shakespeare, Bogotá.
- 1993: Enchape by José Hernán Aguilar, Museo de Arte de la Universidad Nacional, Bogotá.
- 1992: Todo simplificado by Eugenio Espinoza, Galería Sotavento, Caracas.
- 1991: Adulterado by José Hernán Aguilar, El Tiempo, Bogotá.
Collections
- Colección Sayago y Pardon, Los Angeles.
- Colección Marie-Josée Kravis, New York.
- Colección Patricia Phelps de Cisneros, Caracas- New York.
- Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Sofia Imber.
- Museo de Bellas Artes de Caracas.
- Museo de Arte de la Universidad Nacional, Bogotá.
- Museo de Arte Moderno de Bogotá.
- Museo de Arte Moderno de Rio de Janeiro.
- Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali.
- Danilo Dueñas, “Parqueando de noche”, 1991, Painted wood, 29.3 x 71 cm, Private Collection. Photo credit: Oscar Monsalve
- Danilo Dueñas, “Cruz suprematista”, 1994, Painted wood, 37.4 x 26.5 cm, Private Collection. Photo credit: Oscar Monsalve
- Danilo Dueñas, “Taxonomía”, 2000, Painted wood and formica over formica, 96 x 40 cm,Private Collection.
- Danilo Dueñas, “Tllaqpc” (Installation detail), 2003, Formica, styrofoam and wood, Variable dimensions, Site specific project. Location: Galería Santa fe, Planetario Distrital. Photo credit: Victor Robledo
- Danilo Dueñas, “Poblaciones”, 2005, Wood and formica on wood, Private Collection. Photo Credits: Oscar Monsalve
- Danilo Dueñas, “Velocidades”, 2005, Found tape on wall, variable dimensions, Site specific project. Locations: Galería Casas Riegner. Patricia Phelps de Cisneros Collection. Photo credit: Oscar Monsalve
- Danilo Dueñas, “Paredes, pedestales y colchonetas encontradas de la anterior exposición y de la contrucción del espacio”, 2008, Walls, photos, tables, mattresses, dust, etc., Variable dimensions, Site specific project. Location: Periférico Caracas, “Dentro del espacio expositivo”. Image courtesy of the artist
- Danilo Dueñas, “L.A.”, 2008, Wardrobe, tires, and flasks of found chemicals, Variable dimensions, Site specific project. Location: 41 Salón Nacional, Cali, “Salón de Actos”. Image courtesy of the artist
- Danilo Dueñas, “Llanura dilatada”, 2009, Collage y painted wood, 44.8 x 44.6 cm, Photo credits: Oscar Monsalve
- Danilo Dueñas, “Guardaescobas destapados”, 2009, Removed baseboards, Variable dimensions, Site specific project. Location: Galería Casas Riegner. Photo credits: Oscar Monsalve
- Danilo Dueñas, “All the grey”, 2009, Found pedestals with sticky tape, Variable dimensions, Site specific project. Location: Galería Casas Riegner. Photo credits: Oscar Monsalve
- Danilo Dueñas, “El ojo redondo y austero de Courbet”, 2009, Collage and painted wood, 41 x 44 cm, Photo credits: Oscar Monsalve
- Danilo Dueñas, “Piano herido”, 2009, Found piano, packing covers, plastic and cardboard, Site specific project. Location: Galería La Cometa. Image courtesy of the artist
- Danilo Dueñas, “Vara”, 2009, Painted and sanded wood on formica, 60 x 42 cm, Private Collection. Photo credit: Oscar Monsalve
- Danilo Dueñas, “Cabinets for pictures”, 2011, Found exhibition tables, cables, florescent lamps, and works by the artist, Variable dimensions, Site specific project. Location: Biblioteca Luis Angel Arango, “Beuys y más allá”. Photo credit: Oscar Monsalve
Translated from Spanish
Which god, which infinite being can cease to be reduced into a single volume? For the iconoclast, the divine is indescribable, and every image of it is a lie. Precisely, the status of the image as such is the constant questioning that structures my work. Since my first exhibitions, the pop-style images began to run out, little by little, in their own repetition, until reaching present times, in which a symbolic bankruptcy of the image expropriated radically from its meaning, is defined in my most recent work. My current work is inscribed in this same process—the liberation of any symbolic association with reality. I have tried to settle in this equation, a discrete critical bias to the post-modern, which tries to idolize the maker of images in detriment of the image. The painter himself disappears and the spectator, used to the discourse of the figurative, ends up lost, facing the annulation of history and the vindication of the essential: form and color. Thus, in my work, I aim to confront certain canons of the Latin American image, through a problematization of the space: the obsession for narrative, the extreme sentimentality, the morbid fascination with the private. Opposite to that there is a constructive tension in search for something more universal, in spite of my own anxiety for harmony and thanks to an intimate conviction to my own elements.
¿Qué dios, qué ser infinito puede dejarse reducir en un sólo volumen? Para el iconoclasta, lo divino es indescriptible; y toda imagen de este, una mentira. Precisamente, el estatus de la imagen como tal es el constante cuestionamiento que estructura mi obra. Desde mis primeras muestras, las imágenes de corte pop se agotaban exhaustas, poco a poco, en su propia repetición; hasta llegar a la actualidad, en que una bancarrota simbólica de la imagen, expropiada radicalmente de su sentido, se concreta en mi obra más reciente. En este mismo proceso se inscribe mi proyecto actual: la liberación de cualquier asociación simbólica con la realidad. He intentado en esta ecuación cuajar un discreto sesgo crítico a lo post-moderno, aquel que se dedica a sacralizar al fabricante de imágenes en desmedro de la imagen. El pintor mismo desaparece y el espectador acostumbrado al discurso de lo figurativo termina extraviado frente a la anulación de la historia y la reivindicación de lo esencial: la forma y el color. Así, en mi obra pretendo a través de una problematización del espacio, confrontarme a ciertos cánones de la imagen latinoamericana: la obsesión por la narración, el sentimentalismo exacerbado, el morbo de lo privado. Frente a ellos se establece una tensión constructiva en búsqueda de algo más universal, a pesar de mi propia angustia por la armonía y gracias a una íntima convicción de mis propios elementos.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1994-2000: Escuela de Bellas Artes Corriente Alterna.
Prizes / Scholarships
- Medalla de Oro en la Escuela de arte Corriente Alterna(Lima, Peru).
- 2010- 2011: Beca de la Fundacion Cisneros.
Solo Exhibitions
- 2013: “IGNOTO“, Galeria Lucia de la Puente, Lima, Peru.
- 2012: “Superficies”, Galeria Luis Miroquesada Garland, Lima, Peru.
- 2011: “Concreto”, Galeria Lucia de la Puente, Lima, Peru.
- 2006: “Post”, Galeria Lucia de la Puente, Lima, Peru.
- 2005: “Boarding Pass”, Galeria Punctum, Lima, Peru.
- 2003: “Instrucción Manual”, Galeria Artco, Lima, Peru.
Group Exhibitions
- 2013: “La ultima Dacada”, Galeria icpna, Lima, Peru.
- 2013: Colectiva Galeria Fernando Pradilla, Madrid, Spain.
- 2010: Trienal de Chile, Santiago de Chile.
- 2006: “Miradas de Fin de Siglo, Transito de Imágenes”, Museo de Arte de Lima(MALI), Lima, Peru.
- 2001: “Emergencia”, Casa de America, Madrid, Spain.
Collections
- Coleccion Cisneros.
- Ella Cisneros.
- Eduardo Hoschild.
Links
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2011, Series: Concreto, Pallets / Polyurethane paint, mirror, 50 x 111 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2011, Series: Concreto, 46.9 x 93.8 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2011, Series: Concreto, Melamine / Polyurethane paint, 65.3 x 107.6 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2012, Series: Decapitados, Tapestry and acrylic, 57.6 x 85.3 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2012, Series: Decapitados, 42.3 x 53.8 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2012, Serie : Decapitados, Tapestry and acrylic, 26.9 x 38.4 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2012, Melamine and polyurethane paint, 69.2 x 230.7 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2012, 93.8 x 256.1 cm. Cisneros Collection. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2012, Pallets, plastic, intervention on wall, 84.6 x 84.6 cm. Eduardo Hoschild Collection. Image courtesy of the artist.
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2012, Series: transfiguraciones 25 piezas, Silkscreen on religious poster 1930, 19.2 x 26.9 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “Mirabilia 4”, 2013, Series: Mirabilia, Phenolic plywood, polyurethane paint, 46.9 x 170.7 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “Mirabilia 3”, 2013, Series: Mirabilia, Collage, silkscreen, 53.8 x 230.7 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “Mirabilia 2”, 2013, Religious poster and polyurethane paint, Variable dimensions. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “Mirabilia 3”, 2013, Intervention on poster with polyurethane paint, 50 x 69.2 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “Mirabilia 5”, 2013, Series: pieza única, Print on vinyl, 96.1 x 192.3 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Jorge Cabieses, “Ignoto”, 2013, Series: Unica, Plastic pallets on adhesive vinyl, 2.40 x 6.00 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “Ignoto”, 2013, Series: 18 piezas, Silkscreen on touristic lithography, 32 x 37 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “Ignoto”, 2013, Series: 18 piezas, Silkscreen on touristic lithography, 32 x 37 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “Ignoto”, 2013, Series: 18 piezas, Silkscreen on touristic lithography, 32 x 37 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “Fruto Prohibido”, 2015, Screen printing on lithographic illustrations, 27.50 x 37 cm. Site-specific project. Location: Galeria El Museo Bogota, Bogota, Colombia. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “Pinacoteca”, 2015, Folded sheets of magazines, Variable dimensions. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2014, Acrylic on canvas, 2.00 cm x 3.00 cm. Site-specific project. Location: Galeria Lucia de la Puente, Lima, Perú. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2014, Polyurethane on melamine plate, 1.60 x 2.20 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2015, Polyurethane on phenolic plywood board, 1.20 x 1.40 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2015, Polyurethane on melamine plate, 1.22 x 1.54 cm. Site-specific project. Location: Galeria Lucia de la Puente, Lima, Perú. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2015, Polyurethane on phenolic plywood board, 1.22 x 1.54 cm. Site-specific project. Location: Galeria Lucia de la Puente, Lima, Peru. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “S/T”, 2015, Polyurethane on phenolic plywood board, 1.22 x 1.54 cm. Site-specific project. Location: Galeria Lucia de la Puente, Lima, Peru. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “Ignoto 2”, 2013, Series: unica, Polyurethane on melamine plate, 3.00 x 11.00 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
- Jorge Cabieses, “Ignoto”, 2013, Series: unica, Melamine modules on digital print, Variable dimensions. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra.
Translated from Spanish
I divide my artistic production in three simultaneous directions. The phenomenological; the epistemological; and the topological. Perception, culture and place. Every direction converges in the human condition. Each one of these directions has its own visual language. The works focused on perception are full of color, of light. They oscillate between geometry and minimalism. Those centered in culture are textual and monochromatic. They oscillate between the joke, the absurd, the messianic and the politically incorrect. The ones focused on place are the backbone of my work. Through trips and moves I determine and subjectively give signs and values to cities and places. An un-scientific anthropology. A unique language in each place, which goes from the figurative to land art. There is a back and forth between directions and visual languages. I find, through constant exploration, my work’s reason to be.
Divido mi producción artística en tres direcciones simultáneas. Lo fenoménico, lo epistemológico y lo topológico. La percepción, la cultura y el sitio. Todas las direcciones convergen en la condición humana. Cada una de estas direcciones tiene su lenguaje plástico particular. Las piezas enfocadas a la percepción están llenas de color, de luz. Oscilan entre la geometría y el minimalismo. Aquellas enfocadas a la cultura son textuales y monocromáticas. Oscilan entre la broma, el absurdo, lo mesiánico y lo políticamente incorrecto. Las piezas enfocadas al sitio son la columna vertebral de mi trabajo. A través de viajes y cambios de residencia determino y subjetivamente le doy signos y valores a ciudades y lugares. Una antropología acientífica. Un lenguaje único en cada sitio, que va desde lo figurativo al land art. Existe un ir y venir entre direcciones y entre lenguajes plásticos. Encuentro en una constante exploración la razón de ser de mi trabajo.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2002-2005: Tecnológico de Monterrey, Campus Guadalajara. Arquitecto.
Solo Exhibitions
- 2011: “En el borde de la razón, somos”, November 3- January 3, Curro y Poncho, Guadalajara, Mexico.
- 2010: “Fallas de origen”, August 5-November 1, Curro y Poncho, Guadalajara, Mexico.
- 2005: “No es una moda, es un estilo de vida…”, September 8- October 9, Museo de las Artes, Guadalajara, Mexico.
Group Exhibitions
- 2011: “Todo en mi cabeza esta padrísimo (espectros de gocé. Una curaduría situacional)”, October 5-Ongoing, PISO 51, D. F., Mexico.
- 2011: “La muerte del autor ….(local)”, July 14-September 30, Curro y Poncho, Guadalajara, Mexico.
- 2011: “Grange Gardens Sculpture Project”, March 11-27, Grange Gardens, Grange Walk, Galerie8, London, England.
- 2010: “Chewbacca to Zapata: Revisiting the myth of the Mexican Revolution”, September 25-November 20, Morono Kiang Gallery, Los Angeles, USA.
- 2010: “Totem. Tree Amigos”, January 23-March 2, Abarrotera Mexicana, Guadalajara, Mexico.
- Octavio Abúndez, “No.4”, 2007, Series: Forgetting Architecture, Digital print, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “No.4 (3)”, 2011, Series: All the things in between, Digital print, 59 1/16 in. (150 x 150 cm., Site specific project, Collection Diego Valenzuela. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Punta Mita”, 2011, Series: Untitled, Digital print, 157 1/2 x 50 3/8 in. (400 x 128 cm). Site specific project, Collection Diego Valenzuela. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Lascaux, 2012”, Acrylic on wood, 114 3/16 x 80 11/16 x 2 in. (290 x 205 x 5 cm). Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Continuidad de los parques II”, 2008, Collage, 33 1/16 x 26 in. (84 x 66 cm). Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Tunnel vision”, 2010, Series: Something Nothing, Stainless steel, 98 7/16 x 74 13/16 x 5 15/16 in. (250 x 190 x 15 cm). Collection: Nate Berkus, New York. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Babel Horizontal II”, 2012, Series: Babel, wood with automotive paint, 90 9/16 x 55 1/8 x 2 in. (230 x 140 x 5 cm). Collection: Jose Adrían Moreno, Alejandra Gonzalez, Mexico City. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Estas ruinas que ves”, 2010, Alabaster, 13 3/8 x 5 1/8 x 4 5/16 in. (34 x 13 x 11 cm). Collection: Abúndez Alatorre, Guadalajara. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “New York”, 2009, Series: Untitled, Digital print, 118 1/8 x 86 5/8 in. (300 x 220 cm). Site specific project. Collection: Abúndez Alatorre, Guadalajara. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Space is only density”, 2011, Digital print, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Fin de caminos”, 2011, Digital print, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Babel Horizontal III”, 2012, Series: Babel, Wood with automotive paint, 149 5/8 x 66 15/16 x 2 in. (380 x 170 x 5 cm). Collection: Jose Luis Carrillo, Mariana Aldaco, Guadalajara. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Monumento”, 2012, Wood, 23 5/8 x 10 5/8 x 7 7/8 in. (60 x 27 x 20 cm). Site specific project, Location in Guadalajara. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “Zero Energy”, 2012, Series: Something Nothing, Stainless steel, 63 x 51 1/8 x 5 7/8 in. (160 x 130 x 15 cm). Collection: Agapi Burkard, San Francisco. Image courtesy of the artist.
- Octavio Abúndez, “San Diego-Tijuana”, 2012, Series: Untitled, Digital print, 78 3/4 x 78 3/4 in. (200 x 200 cm). Site specific project. Image courtesy of the artist.
About the Artist
My work aims to be an exploration on photography as a technique and as a language in itself, becoming an important aspect within my personal discourse. From this central idea derives my interest on the revision and dialogue between the photographic image and other representation mediums, as well as the investigation on the possible transformation of content in everyday spaces, in expressive subjects. I seek to approach the image not as a mere fact anchored to formal rules, but also being interested in the use of the image as a sort of container of ideas, as a vehicle of information. This has taken me, among other things, to the manipulation of found scenes, as well as the complete construction of images. I conceive the creative process as a tool for research and knowledge, as an active way of relating to the world, as an experience that transforms into a process of understanding. I believe as much in intuitive intelligence as in intellectual exercises. Whichever the case, I believe the constant questioning and the formulation of questions is vital for the beginning of new possibilities and directions in the creative endeavor.
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Mi trabajo pretende ser una exploración en torno a la fotografía como recurso técnico y como lenguaje en sí mismo, convirtiéndose ésta en un factor determinante dentro de mi discurso personal. De esta idea central parte mi interés por la revisión y el diálogo entre la imagen fotográfica y otros medios de representación, así como también, la indagación en torno a la posible transformación del contenido de espacios cotidianos en materia expresiva. Busco entonces abordar la imagen, no como mero hecho anclado a leyes formales, sino interesándome también en el uso de la imagen como una suerte de contenedor de ideas, como vehículo de información. Esto último me ha llevado, entre otras cosas, tanto a la manipulación de escenas encontradas, como a la construcción completa de imágenes. Concibo el proceso creativo como una herramienta para la investigación y el conocimiento, como una manera activa de relacionarme con el mundo, como experiencias que se transforman de alguna manera en un proceso de comprensión. Creo tanto en la inteligencia intuitiva, como en el ejercicio intelectual. En cualquiera de los dos casos, el constante cuestionamiento, el planteamiento de preguntas me resulta vital para la apertura de nuevas posibilidades y direcciones del hacer creativo.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2005: Taller Aproximación a la Fotografía Contemporánea dictado por Nelson Garrido, Maracaibo, Venezuela.
- 2004: Estudios de fotografía en Miami Dade College, Junto a la artista Teresa Dihel. Miami, USA.
- 1999: Taller El Diseño Y la Fotografía dictado por Mariano Díaz, Maracaibo, Venezuela.
- 1999: Estudios de fotografía en la Escuela Julio Vengoechea, Con los fotógrafos: Alvaro Silva y Alejandro Vásquez. Maracaibo, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- 2012: La exposición Reforma del Ahora (Al Borde. Maracaibo, 2012) fue reseñada por la curadora Sofía Hernández Chong Cuy en la revista ArtForum como una de las mejores exposiciones del año.
- 2012: Seleccionado para participar en el programa de residencia de Skowhegan School of Painting and Sculpture, Beca otorgada por La Colección Patricia Phelps de Cisneros.
- 2012: Beca otorgada al espacio de arte contemporáneo AL BORDE por la Fundacion Cisneros/Colección Patricia Phelps de Cisneros en su Programa de apoyo a organizaciones culturales 2011: Grafica Mercantil, Proyecto realizado por la Colección Mercantil y el TAGA (Taller de Artes Gráficos Asociados) Caracas, Venezuela.
- 2010: Primer premio. 6to Salón Regional de Jóvenes Artistas. Museo de Arte Contemporáneo del Zulia. Maracaibo, Venezuela.
- 2010: Lugares de Tránsito. Encuentro-residencia. Proyecto desarrollado por: Asociación Hablar en Arte, En colaboración con AECID. Venezuela/Spain.
- 2010: Primer premio. XII Salón SuperCable Jóvenes con FIA. Centro Cultural Corp Banca. Caracas, Venezuela.
- 2005: Mejor Fotografía. Salón de Artes Visuales de la Ciudad de Coro. Museo de Arte Coro. Venezuela.
- 2004: Mejor fotografía en la 38ava exposición anual de estudiantes. Miami Dade College. Miami, USA.
- 2004: Mejor serie fotográfica, Miambiance magazine of arts & literatura Volume 14. Miami, USA.
- 2003: Mejor fotografía en la 37ava exposición anual de estudiantes. Miami-Dade College. Miami, USA.
- 2003: Beca basada en portafolio. Miami Dade College. Miami, USA.
Solo Exhibitions
- 2014: “Sin Titulo con Amarillo“, Oficina#1, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Evidence Multigrade Light”, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
- 2012: “Them Elementals”, Goldrushfineart, Maine, USA.
- 2012: “Reforma del Ahora”, Al Borde, Maracaibo, Venezuela.
- 2011: “Nuevas Consecuencias“, Oficina#1, Centro de Arte Los Galpones, Caracas, Venezuela.
- 2009: “Dos Series“, Oficina#1, Centro de Arte Los Galpones, Caracas, Venezuela
- 2009: “Instantáneas”, Espacio PP Hotel Paseo las Mercedes, Caracas, Venezuela.
- 2005: “Puesto por los Caminos”, Galería de la Escuela de Fotografía Julio Vengoechea, Maracaibo, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2015: “Selección=Relación”, Espacio Monitor, Caracas, Venezuela.
- 2015: “New Dialogues 2”, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
- 2014: “Blog-ReBlog“, Austin Center for Photography, Austin, USA.
- 2014: “Grafica Mercantil, Indagación y seguimiento”, Espacio Mercantil, Caracas, Venezuela.
- 2014: “New Dialogues“, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
- 2013: “Momento Material”, Salón Comunal, Bogotá, Colombia.
- 2013: “XII Edición del Premio Eugenio Mendoza“, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2013: “A Language Beyond Form“, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
- 2012: “Pedazos de Pais (II)“, Oficina#1, Centro de Arte Los Galpones, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Juan Pablo Garza ·Suwon Lee · Ernesto Montiel”, ARTBO Feria Internacional de Arte de Bogotá.
- 2012: “Lugares de transito“, Tabacalera, Madrid, Spain.
- 2012: “Papeles“, Oficina#1, Centro de Arte Los Galpones, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Propuesta de arte emergente”, Centro de Arte los Galpones (Galpón g7), Caracas, Venezuela.
- 2011: “Juan Pablo Garza · Rafael Serrano · Beto Gutiérrez”, ARTBO Feria Internacional de Arte de Bogotá, Colombia.
- 2011: “Expedientes FOTOFIA 2011”, Los Secaderos Centro Cultural La Trinidad, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Enemies of my enemies”, OCAD University Graduate Gallery, Toronto, Canada.
- 2011: “Affinity“, Kulter Gallery, Holanda, Amsterdam.
Collections
- Cisneros Fontanals Foundation (CIFO), Miami, USA.
- Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), New York – Caracas, USA – Venezuela.
- Museo de Arte Contemporáneo del Zulia (MACZUL), Maracaibo, Venezuela.
- Colección Mercantil, Caracas, Venezuela.
- Juan Pablo Garza, “Pesebrismo (e.g.d.r) (detalle)”, 2014, Series: Pesebrismo (e.g.d.r), Wood, wrought iron, ceramics, acrylic paint and spray paint, Variable dimensions.
- Juan Pablo Garza, “Pesebrismo (e.g.d.r) (detalle)”, 2014, Series: Pesebrismo (e.g.d.r), Wood, plaster, acrylic paint, feathers, and spray paint, Variable dimensions.
- Juan Pablo Garza, “Dangling en el guindacho (detalle)”, 2014, Rubber, wood, and acrylic paint, 40 x 4 x 4 cm.
- Juan Pablo Garza, “Dangling en el guindacho (detalle)”, 2014, Stone, acrylic paint, 20 x 14 x 4 cm.
- Juan Pablo Garza, “Pesebrismo (e.g.d.r)”, 2014, Series: Pesebrismo (e.g.d.r), Mixed media, Variable dimensions.
- Juan Pablo Garza, “Pesebrismo (e.g.d.r) (detalle)”, 2014, Series: Pesebrismo (e.g.d.r), Wood, clay, acrylic paint and terracotta, Variable dimensions.
- Juan Pablo Garza, “Pesebrismo (e.g.d.r) (detalle)”, 2014, Series: Pesebrismo (e.g.d.r), Wood, plastic cup, plaster, acrylic paint, Variable dimensions.
- Juan Pablo Garza, “Dangling en el guindacho (detalle)”, 2014, Series: Dangling en el guindacho, MDF, acrylic paint, 29 x 27 x 2,5 cm.
- Juan Pablo Garza, “Dangling en el guindacho”, 2014, Series: Dangling en el guindacho, Wood, plaster, acrylic paint, stone, sand paper, and rubber, Variable dimensions.
- Juan Pablo Garza, “Pedazos de parales”, 2013, Steel, wood, concrete, and oil paint, 32 x 95 x 48 cm.
- Juan Pablo Garza, “Vanitas”, 2013, Wood, canvas, rubber paint, plaster, human bone, and spray paint, 20 x 80 x 45 cm.
- Juan Pablo Garza, “NM Vetical #2”, 2013, Mdf, foam, oxite, cement, plaster, wood, and clay, 60,5 x 30 x 19 cm.
- Juan Pablo Garza, “DDNMCMYB-SPC #1”, 2013, Series: DDNMCMYB-SPC, Acrylic paint on canvas, 40 x 30 cm.
- Juan Pablo Garza, “DDNMCMYB-SPC #2”, 2013, Series: DDNMCMYB-SPC, Acrylic paint on canvas, 40 x 30 cm.
- Juan Pablo Garza, “S/T (Concepto espacial sinfín)”, 2013, Digital print on cotton paper, 70 x 52.5 cm.
- Juan Pablo Garza, “Framing”, 2013, Digital print on cotton paper, 70 x 52.5 cm.
- Juan Pablo Garza, “Sin título con amarillo”, 2013, Steel, wood, acrylic paint, and spray paint, 102 x 50 x 8,5 cm.
- Juan Pablo Garza, “DDNMCMYB-SPC (Serie completa)”, 2013, Series: DDNMCMYB-SPC, Acrylic paint on canvas, Variable dimensions.
- Juan Pablo Garza, “Sin título con puntos”, 2013, Mdf, wood, acrylic paint, rubber paint, and spray paint, 113 x 47 x 7 cm.
- Juan Pablo Garza, “NM en cuatro acciones”, 2013, Wood, rubber paint, and polymer clay, 90 x 75 x 4,5 cm.
- Juan Pablo Garza, “Acción con carboncillo #1”, 2013, Digital print on cotton paper, 50 x 37.5 cm.
- Juan Pablo Garza, “Acción con carboncillo #2”, 2013, Digital print on cotton paper, 50 x 37.5 cm.
- Juan Pablo Garza, “Sinfín expuesto “, 2013, Sun-faded fabric, plaster, wood, and spray paint, Variable dimensions.
- Juan Pablo Garza, “Sinfín expuesto #4”, 2013, Canvas, plaster, wood and spray paint, 70 x 54 x 3 cm.
- Juan Pablo Garza, “Sinfín expuesto #5”, 2013, Canvas, plaster, wood and spray paint, 65.5 x 62 x 3 cm.
Translated from Spanish
I explore aesthetic theories through site-specific intervention and installation. I appeal to experimentation as a fundamental medium and I combine it with other traditional elements in sculpture or painting, as well as appropriation and relocation of existing cultural patrimony. The everyday image of presentations and representations I produce, are the result of these tangled combinations. My work appeals to the judgment of apparent reality. Since the last few years I have been working intensively with installations and interventions, meaning that I work mainly in specific exhibition spaces. The works are conceptually materialized within and from the place where they will be exhibited. In my work, the de-codification of the space is clearly a place of departure. Sometimes this approach within the exhibition context helps to propose something new and other times to adapt a preexisting idea that works in the space. As modus operandi, I am interested not in forcing ideas nor relationships between them and the place. It is fundamental to perceive and understand the environment, establish and mature the works to then proceed to measure time between both parts. Whichever the process is in each case, it is always necessary to establish a relationship with the place before beginning the work process. In my work, I use the edition of recognizable objects and their symbolic charge to configure a new language. Truthfully, I think about objects as letters that allow me to make words that did not exist before this combination that I propose. In turn, the objects used also retain their initial aural signifier, issue that is not a minor factor in the decision of its use. There is a net of meanings and signifiers that structure each piece. I also write. I began to do it simultaneous to my first installations since it helped to put into words the research process as it was happening and, above all, taking into account that the work was going to be destined to disappear after the exhibition. Something similar happened with the Sauna-revista de arte texts. For me, to be critical is not only to think about the work of somebody else or an idea in particular. The act of writing helps me to re-read my work in relation to what I am speaking about. The questions I have as an artist are not the same as the ones I have when I produce a text. Clearly, I do not consider myself an art critic, but writing about what happens around me also functions as the research for my work.
Me dedico a la exploración de teorías estéticas a partir la intervención y la instalación de sitio específico. Apelo a la experimentación como medio fundamental y la combino con otros elementos de tradición escultórica y/o pictórica, así como también con la apropiación y reubicación de bienes culturales existentes. La imagen de cotidianidad de las presentaciones y representaciones a las que llego, son el resultado de tan entramadas combinaciones. Mi labor apela al juicio sobre la realidad aparente. En los últimos años vengo trabajando intensamente en instalaciones e intervenciones, quiero decir que trabajo mayormente a partir de los espacios de exhibición concretos. Las obras se materializan conceptualmente en y desde el lugar donde van a exhibirse: en mi obra la decodificación del espacio es claramente un punto de partida. Algunas veces esa aproximación con el contexto de exhibición sirve para plantear algo nuevo y otras veces para adaptar alguna idea preexistente que funciona con el lugar. Como modo de operar me interesa no forzar ideas ni relaciones entre ellas y el lugar. Percibir y entender el entorno, asentar y madurar las obras para luego medir el tiempo entre ambas partes es algo fundamental. Pero sea como sea el desarrollo específico de cada caso, siempre es necesario establecer una relación con el lugar antes de empezar el proceso de trabajo. Por otro lado, en mis obras utilizo la edición de objetos reconocibles y de su carga simbólica para configurar un lenguaje nuevo. En realidad, pienso a los objetos como letras que me permiten armar palabras que no existían antes de esta combinación que propongo. A su vez, también los objetos usados conservan su aura significante inicial, cuestión que no es menor en la decisión de su uso. Hay una red de significados y significantes que estructuran cada pieza. También escribo. Comencé a hacerlo en simultáneo con mis primeras instalaciones, me servía poner en palabras el proceso de la investigación a medida que iba sucediendo y, sobretodo, teniendo en cuenta que la obra estaba destinada a desaparecer luego de su exhibición. Con los textos de Sauna-revista de arte pasa algo parecido. Para mi hacer una crítica no es solamnete pensar la obra de alguien o pensar alguna idea en particular, ese acto de escritura fundamentalmente me sirve para releer mi trabajo en relación a eso de lo que estoy hablando. Las preguntas que tengo como artista son las mismas que manifiesto cuando produzco un texto. Está claro que no me considero un crítico de arte pero escribir sobre lo que sucede en mi entorno también me sirve como parte de la investigación de lo que hago, de la investigación de mi obra.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2001-2005: Lic. en Artes Visuales, orientación en Escultura – IUNA. Buenos Aires, Argentina.
- 2000-2001: Caracterizador Escénico – Instituto del Teatro Colón. Buenos Aires, Argentina.
- 1995-2000: Dibujante Publicitario, Técnico en Publicidad – E.T. 15 “Maipú”. Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2013: Premio estímulo de la Fundación Castagnino para artistas emergentes del XVII Salón Nacional de Rosario Castagnino-MACRO.
- 2013: Mención especial II Premio Lucio Fontana, Buenos Aires, Argentina.
- 2012-2013: Premio Itaú Cultural, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: Salón Nacional de Pintura del Banco Nación en la Casa del Bicentenario.
- 2012: Segundo premio del 101º Salón Nacional de Artes Visuales en Nuevos soportes e instalaciones en el Palais de Glace.
- 2010-2011: Premio del Centro Cultural de España en BA de artistas jóvenes en el Palais de Glace y Centro Cultural Parque España Rosario.
Solo Exhibitions
- 2012: “Suite en 3 actos: presentación, auge y caída”, La Ira de Dios, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “La Consulta”, Nora Fisch Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Collages y colaboraciones”, Barraca Vorticista, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “El Techo”, Centro Cultural de España en BA, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “El Capricho”, ThisIsNotAGallery, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Sin título (publicidad exterior)”, Intervención urbana, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Habitación”, Humboldt 1564, Palermo, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Riña de gallos”, Rusia Galería, Tucumán, Argentina.
- 2013: “Espacios parasitados”, Espacio de Arte Universidad Católica Argentina, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Fuen7e”, Lordi Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Habitat”, Nora Fisch Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Exit/Salida 3ª ed.”, Barraca Vorticista, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Diálogo”, Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires. Festival Visual Brasil, Barcelona, Spain.
- 2009: “Coronal”, Braga Menéndez Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Holyhome”, See you at home, Artist studio, London, UK.
- 2008: “La forma absurda”, La Munich contemporánea, Dir. Gral. de Museos de la Ciudad, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Poética intimista en un espacio que no le corresponde”, WarClub Appetite, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- SAUNA revista de arte. Editor y co-fundador. Buenos Aires, Argentina. Agosto 2010/2013. www.revistasauna.com.ar
- Premio CCEBA de arte joven argentino. Buenos Aires, Argentina. 1era ed. Octubre 2010. www.cceba.org.ar RAMONA 100.
- Poéticas. Buenos Aires, Argentina. Mayo 2010. www.ramona.org.ar LATE (los artistas también escriben), Guido Ignatti. Buenos Aires, Argentina. Mayo 2009. www.proyecto-late.blogspot.com
Links
- Guido Ignatti, “Parquet #1 y #2”, 2013, Series: Parquet, Sectioned rubber tiles, 55 x55 cm each. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Pintura”, 2013, Wood frames for linen cloths and fluorescent illumination, 100 x 200 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Pintura y tapiado para una ventana inexistente”, 2012, Wood, paint and fluorescent lighting + projection of slides, 110 x 150 x 12cm + projection 70 x 20 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Puesta o Caída”, 2012, Series: Capturas en la rutina de alguien, Wooden blinds, light projection, paper and mirror, 150 x 120 x 50 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Simulación (farsa)”, 2012, Pintura acrílica sobre capitoné encontrado de baja calidad, 34 x 142 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Caja ciega”, 2010, Wood packaging intervened with wood trim and paint, 90 x 74 x 33cm, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Suite en 3 actos: presentación, auge y caída”, 2012, Carteles de vía pública intervenidos con afiches publicitarios invertidos, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Espacio #1 y #2”, 2012, Series: La Consulta, acrílico sobre madera velado con vidrio martelé, 50 x 70 cm each. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Sin título (Moldura Lozza)”, 2010, Durlock, moldings and wood on the floor, 80 x 40 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Impresión”, 2010, Wood, paper, and projection with slides, 120 x 240cm + 230 cm distance between projector and wall. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “El techo”, 2009, Paper on the wall and expanded polystyrene moldings on the ceilings of two public bathrooms, Variable dimensions. CCEBA, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “El Capricho”, 2009, Painting and lighting in a shed + Video Color 3 ’08”, Variable dimensions. ThisIsNotAGallery, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “Diálogo”, 2009, Paint on graffiti + Video Color 2’ 46’’, Unspecified dimensions, Moreno esq. Bolivar, Capital Federal, Buenos Aires, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Guido Ignatti, “La forma absurda”, 2008, Vinyl paint on vinyl canvas, cement and vines, 105 x 405 x 85 cm, Munich DGM, Photo credit: Courtesy of the artist
- Guido Ignatti, “Pared y ventana #1, #2 y #3”, 2013, Series: Pared y ventana, Collage veiled painted ribbed glass, 83 x6 2cm each. Photo credit: Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Extract from inteview by Pablo León de la Barra with Jaime Gili (…) To be honest, I work a lot from painting; from the two-dimensional. Playing with planes is perhaps the only way that I have to be able to understand the three dimensional space. I admire how my mother, a wonderful seamstress, perfectly understands how a piece of fabric with a specific form can wrap around, drop on or cover a body. That is a mastery of the three-dimensional that I don’t possess. (…) There is no plan or specific project. I sense how I will finish a painting but I don’t plan it out. I am more about testing directly than planning and trying to duplicate on the canvas. Everything happens so fast in a painting. One single painting is made of hundreds of quickly executed small projects. (…) The same as with some interventions, I emphasize architectural elements and people pay more attention. The same happens with painting: when I apply the paint on a space in a certain way, I am making the color on the fabric, the space and profoundness that it could have, become more evident.
Extraído de una entrevista a Jaime Gili por Pablo León de la Barra (…) La verdad es que trabajo muy desde la pintura, desde las dos dimensiones. Jugar con los planos es quizá la única manera que tengo de entender el espacio tridimensional. Admiro como mi madre, maravillosa costurera, entiende perfectamente como un trozo de tela con una forma determinada puede envolver, caer o cubrir un cuerpo. Esa es una maestría de lo tridimensional a la que no llego. (…) No hay un plan, un proyecto específico. Intuyo como va a terminar la pintura pero no la planeo. Soy más de probar directamente que de planear e intentar repetir en la tela. En una pintura todo sucede muy rápido. Una pintura se compone de cientos de pequeños proyectos rápidamente ejecutados. (…) Al igual que con algunas intervenciones subrayo elementos de arquitectura y la gente se fija más en ella, con la pintura pasa lo mismo: al colocar la pintura de cierta manera en un espacio, estoy haciendo que se haga más evidente en la tela el color, la cuestión espacial y la profundidad que pueda tener.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Ph.D., Universidad de BARCELONA. Thesis finished 2001 [info Español]: ‘Repetition and Seriality from 1960. From recurrence to multiplication’ (doctorat’05 special prize).
- 1996 – 1998: M.A., Royal College of art -Painting- London, UK.
- 1997: Erasmus, Hochschule der Kunste, Berlin, Germany.
- 1990-1995: B.F.A., Degree. Facultad de Bellas Artes, Universidad de Barcelona, Spain.
- 1994: Erasmus, École Nationale superièure des Beaux-Arts, Paris, France.
- 1989: Prodiseño, Caracas, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- 2010: Medalla al mérito Civil alcaldía de Sucre-Caracas.
- 2009: Art all Around, Maine Center for Creativity, Portland, Maine.
Solo Exhibitions
- 2014: “Title tbc”, Alejandra von Hartz, Miami, USA.
- 2014: Oficina #1, Periférico Caracas, Venezuela.
- 2013: “Droits de Succession”, Oficina#1, Caracas, Venezuela.
- 2011: “The Lakes”, Riflemaker, London, UK. (catalogue)
- 2010: “Jaime Gili Afuera”, Periférico Caracas, Caracas, Venezuela.
- 2009: “Everything is Borrowed”, Alejandra von Hartz Gallery, Miami, FL, USA.
- 2009: “COMMA04”, Bloomberg SPACE, London, UK.
- 2009: “Bill at Pittier”, Kunsthalle Winterthur, Winterthur.
- 2008: “Superestrellas”, Riflemaker, London, UK.
- 2007: “Jaime Gili – Superstars”, Buia Gallery, NY, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Horizontal”, La Central, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Ex-Culturas”, Periférico Caracas, (Curated by Félix Suazo), Caracas, Venezuela.
- 2012: “Red, White, and Blue – Pop, Punk, Politics, Place”, Chelsea Space, London, UK.
- 2010: “Newspeak’ Saatchi Gallery”, (catalogue) London, UK.
- 2010: “Demons Yarns and Tales”, James Cohan Gallery, NY, USA.
- 2009: “Coalesce Happenstance”, Smart, Amsterdam.
- 2008: “John Moores 25”, Liverpool Biennial, Walker Art Gallery, Liverpool, UK.
- 2008: “XI salón jóvenes con FIA”, Curated by Lorena González. Corpbanca, Caracas, Venezuela.
- 2008: “The expanded painting show”, (Curated by Paco Barragán). Space Other, Boston, UK.
- 2007: “6a bienal do mercosul’ – ‘tres fronteiras”, (Curated by Gabriel Pérez-Barreiro and Ticio Escobar) Porto Alegre (BR) (catalogue).
- 2007: “jump cuts – coleccion banco mercantil”, Cifo Miami(catalogue), USA.
Publications
- Apóstol, Alexander y González, Lorena. “El arte venezolano en las instituciones de fin de siglo” El País, 14 Marzo 2013, Madrid.
- Guidobono, Rafaela (Ed) The Detour Book, moleskine, Milano 2012, ISBN 978-8866130062
- León de la Barra, Pablo, Martínez and Trees Editors. Jaime Gili Repetition. Booksfromthefuture, London 2012. ISBN 978-0-9573509-0-8
- Bracewell, Michael and Smith, Donald. Red White and Blue. Pop Punk Politics Place Chelsea Space, London 2012 ISBN 978-1-906203-66-5
- Dillon Tamsin, Ed. The Roundel. 100 Artists Remake a London Icon. Transport for London, London 2012. ISBN 978-1-908970-01-5
- Mann, Robin et Al. The Lakes Riflemaker Books, London, 2011. ISBN 978-0-9563571-7-5
- Day, Elizabeth, Et al. Friendship of the Peoples. Simon Oldfield Gallery. London, 2011. ISBN 978-0-9568329-2-4
- González, Lorena. « Jaime Gili » El Nacional, Martes 15 Febrero 2011, Caracas, Venezuela.
- Suazo, Félix. Et al.Histórica. Memoria y Territorio. Colección Mercantil. Banco Mercantil, Caracas 2010. ISBN 978-980-6699-14-4
- VVAA. Newspeak: British Art Now. Saatchi Gallery, London. 2009 ISBN 978-1-861543141
- Muellen Marianne, Et al. Concrete Geometries, The Relational in Architecture. Architectural Association, London 2011.
- Smith, Roberta. «To a Tapestry’s Warp and Weft, Add Vision and Craft». New York Times. January 25, 2010.
- Susanna Haddon et al. EAST 17, Norwich Gallery. NSAD. Norwich, ISBN 1-872482-86-4, 2009.
Collections
- Colección Cisneros, Caracas, Venezuela.
- Cifo, Miami, USA.
- Saatchi Gallery, London, UK.
- University of Essex Collection of Latin-American Art, (UECLAA) Essex, UK.
- Universitat de Barcelona, Barcelona, Spain.
- L’Oreal. Madrid, Spain.
- Banco Mercantil, Caracas, Venezuela.
- Sayago & Pardon, USA.
- Jaime Gili, “Art all Around”, 2009 ongoing, Design for 16 industrial storage tanks, Industrial paint and materials, 26,000 m2, South Portland, Maine. Photo credit: Georgia Flanagan.
- Jaime Gili, “Canónico y Contemporáneo”, 2011, Site-specific mural for commercial display of Colonial Art in Caracas, Variable dimensions. Caracas, Venezuela. Photo credit: Don Manuel Sardá.
- Jaime Gili, “Canónico y Contemporáneo”, 2011, Site-specific mural for commercial display of Colonial Art in Caracas, Variable dimensions. Caracas, Venezuela. Photo credit: Don Manuel Sardá.
- Jaime Gili, “Diamante de las Semillitas”, 2010, Oil on stainless steel Variable dimensions. Barrio José Félix Ribas, Petare, Caracas,Venezuela. Photo credit: Manuel Sardá.
- Jaime Gili, “A198 Godoy”, 2013, Series: A, Acrylic on linen, 45 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Gili, “A222 La Britten”, 2013, Series: A, Acrylic on linen, 45 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Gili, “A230 La Mecánica”, 2013, Series: A A (Ponti Reverón Vegas), Acrílico sobre jute, 140 x 200 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Gili, “VW Golf MK1 Cabrío”, In progress, Automotive paint on automobile, Varied Dimensions, Europe. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Gili, “Mashrabiya (Comma 04) at Bloomber Space”, 2008, Vinyl on glass and wall, eight stories, Varied dimensions, Bloomberg Space London (destroyed), Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Gili, “Mashrabiya (Comma 04) at Bloomber Space”, 2008, Vinyl on glass and wall, eight stories, Varied dimensions, Bloomberg Space London (destroyed), Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Gili, “A238 La Macuto-Cannes”, 2013, Series: A (Ponti Reverón Vegas).
- Jaime Gili, “M12 ANA”, 2009, Acrylic on wall, aprox 5 x 5 m. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Gili, “Sail”, 2012, Design for Type 1 star ex-olympic sail, 5 m high, Portsmouth. Photo credit: Vestalia Chilton.
- Jaime Gili, “Salve”, 2009, Enamel on wooden boat, aprox 4.5 m x 2 m x 1.5 m, Manzanillo, Nueva Esparta, Venezuela, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Gili, “Lucía”, 2006, Series: A, Acrylic on canvas, 268 x 230 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
My work focuses on the use of mechanisms from the art world, commerce, exhibitions and creative processes, to develop an analysis about reality. Fiction and selection are large-scale processes that break up in spectacle. Through my practice I aim—by reducing the scale of the elements that intervene—to signal these processes to make them latent and to question our participation in them. From my position within the arts (making reference to my position in the world), I propose that one of the ways we use to respond and face these systems would be to utilize their own processes of creating reality in order to create fictions, through a re-selection of this presupposed totality, which is ultimately always partial.
Mi trabajo se centra en el uso de los mecanismos del mundo de arte, el comercio, la exhibición y los procesos de creación para hacer con ello una reflexión acerca de la realidad. La ficción y la selección son procesos que a gran escala se disuelven en el espectáculo. Mediante mi práctica intento, al reducir la escala de los elementos que intervienen, señalar estos procesos para hacerlos latentes y cuestionar nuestra participación en ellos. Desde mi posición en el arte, (haciendo referencia a mi posición en el mundo) propongo que una de las maneras que tenemos para responder y hacer frente a estos sistemas es utilizar sus propios procesos de crear realidad para crear ficciones mediante una re-selección de esta supuesta totalidad, que es finalmente siempre parcial.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Pontificia Universidad Católica del Perú, 6 años de estudios, Licenciada Artes con Mención en Pintura, Lima, Peru.
Prizes / Fellowships
- 2007: AVAM, Madrid. España. Ayuda de Creación Madrid Procesos 07.
- 2004: Marcelino Botín. Santander. España. Beca de Proyectos.
- 2003: MUSAC, Castilla y León. España. Beca de Creación Artística.
- 2001: Fundación Carolina, Madrid, España. Beca de Creación.
Solo Exhibitions
- 2013: “Blanca”, Galería Juana de Aizpuru Madrid, España / Palacio de Molina, Cartagena, Spain.
- 2012: “Autorretrato”, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2011: “At the Same Time”, Bass Museum of Art, Miami, USA.
- 2011: “Mantos”, Galería Leme, Sao Paulo, Brazil.
- 2010: “En orden de aparición”, Galería Juana de Aizpuru, Madrid, Spain.
Group Exhibitions
- 2012: “Setting the Scene”, Tate Gallery, London, UK.
- 2011: “Fiction and Reality”, MMOMA, Moscow, Russia.
- 2011: “Arte al Paso”, Estación Pinacoteca, Sao Paulo, Brazil.
- 2011: “XI Bienal de Cuenca”, Cuenca, Ecuador.
- 2010: “Há sempre un copo de mar para um homem navegar”, XXIX Bienal de Sao Paulo, Sao Paulo, Brazil.
Publications
- 2009: Selección natural, Lima, Galería Leme.
- 2009: Buntix, Gustavo, ¨El Museo de Arte borrado (d´aprés Hernández Saavedra 1970)¨, Micromuseo en la Trienal de Chile.
- 2005: Fundación Botín, pp. 40 – 50.
- 2005: LiMAC en el MUSAC, Emergencias, León, MUSAC, pp. 158 – 163.
- 2003: Visita Guiada, Madrid, TF editores.
Collections
- Colección Caja Madrid, Madrid, Spain.
- LiMAC, Lima, Peru.
- MALI, Lima, Peru.
- Micromuseo, Lima, Peru.
- MoMA, New York, USA.
Links
- Sandra Gamarra, “Piece of Gallery”, 2009, Series: Piece of gallery, Oil on canvas, Variable dimensions. Site specific Project. Private Collection in Brazil. Photo credit: Juan Pablo Murrugara
- Sandra Gamarra, “Afiche arte conceptual Moscú”, 2009, Series: Afiches, Oil on canvas, 100 x 59 cm. Private Collection in Brazil. Photo credit: Manuel Blanco
- Sandra Gamarra, “La ilusión del uso VII”, 2008, Series: La ilusión del uso, Oil on canvas, 195 x 162 cm. Private Collection in Perú. Photo credit: Juan Pablo Murrugara
- Sandra Gamarra, “Selección natural II”, 2009, Series: Selección natural, Oil on canvas, Variable dimensions. Site specific Project. Private Collection in Brazil. Photo credit: APJHJ
- Sandra Gamarra, “Selección natural VII”, 2009, Series: Selección natural, Oil on canvas, Variable dimensions, Site specific Project. Location: Galería Leme, Brazil. Photo credit: APJHJ
- Sandra Gamarra, “El segundo cuarto del rescate”, 2009, Series: El segundo cuarto del rescate, Oil on canvas, Variable dimensions, Site specific Project. Private Collection in Perú. Photo credit: APJHJ
- Sandra Gamarra, “En orden de aparición VI”, 2010, Series: En orden de aparición, Oil on canvas, Varibale dimensions, Site specific Project. Location: Galería Juana de Aizpuru, Madrid. Photo credit: APJHJ
- Sandra Gamarra, “En orden de aparición VI”, 2010, Series: En orden de aparición, Oil on canvas, Variable dimensions, Site specific Project. Location: Galería Juana de Aizpuru, Madrid. Photo credit: APJHJ
- Sandra Gamarra, “Déjà vu IV”, 2011, Series: Mantos, Oil on canvas, 72.5 x 80 cm, Private Collection in Brazil. Photo credit: Oak Taylor-Smith
- Sandra Gamarra, “Jamais Vu II”, 2011, Series: Mantos, Oil on canvas, 130 x 162 cm. Private Collection in Brasil. Photo credit: Oak Taylor-Smith
- Sandra Gamarra, “How contemporary is my past”, 2011, Series: Mantos, Oil on canvas, Variable dimensions. Private Collection in Brasil. Photo credit: Oak Taylor-Smith
- Sandra Gamarra, “Autocensura con paños de pudor”, 2012, Series: Autocensura, Oil on press, Variable dimensions. Private Collection in Venezuela. Photo credit: Ricardo Martinez
About the Artist
¨Where are we when we are in the world?¨
This question has led me to explore the notions of space and place.
My constructions and environments are mostly made out of various found objects, images and materials, some of them belonging to a domestic, industrial or construction milieu. The site, its space and architectural components are key in shaping the works. I use straight lines and the continuous expanse they occupy and define. Thus, my works approximate provisional drawings in space and about space, aiming at a perceptual, pre-reflexive experience.
The process begins with the creation of three-dimensional structures which in turn, give place to drawings on paper that allow me to complete the concept.
—
Construyo estructuras y ambientes condicionados por el sitio en cuestión, que se relacionan íntimamente con los elementos arquitectónicos vecinos. Se trata de corporeizar el espacio, volviéndolo parte esencial de la obra. Utilizo materiales y objetos encontrados pertenecientes a lo cotidiano, a la construcción y al desecho. Más que esculturas o instalaciones, se trata de dibujos provisionales en el espacio tendientes a desaparecer. Me interesa la experiencia perceptual, pre-reflexiva, que coloca al espectador en un instante de conciencia de sí mismo.
El proceso comienza con la creación de una estructura tridimensional, la cual a su vez, da lugar a dibujos sobre papel que me permiten completar la idea.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Facultad de Arquitectura, Universidad de San Carlos de Guatemala.
- Universidad Francisco Marroquín, Economy, cum laude.
- Independent studies with Juan de Dios González and Daniel Schafer.
Prizes / Fellowships
- 1996: Glifo de oro X Bienal de Arte Paiz, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- Beca Rockefeller, Bellagio, Italy.
Solo Exhibitions
- 2014: “The Corrections“, The 9.99 Gallery, Guatemala City, Guatemala.
- 2014: “Proyect Room – PRESENT 2: Alma Ruiz presents Diana de Solares“, Josee Bienvenu Gallery, New York City, USA.
- 2013: “Prótesis”, Piegatto Arte, Guatemala.
- 2013: “En Tránsito”, Sol del Rio Arte Contemporánea, Guatemala.
- 2011: “Islas”, Galería Arte Piegatto, Guatemala.
- 2008: “Dibujos calculados con lineas encontradas”, Galería Carlos Woods Arte Contemporáneo y Antiguo, Guatemala.
- 2008: Fase II de “El color de la sombra”, Galería Carlos Woods Arte Contemporáneo y Antiguo, Guatemala.
- 2008: “Correr, caminar, sentarse y esperar”, Galería Sol del Río, Guatemala.
- 2006: “Aquel mundo existente”, Galería Arte La Fábrica, Guatemala.
- 2004: “Créche”, Galería Arte La Fábrica, Guatemala.
- 2001: “La estrategia de las apariencias”, Galería Sol del Río – Hotel Intercontinental, Guatemala.
- 2001: “Curaduria de la representacion Guatemalteca”, VII Bienal de Pintura de Cuenca, Cuenca, Ecuador.
Group Exhibitions
- 2014: “Length x Width x Height“, The 9.99 Gallery, Guatemala City, Guatemala.
- 2014: “Dirty Geometry“, Mana Contemporary, Miami, USA.
- 2013: “Estar parado en el encuentro de dos eternidades, el pasado y el futuro, que es precisamente el momento presente”, [To stand where two eternities meet, the past and the future, that is precisely the present moment], Concepción 41, Antigua Guatemala, Guatemala.
- 2013: “Y… ¿entonces?”, The 9.99 Gallery, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2010: “Existir en un estado de peligrosa distracción”, XVII Bienal de Arte Paiz, Guatemala.
- 2009: “Nuestro paisaje”, Centro Cultural de España, Guatemala.
- 2009: “Pintura, el proyecto incompleto”, Centro de Formación de la Cooperación Española (CFCE), Antigua Guatemala, Guatemala.
- 2008: “Todas las estructuras son inestables”, XVI Bienal de Artes Paiz Guatemala.
- 2008: “Dibujando nada”, Galería 9.99/Proyecto, Guatemala.
- 2007: “Adios indentidad”, Centro Cultural de España, Guatemala.
- 2005: “Ensayo”, Edge Zones, Miami, USA.
- 2004: “Index Miami”, Edge Zones, Miami, USA.
- 2004: “Guatemala manéjese con cudiado”, Centro Cultural de España, Guatemala.
- 2004: “REGISTRO #2”, Galería Sol del Río Arte Contemporáneo, Guatemala City, Guatemala.
- 2003: “En el filo”, [On the edge], Museo de Arte Moderno de Mérida Juan Astorga Anta, Mérida, Venezuela.
- 2002: “Picturing the female body”, The Latin Collector Gallery, New York.
- 2002: “artISTMO”, Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), San José, Costa Rica.
- 2001: “Arquetipos” ,[archetypes], Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de San José (MADC), San José, Costa Rica.
- 2001: “Contexto”, [Context], Arte Contemporáneo Guatemalteco, Sala Municipal de Exposiciones de la Iglesia de las Francescas, Valladolid, Spain.
- 2001: “Fronteras adyacentes”, [adjacent borders], Galería Sol del Rio Arte Contemporáneo, Guatemala City, Guatemala.
- 2001: “Hector y Lyuba”, VII Bienal de La Habana, Havana, Cuba.
Publications
- “Recolectar, pensar y otros nomadismos”, El Periodico, Cultura, (Pag. 22) (27-febrero-2008) Ribeaux, Ariel.
- “Diana de Solares: Desplazamientos”, Revista de la Universidad de San Carlos de Guatemala (Pag. 63) (No. 7 enero-marzo 2004).
- “Diana de Solares”, Ext. Cat. Arte Sabasta, (2000) Schloesser, Anabella.
- “La Brevedad del Ser”, Revista De la Universidad de San Carlos de Guatemala (Pag. 71) (No. 7, enero-marzo 2004).
Collections
- Teófilo Cohen, Mexico.
- Anabella y Fernando Paiz, Guatemala.
- Hugo Quinto y Juan Pablo Lojo, Guatemala.
- Darío Escobar, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- Rina Carvajal, Miami, USA.
- Diana y Luis Miguel Castillo, Guatemala.
- Irene Torrebiarte, Guatemala.
Links
- Diana de Solares, “Nube (Construcción Aérea No.1) / Cloud (Aerial Construction No.1)”, 2014, Steel, iron, concrete, brick and lime, Variable dimensions.
- Diana de Solares, “Untitled”, 2014, Acrylic on MDF, 45 x 23.75 x 2.5 cm.
- Diana de Solares, “Súbitamente un mundo frente al mundo comenzaría a transpirar.” (Construcción suave no. 3) / “Suddenly a World Before the World Would Begin to Transpire.” (Soft construction no. 3)”, 2014, Sports shoe laces, construction iron, Variable dimensions.
- Diana de Solares, “Untitled”, 2014, Acrylic on cotton paper, 56 x 76 cm.
- Diana de Solares, “Untitled”, 2014, Acrylic on MDF, 45 x 23.75 x 2.5 cm.
- Diana de Solares, “Construcción fija no. 1 / Fixed construction no. 1”, 2014, MDF and acrylic, 127 x 23 x 23 cm.
- Diana de Solares, “Untitled”, 2014, Acrylic on cotton paper, 56 x 76 cm.
- Diana de Solares, “Implosión de la esfera / Implosion of the Sphere”, 2014, Dry branches, iron wire and sports shoe laces, Variable dimensions.
- Diana de Solares, “Untitled”, 2014, Found wood, iron, lace, MDF and acrylic, 148 x 22 x 22 cm.
- Diana de Solares, “Construcción fija no. 4 / Fixed construction no. 4”, 2013-2014, MDF and acrylic, 148 x 17 x 7.5 cm.
- Diana de Solares, “Untitled”, 2014, Acrylic on cotton paper, 56 x 457 cm.
- Diana de Solares, ““Penetrar un Espacio Material de Irradiancia” (“To Enter a Material Space of Radiance”)”, 2013, Acrylic on MDF, Variable dimensions.
- Diana de Solares, “Sin título (Untitled)”, 2013, Shoelaces from tennis shoes and steel structure, 23.6 x 23.6 in. (60 x 60 cm). Photo credit: José Enrique López-Campang
- Diana de Solares, “Untitled”, 2013, Acrylic on linen, 57 x 67 x 3 cm.
- Diana de Solares, “El Mundo Está Listo para Nosotros Porque Somos el Mundo” (“The World is Ready for Us Because We are the World”)”, 2013, Steel and wire, 48 x 48 in. (121.92 x 121.92 cm). Photo credit: Galería Piegatto Arte (Víctor Martínez)
- Diana de Solares, “Tanto Pertenecemos al Mundo que Contiene Nuestro Olor” (“We So Belong to the World that It Contains Our Odor”)”, 2013, Construction wood, acrylic on MDF and nails, 47.24 x 19.69 in. (130 x 50 cm). Photo credit: Galería Piegatto Arte (Victor Martinez)
- Diana de Solares, “Lentamente Disolvernos en el Mundo” (“To Dissolve Slowly in the World”), 2013, Steel and acrylic on MDF, 72 x 36 in. (182.88 x 91.44 cm). Photo credit: Galería Piegatto Arte (Victor Martinez)
- Diana de Solares, “Apenas Desoculta el Lugar de Habitación” (“It Barely Unveils the Dwelling Space”), 2013, Acrylic on MDF, 46.06 x 4.33 x 19.69 in. (117 x 11 x 50 cm). Photo credit: Galería Piegatto Arte (Victor Martinez)
- Diana de Solares, “Sin título (Untitled)”, 2012, Acrylic on MDF, 51.19 x 1 in. (130 x 2.54 cm). Darío Escobar Collection, Guatemala. Photo credit: Juan Carlos Mencos
- Diana de Solares, “Sin título (Untitled)”, 2012, Acrylic on linen and object on MDF, 40.15 x 25.6 in. (102 x 65 cm). Photo credit: Juan Carlos Mencos
- Diana de Solares, “Abrir un Espacio que no se Puede Cerrar” (“To Open Up a Space That Cannot Be Closed”), 2011, Acrylic on MDF, 88 x 10 in. (223.52 x 25.4 cm). Teófilo Cohen Collection, Mexico. Photo credit: Galería Piegatto Arte (Victor Martinez)
- Diana de Solares, “Pausa con Silencio II” (“Pause with Silence II”), 2011, Acrylic on MDF, 20 x 20 in. (50.8 x 50.8 cm). Photo credit: Galería Piegatto Arte (Victor Martinez)
- Diana de Solares, “Construcción Fija que Quiso Volar” (“Fixed Construction that Wished to Fly”), 2011, Painted steel, threads and shreads, 43 x 11.81 in. (109.22 x 30 cm). Colección Hugo Quinto y Juan Pablo Lojo, Guatemala. Photo credit: Galería Piegatto Arte (Victor Martinez)
- Diana de Solares, “No Hay Ruta Corta al Paraíso” (“There’s no Shortcut to Paradise”), 2008, Acrylic on MDF, wire, cable from an iron and bristle from a broom, 58.66 x 35.82 in. (149 x 91 cm). Hugo Quinto y Juan Pablo Lojo Collection, Guatemala. Photo credit: Alan Benchoam
- Diana de Solares, “Y Si No Fueran Sombras las Sombras” (“And If Shadows Were Not Shadows”), 2008, Pink room, dry sticks, cables, fragments of hose, steel and thread, 110.24 x 90.55 in. (280 x 230 cm). Photo credit: Alan Benchoam
Translated from Spanish
My artistic research is based on the need to transmit and reveal what I live; it is a continuous self-observation. The initial impulse of creation comes from there, always under the construction of a very personal space that I combine with geometric and constructive traditions, more as a language related to my expressive necessities than as a conceptual avenue. My work is formally and conceptually mechanical, repetitive and obsessive. To constantly repeat a form or a phrase allows an elevated state, and I want to transmit through my work that energy, outwards. The letters, the dots, or bottle caps end up creating, in absolute coherence with my way of creating, a personal and sensorial language; a writing that travels parallel with my visual and spiritual history. I make the series of mandalas with bottle caps by cutting eight spikes to each cap. They turn into a weapon to harm but also to protect, in the form of chakras. The more oxidized and worn out is the cap, the more beautiful it is. I am also interested in their colors, and that the brand is also present. When I mix all the caps there is a light that sends me to the place where they were picked up. Though everything is made by chance, each mandala has its own energy and its particular form—when I arrange them, albeit their minor differences, no cap is the same as the other. Little by little I construct my maps from this unique element that is commonly found in every place of the world and that keeps an identity from each place. The caps have and will have many histories. My dedication to the work is total. There is a symbiosis with what I make, which is something very peculiar. It is not a masterpiece, but a footprint, something from within that is immensely vital and unique. The growth in my life is the growth of my work and vice versa.
Mi investigación artística se fundamenta en la necesidad de transmitir y revelar lo que vivo, es una auto observación continua. De ahí parte el impulso inicial de creación, siempre bajo la construcción de un espacio muy personal que conjugo con la tradición geométrica y constructiva, más como un lenguaje afín a mis necesidades expresivas que como una dirección conceptual en sí. Mi trabajo es mecánico, repetitivo y obsesivo tanto formal como conceptualmente. Repetir constantemente una forma o una frase crea un estado elevado, y en mis obras lo que quiero es transmitir esa energía hacia fuera. Las letras, los puntos, o chapas, terminan creando, en coherencia absoluta con mi manera de producir, un lenguaje personal y sensorial, una escritura que viaja en paralelo con mi historia visual y espiritual. La serie de mandalas de chapas las trabajo cortándole ocho picos a cada una de ellas. Se vuelven un arma cortante y también un arma protectora con forma de chacra. Mientras más oxidada y rota la chapa, más bella. Pero también me interesan sus colores, así como que esté presente la marca que se consume. Cuando mezclo todas las chapas se crea una luz que me remite al lugar donde fueron recogidas. Y aunque todo es al azar, cada mandala tiene su energía y su forma particular, porque al colocarlas, marcando pequeñas diferencias, ninguna resulta igual a la otra. Y así, poco a poco, voy construyendo mis mapas a partir de este único elemento que se encuentra comúnmente en todos los lugares del mundo y que guarda una identidad propia del mismo. Las chapas tienen y tendrán muchas historias. Mi entrega con mi trabajo es total, hay una simbiosis con lo que hago, que es como algo singular. No se trata de una obra maestra, sino de una huella, de algo ti que es inmensamente vital y único. El crecimiento en mi vida es el crecimiento en mi obra y viceversa.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1982-86: Central Saint Martins College of Art & Design, London, UK.
Prizes / Fellowships
- 2006: Programa de Subvenciones de CIFO, Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, USA.
- 2001: Programa de Artistas en Residencia, Fundación La Llama, Caracas y Caribbean Contemporary Arts (CCA7), Puerto España, Trinidad, Spain.
- 2000: Taller Internacional de Artistas La Llama, Tácata, Venezuela.
- 2000: Mención Honorífica, I Premio ABC de Pintura, ARCO´00, Madrid, Spain.
- 1999: Primer Premio, 57 Salón de Artes Visuales Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Venezuela.
- 1997: Taller de Artistas por el Lago, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia,Venezuela.
- 1997: Mención Honorífica, V Bienal de Guayana, Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar, Venezuela.
- 1996: Mención Honorífica, V Bienal de Artes Visuales Christian Dior, Centro Cultural Consolidado, Caracas, Venezuela.
- 1992: Tercer Premio, I Bienal Nacional del Paisaje, Fundación Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu, Maracay, Venezuela.
- 1990: Mención Honorífica, VI Premio Eugenio Mendoza, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1988: Residencia de Artista, Institución Libre de Enseñanza, Madrid, Spain.
Solo Exhibitions
- 2011: Galeria Distrito 4, Madrid, Spain.
- 2010: “Sudoku”, Galería Faría + Fábregas, Caracas, Venezuela.
- 2008: “Periférico Caracas”, Centro de Arte Los Galpones, Caracas, Venezuela.
- 2004: Casa de América, Madrid, Spain.
- 2001: “Cerca de mí, Caribbean Contemporary Arts (CCA7)”, Puerto España, Trinidad, Spain.
- 2000: Museo Alejandro Otero, Caracas. Travel exhibition to Ateneo de Valencia, Venezuela y al Centro Cultural de España, Santo Domingo, Dominican Republic.
- 1999: Galería Luis Adelantado, Valencia, Spain.
- 1998: Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1997: “Senderos perforados”, Galería Ars Forum, Caracas, Venezuela.
- 1991: “Obra reciente”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1990: “Óleos”, Institución Libre de Enseñanza, Fundación Francisco Giner de Los Ríos, Corporación de Antiguos Alumnos, Madrid, Spain.
- 1988: “Pinturas”, Galería Clave, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2011: “Geometrías alteradas”, Galería Faría+Fábregas, Caracas, Venezuela.
- 2009: “Regreso”, Casa de América, Madrid, Spain.
- 2008: “Notas sobre la abstracción”, Colección Berezdivin, San Juan, Puerto Rico.
- 2008: “Objetos Afortunados, Selección de la Colección Ella Fontanals-Cisneros“, Cisneros Fontanals Art Foundation (cifo), Miami, USA.
- 2007: “Jump Cuts, Arte Contemporáneo Venezolano, Colección Mercantil”, Cisneros Fontanals Art Foundation (cifo), Miami, USA.
- 2006: “10 Defining Experiments“, Programa de Becas Cifo, Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), Miami, USA.
- 2006: “Uno a la vez, Dibujos en la Colección Mercantil”, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maracaibo, Venezuela.
- 2005: “Jump Cuts, Arte Contemporáneo Venezolano“, Colección Mercantil, Americas Society, Nueva York, USA.
- 2005: “La Costilla Maldita”, Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Las Palmas de Gran Canaria, Spain.
- 2004: ARCO´04, Casa de América (Stand), Madrid, Spain.
- 2003: Bienal de Praga I, Galería Nacional, Veletrzní Palác, Praga, Czech Republic.
- 2002: XXV Bienal de São Paulo, Ciudades, Iconografías Metropolitanas, São Paulo, Brazil.
- 2001: Galería Marlborough, Madrid, Spain.
Publications
- MARTIN LLOPIS, Paloma, Regreso: arte latinoamericano y memoria, Casa de América, Madrid.
- FAJARDO-HILL, Cecilia, Objetos Afortunados, selección de la Colección Ella Fontanals-Cisneros, Cisneros Fontanals Art Foundation (cifo), Miami; Milán: Edizioni Charta.
- GONZÁLEZ, Julieta, Rafael Castillo Zapata y Juan Carlos Ledezma, Arte Contemporáneo de Venezuela, Caracas: Francisco Villanueva Editores.
- RIVERO, Tahía, Jesús Fuenmayor, Gabriela Rangel y otros Jump Cuts, Arte Contemporáneo Venezolano, Colección Mercantil, Americas Society, Nueva York.
- AIZPURU, Margarita, La Costilla Maldita, Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Las Palmas de Gran Canaria, España.
Collections
- Colección Ella Fontanals Cisneros, Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), Miami, USA.
- Colección Mercantil, Fundación Banco Mercantil, Caracas, Venezuela.
- Colección Banesco, Fundación Banco Banesco, Caracas, Venezuela.
- Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
- Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Venezuela.
- Fundación Coca-Cola, Spain.
- Colección Berezdivin, San Juan, Puerto Rico.
- Colección Patricia Phelps de Cisneros, Fundación Cisneros, Caracas, Venezuela.
- Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu, Maracay, Venezuela.
- Emilia Azcárate, “Sudoku”, 2009-2010, Acrylic on canvas, 180 x 180 cm / 63 x 63 cm. Image of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “La Mar de Letras”, 2013, Green typewriter ink on paper, 26 postcards 10.5cm. X 15.5cm each. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Sin Titulo (México, D.F.)”, 2012, Bottle Caps, 200cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “S/T (azul)”, 2006, Watercolor and acrylic on canvas, 75 x 92 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Sin título”, 2004, Watercolor on canvas, 27 x 22 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Sin título (trini-steel pan)”, 2002, Watercolor on paper, 29,5 x 25cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Sin título”, 2000, Acrylic on canvas, 1.90 x 1.90 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Sin título”, 1999, Acrylic on canvas, 1.80 x 1.80 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Trini to the bone I”, Series: Carnival 2002, 180 x 160 x 30 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Trini to the bone II”, Series: Carnival 2003, 200 x 210 x 30 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1987: MFA, The School of the Art Institute of Chicago, Chicago, Ill. USA.
- 1985: BFA, The School of the Art Institute of Chicago, Chicago, Ill. USA.
- 1975-1978: Estudios de fotografía, Lima, Perú.
Solo Exhibitions
- 2012: “Recent works/Obra reciente”, Arévalo Gallery, Miami, USA.
- 2011: “Sinsecuentes”, Galería Lucía De La Puente, Lima.
- 2008: “Cajas”, Galería Lucía De La Puente, Lima.
- 2005: “Puntos de referencia”, Galería Lucía De La Puente.
- 2005: “Tramas, pinturas recientes”, Galería ICPNA Miraflores, Lima.
Group Exhibitions
- 2013: “Lima 130 K, Peruvian Photography”, Instituto Cervantes, New York, USA.
- 2012: “La realidad suprimida”, Sala Raúl Porras Barrenechea, Lima.
- 2012: “El show de Diana-Perú (1977-1997)”, Centro Fundación Telefónica, Lima.
- 2011: “Arte al Paso. Colección contemporánea de Museo de Arte de Lima, MALI”, Pinacoteca Do estado de Sao Paulo, Sao Paulo, Brazil.
- 2010: “Diálogos en la colección de arte contemporáneo del MALI. Adquisiciones y donaciones 2009-2010”, Museo de Arte de Lima.
Publications
- Hecho en Latinoamérica. Segundo coloquio latinoamericano de fotografía. México: Instituto Nacional de Bellas Artes, Consejo Mexicano de Fotografía, 1982.
- A Marginal Body: The Photographic Image in Latin America / Un cuerpo marginal: la imagen fotográfica en América Latina. Charles Merewether, curador. Sydney: The Australian Centre for Photography, 1987.
- Entre Trópicos. Artistas contemporáneos de los países miembros del Grupo de Río. Caracas: Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber, 1992.
- America. Bride of the Sun. 500 Years Latin America and the Low Countries. Amberes: Museo Real de Bellas Artes, Ministry of the Flemish Community Coordination Department, Administration of External Relations e Imschoot uitgevers, 1992.
- América Latina 96. Jorge Glusberg, curador. Buenos Aires: Museo Nacional de Bellas Artes, 1996.
Collections
- Colección Museo de Arte de Lima.
- Colección Eduardo Hochschild.
- Colección Armando Andrade.
- Colección Luciano Benetton, Treviso Italy.
- Colección Giancarlo Meroni, Bologna, Italy.
- Mariella Agois, “Circuito caliente”, 2005, Series: Puntos de referencia, Oil on canvas, 78 x 70.2 in. (200 x 180 cm). Location: Museo de Arte de Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Circuito frío”, 2005, Series: Puntos de referencia, Oil on canvas, 78 x 70.2 in. (200 x 180 cm). Location: Museo de Arte de Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título XV”, 2012, Oil on canvas, 70.2 x 78 in. (180 x 200 cm). Location: Galería Lucía De La Puente, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título I”, 2011, Series: Sinsecuentes, Oil on canvas, 55.8 x 67.5 in. (143 x 173 cm). Location: Galería Lucía De La Puente, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título II”, 2011, Series: Sinsecuentes, Oil on canvas, 58.5 x 68.3 in. (150 x 175 cm). Private Collection, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título III”, 2011, Series: Sinsecuentes, Oil on canvas, 55.8 x 67.5 in. (143 x 173 cm). Private Collection, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título IV”, 2011, Series: Sinsecuentes, Oil on canvas, 58.5 x 68.3 in. (150 x 175 cm). Location: Galería Lucía De La Puente, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título VI”, 2011, Series: Sinsecuentes, Oil on canvas, 70.2 x 78 in. (180 x 200 cm). Location: Galería Lucía De La Puente, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título VII”, 2011, Series: Sinsecuentes, Oil on canvas, 70.2 x 78 in. (180 x 200 cm). Location: Galería Lucía De La Puente, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título VIII”, 2011, Series: Sinsecuentes, Oil on canvas, 70.2 x 78 in. (180 x 200 cm). Location: Galería Lucía De La Puente, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título XIV”, 2012, Oil on canvas, 39.8 x 33.5 in. (102 x 86 cm). Location: Galería Lucía De La Puente, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título XVI”, 2012, Oil on canvas, 46.8 x 39.8 in. (120 x 105 cm). Private Collection, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título XVII”, 2012, Oil on canvas, 46.8 x 39.8 in. (120 x 105 cm). Location: Galería Lucía De La Puente, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Sin título XX”, 2012, Oil on canvas, 68.3 x 58.5 in. (175 x 150 cm). Location: Galería Lucía De La Puente, Lima. Image courtesy of the artist.
- Mariella Agois, “Trama 14”, 2004. Series: Tramas, Oil on canvas, 70.2 x 70.2 in. (180 x 180 cm). Private Collection, Lima. Image courtesy of the artist.
My visual rearrangements draw upon the paradoxical bond between architecture –a language of construction par excellence-with that of destruction and dislocation. In rearranging various materials I seek a potential poetics – a kind of cartography of social oblivion –that is simultaneously exposing but also recovering scattered fragments of an unrealized utopian project.
Traducido del inglés
Mis composiciones visuales recurren a la paradójica unión entre la arquitectura (un lenguaje de construcción por excelencia) con la destrucción y la dislocación. Al reconfigurar estos diferentes materiales busco una potencial poética, una especie de cartografía del olvido, que simultáneamente revela y también recobra fragmentos desperdigados de un proyecto utópico frustrado.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1983: Escuela de Grabado de Montevideo CGM, Montevideo, Uruguay.
- 1981: Taller de Artes Plásticas Guillermo Fernández. Montevideo, Uruguay.
- 1977: Facultad de Arquitectura, Universidad de la República. Montevideo, Uruguay.
Prizes / Fellowships
- 2004: New York Foundation for the Arts Fellowship, New York, USA.
- 2000: Pollock-Krasner Foundation Grant, New York, USA.
- 1986: Beca Paul Cezanne, Ministerio de Asuntos Extranjeros de Francia.
- 1986: XXXIV Salón Municipal de Montevideo. Montevideo, Uruguay.
- 1986: Premio honorario, II Bienal de la Habana, Habana, Cuba.
Solo Exhibitions
- 2013: “Obra reciente”, Nora Fisch Galeria, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “El estado de las cosas”, Museo Gurvich, Montevideo, Uruguay.
- 2013: “Paradoxes”, Josee Bienvenu Gallery, New York, USA.
- 2012: “Other Impertinences”, Alejandra von Hartz, Miami, USA.
- 2012: “Time Again Time”, Point of Contact, Syracuse, New York, USA.
Group Exhibitions
- 2012: “Esa Vara. Modernity and emplacement”, MADC, San Jose, Costa Rica.
- 2007: “The Disappeared”, El Museo del Barrio, New York, USA.
- 2006: IX Bienal de la Habana, “Dinamicas de la cultura urbana”, Havana, Cuba.
- 2005: “The Disappeared”, The North Dakota Museum of Fine Art, North Dakota. USA.
- 2002: III Bienal de Lima, Uruguayan representative, Lima, Peru.
Publications
- Bernard, Catherine. Fractures, Report on the State of Things. Catalog of exhibition.
- El estado de las cosas. Museo Gurvich, Montevideo, Uruguay, 2013.
- Rangel, Gabriela Low News.catalogue of exhibition Sin Aviso, 2005 CCE, Montevideo, Uruguay.
- Peluffo, Gabriel. Anna Tiscornia. III Bienal de Lima. Catalogue of Exhibition. Peru, 2002.
- Rangel, Gabriela Ana Tiscornia (interview) Arte al Día International, #140 2012.
Collections
- Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay.
- Museo Municipal de Bellas Artes, Juan Manuel Blanes Montevideo, Uruguay.
- The Illinois Holocaust Museum and Education Center, Chicago, USA.
- Teor/etica, San Jose, Costa Rica.
- Museo de la Solidaridad Salvador Allende, Santiago, Chile.
Links
Ana Tiscornia / Other impertinences
- Ana Tiscornia, “Situation”, 2007, Cardboard and paper tape, Dimensions variable. Artist’s studio. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “Situation #2”, 2007, Cardboard, wood, paint, newspaper and paper tape, 10 x 20 x 11 in. Alejandra von Hartz Gallery, Miami. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “The House in the Square”, 2003, Mixed media on paper, 23 x 16 in. Josée Bienvenu Gallery, New York. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “Green Wall Paper”, 2007, Mixed media on paper, 19 x 13 in. Allegra Ravizza Art Project, Milan. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “The Fact of the Matter”, 2011, Cardboard, paper, paint and fabric on chair head, 14 x 15 x 13 in. Galería El Paseo, Uruguay. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “The Fact of the Matter III”, 2011, Cardboard, paint, paper and wood, Dimensions variable. Artist’s studio. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “To Be Precise”, 2011, Acrylic on canvas, 48 x 72 in. Artist’s studio. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “The Green Line”, 2012, Acrylic on canvas, 48 x 72 in. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “To Be Precise 2”, 2011, Acrylic on canvas, 68 x 66 in. Alejandra von Hartz Gallery, Miami. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “En Breve”, 2013, Cardboard, paint, paper, and plastic mesh, 54 x 20 x 3 in. Nora Fisch Gallery, Buenos Aires. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “Fourth and Final Step”, 2012, Cardboard, paint, paper, and plastic mesh, 120 x 84 x 4 in. Jorge Merez Collection, Miami. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “Three Days”, 2012, Acrylic on canvas, cardboard, wood, paint and fabric, 38 x 95 x 13 in. Josee Bienvenu Gallery, New York. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “Deshabitaciones 3”, 2013, Acrylic on canvas, cardboard, paint, plastic mesh and paper, 39 x 73 x 4 in. Nora Fisch Gallery. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “On the Edge”, 2013, Acrylic on canvas, cardboard, paint, plastic mesh and paper, 36 x 52 in. Galería El Paseo, Uruguay. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Ana Tiscornia, “Following the Steps”, 2011, Acrylic on canvas, cardboard, paint, plastic mesh and paper, 44 x 98 x 6 in. Alejandra von Hartz Gallery.
Translated from Portuguese
I consider how a painting can inhabit the world and what its place in it is.
An idea that interests me is the limit between what a painting is and what a simple object is. Considering this, I utilize heterogeneous surfaces that are almost incompatible: paint, acrylic laminate and wood.
In the work “MAR E MONTE”, I used four identical rectangles but with contrasting materials and colors. The rectangles unify the painting while the materials introduce stark contrasts.
In “CONGO”, the contrast is subtler, and occurs through the painting method: partially glossy (painted from inside the box of acrylic material) and partially matte (paint painted over the frame, enhancing the work’s edges and limits).
Traducido del portugués
Pienso en cómo una pintura puede habitar el mundo y cuál es su lugar en él.
Un punto que me interesa es el límite entre lo qué es una pintura y lo que un simple objeto es. Para eso empleo una superficie con partes heterogéneas, casi incompatibles: pintura, material acrílico y madera.
La obra “MAR E MONTE” utiliza cuatro rectángulos iguales, pero con materiales y colores contrastantes. Los rectángulos unifican la obra. Los materiales introducen grandes diferencias.
En “CONGO” el contraste es más sutil y se obtiene a través de técnicas de pintura: el brillo (en la pintura hecha dentro de la caja del material acrílico) y el mate (pintura hecha por encima del marco, enfatizando así los límites y fronteras).
Penso em como uma quadro pode habitar o mundo, em qual é o seu lugar.
Um ponto que me interessa é o limite entre o que é um quadro e o que é um simples objeto. Para isso emprego uma superfície com partes heterogêneas, quase incompatíveis: pintura, material acrílico e madeira.
Na obra “MAR E MONTE” utilizei quatro retângulos iguais, mas com materiais e cores são contrastantes. Os retângulos unificam a obra. Os materiais introduzem fortes diferenças.
Em “CONGO”, o contraste é mais sutil e se dá através das tintas da pintura: o brilho (na pintura feita por dentro da caixa com material acrílico) e o fosco, na pintura feita por cima da moldura, realçando assim a bordas e seus limites).
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1980: Graduated in visual arts from Armando Álvares Penteado Foundation (FAAP).
- 1980s: studies in drawing and painting at the studio of artists Carlos Alberto Fajardo and Dudi Maia Rosa.
Solo Exhibitions
- 2012: “A Pintura na Caixa”, Galeria Pilar, São Paulo, Brazil.
- 2011: “A Pintura na Caixa”, Lurixs Arte Contemporânea, São Paulo, Brazil.
- 2009: “Entre Cores”, Lurixs Arte Contemporânea, São Paulo, Brazil.
- 2009: “Estúdio Buck”, São Paulo, Brazil.
- 2007: Galeria Virgilio, São Paulo, Brazil.
- 2007: Galeria Matias Brotas, Vitória, Spain.
- 2005: Galeria Virgilio, São Paulo, Brazil.
- 2003: Centro Universitário Maria Antonia, São Paulo, Brazil.
- 2002: Galeria Barô Senna, São Paulo, Brazil.
- 1998: Valú Oria Galeria de Arte, São Paulo, Brazil.
Group Exhibitions
- 2013: SP Arte, Galeria Pilar, São Paulo, Brazil.
- 2013: SP Arte, Lurixs Arte Contemporânea, São Paulo, Brazil.
- 2012: SP Arte, Lurixs Arte Contemporânea, São Paulo, Brazil.
- 2012: ArtRio, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2011: SP Arte, Lurixs Arte Contemporânea, São Paulo, SP, Brazil.
- 2011: ArtRio, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2010: SP Arte, Lurixs Arte Contemporânea, São Paulo, Brazil.
- 2008: SP Arte, Anita Schwartz, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2008: SP Arte, Galeria Virgilio, São Paulo, Brazil.
- 2007: Pinta Art Fair, Galeria Virgilio, Nova York, USA.
Publications
- Renata Tassinari – A Pintura na Caixa, Catalog, Galeria Lurix, 2011/2012.
- Renata Tassinari – Rio de Janeiro, Francisco Alves, 2009.
- Renata Tassinari, “Untitled”, 1990, Oil, wax, paper on wood, 230 X 170 cm. Photo credit: Tutu Cardoso de Almeida
- Renata Tassinari, “Untitled”, 1990, Oil, wax, paper on wood, 230 X 170 cm. Photo credit: Tutu Cardoso de Almeida
- Renata Tassinari, “Untitled”, 1993, Oil, wax and synthetic enamel and paper on wood. Photo credit: Valéria Feres Collection
- Renata Tassinari, “Untitled”, 1995, Oil and wax on canvas, 230 x 140 cm. Photo credit: Eduardo Ortega
- Renata Tassinari, “Untitled”, 2002, Oil and wax on frame, 150 x 300 cm. Photo credit: Nelson Kon
- Renata Tassinari, “Untitled”, 2003, Oil and wax on canvas, 100 x 200 cm. Photo credit: Romulo Fialdini
- Renata Tassinari, “Jequitibá amarelo”, 2007, Oil, wax, acrylic frame and wood, 200 x 60 cm. Photo credit: Romulo Fialdini
- Renata Tassinari, “Fachada Roxa”, 2007, Oil acrylic frame and wood, 55 X 80 cm. Photo credit: Romulo Fialdini
- Renata Tassinari, “Quadrado turquesa”, 2008, Acrylic, oil on acrylic frame and wood, 100 x 100 cm. Photo credit: Romulo Fialdini
- Renata Tassinari, “Nogueira amarelo e cinza”, 2008, Oil, wax, acrylic frame and wood, 40 x 200 cm (3 parts). Photo credit: Romulo Fialdini
- Renata Tassinari, “Xadrez”, 2009, Acrylic, oil, wax, acrylic frame, 120 x 120 cm. Photo credit: Romulo Fialdini
- Renata Tassinari, “Peroba Turquesa”, 2011, Acrylic, oil, wax, acrylic frame and wood, 80 x 240 cm. Photo credit: Romulo Fialdini
- Renata Tassinari, “Jequitibá de Vermelhos”, 2012, Acrylic, oil, wax, acrylic frame and wood, 200 x 50 cm. Photo credit: Romulo Fialdini
- Renata Tassinari, “Amarelo e laranja vertical”, 2009, Acrylic and oil on acrylic frame, 221 x 56 cm
- Renata Tassinari, “Quadrado de três”, 2012, Oil on acrylic frame, 100 x 300 cm. Photo credit: Romulo Fialdini
Translated from Spanish
My interest on abstraction began approximately in 2006, as a result of a refusal to keep representing problems and situations linked to Colombian identity within my individual artistic process—thematic axis that I explored in my works since 1999 and from which I proposed various mediums such as installation, printing and painting. Since 2007 I began a series of projects in which I decided to produce works about the relevance of the international style, i.e., the great boom that the modern architecture movement has had since its origins in the second decade of last century in Europe, aiming to develop post-colonial and transcultural positions from the proposals in which I juxtapose different historical urban periods around the world, with the purpose of highlighting the overwhelming aspect of the modernist movement and vice versa.
Mi interés por la abstracción vino a darse hacia 2006 a raíz de un rechazo a seguir representando problemas y situaciones vinculadas a temas de identidad colombiana dentro de mi proceso individual como artista, eje temático que identificó mis trabajos desde 1999 y el cual planteé desde varios medios como la instalación, el grabado y la pintura. A partir de 2007 inicié una serie de proyectos en los que me propuse elaborar trabajos sobre la relevancia del estilo internacional, es decir, el gran auge que ha vivido el movimiento moderno de arquitectura desde que se inició en la segunda década del siglo pasado en Europa, buscando de esa manera desarrollar posiciones poscoloniales y transculturales desde propuestas en las que yuxtapongo diferentes periodos históricos urbanos alrededor del mundo con el fin de resaltar el carácter avasallador del movimiento moderno y viceversa.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2008-2009: MA Fine Art, Central Saint Martins College of Art and Design, London, UK.
- 1996-2000: Maestro en Artes Plásticas, Universidad Nacional, Bogotá, Colombia.
Prizes / Fellowships
- 2009: Distinction, MA Fine Art, Central Saint Martins College of Art and Design, London, UK.
- 2004: Mención Laureada, Trabajo de Grado Frutos, Universidad Nacional, Bogotá, Colombia.
- 2001: Premio Mejores Trabajos de Grado, Área VII, Universidad Nacional, Bogotá, Colombia.
- 1998: Premio, 4to Salón Nacional de Arte Universitario, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2012: “ODAM 10 Proyectos”, Nueveochenta Arte Contemporaneo, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Oficina de Diseño de Arquitectura Moderna”, Nueveochenta Arte Contemporaneo, Bogotá, Colombia.
- 2010: “Entre Siglos”, Alberto Sendros Galería, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “1900-5100”, Nueveochenta Arte Contemporaneo, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Paisaje”, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá, Colombia.
- 2007: “El Cielo Con Las Manos”, Nueveochenta Arte Contemporaneo, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Covers”, Galería Sextante, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Señales”, Galería Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Señales”, Museo de Arte Moderno de Bucaramanga, Bucaramanga, Colombia.
- 2002: “Subdesarrollado”, Alianza Colombo-Francesa, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “Paper Thin”, Bearspace, London, UK.
- 2012: “Una Línea de Polvo: Arte y Drogas”, El Centro de Expresiones Contemporáneas Paseo de las Artes y el Río Paraná, Rosario, Argentina.
- 2012: “Poetas en Tiempos de Escasez”, El Parqueadero-Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- 2012: ARCO-Solo Projects: Focus Latinoamérica, Madrid, Spain.
- 2011: “Maraloto”, Museo de Arte del Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Sobre el Territorio: Arte Contemporaneo en Colombia”, Museo Santralistanbul, Istanbul, Turkey.
- 2011: “Sobre el Territorio: Arte Contemporaneo en Colombia”, Cermodern, Ankara, Turkey.
- 2010: “Puntos Suspensivos”, Museo Diego Rivera, Guadalajara, Mexico.
- 2009: “Future Map 09”, 20 Hoxton Square, London, UK.
- 2008: “Otras Floras”, Galería Nara Roesler, Sao Paulo, Brazil.
Publications
- 2012: Transpolítico-Arte en Colombia 1992-2012, Lunwerg, Madrid, Spain.
- 2010: The Catlin Guide-New Artists in the UK, Catlin Holdings Limited, London, UK.
- 2007: Jaime Tarazona, Programa Enfoques, Banco UBS, Bogotá, Colombia.
Collections
- Banco Itaú, Bogotá, Colombia.
- Jaime Tarazona, “Gold Washing in the Brazils”, 2008, Acrylic on engraving, 24 x 18 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Pilori a Charing Cross”, 2009, Acrylic on engraving, 15 x 23 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “La Cumbre”, 2008, Acrylic on engraving, 15 x 24 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Nanking”, 2009, Acrylic on engraving, 16 x 21 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Harbour of Rio Janeiro”, 2008, Acrylic on engraving, 12 x 15 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “América 1”, 2010, Adhesive vinyl on map, 67 x 47 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “América 15-20”, 2010, Adhesive vinyl on map, 208 x 134 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Asia 7-9”, 2010, Adhesive vinyl on map, 141 x 67 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Europa 8-10”, 2012, Adhesive vinyl on map, 114 x 114 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Europa 15-25”, 2011, Adhesive vinyl on map, 114 x 335 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Bogotá 8”, 2010, Paper on postal, 10 x 15 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “La Boca Buenos Aires”, 2010, Paper on postal, 15 x 20 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Nueva York 1”, 2010, Paper on postal, 15 x 20 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “Houses of Parliament”, 2009, Paper on postal, 10 x 23 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Jaime Tarazona, “St Paul’s Cathedral 2”, 2009 Paper on postal, 10 x 23 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Color is a prominent aspect in these works. To value and explore different tones, opacity and transparency, the artist uses the technique of glazing. The clutters of ink are soft, mixed with aluminum, and creating effects of opacity and ambience light reflections on the surface of the painting. Tatiana Stropp’s work invites to observe and discover a universe of tonalities, formed by apparently easy streaks, which maintain a complexity of reflections.
El color es un aspecto notable en estas obras. Para valorar y explorar los diferentes tonos, la opacidad y la transparencia, la artista utiliza la técnica de veladura. Las camadas de tinta son tenues, proporcionando su mezcla en el aluminio, creando efectos de opacidad y de reflejos de la luz ambiente en la propia superficie de la pintura. Las obras de Tatiana Stropp invitan a observar y a descubrir un universo de tonalidades, formado por pinceladas aparentemente sencillas, pero que conservan una complejidad de reflejos.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2000-2004: Escuela de Música y Bellas Artes de Paraná, 4 años, licenciatura en pintura, Curitiba, PR, Brazil.
- 2004-2005: Escuela de Música y Bellas Artes de Paraná, 2 años, posgrado en Historia de Arte Moderno y Contemporáneo, Curitiba, PR, Brazil.
Prizes / Fellowships
- 2013: Indicación, Prêmio Investidor Profissional de Arte – PIPA, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2012: Indicación, Prêmio Investidor Profissional de Arte – PIPA, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2008: Prêmio Aquisição, Fundação Rômulo Maiorana, Arte Pará 27ª edición, Belém, Brazil.
- 2008: Comentarios sobre pintura, Proyecto Beca Produción, Fundação Cultural de Curitiba. 2ª edición, Curitiba, Brazil.
Solo Exhibitions
- 2013: Bienal Internacional de Curitiba, Curitiba, PR, Brazil.
- 2012: Galería Vertente, Campinas, SP, Brazil.
- 2007: Galería Ybakatu Espaço de Arte, Curitiba, PR, Brazil.
- 2007: Casa Andrade Muricy, Curitiba, PR, Brazil.
- 2005: Sala Adalice Araujo, Universidad de Tuiuti, Curitiba, PR, Brazil.
Group Exhibitions
- 2013: ARCO Madrid, Galería Ybakatu Espaço de Arte 32ª edición, Madrid, Spain.
- 2013: “Colección MON, Adquisiciones 2011/2012”, Museo Oscar Niemeyer, Curitiba, PR, Brazil.
- 2012: ARCO Madrid, Galería Ybakatu Espaço de Arte, n° 31, Madrid, Spain.
- 2012: Galería Ybakatu Espaço de Arte, SP Arte, Feria Internacional de Arte de São Paulo, 8ª edición, São Paulo, Brazil.
- 2011: Galería Ybakatu Espaço de Arte, SP Arte, Feria Internacional de Arte de São Paulo, 7ª edición, São Paulo, Brazil.
- 2011: ARCO Madrid, Galería Ybakatu Espaço de Arte 30ª edición, Madrid, Spain.
- 2011: “Estado da Arte: 40 anos de Arte Contemporánea en Paraná (1970-2010)”, Curators Artur Freitas y María José Justino, Oscar Niemeyer Museo, Curitiba, PR, Brazil.
- 2010: “Também, Memorial de Curitiba”, Fundación Cultural de Curitiba, Curitiba, PR, Brazil
- 2010: “Novos Encontros com o Acervo, Musa, Museo de Arte da UFPR”, Universidad del Estado de Paraná, Curitiba, PR, Brazil.
- 2009: 27ª Edición Arte Pará, Prêmio Adquisición, Fundación Rômulo Maiorana Belem, PA, Brazil.
Collections
- Fundación Rômulo Maiorana, Belém, Brazil.
- MON – Museo Oscar Niemeyer, Curitiba, Brazil.
- MusA – Museo de Arte da UFPR, Universidad del Estado de Paraná, Curitiba, Brazil.
Links
- Tatiana Stropp, “06.08”, 2013, Oil on aluminum, 150 x 220 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Tatiana Stropp, “12.08”, 2013, Oil on aluminum, 150 x 220 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Tatiana Stropp, “03.06”, 2013, Oil on aluminum, 135 x 100 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Tatiana Stropp, “28.11”, 2012, Oil on aluminum, 74 x 125 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Tatiana Stropp, “10.07”, 2012, Oil on aluminum, 57 x 125 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Tatiana Stropp, “06.06”, 2012, Oil on aluminum, 43 x 125 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Tatiana Stropp, “29.05”, 2012, Oil on aluminum, 35 x 62 cm.
- Tatiana Stropp, “21.05”, 2012, Oil on aluminum, 52 x 200 cm.
- Tatiana Stropp, “09.05”, 2012, Oil on aluminum, 135 x 120 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Tatiana Stropp, “03.11”, 2011, Oil on aluminum, 170 x 150 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Tatiana Stropp, “22.10”, 2011, Oil on aluminum, 170 x 150 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Tatiana Stropp, “23.03”, 2011, Oil on aluminum, 64 x 60 cm.
- Tatiana Stropp, “26.10”, 2009, Oil on aluminum, 60 x 125 cm.
- Tatiana Stropp, “18.06”, 2009, Oil on aluminum, 42 x 49 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Tatiana Stropp, “23.02”, 2008, Oil on aluminum, 54 x 51 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
-The different ways in which a cultural emanation is developed by different peoples or communities (for example, the constructive utopias of Brazil, Europe, Venezuela, or Argentina).
-The process through which a more specific answer is emptied out from the ideological content that generated it, and is used for different or even contrary purposes (the influence of Bauhaus in serial industrial production).
-The transformation experienced by style when it is transplanted to another physical and social reality (Vitruvius’ model of religious architecture in Spanish colonies in the American continent).
These sentences are some examples of what has always fascinated me sensually and intellectually: the impure condition of culture and the visual expressions of that complexity.
In a young country such as mine, this is an elemental everyday condition. Buenos Aires’ architecture is a proof of that.
I intend to register all of this in my work. If I have to summarize in two words the themes that inspire my work, these would be disease and contamination.
-Las diversas formas en que una emanación cultural es desarrollada por diferentes personas o comunidades (por ejemplo, las utopías constructivas en Brasil, Europa, Venezuela o Argentina).
-El proceso por el cual una respuesta formal específica, se vacía de los contenidos ideológicos que le dieron origen y se utiliza para fines diversos y aun opuestos (la influencia de la Bauhaus en la producción industrial en serie).
-La transformación experimentada por el estilo cuando se trasplanta a otra realidad física y social (el modelo de Vitruvio en la arquitectura religiosa en las colonias españolas de América).
Estos enunciados son algunos ejemplos de lo que siempre me ha fascinado, a la vez sensual e intelectualmente: la condición impura de la cultura y las expresiones visuales de esa complejidad.
En un país joven como el mío esto es una condición cotidiana y constitutiva. Buenos Aires y su arquitectura son prueba de ello.
Tengo la intención de registrar todo esto en mi trabajo. Si tengo que sintetizar en dos palabras los temas que inspiran mi trabajo serían enfermedad y contaminación.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Escuela Superior de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, 3 years in 1980s, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2002: Fundacion Civitella Ranieri, Fellowship, Umbertide, Italy.
- 2000: Fundación Costantini, Honorific Award, Buenos Aires, Argentina.
- 1998: “Young Artist of the Year” by the Argentine Art Critics Association, Buenos Aires, Argentina.
- 1997: Novartis Awards, First Prize, INET Awards, Honorific Award, Costantini, Honorific Award, Buenos Aires, Argentina.
- 1996: Nominated “Best Solo Exhibition” by the Argentine Art Critics Association, Buenos Aires, Argentina.
- 1995: Nominated “Young Artist of the Year” by the Argentine Art Critics Association, Buenos Aires, Argentina.
- 1995: National Endowment for the Arts, “Grant for Creation in the Visual Arts”, Buenos Aires, Argentina.
- 1995: Gunther, Honorific Award, Buenos Aires, Argentina.
- 1992: Nomination for the Konex ’92 awards (Installation), Buenos Aires, Argentina.
- 1991: Ministry of Cultural Affairs from Spain, Fellowship, Spain.
Solo Exhibitions
- 2013: “Structure”, Sicardi Gallery, Houston, Texas, USA.
- 2012: Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: Museo Pedro de Osma, Lima, Peru.
- 2009: Baró Cruz Gallery, Sao Paulo, Brazil.
- 2008: Sicardi Gallery, Houston, Texas, USA.
- 2007: Ruth Benzacar Gallery, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Palacio Velazquez, Madrid, Spain.
- 2003: Ruth Benzacar Gallery, Buenos Aires, Argentina.
- 2001: Sicardi Gallery, Houston, Texas, USA.
- 2001: Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 1997: Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 1997: Annina Nosei Gallery, New York, New York, USA.
Group Exhibitions
- 2011: “Southern Identity”, Smithsonian Institutions, The Smithsonian International Gallery, S. Dillon Ripley Center, Washington, D.C., USA.
- 2010: “Beuys y más alla”, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Painting With a Hammer to Nail the Crotch of Civilization”, Manila Contemporary, Makati City, Philippines.
- 2010: Sicardi Gallery, Houston, Texas, USA.
- 2009: “Slow Paintings”, Museum Morsbroich, Leverksusen, Germany.
- 2009: “Geomtrías dislocadas”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2009: “Talismán se busca Parte II”, Ruth Benzacar Gallery, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Argentina hoy”, Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo and Rio de Janeiro, Brazil.
- 2009: “All Boys”, Museo Provincial Rosa Galisteo, Santa Fe, Argentina.
- 2009: “White Noise”, DePauw University, Greencastle, Indiana.
- 2008: School Gallery, Paris, France.
- 2007: “La espiral de Moebius”, Centro Cultural Parque de España, Rosario, Argentina.
- 2006: 9ª Bienal de La Habana, Havana, Cuba.
- 2005: “Arte abstracto (hoy) = Frafilidad + Resiliencia”, Centro Cultural de España, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: “Contrabandistas de imágenes”, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
- 2004: 26ª Bienal de Sao Paulo, Brazil.
- 2003: Project Artgentina, Miami, Florida, USA.
- 2002: “Ultimas Tendencias en la coleccion del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires“, Buenos Aires, Argentina.
- 2002: “The city of temptations”, Ediciones Madrid, Madrid, Spain.
- 2002: “Ballesteros Siquier”, Museo de Arte Contemporáneo, Posadas, Misiones, Argentina.
- 2002: “Los amigos de Cippolini”, Belleza y Felicidad, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- 2010: Battistozzi, Ana María y Alberto Giudice. Un recorrido por el arte contemporáneo argentino, Buenos Aires, Papers Editores.
- 2009: Sarlo, Beatriz. La ciudad vista, Buenos Aires, Siglo XXI.
- 2007: Civale, Cristina. Industria argentina: Arte contemporáneo en construcción, Buenos Aires, Civale + Maravillarte.
- 2006: Arestizábal, Irma, Olivier Debroise, Ticio Escobar et al. 100 Artistas Latinoamericanos, Madrid, Exit.
- 2005: López Anaya, Jorge. Arte argentine: Cuatro siglos de historia, Buenos Aires, Emecé.
- 2000: Golonbek, Claudio. Guía para invertis en el Mercado de arte argentine, Buenos Aires, Patricia Rizzo Editora.
- 1999: Benedit, Luis F., Jorge Gumier Maier y Marcelo E. Pacheco. Artistas argentines de los 90, Buenos Aires, Fondo Nacional de las Artes.
- 1997: López Anaya, Jorge. Historia del arte argentino, Buenos Aires, Emecé.
- 1997: Escher, Joris y Martijn Kielstra. Platform 1: 70 Young Modern Artists from Asia and Latin America, Amsterdam, Canvas World Art Foundation.
- 1992: Glusberg, Jorge. Del constructivismo a la geometría sensible, Buenos Aires, Centro de Arte y Comunicación.
Collections
- Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain.
- Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- The Jack S. Blanton Museum of Art, University of Texas, Austin, Texas, USA.
- Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Argentina.
- Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina.
- Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Argentina.
Additional Links
- Pablo Siquier, “9809”, 1998, Acrylic on canvas, 80 x 72 in. (203 x 182 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “9808”, 1998, Acrylic on canvas, 80 x 72 in. (203 x 182 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “9807”, 1998, Acrylic on canvas, 80 x 72 in. (203 x 182 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “0803”, 2008, Acrylic on canvas, 73 x 106 in. (185 x 270 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “0817”, 2008, Acrylic on canvas, 150 x 160 cm (60 x 63 in.). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “0823”, 2008, Acrylic on canvas, 25.5 x 47.25 in. (65 x 120 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “0804”, 2008, Vinyl wall installation, 110.25 x 126 in. (280 x 320 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “1104”, 2011, Acrylic on canvas, 55 x 104.33 in. (140 x 265 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “1110”, 2011, Acrylic on canvas, 31.5 x 31.5 in. (80 x 80 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “1215”, 2012, Charcoal on paper, 43.3 x 53.125 in. (110 x 135 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “1301”, 2013, Charcoal on paper drawing, 57.1 x 68.875 in. (145 x 175 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “1302”, 2013, Charcoal on paper drawing, 78.375 x 57.1 in. (199 x 145 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “1304”, 2013, Charcoal on paper drawing, 47.25 x 90.5 in. (120 x 230 cm.). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “1306”, 2013, Charcoal on paper drawing, 59.1 x 65 in. (150 x 165 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
- Pablo Siquier, “1307”, 2013, Charcoal on paper drawing, 82 x 53 in. (210 x 135 cm). Photo credit: Courtesy of the artist and Sicardi Gallery.
Translated from Spanish
I see art and the processes it implies; as a main root that include many useful aspects in life which go from instincts to measure; intuitive aesthetics to rational ethical’s mechanics. Being in this path is a constant study of the whole, going through experiences, observations and resolutions to understand it as a big unity. This study helps me to obtain different perspectives for the experience of perceiving life in an analytical and contemplative way. With the appetite to keep making new findings; and understanding the mechanism by which different disciplines are related. This interest is the constant mark that motivates my work, acting and reacting starting from of one idea.
Entiendo el arte y los procesos que implican, como una rama madre que engloba muchos aspectos útiles para la vida, que van desde el instintivo hasta la mesura, desde la estética intuitiva hasta la ética racional mecánica. Estar en ese camino es un estudio constante del todo, avanzando por experiencias, observaciones, resoluciones para entenderlo como una gran unidad. Este estudio me ayuda a obtener perspectivas para la experiencia de percibir la vida, de forma analítica y contemplativa. Con apetito de seguir descubriendo más y comprender mecanismos en los que se relacionan las disciplinas. Este interés es la constante marca que motiva mi trabajo, accionando y reaccionando a partir de alguna idea.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2009: TALLER R.U.S. LIMA- c.c. casa España, Lima, Perú.
- 2008: CURSO Corel Draw – IPAD, Lima, Perú.
- 2008: CURSO Adobe Photoshop – IPAD, Lima, Perú.
- 2003-2007: ENSABAP especialidad pintura, Lima, Perú.
Prizes / Fellowships
- 2015: Finalista & exposición colectiva, “13vo Salón nacional de pintura ICPNA” Centro Cultural Peruano Norte Americano, Lima, Peru.
- 2012: Concurso 2do puesto, “La Pinta de Lima” Municipalidad Metropolitana de Lima & EMAPE, Lima, Peru.
- 2012: Finalista & exposición colectiva, “concurso: PASAPORTE PARA UN ARTISTA” Galería PUCP & c.c. Alianza Francesa, Lima, Peru.
- 2011: 3er Puesto Concurso Golden Graffiti, “interior” estacionamiento minera Hoschild, Lima, Peru.
Solo Exhibitions
- 2015: “OUTSIDER”, Galería Lucia de la Puente & Monumental Callao, Callao, Peru.
- 2014: “Regalo de joyas”, KIOSKO Galería, Santa Cruz, Bolivia.
- 2013: “Año nuevo en Etiopia”, Galería Lucia de la Puente, Lima, Peru.
- 2012: “-ADAPTACION”, Galería Morbo, Lima, Peru.
- 2009: “Radiochu presenta: Matizado con el abrigo de la noche”, Yacana, Lima, Peru.
- 2008: “Radiochu presenta: Valentino Sibadon”, La Maquina, Miraflores, Lima, Peru.
- 2007: “Radiochu”, Tienda la Pulga, Miraflores, Lima, Peru.
Group Exhibitions
- 2016: “RADIO XOMATOK: Mega Hertz”, Taller Detonador, Lima, Peru.
- 2016: “A mar”, Galería Lucia de la Puente, Lima, Peru.
- 2016: “20 años de graffiti y street art en Lima” 93Galeria, Callao, Peru.
- 2016: “Intersección (objeto, acontecimiento y geometría)”, Proyecto Showroom, San Miguel de Allende, México.
- 2015: “Señalamientos”, Galería Lucia de la Puente, Lima, Peru.
- 2015: “IN, OUT AND BETWEEN”, Nube Galeria, Santa Cruz, Bolivia.
- 2014: “Skateboarding 50 años de influencia”, Galería Paraiso, Lima, Peru.
- 2013: “VEJIGA DE PEZ 3-D”, Bellas Artes, Lima, Peru.
- 2013: “Noche en Blanco”, Barranco, Lima, Peru.
- 2012: “Proyecto AFUERA”, Casona 80m2 & Morbo, Lima, Peru.
- 2012: “Código Postal”, Galeria Vértice & Corriente Alterna, Lima, Peru.
- 2011: “City Tour”, Centro Cultural Qoricancha, Cusco, Peru.
- 2010: “RUS Lima”, Centro Cultural España, Lima, Peru.
- 2009: “La Nueva Línea”, Centro Cultural ICPNA Cusco, Cusco, Peru.
- 2007: “El Codo: La ciudad como escenario”, Galería John Harriman, Centro Cultural Británico, Miraflores, Lima, Peru.
- 2006: “El Codo: Autoadhesivo”, Centro Cultural Ricardo Palma, Miraflores, Lima, Peru.
Publications
- 2016: “Peru Al Limite” ed. Arte al Limite, Chile.
- 2016: “VALENTINO SIBADON- PUERTO MALDONADO/MOYOBAMBA/LIMA/SANTA CRUZ/LA PAZ/BARCELONA/BUENOS AIRES TOUR” Garbomagazine, Peru.
- 2015: “Casa Tomada” Phormula, Peru.
- 2015: “RADIO” Graffito mag, Chile.
- 2013: “Año nuevo en Etiopia” Blog CAUSE I NEED IT, Chile.
- 2013: “Ofrenda Celeste” Blog JUXTAPOZ, España.
- 2013: The World Atlas of Street Art and Graffiti (en colaboración con Sixe Paredes), Rafael Schacter, Inglaterra.
- 2013: CASA TOMADA las experiencias del colectivo Vesica Piscis, arte al limite, n.58, Chile.
- 2013: Blog Síndrome de stendhal, Perú.
- 2010: LINEA Y CUERPO, Felipe Mayuri & Iván Fernández Editores, Perú.
Collections
- Alberto Rebaza, Lima, Perú.
- Manuel Velarde, Lima, Perú.
- Bettina y Jorge Mufarech Colección, Lima, Perú.
- Rosario Prado, Lima, Perú.
Additional Links
- 2013: Exposición: “Año nuevo en Etiopia”
- 2013: “Ofrenda Celeste”, Nazca, Perú, en colaboración con Sixe Paredes
- 2011: “modulación de éter”, Lima, Peru, Exposicion Vejiga de Pez
- Valentino Sibadon, “Puente Invertido”, 2013, Series: intervención para “La Noche En Blanco”, Glossy paint on wall and floor, 4x18x8m / 157.5”x708.7”x314.9”, Site specific project. Location: Barranco, Lima, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Interior”, 2011, Series: intervención para concurso “Golden Graffiti”, Glossy paint and spray paint on wall, ceiling, and floor, 20x60x3.5m / 787.3”x 2362.2”x137.8”, Site specific work. Location: Estacionamiento minera Hoschild, Surco, Lima, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Que sea aca como es alla”, 2013, Glossy paint on wall, 16x10m/ 630”x393.7”, Site specific project. Location: Universidad Ricardo Palma, Lima, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “fachada desfasada”, 2012, Series: Mural para Exposición -ADAPTACION- Glossy paint on wall, 5x10m/ 196.8”x393.7”, Site specific project. Location: Fachada Morbo Galería, Barranco, Lima, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “amare”, 2013, Glossy paint on wall, 2.5x 3m / 98.4”x118.1” Site specific project. Location: Moyobamba, Región San Martin, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “jugueria”, 2013, Glossy paint on wall, 3x10m / 118.1”x393.7”, Site specific project. Location: Moyobamba, Región San Martin, Perú. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “cruz de capas”, 2013, Spray paint and glossy paint on wall, 2.5x4m / 98.3”x157.5”, Site specific project. Location: Asentamiento Canta Gallo, Rimac, Lima, Perú. Photo credit: Diego Cornejo
- Valentino Sibadon, “hard/soft”, 2013, Spray paint and glossy paint on wall, 2.8×4.5m / 110.2”x177.1”, Site specific project. Location: Gamarra, La Victoria, Lima, Peru. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Naranja, rosa y verde”, 2013, Series: Policarbonatos / exposición: Año nuevo en Etiopia, Spray paint on and inside of polycarbonate, 110x105cm / 43.3”x41.3”. Photo credit: Luis Elias
- Valentino Sibadon, “Cruz gris”, 2013, Series: Policarbonatos / exposición: Año nuevo en Etiopia, Spray paint on and inside of polycarbonate, 95x105cm / 37.5” x41.3”. Photo credit: Luis Elias
- Valentino Sibadon, “Degrade tropical”, 2013, Piecitas / exposición: Año nuevo en Etiopia, Spray sobre Melamine, 25x5cm/ 9.8”x9.8. Photo credit: Luis Elias
- Valentino Sibadon, “Frio Calido”, 2012, Spray paint on Plexiglas, 18x29cm each / 7”x11.5” each. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Nintendo”, 2011, Series: escombros, Spray paint on tile, 18x26cm / 7.3”x10.2”. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Caramelo”, 2012, Series: escombros, Spray paint on tile, 15x15cm /5.9”x5.9”. Image courtesy of the artist
- Valentino Sibadon, “Flotante”, 2011, Series: escombros, Acrylic on ceramic, 24x17cm / 9.5” x 6.8”. Image courtesy of the artist
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1992-1997: Profesorado de Artes Visuales. Escuela Superior de Artes Visuales “Lino Enea Spilimbergo, Bahía Blanca, Argentina.
- 1992-1995: Diseño Gráfico. Escuela Superior de Artes Visuales “Lino Enea Spilimbergo”, Bahía Blanca, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2012: Premio Petrobras, ArteBA 2012, con el proyecto “La Multisectorial Invisible”, junto a Guillermina Mongan, Ana Gallardo, Elisa Strada, Gustavo Doliner y Lola Granillo http://lamultisectorialinvisible.tumblr.com/
- 2012: Premio Institucional Fondo Nacional de las Artes, LXVI Salón Nacional de Rosario, Argentina.
- 2010/2011: Beca Centro de Investigaciones Artísticas, Buenos Aires, Argentina.
- 2006: Beca Nacional, Artes Plásticas, Fondo Nacional de las Artes, Argentina.
- 2003: Workshop Bogo-día, Centre du Soleil d’Afrique, coordinado por Trama y RAIN (red de iniciativa de artistas) Bienal Nacional de Fotografía, Bamako, Mali, África.
- 2003: Residencia, Centre de Art Contemporain 19, Montbeliard, Francia.
- 1998-1999: Mención Especial y Premio de Pintura “Banco Provincia”, ArteBA , Buenos Aires, Argentina.
- 1997/1999: Programa de becas para artistas jóvenes Guillermo Kuitca, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.
- 1996: Premio Adquisición Bienal Reg. de Bahía Blanca, Museo de Arte Contemporáneo, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2013: “Pinturas donde estoy(1998-2013)”, curated by Claudio Iglesias, feria Eggo, Centro Cultural Recoleta, Argentina.
- 2013: “Ni verdaderas ni falsas”, Instituto de Investigaciones Gino Germani, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Windows”, galería Daniel Abate, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Sos un sueño”, galería Daniel Abate, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “¡Teléfono!”, ciclo en diálogo con Lidy Prati, curated by Ana Gallardo, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.
- 2005: “Scafati, un cuadro”, Belleza y felicidad, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “Mariam Traoré”, Escuelita Belleza y felicidad de Villa Fiorito, provincia de Buenos Aires, Argentina.
- 2002: “Óleo”, Espacio Lelé de Troya, curated by Ana Gallardo, Buenos Aires, Argentina.
- 2001: “Pintura gustosa,curada por Marcelo de la Fuente”, Casona de los Olivera, Parque Avellaneda, Buenos Aires, Argentina.
- 2001: “SHOW ME YOUR PINK”, galería Bis, Rosario, Santa Fé, Argentina.
- 2001: “He venido para decirte que me voy”, galería Belleza y felicidad, Buenos Aires, Argentina.
- 2000: “Pinturas y pared”, galería Belleza y felicidad, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- Pinturas donde estoy (1998-2013), Sayago & Pardon.
- Revista Otra parte Nº 29, 2013, Buenos Aires, Argentina.
- Revista CIA Nº1, 2012, Buenos Aires, Argentina.
Collections
- Museo de Arte Contemporáneo de Bahía Blanca (MACBA), Argentina.
- Museo de Arte Contemporáneo de Salta (MACSA), Argentina.
- Colección Sayago & Pardon, California, USA.
- Colección de Gustavo Bruzonne, Buenos Aires, Argentina.
- Colección de Alejandro Ikonicof, Buenos Aires, Argentina.
- Colección de Alec Oxenford, Buenos Aires, Argentina.
- Colección Banco Supervielle.
- Colección Banco Provincia.
- Mariela Scafati, “CLR”, 2005, Acrylic on canvas, 11 x 45.5 cm. Photo credit: Facundo Pires
- Mariela Scafati, “Montaje de los tiempos posibles”, 2000-2007, 19 oil and acrylic paintings, various sizes, 230 x 300 cm, Site-specific project. Location: Boulogne sur Mer Buildimg, Buenos Aires, Argentina. Photo credit: Facundo Pires
- Mariela Scafati, “Sin patrón”, 2001 / 2002, Acrylic on canvas, 11 x 197 cm. Photo credit: Facundo Pires
- Mariela Scafati, “Collage”, 2007-2008, Oil on canvas, 39 x 28 cm. Photo credit: Facundo Pires
- Mariela Scafati, “13 de agosto y un agujero negro”, 2001-2007, Oil and serigraphic paint on canvas, 120 x 147 cm. Photo credit: Facundo Pires
- Mariela Scafati, “Pintura del presente”, 2011, Series: de la muestra Windows, suspended frame with rails and ropes. Photo credit: Sebastían Desbats
- Mariela Scafati, “Amarillo”, 2009, Series: de la muestra Sos un sueño, los terciooelos Sos un sueño, Oil on velvet. Photo credit: Facundo Pires
- Mariela Scafati, “Soy rojo y rosa”, 2012, Acrylic on gray cardboard, 138 x 140 cm. Photo credit: Facundo Pires
- Mariela Scafati, “Los nombres”, 2012, Acrylic on gray cardboard, 350 x 160 x 5 cm. Photo credit: CRAC 19
- Mariela Scafati, “Pinturas de memoria”, 2012, Acrylic on wood, Variable dimensions. Photo credit: CRAC 19
- Mariela Scafati, “En busca del cuadro sin nombre”, 2009, Mural of 10 layers of 35 painted posters on wall, 5 x 12 m, Site-specific project. Location: BIENAL 7A ‘Grito e Escuta’ do Mercosul, Porto Alegre, Brazil. Photo credit: Marina de Caro
- Mariela Scafati, “Te quiero sucia”, 2008, Series: de la muestra Pasos dorados, Oil on stitched canvas, 350 x 500 cm. Image courtesy of the artist
- Mariela Scafati, “Qué es banana?”, 2010, Kamishibai (Japanese paper theater) with sheets of cardboard painted with acrylic, wooden box, banners bananas with tennis rackets stands, and paddle sticks. With music by Lola Granillo. Variable dimensions. Presented in Oficina Proyectista, Buenos Aires, Argentina, and various locations.
- Mariela Scafati, “Qué es banana?”, 2010, Kamishibai (Japanese paper theater) with sheets of cardboard painted with acrylic, wooden box, banners bananas with tennis rackets stands, and paddle sticks. With music by Lola Granillo. Variable dimensions. Presented in Oficina Proyectista, Buenos Aires, Argentina, and various locations.
- Mariela Scafati, “Concreta”, 2009, Series: de la muestra Teléfono, Wood frame and packing tape. Photo credit: Nacho Iasparra
- Mariela Scafati, “Teléfono, en diálogo a Lidy Prati”, 2009, Linoleum on paper, wood and wooden supports, Variable dimensions, Site-specific project. Location: C.C.BORGES. Photo credit: Julia Iglesias
October 8, 2013 Luis Roldán https://abstractioninaction.com/artists/luis-roldan/
Selected Biographical Information
Education / Training
- Pontificia Universidad Javeriana, cinco años, Arquitecto. Bogota, Colombia.
- Atelier 17, S.W. Hayter, Grabado Moderno, Paris, France.
- Art History, L’ Ecole du Louvre, Paris, France.
Prizes / Fellowships
- 2000: Premio Luis Caballero, Segunda Versión, IDCT, Alcaldia Mayor de Bogotá, Colombia.
- 1996: 1er premio pintura, XXXVI SALON NACIONAL DE ARTISTAS, Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura, Corferias, Bogota, Colombia.
- 1992: Mencion, XXXV SALON NACIONAL DE ARTISTAS, Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura, Corferias, Bogota, Colombia.
- 1990: Visual Arts New Work Award, Wisconsin Arts Board.
- 1989: Milwaukee County Artists Fellowship.
- 1984: Jury Award, SMALL WORKS, (Eight Annual Contest), Galleries, 80 Washington Square East, New York University, N.Y., USA.
- 1979: Icetex Fellowship for Art Studies Abroad.
Solo Exhibitions
- 2013: “MECHANICAL VENTILATION”, Henrique Faria Fine Arts, New York, USA.
- 2011: “SALTO TEQUENDAMA”, Galeria Casas Reigner, Bogotá, Colombia.
- 2010: “OTRAS VOCES”, Faria & Fabregas Galeria, Caracas, Venezuela.
- 2010: “REVISION”, New Mexico State University Art Gallery, Las Cruces, NM, USA.
- 2009: “CIRCUNSTANCIAS”, Galeria Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2007: “TERRITORIOS”, Galeria Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
- 2006: “PERMUTANTES”, Cámara de Comercio de Bogotá, Colombia.
- 2006: “ACERCA DE LAS ESTRUCTURAS”, MADC, Costa Rica.
- 2005: “PERMUTANTES”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2005: “FRAGMENTED DREAMS”, Amelie A. Wallace Gallery, SUNY College at Old Westbury, New York, USA.
- 2005: “MARGENES PARALELAS”, Galeria Casas Riegner, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “PERMANENCIA DEL ARTE GEOMETRICO”, Galeria Frances Wu, Lima, Peru.
- 2012: “TRACING TIME”, Josée Bienvenu Gallery, NY, USA.
- 2012: “X BIENAL MONTERREY FEMSA”, Exposición Sextanisqatsi –Curado por José Roca, Monterrey, Mexico.
- 2010: “THEN AND NOW”, Abstraction in Latin American Art 1950-present, 60 Wall Gallery, Deutsche Bank, NY, USA.
- 2009: “VENICE BIENNALE“, Pabellón de América Latina IILA “Mundus Novus ”, Artiglierie dell’Arsenale.
- 2008: “PROYECTOS ESPECIALES”, ARCO, Madrid, Spain.
- 2008: “FORMA, LINEA, GESTO, ESCRITURA”, MuVIM, Valencia, Spain.
- 2007: “LINEA CONTINUA”, Lugar a Dudas, Cali, Colombia.
- 2006: “MARCAS REGISTRADAS”, Museo Nacional de Colombia, Bogotá, Colombia.
- 2006: “ESTRECHO DUDOSO”, Teoretica, Costa Rica.
- 2004: “DIBUJOS”, Johana Calle – Luis Roldán, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “DIBUJOS”, Johann Calle – Luis Roldán, Museo de Arte Moderno de Montevideo.
- 2004: “URBES INTERIORES”, BLLA, Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- 2003: “VIOLOGY”, University of the Pacific.
- 2002: “VIOLOGY”, Galeria de la Raza, San Francisco, CA, USA.
Collections
- Bibilioteca Luis Angel Arango, Bogota, Colombia.
- Milwaukee Art Museum, Milwaukee, USA.
- Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina.
- Museo de Arte Moderno de Bogotá, Colombia.
- Museo de Arte Moderno La Tertulia, Cali, Colombia.
- Museo de Arte Moderno Medellin, MAM, Colombia.
- Museo de Arte Latinoamericano, Managua, Nicaragua.
- Museo de Arte Universidad Nacional de Bogotá, Colombia.
- Museo Nacional de Colombia, Bogotá MADC, Costa Rica.
- Museo del Barrio, New York, USA.
- The Frances Lehman Loeb Art Center, Vassar College, Poughkeepsie, N.Y., USA.
- Colección Suramericana, Medellín, Colombia.
- The Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), USA.
- Banco Mercantil, Caracas, Venezuela.
- Cisneros Fontanals Art Foundation, USA.
- Celarg Foundation, Caracas, Venezuela.
- Teorética, Costa Rica.
- Drawing Collection of the Deutsche Bank, New York, USA.
- Coleccion FEMSA, Monterrey, Mexico.
- Luis Roldán, “Reflexiones, : III”, 1990, Series: Reflexiones, Oil on linen, 183 x 157 cm. Photo credit: Tom Bamberger
- Luis Roldán, “Calendario”, 1996, Detrito, wood, 300 x 900 cm. Museo Nacional de Colombia, Bogotá. Photo credit: Clemencia Poveda
- Luis Roldán, “Parque de la independencia,Alicia…”, 1994, Series: Parque de la independencia, Oil on linen, 250 x 320 cm. Photo credit: Oscar Monsalve
- Luis Roldán, “Que estoy haciendo aqui”, 1999-2000, Graphite, paper, Installation view and details. Image courtesy of the artist
- Luis Roldán, “To be young and homeless”, 2002, Series: To be young and homeless, Oil on linen, 190 x 200 cm. Image courtesy of the artist
- Luis Roldán, “Columbrares”, 2006, Series: Margenes Paralelas, Ink, acrylinc on linen, 122 x 136 cm.
- Luis Roldán, “Columbrares”, 2005, Series: Margenes Paralelas, Ink, acrylinc on linen, 122 x 136 cm.
- Luis Roldán, “Desdoblado”, 2006, Series: Sueños, Torn sheet, 186 X 320 com. Location: BLAA, Bogotá.
- Luis Roldán, “Antipolar”, 2007, Series: Sueños, Torn sheet, Variable dimensions. Photo credit: Oscar Monsalve
- Luis Roldán, “Agobio”, 2007, Series: Sueños, Torn sheet, Variable dimensions. Photo credit: Oscar Monsalve
- Luis Roldán, “Pajarera”, 2009, Series: Circunstancias, Mixed media, Variable dimensions. Photo credit: Oscar Monsalve
- Luis Roldán, “Strike Gently II”, 2012, Series: Strike Gently, Books of found matches and cardboard, Variable dimensions. Colección FEMSA. Photo credit: Angela Bonadies
- Luis Roldán, “Numerales II”, 2008-2010, Series: Numerales, Found receipts and acrylic on paper, 100 frames of 31.5 x 24.5 each. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Luis Roldán, “La pared II”, 2013, Series: La pared, Paper, print paper and metallic frames, Variable dimensions. Photo credit: Oscar Monsalve.
- Luis Roldán, “Wash & Ware”, 2013, Lint from dryer, Variable dimensions. Photo credit: Arturo Sanchez.
Translated from Spanish
My work creates an ambiguous relationship between abstraction and representation. I compose paintings that depict constructed scenes and objects that borrow from the language of painting, marks are constructed with wooden blocks and painted. By depicting these objects, or more directly the experience that they incite, I present the language of painting. While working within the tradition of still life painting, my process is taken to what must be its obvious conclusion. The objects painted must initially be that thing which they wish to re-present, the language of painting.
Mi obra crea una relación ambigua entre la abstracción y la representación. Realizo pinturas que representan escenas construidas y objetos que toman elementos del lenguaje pictórico, construyo marcas con bloques de madera pintada. Al presentar estos objetos, o más directamente la experiencia que incitan, presento el lenguaje de la pintura. Al trabajar desde la tradición de la naturaleza muerta, mi proceso se entiende como lo que debe ser la conclusión más obvia. Los objetos pintados deben ser inicialmente esa cosa que buscan representar; el lenguaje de la pintura.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2005: Tyler School of Art, M.F.A. Painting, Philadelphia, P.A. USA.
- 2002: Drew University, B.F.A. Studio Art, Madison, N.J., USA.
Prizes / Fellowships
- 2013-2014: Fonca Jovenes Creadores, Mexico.
- 2010: Fonca / The Ban! Centre, Ban!, Alberta.
- 2006-2007: Fonca Jovenes Creadores, Mexico.
Solo Exhibitions
- 2013: “Mise en Abyme”, Bogota, Colombia.
- 2012: “Pintura Construida”, Queretaro, Mexico.
- 2011: “Variaciones sobre un Tema”, Mexico City, Mexico.
- 2008: “Reposo”, Querétaro, Mexico.
- 2008: “La Muerte Reina Bella y Melancólica”, Mexico City, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “After the Object”, Manhattan, USA.
- 2013: “Ensamble”, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Sugar and Wood”, Dallas, USA.
- 2011: Bienal de Pintura Tamayo, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Bella y Terca”, Mexico City, Mexico.
Publications
- 2012: Ostrander, Tobias (Compilador), Castillo, Erik & Perez, Daniela: Omar Rodriguez-Graham, Arroniz. Print.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #4”, 2010, Oil on wood, 20 x 20 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #7”, 2011, Oil on canvas, 30 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #10” , 2011, Oil on canvas laid on wood, 40 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #12” , 2011, Oil on canvas laid on wood, 27.5 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #14” , 2011, Oil on canvas, 58 x 46 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #17” , 2011, Oil on canvas laid on wood, 28 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #19” , 2011, Oil on linen, 180 x 144 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #25 “, 2011, Oil on canvas, 30 x 35 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #28” , 2011, Oil on canvas, 30 x 25 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #44” , 2012, Oil on canvas laid on wood, 25 x 25 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #47” , 2012, Oil on linen laid on wood, 21 x 20 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #55” , 2012, Oil on linen, 24 x 26 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #57” , 2012, Oil on linen, 60 x 51 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #63” , 2013, Oil on linen, 45 x 60 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #83”, 2013, Oil on canvas, 34 x 30 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #66”, 2011, Oil on wood, 20 x 27.5 x 2.5 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #66”, 2011, Oil on canvas, 45 x 50 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #28”, 2011, Oil on wood, 18 x 15 x 4 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #7”, 2010, Oil on wood. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #14”, 2011, Oil on wood, 35.5 x 30 x 4 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #19”, 2011, Oil on wood. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #44”, 2012, Oil on wood, 15 x 16 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #4”, 2010, Oil on wood, 12 x 9 x 4 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #47”, 2012, Oil on wood, 13 x 14 x 5 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #57”, 2012, Oil on wood, 41.5 x 36.5 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Omar Rodriguez-Graham, “Composición #10”, 2011, Oil on wood. Photo credit: Courtesy of the artist.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2010: Proyecciones y Superficies Workshop, National Center for the Arts, Mexico City, Mexico.
- 2010: Ejercicio de Correspondencia Workshop, SOMA, Mexico.
- 2007: Diploma Course in Museology, Centro Cultural Casa Lamm, Mexico City, Mexico.
- 2006: BFA, Autonomous University of the State of Morelos, Mexico.
- 2003: Diploma Course in Photography, Centro Morelense de las Artes, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2013: Artist-in-residence, SE RENTA.
- 2012: Bancomer MACG Program Fellow.
- 2011: Artist-in-residence, La Chambre Blanche, Québec, Canada.
- 2011: International Residency Program at the École Superier d’Art et Design, Saint Ettienne, France.
- 2010: Young Creators Grant, Painting, National Fund for Culture and Arts, Mexico.
- 2007: Mexican American Fellowship, Mexican American Foundation.
Solo Exhibitions
- 2013: “Vanishing Act”, Steve Turner Contemporary, Los Angeles, CA, USA.
- 2012: “Monochromatic Muralism”, Arratia Beer, Berlin, Germany.
- 2012: “Victoria Pirrica”, ATEA, Mexico City, Mexico.
- 2011: “Arquitectura Desdoblada”, Museo Experimental El Eco, Mexico City, Mexico.
- 2011: “Wall to Wall”, Steve Turner Contemporary, Los Angeles, CA, USA.
- 2008: “Eternity in an Empty Room”, Arcaute Arte Contemporáneo, Monterrey, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Other People’s Problems: Conflicts and Paradoxes”, Herzliya Museum of Contemporary Art, Tel Avi.
- 2013: “When Attitudes Became Form Becomes Attitudes”, Museum of Contemporary Art, Detroit, USA.
- 2013: “Lost Line: Contemporary Art from the Collection”, Los Angeles County Museum of Art, USA.
- 2012: “Tiempo de Sospecha”, Museum of Modern Art, Mexico.
- 2012: Bienal Tamayo, MACO, Oaxaca, Mexico.
- 2011: Transitio_MX04- Festival of Electronic Arts and Video, Mexico City, Mexico.
Publications
- 2012: “Arquitectura Desdoblada/Unfolded Architecture, ” Beau Dessordre Press, First Edition, Mexico.
- 2012: “Nieve”, Malpais ediciones, First Edition, Mexico.
- 2010: “Desde las entrañas de Teotihuacan”, México Desconocido Magazine #404, XXXIV, October.
- 2009: “Preserración de Forma y Equilibrio”, Oráculo, Revista de Poesia #29-30, año 9, October.
- 2009: “Six years on paper”, Bard Free Press, Volume 10, issue 5, 2009.
- Pablo Rasgado, “Fragmental (installation view)”, 2012, Variable dimensions, Site-specific project. Location: Steve Turner Contemporary. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Paint Study (installation view)”, 2012, Series: Paint Study, Drywall and acrylic, Variable dimensions, Site-specific project. Location: Zona Maco 2012. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Arquitectura Desdoblada (LACMA)”, 2013, Series: Arquitectura Desdoblada, Drywall and acrylic paint, 78 3/4 x 78 3/4 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Arquitectura Desdoblada (LACMA)”, 2013, Series: Arquitectura Desdoblada, Drywall and acrylic paint, 78 3/4 x 78 3/4 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Arquitectura Desdoblada (LACMA)”, 2012, Series: Arquitectura Desdoblada, Drywall and acrylic paint, 67 x 78 3/4 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Unfolded Architecture (Liquid Solid System)”, 2012, Series: Unfolded Architecture, Drywall and acrylic paint, 78 3/4 x 78 3/4 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Unfolded Architecture (Museum Walls from Museo de Arte)”, 2012, Series: Unfolded Architecture, Drywall and vinyl mounted to panel, 47 x 35 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Meca Sinécdoque #22-28”, 2012, Series: Meca Sinécdoque, Acrylic and spray paint on canvas mounted to MDF, 9 1/4 x 18 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Avenida Corona del Rosal”, 2011, Diesel soot, polycyclic aromatic hydrocarbons, tire and brakewear particles, 47 x 111 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Paint Study #65”, 2011, Drywall and acrylic paint, 23 x 18 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “PRI, Office Building Mayor’s Residence and Comission”, 2011, Enamel on canvas, 94 x 108 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Untitled (Havana)”, 2010, Acrylic on canvas, 80 x 45 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Lightning”, 2009, Acrylic, plaster and dirt on canvas, 118 x 79 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
- Pablo Rasgado, “Axis”, 2013, Series: Axis, 28 books, 78 3/4 x 78 3/4 in. Image courtesy of the artist and Steve Turner Contemporary
Translated from Portuguese
I think that there is no art without something that doesn’t fit neither in life nor in time. You look at an ancient work and it seems as if it was done yesterday. The blue color in chapel Scrovegni, by Giotto (14th century), is as current as the blue color used by Yves Klein (1928-62). At the end, all art is contemporary.
Traducido del portugués
Pienso que no hay arte sin aquello que no tiene cabida ni en la vida ni en el tiempo. Al mirar un trabajo de la antigüedad, éste pareciera que fue hecho ayer. El color azul de la capilla Scrovegni, de Giotto (siglo XIV), es tan reciente como el azul de Yves Klein (1928-62). Al final, todo el arte es contemporáneo.
Acho que não há arte sem alguma coisa que não caiba na vida nem no tempo. Você olha uma coisa antiga e parece que ela foi feita ontem. O azul da capela Scrovegni, de Giotto [do século 14], é tão recente quanto o azul de Yves Klein [1928-62]. No fundo, toda arte é contemporânea.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1982: USP (University of São Paulo), philosophy.
Prizes / Fellowships
- 2009: Portugal Telecom Prize for Literature, São Paulo, Brazil.
- 2009: Bravo Award! – Best exhibition of the year, São Paulo, Brazil.
- 2007: Grand Prize Award – Barnett Newman Foundation, New York, USA.
- 2006: Bravo Award! – Arts / Best Solo Exhibition, São Paulo, Brazil.
Solo Exhibitions
- 2013: “Lime 87”, University Center Maria Antonia, Sao Paulo, Brazil.
- 2013: “Nuno Ramos, Angel and Doll”, Fortes Vilaca Gallery, São Paulo, Brazil.
- 2012: “3 Muds (They seemed eternal!)”, Celma Albuquerque Gallery, Belo Horizonte, Minas Gerais, Brazil.
- 2012: “The globe of death of all”, with Eduardo Climachauska, Anita Schwartz Gallery, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2010: “Strange Fruit”, Museum of Modern Art in Rio de Janeiro, Brazil.
- 2009: “Dead Sea”, Anita Schwartz Gallery, Rio de Janeiro, Brazil.
- 2004: “Nuno Ramos and Frank Stella”, Nave 5 Gallery, São Paulo, Brazil.
Group Exhibitions
- 2013: “Moving”, Norman Foster on Art, Carré d’Art Museum, Nîmes, France.
- 2013: “30x Biennial”, Biennial of São Paulo Foundation, São Paulo, Brazil.
- 2012: “Subverted”, Ivory Press, Madrid, Spain.
- 2011: “Europalia”, FODASEFOICE, performance at Atelier Sidnei Tendler, Brussels.
- 2010: “XXIX International Biennial of São Paulo“, São Paulo, Brazil.
Publications
- 2011: Junco, Iluminuras Publishing House, São Paulo, Brazil.
- 2010: O Mau Vidraceiro, Globo Publishing House, São Paulo, Brazil.
- 2010: Nuno Ramos, Cobogó Publishing House, São Paulo and Rio de Janeiro, Brazil.
- 2009: O, Iluminuras Publishing House, São Paulo, Brazil.
- 2008: Ensaio geral, Globo Publishing House, São Paulo, Brazil.
- 2004: Morte das Casas, House of Image and Bank of Brazil Cultural Center, Curitiba e São Paulo, Brazil.
- 2002: Noites Brancas, House of Image Publishing House, Curitiba, Brazil.
- 2001: O Pão do Corvo, 34 Publishing House, São Paulo, Brazil.
- 1997: Nuno Ramos, Ática Publishing House, São Paulo, Brazil.
Links
- Nuno Ramos, “Untitled”, 2006, Brass, copper, aluminum, plush, plastics, fabrics, mirror, acrylic, oil paint and stainless steel pipes, 157,5 x 315 x 70,9 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Untitled”, 1989, Vaseline, paraffin, linseed oil, turpentine, pigment, fabrics, nylon screen, felt, blankets, rubber, gold leaf and metals on wood, 133,9 x 110,2 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Untitled”, 2005, Plush, aluminum, mirror, acrylic, Vaseline and oil paint, 90,5 x 43,3 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Untitled”, 2009, Series: Plato, Gold leaf, silver leaf, graphite, charcoal and oil paint on paper, 6.3 x 11.4 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Untitled”, 2009, Series: Plato with Sun, Gold leaf, silver leaf, graphite, charcoal and plastics on paper, 11.4 x 16.5 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Schreber 18”, 2012, Series: Schreber, Silver leaf, graphite, charcoal and oil paint on paper, 84.65 x 59.84 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Angel and Doll 13”, 2013, Series: Angel and Doll, Gouache and charcoal on paper, 59.84 x 84.65 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “White Flag”, 2010, Three sculptures and three posts, all made of granite and pressed burnt sand, three vultures and three glass loudspeakers. Protection mesh, Variable dimensions, Site-specific project. Location: XXIX International Biennial of São Paulo. Image courtesy of the artist and Fortes Vilaça Gallery
- Nuno Ramos, “Black Cry”, 2004, Marble, tar, electrical resistance, 63 x 43.3 x 96.9 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “What are hours?”, 2003, Compressed burnt sand, burnt oil and clocks, 70.9 x 157.5 x 157.5 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Black Manorá”, 1999, Polished marble, vaseline and ashes, 67 x 61 x 11.8 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Drop”, 1998, Marble, blown glass and vaseline. / Marble, blown glass and liquid vaseline, 39,4 x 106,3 x 39,4 in / 39,4 x 118,1 x 39,4 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Untitled”, 1998, Marble and, vaseline, 82.7 x 74.8 x 55.1 in. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Fungus”, 1998, Ceramics, Variable dimensions. Image courtesy of the artist
- Nuno Ramos, “Go, go”, 2006, Donkeys, hay, salt, water, steel barrels, loudspeakers, plywood, sawdust and splinter, Variable dimensions. Image courtesy of the artist
Translated from Spanish
I understand painting as a way of thinking and as an experimental practice. I think with images and then I try to conceive them. I work with premises. I think about walking as my form of resistance and about art as the ultimate frontier to redeem the desire to live in a different way. Surfer.
Entiendo a la pintura como una forma de pensamiento y como una práctica experimental. Pienso con imágenes y luego intento concebirlas. Trabajo con premisas. Pienso en el andar como mi forma de resistencia y al arte como la última frontera para reivindicar el deseo de vivir de forma distinta. Surfista.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2003: Analista en Economía. Facultad de Ciencias Económicas, Universidad de la República, Montevideo, Uruguay.
- 2003: Formacion de taller con Fernando López Lage en el FAC (Fundación de Arte Contemporáneo) Montevideo, Uruguay.
Prizes / Fellowships
- 2012-2014: Beca de creación FEFCA de la dirección Nacional de Cultura del MEC (Ministerio de Educación y Cultura) Montevideo, Uruguay.
- 2012: Premio Nacional de pintura, Bartolmé Macció, San José, Uruguay.
- 2012: Premio Paul Cezanne. Alliance Françoise, Montevideo, Uruguay.
- 2011: Premio Pintura Bicentenario (selección). Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay.
- 2011: Beca Instituto Goethe Montevideo-Berlin.
Solo Exhibitions
- 2012: “Extractor Voyeur”, Alianza Francesa, Montevideo, Uruguay.
- 2011: “3 Cans of Klarlack”, Torstrasse 111, Berlín, Germany.
- 2011: “Círculos de Pintura Negra y Su Correspondiente Problemática”, Galería Jacksonville, Montevideo, Uruguay.
- 2010: “Work Premises”, Alejandra Von Hartz Gallery, Miami, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Sistema”, Fundación Pablo Cassará, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “KIOSCO”, Montevideo, Uruguay.
- 2012: “Equipaje de Mano”, Museo de las Migraciones, Montevideo, Uruguay.
- 2012: “Geométricos Hoy”, Colección MACBA, UADE Art, Buenos Aires Argentina.
- 2012: “Lets begin with a Line”, Emerson Dorsch Gallery, Miami, USA.
- 2010: “Pekín: Cintas Ortogonales y Cuadrados Sintéticos”, Galería Van Riel, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Pinturas recientes”, Galería Del Paseo, Manantiales, Punta Del Este, Uruguay.
- 2008: “Aproximación a una gota de pintura (negra)”, Fundación Pablo Atchugarry, Manantiales, Punta del Este, Uruguay.
Publications
- 4 Museos + 40 Obras. Colección MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires), Buenos Aires, Argentina.
- 54 Premio Nacional de Artes Visuales Carmelo Arden Quin. Montevideo, Uruguay.
- Nuevas Vías de Acceso II. MNAV (Museo Nacional de Artes Visuales). Montevideo, Uruguay.
- Absorciones. MEC (Ministerio de Educación y Cultura). Montevideo, Uruguay.
Collections
- Colección MACBA, Buenos Aires, Argentina.
- Colección Engelman-Ost, Montevideo, Uruguay.
- Colección Ruben Cherñajovsky, Buenos Aires, Argentina.
Links
- Martin Pelenur, “S/T ( instalación de 12 cuadrados en pared)”, 2013, Series: (X,Y) (Negro, Azul), Blue and black paper tape on acrylic, Variable dimensions, 8 squares of 80×80 cm and 4 squares of 100×100 cm each, Site-specific project. Location: Alejandra VonHartz Gallery. Photo credit: Oriol Tarridas
- Martin Pelenur, “S/T ( instalación de 12 cuadrados en pared)”, 2013, Series: (X,Y) (Negro, Azul), Blue and black paper tape on acrylic, Variable dimensions, 8 squares of 80×80 cm and 4 squares of 100×100 cm each, Site-specific project. Location: Alejandra VonHartz Gallery. Photo credit: Oriol Tarridas
- Martin Pelenur, “S/T ( instalación de 12 cuadrados en pared)”, 2013, Series: (X,Y) (Negro, Azul), Blue and black paper tape on acrylic, Variable dimensions, 8 squares of 80×80 cm and 4 squares of 100×100 cm each, Site-specific project. Location: Alejandra VonHartz Gallery. Photo credit: Oriol Tarridas
- Martin Pelenur, “S/T”, 2010, Series: Cinta Transfer, Synthetic paint and transfer tape, 400 x 36 cm, Site-specific project. Location: Alejandra VonHartz Gallery. Photo credit: Diego Velazco
- Martin Pelenur, “S/T”, 2010, Series: Cinta Transfer, Synthetic paint and transfer tape, 400 x 36 cm, Site-specific project. Location: Alejandra VonHartz Gallery. Photo credit: Diego Velazco
- Martin Pelenur, “S/T”, 2011, Series: Berlin, Synthetic paint and wood, Variable dimensions, 6 boxes of 50×50 cm each. Photo credit: Dian Zagorchinov
- Martin Pelenur, “S/T”, 2011, Series: Berlin, Synthetic paint and wood, Variable dimensions, 6 boxes of 50×50 cm each. Photo credit: Dian Zagorchinov
- Martin Pelenur, “S/T”, 2012, Series: Material cintas, Two-sided paper tape on polycarbonate, Variable dimensions, 2 plates of 200×100 cm and 2 of 100×100 cm each.
- Martin Pelenur, “S/T”, 2012, Series: Material cintas, Two-sided paper tape on polycarbonate, Variable dimensions, 2 plates of 200×100 cm and 2 of 100×100 cm each.
- Martin Pelenur, “4^16”, 2013, Synthetic paint and wood en boxes, Variable dimensions, 16 boxes of 20 x 20 cm
- Martin Pelenur, “4^16”, 2013, Synthetic paint and wood en boxes, Variable dimensions, 16 boxes of 20 x 20 cm
- Martin Pelenur, “S/T”, 2013, Varnish and polycarbonate, 100 x 100 cm each. Photo credit: Gustavo Frias
- Martin Pelenur, “S/T”, 2013, Varnish and polycarbonate, 100 x 100 cm each. Photo credit: Gustavo Frias
- Martin Pelenur, “S/T”, 2010, Series: rizomas, Synthetic paint on canvas, Variable dimensions
- Martin Pelenur, “S/T”, 2010, Series: rizomas, Synthetic paint on canvas, Variable dimensions
Thinking about the past is the perfect still life. To stop is one of the premises of painting. It is as if thought, facing the past, acts as a force that fences or at least slows the speed of time and synchronizes the individual and collective velocities.
With the cold and electric light of thunderbolts, El Greco directs the film of Futurism, through which he strives to escape from Lascaux, but cannot. In the background, silvery mesh-like curtains make labyrinths of infinite casual correlations. Through opaque glass windows, crystal palaces interiors are reflected.
I think the only honest way to bond with painting today is to embrace the fact that it has survived over the ages, to look back with love and admiration for what has been done, and to discover the vast universe of what was created. The further back in time one looks, the more mysterious the findings become.
Traducido del inglés
Pensar en el pasado es el bodegón perfecto. El detenerse es una de las premisas del pintar. Es como si el pensamiento, de cara al pasado, actuara como una barrera o, al menos, detuviera el paso del tiempo y sincronizara las velocidades individuales y colectivas.
Con la luz fría y eléctrica de los rayos, El Greco dirige la película del Futurismo, a través de la cual se esfuerza por escapar de Lascaux, pero no puede. En el fondo, las cortinas de malla de plata hacen laberintos de correlaciones casuales infinitas. A través de las ventanas de cristal opaco, palacios de cristal interiores se reflejan.
Creo que la única manera honesta de vincular la pintura de hoy, es aceptar el hecho de que ha sobrevivido a lo largo de los siglos, para mirar hacia atrás con cariño y admiración por lo que se ha hecho, y para descubrir el vasto universo de lo que fue creado. Cuanto más atrás en el tiempo se mire, más misteriosos los hallazgos se convierten.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2013-2015: MFA (ongoing), UNA (National University of Arts), Buenos Aires, Argentina.
- 2011-2012: UTDT (Universidad Torcuato di Tella) 2011-2012. Programa de Artistas. Buenos Aires, Argentina.
- 2011: LIPAC-UBA-ROJAS ( Laboratorio de Investigación en Prácticas Artísticas Contemporáneas), Argentina.
- 2004-2011: IUNA (Instituto Universitario Nacional de Arte). Licenciado en Artes Visuales con orientación en pintura. Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2014: FAAP Residency, FAAP (Armanda Álvarez Penteado Foundation), Sao Paulo, Brazil.
- 2012: Primer premio “Salón Nacional de Pintura Banco Nación” Casa Nacional del Bicentenario, Secretaría de Cultura de la Nación. Categoría menores de 35 años. Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2014: “LPS(Luz/Shoji/Piel)”, CCGSM (Gral. San Martín Cultural Center ), Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “CUBISCONKRETFUTUINFORMALÍKREACIÓN”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “FANTASMA”, Galería Braga Menéndez, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Las manos daltónicas y el ojo muñón”, Galería Braga Menéndez, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2014: “Pintura”, Nora Fisch, Buenos Aires, Argentina.
- 2014: “S/T”, Zavaleta Lab, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Bienal de Arte Joven”, Ciudad cultural Konex, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Xanadu”, Universidad Torcuato Di Tella, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “FUEN7E”, Galería Lordi, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Berger/Hartavi/Malfatti/Oller”, Fundación Esteban Lisa, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Convocatoria Luis Adelantado(XII edición)”, Valencia, Spain.
- 2010: “Colar”, Galería Belizário, Belo Horizonte, Brazil.
- 2010: “Libres y contentos”, Galería Braga Menéndez, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Pentapack”, Galería Wussmann, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Viajeros”, Casa Cortés, San Juan, Puerto Rico.
- 2009: “Cátedra”, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Rizoma 4”, Galería Jacques Martínez, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Premio Proyecto A (7ª edición)”, Proyecto A, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Premio Fundación Williams”, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.
Publications
Collections
- Esteban Tedesco, Buenos Aires, Argentina.
- Gabriel Werthein, Buenos Aires, Argentina.
- Luis Parenti, Buenos Aires, Argentina.
- Guillermo Ruberto, Buenos Aires, Argentina.
- Alec Oxenford, Buenos Aires, Argentina.
- Sayago & Pardon, California, United States.
- Ramiro Oller, “Sin Título (Homenaje)”, 2010, Vinyl on wood, 110 x 90 cm. Private Collection.
- Ramiro Oller, “Mano casi daltónica (políptico)”, 2010, Series: Manos daltónicas, Vinyl, paper and acrylic on paper. Intervened frames, 200 x 100 cm. Private Collection.
- Ramiro Oller, “Las manos daltónicas y el ojo muñón (Vista de la instalación)”, 2010, Series: Manos daltónicas, Vinyl, paper and acrylic on paper. Intervened frames, installation view. Private Collection
- Ramiro Oller, “Sin título (Del Prete)”, 2010, Acrylic on extruded polystyrene, 60 x 30 cm. Image courtesy of the artist
- Ramiro Oller, “Torii”, 2010, Wigs cemented and painted tiles, 90 x 45 cm. Image courtesy of the artist
- Ramiro Oller, “s/t”, 2011, Acrylic, paper and vinyl on paper, 130 x 90 cm. Image courtesy of the artist
- Ramiro Oller, “s/t (plateado sobre plateado)”, 2011, Vinyl, paper, marker and spray paint on paper, 130 x 90 cm. Private Collection
- Ramiro Oller, “S/T”, 2011, Vinyl, polarized and polyester, 145 x 145 cm. Tedesco Collection
- Ramiro Oller, “S/T (Fantasma)”, 2012, Series: Fantasma, Polarized on glass, 125 x 90 cm. Trapiche Collection
- Ramiro Oller, “S / T (Futucubismo Astral II)”, 2012, Series: Futucubismo, Photographic paper, collage, 210 x 150 cm. Tedesco Collection
- Ramiro Oller, “Futucubismo Astral (Vista de la instalación)”, 2012, Series: Futucubismo Astral, Photographic paper, collage, 210 x 150 cm, Site-specific project. Location: Colección Banco Nación, Tedesco y Richardson de Haenen
- Ramiro Oller, “Concepto Futucubista”, 2012, Polarized on glass, 180 x 500 cm, Site-specific project. Oxenford Collection
- Ramiro Oller, “CQ”, 2013, Series: CQ’s, Vinyl, 24 x 18 cm. Image courtesy of the artist
- Ramiro Oller, “CQ”, 2013, Series: CQ’s, Vinyl, 24 x 18 cm. Image courtesy of the artist
- Ramiro Oller, “CQ”, 2013, Series: CQ’s, Acrylic on extruded polystyrene, 195 x 130 cm. Image courtesy of the artist
My work has grown from visual codes linked to geometric abstraction, where the economic devices of image making are simultaneously an historical set of references and a set of creative tools. Also important in my formation has been the practice of collaboration as I constantly intertwine my own work with the work of others through the organization of exhibitions, group projects, publications, and so on. An example would be installations I have produced with fabric panels; which aim to be drawings that occupy space and also curtains that function as space organizers, as temporary walls that canalize the public’s circulation and perception of space as well as the perception of other possible art works in space. In this sense these installations are both an object of contemplation as well as a functional device, they become exhibition design and flexible temporary architecture: they can be used by other artists or curators. These fabric panels also refer directly to avant-garde movements such as Russian Constructivism or the Bauhaus School, as they intend to recover and restage the modernist ideal of democratization of the art object. In ideal situations they can change their position in space as they are hanged from a stainless steel cable that crosses the exhibition room, they work then as a “curtain” that can actually be moved from one side of the gallery to the other. Another body of work consists in the production of drawings and prints through appropriation. Here I reuse and rearrange previous drawings and prints from sources from the late 50’s to mid 70’s, sources such as Latin American political posters, psychedelic imagery, Japanese graphic design, and book covers of publications ranging from Science Fiction to Mathematics. What unites these images is that they all share the historical context of 1969. They also share a universal graphic language. My appropriation of these pre-existing images aims to investigate their social and symbolic status as well as cross culture references they possibly share. This independent body of work functions then as an historical, contextual and formal counterpart to the spatial and geometric based work; somehow confronting avant-garde with neo avant-garde. I also produce sculptures, or better-said sculptural actions, as they are temporary and fragile constructions that do not last after the exhibition (or that are made only to be photographed). This project was born as an homage and critique to the history of modernism in Latin America. Both independent to European modernism and radical in its relationship to social movements, Latin American modernism is far from consolidated. My sculptures then intend to reflect modernist ideals and simultaneously the fragility of all these ideals. This project is also productively open as the sculptures can be made by me or commissioned to curators, museum staff or other artists, which adds a layer of participation and shared authorship to the project. When the sculptures are produced by other people I ask them to register them. I have also used this project in art workshops with children, opening it up to the pedagogical field. An early example of this multilayered practice would be the creation of the artist-run space Galería Chilena, which operated with no physical space in Santiago (1997-2000) as a nomadic yet “commercial” endeavor. The “gallery” set itself the challenge of creating a critical art market for the post-dictatorial Chilean contemporary art scene.
Traducido del inglés
Mi obra ha crecido de códigos visuales relacionados con la abstracción geométrica, donde los mecanismos económicos de producción de imágenes son simultáneamente un conjunto de referencias históricas y un conjunto de herramientas de creación. Igualmente importante en mi formación ha sido la práctica de colaboración ya que constantemente entrelazo mi obra con la de otros por medio de la organización de exposiciones, proyectos de grupo, publicaciones, etcétera. Un ejemplo de ello podrían ser las instalaciones que he producido con paneles de tela, con el propósito de ser dibujos que ocupan el espacio y también cortinas que funcionan como organizadores de espacio, como muros temporales que canalizan la circulación del público y percepción del espacio, así como la percepción de otras obras en el espacio. En este sentido, estas instalaciones son de igual forma un objeto de contemplación y un objeto funcional; se vuelven parte de la museografía y arquitectura flexible temporal. Pueden ser usadas por otros artistas y curadores. Estos paneles de tela también son referencia directa a movimientos de vanguardia como el constructivismo ruso y la escuela Bauhaus, puesto que intentan recobrar y reinterpretar el ideal modernista de democratización del objeto de arte. En situaciones ideales pueden cambiar su posición en el espacio ya que son colgados de un cable de acero inoxidable que cruza la sala de exposición; entonces funcionan como “cortina” que puede ser movida de un lado a otro. Otro cuerpo de trabajo consiste en la producción de dibujos y grabados de referencias de los años cincuenta hasta mediados de los setenta, como afiches políticos de Latinoamérica, imágenes psicodélicas, diseño gráfico japonés y portadas de publicaciones de ciencia ficción o matemáticas. Lo que une estas imágenes es que todas comparten el contexto histórico de 1969. También comparten un lenguaje gráfico universal. La apropiación de estas imágenes preexistentes tiene como objetivo la investigación de su estatus social y simbólico y las referencias culturales que posiblemente comparten. Este cuerpo de trabajo independiente funciona como una contraparte histórica, contextual y formal de la obra espacial y geométrica, confrontando de alguna manera la vanguardia con neo-vanguardia. También produzco esculturas, o mejor dicho, acciones escultóricas, ya que son construcciones temporales y frágiles que no perduran después de la exposición (o que son hechas sólo para ser fotografiadas). Este proyecto nació como homenaje y crítica a la historia del modernismo en Latinoamérica. Igualmente independiente del modernismo europeo y radical en su relación con movimientos sociales, el modernismo latinoamericano está lejos de consolidarse. Mis esculturas intentan reflejar los ideales modernistas y simultáneamente evidenciar la fragilidad de estos ideales. Este proyecto también es productivamente abierto puesto que las esculturas pueden ser realizadas por mí o comisionadas a curadores, personal del museo u otros artistas, lo que añade otra capa de participación y autoría compartida del proyecto. Cuando las esculturas son producidas por otra gente les pido que las registren. También he usado este proyecto en talleres para niños, abriendo posibilidades en el campo pedagógico. Un ejemplo temprano de esta práctica multifacética podría ser la creación del espacio Galería Chilena, que fue operado sin espacio físico en Santiago (1997-2000) como un esfuerzo nómada y comercial. La “galería” se puso a sí misma el reto de crear un mercado de arte crítico para la escena artística de la post-dictadura en Chile.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1992-1997: Universidad Católica de Chile, Licenciatura en Arte Mención Grabado, Santiago de Chile, Chile.
Prizes / Fellowships
- 2013: CONCURSO CHACO-FINLANDIA / 1ra Mencion Honrosa, Colección Vodka Finlandia, Santiago de Chile, Chile.
- 2013, 2010, 2007, 2004: DIRAC, Ministerio de Relaciones Exteriores, Gobierno de Chile, Santiago de Chile, Chile.
- 2012: DIVA (Danish International Visiting Artists Programme) – Danish Arts Council Committee for International Visual Arts.
- 2009, 2004, 2001, 1999: FONDART, Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Santiago de Chile, Chile.
- 2002: POLLOCK KRASNER FOUNDATION, New York, USA.
Solo Exhibitions
- 2014: Museo Experimental El Eco, México D.F., Mexico.
- 2013: “Arquitectura y amistad”, exposición bi-personal con Johanna Unzueta: Proyectos Ultravioleta, Ciudad de Guatemala, Die Ecke Arte Contemporáneo, Santiago de Chile, and New Capital Projects, Chicago, USA.
- 2012: “Ojos de perro azul”, Galería Nuno Centeno, Porto.
- 2012: “Un puente es un hombre cruzando un puente”, Christinger De Mayo, Zürich.
- 2011: “One day this will all be yours”, Open Source Gallery, Brooklyn, Nueva York, USA.
- 2010: “Hay luz en cada ventana”, Die Ecke Arte Contemporáneo, Santiago de Chile, Chile.
- 2009: “No Dream”, The Shop / Vitamin Creative Space, Beijing, China.
- 2008: “Everything that Begins as Comedy Inevitably Ends as Mystery”, message salon @ Perla Mode, Zürich.
- 2004: “MMUU”, Centro Cultural Matucana 100, Santiago de Chile, Chile.
- 1997: “When a Dog Meets Another Dog”, Galerie Christian Nagel, Colongne, Germany.
Group Exhibitions
- 2014: “Ir para volver”, Bienal de Cuenca, Cuenca, Ecuador.
- 2013: “Ways of Working: The Incidental Object”, Fondazione Merz, Turin, Italia.
- 2013: “Del Buen Salvaje al Conceptual Revolucionario”, Travesía Cuatro, Madrid, Spain.
- 2013: “Thinking and Speaking”, Galerie Nordenhake, Stockholm, Sweden.
- 2012: “Parque industrial”, Galería Luisa Strina, São Paulo, Brazil.
- 2012: “Contaminaciones Contemporáneas, Museo de Arte Contemporáneo”, Universidad de Chile, Santiago de Chile, Chile.
- 2011: “The S-Files”, El Museo del Barrio, Nueva York, USA.
- 2010: “Critical Complicity”, Kunsthalle Exnergasse, Wien, Austria.
- 2010: “The Nature of Things”, The Biennial of the Americas, Denver, CO, USA.
- 2008: “Third Guangzhou Triennial”, Guangdong Museum of Art, Guangzhou, China.
- 2007: “Linea de Hormigas”, A Gentil Carioca, Rio de Janeiro, Brazil.
Publications
- 2012: Gonzalez, Julieta, “Parque Industrial”, texto de exhibición impreso en brochure, Galeria Luisa Strina, São Paulo Brett, Guy, “Memory Traces”, PAN, Santiago de Chile.
- 2011: Lehyt, Cristóbal, “Colonia como modelo de arte critico”, www.artishock.cl
- 2010: Faguet, Michèle, “Never use the word “I” except in letters”, Trapped by Mutual Affection, DIRAC, Santiago/NY.
- 2006: Faguet, Michèle, “A Brief Account of Two Artist Run Spaces”, publicado en Fillip Review #3, Vancouver; y en On Cultural Influence, editado por Steven Rand & Heather Kouris, apexart, Nueva York.
- 2010: Critical Complicity, Julia Moritz and Lisa Mazza, catálogo de exhibición, published by Schleebrügge, Vienna. Ustedes Nosotros: Jovenes Artistas Iberomericanos, edited by Sr. Tata, SEA CEX, Madrid.
- 2006: Copiar el Eden: Arte reciente en Chile, Editado por Gerardo Mosquera, Puro Chile, Santiago de Chile.
- 2010: Kartofel, Graciela, “Biennial of the Americas. The Nature of Things”, Artnexus, No. 78, Volume 9.
- 2008: Draxler, Saskia, “3rd Guangzhou Triennial”, Frieze Magazine, #119, Nov.-Dec.
- 2008: 3rd Guangzhou Triennial, catalogo de exhibición, Guangdong Museum of Arts, Guangzhou.
- 2008: Amir, Yaelle, “Origin and Hélio Oiticica”, www.artslant.com, Marzo 16.
- 2007: Hernández, Edgar A., “Cuestionan Cliché Latinoamericano”, Diario Excelsior, Mexico D.F., Nov. 5.
- 2004: Leslie, Richard, “To be political it has to look nice”, Art Nexus, #52 Volume 3.
- 2011: Artista a Artista, Conversación con Cristóbal Lehyt.
- 2011: Artistas Chilenos en el Museo del Barrio, Macarena Molina.
- 2008: Sunset from the Empire State Building Observatory, fanzine editada por Sezession Wichtelgasse, Wien.
Collections
- Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Gobierno de Chile, Santiago de Chile.
- Museo de Arte Contemporaneo – Universidad de Chile, Santiago de Chile.
Links
- Felipe Mujica, “Hay luz en cada ventana”, 2010, Silkscreen on paper, Variable dimensions (each 100 x 65 cm / 89 x 59 cm). Photo credit: Courtesy of the artist.
- Felipe Mujica, “Psychedelic Book Design (Double Print)”, 2010, Silkscreen on paper (2 impressions), 89 x 59 cm, Photo credit: Courtesy of the artist.
- Felipe Mujica, “Kidnaping a Sculpture”, 2010, Inked wallpaper, Variable dimensions. Message Salon at Perla Mode, Zurich, Switzerland. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Felipe Mujica, “Kidnaping a Sculpture”, 2010, Inked wallpaper, Variable dimensions. Message Salon at Perla Mode, Zurich, Switzerland. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Felipe Mujica, “Linea de Hormigas (Chile #4)”, 2011, Digital print (photographic record of sculpture in action), Sculpture: Variable, Digital print: 40 x 30 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Felipe Mujica, “Linea de Hormigas (Chile #9)”, 2011, Digital print (photographic record of sculpture in action), Sculpture: Variable, Digital print: 40 x 30 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Felipe Mujica, “Un puente es un hombre cruzando un puente (Cortinas #3 y #4)”, 2012, Sewing fabric and thread, Variable (installation) each panel approx. 160 x 270 cm. Galerie Christinger de Mayo, Zurich. Photo credit: Courtesy of the artist and Galerie Christinger de Mayo, Zurich.
- Felipe Mujica, “Un puente es un hombre cruzando un puente (Cortinas #5)”, 2012, Sewing fabric and thread, Variable (installation) each panel approx. 160 x 270 cm. Galerie Christinger de Mayo, Zurich. Photo credit: Courtesy of the artist and Galerie Christinger de Mayo, Zurich
- Felipe Mujica, “For and Against”, 2012, Mural painting in three colors (gray, black and yellow), Variable dimensions. Museo de Arte Contemporaneo-Universidad de Chile, Santiago de Chile. Photo credit: Alvaro Mardones – Die Ecke Arte Contemporaneo, Santiago de Chile.
- Felipe Mujica, “For and Against”, 2012, Mural painting in three colors (gray, black and yellow), Variable dimensions. Museo de Arte Contemporaneo-Universidad de Chile, Santiago de Chile. Photo credit: Alvaro Mardones – Die Ecke Arte Contemporaneo, Santiago de Chile.
- Felipe Mujica, “Ojos de perrro azul (Cortina #1)”, 2012, Sewing fabric and thread, Variable (installation) panel approx. 160 x 245 cm. Galeria Nuno Centeno, Porto. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Felipe Mujica, “Ojos de perrro azul (Cortina #2)”, 2012, Sewing fabric and thread, Variable (installation) panel approx. 160 x 245 cm. Galeria Nuno Centeno, Porto. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Felipe Mujica, “Extrapolasis (#1 & #2)”, 2012, Serigraph on paper, 101 x 65 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Felipe Mujica, “Untitled (Curtians #1 & #3)”, 2013, Sewing fabric and thread, Variable (installation) each panel approx. 160 x 270 cm. Galerie Nordenhake, Stockholm. Photo credit: Courtesy of Galerie Nordenhake, Stockholm.
- Felipe Mujica, “Untitled (Curtians #2)”, 2013, Sewing fabric and thread, Variable (installation) each panel approx. 160 x 270 cm. Centro Comercial Mundial-Proyectos Ultravioleta, Guatemala City. Photo credit: Courtesy of the artist and Proyectos Ultravioleta, Guatemala City.
Translated from Spanish
My work consists in looking for connections between things and to make them visible. I usually work with reminders, material and discursive discards. I have always felt irresistibly attracted by discarded construction materials in the street. I recognize in those residual products the face that the world of objects shows me. Nevertheless, by utilizing these discarded materials I do not seek to reproduce or restore the world to which they belonged to, I am not interested in that fiction. On the contrary, my interest on that waste is based precisely on their quality as fragments, as incomplete, in the fact that they are segments of the other narratives they have been ripped apart from. They are extracts, pieces of a story that they cannot tell in its totality, paragraphs of a forever lost text or even words, syllables, letters that by being placed next to each other form new units of meaning, new histories; collage. This possibility of relating them to each other in a new and whimsical way, changing them, modifying them, assembling them—it is a way to operate and in this sense, to think, of configuring and reconfiguring, if desired, of knocking over to generate new orders or understandings of them. Painting, photography, sculpture, writing, drawing, or any of the different artistic disciplines are to me means, not of communication, but of experimentation, tools of formal connection and meaning which limits are dissolved. What is true is that as the rest of the world, I look for a meaning; my life is so fragmented that each time I find a connection between two fragments, I feel tempted to find a meaning. The connection exists, but to give it a meaning would be to build an imaginary world within the real world, and I know that this would not be possible. In moments of courage I adopt the unsensical as basic principle, but then I understand that my role is to see what I have in front of me (even if it is inside of me too) and describe it, understand it, experiment it. Art, according to my experience, is the experimental exercise of reality.
Mi trabajo consiste en buscar conexiones entre las cosas y hacerlas visibles. Suelo trabajar con restos, desechos materiales y discursivos. Siempre me he sentido irresistiblemente atraído por los desechos en la calle provenientes de la construcción. Reconozco en esos productos residuales el rostro que el mundo de los objetos me muestra. Sin embargo al utilizar esos desechos no busco reproducir o restaurar el mundo del que hacían parte, no me interesa esa ficción, por el contrario, mi interés en esos desechos se basa precisamente en su cualidad de fragmentos, en su incompletud, en el hecho de que son segmentos de otras narrativas de las que han sido arrancados; extractos, trozos de una historia que no pueden contar en su totalidad, párrafos de un texto perdido para siempre o incluso palabras, silabas, letras que al ser colocadas unas junto a otras forman nuevas unidades de sentido, nuevas historias; collage. Esa posibilidad de relacionarlos entre sí, de manera nueva y caprichosa, cambiándolos, modificándolos, montándolos “es una forma de operar y en ese sentido, de pensar, de configurar y reconfigurar, si se quiere, de revolcar para generar nuevos “órdenes” o “líneas de entendimiento” sobre los mismos. La pintura, la fotografía, la escultura, la escritura, el dibujo o cualquiera de las diferentes disciplinas artísticas no son para mí más que medios más no de comunicación sino de experimentación, herramientas de conexión formal y de sentido cuyas fronteras resultan bastante disueltas. Lo cierto es que “al igual que todo el mundo busco un significado; mi vida está tan fragmentada que cada vez que encuentro una conexión entre dos fragmentos, siento la tentación de buscarle un significado. La conexión existe, pero otorgarle un significado, sería construir un mundo imaginario dentro del mundo real, y sé que ese mundo no se sostendría. En los momentos de mayor valentía, adopto el sinsentido como principio básico; pero luego comprendo que mi papel es ver lo que tengo delante (aunque también este en mi interior) y describirlo”, conocerlo, experimentarlo; arte, según mi experiencia, es el ejercicio experimental de la realidad.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2013: Posgrado; Programa de Artistas, Departamento de Arte, Universidad Torcuato di Tella, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: Magister. Maestría en Historia del Arte Latinoamericano. IDAES (Instituto de Altos Estudios Sociales), Universidad de San Martín. Buenos Aires, Argentina.
- 2009: Posgrado. Especialización en Medios y Tecnologías para la Producción Pictórica. IUNA (Instituto Universitario Nacional del Arte), Buenos Aires, Argentina.
- 2006: Artes Plásticas. Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Prizes / Fellowships
- 2008: Mención de Honor; 4 Salón de arte Joven, Galería El Nogal, Bogotá, Colombia.
- 2007: Artista en residencia; NGBK, Berlín, Germany.
- 2005: Tesis Laureada; Departamento de Arte, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2012: “Buró para la investigación de lo contingente”, Galería Artexarte, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Variaciones sobre aquel asunto”, Galería Jenny Vila, Cali, Colombia.
- 2007: “Una historia del arte en 4 entregas”, Sox 36, Berlin, Germany.
- 2006: “Restos”, Sala de Proyectos, Departamento de Arte, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
- 2004: “Cercano Oriente”, Sala de Proyectos, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2013: “Intemperie”, Galería Cecilia Caballero, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: ”Nada y Todo”, Curator: Rodrigo Alonso, Galeria Gachi Prieto, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Salto al Vacío”, Curator: William Contreras, Departamento de Arte, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Despues de todo”, Salón Nacional de Artistas, Bogotá, Colombia.
- 2011: “Black, Negro, Schwarz”, Galería Consorcio de arte, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Caja Abierta”, Galería Artexarte, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “Interfaces Visuales”, Centro Cultural Coreano, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: 4to Salón de Arte Joven Galeria el Nogal, Bogotá, Colombia.
- 2007: “The Intricate Journey”, NGBK, Berlín, Germany.
Publications
- Volume 1, Revista de exposiciones, Departamento de arte, Universidad de los Andes, Bogotá, 2008.
- Revista digital Opus No. 10, Magazine de arte contemporáneo, Buenos Aires, 2013.
Links
- Variaciones Sobre Aquel Asunto
- Opus
- “Nada y todo” Kirsten Mosel, Tadeo Muleiro, Diego Atucha y Julián León Camargo.
- Julián León, “Monumento a Vladimir”, 2013, Series: Pictorial Devices, Sculpture assembled from found objects and souvenirs shop bag from a Swiss museum. (Wood and paper), 190 x 50 x 50 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “Estructura ecuánime”, 2013, Series: Pictorial Devices, Assembly of painted wood, 130 x 100 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “Once you go black you’ll never go back.”, 2013, Series: Pictorial devices, Assembly. Fragment of painted crate with acrylic and enamel with legs of pine wood, 180 x 150 x 50 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “Verticalidad precaria”, 2013, Series: Pictorial Devices, Painting. Table of painted wood (acrylic enamel) with assembled legs, 200 x 150 x 100 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “Verticalidad precaria”, 2013, Series: Pictorial Devices, Painting. Table of painted wood (acrylic enamel) with assembled legs, 200 x 150 x 100 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “El vacío que es el comienzo de todas las cosas”, 2013, Series: Pictorial devices, Installation. Painted wooden planks (Acrylic and fluorescent paint) against the wall, Variable dimensions, Site specific project. Image courtesy of the artist
- Julián León, “Desfondado”, 2013, Series: Pictorial Devices, Painting. wooden drawer, 70 x 40 x 15 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “Desfondado”, 2013, Series: Pictorial Devices, Painting. wooden drawer, 70 x 40 x 15 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “Una de esas manías fácilmente contagiosas : ¡Sociales y triunfantes, en una palabra!” , 2011, Painting. Acrylic and enamel on assembled wood, 160 x 70 x 30 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “La tenebrosa línea de sombra de estos años de ahora en los que todo por fin se nos ha vuelto incomprensible y, cuando nos hablan del mundo, no sabemos ya de que se trata y sentimos que precisamente todo eso podía ser el comienzo de algo que podría tenernos muy entristecidos, tal vez obsesionados, por un largo periodo de tiempo aunque, eso si, siempre con nosotros estupefactos, sin entender nada, sin saber de que se trata todo este maldito embrollo de la vida, la muerte y otras zarandajadas sin una sola idea para comprender el mundo, y ya no digamos para comprender Siria.”, 2012, Series: El final de una larga historia de difuminaciones., Sculpture. Painted wood on easel, 100 x 72 x 45 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “Ursprung”, 2011, Painting. Painted wooden boards arranged next to each other, 200 x 100 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “Emancipación en Suspenso.”, 2013, Painting. Painting without frame hung until it falls on the floor by its own weight, 200 x 100 x 50 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “Elevaciones”, 2013, Painting. Flat paint without support with wooden sticks against the wall, 150 x 100 x 45 cm. Image courtesy of the artist
- Julián León, “In all the old familiar places”, 2013, Installation. Intervention in space with wood assembly, light tubes and sculpture with used paper tapes, Variable dimensions, Site specific projects. Location: Galería Gachi Prieto, Buenos Aires. Image courtesy of the artist.
- Julián León, “In all the old familiar places”, 2013, Installation. Intervention in space with wood assembly, light tubes and sculpture with used paper tapes, Variable dimensions, Site specific projects. Location: Galería Gachi Prieto, Buenos Aires. Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
I work mainly in oil on canvas, although I also regularly produce works of paper in ink, pencil or color pencils, as well as photography series. I make a seemingly abstract painting, nevertheless based on the light that comes through the workshop on an empty wall, and how it affects color.
I depart from a lighting situation (of lights and shadows) that I observe and to which I remain faithful. I believe simultaneously in a geometric structure (given by the planes of light or sun rays on the wall), and the shapeless color fields applied gesturally (though my attempt to reach color and shape precision in light). The result is a collision between two types of painting apparently impossible to reconcile: an ideal geometric structure and an atmospheric, gestural and undefined painting.
Photography takes geometry beyond the oil paintings, transforming them in flat and immediate images. At the same time they speak about the effect of light on color, since they portray the paintings subject to new light situations that complicate color and confuse what is painted with what is captured with the photographic lens.
I am interested in the legacy of modern geometry, but subverting it through the confrontation with an opposing painting that allows the environmental, the soft, the mudded, and the polluted. I research through my works the equivalence, deceptively unrecognizable, between geometry and light.
Trabajo mayormente en óleo sobre tela, aunque tambien produzco regularmente obras sobre papel hechas con tinta, lápiz o lápices de colores, así como series de fotografías. Hago una pintura aparéntemente abstracta, sin embargo basada en la luz que penetra en el taller sobre una pared vacía, y en como ella afecta el color.
Parto de una situación lumínica (de luces y sombras) que observo y a la cual me mantengo fiel. Creo simultaneamente una estructura geométrica (dada por los planos de luz o sol sobre la pared), y campos de colores informes aplicados gestualmente (en mi intento de lograr la exactitud de color y forma de situaciones de luz o luminicas tan cambiantes). El resultado es un choque entre dos tipos de pintura aparentemente imposibles de reconciliar: una estructura geométrica ideal y perfecta, y una pintura atmosférica, gestual e indefinida.
Las fotografías llevan mas allá la geometría presente en los óleos convirtiéndolos en imágenes planas e immediatas. Al mismo tiempo ellas hablan del efecto de la luz sobre el color, ya que éstas retratan los oleos sometidos a nuevas situaciones lumínicas que complican el color y confunden lo pintado con lo captado por el lente fotográfico.
Me interesa el legado de la geometría modernista, pero esta vez subvertido a través de su confrontación con una pintura normalmente contraria que permite lo atmosferico, lo blando, lo turbio, lo contaminado. Investigo a traves de mis obras una equivalencia, aparentemente irreconciliable, entre la geometría y lo lumínico.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1983: Université de Paris I, (Panthéon-Sorbonne), Paris, France, D.E.A., (Diplome d”études Approfondies).
- 1982: Maîtrise d’Esthétique.
- 1978: American University, Washington, D.C. BFA.
Solo Exhibitions
- 2013: “Juan Iribarren. Obra reciente”, Galeria Leme, Sao Paulo, Brazil.
- 2011: Henrique Faría Fine Art, New York, USA.
- 2009: “Juan Iribarren. Obra reciente”, Faría+Fábregas Galería, Caracas, Venezuela.
- 2004: “Juan Iribarren: Recent Works”, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA.
- 2001: “Juan Iribarren, Obra reciente”, Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
- 1998: “Juan Iribarren, Small Paintings”, GAGA, New York, NY, USA.
- 1994: Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2013: “Nuevos vinculos. Selección de obras de la trigésima Bienal de São Paulo“, Brazil.
- 2013: La Trinidad Parque Cultural, Caracas, Venezuela.
- 2012: 30 Bienal de São Paulo, São Paulo, Brazil.
- 2011: “Geometrias alteradas”, Faría+Fábregas Galería, Caracas, Venezuela.
- 2010: “Negativa Moderna”, Henrique Faría Fine Art, New York, NY, USA.
- 2010: “Then & Now: Abstraction in Latin American Art, 1950-Present”, Deutsche Bank, Gallery, New York, NY, USA.
- 2009: “Explorando el Sur”, Fundación Carlos de Amberes, Madrid, Spain.
- 2008: “New York”, Galería Astarté, Madrid, Spain.
- 2007: “Iberoamérica Glocal”, Casa de América, Madrid, Spain.
- 2005: “The (S) Files/The Selected Files”, El Museo del Barrio, New York, NY, USA.
- 2005: “Diálogos: Arte latinoamericano desde la Coleccion Cisneros”, Museo de Arte Moderno de Bogotá, Bogotá, Colombia.
- 2005: “Jump Cuts: Venezuelan Contemporary Art”, Coleccion Mercantil, Americas Society, New York, NY, USA.
- 2004: “The Fine Line (between something and nothing)”, Leslie Tonkonow Artworks + Projects, New York, NY, USA.
- 2004: “Arte contemporaneo venezolano en la Coleccion Cisneros, 1990-2004”, Museo de Arte Moderno Jesus Soto, Ciudad Bolivar, Venezuela.
Publications
- Perez Oramas, Thirtieth Bienal de Sao Paulo, The Imminence of Poetics (Catalogue), Brazil 2012.
- Espinel, Monica, Abstraction as an Expansive Venture. Then & Now: Abstraction In Latin American Art from 1950 to the Present (Catalogue). Deutsche Bank, NewYork, 2010.
- Perez Oramas, Luis, Mondrian? Notas sobre la pintura reciente de Juan Iribarren (Publication). Editorial Goliardos, Caracas, Venezuela, 2009.
- Palacios, Carlos E., Geografías (in)invisibles. Arte contemporáneo latinoamericano en la Colección Patricia Phelps de Cisneros (Catalog). Centro León, Dominican Republic, 2008.
- Palacios, Carlos E., The Materials of the Gaze. Arte al Dia International No. 114, 2006.
- Cullen, Deborah, In These Days. The S Files (The Selected Files) (Catalogue), New York, 2005.
- Fuenmayor, Jesús, Jump Cuts, Dislocated Continuities. Jump Cuts, Venezuelan Contemporary Art, Colección Mercantil (Catalogue). Americas Society, New York, 2005.
- Kaufman, John, Free Play ,Recent Paintings by Juan Iribarren (Libre Juego: pinturas recientes de Juan Iribarren). Museo Alejandro Otero (Publication), Caracas, 2001.
- Juan Iribarren, “Diagonals”, 2008, Oil on linen, 89 x 130 cm. Photo credit: Michael Bodycomb
- Juan Iribarren, “4 Diagonals on Diagonal”, 2008, Oil on linen, 168 x 164 cm. Photo credit: Michael Bodycomb
- Juan Iribarren, “Cuadrado naranja”, 2009, Oil on linen, 66 x 66 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título”, 2009, Oil on linen, 97 x 76 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título (Red)”, 2010, Oil on linen, 130 x 89 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título”, 2010, Oil on linen, 158 x 122 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título”, 2011, Oil on linen, 122 x 147 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título (Night)”, 2011, Oil on linen, 97 x 76 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título”, 2012, Oil on linen, 122 x 122 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título (White)”, 2012, Oil on linen, 122 x 122 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título”, 2012, Oil on linen, 183 x 122 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título (Blue)”, 2012, Oil on linen, 183 x 122 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título”, 2012, Oil on linen, 152 x 203 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título (Brown-Blue)”, 2013, Oil on linen, 148 x 122 cm. Photo credit: Peter Chin
- Juan Iribarren, “Sin título (Blue)”, 2013, Oil on linen, 158 x 122 cm. Photo credit: Peter Chin
Through the exploration on different mediums—primarily painting and sculpture—, I explore codes to represent space’s sensorial and perceptive experience. In this sense, I work with objects and images that reveal the existing tension between the natural and the artificial, and the subjective experience related to science and language’s cataloguing and measuring schemes. In both my artistic and research work, I have delved in modern and contemporary art’s references to rural and urban landscape, as well as in the development and validity of abstraction.
A través de la exploración con diferentes medios —principalmente la pintura y la escultura— exploro códigos para la representación de la experiencia sensorial y perceptiva del espacio. En este sentido, trabajo con objetos e imágenes que develan las tensiones entre lo artificial y lo natural, y la experiencia subjetiva con relación a los sistemas de categorización y medición de la ciencia y del lenguaje. Tanto en mi obra artística como en mi trabajo de investigación, he profundizado en las referencias al paisaje rural y urbano en el arte moderno y contemporáneo, así como el desarrollo y vigencia de la abstracción.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Universidad de los Andes, pregrado en Arte, Bogotá, Colombia.
- Goldsmiths Univesity, MRES in Art History, London, UK.
Prizes / Fellowships
- 2014: Celeste Prize Finalist, Celeste Prize, Milan, Italy.
- 2012: Beca de circulación en la Galería Santa Fe, Instituto Distrital de las Artes, Bogotá, Colombia.
- 2011: Beca de investigación monográfica, Ministerio de Cultura, Colombia.
- 2011: Premio Nacional de Crítica de Arte, categoría ensayo breve, Ministerio de Cultura y Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Solo Exhibitions
- 2014: “Highway“, Nueveochenta Galería, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Acumulaciones”, Valenzuela Klenner Galería, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Terrarum descriptio”, Galería Doce Cero Cero, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Estares”, Galería Santa Fe, Bogotá, Colombia.
- 2007: “Diorama”, Sala de Proyectos, Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia.
Group Exhibitions
- 2014: “Rastros del paisaje“, Odeón, Bogotá, Colombia.
- 2014: “Río arriba, río abajo”, Museo de Arte , Pereira, Bogotá.
- 2014: “Nuevas aperturas”, Museo de Arte Colsubsidio, Bogotá, Colombia.
- 2014: “Expansión”, Galería DPM, Guayaquil, Ecuador.
- 2013: “De palmo en palmo”, Cámara de Comercio, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Sin pudor a ser pintura”, Cámara de Comercio, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Después de todo”, 14 Salones Regionales de Artistas, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Marta ‘Che’ Traba”, Museo La Ene, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Señales naturales, arte y naturaleza”, Jardín Botánico José Celestino Mutis, Bogotá, Colombia.
Publications
- 2013: Hernández, María Lucía. “Acumulaciones”, Revista Esquire. Bogotá, mayo de 2013.
- 2013: Gómez, Fernando. “Asesino”, El Tiempo. Bogotá, abril 7 de 2013.
- 2013: Gómez, Nicholas, en libro: En materia: contextos y procesos en la obra de Juan Fernando Herrán. Beca de Investigación Monográfica, Ministerio de Cultura, Bogotá, Colombia.
- 2008: Gómez, Nicholas, en libro: En blanco y negro. Marta Traba en la televisión colombiana 1954-1958. Ediciones Uniandes, Bogota, Colombia.
- 2008: Gómez, Nicholas, en libro: Lucy Tejada: los años cincuenta. Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Bogotá (investigación, compilación y edición).
Links
- Esfera Publica (28/02/2007)
- Privado Entrevistas: Entrevista en privado (07/06/2013)
- Badawi, Halim. “Una genealogía abyecta del paisaje”, Archivo Premio Nacional de Crítica. Ministerio de Cultura y Universidad de los Andes, 2013
- Nicolás Gómez Echeverri, “Acumulaciones”, 2013, Series: Acumulaciones, Oil on wood rulers and shelves, 51.2 x 41 x 1.2 in. (130 x 106 x 3 cm). Private Collection in Bogotá. Photo credit: Banco de Archivos Digitales, Universidad de los Andes
- Nicolás Gómez Echeverri, “Acumulaciones (Día y Noche)”, 2012, Series: Acumulaciones, Oil on wood rulers and shelves, 11.8 x 41 x 1.2 in. (30 x 106 x 3 cm). Private Collection in Bogotá. Photo credit: Juan Caicedo
- Nicolás Gómez Echeverri, “Acumulaciones”, 2012, Series: Acumulaciones, Oil on plastic rulers and shelves, 58.3 x 74.8 in. (148 x 190 cm). Private Collection in Bogotá. Photo credit: Óscar Monsalve
- Nicolás Gómez Echeverri, “Sin título”, 2012, Series: Acumulaciones, Oil on plastic compass and shelf, 5.5 x 8.3 in. (14 x 21 cm). Private Collection in Bogotá. Photo credit: Daniela Gómez
- Nicolás Gómez Echeverri, “Sin título”, 2013, Series: Terrarum Descriptio, Oil on paper, 39.4 x 27.6 in. (100 x 70 cm). Image courtesy of the artist and Galería Doce Cero Cero, Bogotá
- Nicolás Gómez Echeverri, “Sin título”, 2013, Series: Terrarum Descriptio, Oil on paper, 39.4 x 27.6 in. (100 x 70 cm). Image courtesy of the artist and Galería Doce Cero Cero, Bogotá
- Nicolás Gómez Echeverri, “Sin título”, 2013, Series: En manifiesto, acrílico y madera, 2.6 x 22.4 x 3.9 in. (6.5 x 57 x 10 cm). Photo credit: Banco de Archivos Digitales, Universidad de los Andes
- Nicolás Gómez Echeverri, “Sin título”, 2013, Series: Highway, Logs and roots painted with automotive paint, river stones, Variable dimensions. Image courtesy of the artist.
- Nicolás Gómez Echeverri, “Horizontes”, 201,2 Ink on paper on frames, 35.4 x 35.4 in. (90 x 90 cm). Private Collection in Bogotá. Image courtesy of the artist.
- Nicolás Gómez Echeverri, “Primera tierra”, 2013, Acrylic and wood, 70 x 115 cm. Location: Proyecto Bachué. Photo credit: Juan José Moreno Espinel
Extract from: Alma Ruiz, “Interview with Artist” in Jose Falconi, ed. A Singular Plurality: The Works of Darío Escobar. Cambridge, MA: Department of History of Art and Architecture, Harvard University, 2013, pp. 331-345. “I am very interested in the ideas of Benjamin H. D. Buchloh, which seem to me quite accurate as they relate to contemporary art: sculpture as a cross between an industrial object and a monument within the fine arts tradition. I’m very interested in analyzing the relationship between production and consumption, especially in these times in which objects are mass produced, and in their production in factories, individuals alienate themselves from the items: they distance themselves, but they are then reconciled in the exercise of purchase/consumption. However, to incorporate the object into an aesthetic operation, such as art, leads us to a narrower and more revealing space for reflection—it does not simply place the object within these mechanical operations of manufacturing and buying.” (…) “My interest in the pre-Hispanic past actually lies in the question of form, and I take this as a pretext to investigate the major issues that informed art in these lands for centuries. When I made these works, (Kukulkán I, 2007; and the series Quetzalcóatl II, III, etc.) I was really excited to discover a sculptural model that would show certain qualities that traditional sculpture doesn’t show, and one of these factors was the behavior of the material. I was interested in starting to work with light, with shadows, and with materials that move freely without obeying the forms that I give them as a sculptor. It was a true exercise in freedom. I thought this idea was touched upon in some way in pre-Hispanic architecture with the shadows that form on staircases… I’ve always been particularly interested in archeology as well.”
Traducido del inglés
Fragmento de: Alma Ruiz, “Interview with Artist” in Jose Falconi, ed. A Singular Plurality: The Works of Darío Escobar. Cambridge, MA: Department of History of Art and Architecture, Harvard University, 2013, pp. 331-345. “Me interesan mucho las ideas de Benjamin H. D. Buchloh, las cuales me parecen bastante acertadas ya que se refieren al arte contemporáneo y a la escultura como una mezcla entre objeto industrial y un monumento dentro de la tradición de las bellas artes. Me interesa analizar la relación entre producción y consumo, especialmente en estos tiempos en los que los objetos son producidos en masa y debido a su producción es de fábrica los individuos se apartan de ellos. Toman distancia, pero se reconcilian en el ejercicio de compra y consumo. No obstante, al incorporar el objeto dentro de una operación estética como lo es el arte, nos lleva a un espacio de reflexión más estrecho y revelador. No pone al objeto simplemente dentro de estas operaciones mecánicas de manufactura y compra”. “Mi interés en el pasado prehispánico radica en la cuestión de la forma y lo tomo como pretexto para investigar los temas importantes que informaron el arte desde estas tierras por siglos. Cuando realicé estas obras (Kukulkán I, 2007, y la serie Quetzalcóatl II, III, etc.) me entusiasmó descubrir un modelo escultórico que mostraba ciertas cualidades que la escultura tradicional no muestra y uno de estos factores fue el comportamiento del material. Me interesaba comenzar a trabajar con la luz, con las sombras y con materiales que se mueven libremente sin obedecer las formas que les doy como escultor. Fue un verdadero ejercicio de libertad. Pensé que esta idea se abordó de alguna manera en la arquitectura prehispánica con las sombras que se forman en las escalinatas… Siempre he tenido un interés particular por la arqueología también.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1996: Arquitectura, Universidad Rafael Landivar, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
Solo Exhibitions
- 2013: “Ultitled”, Kamel Mennour Galerie, Paris, France.
- 2013: “Dario Escobar/ Blacksmith Project”, Josée Bienvenu Gallery, New York, USA.
- 2012: “Dario Escobar / La experiencia del objeto” (MAC) Museo de arte Contemporáneo de Santiago, Santiago de Chile, Chile.
- 2012: “Dario Escobar: Singular/Plural” (SCAD) Museum of Art, Savannah, Georgia / (SCAD) Atlanta – Gallery 1600, Atlanta, Georgia, USA.
- 2012: “Dario Escobar / trabajo reciente” Baró Galeria, São Paulo, Brazil.
- 2011: “Dario Escobar / Revisión” Museo Nacional de Arte Moderno Carlos Mérida, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2010: “Side and Back”, Kamel Mennour Galerie, Paris, France.
- 2010: “Anverso y Reverso”, González y González, Santiago de Chile, Chile.
- 2008: “Playoffs” Josee Bienvenu Gallery, New York, USA.
- 2007: “La Línea Interrumpida”, (CCM) Centro Cultural Metropolitano, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2007: “Dario Escobar/Project room”, Rotunda Gallery, Brooklyn, New York, USA.
- 2006: “Objetos en Transito”, Sala Gasco, Santiago de Chile, Chile.
- 2005: “Serpentario”, (CCEG) Centro Cultural de España Guatemala, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
Group Exhibitions
- 2013: “Inaugural Exhibition”, The Pizzutti Collection, Columbus, Ohio, USA.
- 2013: “California-Pacific Triennial”, (OCMA) Orange County Museum of Art, Newport Beach, California / (CC) Coastline Community college Art Gallery, Newport Beach, California, USA.
- 2013: “Y…¿entonces? / and..so?”, the 9.99, Ciudad de Guatemala, Guatemala.
- 2012: “The Island / A game of life”, Gallery One, Manarat al Saadiyat, Abu Dhabi, UAE.
- 2011: “Now” (Selección de obras de La Colección Jumex) Instituto Cultural Cabañas, Guadalajara, Mexico.
- 2011: “From the recent PAst: New Acquisitions” (MOCA) The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, California, USA.
- 2009: “Los Impoliticos”, (PAN) Palazzo delle Arti Napoli, Naples, Italy.
- 2009: “Périfériks”, (CAN) Centre D’art Neuchâtel, Switzerland.
- 2009: “Mundus Novus: 53 Bienal Internacional de Venecia”, Artiglerie dell’Arsenale, Venecia, Italy.
- 2008: “Playtime”, Bétonsalon / Centre d’art et de recherche, Paris, France.
- 2007: “The Hours: Visual Arts of Contemporary LAtin America”, Museum of Contemporary Art, Sydney, Australia.
- 2001: “Short Stories”, La Fabbrica del Vapore, Milán, Italy.
- 2001: “I Tirana Biennial”, National Gallery & Chinese Pavilion, Tirana, Albania.
Publications
- 2012: Book. A singular plurality: the works of Dario Escobar. Ed. Department of History of Art and Architecture, Harvard University. Cambridge, Massachusetts.
Collections
- Daros Latinamerica, Zurich, Switzerland.
- Blanton Museum of Art, Austin, TX, USA.
- Nasher Museum of Art, Durham, NC, USA.
- MOLAA Museum of Latin American Art, Long Beach, CA, USA.
- MOCA, Los Angeles, CA, USA.
- CIFO – Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, FL, USA.
- El Museo del Barrio, New York City, NY, USA.
- Pizzuti Collection Fundación/Colección Jumex, México D.F., Mexico.
- MADC Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- MAC Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile, Santiago de Chile, Chile.
Links
- El guatemalteco Darío Escobar participa en la feria de arte Pinta, en Londres Darío Escobar y sus exaltaciones piadosas
- Art is my Business – Solo Show
- Conectaarte blog post on Darío Escobar
- Darío Escobar’s portrait for the Venice Biennale themed issue of this Italian fashion glossy.
- La Experiencia del Objeto.
- Darío Escobar en el MAC
- The Island-A Game of Life
- Darío Escobar: trabalhos recentes
- MALI Uno a Uno: Darío Escobar y José Falconí
- Baró Galería – Arsenal
- Instalación conceptual ‘Obverse & Reverse’ de Darío Escobar
- Dario Escobar, “Kukulkán II”, 2009, Series: Kukulkan, Vulcanized rubber and steel, Variable dimensions (maximum dimensions 220 cubic meters / 660 cubic feet), Site specific project. Location: Kamel mennour, Paris, France. Photo credits: Jorge Mazariegos. Image courtesy of the artist and Kamel mennour, Paris
- Dario Escobar, “Kukulkán II”, 2009, Series: Kukulkan, Vulcanized rubber and steel, Variable dimensions (maximum dimensions 220 cubic meters / 660 cubic feet), Site specific project. Location: Kamel mennour, Paris, France. Photo credits: Jorge Mazariegos. Image courtesy of the artist and Kamel Mennour, Paris
- Dario Escobar, “Escultura Transparente No.1″ [Transparent sculpture No.1], 2012, Dario Escobar, Series: Esculturas transparentes, Wood, rubber and steel, Variable dimensions, (dimensions of the room 8 x 12 x 6 meters- 315 x 472 1/2 x 236.25”) Site specific project. Location: Modulo I Colección del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile MAC, Santiago de Chile, Chile. Photo credits: Jorge Brantmayer. Image courtesy of the artist and Kamel mennour, Paris y González & González, Santiago de Chile, Chile.
- Dario Escobar, “Escultura Transparente No.1″ [Transparent sculpture No.1] (detail), 2012, Series: Esculturas transparentes, Wood, rubber and steel, Variable dimensions, (dimensions of the room 8 x 12 x 6 meters- 315 x 472 1/2 x 236.25”) Site specific project. Location: Modulo I Colección del Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile MAC, Santiago de Chile, Chile. Photo credits: Jorge Brantmayer. Image courtesy of the artist and Kamel mennour, Paris y González & González, Santiago de Chile, Chile.
- Dario Escobar, “Obverse & Reverse”, 2010, Series Obverse & Reverse, Leather, latex, steel and string, Variable dimensions, 6 x 3.99 x 3.99 M – 236 1/4 x 157 1/2 x 157 1/2”, Site specific project. Location: Pizzuti Collection, Columbus, Ohio. Photo credits: Isaac Martínez. Image courtesy of the artist and Josée Bienvenu Gallery, New York
- Dario Escobar, “Juego Doble” [Double Game], 2005, Iron, paint, string, plastic and rubber, Variable dimensions (Maximum length 5 M / 192″). Fundación/Colección Jumex, Ecatepec, Mexico D.F. Photo credits: Rodolfo Walsh. Image courtesy of the artist and Fundación / Colección Jumex, Ecatepec, Mexico
- Dario Escobar, “Untitled”, 2005, Wood, urethane, and steel. Variable dimensions (Maximum dimensions 140 x 100 x 60 cm – 55 1/8 x 39 3/8 x 23 5/8″). Fundación/Colección Jumex, Ecatepec, Mexico D.F. Photo credits: Dario Escobar Studio. Image courtesy of the artist and the Fundación/Colección Jumex, Ecatepec, Mexico D.F.
- Dario Escobar, “Urban Landscape”, 2011, Landscapes Series, Polychromed wood, 162.5 x 176 x 79 cm / 64″ x 69 1/2″ x 31″. Josée Bienvenu Gallery, New York. Photo credtis: Enrique Lopez-Campang. Image courtesy of the artist
- Dario Escobar, “Crash N¼. VII”, 2010, Series: Crash, Chromed iron and steel, Dimensions 150 x 80 x 59.7 cm / 59″ x 31 1/2″ x 23 1/2″. The 9.99 Gallery, Ciudad de Guatemala. Photo credits: Andrs Asturias. Image courtesy of the artist and Private collection, Guatemala City, Guatemala.
- Dario Escobar, “Geometric Construction Nº. 2″, 2012, Series: Construcciones Geométricas, Wood, iron, and paint, 316 x 175.4 x 53.4 cm / 124 3/ 8″ x 69 7/8″ x 21 5/8”. Centre Charles Pompidou, Paris, France. Photo credit: José Enrique López–Campang. Image courtesy of the artist and Centre Pompidou Foundation.
- Dario Escobar, “Abstract Painting No. 1”, 2012, Series: Abstract Paintings, Primed linen and paint, 170 x 120 cm (66 15/16 x 47 1/4 in). Sayago Pardon Collection, California. Photo credit: Andrés Asturias
- Dario Escobar, “Abstract Painting No. 10″, 2012, Dario Escobar, Series: Abstract Painting, Primed linen and paint, 170 x 245 cm (66 15/16 x 96 1/2”). The 9.99 Gallery, Ciudad de Guatemala. Photo credit: Andrés Asturias
- Dario Escobar, “Silent Drawing No. 11”, Series: Silent Drawings, Paper end pages, 80 x 120 cm. – 31 1/2 x 47 1/4”. The 9.99 Gallery, Ciudad de Guatemala. Image courtesy of the artist
- Dario Escobar, “Silent Drawing No. 11” (detail), Series: Silent Drawings, Paper end pages, 80 x 120 cm. – 31 1/2 x 47 1/4”. The 9.99 Gallery, Ciudad de Guatemala. Image courtesy of the artist
- Dario Escobar, “Sin título” (Untitled), 2005, Series: Sin título (Untitled), Used motor oil and cotton paper, 70 x 50 cm – 27 1/2 x 19 11/16”. Colección / Fundación Jumex, Ecatepec, México D.F. Photo credit: Estudio Dario Escobar
Translated from Spanish
I always knew that when I would leave architecture, someday I would return to it, not as an architect, but as an artist. I do not consider myself a painter, sculptor, draftsman, or photographer. I find reducing art to one technique to be unfair. I am an artist who works with ideas, possibilities and concepts, where each work requires a particular technique. Since I was a child I have struggled to distinguish fantasy from reality; now I constantly try to transform figuration in abstraction and vice versa. I have always liked to surprise myself and surprise everyone else. When this is incorporated into the fact that the work leaves you thinking, the work becomes complete. I am interested in finding the balance between the formal and the conceptual; between the left and the right. I am left-handed and dyslexic, therefore I write backwards in a natural way since I was 4 years old, using the right hemisphere of the brain; where emotional expression, sign language, musical sensibility and artistic sensibility are located. I work, think and speak with numbers, information, counting, figures, in a repetitive, obsessive way, organized within chaos. I constantly seek originality through repetition; I like something to be universal and particular. I am at the same time minimalist and baroque. I have 6.5 cm between my two pupils. The first impression with any work of art will always be visual, as conceptual as this may be. Thus I am interested in experimenting with different ways of “seeing” that are not only through the eyes. To achieve this I often use psychics and blind people, since I am certain of the parallel that exists between a clairvoyant and an artist. I am drawn by paranormal phenomena, criminology, music and meditation, among many other things. I am interested in accumulating objects from 1860 to 1960, approximately, focused on photography and architectural elements, among others. I look for and find “things” that ceased to fulfill the function they were made for and before they are turned into waste, I negotiate them, exchange them or buy them to turn them into something else. My studio is a sort of laboratory where experimentation is fundamental to the process and development in series. All the processes are documented and are part of an archive. When I make a mistake, it is not fixed or patched up; the work is simply discarded and I begin another one from scratch. I like to question and create through a process of destruction. Also to create something to then undo it, then something that apparently does not take me anywhere ends up being the work itself, through the trace, the mark or the document that remains. Work produces work, work produces more work, and work also produces ideas and ideas generate more ideas and also more work. The workshop functions infinitely and circularly, with a team of people that go from the ordinary to the extraordinary. I buy, collect and accumulate a great diversity of archives that ultimately will be a work in themselves, or the raw material of different series to be developed. I write ideas, projects, phrases, words and quantities in my notebooks every day. I always work in different series or projects simultaneously, in some I have absolute control of the work, and in others everything is random. Some works are a 100% created in the studio, while others are found or transformed from garbage to something else. Time, gravity, fragility, waste, and accident are the constants in any series or any work. The energy factor of the works, the objects and the things in general is an important element, such that my definition of art is parallel to the definition of energy: Art is neither created nor destroyed, it can only be transformed.
Siempre supe que al dejar la arquitectura, algún día regresaría a ella, pero ya no más como arquitecto, sino como artista. No me considero pintor, escultor, dibujante, ni fotógrafo; reducir el arte a una técnica me parece injusto. Soy un artista que trabaja con ideas, posibilidades y conceptos, en donde cada obra pide una técnica en particular. Desde pequeño me ha costado diferenciar la fantasía de la realidad; ahora constantemente trato de transformar la figuración en abstracción y viceversa. Siempre me ha gustado sorprenderme y generar sorpresa en los demás, cuando esto se une a que la obra te deje pensando, se completa la pieza. Me interesa encontrar el balance entre lo formal y lo conceptual; entre la izquierda y la derecha. Soy zurdo y disléxico, por lo que escribo al revés desde los 4 años de forma natural, utilizando el hemisferio derecho del cerebro; en donde se localiza la expresión emocional, el lenguaje mímico, la sensibilidad musical y la sensibilidad artística. Trabajo, pienso y hablo con números, información, conteos, cifras, de una forma repetitiva, obsesiva y ordenada dentro de un caos. Busco constantemente la originalidad a través de la repetición, me gusta que algo sea universal y particular; soy minimalista y barroco al mismo tiempo. Tengo 6.5 cm entre cada una de mis dos pupilas. El primer impacto con cualquier obra de arte siempre será visual, por más conceptual que esta sea; por lo que me interesa experimentar con diversas formas de “ver”, que no sea únicamente con los ojos; para lograr esto suelo utilizar videntes e invidentes, ya que estoy seguro del paralelo que existe entre un vidente y un artista. Me llaman la atención los fenómenos paranormales, la criminología, la música y la meditación entre muchas cosas más. Me interesa acumular objetos que van de 1860 a 1960 aproximadamente, enfocados en fotografía y elementos arquitectónicos principalmente, entre muchos más. Busco y encuentro “cosas” que dejaron de cumplir su función para las que fueron hechas y antes de convertirse en un desecho, negociarlas, intercambiarlas o comprarlas para convertirlas en algo más. Mi estudio es una especie de laboratorio, en donde la experimentación es la parte fundamental en el proceso y desarrollo de serie. Todos los procesos quedan documentados y forman parte de un archivo. Cuando cometo un error, no se compone o parcha, simplemente la pieza se descarta y se comienza una nueva desde cero. Me gusta cuestionar y crear mediante de un proceso de destrucción, así como también hacer algo para después deshacerlo y lo que aparentemente no me lleva a nada, en realidad es la obra en sí, a través de la huella, la marca o el registro que queda. El trabajo genera trabajo, el trabajo genera más trabajo, el trabajo genera también ideas y las ideas generan más ideas y a la vez también más trabajo, y así infinitamente y en círculo es la forma en la que funciona el taller, con un equipo de personas que van de lo ordinario a lo extraordinario. Compro, colecciono y acumulo una gran diversidad de archivos que al final serán una obra en sí o la materia prima de diversas series por desarrollar. Todos los días escribo en mis cuadernos ideas, proyectos, frases, palabras y cantidades. Siempre trabajo en varias series o proyectos al mismo tiempo, en algunos tengo un control absoluto de la pieza, en otros todo queda al azar. Algunas obras son creadas al 100% en el estudio, mientras otras son encontradas o transformadas de un desecho a algo más. El tiempo, la gravedad, la fragilidad, el desecho, el accidente, son constantes el cualquier serie o en cualquier pieza. El factor energético de las piezas, de los objetos y las cosas en general es un elemento importante, tanto así que mi definición de arte es un paralelo a la definición de energía: El arte ni se crea ni se destruye, tan solo se transforma.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2006: Work residency, École Régionale des Beaux-Arts Saint-Étienne, France.
- 2001/2003: MFA in Photography and Video (with honors), Pratt Institute, New York, USA.
- 1987/1991: BA in Architecture (with honors), Universidad Anáhuac del Norte, Mexico City, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2013-2015: Sistema Nacional de Creadores de Arte Grant (2013-2016), Mexico.
- 2006: First prize, WTC Artfest 06, II Concurso Internacional de Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- 2005: First prize, VII Bienal de Monterrey FEMSA, Monterrey, Mexico.
- 2005: First prize, SIVAM (Sociedad Internacional de Valores del Arte Mexicano A.C.), Mexico City, Mexico.
- 2001: Fulbright García Robles Grant, Visual Arts section.
- 2001: Jacques and Natasha Gelman Grant.
- 2000: Grant, Jóvenes Creadores 2000, Colima, Mexico.
- 1997: First prize, III Bienal de Pintura de Occidente Alfonso Michel, Colima, Mexico.
Solo Exhibitions
- 2014: “Lo que no vemos lo que nos mira”, Curator Willy Kautz, Museo Amparo, Puebla, Mexico.
- 2012: “T.O.E.F.M.U.T.I.T.O.A.I.I.”, Sicardi Gallery, Houston, Texas, USA.
- 2012: “Exposición Panamericana”, N.C. Arte, Bogotá, Colombia.
- 2012: “Señales Aleatorias / Ruido Blanco”, MUSAS Museo de Arte de Sonora, Mexico.
- 2011: “Ruido Blanco / White Noise”, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca MACO, Curator: Kerstin Erdmann, Oaxaca, Mexico.
- 2011: “Originalmentefalso”, Galería OMR, México.
- 2011: “Frágil / Fragile: project room”, MOLAA, Museum of Latin American Art, Curator: Cecilia Fajardo Hill, Long Beach, California, USA.
- 2008: “d.i.b.u.j.o.s.”, C. C. Bastero Kulturgunea, Andoain (Gipuzkoa), Spain.
- 2008: “39-G.M.C.-23.sept.07”, Conner Contemporary, Washington, D.C., USA.
- 2008: “Blind lines”, Sicardi Gallery, Houston Texas, USA.
- 2007: “Brújula de cuestiones”, Galería OMR, Mexico City, Mexico.
- 2006: “Extensions”, Galerie La Serre, École Régionale des Beaux-Arts Saint-Étienne, France.
- 2004: “00-04”, Museo de Arte Contemporáneo de Colima, Colima, Mexico.
- 2003: “G.M. antes y después”, exhibition organized by Ministry of Culture of the state of Colima; traveled to 10 venues in Mexico.
- 2001: “Serie Homenaje a Robert Mapplethorpe”, Galería Nina Menocal, Mexico City, Mexico.
- 1997: “The Form Without Form”, Art Museum of the Americas, Washington, D.C., USA.
- 1996: “La Inconciencia de la Vista”, Museo Regional de Historia, Colima, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Ruta Mística”, Curator: Gonzalo Ortega, MARCO, Monterrey, Mexico.
- 2013: “Tropicalia Negra”, Curator: Willy Kautz, Museo Experimental El Eco, Mexico City, Mexico.
- 2013: “2013 California-Pacific Triennial”, Chief Curator: Dan Cameron, Orange County Museum, California, USA.
- 2013: “Intersections”, MOLAA, Museum of Latin American Art, Long Beach, California, USA.
- 2013: “Tactility”, Nils Staerk Gallery, Copenhagen, Denmark.
- 2013: “MOCA´S PERMANENT COLLECTION: A selection of recent acquisitions”, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, USA.
- 2013: “Materia Sensible”, Curator: Caroline Montenat, Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City, Mexico.
- 2013: “OPINIONE LATINA”, Francesca Minini Gallery, Milan, Italy.
- 2012: “PRIVACY”, Schirn Kunsthalle Frankfurt, Curator: Martina Weinhart, Germany.
- 2012: “Bajo el volcán”, Curator: Raúl Zamudio Taylor, Andrómeda Contemporáneo, San Jose, Costa Rica.
- 2012: “Tell me a story”, MOLAA, Museum of Latin American Art, curadora: Idurre Alonso, Long Beach, California, USA.
- 2012: “Sin límites”, Instituto de México en España, Madrid, Spain.
- 2012: “Una mirada múltiple: selecciones de la Colección Ella Fontanals-Cisneros”, Curator: Osbel Suárez, Museo Nacional de Bellas Artes, Habana, Cuba.
- 2012: “Pobre Artista Rico”, Curator: Willy Kautz, Casa del Lago Juan José Arreola, Mexico City, Mexico.
- 2012: “Obsessive Worlds”, Curator: Sarah Hamilton, Alexandria Museum of Art, Louisiana, USA.
Publications
- 2011: Drive and Method, authors: Gilbert Vicario, Robert C. Morgan, María Minera, Willy Kautz, Miguel Gonzalez Virgen and Gabriel de la Mora edited by Turner.
- 2011: Alegorías Capilares, author Sergio R. Blanco edited by Trilce.
- 2013: Originallyfake, authors: Gabriel de la Mora and Francisco Reyes Palma, edited by LITORAL.
Collections
- Museum of Contemporary Art, MOCA, Los Angeles, California, U.S.A.
- MOLAA, Museum of Latin American Art, Long Beach, California, U.S.A.
- Richard E. Peeler Art Center, De Pauw University, Greencastle, Indiana, U.S.A.
- The Museum of Fine Arts, Houston, Texas, U.S.A.
- El Museo del Barrio, New York., U.S.A.
- Colección Ella Fontanals-Cisneros, Miami Florida, USA
- Fundación/Colección JUMEX, Mexico City, Mexico.
- Colección Fundación Televisa, México.
- Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- Museo de la Cancillería, S.R.E., Mexico City, Mexico.
- Art Museum of the Americas, Organization of American States, Washington, D.C., USA
- ARTIUM, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo, Vitoria-Gasteiz, Spain.
- Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela, Spain.
- Colección FEMSA, Monterrey, Mexico.
- MUSAS, Museo de Arte de Sonora, Hermosillo, Sonora, México.
- Colección SIVAM, Mexico City, Mexico.
- Museo del Palacio del Arzobispado, Mexico City, Mexico.
- Secretaría de Cultura del Estado de Colima, Mexico.
- Colección Universidad de Colima, Mexico.
- Colección Banco de la República, Bogotá, Colombia.
- Sayago & Pardon Collection, California, U.S.A.
- Gabriel de la Mora, “2/88”, 2011, Polipthic of fragments from photography mounted on paper, 27 x 35 in. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “3,936 capas de pintura / layers of paint 1A – 1B”, 2011, Acrylic on aluminum, Dptych (1A) 20.86 x 20.86 x 3.42 in. (53 x 53 x 8.7 cm) / (1B) 15.74 x 15.74 x 3.93 in. (40 x 40 x 10 cm). Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “3,936 capas de pintura / layers of paint 1A – 1B”, 2011, Acrylic on aluminum, Dptych (1A) 20.86 x 20.86 x 3.42 in. (53 x 53 x 8.7 cm) / (1B) 15.74 x 15.74 x 3.93 in. (40 x 40 x 10 cm). Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “11,640”, 2013, 11,640 Eggshell pieces on wood, 30 x 30 x 3.9 cm. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “13.8 gramos S.T.I.”, Removed acrylic, 21 x 21 cm / case 10.7 x 43 x 43 cm. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “13.8 gramos S.T.I.”, Removed acrylic, 21 x 21 cm / case 10.7 x 43 x 43 cm. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “62”, 2013, Series: El peso del pensamiento, 66 show soles, 58.3 x 84 cm. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “62”, 2013, Series: El peso del pensamiento, 66 show soles, 58.3 x 84 cm. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “A.M. 20-3”, 2011, Vintage torn Photography, 36 x 36 x 4.5 cm. Image courtesy of the artist.
- Gabriel de la Mora, “Altamirano 20 VI”, 2012, Fabric ceiling from 1882 consolidated and mounted on an aluminum strech, 112 x 172 x 3.5 cm. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “Altamirano 20 VI”, 2012, (photo documenting the process of the artwork). Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “Dr. Atl 1934 – 51.8 gramos”, 2012, Removed oil and oil on canvas, triptych, 45.7 x 63.7 x 1.9 cm each. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “Normal” (detail), 2012, 1497 post-it flags and pencil on paper, 50 x 35 x 4.6 cm / case 61.2 x 44 x 11.5 cm. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “Normal (detail)”, 2012, 1497 post-it flags and pencil on paper, 50 x 35 x 4.6 cm / case 61.2 x 44 x 11.5 cm. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “Suelo I, II, III”, 2013, Paint and dirt on metal plate, triptych, 101 x 248.1 cm. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “T-1 Edison 169”, 2013, Back of wallpaper on cardboard and wood, 36.7 x 35 x 4.2 cm. Image courtesy of the artist
- Gabriel de la Mora, “T.M.C. III 1997-2013”, 2013, Removed acrylic from canvas, 48.3 x 48. 2 x 2 cm. Image courtesy of the artist
My “volumetric paintings” are created by adding layers over layers of acrylic paint with brush and spatula. Volume is obtained with no materiality other than acrylic pigment and the eventual thickener.
My pieces include representational and abstract examples. In representational paintings –fruits, people– I work not only the surface of subjects but also the internal space.
A volumetric painting of a watermelon is green in the surface, white and red inside. A head portrait is as true to the internal organs, muscles, bones–which will be invisible– as to the visible features shown in flat painting or in sculpture.
The geometric abstractions are usually monochromes painted the same color through and through. The knowledge of all the color we do not see completes conceptually the visual perception of the work. When a viewer knows he or she is seeing a volumetric, pure monochrome, he will integrate into the resulting perception an element of imagination: A mass of the same color he is sampling with his eyes.
I am hoping my volumetric paintings will change art teaching. Currently acrylic paint is taught as if it was oil based. There is at least one basic difference; utilizing the appropriate techniques, acrylic paint can be employed to build volumes.
Traducido del inglés
Mis “pinturas volumétricas” son creadas al añadir capas sobre capas de pintura acrílica con pincel y espátula. Se obtiene volumen sin otra materialidad que el pigmento acrílico y el aglutinante.
Mis piezas incluyen ejemplos representacionales y abstractos. En las pinturas representacionales (frutas, gente), no trabajo sólo con la superficie de los temas sino también de sus espacios interiores.
Las abstracciones geométricas son a menudo monocromos pintados con el mismo color de principio a fin. La comprensión de todo el color que no vemos completa la visión perceptual de la obra. Cuando un espectador sabe que él o ella está viendo un monocromo puro y volumétrico, integrará a la percepción final un elemento de la imaginación: una masa del mismo color que está siendo percibido con sus ojos.
Espero que mis pinturas volumétricas cambien la manera en la que se enseña el arte. Hoy en día se enseña a pintar con acrílico como si fuese óleo. Existe por lo menos una diferencia; utilizando técnicas adecuadas, la pintura acrílica puede ser utilizada para crear volúmenes.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1958-1965: Profesor en Letras (Master equivalent), Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires. Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 1972 & 1973: Universidad de Buenos Aires, Argentina.
- Pollock-Krasner Foundation, USA.
Solo Exhibitions
- 2004: “La Lección de Anatomía”, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 2003: “El Salto de la Imaginación”, Galería Ruth Benzacar, Buenos Aires, Argentina.
- 2002: “The Biology of Painting”, The Artist Network, NYC, USA.
- 2001: “Eduardo Costa: The Geometric Works”, Cecilia de Torres Gallery, NYC, USA.
- 1998: “La Pintura Dura, Pura”, ICI, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Fussiform Gyrus”, Lisson Gallery, London, UK.
- 2012-2013: “Pop, realismo y Politica”, PROA, Buenos Aires, Argentina; GAMEC, Bergamo, Italia; MAM Rio de Janeiro, Brazil.
- 2011: “Ver Sacrum. The Death of the Audience”, Vienna Secession, Vienna.
- 2009: “7º bienal do Mercosul: Grito e Escuta”, Porto Alegre, Brazil.
- 2009: “An (Unrully) History of the Readymade”, Jumex Foundation, Mexico City, Mexico.
Publications
- Ver Sacrum: The Death of the Audience, Vienna Secession and CAC Brétigny, Pierre, Bal-blanc, 2011.
- Deborah Cullen, A Part and Apart: Contextualising Asco, in Asco, Elite of the Obscure, Hatje Cantz, with LACMA and Williams College.
- Miguel A. Lopez, How Do We Know What Latin American Conceptualism Looks Like? Afterall magazine, Nº 23, 2010.
- William Oliver, The Death of the Audience, The Art Newspaper, 9/09.
- Brigitte Huck, The Death of the Audience, Art Forum, 10/09.
Collections
- MOMA, NY, USA.
- Metropolitan Museum of Art, NY, USA.
- Museum de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil
- Museo de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina.
- Coleccion Jumex, Mexico City, Mexico.
- Colección Banco Mercantil, Caracas, Venezuela / New York, USA.
- Colección Patricia Cisneros, Caracas, Venezuela / New York, USA.
- Colección Sayago & Pardon, California, USA.
- Bernard Chappard, Caracas, Venezuela.
- Eduardo Costa, “Expanded black & red Bichrome (front and back)”, 2006-2007, Series: Expanded Paintings. Paint Becomes Volumetric, Acrylic paint on and exceeding canvas, 19 ¾ x 17 ¼ in. (50 x 44 cm). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Inclusive White Painting”, 2008-2009, Series: Inclusive Paintings, Acrylic paint on and around canvas on board, 15 ¾ x 15 ¾ x 1 in. (40 x 40 x 2 cm). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Inclusive Black Painting”, 2007-2008, Series: Inclusive Paintings, Acrylic paint on and around canvas on board, 50cm x 40cm x 2cm. Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “White Monochrome Separated from the Wall by Solid Acrylic Paint Bars”, 2008-2010, Series: Expanded Paintings. Paint Becomes Partly Volumetric, Acrylic on canvas, volumetric front and back bars, 17 ½ x 26 ½ x 4 in. (44,5 x 67,5 x 10 cm). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Black Matte & Glossy Painting”, 2009-2010, Series: Partly Volumetric, Solid acrylic paint, 24 ½ x 18 x 1 ¼ in. (62 x 46 x 3 cm). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Accidental Intersection of a Red Cylinder and a Fluid plane”, 2008, Series: Partly Expanded Paintings, Acrylic paint on canvas, 24 x 18 ½ x 8 in. (61 x 47 x 20 cm). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Soft Orange Painting”, 2008-2009, Series: Patrly Volumetric Paintings, Acrylic paint on canvas, flat 25 ½ x 24 x 1 in. (65 x 61 x 2,5 cm). (In transit). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “White Monochrome Separated from the Wall by a Volumetric Sphere”, 2012-2013, Series: Partly Expanded, Acrylic on and over canvas, 22 x 24 x 6 inches. Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Rollable Violet Painting”, 2010-2011, Series: Partly Volumetric, Acrylic paint on canvas, velcro, flat, 25 ¼ x 25 ¾ x 1 in. (64 x 65 x 2 cm).Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Grey wedge with a Silver Skin”, 2008-2009, Series: Volumetric Paintings, Solid acrylic paint, 22 x 2 ½ x 11 in. (56 x 6,5 x 28 cm). (In Transit). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Painting of Green Triangle”, 2009-2010, Series: Volumetric Paintings, Acrylic paint, 13 x 28 x 4 ¾ in. (33 x 71 x 12 cm). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Three Models for Drawing”, 2010-2011, Series: Volumetric Paintings, Solid acrylic paint, 12 x 25 ½ x 8 ¾ in. (30 x 65 x 22 cm). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Painting of a Scott Burton Side Table (a pair)”, 1995-1997, Series: Useable Volumetric Paintings, Solid Acrylic Paint, 26 x 16 x 16 in. each (66 x 40,5 x 40,5 cm). Private Collection Miami. Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Interaction of an All Paint Triangle with Perimetrally Cut Out Triangle”, 2011-2012, Series: Paint-filled Images, Acrylic paint filling in the cut out canvas triangles, 35 ½ x 27 ½ in. (90 x 70 cm). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
- Eduardo Costa, “Interaction of an All Paint Triangle with Perimetrally Cut Out Triangle (back)”, 2011-2012, Series: Paint-filled Images, Acrylic paint filling in the cut out canvas triangles, 35 ½ x 27 ½ in. (90 x 70 cm). Photo credit: Albano García for Estudio Eduardo Costa
Translated from Spanish
The constant elements in my work are color, space and form, departing from understanding that, by dedicating to bidimensionality I will never achieve tridimensionality. This compels me to carefully study the space that is available to me, to situate shapes, to build with available elements and materials. From the sketch, I begin the process of the work in which I do not allow changes or improvisations, since I depart from a series of studies on movement, color portions, distance and color. I appropriate existing forms; I modify them and give them a new role, in addition to use the materials which I work with in my favor—thread, wire mesh, color pencils, etc. I am interested in the connection with the viewer, through the play of dimensions of the medium of my work, as well as the application of my palette of colors in different tonalities. Until this day, I have been working with different branches of the visual arts, focusing in some of them, for example drawing, engraving, painting, sculpture and photography. Nevertheless, one of my most ambitious projects, which began in 2008, is the one where I aim to take the dimensional to sculptures that are interact with the public.
Las constantes en mi trabajo son el color, el espacio y la forma, parto de la comprensión de que al dedicarme a la bidimensionalidad nunca podré lograr la tercera dimensión, esto me obliga a estudiar detenidamente el espacio del que dispongo, a situar las formas, construir con elementos y materiales disponibles, a partir del boceto empiezo el proceso de la pieza en el cual ya no admito cambios ni improvisaciones ya que parto de una variedad de estudios de movimientos, porción de colores, distancias y colores. Me apropio de formas que ya existen, las modifico y les doy un nuevo carácter, además de utilizar a mi favor los materiales con los que trabajo, hilo, metal reticulado, lápices de colores, etc. Me interesa la conexión con el espectador, a través del juego de dimensiones del soporte de mi trabajo, además de la aplicación de mi paleta de colores en diversas tonalidades. Hasta ahora trabajo varias ramas de las artes plásticas enfocándome en algunas de ellas como, dibujo, grabado, pintura, escultura y fotografía, sin embargo uno de mis proyectos más ambiciosos el cual ha sido iniciado desde el 2008 en el que pretendo llevar de lo dimensional a esculturas interactivas con el público.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Institución escuela nacional de artes plásticas Rafael Rodríguez Padilla, Título bachiller en artes plásticas especializado en escultura, Ciudad Guatemala.
Solo Exhibitions
- 2013: “Proceso”, Guatemala.
Group Exhibitions
- 2013: “Y entonces…”, Guatemala.
- 2013: “Cinco días abiertos”, Guatemala.
- 2011: “Walter Benjamín”, Guatemala.
- 2011: “Tercer salón nacional del grabado”, Guatemala.
- 2010: “Asistentes del festival de escultura Guatemala inmortal”, Guatemala.
Collections
- Grand Forks, North Dakota, USA.
- Sayago & Pardon, California, USA.
- tepeu choc, “Tres x dos”, 2008, Series: única, Acrylic on cardboard, 35.5 x 23.5 in. (90 x 60 cm). Image courtesy of the artist.
- tepeu choc, “Unidad 2”, 2008, Series: estudios del color, Acrylic on MDF, 29.5 x 19.5 in. (75 x 50 cm). Image courtesy of the artist.
- tepeu choc, “Teatro”, 2008, Series: estudios del color Acrylic on MDF, 29.5 x 19.5 in. (75 x 50 cm). Image courtesy of the artist.
- tepeu choc, “Cantada”, 2008, Series: estudios del color, 29.5 x 19.5 in. (75 x 50 cm). Image courtesy of the artist.
- tepeu choc, “El sol por la ventana”, 2008, Series: estudios del color, Acrylic on MDF, 29.5 x 19.5 in. (75 x 50 cm). Image courtesy of the artist.
- tepeu choc, “Gran distancia”, 2008, Series: estudios del color, Acrylic on MDF, 29.5 x 19.5 in. (75 x 50 cm). Image courtesy of the artist.
- tepeu choc, “Tercera crucifixión”, 2008, Series: estudios del color, Acrylic on MDF, 29.5 x 19.5 in. (75 x 50 cm). Image courtesy of the artist.
- tepeu choc, “Espacio y equilibrio”, 2011, Series: el aumento de la línea en el espacio blanco, Acrylic on Canson paper, 47 x 31.5 in. (120 x 80 cm). Image courtesy of the artist.
- tepeu choc, “A (amgdt)”, 2008-2012, Series: tipografías, Digital print and acrylic on canvas, 59 x 39 in. (150 x 100 cm). Photo credit: Karen Estrada
- tepeu choc, “Z (amgdt)”, 2008- 2012, Series: tipografías, Digital print and acrylic on canvas, 59 x 39 in. (150 x 100 cm). Photo credit: Karen Estrada
- tepeu choc, “No. 5”, 2013, Series: el aumento de la línea en el espacio negro, Acrylic on canvas, 59 x 39 in. (150 x 100 cm). Photo credit: Karen Estrada
- tepeu choc, “No. 6”, 2013, Series: el aumento de la línea en el espacio negro, 59 x 39 in. (150 x 100 cm). Photo credit: Karen Estrada
- tepeu choc, “No. 3”, 2011, Series: radiografía de escultura primera fase, wire mesh, color threads and acrylic, 16.5 x 15 x 13.5 in. (42 x 38 x 34 cm). Image courtesy of the artist.
- tepeu choc, “O marlet”, 2008-2010, Series: tipografías, Serigraphy on color papers, 73 x 49 in. (185 x 124 cm). Image courtesy of the artist.
- tepeu choc, “Fracción de elementos”, 2008, Series: única, Acrylic on MDF, 29.5 x 19.5 in. (75 x 50 cm). Image courtesy of the artist.
Translated from Spanish
My plastic research is developed through consecutive series, for example:
Serie Dibujos (Drawing Series) 1974/1989, Serie Monocroma (Monochrome Series) 1991/1993, Serie Pinturasparlantes (Talkingpaintings Series) 1993/1995, Serie Rejillas (Grilles Series), 1993 until today, Serie Purapinturabstracta (Pureabstractpainting Series) 1995, divided into: Drippings, Dibujosdepintura (Paintdrawings), Pinturastropicales (Tropicalpaintings), Crucigramasconmoscas (Crosswordswithflies), Purapintura (Purepainting), Emotionalpaintings, Serie Do you copy? (Do you copy? Series), Serie Pinturaparadaltónicos (Paintingforthecolorblind), Serie Berlinpaintings (Berlinpaintings Series).
All of this is being superimposed parallel to consecutive series in simultaneous periods. I mix one series with another and experimenting with ideas, little by little weaving the conceptual cobweb, giving a renewed sense to all the work process, always faithful to the original idea, for example that of Pureabstractpainting.
This is like a mathematical equation. I try in every moment to keep the process clear and clean, where the mother or medullar idea prevails: that painting is the medium and end of all the creative discourse, and that any reference would be painting itself.
Mi investigación plástica se desarrolla por series consecutivas, por ejemplo:
Serie Dibujos 1974/1989, Serie Monocroma 1991/1993, Serie Pinturasparlantes1993/1995, Serie Rejillas, 1993 hasta hoy, Serie Purapinturabstracta 1995 dividida en: Drippings, Dibujosdepintura, Pinturastropicales, Crucigramasconmoscas, Purapintura, Emotinalpaintings, Serie Do you copy?, Serie Pinturaparadaltónicos, Serie Berlinpaintings.
Todo esto se va sobreponiendo paralelamente en series consecutivas en periodos simultáneos, voy mezclando una serie con otra y exprimiendo las ideas, así poco a poco se va tejiendo la telaraña conceptual, dándole un sentido renovado a todo el proceso de trabajo, siempre fiel a la idea original por ejemplo de Purapinturabstracta.
Esto es como una ecuación matemática, trato en todo momento que el proceso sea muy claro y limpio, donde lo que prevalezca sea la idea madre o medular: que la pintura sea el medio y el fin de todo el discurso creativo y que cualquier referencia sea la pintura misma.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas Cristobal Rojas, Caracas, Venezuela.
- Instituto de Diseño Newman – Ince, Caracas, Venezuela.
- Chelsea School of Art and Design, London, England.
- London College of Printing, London, England.
Prizes / Fellowships
- 2003: XXVII Salón Nacional de Arte de Aragua, Premio MACMA.
- 2003: 61 Salón Arturo Michelena, Premio Andrés Pérez Mujica.
- 2001: XXV Salón Nacional de Arte de Aragua Premio CONAC.
- 1994: Premio Obra Bidimencional 4ta Bienal Nacional de Arte de Guayana.
- 1992: Mención de Honor, Obra Bidimencional 3ra Bienal Nacional de Arte de Guayana.
- 1991: Gran Premio de Pintura, Salón de Pintura 50 Aniversario, Banco Central de Venezuela.
Solo Exhibitions
- 2012: “Drawings?”, KaBe Contemporary Art, Miami, USA.
- 2009: “Do You Copy?”, Centro de Arte Periférico, Caracas, Venezuela.
- 2007: “Sigfredo Chacón, Pinturas Recientes”, Galería La Cuadra, Caracas, Venezuela.
- 2000: “Sigfredo Chacón Fundación Corp Group”, Caracas, Venezuela.
- 1995: “Pinturas Parlantes”, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2007: “Jump Cuts – Venezuelan Contemporary Art”, Colección Mercantil, CIFO (Cisneros Fontanals Art Foundation), Miami, Florida, USA.
- 2007: “Correspondences Contemporary Art from the colection Patricia Phelps de Cisneros”, Wheaton College, Massachusetts, USA.
- 2007: “Extrapictórico”, Corp Banca, Caracas, Venezuela.
- 2006: “Obras inéditas de la colección”, Fundación Museos Nacionales en el Museo Carlos Cruz-Diez, Museo de la Estampa y del Diseño Carlos Cruz-Diez, Caracas, Venezuela.
- 2005: “Jump Cuts – Venezuelan Contemporary Art”, Colección Mercantil, The Americas Society Art Gallery, New York, NY, USA.
Collections
- Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.
- Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.
- Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
- Museo de Arte Moderno, Santafé de Bogotá, Colombia.
- Museo Jacobo Borges, Caracas, Venezuela.
- Sigfredo Chacón, “Pinturaparadaltónicos, Green”, 2011, Series: Pinturaparadaltónicos, Acrylic on canvas, 60x60cm. Private Collection. Photo credit: Constanza González
- Sigfredo Chacón, “Crucigramaconmoscas”, 1995, Series: Purapinturaabstracta, Acrylic and synthetic flies on canvas, 169x169cm. Private Collection. Photo credit: Constanza González
- Sigfredo Chacón, “Do You Copy?”, 2010, Series: Do You Copy?, Acrylic on canvas, 1232x132cm. Private Collection. Photo credit: Constanza González
- Sigfredo Chacón, “Pintura Dalmata”, 2009, Series: Purapinturaabstracta, Acrylic on canvas, 132x132cm. Private Collection. Photo credit: Constanza González
- Sigfredo Chacón, “Emotionalpainting”, 2008, Series: Emotionalpainting, Acrylic collage on canvas, 420x60cm. Private Collection. Photo credit: Constanza González
- Sigfredo Chacón, “Dibujoparadaltonicos”, 2012, Series: Pinturaparadaltonicos, Acrylic on paper, 76x57cm. Location: KaBe Contemporary Art, Miami. Photo credit: Constanza González
- Sigfredo Chacón, “Rejilla amarillo tráfico”, 1993, Series: Purapinturaabstracta, Acrylic on synthetic material and wood, 170x140cm. Private Collection. Photo credit: Renato Doncelli
- Sigfredo Chacón, “Do You Copy?”, 2009, Series: Do You Copy?, Acrylic on canvas, 132x132cm. Private Collection. Photo credit: Carlos German Rojas
- Sigfredo Chacón, “Drippings”, 2007, Series: Purapnturaabstracta, Acrylic on canvas, 122x13cm each one. Private Collection. Photo credit: Constanza González
- Sigfredo Chacón, “Pura pintura abstracta con 11 franjas y drippings”, 1999, Series: Purapinturaabstracta, Acrylic on canvas, 169x169cm. Private Collection. Photo credit: Carlos German Rojas
- Sigfredo Chacón, “Purapinturaabstracta #22”, 1995, Series: Pura pintura abstracta, Acrylic on canvas, 169x169cm. Private Collection. Photo credit: Carlos German Rojas
- Sigfredo Chacón, “Dibujo de pintura #22”, 1998, Series: Purapinturaabstracta, Lithographic ink frottage on canvas, 169x169cm. Private Collection. Photo credit: Carlos German Rojas
- Sigfredo Chacón, “Pinturaparadaltonicos”, 2011, Series: Pinturaparadaltonicos, Acrylic on canvas, 60x60cm. Private Collection. Photo credit: Constanza González
- Sigfredo Chacón, “Do You Copy?”, 2010, Series: Do You Copy?, Acrylic collage on canvas, 300x60cm. Private Collection. Photo credit: Constanza González
Dialectic of forms.
Rational. Irrational
Time denial, space alteration.
Dreams and memories of black holes.
Intangible space.
The work of art is adrift, seeking, roaming, erring and not even reaching a final meeting. The end itself is a random ride. Changing the coordinates, mutating, exploring, destroying, beginning a-new, changing the starting point. Changing the axis. It is no for everything to be indifferent, it is for new possibilities to arise. New states, new alterations, new us, strengths, us.
Singularity that evolves into plurality.
Shape of life without shape, no thirst for shape, no thirst for truth, no thirst for judging or being judged.
To become invisible in order to be.
Let it happen and live with the outcome. A game between tension and liberation.
Work as space of struggle, space of permanent revolution, going beyond things because it is knowledge, it is avant-garde and therefore is a void.
Within the twilight of the form the tension of the shapeless is hidden.
Totality has been lost.
Dialéctica de la forma.
Racionalidad. Irracionalidad.
Negación del tiempo, alteración del espacio.
Sueños y recuerdos de agujeros negros.
El espacio imperceptible.
La obra es deriva, búsqueda, deambular, errar; no es un encuentro final. El propio final es un andar errante.
Cambiar las coordenadas, mutar, explorar, destruir y comenzar nuevamente, cambiar el punto de partida. Cambiar el eje. No para que todo sea indiferente, simplemente para ver emerger nuevas posibilidades. Otros estados, otras alteraciones, otras fuerzas, otros nosotros, + fuerzas + nosotros.
Singularidad que deviene pluralidad.
Forma de vida sin forma, sin sed de forma, sin sed de verdad, sin sed de juzgar y ser juzgado.
Volverse invisible para Ser.
Dejar que el acto suceda y convivir con lo sucedido. Un juego entre tensión y liberación.
La obra en tanto espacio de lucha, espacio de revolución permanente, un ir al más allá de la cosas porque es conocimiento, es vanguardia y por ende es vacío.
En el ocaso de la forma se esconde la tensión de lo informe.
La totalidad se ha perdido.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Self-taught.
Prizes / Fellowships
- 2006: Beca Nacional en Artes Plásticas del Fondo Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2013: :Untergehen”, Dot Fiftyone Gallery, USA.
- 2011: “Naturaleza Muerta”, Braga Menéndez Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “La posibilidad de un vacío”, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario Trama.
- 2010: Solo Project, Pinta art, Nueva York, USA.
- 2010: “Un silencio aparente”, KBK Arte Contemporaneo, Mexico City, Mexico.
- 2009: “Timeless”, Dot Fiftyone Gallery, Miami, USA.
- 2007: “Estudios para óleo y grabado”, Zavaleta Lab / Arte Contemporáneo, Buenos Aires, Argentina.
- 2004: “Serie”, Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano (MACLA), La Plata, Argentina.
- 2004: “Serie”, Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2010: “Abstraction Revisited”, Chelsea Art Museum, New York, USA.
Publications
- Poéticas contemporaneas, Apuntes y aproximaciones, Itinerario de las artes visuales en Argentina de los 90 al 2010, Fondo Nacional de las Artes.
Collections
- Alan Mitchell, Chicago, USA.
- Alejandra and Alberto Poza, Miami, USA.
- Alejandro Castaño, Bogotá, Colombia.
- Ana Milena de Gaviria, Bogota, Colombia.
- Angel Junquera Sepúlvera, Mexico City.
- Arie Genger, NY, USA.
- Beatriz Savatierra de Giardinella, Miami, USA.
- Brett Robertson, Dallas, TX, USA.
- Cota Cohen, Miami, USA.
- Daniel Oks, Buenos Aires, Argentina.
- Daniel Yankelewitz, San Jose, Costa Rica.
- Familia Dascal, Miami, USA.
- Felipe Greenberg, México City, Mexico.
- Hilda Brillembourg, Washinton, USA.
- Joana Solomon, Miami / Bogotá, Colombia.
- JoAnn Gonzalez-Hickey Collection, NYC, USA.
- John & Heidi Hassenfeld, Nashville, TN, USA.
- Maria Fernanda Campos, Bogota, Colombia.
- Micaella Mila Vacarel, Barcelona Spain.
- Michel Amsellem, Geneve, Swizterland.
- Natalie Barth, New York, USA.
- Rafael y Rosa Kalach, Mexico City, Mexico / Medellin, Colombia.
- Raúl Cervantes, Mexico City, Mexico.
- Royal Caribbean Collection, Miami, USA.
- Sayago & Pardon Collection, California, USA.
- Simona Mishaan, Caracas, Venezuela.
- Susana Gottieb, Miami, USA.
- Tanya Capriles de Brillembourg, Miami, Madrid and Caracas.
- Thomas W. Bark and Phillip Battaglia, NY, USA.
- Veronica Bonta, Buenos Aires, Argentina.
- William Escalera, LA, USA.
- Luis Miguel Mercado – La Paz, Bolivia and Miami, USA.
- Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MARCO), Argentina.
- Museo de Arte Contemporáneo Latinoamericano (MACLA). Colección patrimonial. Argentina.
- Museo Provincial de Bellas Artes. Argentina.
- Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina.
Links
- Hernán Cédola, “Untitled Beginning”, 12/10/13, Acrylic on canvas, 245 x 190 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Ante lo invisible”, 2013, Acrylic on canvas, 245 x 190 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “un pasado”, 2012-2013, Acrylic on canvas, 190 x 135 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “No sabemos como llegar ahí”, 2013, Acrylic and oil on canvas, 252 x 190 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Estudio (sueños y lineas rotas)”, 2013, Acrylic and oil on canvas, 220 x 175 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Equilibrio del ocaso”, 2012-2013, Oil on canvas, 190 x 285 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Tech”, 2012, Acrylic, oil and collage on canvas, 190 x 135 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Ingrávido”, 2013, Acrylic and oil on canvas, 190 x 285 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Permanente invisible”, 2013, Acrylic and oil on canvas, 190 x 140 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Sin Título”, 2013, Mixed media on canvas, 40 x 30 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Azules encontrados”, 2012-2013, Oil on canvas, 40 x 30 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Geometria Im – Perfecta”, 2013, Oil on canvas, 60 x 50 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Vestigio”, 2012-2013, Oil on canvas, 190 x 135 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “La batalla de las peras”, 2012-2013, Oil on canvas, 190 x 140 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
- Hernán Cédola, “Flujos”, 2013, Acrylic and oil on canvas, 252 x 190 cm. Photo credit: Dot Fiftyone Gallery and the artist
Translated from Spanish
My work is based in the fusion of two-dimensional and three-dimensional mediums, from traditional painting to site-specific installations, using architecture as a language that allows me to dialogue within different forms of representation.
The Works emerge and are comprised of traditional basics in visual compositions, adjusting to the limits of the utilized support, in this case, the architectural space.
Architecture is transformed not only in a form of rational and constructive processes in the use of matter in a functional manner. In my work, architecture transforms itself in something that goes beyond. Everything in this world, each thing, as simple as it may be, has architecture of its own. To me, the real meaning of architecture is found in its perception, visualization and reception, in terms of a formal-conceptual production of visual elements. Improvisation is a basic principle related to necessities that have to be solved. The most basic and ancient architecture is based on improvisation, to be adjusted to certain functions and aesthetic solutions.
The principle of my sculptural installations has avant-garde aesthetics from the beginning of the 20th century as their main reference, using Russian Constructivism as a model, and integrating thoughts and aesthetics derived from de-constructivism.
The use of pictorial and sculptural elements establishes a dialogic resistance and interaction. On the other hand, it represents a compositional structure that works in relation to elements of tension and suspension, where time and contemplation provoke a state of uncertainty, through the improvisation of forms, used construction elements and materials and arranged in real spaces, as a tactic of domestic, utopic and experimental architecture.
Mi trabajo se basa en la fusión de medios bidimensionales y tridimensionales; de pintura tradicional a instalaciones de sitio específico. Utilizando la arquitectura como un lenguaje que me permite el diálogo entre diferentes formas de representación.
Las obras surgen y se componen de fundamentos tradicionales en composiciones plásticas, ajustándose a los límites del soporte utilizado, en este caso, el espacio arquitectónico.
La arquitectura se convierte no sólo en una forma de procesos racionales y constructivos del uso de masas de una manera funcional. En mi trabajo la arquitectura se convierte en algo que va más allá. Todo en este mundo, cada cosa, por más simple que sea tiene una arquitectura en sí misma, para mí el significado real de la arquitectura se encuentra en su percepcion, visualizacion y recepcion, en términos de una producción formal-conceptual de elementos plasticos.
La improvisación es un principio básico en relación con todas las necesidades que tienen que ser resueltas. La arquitectura en sus formas más básicas y antiguas es en primer termino improvisación para ajustarse a determinadas funciones y soluciones esteticas.
El principio de mis instalaciones escultóricas tiene como referencia principal a estéticas de la vanguardia de principios del siglo XX, teniendo como modelo el Constructivismo ruso principalmente e integrando pensamientos y esteticas derivados del deconstructivismo.
El uso de elementos pictóricos y escultóricos establece, en un sentido, una resistencia y una interacción dialógica. Por otro lado, representa una estructura compositiva que trabaja en relación con elementos de tensión y suspenso, en donde el tiempo y la contemplación provocan un estado de incertidumbre, a través de la improvisación de formas, elementos y materiales constructivos usados y dispuestos en espacios reales como una forma de arquitectura doméstica, utopica y experimental.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2006: Lic. Artes Plasticas ENPEG La Esmeralda. Mexico DF, Mexico.
- 1997: Escuale de Arq. Universidad Anahuac. Mexico DF, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2011-2013: Sistema Nacional de Creadores. FONCA, Mexico.
- 2007: Premio de Adquisicion Pintura.Universidad de Guadalajara UAG. Mexico.
- 2007: Mencion Honorifica. Diesel New Art Estocolmo.
- 2006: Mencion Honorifica. WTC Art Fest 06. Mexico City. Mexico.
- 2006: Premio de Adquisicion Pintura. Auditorio Nacional-UNAM.
- 2004-2005: Mencion Honorifica y beca de Produccion. Mex-Am Foundation.
- 2004-2005: Jovenes Creadores (Pintura). FONCA, Mexico.
Solo Exhibitions
- 2013: “Out of Order”, Salt Fine Art, Laguna Beach, USA.
- 2013: “Supremat”, Yautepec Gallery, Mexico City, Mexico.
- 2013: “Oktubre”, Polyforum Siqueiros, Mexico City, Mexico.
- 2011: “CCC Project Reading the Space”, Space CAN Seoul – CAN Foundation Seoul, South Korea.
- 2011: “Reading the Space / Anibal Catalan”, Space CAN Beijing – CAN Foundation, Beijing, China.
- 2010: “Open Sky”, Drexel Proyectos, Monterrey, Mexico.
- 2009: “Overlap / Anibal Catalan”, La Estacion Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico.
- 2008: “Overland”, Steve Turner Contemporary, Los Angeles, USA.
- 2007: “Free & Mobile”, Gallery 415, San Francisco, USA.
Group Exhibitions
- 2013: “Mesocosmos”, MARCO Museo de Arte Contemporaneo de Monterrey, Monterrey, Mexico.
- 2012: “Meta Empire”, (Special Exhibition Daegu Photo Biennale) EXCO Daegu Exhibition Center, Daegu, Korea.
- 2012: “After the Future”, Eva International Biennial of Visual Art, Limerick City, Ireland.
- 2012: “An Exchange with Sol LeWitt”, MASS MoCA, USA.
- 2010: “Cimbra: Formas Especulativas y Armados Metafísicos”, Museo de Arte Moderno MAM, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Mongolia 360 ̊ 1st International Land Art Biennial”, National Mongolian Modern Art Gallery, Ulan Bator, Mongolia.
- 2008: “Its Not Easy”, Exit Art, New York, USA.
- 2008: “Proyectos para Desconstruccion”, MUCA Roma, Mexico City, Mexico.
- 2008: “XIV National Painting Biennial Rufino Tamayo”, Museo Tamayo Arte Contemporaneo, Mexico City, Mexico.
- 2008: “Qui vive”, I Moscow International Biennale for Young Art. Moscow Museum of Modern Art, Moscow, Russia.
- 2006: “Premio Internacional de Pintura Expandida”, Museo de Castellon, Castellon de la Plana, Spain.
Publications
- 2013: “Mesocosmos.” MARCO Monterrey. Catalogo.
- 2012: “Carga Util 39 Artistas Contemporaneos en el MAM,” Museo de Arte Moderno. Catalogo.
- 2012: “After the Future,” Eva International Biennial of Art, Catalogo.
- 2011: “Reading the Space / Anibal Catalan.” Catalogo ,CAN Foundation, Seoul, South Korea.
- 2012: “The Wave.” Museum of Latin American Art MoLAA. Catalago.
- 2012: “Selections from the Sayago & Pardon Collection.” L.A. ArtCore Center.
- 2012: “Memorias,” MUCA Roma 2006-2009.
- 2012: “Textofilia No 19.” Anuario 2010-2011. Pags.72-81
- 2010: “Art Nexus No. 78.”
- 2010: “Art in America,” September 2008 . No 8. Pags. 175,176
- 2010: “Destellos de la Pintura en Mexico 200 años.” Editorial MVS.
- 2010: “Fonca 20 Años,” Conaculta.
- 2010: “Almost Utopia,” 18th street Annual Program Catalogue. Pages 5-11. Jan 2010
- 2009: “THE Magazine.” Feb-March.2009
- 2009: “Art Scene TM,” March 2009. Vol.28 No.7
- 2009: “M-Art. Emerging Artist Guide,” 2009 vol.2
- 2008: “Art Nexus. No 66.”
- 2008: “Los Angeles Times.” 06/28/2008
- 2007: “L.A Weekly.” 04/26/2007
Collections
- MAM Museo de Arte Moderno, Mexico.
- MARCO Museo de Arte Contempoiraneo de Monterrey, Mexico.
- IGC Instituto Guerrerense de la Cultura, Mexico.
- Friedrich Ebert Stiftung FES, Berlin, Germany.
- CAN Foundation, Seoul, South Korea.
- GLM Comunicaciones, Mexico.
- Private Collections (Mexico, USA, Denmark, Finland, Colombia, Russia, Korea, Canada, Italy, Spain).
- Aníbal Catalán, “Zona Morfologica / Supremat”, 2013, Series: Zona Morfologica, Acrylic on canvas, 120 x 180 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Zona Morfologica / Downtown”, 2011, Series: Zona Morfologica, Acrylic on canvas, 120 x 180 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Zona Morfologica / Supremat 2”, 2011, Series: Zona Morfologica, Acrylic on canvas, 120 x 180 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Zona Morfo”, 2011, Series: Zona Morfologica, Acrylic on canvas, 140 x 140 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Vorticity”, 2013, Installation, Variable dimensions, Coleccion MARCO Monterrey. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Zona Morfologica”, 2010, Installation, Variable dimensions, Coleccion MAM Mexico. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Morphological Zone”, 2012, Installation, Variable dimensions, Yautepec Gallery Mexico. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Babel”, 2011, Mixed media, 185 x 20 x 20 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Barricada Suprematista”, 2012, Mixed media, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist and Yautepec Gallery.
- Aníbal Catalán, “Proun”, 2011, Series: Proun, Installation, Variable dimensions, Yautepec Gallery Mexico. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Overland”, 2008, Mixed media, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Instant Architectures”, 2011, Series: Instant Architectures, Mixed media, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Morpho”, 2011, Mixed media, Variable dimensions, EXPLUM Collection, Spain. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Babel”, 2009, Single channel video 2 mins. 19 sec, Still image from video. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Aníbal Catalán, “Top 10”, Single channel video 9 mins. 29 sec, Still image from video. Photo credit: Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
PPPP (Peruvian Products To Think) is the extensive performance work that I began in 1994 and which resulted in the creation of the alter egos that I have been working with: Alfredo Covarrubias, Arturo Kobayashi, and the alias of El Místico. PPPP is a company in which I objectify myself to disappear as an individual creator, choosing the annonimity of a logo. Since then, I attribute the authorship of the works to each of them, depending on the type of work, its concept and its poetic. I mean, I attribute painting to Kobayashi, the study of materials to the alias El Místico, visual poetry and texts to Covarrubias, and the actions and performances created by Covarrubias that I excecute. In 1998 I also began a project with carpets and textiles, with some Andean weavers. This resulted in the necessity to create a structure for design, and that is how PPPPdesign was originated, in 2001, as a real company in the real world of commerce and work. In regards to this, the critic Jorge Villacorta affirms: “initially, he made of his work the combination of two minds: the one of Alfredo Covarrubias, a poet with conceptual artistic inclinations residing in Rotterdam (his first heteronym, i.e., the name used to cultivate other aspects of his personality) and his own. His signature disappeared, and instead the logo of a company appeared: PPPP. Inside it, without losing his name, Casari would turn into somebody that was not exactly him. With the use of heteronomy, he questioned the obsession of the signature as the seal of the artist and the fetishism centered in the possession of the frame as essential in the relationship of men with art. The works by PPPP were not objects that could be associated to emotional expression or subjectivity. Soon after that, the artist would explore new ways and the new branch of PPPPdesign appeared in his production. In PPPPdesign, two minds, this time in two bodies (the artist and his wife), would fabricate objects of “domestic decoration” (Enciclopedia Temática del Perú, Capítulo 1, Arte y Arquitectura, El Comercio, 2004).
PPPP (Productos Peruanos Para Pensar) es la extensa obra performática que inicié en 1994 y que dio lugar a la creación de los alter ego con los cuales he venido trabajando: Alfredo Covarrubias, Arturo Kobayashi y el alias El Místico. PPPP es una empresa en la cual me despersonalizo para desaparecer como creador individual, optando por el anonimato de un logo. Desde entonces, atribuyo la autoría de las obras a cada uno de ellos, según sea el tipo de trabajo, su conceptualidad y su poética. Es decir, la pintura a Kobayashi, el estudio de los materiales a alias El Místico, la poesía visual y los textos escritos a Covarrubias, así como las acciones y performances creadas por Covarrubias y que yo ejecuto. En 1998 inicié también el proyecto de alfombras y textiles junto con algunos tejedores andinos. Esto originó la necesidad de crear una estructura para el diseño y es así como nace PPPPdesign, en 2001, una empresa real en el mundo real del comercio y del trabajo. Al respecto, el crítico Jorge Villacorta afirma: “Inicialmente, hizo de su obra la conjunción de dos mentes: la de Alfredo Covarrubias, poeta con inclinación artístico conceptual residente en Rotterdam (su primer heterónimo, es decir, nombre con el cual cultivar otros aspectos de su personalidad) y la suya propia. Su firma desaparecía, y aparecía en vez el logo de una empresa: PPPP. Dentro de ella, sin perder su nombre, Casari se convertía en alguien que no era exactamente él. Con la heteronimia, cuestionaba la obsesión con la firma como sello del artista y el fetichismo centrado en la posesión del cuadro como lo esencial en la relación del hombre con el arte. Las obras de PPPP no eran objetos asociables a la expresión emocional o a la subjetividad. Pronto, por eso, el artista exploraría nuevas rutas y en su producción aparecería la rama PPPPdesign, en la cual dos mentes, esta vez sí en dos cuerpos (el artista y su esposa), fabricarían objetos de “decoración domestica” (Enciclopedia Temática del Perú, Capítulo 1, Arte y Arquitectura, El Comercio, 2004).
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1973-1975: Pontificia Universidad Católica del Perú, Estudios Generales de Letras, Lima, Peru.
- 1975-1977: Escuela Nacional de Bellas Artes, Pintura, Lima, Peru.
Solo Exhibitions
- 2013: “Most Beautiful Show”, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2010: “Una muestra sin título pero bien Covarrubias”, Instituto Cultural Peruano Norteamericano, Arequipa, Peru.
- 2008: “Materia-Espacio-Fuerzas Interiores”, ICPNA, Lima, Peru.
- 2008: “EM/08 Project”, Galería 80 m2, Lima, Peru.
- 2006: “La apertura de los ojos. Featuring: Alfredo Covarrubias”, Centro Cultural de San Marcos, Lima, Peru.
Group Exhibitions
- 2012: “30ª Bienal de arte de Sao Paulo”, Brazil.
- 2011: “Italian Pavilion Worldwide”, 54ª Bienal de Venecia, Italy.
- 2010: “Poeticas Plurales: texto, sonido, imagen”, Fundación Telefónica, Lima, Peru.
- 2000: “2ª Bienal International de Design de Saint-Etienne”, France.
- 1998: “Seis artistas peruanos”, Fundación CELARG, Caracas, Venezuela.
Publications
- 2013: Satori, Luis Lama, Revista Caretas, Lima, Peru.
- 2008: Fantasmas y despertadores, Diego Otero, El Comercio, Lima, Peru.
- 2008: Materia, espacio, fuerzas interiores: Casari. Elida Román, El Comercio.
- 2008: Una mirada al itinerario creativo de Alberto Casari, Emilio Tarazona, del catálogo Materia-Espacio-Fuerzas Interiores, Ed. Icpna, Lima, Peru.
- 2006: Páginas sin frases ni palabras que digan una cosa, Alfredo Covarrubias & PPPP, Ediciones del Centro Cultural de la Universidad de San Marcos, Lima, Peru.
Links
- Alberto Casari & PPPP: The Sculpture Project from one to seven / video by Corrado Demofonti (2011)
- Alberto Casari: Fuerzas interiores / documentary by Delia Akerman (2008)
- Alberto Casari, “EM13-01”, 2013, Series: by el Místico, Bee wax and palm wood, 215 x 125 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Alberto Casari, “EM13-03”, 2013, Series: by el Místico, Bee wax, pigment and wood on jute, 218 x 152 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Alberto Casari, “EM13-02”, 2013, Series: by el Místico, Leather and felt, 170 x 150 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Alberto Casari, “EM12-01”, 2012, Series: by el Místico, Paint and holes on waxed cloth, 185 x 140 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Alberto Casari, “EM13-06”, 2013, Series: by el Místico, Wood and paint, 87 x 62 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Alberto Casari, “EM13-04”, 2013, Series: by el Místico, Metal and paint, 120 x 59 x 2 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Alberto Casari, “AC09-Huaca”, 2009, Series: by Alfredo Covarrubias, Cement and metal, 55 x 35 x 7 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Alberto Casari, “EM13-08”, 2013, Series: by el Místico, Wood and paint, 122 x 42 x 8 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Alberto Casari, “EM23-08”, 2008, Series: by el Místico, Paint and wood, 60 x 30 x 17 cm. Photo credit: Jorge Vera Dubois
- Alberto Casari, “Estructura material pensante”, 1998/2007, Series: by el Místico, Acrylic and Cooper sheets, wood on canvas, 240 x 180 cm. Photo credit: Raúl García
- Alberto Casari, “Camino a Chuquishuari”, 2008, Series: by el Místico, Epoxy paing and wood on stainless steel, 200 x 170 cm. Photo credit: Raúl García
- Alberto Casari, “Laberinto”, 1988, Oil and hole on canvas, 170 x 150 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
- Alberto Casari, “Con/Centración”, 1993, Series: by el Místico, Oil, wood frame and fabric stuffed with cotton, 190 x 160 cm. Photo credit: Jorge Vera Dubois
- Alberto Casari, “Abu Said, el Iluminado”, 1999, Series: by el Místico, Fiberglass, river canes, lamp and wood, 195 x 120 cm. Photo credit: Raúl García
- Alberto Casari, “Sin Título (Burro peruano en el Perú)”, 1990, Egg tempera, collage and tar n jute, 180 x 150 cm. Photo credit: Juan Pablo Murrugarra
The inspiration for my recent work lies in Brazilian popular culture: its rituals and colours, and processes of patient making that are often based on repetition. This is a culture where materials become infused with beliefs and desires, ritually suffused with the promise of future realisation. Aware of this permeability between the everyday and the spiritual, between concrete matter and intangible memories and wishes, I employ objects as materials that reflect the way desires are ritualized through matter: medical information leaflets and containers, Bonfim wish ribbons and textile fragments become the ground that supports the work, both materially and symbolically. Ingesting medicine and tying knots on Bonfim ribbons are a way of making wishes, and of anxiously awaiting for blessings; fragments of textiles speak of the desire to remember and to be close. In common, these material elements point to the desire of a body that wishes for health, intimacy, love and prosperity; a fragile body that fears mortality.
Influenced by practices of weaving, knotting, tying, cutting, mending, darning, sewing, embroidering and covering, I interweave gestures, rhythms and improvisations based on the repetition of lines and colours. In the Doloridos series, I cover medical leaflets with white gouache, hushing them, and trace horizontal or vertical lines in blue, red, green or yellow. This series is predominantly white, and silent. Ladainhas, on the other hand, is a colourful and vibrant series, in which I use cut paper, Bonfim wish ribbons, textile fragments and colour pencils. It reflects the simple popular geometry of rag rugs and patchwork quilts, but contains voids, around which the lines form grids that resonate as voices in ecstasy or supplication.
These are abstractions where visual perception and bodily pulsation merge. They draw the gaze and invite the viewer to come closer, attracted by what is apparently a rigorous minimalist grid or a rich profusion of colours. As a reward to the attentive and unhurried gaze, the work unveils a surprise – its own materiality and traces of texts from the ribbons and leaflets, now illegible, offer other readings. The work is the white hush that silences words, the interval between voices. It is the colourful voices that cannot be silenced, and intone other words, words that convey belief and desire. The work relates to rituals of cure, purification and protection, and is intended as a materialization of songs of joy and pain.
These works are lamentations and litanies presented as white or colourful geometry.
Traducido del inglés
La inspiración en mi obra más reciente yace en la cultura popular de Brasil: sus rituales, colores y pacientes procesos de elaboración que a menudo se basan en la repetición. Esta es una cultura donde los materiales se funden con las creencias y los anhelos, ritualmente cubiertos con la promesa de realización futura. Al tanto de esta permeabilidad entre lo cotidiano y lo espiritual, entre la materia concreta y las memorias y deseos intangibles, uso objetos como materiales que reflejan la forma en la que los deseos son ritualizados por medio de la materia: folletos y contenedores de información médica, listones de deseos de Bonfim y fragmentos de textiles, se vuelven la base que soporta la obra, de manera material y simbólica. Ingerir medicina y hacer nudos en listones de Bonfim son ambas maneras de tener un deseo y de esperar ansiosamente por bendiciones. Piezas de textiles hablan del deseo de recordar y permanecer cercano. En común, estos elementos materiales apuntan al deseo de un cuerpo que anhela salud, intimidad, amor y prosperidad; un cuerpo frágil que teme a la mortalidad.
Influido por prácticas de tejido, anudado, amarrado, cortado, reparado, zurcido, costura, bordado y recubrimiento, entrelazo gestos, ritmos e improvisaciones basadas en la repetición de líneas y colores. En la serie Doloridos, cubro folletos médicos con gouache, silenciándolos y trazando líneas horizontales o verticales en azul, rojo, verde o amarillo. Esta serie es predominantemente blanca y silenciosa. Ladainhas, por otro lado, es una serie colorida y vibrante, en la que uso papel cortado, listones de deseos de Bonfim, fragmentos de textil y lápices de colores. La serie refleja la simple geometría popular de tapetes de trapo y colchas de retazos, pero contiene vacíos alrededor de los cuales las líneas forman retículas que resuenan como voces en éxtasis o suplicio.
Estas son abstracciones donde la percepción visual y la pulsación corporal se unen. Atraen la mirada e invitan al espectador a acercarse, intrigado por lo que aparenta ser una rigurosa cuadrícula minimalista o una rica abundancia de colores. Como recompensa a la mirada atenta y parsimoniosa, la obra revela una sorpresa: su propia materialidad y huellas de textos de los listones y folletos, ahora legibles, producen otras lecturas. La obra es el blanco silencio que calla las palabras, el intervalo entre voces. Son las voces coloridas que no pueden ser silenciadas y entonan otras palabras; palabras que transmiten creencia y deseo. La obra se relaciona con rituales de sanación, purificación y protección y es concebida como una materialización de canciones de alegría y dolor.
Estas obras son lamentos y letanías presentadas como geometría blanca o de colores.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1996-2001: Bachelor Degree, Gerrit Rietveld Academie, Amsterdam, The Netherlands.
Prizes / Fellowships
- 2002: StartsStipendia – Fonds BKVB-Amsterdam, The Netherlands.
- 2004: BasisStipendia – Fonds BKVB-Amsterdam, The Netherlands.
- 2006: WerkSubsidie – Fonds BKVB-Amsterdam, The Netherlands.
Solo Exhibitions
- 2012: “Pharmacia Deluxe”, Galeria Amparo 60, Recife, Brazil.
- 2010: “Doloridos-Coloridos”, Galeria PILAR, São Paulo, Brazil.
- 2010: “Abstractions to Die For”, Galeria da FAV, Goiânia, Brazil.
- 2009: “Unveil”, TETO Projects, Amsterdam, The Netherlands.
- 2008: “Caio, Felix, Perforations and Cuts”, Galeria VERMELHO, São Paulo, Brazil.
- 2007: Galerie Hein Elferink, Staphorst, The Netherlands.
- 2006: “B.L.U.E”, BalinHouseProjects, London, United Kingdom.
- 2005: Galerie van der Mieden, Antwerpen, Belgium.
- 2003: “White Shirts”, HUISRECHTS, Amsterdam, The Netherlands.
- 2000: “Objeto desejado (e para sempre) ausente – Drawings”, Museu de Arte Contemporânea-MAC Goiânia, Brazil.
Group Exhibitions
- 2012: “Beyond the Body”, WELKUNSTZIMMER Dusseldorf, Germany.
- 2011: “EMBRACED”, GustavsBergs Konsthall, Sweden.
- 2009: “Paper Under the Knife”, Museum of Arts and Design-MAD New York, USA.
- 2008: “SOFT-Autonomous Textiles”, Lands Museum, Linz, Austria.
- 2007: “Hard Candies”, MOTIVE Gallery, Amsterdam, The Netherlands.
- 2007: “2MOVE: Double Movement”, Sala Verónicas/Centro Párraga, Murcia, Spain.
- 2006: “G.E.B.O.R.D.U.U.R.D.”, Textil Museum Tilburg, The Netherlands.
- 2005: “Bock mit Inhalt“, Stedelijk Museum CS, Amsterdam, The Netherlands.
- 2004: “LOSS”,Célio Braga, Iris Einchenber, Suska Macket- Stedelijk Museum Bureau Amsterdam-SMBA, Amsterdam, The Netherlands.
- 2003: “B.L.U.R.”, Stedelijk Museum, Amsterdam, The Netherlands.
- 2002: “Hair Stories”, Adam Baumgold Gallery, New York, USA.
- 2002: “DISPLAY”, Stedelijk Museum, Amsterdam, The Netherlands.
Publications
- Drawing Now (Galerie Hein Elferink, 2011).
- Manifesta Journal – Journal of Contemporary Curatorship- Nr 7 2009/2010 (Mieke Bal).
- Cutting Edges-Contemporary Collage (Gestalten – Berlin) 2011.
- Jenseits Beyond the Body (Weltkunst Zimmer, Dusseldorf – 2009).
- Slash-Paper Under the Knife (Museum of Arts and Design-MAD NY, 2009).
- Exit32 – Estéticas Migratorias – Mieke Bal (Madrid, 2008).
- Célio Braga ‘Deliriously’, Ernst van Alphen, Sharing a common Skin (Staphorst, 2006).
- G.E.B.O.R.D.U.U.R.D (2006 ISBN 90 70680 750) Louise Schouwenberg ‘LOSS’ Braga/Eichenberg/Mackert, ISBN 90-809189-1-1, 2004.
- Stedelijk Museum Bulletim (Nr.06 2004) Loss (Marjan Boot).
- DISPLAY – A proposal for Municipal Art Acquisitions 2000/2001 – Stedelijk Museum Amsterdam.
- Felt/Filz- Arnoldsche Art Publishers, 2000 (peter Schmitt).
Collections
- Textile Museum Tilburg, The Netherlands MAC Goiás.
- Goiânia, Brazil.
- CODA Musem Apeldoorn, The Netherlands.
- Colecão da FAV-UFG-Go, Goiânia, Brazil.
- Marzee Collection, Nijmegen, The Netherlands.
- Fundação Jaime Camâra, Goiânia, Brazil.
- Rotasa Trust Collection, USA.
- Armando Andrade Collection, Peru.
- Chantal van Erven Dorens Collection, Amsterdam/London.
- Collectie Pieter en Marieke Sanders, Aerdenhout, The Netherlands.
- Collectie Sepp Bader, The Netherlands.
- Stedelijk Musem Amsterdam, The Netherlands.
Links
- ‘Slash: Paper Under the Knife’ overview with Chief Curator David McFadden
- ‘Full Blown’, 2004
- SMBA Amsterdam Stedelijk Museum
- Célio Braga, ‘Purple’ (Doloridos), 2011, Fragments of textiles, photography and gouache on medicine leaflets, 125 cm x 125 cm. Image courtesy of Galeria Pilar, São Paulo, Brazil
- Célio Braga, ‘Yellow’ (Doloridos), 2011, Fragments of textiles, photography and gouache on medicine leaflets, 125 cm x 125 cm. Image courtesy of Galeria Pilar, São Paulo, Brazil
- Célio Braga, ‘Vermelho’ (Doloridos), 2010/2011, Fragments of textiles, photography and gouache on medicine leaflets, 125 cm x 125 cm. Private Collection
- Célio Braga, ‘Blue’ (Coloridos), 2010, Wishing ribbons, fragments of textiles and oil on canvas, 100 cm x 100 cm. Image courtesy of Galeria Amparo 60, Recife, Brazil.
- Célio Braga, ‘Grey’ (Coloridos), 2011, Wishing ribbons, fragments of textiles, fragments of photography and oil on canvas, 100 cm x 100 cm. Image courtesy of Galeria Pilar, São Paulo, Brazil
- Célio Braga, ‘Black’ (Coloridos), 2011, Wishing ribbons, fragments of textiles, fragments of photography and oil on canvas, 100 cm x 100 cm. Image courtesy of Elisio Yamada Collection.
- Célio Braga, ‘Untitled’ (Litanies), 2010, Cuts and color pencil on paper, 70 cm x 65 cm. Image courtesy of Galeria Amparo 60, Recife Brazil.
- Célio Braga, ‘Blue’ (Litanies), Blue paper, fragments of textiles, fragments of photography and wishing ribbons on medicine leaflets, 50 cm x 65 cm (irregular). Image courtesy of Galeria Pilar, São Paulo, Brazi
- Célio Braga, ‘Green’ (Litanies), 2012, Color pencil and oil color on cut paper, 120 cm x 120 cm. Image courtesy of the artist.
- Célio Braga, ‘Untitled’ (Litanies), 2011, Wishing ribbons, color pencil and oil color on cut paper, 125 cm x 125 cm. Image courtesy of Galeria Amparo 60, Recife, Brasil
- Célio Braga, ‘Untitled’ (Litanies), 2011, Fragments of textiles and color pencil on paper, 120 cm x 120 cm. Image courtesy of Galeria Amparo 60, Recife, Brasil
- Célio Braga, ‘Untitled’ (Litanies), 2012/2013, Color pencil on paper, 150 cm x 125 cm. Image courtesy of the artist
- Célio Braga, ‘Untitled’ (Litanies), 2012, Color pencil and oil color on paper, 150 cm x 125 cm. Image courtesy of the artist.
- Célio Braga,’Untitled’ (Litanies), 2012, Color pencil on paper, 150 cm x 125 cm. Image courtesy of the artist
- Célio Braga, ‘Untitled’ (Litanies), 2013, Wishing ribbons, fragments of textiles, fragments of photography and color pencil on cut paper, 150 cm x 125 cm. Image courtesy of Galeria Pilar, São Paulo, Brazil.
Translated from Spanish
I work within the framework of geometric abstraction traditions, in correlation with the contemporary world. I research the net of relationships established between painting and spatial context, so that the installation becomes part of the work and each project becomes inseparable from the specific space in which is inserted. On one hand, I resort to working in series, which prevents that the gaze converges to a fixed point in front of the multiplicity of canvases. On the other hand, I work systematically with lines, which produce a continuity effect and expand the pictorial surface.
Trabajo en el marco de la tradición de la abstracción geométrica, en resonancia con el mundo contemporáneo. Investigo la red de relaciones que se establece entre la pintura y el contexto espacial, de modo que el montaje se vuelve una parte de la obra y cada proyecto se vuelve inseparable del espacio específico en que se inserta. Por un lado, recurro a las series, que impiden que la mirada converja hacia un punto fijo frente a la multiplicidad de bastidores. Por otra parte, trabajo sistemáticamente con líneas, que producen ante la mirada un efecto de continuidad y una expansión de la superficie pictórica.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2006-2007: Instituto Universitario Nacional de Arte, Licenciada en Artes Visuales, Buenos Aires, Argentina.
- 1977-1981: Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, Profesora Nacional de Pintura, Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2014: 2° Premio en 9° Concurso Nacional UADE de Pintura, UADE, Buenos Aires, Argentina.
- 2014: 2° Premio en 3°Bienal de Artes visuales Areatec, Areatec, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: 4º Premio Estímulo “Asociación amigos del museo”, 3ª Bienal Nacional de Pintura de Rafaela, Provincia de Santa Fe, Argentina.
- 2007: Residencia de artista, Château Blacons, Mirabel et Blacons, France.
- 2007: Mención especial, 2ª Bienal de Pintura de Rafaela, Provincia de Santa Fe, Argentina.
- 2005: Residencia de artista, Sitio Gingko, Troyes, France.
Solo Exhibitions
- 2014: “Geometría extendida“, RO Galería de Arte, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Quieto vaivén”, Alianza Francesa de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
- 2008: “Geometría orgánica”, Galería 1/1 caja de arte, with Daniel van de Velde (1964, France), Buenos Aires, Argentina.
- 2007: Exposición en colaboración con Daniel van de Velde como culminación de residencia de artista, Galería L’arbre de vie, Mirabel et Blacons, France.
- 2006: “Visiblement”, exposición en colaboración barreda/devande, Galería Le Garage, Lorgues, France.
- 2005: Exposición como culminación de residencia de artista, Galería Eric Dumont, Troyes, France.
Group Exhibitions
- 2014: “LIX Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano”, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
- 2014: “103° Salón Nacional de Artes visuales, Pintura”, Palacio Nacional de las Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “XVII Premio Federico Jorge Klemm a las Artes Visuales”, Fundación Federico Jorge Klemm, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “LVIII Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano”, Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Geometría al límite“, Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Geometría: desvíos y desmesuras”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “8° Concurso Nacional UADE de Pintura”, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: Feria de arte Eggo, stand Galería RO, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “LVII Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano”, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Bienal de Artes Visuales Areatec”, Buenos Aires, Argentina.
Collections
- Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
- Sayago & Pardon, CA, USA.
- Areatec, Buenos Aires, Argentina.
- Private collections in France and Argentina.
Links
- Alejandra Barreda, “Doble versión n° 1”, 2014, Series: Doble versión, díptico; Acrylic, oil, and graphite on canvas, 140 x 140 cm. Photo credit: Daniel Kiblisky.
- Alejandra Barreda, “Doble versión n°2”, 2014, Series: Doble versión, díptico; Acrylic, oil, and graphite on canvas, 170 x 150 cm. Photo credit: Daniel Kiblisky.
- Alejandra Barreda, “Reverso III”, 2013, Series: Reverso, Acrylic, oil, and graphite on canvas, 150 x 150 cm. Particular. Photo credit: Martín Potente.
- Alejandra Barreda, “Descentrar”, 2015, Acrylic, oil, and graphite on canvas, 150 x 150 cm. Photo credit: Martín Potente.
- Alejandra Barreda, “Dieciseis”, 2014; Acrylic, oil, and graphite on canvas, 20 x 20 cm each. Site-specific project. Location: RO Galería de arte, Buenos Aires, Argentina. Photo credit: Daniel Kiblisky.
- Alejandra Barreda, “Al margen”, 2014, Series: Al margen, políptico; Acrylic, oil, and graphite on canvas, Variable dimensions. Site-specific project. Location: RO Galería de arte, Buenos Aires, Argentina. Private collection. Photo credit: Daniel Kiblisky.
- Alejandra Barreda, “Al margen VIII”, 2014, Series: Al margen, Acrylic, oil, and graphite on canvas, 150 x 50 cm. Photo credit: Alejandra Barreda.
- Alejandra Barreda, “Sin título”, 2007, cuatro piezas; Oil on cut canvas, 30 x 30 cm each. Photo credit: Alejandra Barreda.
- Alejandra Barreda, “Envés / revés VII”, 2013, Series: Envés / revés, díptico; Acrylic, oil, and graphite on canvas, 150 x 170 cm. Photo credit: Daniel Kiblisky.
- Alejandra Barreda, “Intermedio”, 2014, díptico; Acrylic, oil, and graphite on canvas, 80 x 70 cm. Photo credit: Daniel Kiblisky.
- Alejandra Barreda, “64”, 2015, Oil on cut canvas, 50 x 60 cm. Photo credit: Martín Potente.
- Alejandra Barreda, “Envés / revés”, 2012, Series: Envés / revés, díptico; Acrylic, oil, and graphite on canvas, 150 x 170 cm. Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires. Photo credit: Alejandra Barreda.
- Alejandra Barreda, “Fuera de paréntesis II”, 2013, Series: Fuera de paréntesis, políptico; Acrylic, oil, and graphite on canvas, 80 x 200 cm. Photo credit: Daniel Kiblisky.
- Alejandra Barreda, “A dónde van las líneas”, 2009, Series: libro de artista, Stencil, pigments and acrylic medium. Coptic stitching. seven copies, 15 x 20,5 cm (folded). Photo credit: Galería 1/1.
- Alejandra Barreda, “Dos”, 2009, Series: libro de artista, Stencil, pigments and acrylic medium. Seven copies, 10 x 10 x 3 cm (folded). Photo credit: Galería 1/1.
October 4, 2013 Omar Barquet https://abstractioninaction.com/artists/omar-barquet/
Translated from Spanish
I have recently developed an investigation that proposes various relationships among concepts of space, time, landscape, sound, silence, memory, and perception. The idea of variation is understood as the metamorphosis and interaction that occurs within this glossary of concepts, and which merges a series of projects where experimentation with different media and processes function as central axis of my artistic practice, and which allows a sense of dynamics during the process of the work itself.
Based on this outline, I began an interdisciplinary project in 2013, titled Ghost Variations, which states an analogy between the evolutionary phases of a hurricane and the movements of a symphony, giving to each one of its phases a selection of formal elements and collaborative practices for its production.
Recientemente, he desarrollado una investigación que propone diversas relaciones entre los conceptos de espacio, tiempo, paisaje, sonido, silencio, memoria y percepción. La idea de variación es entendida como la metamorfosis e interacción que acontece entre este glosario de conceptos y que integran una serie de proyectos donde la experimentación con diversos medios y procesos funciona como eje de mi práctica artística, los cuales otorgan un sentido dinámico durante el proceso mismo de la obra.
Basado en este esquema, inicié en 2013 un proyecto interdisciplinario titulado Ghost Variations, el cual articula una analogía entre las fases evolutivas de un huracán y los movimientos de una sinfonía, otorgando a cada una de sus fases una selección de elementos formales y estrategias colaborativas para su realización.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, Mexico City, Mexico.
- 2001 – 2006: Licienciatura en Artes Plásticas, Mexico City, Mexico.
Prizes / Fellowships
- 2013: Residencia Artística en CASA TOMADA, Sao Paulo, Brazil.
- 2009: Residencia Artística en CAPACETE, Río de Janerio, Brazil.
- 2009: Beca Arte Actual Bancomer – MACG 2009.
- 2008-09: Beca Jóvenes Creadores 2008 – 09, FONCA.
- 2004-05: Beca Jóvenes Creadores 2004 – 05, FONCA.
- 2003: Segundo lugar, Premio Philips Art Expression, X Edición, Museo de Imagen y Sonido, Sao Paulo, Brazil.
- 2003: Primer lugar, Premio Philips Art Expression, X Edición, Museo de Arte Moderno, Mexico City, Mexico.
- 2002: Mención Honorífica, Un espacio de 35 mm, Televisa, Centro de la Imagen, Mexico City, Mexico.
- 2002-03: Beca Jóvenes Creadores 2002 – 03, FECAQROO.
- 2002-06: Beca Fundación Telmex.
Solo Exhibitions
- 2013: “1st Fugue”, Kunsthalle Sao Paulo, Brazil.
- 2012: “Half Day Closing”, Pinta Art Fair, NYC, USA. (Curator: Jacopo Crivelli)
- 2012: “Ghost Variations 1 (Prelude)”, Galería Arróniz, Mexico City, Mexico. (Curator: Christian Barragán)
- 2011: “Lapses”, Hermés Store, Mexico, DF. (Curator: Tobías Ostrander)
- 2010: “Reverb“, Museo Experimental El Eco, Mexico DF. (Curator: Tobías Ostrander)
- 2010: “Pautas”, Dot Fifty One Gallery, Miami, USA.
- 2008: “Estudio”, Trolebús Galería, Mexico City, Mexico. (Curator: Ariadna Ramonetti)
- 2008: “Suspensión, alineación y balanceo”, Galería Arróniz, Mexico City, Mexico.
- 2007: “Axis”, Laboratorio Dzityá, Yucatan, Mexico.
Group Exhibitions
- 2013: “Emmathomasteca“, Galería Emma Thomas, Sao Paulo, Brazil (Curator: Marta Ramos Yzquierdo)
- 2013: “Materia Sensible“, Gabinete grafico, Museo Carrillo Gil, Mexico City, Mexico. (Curator: Caroline Montenat)
- 2012: “XV Bienal de Pintura Rufino Tamayo“, Museo Tamayo, Mexico D.F. Colectiva Mexico, Galería Baró, Sao Paulo, Brazil.
- 2011: “Re Cover”, Casa del Lago, UNAM, Mexico City, Mexico.
- 2010: Hecho en Casa, Fundación Ex – Molino, Mexico City, Mexico.
- 2010: “Arte Actual, Programa Bancomer MACG”, Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City, Mexico. (Curatoras: Ruth Estévez y Sarah Demeuse)
- 2009: “Trabajo de espacio”, Galería Arróniz, Mexico City, Mexico.
Publications
- 2012: MPBA, Museo del Palacio de Bellas Artes.
- 2011: ABSTRACCION TEMPORAL, Museo Experimental El Eco / UNAM / 2011.
- 2011: MEMORIAS, Casa del Lago / UNAM / 2011 + 2007.
- 2010: PROGRAMA BBVA BANCOMER – MACG.
- 2005-2009: TROLEBUS.
- 2004-2005:MEMORIAS JOVENES CREADORES 2004- 205.
Collections
- Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Mexico.
- La Colección Júmex, Mexico.
- Jorge Pérez Collection, Miami, USA.
- Joahn Hickey Collection, NY, USA.
- Sayago & Pardon Collection, Los Angeles, USA.
Links
- Omar Barquet, “Suspensión”, 2013, Color pencil, marker and collage on MDF hanging structure, 240 x 180 x 20 cm (peso 40 kg). Photo credit: Adrián Villalobos
- Omar Barquet, “Filtros”, 2010, 6 Glazed and carved wood screens, Variable dimensions. Photo credit: Mauro Giaconi
- Omar Barquet, “Division + Day After Day”, 2011, Partially sanded wood floor. Installation with letters made of carved and assembled wood, Variable dimensions. Photo credit: Adrian Villalobos
- Omar Barquet, “Reflection”, 2010, Intervened table, enamel and mirror, 120 x 70 x 150 cm. Galeria DotFiftyOne (Miami). Photo credit: Ramiro Chavez
- Omar Barquet, “Im Freien (Reverse)”, 2012, Series: Out Of Doors, Encyclopedia convers intervened with mixed techniques, audio cassette and record player with sound action and wooden ledge, 200 x 35 cm. Private Collection. Photo credit: Felipe Censi
- Omar Barquet, “Cuadrante 23 (The Nicht’s Music)”, 2012, Series: Cuadrantes, Acrylic on paper over canvas, 33 x 32 cm. Private Collection. Photo credit: Adrian Villalobos
- Omar Barquet, “Day After Day (high version)”, 2012, Series: Day After Day, Installation with brushes and carved wooden canes, 250 x 80 x 80 cm. Galeria Baró, Sao Paulo.
- Omar Barquet, “White noise + A lapse of silence (Diptico para ambos lados de un mismo muro)”, 2012, Encyclopedia convers intervened with mixed techniques, audio cassette and record player with sound action and wooden ledge, 150 x 10 x 40 cm. Photo credit: Felipe Censi
- Omar Barquet, “La Visión (Guillotina)”, 2012, Series: La Visión, Perforated, trimmed and glazed aluminum sheet. Diptych, edition of 5, 52 x 38 cm. Location: Galeria Arroníz. Photo credit: Luis Nava
- Omar Barquet, “Astilla”, 2012, Series: Ghost Variations, Fragments of a carved chair installed on wall, 15 x 30 x 45 cm. Galeria Arroniz. Photo credit: Luis Nava
- Omar Barquet, “La Chanson de la folle au bord de la mer”, 2012, Series: The Shining Paintings, Esmalte sobre puerta recortada, 108 x 74 cm. Galeria Arroníz. Photo credit: Adrian Villalobos
- Omar Barquet, “Darker Days Ahead”, 2013, Series: Horizounds, Transfer, tearing, sanding and enamel on wood, 28 x 42 cm. Sayago & Pardon Collection. Photo credit: Omar Barquet
- Omar Barquet, “Ghost Variations (Orange horizon)”, 2012, Series: Ghost Variations, Digital print, serigraphy and enamel on canvas, 180 x 370 cm (triptych). Photo credit: Adrian Villalobos
- Omar Barquet, “The song of the mad woman on the sea shore (prelude)”, 2013, Series: Ghost Variations, Mural paint, sound sculpture and action in collaboration with Fernando Soberanes y Javier Loyola, Variables. Duration: 12 min. Photo credit: Fabiola Aviña
- Omar Barquet, “Constellations hemispheres”, 2013, Series: Broken records, Vinyl record with intervened symphony through perforations. On-going project, Diameter 32 cm. Photo credit: Habacuque Lima
My practice is centred on an exchange of glances between Peruvian modernity and its internal conflicts, and the romantic observation of ruins. I work with archival images and texts mainly about the modern architecture boom of the 1940s and 1950s in Latin America, especially in Peru. I try to make these images collide with each other; producing a series of new relationships that seek to reveal hidden aspects of the official discourses that loaded each image. I use architecture as a clear example of the promise of a modernity that never fully arrives.
Mi práctica se centra en el intercambio de miradas entre la modernidad peruana y sus conflictos internos, y la observación romántica de las ruinas. Trabajo con imágenes de archivo y textos sobre el auge de la arquitectura moderna de los años 1940 y 1950 en América Latina y especialmente en el Perú. Me interesa hacer chocar estas imágenes entre sí, produciendo nuevas relaciones que traten de revelar aspectos ocultos de los discursos oficiales que cargaba cada imagen. Utilizo a la arquitectura como un ejemplo claro de la promesa de una modernidad que jamás termina de llegar.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2010: Bachiller en Arte con mención en Pintura. Pontificia Universidad Católica del Perú, Facultad de Arte, Lima, Peru.
Prizes / Fellowships
- 2012: III Concurso latinoamericano de pintura ‘Arcos Dorados’, ArteBA, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: XV Concurso de artes visuales ‘Pasaporte Para un Artista’ (tercer puesto), Embajada de Francia en el Perú, Lima, Peru.
- 2009: Premio de la Crítica a la especialidad de pintura’, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Peru.
- 2009: Premio ‘Adolfo Winternitz’ para sexto año de pintura, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Peru.
- 2006: Premio ‘Adolfo Winternitz’ para cuarto año de pintura, Facultad de Arte-PUCP, Lima, Peru.
Solo Exhibitions
- 2013: “Y ver los transatlánticos llegar” La Ene, Buenos Aires, Argentina.
- 2013: “Todo lo sólido” 80M2 Livia Benavides, Lima, Peru.
Group Exhibitions
- 2013: “Parecía inquebrantable”, Galería Municipal de Arte Pancho Fierro, Municipalidad Metropolitana de Lima, Peru.
- 2012: “Solo proyectos”, 80M2 Livia Benavides, Lima, Peru.
- 2012: “Pedagogías”, Galería de la Escuela Superior de Artes Visuales Corriente Alterna, Lima, Peru.
- 2011: “Licencias para narrar“, 80M2 Livia Benavides, Lima, Peru.
- 2011: “El último lustro”, Sala Luis Miro Quesada Garland, Municipalidad de Miraflores, Lima, Peru.
- 2010: “Laboratorio San Martín 625”, Casa en proceso de demolición, Barranco, Lima, Peru.
- 2010: “Mash-up”, Centro Cultural España, Lima, Peru.
- 2010: “5th international student triennial”, Marmara Üniversitesi, Istanbul, Turkey.
Collections
- Colección Phelp de Cisneros, Nueva York / Caracas.
- Colección Sayago & Pardon, Los Angeles, USA.
- Colección Lodevans, London, UK.
- Colección Hochschild, Lima, Peru.
- Colección Arcos Dorados, Buenos Aires, Argentina.
- Iosu Aramburu, “Ser de su tiempo IV”, 2013, Series: Ser de su tiempo, Oil on canvas and neon lamp, 90 x 120 cm.
- Iosu Aramburu, “Ser de su tiempo XV”, 2012, Series: Ser de su tiempo, Oil on canvas and neon lamp, 40 x 60 cm. Lodevans Collection. Photo credit: Per Tomar Kjaervik
- Iosu Aramburu, “Ser de su tiempo III”, 2012, Series: Ser de su tiempo, Oil on canvas and neon lamp, 90 x 120 cm. Phelp de Cisneros Collection, NY, USA. Photo credit: Per Tomas Kjaervik
- Iosu Aramburu, “s/t (IX)”, 2012, Mixed media on canvas, 140 x 200cm. Sayago & Pardon Collection.
- Iosu Aramburu, “Paralelepipismos”, 2013, Series: Paralelepipismos, Acrylic on canvas, 20 x 25 cm each one. Location: Galería 80M2 Livia Benavides, Lima, Perú
- Iosu Aramburu, “Paralelepipismos”, 2013, Series: Paralelepipismos, Acrylic on canvas, 20 x 25 cm each one. Location: Galería 80M2 Livia Benavides, Lima, Perú
- Iosu Aramburu, “Fantasmagoría XLVI”, 2013, Series: Fantasmagorías, Ink on paper, 70 x 50 cm. Private collection, Lima, Perú. Photo credit: Sebastián Abugattas
- Iosu Aramburu, “Fantasmagoría I”, 2012, Series: Fantasmagoría, Ink on paper, 13 x 32 cm. Private collection, Caracas, Venezuela
- Iosu Aramburu, “Kodak Pavilion”, 2011, Series: New York’s World Fair, Mixed media on canvas, mirror, steel structure, postcard, 100 x 120 cm, Private collection, Lima, Perú
- Iosu Aramburu, “Vivir en una casa de cristal (Edificio Ostolaza)”, 2013, Series: Vivir en una casa de cristal, Assembly of glass and mirrors, case, 30 mm slides, Variable dimensions. Location: Galería 80M2 Livia Benavides, Lima, Perú
- Iosu Aramburu, “Maquetas de progreso”, 2011-2012, Assembly of postcards and photos, wood and glass showcases, Variable dimensions. Location: Corriente Alterna, Lima, Perú.
- Iosu Aramburu, “Maquetas de progreso”, 2011-2012, Assembly of postcards and photos, wood and glass showcases, Variable dimensions. Location: Corriente Alterna, Lima, Perú.
- Iosu Aramburu, “El sector central”, 2012, Photocopies and framed photo, Variable dimensions. Location: ArteBA, Buenos Aires
- Iosu Aramburu, “El sector central”, 2012, Photocopies and framed photo, Variable dimensions. Location: ArteBA, Buenos Aires
- Iosu Aramburu, “Relámpago VII”, 2011, Series: Relámpagos, Collage with xylography and photo, 30 x 30 cm. Location: Galería 80M2 Livia Benavides, Lima, Perú.
About the Artist
I see and think of colors as magnets that go through space. When two shapes attract each other they connect together visually. In the same way, the viewer’s perception is impregnated of this quality when looking. We look at what attracts us, to where we feel attracted to. Magnético (Magnetic) is a project that relates color to magnetism, and proposes a parallel reading of both concepts. Its aim is to show magnetic quality as a reality of space, color, and form.
I like to think that what exists in the nature of a color combination could be similar to what happens with the nature of human temper. In this sense, I can imagine colors with name and last name and people of diverse colors. In the same way, I imagine magnetic fields that expand our energy towards that of others whom interact getting closer or moving away from each other. A color is shown; it can be named and thought of through the chromatic predominance present in the configuration of its mixture. The specificity of this proportion, in the form and space which contains it, result in a color being what it is. Its location in a specific environment generates a unique situation. Each color module establishes a relationship determined by the affinity or rejection with others, and by going through this magnetic relationship, they will come out of this experience being different from what they were. It happens with colors, and people as well.
To dialogue with the context is the seed of my system of production, and it situates my experiences in a place of reflection that I combine with my two-dimensional production. Magnético is a methodological system of production comprised by magnets and based in simple geometric forms painted in metallic two-layer enamel colors used for car painting, which display their mode of operation in the specificity of the exhibition or public space, from their inherent qualities, moving forward on the wall and the tridimensional space, and becoming part of the work. This system incorporates aluminum as one of the basic colors of its palette.
—
Pienso y veo los colores como imanes que atraviesan el espacio. Cuando dos formas se atraen, se unen visualmente. Del mismo modo, la percepción del espectador está impregnada de esta cualidad al mirar. Uno mira lo que lo atrae, hacia donde se siente atraído. Magnético es un proyecto que relaciona color con magnetismo, proponiendo una lectura paralela de los dos conceptos. Tiene como objetivo mostrar la cualidad de lo magnético como realidad del espacio, el color y la forma.
Me gusta pensar que lo que hay en la naturaleza de la mezcla de un color podría ser similar a lo que sucede con la naturaleza del temperamento humano. En este sentido podría imaginar colores con nombre y apellido y personas de diversos colores, del mismo modo, imagino campos magnéticos que expanden nuestra energía hacia la de los demás y que interactúan acercándose o alejándose. Un color se muestra, puede ser nombrado y pensado por el predominio cromático presente en la conformación de su mezcla. La especificidad de esta proporción, de la forma que lo contiene y del espacio que le da albergue, hace que ese color sea lo que es. Su ubicación en un entorno determinado genera una situación única. Cada módulo de color establece una relación determinada por la afinidad o rechazo con los demás y atravesados por esa mutua relación magnética, saldrán de esta experiencia siendo otros diferentes a los que eran. Sucede entre los colores, así como sucede entre las personas.
Dialogar con el contexto es germen en mi sistema de trabajo y coloca mis experiencias en un lugar de reflexión, que mezclo con mi producción bidimensional. Magnético es un sistema metodológico de trabajo compuesto por imanes y basado en formas geométricas simples, pintadas con colores metalizados bicapa para autos, que despliegan su dinámica de funcionamiento en el espacio específico de la sala y/o del espacio público, desde sus inherentes cualidades, avanzando sobre el muro y el espacio tridimensional, constituyéndose así en parte de la obra. Este sistema incorpora al aluminio como uno de los colores básicos de su paleta.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Licenciada en Artes Visuales, Instituto Universitario Nacional del Arte, Departamento de Artes Visuales Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, Argentina. Año de egreso 2003.
- Profesora Nacional de Escultura. Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredon. Buenos Aires, Argentina. Año de egreso 1991.
- 2011: Investigadora en Artes Visuales de CONEAU (Comision Nacional de Evaluacion y Acreditacion Universitaria). Categoria III. Buenos Aires, Argentina. Directora de Proyectos de Investigación en Artes Visuales.
- 2008: Fundacion Telefonica. Seleccionada para participar de Interactivos.
- 2008. Arte y Tecnología. Proyectos de arte interactivo. Duración un año. Coordinación: Rodrigo Alonso, Mariano Sardón.
- 2002, 2003 y 2004: Seminarios de Posgrado, Forma y Color I, II, III. Prof. Juan Astica, Instituto Universitario Nacional del Arte. Buenos Aires, Argentina.
- 2004: Libro de Artista. Prof. Juan Carlos Romero, Instituto Universitario Nacional del Arte. Buenos Aires, Argentina.
Prizes / Fellowships
- 2013: Gran Premio de Honor. Escultura. Salon Nacional de Artes Visuales. Secretaria de Cultura, Presidencia de la Nacion. Buenos Aires, Argentina.
- 2012: Primer Premio Salon Nacional de Artes Visuales. Escultura. Secretaria de Cultura de Presidencia de la Nacion. Buenos Aires, Argentina.
- 2011: Segundo Premio Honorable Legislatura de Tucuman, XL Salon Provincial de Pintura de Tucuman. Museo Timoteo Navarro. Tucuman, Argentina.
- 2009: Convocatoria para Participación en eventos internacionales. Secretaría de Politicas Universitarias. Ministerio de Educacion. Instituto Universitario Nacional del Arte. Departamento de Artes Visuales Prilidiano Pueyrredón. Buenos Aires, Argentina. Otorgamiento de beca por un pasaje aéreo a la ciudad de Hamburgo y vuelta a Buenos Aires para la realización del proyecto “Lux et Lumen” en el barco Ms Bleichen.
- 2008: Primer Premio Escultura Salón Manuel Belgrano, Museo Sívori, Gobierno Autónomo de la Ciudad de Buenos Aires. Buenos Aires, Argentina.
- 2005: Fondo de Cultura BA junto al Grupo Periferia. Gobierno Autónomo de la Ciudad de Buenos Aires. Otorgamiento de beca para realización de proyección “Memoria” realizada en muros del Cabildo el 24 de mayo de 2005. Buenos Aires, Argentina.
- 1993: Premio Aldo Paparella. Mención de honor. Fondo Nacional de las Artes. Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2013: “Magnetico”, Curator: Philippe Cyroulnik, Sala C del Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina.
- 2009: “Proyecto Lux et Lumen”, bodega del barco Ms Bleichen, Hafenmuseum, Hamburgo, Germany.
- 2007: “Múltiples magnéticos”, Galería Vasari, Buenos Aires, Argentina.
Group Exhibitions
- 2013: “Geometria: Desvios y desmesuras”, Curator: Danielle Perret, Fundacion Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2012: “Geométicos Hoy. Caminos en Expansión”, Colección MACBA, Muestra itinerante por Uade Art. Museo Caraffa de Cordoba, Centro Cultural del Bicentenario de Santiago del Estero, Museo Nacional de Bellas Artes de Neuquén, Museo Provincial de Bellas Artes de Salta, Argentina.
- 2012: “101 Salon Nacional de Artes Visuales”, Secretaria de Cultura, Presidencia de la Nacion, Buenos Aires, Argentina.
- 2011: “Punto, línea, curva”, Cutador: Philippe Cyroulnik, Centro Cultural Borges Contemporaneo and Galeria Vasari, Buenos Aires, Argentina.
- 2010: “El Espacio en Cuestión”, Fundación Osde, Buenos Aires, Argentina.
- 2009 y 2010: “III y IV Premio Nacional de Pintura Banco Central”, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- 2009 y 2012: “Premio a las Artes Visuales Federico Klemm”, Fundación Federico Klemm, Buenos Aires, Argentina
- 2008: “Kreuzwege, Intervenciones en el espacio público”, Hamburgo, Germany.
- 2007: “Vogelfrei 7”, Wintergarten, Kunstentdeckungen in Privatgärten, Darmstadt, Germany.
- 2005 y 2004: “Estudio Abierto Apostadero Naval”, Estudio Abierto Palacio Barolo, Curator: Ana Maria Battistozzi, Buenos Aires, Argentina.
Publications
- 2013: “El magnetismo y sus metáforas”. Eduardo Villar. Diario Clarin, 28/3/13.
- 2013: “Magnetico”, por Philippe Cyroulnik, marzo de 2013. Catalogo.
- 2013: “Excelentes muestras de Zech y Toto Blake en Recoleta”, Diario Ambito Financiero. 11/3/13.
- 2013: “Geometria: Desvios y desmesuras” Danielle Perret. Catalogo. 2/5/2013.
- 2013: “El arte de calibrar la materia” Daniel Molina. Revista Perfil. 8/6/2013.
- 2012: “Geometricos hoy: Caminos en Expansion” Renata Cervetto. Catalogo de la muestra.
- 2010: “Los artistas y sus obras, en el espacio”. Fabian Lebenglik, Diario Pagina 12. 30/11/2010.
- 2010: “Bajo la lupa”, Bengt Oldenburg. Diario La Nacion, ADN Cultura. 17/12/2010.
- 2010: “Alto nivel de excelencia en espacio-gravitacion-color”, Laura Feinsilber, Diario Ambito Financiero. 26/11/2010.
- 2010: “El espacio de lo contemporáneo”, Mercedes Perez Bergliaffa. Diario Clarin, Revista Ñ . 15-12-2010.
- 2009: “Donde domina la escultura”, artículo escrito por Mercedes Bergliaffa, Diario Clarín, revista Ñ, 28/3/2009.
- 2007: Texto presentación muestra “Múltiples magnéticos” por Ana María Battistozzi Libro “Estudio Abierto. Experiencias de Arte y Cultura Contemporánea en Buenos Aires” Ana María Batistozzi, Marcelo Grosman. 171 páginas. Editorial Gobierno Autónomo de la Ciudad de Buenos Aires. “Abstracción geométrica en la Argentina. Panorama desde 1915 hasta hoy”. Revista Barzón, artículo escrito por Mercedes Casanegra, “La ciudad premia a sus artistas” artículo escrito por Laura Casanovas. La Nación, suplemento Cultura.
Collections
- Secretaria de Cultura Presidencia de la Nacion Argentina.
- Museo de Bellas Artes de Santa Fé, Santa Fe, Argentina.
- Museo Timoteo Navarro de Tucuman, Tucuman, Argentina.
- Museo de Bellas Artes de La Plata, Buenos Aires, Argentina.
- Museo de Arte Contemporaneo de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
- Municipalidad de Vicente López, Buenos Aires, Argentina.
- Private collections in Argentina and Chile.
- Carola Zech, “Magnetico 1962”, 2013, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, 7.80 x 1.80 m. Site-specific project. Location: Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires. Photo credit: Estudio Gimenez-Duhau
- Carola Zech, “Magnetico 1960”, 2013, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, 11 x 1.80 m. Site-specific project: Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires. Photo credit: Estudio Gimenez-Duhau
- Carola Zech, “Magnetico 1994”, 2013, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, 1.80m x 2.40m. Photo credit: Estudio Gimenez-Duhau
- Carola Zech, “Levitante”, 2013, Series: Levitante, Object in magnetic levitation, polyfam, acrylic; 30cm x 20cm x 15cm. Photo credit: Estudio Gimenez-Duhau
- Carola Zech, “Little blue magnetic I”, 2013, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, 0.30m x 0.40m x 0.13m. Photo credit: Estudio Gimenez-Duhau
- Carola Zech, “Magnetico apilado.”, 2013, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, 0.50m x 0.45m x 0.20m. Photo credit: Estudio Gimenez-Duhau
- Carola Zech, “Magnetico azul”, 2013, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, 1.80m x 1.50m x 0.80m. Photo credit: Estudio Gimenez-Duhau
- Carola Zech, “Magnetico 245”, 2013, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, latex, acrylic, 0.80m x 0.80m x 3.60m. 2013. Site- specific project. Location: Fundacion Osde. Photo credit: Estudio Gimenez-Duhau
- Carola Zech, “Magnético 197”, 2012, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, 1.80m x 1.80m. Photo credi: Estudio Lowry Fotografia
- Carola Zech, “Magnético 110”, 2010, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, 1.80m x 1.50m. Photo credit: Estudio Lowry Fotografia Colección Museo de Arte Contemporaneo de Buenos Aires.
- Carola Zech, “Magnetico 107”, 2010, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, 9m x 4m x 1m. 2010, Site -specific project. Location: Fundacion Osde. Image courtesy of the artist
- Carola Zech, “Pequeño magnetico I”, 2010, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint, 0.30m x 0.30m. Photo credit: Estudio Lowry Fotografia. Private Collection
- Carola Zech, “Primer Magnético azul”, 2008, Series: Magnetico, Iron, magnets, bilayer car paint; 1.80m x 0,60m x 0.80m. Photo credit: Estudio Lowry Fotografia. Private collection
- Carola Zech, “Circulo azul”, 2008, Series: Circulos, Iron, magnets, bilayer car iridiscent paint iridiscente, acrylic external layer; 0.70m diameter. Photo credit: Estudio Lowry Fotografia. Private collection
- Carola Zech, “Unidades cromáticas magnéticas”, 2008, Series: Unidades cromaticas, Iron, magnets, bilayer car paint, acrylic external layer, 90 x 90cm. Photo credit: Estudio Lowry Fotografia
- Carola Zech, “Construccion lenta de una curva VI”, 2014, Iron, bilayer car paint, 90 x 20 x 50cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Carola Zech, “Instabile IV”, 2014, Iron, magnets, bilayer and tricoat car paint, 50 x 70 x 10cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Carola Zech, “Instabile V”, 2014, Iron, magnets, bilayer car paint, folded, 100 x 90 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Carola Zech, “Instabile”, 2014, Iron, magnets, bilayer and tricoat car paint, 600 x 180 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Carola Zech, “Levitante II. Sistema magnetico de levitacion”, 2014, Iron, polyester putty, tricoat paint, MDF, 30 x 30 X 10 cm. Photo credit: Courtesy of the artist.