Abstraction in Action Alberto Casari: Verba Volant (Never Write Bullshit) https://abstractioninaction.com/happenings/alberto-casari-verba-volant-never-write-bullshit/

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Artist: Alberto Casari

Verba Volant (Never Write Bullshit)
October 4, 2016 – November 19, 2016
Galeria Pilar 
São Paulo, Brazil

Tú tienes que desaparecer aunque no lo quieras y puedes contar solo contigo. Te dicen consume produce revienta y nadie los para; dicen, golpéate consume y revienta, muere y te dan duro. Pero uno que se alce, uno que se oponga uno que se levante y los mire de frente a los ojos, así de frente y a los ojos, sin cerrarlos ni parpadear y de pronto ruja fuerte como un león y les diga que vió chicos de Camboya trasplantados sobre los cielos de Paris, chicas peruanas en el infierno. Es que tú que crees que vienes a ver arte te has pasado la vida buscando un un un centro de gravedad permanente. No soy como tú me quieres, yo no soy como tú quieres que sea para detener el genocidio infame de especies salvajes, fauna flora humanos por doquier que gimen se golpean mueren resucitan languidecen, caminan impávidos, bailan y gozan sin saber que por ahí vaga la luz azul, azul es la luz y durará durará pero también se desvanecerá si es que no logramos escapar de la alienación cotidiana en los parques, autobuses, tú en tu casa querido amigo que crees que el arte es algo así, algo extraño. Hay gente diferente del otro mundo menos mal omnipresente, que se une y baila, camina con nosotros. Oigo una música y me da la clave, azul la música y me da la clave, tal vez encuentre algo con esta clave y salga de la estrecha vía, de este inmenso túnel. Uno no sabe, la luz puede que sea la clave, la clave improvisada por algún genio. Todos somos genios todos somos artistas todos vivimos buscando una emoción siempre más indefinible y es por eso que el silencio es vital, el grito es vital, la música azul es vital, el río de lana también va a parar al mar y allí llegaremos los dos cuando reventemos a menos que entres mi hermano conmigo al ciclo y comprendas que tú tienes que desaparecer aunque no lo quieras y puedes contar solo contigo. Te dicen consume produce revienta y nadie los para; dicen, golpéate consume y revienta, muere y te dan duro. Pero uno que se alce, uno que se oponga uno que se levante y los mire de frente a los ojos, así de frente y a los ojos, sin cerrarlos ni parpadear y de pronto ruja fuerte como un león y les diga que vio chicos de Camboya trasplantados sobre los cielos de Paris, chicas peruanas en el infierno. Es que tú que crees que vienes a ver arte te has pasado la vida buscando un un un centro de gravedad permanente. No soy como tú me quieres, yo no soy como tú quieres que sea para detener el genocidio infame de especies salvajes, fauna flora humanos por doquier que gimen se golpean mueren resucitan languidecen, caminan impávidos, bailan y gozan sin saber que por ahí vaga la luz azul, azul es la luz y durará durará pero también se desvanecerá si es que no logramos escapar de la alienación cotidiana en los parques, autobuses, tu en tu casa querido amigo que crees que el arte es algo así, algo extraño. Hay gente diferente del otro mundo menos mal omnipresente, que se une y baila, camina con nosotros. Oigo una música y me da la clave, azul la música y me da la clave, tal vez encuentre algo con esta clave y salga de la estrecha vía, de este inmenso túnel. Uno no sabe, la luz puede que sea la clave, la clave improvisada por algún genio. Todos somos genios todos somos artistas todos vivimos buscando una emoción siempre más indefinible y es por eso que el silencio es vital, el grito es vital, la música azul es vital, el río de lana también va a parar al mar y allí llegaremos los dos cuando reventemos a menos que entres mi hermano conmigo al ciclo y comprendas que tú.

October 26, 2016 Dario Escobar: Composições [Compositions] https://abstractioninaction.com/happenings/dario-escobar-composicoes-compositions/

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Artist: Dario Escobar 

Composições [Compositions]
April 6, 2016 – May 7, 2016
Casa Triângulo
São Paulo, Brazil

Dario Escobar’s artistic research develops from sculptural and installation acts started with the appropriation of industrial objects. Throughout a path of over fifteen years, the artist has already worked in dialogue with visual traditions as diverse as the Guatemalan baroque, the skin of broken cars and objects seen as symbols of consumerism. His operation as an artist happens from the selection of those pieces and their reconfiguration through actions like juxtaposition and repetition, fragmentation and cut of materials, and a reflection on how to install them inside the exhibition space.

In “Composition”, continuing this investigation, the artist presents new works in Brazil, which propose multiple possibilities of composition through the appropriation and approximation of dissimilar elements. In the series “Geometric construction” and “Modular construction”, Escobar recodes the tradition of painting the back of trucks in Guatemala, creating new patterns that invite the spectator to open them up and enjoy their distinct configurations. The formal research starting with the two-dimensional is also perceptible in his “Motor oil compositions”, in which also using a non-conventional material the artist explores the possibilities of paper and drawing.

Regarding the three-dimensional, in the series “Still-life” the artist explores ways of presenting objects from the sports industry, like basketballs, still aseptic and distant from its use by the human body. In “Balance” there is a tension of the material as well as of the elements mentioned by the artist: on one hand the metal sheets recall the minimalist sculptures of Carl Andre, on the other hand, sustaining its weight, the glass is present in the famous American glasses commercialized in Sao Paulo since 1940 and already elevated to symbols of Brazilian design.

Besides those works, in dialogue with this sculptural thought that composes through the geometry inherent to ordinary objects, there will be presented new works which will be developed through the meeting between Dario Escobar and the commodities from the popular markets in Sao Paulo. Therefore, these compositions aim to establish other direct conversations with the Brazilian visual culture, in the same way the artist replies everyday to the industrialized objects used in Guatemala.

-Raphael Fonseca

April 22, 2016 Alice Quaresma: Coleções 10 https://abstractioninaction.com/happenings/alice-quaresma-colecoes-10/

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Artists: Matheus Rocha Pitta, Marcos Chaves, Pedro Motta, Marepe, Rosângela Rennó, Rochelle Costi, Alexandre da Cunha, Marcos Vilas Boas, Fernando Lazslo, Alice Quaresma, Laura Belém, Maria Laet, Luiza Baldan, Arnaldo Antunes, Cinthia Marcelle, Vicente de Mello, Maria Nepomuceno, Marcia Xavier, Omar Salomão, Marcius Galan e Douglas Garcia, Jarbas Lopes, Thiago Honório e Cao Guimarães.

Coleções 10
Curated by Nessia Leonzini
November 25, 2015 – January 30, 2016
Galeria Luisa Strina
São Paulo, Brazil

A série Coleções, considerada um projeto pioneiro no universo da fotografia e da arte contemporânea no Brasil, tem como objetivo ampliar o público da fotografia no país e a formação de novos colecionadores. Já participaram de Coleções mais de 100 artistas, consagrados e emergentes, brasileiros e estrangeiros.

Nesta edição fazem parte 23 artistas que trabalham, também, em outros suportes e representam diferentes pontos de vista. Eles utilizam um vocabulário imagético inspirado por objetos e situações do dia a dia ou determinados por uma poética pessoal. O espírito de Coleções é definido pelo envolvimento dos artistas que produzem trabalhos específicos para o projeto e tornam possível a aquisição de obras de arte a um preço acessível.

November 25, 2015 Eduardo Stupia: Cenas de uma Viagem https://abstractioninaction.com/happenings/eduardo-stupia-cenas-de-uma-viagem/

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Artist: Eduardo Stupia

Cenas de uma Viagem
November 9, 2015 – January 16, 2016
Baró Galeria
Sao Paulo, Brazil

A mostra conta com obras criadas em São Paulo, inspiradas no bairro da Barra Funda. As telas pintadas por Stupía, reconhecido por seus desenhos de formas arquitetônicas utópicas, revelam uma percepção do artista, mais do que sobre o deslocamento geográfico. Stupía acredita que toda mudança física e territorial implica em mudanças emocionais, é o que transparece nas obras que compõem a exposição.

“O bairro da Barra Funda impõe suas qualidades a um recém-chegado e um forte temperamento cênico. Nesse sentido, entendo a mostra como um verdadeiro diário de viagem, além de aventuras geográficas, mas sim impressões psíquicas, ressonâncias, metáforas e miragens. Às vezes, olhando para cada uma das telas, individualmente parecem representar aspectos mais narrativos”, comenta Stupía.

Segundo o artista, a inspiração aconteceu naturalmente quando esteve em visita ao galpão da Baró Galeria, ao entrar no grande espaço, observou que havia uma ressonância entre o alcance e geometrias, estruturas arquitetônicas e espaços ao ar livre em torno. “Tudo começou a ser processado e traduzido na forma de linguagem gráfica pura, ou seja, minhas impressões sobre a viagem produziram um fenômeno mais análogo do que mimético”, reforça.

As cores são a influência mais visível na estadia de Eduardo Stupía no bairro, na série há presença, vibração, temperamento e importância, segundo o artista, mais fortes do que em suas obras mais recentes. Suas pinturas narram mais uma vez o estado das coisas, antes mesmo das próprias coisas. Sons, percepções sobre o caos, mistura de características suburbanas com a turbulência do centro, estão em cada detalhe em suas obras.

November 20, 2015 Emilio Chapela: Cavalo de Pau https://abstractioninaction.com/happenings/emilio-chapela-cavalo-de-pau/

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Artist: Emilio Chapela

Cavalo de pau
October 9 – November 21, 2015
Galeria Pilar
Sao Paulo, Brazil

Emilio Chapela apresenta uma seleção de obras que refletem sobre temas relacionados com a instabilidade, a fragmentação e a descontinuidade que tem caracterizado os países da América Latina ao longo de sua história. Através de uma investigação escultórica, o artista demonstra uma América acidentada, discorre sobre temas políticos instáveis e sistemas econômicos falidos; um continente complexo em sua geografia, dependente de petróleo e exaurido pela corrupção. O artista utiliza vassouras, cavalos de brinquedo e outros materiais banais para construir mapas que desenham algumas das mais conflituosas e irregulares fronteiras das Américas. Com tambores de petróleo constrói esculturas que se acomodam precariamente de forma orgânica dentro do espaço da galeria. Segundo o artista “O Petróleo tem sido uma fonte de riqueza e desenvolvimento para os países da América Latina, mas as consequências de sua exploração tem sido fonte de desconstrução política e corrupção”. Finalmente o artista incorpora a exposição uma série de objetos e obras que tocam temas relacionados com a geografia do mundo e do Brasil. A obra de Emilio Chapela tem um estreita relação com o político e o econômico, no entanto, no campo escultórico dialoga (por vezes em sentido contrário) com artistas abstratos como Carl Andre, Ellsworth Kelly , Christo e outros.
November 2, 2015 Marcius Galan: Planta / Corte https://abstractioninaction.com/happenings/marcius-galan-planta-corte/

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Artist: Marcius Galan

Planta / Corte
October 8 – November 14, 2015
Galeria Luisa Strina
Sao Paulo, Brazil

O título da exposição é retirado da denominação das vistas de desenhos de arquitetura, utilizadas para a compreensão geral da área de um projeto.

Em Planta/Corte, Marcius Galan fragmenta elementos como linhas, cantos, e intervalos, em uma escala próxima à escala real, em que a espessura das linhas coincide com a das paredes da galeria.

Exercícios geométricos e de transposição de escalas, além do tráfego entre diferentes disciplinas, são recorrências em seu trabalho. Na Bienal de São Paulo de 2010, o artista apresentou dois trabalhos: Ponto em escala real, apropriando-se de um elemento gráfico do mapa (um ponto) e submetendo-o a uma escala 1:1; eEntre, um conjunto de microscopias que partiam de linhas divisórias em mapas nos quais a noção de precisão se transformava na possibilidade de adentrar em um universo interno às fibras do papel.

O universo da geometria costuma ser encontrado em sua pesquisa. A linha pode ser um simples desenho no papel, assim como também pode se impor como barreira física, impossibilitando a livre movimentação entre territórios, orientando nosso percurso pela cidade, e organizando o espaço doméstico e, diagramando os formulários burocráticos, as filas de banco, etc. Nesse sentido, ao desmembrar essas plantas em pequenos fragmentos, temos uma situação ambígua entre a organização e a desordem.

Translúcido, outra série apresentada na exposição, é formada por sobreposições de retângulos de ferro vazios que estão posicionados contra a parede e projetam um improvável reflexo de vidro e sombra. O trabalho forma um conjunto de janelas, em equilíbrio aparentemente precário, onde a percepção do espaço está outra vez em jogo.

Na última sala será apresentado um conjunto de trabalhos inéditos intitulados A mão suja, em que superfícies impregnadas de grafite são suspensas em uma parede que guarda a marca de sua instalação, formando desenhos que registram os movimentos durante a montagem da sala. Novamente o desenho deixa de lado seu aspecto virtual, de representação, e impregna a sala com os rastros do trabalho ali realizado durante o período de pouco mais de uma semana.

Ao sobrepor sistemas e códigos, apresentando novas formas de leitura e de compreensão do espaço, Marcius Galan explora a funcionalidade dos objetos e dos sistemas de representação, e propõe, consequentemente, um questionamento acerca da ideia de precisão – sobretudo no que se refere à representação de lugar, como a cartografia, a geometria, a arquitetura e o design.

Recentemente, seu trabalho participou de importantes mostras coletivas como Site, Specific, Objects, Galerija Gregor Podnar, Berlim, Alemanha (2015); Now? Now!, Biennial of the Americas, Museum of Contemporary Art Denver, EUA (2015); Empty House/Casa vazia, Luhring Augustine, Nova York, EUA (2015); Spatial Acts: Americas Society Commissions Art, Americas Society, Nova York, EUA (2014);  Cruzamentos: Contemporary Art in Brazil, Wexner Center for the Arts, Columbus, EUA (2014); My Third Country, Frankdael, Amsterdã, Holanda (2013); Blind Field, Krannert Art Museum e Kinkead Pavilion, EUA (2013); Planos de fuga: uma exposição em obras, Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, Brasil (2012); Cisneros Fontanals Art Foundation 2011 Grants Program, Miami, EUA (2011); 8a Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil (2011); 29aBienal de São Paulo, Brasil (2010); Para ser construidos, MUSAC Castilla y León, Espanha (2010); Color into light: Selections from the MFAH Permanent Collection, Museum of Fine Arts Houston, EUA (2008).

Exposições individuais incluem: Diagrama, NC – Arte, Bogotá, Colômbia (2013); Geometric Progression – Marcius Galan Inside the White Cube, White Cube Bermondsey, Londres, Inglaterra (2013).

Seu trabalho é parte das seguintes coleções privadas e institucionais: Museu de Arte Moderna de São Paulo (Brasil), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (Brasil), Pinacoteca do Estado de São Paulo (Brasil), Fundação Serralves (Portugal), Zabludowicz Collection (Inglaterra), Museum of Fine Arts Houston (EUA), Cisneros Fontanals Foundation (EUA), MALBA – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Argentina), Nicolas Cattelain Collection (Inglaterra), CACI – Centro de Arte Contemporânea Inhotim (Brasil), Coleção Instituto Figueiredo Ferraz (Brasil).

Entre os prêmios e residências, destacam-se: residência na Gasworks, Londres (2013); Prêmio PIPA (2012); residência na School of the Art Institute of Chicago (2005); prêmio residência do Instituto Iberê Camargo (2005); residência na Cité des Arts, Paris (2003). hosting information lookup

October 28, 2015 Nuno Ramos: Houyhnhnms https://abstractioninaction.com/happenings/nuno-ramos-houyhnhnms/

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Artist: Nuno Ramos.

Houyhnhnms
August 29 – November 15, 2015
Pinacoteca de Sao Paulo
Sao Paulo, Brazil

São mais de 20 obras entre pinturas, relevos, desenhos e esculturas de grandes proporções produzidas ao longo de nove meses e que agora ocupam o quarto andar da Estação Pinacoteca. Com exceção de Cavaloporpierrô, já montada em 2014 no Instituto Iberê Camargo de Porto Alegre, todos os trabalhos apresentados são inéditos.

As cinco pinturas encontradas na exposição retomam o uso maciço da vaselina como base das cores, procedimento que Nuno Ramos desenvolveu no fim da década de 1980 e abandou no começo da década seguinte. Quatro relevos e sete desenhos completam a mostra. Feitos a partir de chapas e tubos de metal, tecidos, plásticos e tinta a óleo sobre madeira, os relevos apresentam elementos tridimensionais que prolongam ou contrastam os movimentos sugeridos pela pintura. “Os relevos e as vaselinas se complementam. Os desenhos, por sua vez, formam uma série dedicada a Proteu, conhecido na mitologia grega como o deus da metamorfose. Cada um traz carimbado o nome de uma das transformações pelas quais Proteu passou no canto IV da Odisséia”, explica o curador Lorenzo Mammì.

A exposição apresentará ao público ainda esculturas como a CavaloporPierrô e a Casaporarroz, além de réplicas destas obras fundidas em bronze e alumínio e vídeos dirigidos por Nuno Ramos e Eduardo Climachauska. As duas são conhecidas como ‘dádivas’, conceito antropológico usado por Nuno e desenvolvido por Marcel Mauss que fala sobre trocas em sociedade que não visam lucro. “Uma troca maluca, assim como a exposição, que é exatamente um intercâmbio de elementos, sem que haja necessariamente uma equivalência entre eles. Trabalhos que, em diálogo uns com os outros, sugerem o acúmulo de significados”, disse Nuno Ramos.
September 21, 2015 Ricardo Alcaide: One Phenomenon Among Others https://abstractioninaction.com/happenings/ricardo-alcaide-one-phenomenon-among-others/

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Artist: Ricardo Alcaide

One Phenomenon Among Others
July 4 – 25, 2015
Baró Jardins – Baró Gallery
Sao Paulo, Brazil

Com base na experiência e percepção de como a sociedade funciona e lida com os problemas causados pelas condições de vida modernas nas grandes cidades, o trabalho recente de Ricardo Alcaide tem criado diferentes paralelos entre a combinação de princípios da arquitetura modernista com a precariedade que se manifesta na vida cotidiana, revelando o progresso na sociedade como vago, perdendo rapidamente a sua forma.

Em sua terceira exposição na galeria Baró, One Phenomenon Among Others (Um fenômeno entre outros), Ricardo Alcaide apresenta suas mais recentes pinturas realizadas sobre paneis de MDF com tinta industrial. No processo, o artista constrói estruturas temporárias de madeira sobre o suporte para criar limites e divisões que conformam a composição, posteriormente removidas. Trata-se neste caso de uma aproximação fictícia de partes de mobiliário desmanchado que retém a memoria da estrutura já inexistente. Eis aqui um “ato de desconstrução” no processo real que conta como o ponto mais relevante deste trabalho. A recriação abstrata revela esta descontrolada e imprecisa condição e reflete  – novamente – sobre a falência do progresso associado com a estética moderna dentro de seu discurso. O resultado pode ser percebido formalmente como pura abstração com possíveis leituras do neoconcretismo, mas o que reside por trás disso são anedotas e formas simbólicas da dura realidade de hoje e de seu “progresso” subdesenvolvido.

July 6, 2015 Alice Quaresma: Além (Beyond) https://abstractioninaction.com/happenings/alice-quaresma-alem-beyond/

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Artist: Alice Quaresma

Além (Beyond)
Curated by Mario Gioia
Fauna Galeria
São Paulo, Brazil

The current exhibit of Alice Quaresma is one of the most interesting ones, not only for its unstable and migrant character in the photographic process, but also for embodying, in a poetic and unique way, some pungent issues to the contemporary artist. In particular, we can highlight those that lean towards relationships, identity issues, uprooting, sense of permanence and displacement, among other powerful traits within her work.

In the Além (Beyond) exhibit, which represents a new debut for Fauna Gallery, now located in Vila Mariana _ a special locus within São Paulo art circuit _ the artist based in New York and who had much of her art education in London shows a series of photographs in which the boundaries and definitions of this language are consciously stretched, but do not fail to establish themselves within the photographic field. They are certainly expanded, since Quaresma seems to aim for what she refers to as “photo-objects”, while taking advantage of painting, drawing, collage and three-dimensional elements.

“The non-object designation is entirely appropriate to my work. […] There are certain types of artworks that belong to the same family. My work is neither architecture, nor sculpture or painting in the old sense “1, declared Hélio Oiticica (1937-1980) to Vera Martins in 1961. Mentioning the name of Oiticica, a reference in the Brazilian Neoconcretism, comes in handy in Quaresma´s visual and conceptual research for being a paradigm in this blur of boundary of means and pillar of art and languages, expanding the resonance of the national constructive project and, to this date, still influential to new generations of artists here (in Brazil).

It is now relevant to tell a little about Alice Quaresma’s journey. Graduated in painting in London, she began to experiment with photography in college, and then went through a phase of self-portraits and other phases of still life in the studio setting, with equipment and strategies focused on an impeccable technique. Later she got back to painting and, from there, managed to deconstruct her own photographic process using elements of other plastic arts and visual researches, guided by a formal detachment.

It is almost under an aegis of crisis _ seen not in the negative sense, but as a propeller for something new to be experienced and discovered under new prisms _ Quaresma’s journey is being built, and now unfolds in a persistent unease about what is photographic _ in a time of overflown circulation of this mean (photograph), something that brings ubiquity but also increasingly rarefied quality of its specificities _ and how it can be covered by subjectivity and a less tenuous presence.

“I am interested in dealing with time; but overlapping it, not linearly. When you see a blurred picture, it is simply the record of time in one click (only one image)”, she says. “Then the paint and many other materials that I have been using on my photographic images come in. I will always use materials, which I have not yet tested. At the moment, I have been using a lot of paint, oil sticks and colored tape.”

Then a more experimental approach comes in, as advocated by Oiticica and his peers, and that helps Quaresma in building a particular path, in which there were times when Demand, Hofer and Becher were decisive, but they stand just as some of the modules that constitute her work. “These interferences deal with the possibility of bringing casual traits. Hand Gestures bring more intuition and less control. The materiality brings moments of surprise by enriching the texture over the flatness of the photo paper.”

And there is this feeling of being a foreigner, from continuously dealing with the idea of not belonging and with the careful, yet not painful, construction of an affectionate memory, which can have great concreteness links, but also, only in images and records, something evanescent, undone. In this sense, they gain importance in Além artworks, such as: Encontro, Mudanças do Tempo e Vestígios (Encounters, Time Changes and Traces); which the titles reveal much of her indicial temporality in collapse. This is something that was already noticeable in her previous project, such as Raízes (Roots, 2013) _ blurred ocean, vigorous vegetation massifs now portrayed in black and white, once glorious public and private buildings and, at the time of the authorial registration, less solid and robust.

Moving against the almost incessant reproduction quality of the photo medium, Alice Quaresma’s unique creations seem to unveil, therefore, a new territory, to “beyond”. And here they echo in the inescapable collage thought of the Italian Luigi Ghirri (1943-1992): “Many […] have seen or considered these photographs as photomontages; just like I would call them, instead of photodémontage. To a large extent, the reality is increasingly transformed into a colossal photograph, and the photomontage has already happen; it is in the real world” 2.

Mario Gioia, June 2015

  1. OITICICA FILHO, Cesar, COHN, Sergio, VIEIRA, Ingrid (org.). Encontros – Hélio Oiticica. Azougue, Rio de Janeiro, 2009, p. 25.
  2. FABIANI, Francesca, GASPARINI, Laura, SERGIO, Giuliano, NOGUEIRA, Thyago (org.). Luigi Ghirri – Pensar por Imagens. Instituto Moreira Salles, São Paulo, 2013, p. 68
June 18, 2015 Chiara Banfi: As Margens dos Mares https://abstractioninaction.com/happenings/chiara-banfi-margens-dos-mares/

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Artists: Angela Ferreira, Arnaldo Antunes, Catarina Botelho, Chelpa Ferro, Chiara Banfi, Gabriela Albegaria, Guto Lacaz, Kiluanji Kia Henda, Maimuna Adam, Mauro Pinto, O Grivo, and Susana Gaudêncio.

As Margens dos Mares
May 8 – August 2, 2015
Sesc Pinheiros
Sao Paulo, Brazil

Com curadoria de Agnaldo Farias, a mostra reúne doze artistas de Angola, Brasil, Moçambique e Portugal, a fim de apresentar uma parcela da produção contemporânea destes países lusófonos. Os trabalhos apresentam interseções entre as artes visuais e a música, refletem sobre questões como memória, espaço e arquitetura por meio de instalações, fotografias, vídeos e objetos.

Um encontro entre artistas expoentes de Angola, Brasil, Cabo Verde, Guiné-Bissau, Moçambique e Portugal que busca apresentar por meio das artes visuais e da música uma expressão da cultura contemporânea destes países lusófonos: este é o horizonte de “As Margens dos Mares”, projeto que ocorre no Sesc Pinheiros entre 8 de maio e 2 de agosto com curadoria do crítico de arte e professor da FAU-USP Agnaldo Farias e direção musical do guitarrista, compositor e produtor norte-americano Lee Ritenour.

Realizada pelo Sesc e idealizada pela Sociedade Cultural Arte Brasil, a iniciativa reunirá uma exposição com obras de doze artistas que refletem sobre questões como memória, espaço e arquitetura a partir de instalações, fotografias, vídeos e objetos, além de encontros musicais inéditos com a presença de músicos dos países convidados. “A diluição dos contornos rígidos que, um dia, estabeleceram fronteiras entre linguagens artísticas expandiu caminhos para criadores. Imagens, sons, toques, cheiros e gostos hoje se misturam em composições sinestésicas que proporcionam reflexões sobre inquietações contemporâneas – esta profusão de experiências sensíveis constitui a linha mestra d’As Margens dos Mares”, explica o diretor regional do Sesc São Paulo, Danilo Santos de Miranda. “O projeto nasceu de uma música aparentada às jam sessions jazzísticas, nas quais instrumentistas de origens diversas entram em sintonia pela linguagem dos sons, timbres e ritmos”, conta Carmen Ritenour, diretora-fundadora da Sociedade Cultural Arte Brasil. “Suas marcas são a colaboração entre artistas consagrados e a oferta de diversas manifestações criativas ao público”, completa a diretora geral da iniciativa. ARTES VISUAIS.

A exposição, localizada no segundo andar do Sesc Pinheiros, contará com obras de Arnaldo Antunes, Guto Lacaz, Chelpa Ferro, Chiara Banfi e O Grivo (Brasil); Ângela Ferreira, Maimuna Adam e Mauro Pinto (Moçambique); Catarina Botelho, Gabriela Albergaria e Susana Gaudêncio (Portugal) e Kiluanji Kia Henda (Angola). “As instalações predominam e a música, incluindo ruídos, atua como elemento agregador da exposição, atravessando-a de ponta a ponta”, define o curador Agnaldo Farias, cujo trabalho é voltado ao rompimento das barreiras entre linguagens artísticas.

Ações educativas e programação integrada com debates, oficinas, intervenções e exibições de filmes enriquecem o período expositivo, de 8 de maio a 2 de agosto. Para o curador da exposição, Agnaldo Faria a mostra é um diálogo sinestésico. “São 12 trabalhos artísticos de Angola, Brasil, Moçambique e Portugal, que interagem no espaço de ‘As Margens dos Mares’. As instalações predominam, e a música, incluindo ruídos, atua como elemento agregador da exposição, atravessando-a de ponta a ponta”, define o curador que busca por obras que nascem do rompimento das barreiras entre linguagens artísticas. A noção de sinestesia e o estímulo de mais de um sentido norteou as escolhas da curadoria.

May 27, 2015 Marcius Galan: Akakor https://abstractioninaction.com/happenings/marcius-galan-akakor/

Neoarte.net / Soluções fotográficas para o mercado de arte.

Artists: Agnieszka Kurant, David Lamelas, Elena Damiani, Felipe Cohen, Felipe Ehrenberg, Francis Alÿs, Frank & Robbert, Robbert & Frank, João Maria Gusmão + Pedro Paiva, John Smith, Luis Ospina, Marcius Galan, Martin Creed, Nelson Leirner, Pilvi Takala, Raphael Hefti, Stefan Burger, and many more.

Akakor
Curated by Kiki Mazzucchelli and Maria do Carmo M.P. de Pontes
April 9 – May 23, 2015
Baro Galeria
Sao Paulo, Brazil

The exhibition Akakor looks at acts of charlatanism within the artistic realm.

Image: Installation view
May 20, 2015 Ricardo Carioba & Richard Garet: Adrenalina https://abstractioninaction.com/happenings/richard-garet-adrenalina/

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Artists:  Chris Coleman, Donato Sansone, Henrique Roscoe (VJ 1mpar), Hugo Arcier, Lucas Bambozzi, Luiz duVa, Matheus Leston, Mike Pelletier, Rick Silva, Ricardo Carioba, Richard Garet, Ryoichi Kurokawa, Santiago Ortiz, Semiconductor, Susi Sie, Transforma.

Adrenalina -a imagem em movimento no século XXI
Curator: Fernando Velazquez
March 14 – May 5, 2015
RedBull Station
Sao Paulo, Brazil

A adrenalina é um hormônio neurotransmissor que é descarregado no corpo em situações que demandam uma rápida resposta em termos cognitivos, comportamentais e fisiológicos. Ela aguça os sentidos e aumenta a capacidade do cérebro de processar informações, com o objetivo de reestabelecer o equilíbrio entre o ser e o meio.

Esta exposição apresenta um recorte do audiovisual nos dias de hoje, em que vivemos anestesiados pela imagem. Emprestar, no título da mostra, o nome desta substância é um modo de sugerir que ainda podemos ser desafiados e surpreendidos por imagens. 

Os trabalhos apresentados têm em comum a utilização de programação algorítmica e de artifícios generativos, ou seja, se utilizam de sistemas ou regras que permitem o aparecimento de soluções imprevistas. São obras que exploram os recursos narrativos e de linguagem do chamado tempo real, estratégia alternativa à edição convencional de natureza aristotélica.

O interessante neste conjunto de obras está na forma particular de olhar a realidade, as coisas e as pessoas, revelando estruturas e qualidades visíveis e invisíveis a partir de perspectivas que nos solicitam condicionamentos cognitivos específicos, além da abertura ao diálogo com imaginários pouco conhecidos.

Como nos lembra Steve Dietz, todo novo meio penetra as camadas da cultura deixando um legado estrutural de base. O novo meio da fotografia trouxe um outro entendimento da estética da pintura e contribuiu para consolidar culturalmente a conjunção tempo-espaço. O novo meio do vídeo traz uma nova compreensão da estética do cinema, e junto com a TV estabelece o assimilação da ideia de tempo real. O novo meio digital muda o entendimento da arte no sentido que desloca o interesse do comportamento da forma, para a forma dos comportamentos, destacando a potência da interatividade e dos comportamentos em rede. Dos campos eletromagnéticos que nos atravessam em tempo integral (e cujo real efeito sobre o nosso corpo ainda desconhecemos), ao corpo de dados que nos conforma (possível de ser processado e manipulado por algoritmos autônomos), vivemos tempos de reconfigurações sutis da ética, da estética, da política e do território – tópicos sobre os quais propomos refletir a partir deste heterogêneo grupo de obras.

Apoio: SONY

Image: Ricardo Carioba, Abra, 2009, still.
April 8, 2015 Ricardo Carioba https://abstractioninaction.com/artists/ricardo-carioba/

I intent to create using the minimal elements of the visual and sound languages, often disturbing the habits of our sensibility.

Many of my works were developed after laws or concepts from physics and use light to reveal some characteristics of space, present but usually invisible. I always try to explore in different ways the intervals, the emptiness that defines space.

My intention is to disturb our linguistic and sensible habits in order to decondition it and make possible the birth of different forms of thinking and feeling.

My works are created after recognizing a space empty of desire – they act inside of these empty spaces.

 
Traducido del inglés

Intento crear usando elementos mínimos de lenguajes visuales y sonoros, a menudo distorsionando hábitos de nuestra sensibilidad.

Muchas de mis obras fueron desarrolladas a partir de leyes o conceptos de la física y utilizan luz para revelar algunas características sobre el espacio, que están presentes pero usualmente invisibles. Siempre trato de explorar los intervalos, el vacío que define el espacio, de diferentes maneras.

Mi intención es interrumpir nuestros hábitos sensibles o lingüísticos para desacondicionarlos y hacer posible el nacimiento de diferentes formas de sentir y pensar.

Mis obras son creadas a partir del reconocimiento de un espacio libre de deseo. Ellas actúan dentro de estos espacios vacíos.

Selected Biographical Information

Education

  • 1995-2001: M.A. Visual Arts, Fundação Armando Álvares Penteado, São Paulo, Brazil.

Prizes / Fellowships

  • 1999-2000: Fellowship Award – 31° Anual de Arte FAAP, Fundação Armando Alvares Penteado, São Paulo, Brazil.
  • 2007-2008: Visiting Arts – Artist Links Residencies, Arts Council England and British Council, London, England.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

 Publicactions

Collections

September 11, 2014 Sandra Gamarra: What Made us Modern / Crisp Images in a Humid Environment https://abstractioninaction.com/happenings/sandra-gamarra-made-us-modern-crisp-images-humid-environment/

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Artist: Sandra Gamarra

What Made us Modern / Crisp Images in a Humid Environment
March 22 – May 3, 2014
Galería Leme
São Paulo, Brazil

The Madrid-based Peruvian artist, founder of the fictitious and virtual museum LiMac, will present at Galeria Leme What Made us Modern / Crisp Images in a Humid Environment, her fourth solo exhibition in São Paulo.

Given the current promise of modernization in Peru, to be understood as the real presence of the state in the country and therefore as a right to citizenship for each individual, this exhibition reflects on what happened in Peru during the first era of the uncompleted modernity and on what signified its posterior lack of concretization.

“An attempt to make crisp images in a humid environment” is how the sociologist Aníbal Quijano describes the impossibility to do vanguard poetry in Lima, which can also be extrapolated to the field of visual arts. The crisp images to which Quijano speaks of refer to machines, to the industry and to the new ideas that, in a city like Lima, without nearby industries and without technical development, were impossible to create and disseminate. This moist environment not only refers to the real humid climate of Lima but also to the “social humidity” that is the product of the yet ongoing effervescence of an imposed nationalism, the vapors of a slowly cooked multiculturalism and the permanent oxidation of the social processes.

However, as the state had not been capable to concretize its proper modernization, its unfulfilled promise became the breeding ground so that years later terrorists groups began to emerge in the country during the 1980´s and 90´s. This violence was necessary, so that Peruvians began to see themselves as a multicultural and a plural society.

Utilizing the iconic “Homage to the Square” paintings by the artist Joseph Albers as a starting point, images of the terrorist violence of the 80´s in Peru has been included in an almost invisible manner. To reveal themselves, it is necessary to get close to the painting, a contrary movement to what modern paintings proposed. Similarly, the series that is named after the exhibition title, What Made us Moderns, consists of 10 paintings that creates a gradient of grey and have the exact same measurements of the concrete blocks of which the gallery is made of. In such a way, the works surrender themselves to the architecture and, in the artist’s vision, live with it in a fully modern act. If we look at them from far away, this gradient made out of a Kodak scale of grey coexists without friction with the architecture. But in each corner of the paused, measured and clinic monochromes, a set of pictures appear and break this transition. These images tell us about a constant that is of capital and latent permanence.

The videos entitled “Abstractions”, “Natural Landscape” and “Ashes to Ashes” are three reflections on the delicate relation between the pre-Columbian heritage, the rural present and Western culture in the light of the promises of development and modernization.

Sandra Gamarra was born in Lima, Peru, in 1972. She lives and works in Madrid. Her work has been featured in numerous exhibitions, including the shows Setting the Scene, Tate Modern, London, UK (2012); At the Same Time, Bass Museum of Art, Miami, USA (2011); XI Bienal de Cuenca, Cuenca, Ecuador (2011); Fiction and Reality, MMOMA, Moscow, Russia (2011); Arte al Paso, Colleción Contemporanea del  Museo Arte  de Lima, Estação Pinacoteca, São Paulo, Brazil (2011);  29ª Bienal Internacional de São Paulo, Fundação Bienal, São Paulo, Brazil (2010); 53ª Biennale di Venezia, Venice, Italy (2009). Her work is in private and public collections such as MUSAC, León, Spain; MoMA, New York, USA and Tate Modern, London, UK.

March 22, 2014 Rodrigo Sassi https://abstractioninaction.com/artists/rodrigo-sassi/
Translated from Portuguese

My artistic trajectory is characterized by the developing and practice of urban interventions, where I experienced and used the city as support of action, analysis, and inspiration in my work. After this experience, I began a new body of work in which all my research on urban intervention transformed into an aesthetic and conceptual reference for a work developed at my studio, which is currently dedicated to tridimensional work.

My works are made from the repurposing of discarded materials by construction companies, and through the creative use of techniques from construction as well, I recreate forms of reinforced concrete that lose their structural function to create architectural drawings in space, contrasting the rigidity and rawness of their materials to give a false sense of lightness through its curves and turns. Apart from emphasizing contrasts between materiality and flexibility, the work brings forth the marks from past lives of the materials, thus the traces of a city that is in constant motion.

 

Minha trajetória artística é marcada pelo desenvolvimento e prática de intervenções urbanas, onde vivenciei e utilizei da cidade como suporte de atuação, reflexão e inspiração para meus trabalhos. Após esta experiência, iniciei uma nova produção, onde toda minha pesquisa até então realizada sobre intervenção urbana se transformou em referência estética e conceitual para um trabalho desenvolvido em atelier, atualmente dedicado à área tridimensional.

Minhas obras são feitas apartir do reaproveitamento de materiais descartados por construtoras e, através do uso imaginativo de técnicas também provenientes da construção civil, recrio formas de concreto armado que perdem sua usual função estrutural para criar desenhos arquitetônicos no espaço, contrapondo à rigidez e brutalidade de seus materiais a uma falsa sensação de leveza criada por suas curvas e balanços. Além de se caracterizar pelos contrapontos entre sua matéria e a flexibilidade adquirida, o trabalho traz consigo marcas das vidas passadas de seus materiais, consequentemente rastros de uma cidade que se encontra em constante movimento.

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February 19, 2014 Lucia Koch https://abstractioninaction.com/artists/lucia-koch/

The first works I made that I consider founded my practice, were interventions on domestic spaces, but always having the public space in the horizon. That’s why I work mostly on the skin of the buildings, on windows, doors, and skylights that allow air and light – that are the vital substances of places – to circulate and put in contact the interior and exterior. This practice later was extended to institutional spaces and I was always driven to be assimilated by the environment, in mimetic strategies that made me study the architectural elements and the specific contexts I worked on. My works interact with architecture, creating altered states of the places by using filters that operate on the ambient light, affecting also people who visit them, regularly or for the first time. Printing color gradients on translucent materials or perforating surfaces that are later installed on windows or skylights, or even building freestanding walls, I think of the materials I use as devices for communication between inside and outside or two people placed in both sides of them. Mathematical logic was my mother language, as a child participating in experimental pedagogic studies in the early seventies. And this influence appears in my works called Concrete Materials, presented at “Matemática Moderna” exhibition in 2005. They were combinatory exercises with sets of photographs of facade tiles, open to different configurations that presume other people playing and reorganizing them constantly. But later I could see that I was in fact more interested in a reaction to the universalism of Modern Mathematics brought by a new approach to knowledge in the field of Ethnoscience. My works are actually more connected to the practice than the theory of sets. The surfaces where I draw and cut patterns inspired in elements of popular architecture like cobogós and lattices are pieces that I call sets of spontaneous mathematics. Though my understanding of space is more topological than geometrical, more experienced than represented, still geometry plays an important role in my practice: cut out patterns geometrically generated organize the surfaces, and being transparent (in different degrees) they are a sort of matrix to the experience of seeing through them, and also interfere with the light coming through them and projected in the interior, creating a pattern of vibration different than the usual one. The works in the series Matematica Espontânea (Conjunto A, Conjunto Ecletico, Conjunto B, Conjunto Nacional, etc.), reuse patterns found in domestic or public spaces in the cities, inspired in ornamental elements used to provide ventilation and shade. These breeze blocks are called COBOGÓS and have a great importance in modernist architecture in Brazil, and because they were spread beyond the buildings designed by authors – found in every city – through them we can identify the singularity of Brazilian modernity and also the aspect of it that became popular and was assimilated by everybody. The social practices that deal with the cobogós surfaces as communication devices justify its existence and we can recognize also a sort of taste for patterns (it happens with tiles too), for surfaces that are organized with a mathematical logic, therefore an intelligent composition, that is conceived despite of the lack of formal education in that area that is also spread in Brazilian cities. So, it’s an architecture made by non-architects, mathematics made by non-mathematicians, a proof of the creative intelligence of the population, that relate to abstract compositions to make the permeable surface that put in contact inside and outside, private and public. These “screens” are also a kind of filter when you see the other side of the walls, and interfere in the visual perception of the world. Color is also an important thing, initially seen as an attribute of things, again in a very logical way of displaying and classifying, but gradually converted into a key to recreate atmospheres, by altering light with color filters. From the color “sentences” to the gradients where almost all colors are compressed, my works are sort of extracts (according to the dictionary: noun |ˈekˌstrakt| 2 a preparation containing the active ingredient of a substance in concentrated form) of color and light experienced in specific landscapes. In the Degradês, the image is reduced to a color transition printed with pigment on a translucent canvas, to be stretched and attached to an existent architectural structure, and backlit by a natural or artificial light source. The gradients are inserted in the landscape they refer too, in a strategy that would be mimetic if they were not so different in nature of the environment. They are also hard to be explained for the viewer that “bumps” into them since they are images that have no obvious function comparing to the other screens installed in the city: there are no signal, text or advertising. It’s more like something filling a gap that wasn’t evident before. And in some cases it becomes similar to an intervention made with Photoshop, which makes us see (and think of) the world as image again…

 
Traducido del inglés

Las primeras obras que produje, las cuales considero fundaron mi práctica, fueron intervenciones en espacios domésticos, pero siempre teniendo el espacio público en el horizonte. Es por eso  que casi siempre trabajo con la piel de los edificios, sobre ventanas, puertas y claraboyas que permiten entrar aire y luz, las substancias vitales de un lugar, para circular y poner en contacto el interior y el exterior. Esta práctica luego se extendió a los espacios institucionales y siempre procuré que mi obra fuera asimilada por el ambiente, en estrategias de mimetismo que me hicieron estudiar los elementos arquitectónicos y los contextos específicos en los cuales trabajaba. Mis obras interactúan con la arquitectura, creando estados alterados de los lugares al usar filtros que funcionan con la luz ambiental, afectando también a la gente que los vistita, regularmente o por primera vez. Imprimo degradaciones de color sobre materiales translúcidos o perforo superficies que son después montadas sobre ventanas o tragaluces, o hasta en muros independientes de edificios, y pienso en los materiales que utilizo como recursos de comunicación entre adentro y afuera o entre dos personas situadas en ambos lados de ellos. La lógica matemática fue mi lengua madre, como niña participé en estudios de pedagogía experimental a principios de los años setenta. Esta influencia aparece en mis obras tituladas Materiales concretos, presentadas en la exposición Matemática Moderna en 2005. Fueron ejercicios de combinación con agrupaciones de fotografías en azulejos de fachadas, abiertos a configuraciones diferentes que asumen que otra gente jugará con ellos y los reorganizará constantemente. Después me percaté de que estaba más interesada en la reacción al universalismo de la matemática moderna llevado a un nuevo acercamiento al conocimiento en el campo de la etnociencia. Mi trabajo está más ligado a la práctica que a la teoría de conjuntos. Las superficies donde dibujo y corto patrones inspirados en elementos de arquitectura popular como cobogós y celosías, son piezas que llamo agrupaciones de matemáticas espontáneas. A pesar de que mi conocimiento del espacio es más topológico que geométrico, más vivido que representado, la geometría aún juega un papel importante en mi práctica: patrones recortados generados geométricamente, organizan las superficies, y al ser transparentes en diferentes grados, son un tipo de matriz de la experiencia de ver a través de ellos y también interfieren con la luz que sale de ellos y se proyecta al interior, creando un patrón de vibración diferente del común. Las obras en la serie Matemática espontánea (Conjunto A, Conjunto Eclético, Conjunto B, Conjunto Nacional, etc.), reutilizan patrones encontrados en espacios domésticos o espacios públicos en las ciudades, inspirados en elementos ornamentales que se usan para ventilar o dar sombra. Estos bloques son llamados cobogós y son muy importantes dentro de la arquitectura moderna en Brasil, y puesto que fueron distribuidos más allá de los edificios diseñados por autores (presentes en todas las ciudades), por medio de ellos podemos identificar la singularidad de la modernidad brasileña y el aspecto que los hizo populares y ser asimilados por todo el mundo. Las prácticas sociales que consideran las superficies de los cobogós como dispositivos de comunicación justifican su existencia, y podemos reconocer también un tipo de gusto por los patrones (sucede con los azulejos también); por superficies que son organizadas con una lógica matemática, por lo tanto en una composición inteligente, que fue concebida a pesar de la carencia de educación formal en esta área tan diseminada en las ciudades de Brasil. Entonces esta es una arquitectura hecha no por arquitectos, matemáticas por no matemáticos, una prueba de la inteligencia creativa de la población que se relaciona con composiciones abstractas para hacer las superficies permeables que ponen en contacto lo interior con lo exterior, lo privado y lo público, Estas “rejillas” son también una especie de filtro cuando ves los otros lados de los muros e interfieren con la percepción visual del mundo. El color también es un elemento importante, inicialmente visto como un atributo, de nuevo en una manera lógica de desplegar y clasificar, pero gradualmente convertido en una llave para recrear atmósferas, al alterar la luz con filtros de colores. De los “enunciados” de color a los gradientes donde casi todos los colores son comprimidos, mis obras son como extractos (de acuerdo al diccionario: una preparación que contiene el ingrediente activo de una sustancia de forma concentrada) de color y luz percibida en paisajes específicos. En los Degradês, la imagen es reducida a una transición de color impresa con pigmento sobre un lienzo translúcido, que es tensada  y puesta sobre una estructura arquitectónica existente e iluminada por detrás por luz artificial o natural. Los gradientes son insertados en el paisaje al que hacen referencia, como estrategia de mimetización si no fueran tan diferentes del ambiente. También es difícil explicar al espectador que se encuentra con ellos, ya que son imágenes que no tienen obvia función comparados con las otras rejillas de la ciudad: no hay señales, texto o anuncios. Es más como una cosa que llena un vacío que no era antes visible. En algunos casos se vuelve similar a una intervención hecha con Photoshop, lo que nos hace ver (y pensar sobre) el mundo como una imagen de nueva cuenta…

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November 6, 2013 Marcius Galan https://abstractioninaction.com/artists/marcius-galan/

Most part of my work explores the metaphorical capacities of space and our relation to it through his wide- ranging practice which includes installation, sculpture, photography and video. Using abstract geometry to delineate the political and social implications of his chosen environments, deconstructing the codes of objects established through everyday use. Whilst these configurations are always executed with graphic simplicity, the works are in fact complex material experiments that interrogate the functions, limits and frontiers of space and by extension, the socio-political systems which reside therein.

 
Traducido del inglés

La mayor parte de mi obra explora las capacidades metafóricas el espacio y nuestra relación con él mediante la amplia práctica que incluye instalación, escultura, fotografía y video. Utilizando geometría abstracta para delinear las implicaciones sociales y políticas de ambientes elegidos, deconstruyendo los códigos de los objetos establecidos mediante el uso cotidiano. Pese a que estas configuraciones son siempre ejecutadas con gran simplicidad, estas obras son de hecho complejos experimentos materiales que interrogan las funciones, límites y fronteras del espacio, y por ende, los sistemas socio-políticos en los que residen.

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November 6, 2013 Carmela Gross https://abstractioninaction.com/artists/carmela-gross/

[…] Similarly in the project, the initial drawing is mixed with the method of working that will constitute the work. It’s not the abstract condition of the work, just an idea. It contains all the stages, through which the work should pass — technical, specific, real work — all this is noted down in the drawing, just as the stages of the work. At the slaughterhouse, for example, the map of the BURACOS (HOLES) to be made on the ground was the result of an expansion in minor schematic notes, done as a resource of thought, and carried out during a meeting with a group of artists from the Arte/Cidade project. It is this expanded drawing that serves as a guide to place the holes.

 
Traducido del inglés

De manera similar en el proyecto, el dibujo inicial se combina con el método de trabajo que constituirá la obra. No es la condición abstracta de la obra sino sólo una idea. Contiene todas las fases por las que una obra debe pasar: lo técnico, lo específico, la obra real. Todas ellas consideradas en el dibujo, como fases de la obra. En el matadero, por ejemplo, el mapa de los Buracos que se debe hacer sobre el suelo, fue el resultado de la extensión de pequeñas notas esquemáticas, realizadas como recurso de pensamiento y llevadas a cabo durante una reunión con un grupo de artistas del proyecto Arte/Cidade. Es este dibujo expandido lo que sirve como guía para colocar los orificios.

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October 15, 2013 Renata Tassinari https://abstractioninaction.com/artists/renata-tassinari/

Translated from Portuguese

I consider how a painting can inhabit the world and what its place in it is.

An idea that interests me is the limit between what a painting is and what a simple object is. Considering this, I utilize heterogeneous surfaces that are almost incompatible: paint, acrylic laminate and wood.

In the work “MAR E MONTE”, I used four identical rectangles but with contrasting materials and colors. The rectangles unify the painting while the materials introduce stark contrasts.

In “CONGO”, the contrast is subtler, and occurs through the painting method: partially glossy (painted from inside the box of acrylic material) and partially matte (paint painted over the frame, enhancing the work’s edges and limits).

 
Traducido del portugués

Pienso en cómo una pintura puede habitar el mundo y cuál es su lugar en él.

Un punto que me interesa es el límite entre lo qué es una pintura y  lo que un simple objeto es. Para eso empleo una superficie con partes heterogéneas, casi incompatibles: pintura, material acrílico y madera.

La obra “MAR E MONTE” utiliza cuatro rectángulos iguales, pero con materiales y colores contrastantes. Los rectángulos unifican la obra. Los materiales introducen grandes diferencias.

En “CONGO” el contraste es más sutil y se obtiene a través de técnicas de pintura: el brillo (en la pintura hecha dentro de la caja del material acrílico) y el mate (pintura hecha por encima del marco, enfatizando así los límites y fronteras).

 

Penso em como uma quadro pode habitar o mundo, em qual é o seu lugar.

Um ponto  que me interessa é o limite entre o que é um quadro e o que é um simples objeto. Para isso emprego uma superfície com partes heterogêneas, quase incompatíveis: pintura, material acrílico e madeira.

Na obra “MAR E MONTE” utilizei quatro retângulos iguais, mas com materiais e cores são contrastantes. Os retângulos unificam a obra. Os materiais introduzem fortes diferenças.

Em “CONGO”, o contraste é mais sutil e se dá através das tintas da pintura: o brilho (na pintura feita por dentro da caixa com material acrílico) e o fosco, na pintura feita por cima da moldura, realçando assim a bordas e seus limites).

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October 9, 2013 Célio Braga https://abstractioninaction.com/artists/celio-braga/

The inspiration for my recent work lies in Brazilian popular culture: its rituals and colours, and processes of patient making that are often based on repetition. This is a culture where materials become infused with beliefs and desires, ritually suffused with the promise of future realisation. Aware of this permeability between the everyday and the spiritual, between concrete matter and intangible memories and wishes, I employ objects as materials that reflect the way desires are ritualized through matter: medical information leaflets and containers, Bonfim wish ribbons and textile fragments become the ground that supports the work, both materially and symbolically. Ingesting medicine and tying knots on Bonfim ribbons are a way of making wishes, and of anxiously awaiting for blessings; fragments of textiles speak of the desire to remember and to be close. In common, these material elements point to the desire of a body that wishes for health, intimacy, love and prosperity; a fragile body that fears mortality.

Influenced by practices of weaving, knotting, tying, cutting, mending, darning, sewing, embroidering and covering, I interweave gestures, rhythms and improvisations based on the repetition of lines and colours. In the Doloridos series, I cover medical leaflets with white gouache, hushing them, and trace horizontal or vertical lines in blue, red, green or yellow. This series is predominantly white, and silent. Ladainhas, on the other hand, is a colourful and vibrant series, in which I use cut paper, Bonfim wish ribbons, textile fragments and colour pencils. It reflects the simple popular geometry of rag rugs and patchwork quilts, but contains voids, around which the lines form grids that resonate as voices in ecstasy or supplication.

These are abstractions where visual perception and bodily pulsation merge. They draw the gaze and invite the viewer to come closer, attracted by what is apparently a rigorous minimalist grid or a rich profusion of colours. As a reward to the attentive and unhurried gaze, the work unveils a surprise – its own materiality and traces of texts from the ribbons and leaflets, now illegible, offer other readings. The work is the white hush that silences words, the interval between voices. It is the colourful voices that cannot be silenced, and intone other words, words that convey belief and desire. The work relates to rituals of cure, purification and protection, and is intended as a materialization of songs of joy and pain.

These works are lamentations and litanies presented as white or colourful geometry.

 
Traducido del inglés

La inspiración en mi obra más reciente yace en la cultura popular de Brasil: sus rituales, colores y pacientes procesos de elaboración que a menudo se basan en la repetición. Esta es una cultura donde los materiales se funden con las creencias y los anhelos, ritualmente cubiertos con la promesa de realización futura. Al tanto de esta permeabilidad entre lo cotidiano y lo espiritual, entre la materia concreta y las memorias y deseos intangibles, uso objetos como materiales que reflejan la forma en la que los deseos son ritualizados por medio de la materia: folletos y contenedores de información médica, listones de deseos de Bonfim y fragmentos de textiles, se vuelven la base que soporta la obra, de manera material y simbólica. Ingerir medicina y hacer nudos en listones de Bonfim son ambas maneras de tener un deseo y de esperar ansiosamente por bendiciones. Piezas de textiles hablan del deseo de recordar y permanecer cercano. En común, estos elementos materiales apuntan al deseo de un cuerpo que anhela salud, intimidad, amor y prosperidad; un cuerpo frágil que teme a la mortalidad.

Influido por prácticas de tejido, anudado, amarrado, cortado, reparado, zurcido, costura, bordado y recubrimiento, entrelazo gestos, ritmos e improvisaciones basadas en la repetición de líneas y colores. En la serie Doloridos, cubro folletos médicos con gouache, silenciándolos y trazando líneas horizontales o verticales en azul, rojo, verde o amarillo. Esta serie es predominantemente blanca y silenciosa. Ladainhas, por otro lado, es una serie colorida y vibrante, en la que uso papel cortado, listones de deseos de Bonfim, fragmentos de textil y lápices de colores. La serie refleja la simple geometría popular de tapetes de trapo y colchas de retazos, pero contiene vacíos alrededor de los cuales las líneas forman retículas que resuenan como voces en éxtasis o suplicio.

Estas son abstracciones donde la percepción visual y la pulsación corporal se unen. Atraen la mirada e invitan al espectador a acercarse, intrigado por lo que aparenta ser una rigurosa cuadrícula minimalista o una rica abundancia de colores. Como recompensa a la mirada atenta y parsimoniosa, la obra revela una sorpresa: su propia materialidad y huellas de textos de los listones y folletos, ahora legibles, producen otras lecturas. La obra es el blanco silencio que calla las palabras, el intervalo entre voces. Son las voces coloridas que no pueden ser silenciadas y entonan otras palabras; palabras que transmiten creencia y deseo. La obra se relaciona con rituales de sanación, purificación y protección y es concebida como una materialización de canciones de alegría y dolor.

Estas obras son lamentos y letanías presentadas como geometría blanca o de colores.

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October 4, 2013