Artist: Cristina Ghetti
stripe – generators
May 19, 2016 – July 30, 2016
Galería Punto
Valencia, Spain
Artist: Emilia Azcarte
Pinturas de Castas
April 7, 2016 – May 30, 2016
Tiempos Modernos
Madrid, Spain
A medidos del siglo XVIII se desarrolló en la América colonial un fenómeno artístico extraordinario: los pintores locales retrataron los cambios que se estaban produciendo en una sociedad con distintas razas que se mezclaban. La llamada Pintura de Castas fue un fenómeno artístico-cultural que se dio fundamentalmente en el Virreinato de Nueva España (México) a principios del siglo XVIII y que surge a raíz de la necesidad de establecer las bases del mestizaje casi sistemático que se daba en América. Estas pinturas eran utilizadas como una herramienta de explicación sobre las consecuencias de la unión entre razas y el resultado de ésta.
Realizados por pintores locales, los propios nombres de los cuadros son reveladores: “De Español, e Yndia, nace Mestiza”, “Español, y Mestiza producen Castiza”, “De Mulato, y Mestiza, nace, Cuarterón”… Los cuadros, que se realizaban en series de 16 obras, fueron muy populares entre la sociedad ilustrada, pero apenas se conservan como series completas.
A través de la pintura, el color y la abstracción Emilia Azcárate ha querido plasmar una realidad que ya se daba hace trescientos años y reflejar la lucha constante a la que las minorías sociales se han tenido que enfrentar y cómo esa lucha, con el paso del tiempo, ha ido tomando nuevas formas. Antes, sus limitaciones se debían a leyes de segregación racial y hoy en día, después de la abolición de estas, se siguen sufriendo las consecuencias de un orden social que está implícito en el funcionamiento de la sociedad sobre todo en Latinoamérica.
Lo contemporáneo nace de la historia
El desarrollo de la Pintura de Castas coincide en el siglo con un descubrimiento revelador: el establecimiento de los colores primarios (amarillo, azul y rojo) realizado por Isaac Newton en su obra ‘’Opticks’’ publicada en 1702. A partir de esta coincidencia, Emilia Azcárate trabaja con un método casi matemático:
“Aprovechando esta coincidencia significativa asigné a cada una de las principales razas que contribuyeron con el proceso de mestizaje en América uno de los colores primarios. El amarillo a los indígenas, como símbolo de la riqueza; el azul a los africanos como símbolo de la naturaleza; y el rojo a los españoles por la importancia que le daban a la “pureza” de la sangre. A partir de esta disposición combino cada color primario según la raza que le corresponde, utilizando un sistema de porcentaje aproximado. En paralelo, diseñé un alfabeto que se asemeja a los jeroglíficos, escritura cuneiforme o “códex”, donde el texto y la imagen forman una pareja inseparable. En mi alfabeto las letras no tienen limitaciones. En la pintura de castas el texto dice lo que la imagen esconde”.
May 6, 2016 Ximena Garrido-Lecca: Solo show https://abstractioninaction.com/happenings/ximena-garrido-lecca-solo-show/Artist: Ximena Garrido-Lecca
Solo show
November 5 – December 26, 2015
Casado Santapau Gallery
Madrid, Spain
Solo show by Ximena Garrido-Lecca.
November 5, 2015 Andrea Canepa: El público https://abstractioninaction.com/happenings/andrea-canepa-el-publico/
Artists: Belén, Andrea Canepa, Mauro Cerqueira, Miki Leal, Juan López, Maider López, Carlos Maciá, Tobias Rehberger, Fernando Renes y Miguel Ángel Tornero.
El público
Curator: Virginia Torrente
September 18 – October 18, 2015
Centro Federico García Lorca
Granada, Spain
Group show.
October 26, 2015 Iván Amaya https://abstractioninaction.com/artists/ivan-amaya/- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2012, Series: serie Detalle V, Digital photo, 30 x 40 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2012, Series: serie Detalle V, Digital photo, 30 x 40 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2012, Series: serie Detalle V, Digital photo, 30 x 40 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2012, Series: serie Detalle V, Digital photo, 30 x 40 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2012, Series: serie Detalle V, Digital photo, 30 x 40 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2012, Series: serie Detalle V, Digital photo, 30 x 40 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2009, Series: serie Detalle IV, Digital photo, 20 x 25 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2009, Series: serie Detalle IV, Digital photo, 20 x 25 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2009, Series: serie Detalle IV, Digital photo, 20 x 25 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2009, Series: serie Detalle IV, Digital photo, 20 x 25 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2009, Series: serie Detalle IV, Digital photo, 20 x 25 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2009, Series: serie Detalle IV, Digital photo, 20 x 25 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2009, Series: serie Detalle IV, Digital photo, 20 x 25 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2012, Series: serie Detalle V, Digital photo, 30 x 40 cm. Photo credit: Artista.
- Amaya, “Ciudades de Arriba”, 2009, Series: serie Detalle IV, Digital photo, 20 x 25 cm. Photo credit: Artista.
Translated from Spanish
Cities of Above is a personal investigative project that I have been developing since 2002. It addresses the urban esthetic of the city of Caracas, especially the unplanned urbanism of the marginal zones, commonly called “barrios” or “cerros de ranchos.”
The investigation develops through a contemplation of the arts, in which examples of previous artists who have approached the theme of the city with passion—in different places and times—guides an examination of “el rancho” as an aesthetic form.
It consists of demonstrating the plasticity of the materials and how they are used, situated and available for the construction of a house of the barrio. In addition, it speaks of the created object (the house), as a center of interest, which at the same time is approached through an active subject (its creator), who marks its action with an affective charge (love) for the achieved goal (the house).
In the end, we will observe the spacial relations between those who dwell in the house, the family and the multifunctional use that they assign to the inhabited space, where inside and outside meet their needs, and the limits of the habitat change constantly… they reinvent themselves.
For me this investigation is important because it brings to light a unique social aesthetic. It also involves art in a debate and discussion of new aspects of human vision in this century, understanding these aesthetics not only as a problem of judging the values of beauty or fidelity, but also as an ethical dilema. Despite the great differences between the societies of today and those of the past, many of the concepts and perspectives of the old realities persist with resistance.
It questions and confronts referencial patterns of values and aesthetics that appear in the cities of above, with the aim of analyzing the beauty as a totality and not fragmented, as we usually perceive it.
Ciudades de Arriba es un proyecto personal investigativo que vengo desarrollando desde el año 2002, el mismo aborda la estética urbana de la ciudad de Caracas, y en especial el urbanismo no planificado de las zonas marginadas, llamada comúnmente barrios o cerros de ranchos.
La investigación se desarrolla con una mirada contemplativa desde las artes, utilizando para ello antecedentes previos, de artistas que han abordado el tema de la ciudad con pasión, en distintas épocas, lugares y tiempos, para ello se emprende la tarea de indagar “el rancho” como elemento estético.
Consiste en mostrar la plasticidad de los materiales y como los mismos son utilizados, colocados y dispuestos para la construcción de la casa del barrio, además, se habla del objeto creado (la casa), como centro de interés, del mismo modo se abordará al sujeto activo (su creador), el cual le imprime a su acción, una carga afectiva de amor por la meta lograda (la casa).
Por último, veremos la relación espacial que se da entre los que habitan la casa, la familia y el uso multifuncional que le asignan al espacio habitado, donde el adentro y el afuera se adecuan a sus necesidades y los límites del hábitat cambian constantemente… se reinventan.
Para mi es importante esta investigación porque aporta al conocimiento antecedentes de una estética social particular, e introduce el arte al debate y discusión de nuevos elementos sobre la mirada del hombre de este siglo, entendiendo el hecho estético no sólo como un problema de juicios valorativos de belleza o fealdad, sino como un dilema ético, y a pesar de las enormes diferencias entre la sociedad de hoy y las de ayer, persisten con resistencia muchos de los conceptos y perspectivas de las viejas realidades.
Se indaga y confronta los patrones de referencia de los valores y estética que se presentan en las ciudades de arriba, con la finalidad de analizar a la belleza como un todo y no fragmentada como usualmente la percibimos.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2012: Especialización en Gestión Sociocultural, Universidad Simón Bolívar (actualmente culminándolo), Caracas, Venezuela.
- 2008-2009: Diplomado en Fotografía, Centro Nacional de la Fotografía de Venezuela, Caracas, Venezuela.
- 2007-2008: Maestria en filisofia y Ciencias Humanas (suspendida Actualmente), Universidad Central de Venezuela – UCV, Caracas, Venezuela.
- 1999-2006: Licenciado en Artes Plásticas. Mención: Artes Gráficas, Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plásticas Armando Reverón, Caracas, Venezuela.
- 1991-1994: T.S.U. Diseñador de Joyas y Fantasías. Mención: Joyas, Colegio Universitario “Monseñor de Talavera”, Caracas, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- 2002: Programa AGPA. Reconocimiento al Grabado “SIMBIOSIS”, Taller de Artistas Gráficos Asociados TAGA, Caracas, Venezuela.
Solo Exhibitions
- 2012: “Fotografías “Ciudades de arriba“, Galería El Anexo / Arte contemporáneo, Caracas, Venezuela.
- 2005: “Representación Cultural de Venezuela con obras gráficas”, 15º Festival Latinoamericando, Milan, Italy.
- 2005: “Representación Cultural de Venezuela con obras gráficas”, XV Feria Camponaria, Senigallia, Italy.
- 2004: “Representación Cultural de Venezuela con obras gráficas”, 14º Festival Latinoamericando, Milan, Italy.
- 2004: “XIV Feria Camponaria”, Representación Cultural de Venezuela con obras gráficas, Senigallia, Italy.
Group Exhibitions
- 2015: “Obra abierta. Ejes de libertad“, Galería del Centro de Arte El Hatillo, Caracas, Venezuela.
- 2014: “Panorámica. Arte Emergente en Venezuela 2000/2012“, Sala TAC. Trasnocho Cultural, Caracas, Venezuela.
- 2013: “Taller Curatorial Experimental III. “Cronicas desde el Arte“, Los Galpones. Los Chorros, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Color Caribe. Desarrollo de un tema cultural“, Lobby de la sala Margot Benacerraf. UNEARTE, Caracas, Venezuela.
- 2012: “El Quinquenio. El Anexo“, La Caja del Centro Cultural Chacao, Caracas, Venezuela.
- 2012: “5to. Salón de Arte Sacro“, Ateneo de El Hatillo, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Mercado de Coche“, Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Feria Internacional de Arte “FotoFia“, Secadero la Trinidad, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Iconografías de “El Caribe una Mirada Bicentenaria“, Museo Aeronáutico de Maracay, Maracay, Venezuela.
- 2011: “Iconografía de las Venezolanidades“, Fundación Casa del Artista, Caracas, Venezuela.
- 2010: “Iconografía de las Venezolanidades“, IVIC, Caracas, Venezuela.
- 2010: “Convite Caníbal”, Teatro Luis Peraza, Caracas, Venezuela.
- 2010: “Fotografía Emergente“, CELARG, Caracas, Venezuela.
- 2010: “Venezuela y Acciones Locales“, Centro Cultural Chacao, Caracas, Venezuela.
- 2010: “Miradas a Europa“, Centro Cultural Chacao, Caracas, Venezuela.
- 2009: “7mo. Salón de Artes Visuales Dycvensa“, CELARG, Caracas, Venezuela.
- 2009: “Salón Nacional de Arte Aragua. Edición 34“, Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu, Maracay, Venezuela.
- 2007: “X Promoción del IUESAPAR”, Museo Jacobo Borges, Caracas, Venezuela.
- 2007: “Cartas del Barrio“, Museo Jacobo Borges, Caracas, Venezuela.
- 2006: “4to. Salón de Artes Visuales Dycvensa”, CELARG, Caracas, Venezuela.
- 2006: “Certamen Mayor de las Artes”, FUNDACENAFV, Caracas, Venezuela.
- 2006: “I Bienal Internacional de Fotografía“, Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
- 2006: “Salón Municipal Juan Lovera. Edición XXXV”, Fundación Banco Industrial, Caracas, Venezuela.
- 2005: “III Salón ExxonMóbil“, Museo de Bellas Artes, Caracas, Venezuela.
- 2005: “Salón Municipal Juan Lovera. Edición XXXIV”, Fundación Banco Industrial, Caracas, Venezuela.
- 2005: “Arte Venezolano del Siglo XXI Segunda MegaExposición”, Museo Carlos Cruz Diez, Caracas, Venezuela.
- 2005: “Amerindia”, Colección de arte del Consulado General de la República Bolivariana de Venezuela en Nápoles, Nápoles, Italy.
- 2005: “2do. Salón de artes visuales Dycvensa. Ciudad espacio y tiempo”, Ateneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 2004: “X Exposición del Papel”, Galería Blassini, Caracas, Venezuela.
- 2003: “Exposición Colectiva de Gráfica”, Cristóbal Rojas, Caracas, Venezuela.
- 2002: “La Naturaleza Urbana”, Escuela de Artes Plásticas Armando Reverón, Caracas, Venezuela.
- 2001: “Exposición Colectiva sobre – Grabado Simbiosis”, Escuela de Artes Plásticas Armando Reverón, Caracas, Venezuela.
Publications
- Teolinda Bolívar, Marcelo Rodríguez Mancilla, Jaime Erazo Espinosa, Ciudades en Construcción Permanente ¿Destino de casa para todos? (Quito : ABYA-YALA – UCV- CLACSO), 557-591.
- Félix Suazo, Panorámica Arte Emergente (Caracas : Imprenta La Galaxia), 156-159.
- PHOTOESPAÑA2012, DESDE AQUí Contexto e Interncionalizacion (Madrid: La FABRICA), 102 – 106.
- Johann Starchevich, “FIA Veinteañera”, HABITATPLUS, 2011, 74.
- Carmen Victoria Méndez, “Escenas”, El Nacional, 2011, Cuerpo C.
Collections
- Colecciones Privadas, Caracas, Venezuela.
Artist: José Dávila
Actos tectónicos de duda y deseo
February 27 – April 30, 2015
Travesía Cuatro
Madrid, Spain
Las piezas que conforman esta exposición remiten a las nociones de equilibrio y balance, las cuales son generadas en el momento de abandono en el que dos fuerzas que permanecían en conflicto, finalmente ceden. Este instante de aparente neutralidad es también la presencia simultánea de todas las posibilidades. El artista pretende extender esta condición de indeterminación aprovechando el conocimiento técnico, que en su uso común busca maximizar la eficacia de los materiales, Dávila en cambio, los convierte en entidades inútiles. Las herramientas estructurales son empleadas con fines meramente poéticos. La lucha interminable de lo arquitectónico en contra de los efectos de la gravedad es sintetizada a través del uso de materiales industriales, destinados para la construcción, para crear estos sistemas de fragilidad, que carecen de profundidad y han quedado recluidos a su extensión superficial; amenazados por la fractura y la interrupción de las relaciones de fuerza y las estructuras de tensión que los constituyen y les otorgan autonomía. Estas obras obligan a reconsiderar el significado de lo escultórico. Desafían la frontera que separa al contenido del contenedor, para efectuar una expansión espacial que modifica por completo la experiencia arquitectónica. Rosalind Krauss denomina lo anterior como el fenómeno propio de las estructuras axiomáticas, constituidas por la fusión de la arquitectura con la no-arquitectura. Lo anterior implica la introducción de formas ajenas que rechazan toda incorporación funcional, problematizando las obviedades del campo donde se ubican, para así reclamar una presencia propia. Las especificidades de los materiales llevan a cabo un desdoblamiento del espacio por medio de una serie de transparencias y reflejos. El carácter pictórico de los cinchos contrastando con las placas despliega un conjunto de líneas referenciales que ayudan a visualizar la delicada comunicación entre las superficies y sus correspondientes puntos de apoyo.
Dávila propone una exégesis de la tradición minimalista y de la historia del arte en general, recurriendo a una especie de lenguaje críptico reservado a la naturaleza de los objetos, que desafía la comprensión y las categorías de la mirada subjetiva. Las esculturas permanecen como gestos intermedios, entre la destrucción inminente y la permanencia. El trabajo de Dávila aborda la cuestión sobre los límites de los valores instrumentales mediante el uso de materiales comunes para crear esculturas, objetos e instalaciones. Con frecuencia, la naturaleza de estos materiales se acerca tanto a la construcción de la arquitectura como a la producción artística formal, que suscriben su trabajo a los principios acuñados por el Minimalismo y el Arte Povera. Dávila también ha manifestado un especial interés en el uso y ocupación del espacio, temas que han estado presentes a lo largo de toda su carrera.
Su obra ha sido expuesta en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo MUAC, Ciudad de México; Caixa Forum, Madrid; MoMA PS1, Nueva York; Kunstwerke, Berlín; San Diego Museum of Art; Museo de Arte Reina Sofía, Madrid; MAK, Viena, Fundación / Colección JUMEX, Ciudad de México; Bass Museum of Art, Miami; Museu do Arte Moderna, Sao Paulo; The Moore Space, Miami; NICC, Antwerp, entre otras; y ha aparecido en publicaciones internacionales como Cream 3, ed. Phaidon, 100 Latin- American Artists, ed. Exit y Megastructures-Reloaded, ed. Hatje Cantz. Dávila ha recibido el apoyo de la Andy Warhol Foundation, la Kunstwerke residency en Berlín y el Premio Nacional para jóvenes artistas del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) en 2000. Además fue fundador de la Oficina para Proyectos de Arte (OPA), en Guadalajara, México.
April 22, 2015 Patrick Hamilton: Progreso / Progress https://abstractioninaction.com/happenings/patrick-hamilton-progreso-progress/Artist: Patrick Hamilton
Progreso / Progress
February 17 – April 4, 2015
Galeria Marta Cervera
Madrid, Spain
Solo exhibition by Patrick Hamilton
March 5, 2015 Rafael Reveron-Pojan https://abstractioninaction.com/artists/rafael-reveron-pojan/- RAFAEL REVERON-POJAN, “56 Panopticon empty spaces”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “56 Panopticon empty spaces (DETALLE)”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “COLLAPSED-3-HOUSING-UNIT-EMPTY-SPACE”, 2013, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “Topographic cloud (DETALLE)”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “Topographic cloud”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “Non cubic empty spaces”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “Adding 6 lineal empty spaces”, 2011, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- RAFAEL REVERON-POJAN, “Tin Tin minimal unit empty space”, 2012, Series: SUPER-BLOCK espacio y otras especies, Acrylic paint on sewed cardboard, hooked on the wall with pins, Variable dimensions. Photo credit: Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “Correo-Reticularea-GEGO”, 2012, Series: Correo-Reticularea-GEGO MACC 2012, Sewed postcards, Variable dimensions. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “automatic-architecture-RedVsBlue-20141118”, 2014, Series: arquitecturas automáticas, Acrylic paint on canvas, 50 x 50 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “automatic-architecture-RedVsBlue-20141224”, 2014, Series: arquitecturas automáticas, Acrylic paint on canvas, 38 x 38 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “automatic-architecture-cluster-guarimba-red-blue-B”, 2014, Series: arquitecturas automáticas, Drawings, crayon on paper and sewing, 38 x 38 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “single-unit-housing-project-space”, 2013, Series: arquitecturas automáticas, Crayon on albanel paper, 35 x 95 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “single-unit-housing-project-space”, 2013, Series: arquitecturas automáticas, Crayon on albanel paper, 35 x 95 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “20-single-unit-housing-A”, 2013, Series: arquitecturas automáticas, Sewed paper, 30 x 30 cm. Courtesy of the artist.
- Rafael Reveron-Pojan, “table-room-living-room”, 2011, Series: In-Side out 2011, Cut out paper on glass case, 34 x 43 x 7 cm. Private Collection. Courtesy of the artist.
Translated from Spanish
Some notes about the politics in my work, called “automatic architectures…”
Join together, get shelter, protection, appropriation. Appropriation of the space, creation of place, object.
Attachment.
To demolish,
To build…
“All build-up is refuge against danger.”
Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973
To a large extent, my work lies beneath like an architecture, as a strategy of ideological appropriation of space, the conquest of place, of the object, of the contained body… Do not think, do not live, do not feel… Let me build you, win that battle of “abitare,” I build you and think you, I appropriate you, live in you, in your space, in that space in between which surrounds you, that makes you, that molds you, configures you, and figures you.
The “Empty Box” becomes imposed in its abstraction, its economy knows no rival, and its synthesis is undefeated. That subdivided, fragmented, quadratic, cubic, universal, reproducible, “built-up” space. Optimal, minimal.
The ultimate ending: winning
territory,
defeat the
weak.
Totalitarianism of the majority; nothing and no one can win the battle over this cubic formula…
Place,
Home.
My “automatic architectures,” are conceived as models of “creation and destruction.” Their origin is tangentially dominated by patterns, actions around the notion of “appropriation.” To make myself one with space, place, and object, through a predetermined and preconceived model. An ideological, formal structure that models actions. To think of void as a structural content, is that border between collapse and equilibrium of content and container… Lines that intersect, supremacy battles between horizontality and verticality of space, of the object and its drifts. The imminence of matter to be transformed into an object, regroup and reconcile as a new form. To join spaces… imposing the plural to the singular, to the individual… Making the indivisible visible. To join as defense, not as addition. Build up to distract, to sublimate, to delete, eliminate, destroy.
Lines draw themselves in a describing without writing. As with the spiral, the constructive space is an internal ideology; its limit emerges on every layer, from intimacy.
To build and destroy. Collapsing is not an improper accident of the structure, but an inevitable stage of existence itself. Collapse, implosion, deflation… Strategies in the poetics of the terminal. To build and destroy. Modernist therapy of an infinitely delayed agony. Running an incomplete defeat.
Matter is raw, quotidian, on the verge, cyclical, re-oriented, re-conceived, resented, re-lived… Every skin suggests its needlework, its stitches… in its reusing, a corner disappears; it’s filed down, making its own way, its exile. To sew and undo… String together and undo, and gain aerial space, the dream of “flying,” of the suspended, the pending. Always an imminent departure, or loss. Stringing together without completing the fabric… Weaving looms without instructions. Too many complications for the pre-functions. Improvisation of survival, of error, of the everyday, of the doing without thinking, of being without being, without permanence.
Today, the promised paradise… Looks more like hell.
I do not see, I do not speak, I do not listen, I do not feel…
I do not exist.
I only
Exist
For
The
Promised
“Paradise.”
Algunas notas sobre las políticas asumidas por mi trabajo en las llamadas “arquitecturas automáticas”…
Aglomerar, refugiarse, protegerse, apropiarse. Apropiación del espacio, creación del lugar, objeto.
Apego.
Demoler,
construir…
“Toda aglomeración es un refugio contra un peligro”.
Flavio de Carvalho | Rio de Janeiro | 1899-1973
En gran medida mi obra subyace como una arquitectura, como una estrategia de apropiación ideológica del espacio, la conquista del lugar, del objeto, del cuerpo contenido… No pienses, no vivas, no sientas… Déjame construirte, ganarte esa batalla del “abitare”, yo te construyo y te pienso, me apropio de ti, vivo en ti, en tu espacio, en ese intersticio que te bordea, que te hace, te moldea, te configura, te figura.
La “Caja vacía” se impone, en su abstracción, su economía no tiene adversarios, su síntesis esta invicta. Ese espacio subdividido, fragmentado, “cuadrático”, cúbico, universal, reproducible, “aglo-merable”. Optimo, mínimo.
El fin supremo: ganar
territorio,
vencer al
débil.
Totalitarismo de las mayorías, nadie, ni nada, puede ganarle la batalla a esta fórmula cúbica…
Lugar,
hogar.
Mis “arquitecturas automáticas”, se piensan como modelos del “crear y destruir”, su génesis viene dominada tangencialmente por patrones, acciones en torno a la noción de “apropiación”. Hacerme con el espacio, el lugar, el objeto a través de un modelo predeterminado, pre-pensado. Una estructura ideológica, formal, que modela las acciones. Pensar en el vacío como contenido estructural, es ese filo entre el colapso y el equilibrio del contenido y el contenedor… Líneas que se entrecruzan, batallas de supremacías entre la horizontalidad y la verticalidad del espacio, del objeto, de sus derivas. Esa inminencia de la materia por transformarse en objeto, reagruparse y conciliar una nueva forma. Aglomerar espacios… imponiendo lo plural a lo singular, al individuo… Haciendo invisible lo indivisible. Aglomerar como defensa, no como sumatoria. Aglomerar para distraer, para sublimar, para borrar, eliminar, destruir.
Las líneas se dibujan solas, es un describir sin escribir. Como en el caracol, el espacio constructivo es una ideología interna, su límite emerge capa a capa desde la intimidad.
Construir-destruir. El colapsar no es un accidente impropio de la estructura, es una fase inevitable de la existencia misma. Colapso, implosión, deflación… Estrategias en las poéticas de lo terminal. Construir-deconstruir. Terapia modernista de una agonía retardada al infinito. Gestión de una derrota inacabada.
La materia, es cruda, cotidiana, al borde, cíclica, re-orientada, re-pensada, re-sentida, re-vivida… Cada piel sugiere su costura, su punto y cruz… en el re-usar, la esquina desaparece, se lima, se hace su propio camino, destierro. Coser y descoser… Hilar y des-hilar y ganar el espacio aéreo, el ensueño de “lo volador”, de lo sus-pendido, colgante, siempre inminente partida, perdida. Hilar sin llegar nunca a completar la tela… Telares sin instrucciones, demasiadas complejidades para las pre-funciones. Improvisación de la supervivencia, del error, del cotidiano, del hacer sin pensar, del ser sin estar, sin permanencia.
Hoy, el paraíso prometido… Parece más un infierno.
No veo, no hablo, no escucho, no siento…
No existo.
Solo
existo
para
el
“paraíso”
prometido.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1999-2000: MA in Fine Art, Chelsea College of Art and Design (The London Institute), London, UK.
- 1992-1994: Incomplete, Instituto Universitario de Estudios Superiores de Artes Plasticas Armando Reveron, Caracas, Venezuela.
- 1989-1995: Architect, Facultad de Arquitectura y Urbanismo – Universidad Central de Venezuela, Caracas, Venezuela.
- 2000-2001: “Research Program Dali.”, Chelsea College of Art And Design, London, UK.
Prizes / Fellowships
- 1999-2001: Credito Fundayacucho, Fundayacucho, Caracas, Venezuela.
- 1999-2001: “Distinction”, Chelsea College of Art and Design, London, UK.
Solo Exhibitions
- 2013: “IN BETWEEN OBJECT & EMPTINESS“, Galerie Ulrike Hrobsky, Vienna, Austria.
- 2012: “SUPER-BLOCK Space & others species“, Galeria Astarté, Madrid, Spain.
- 2012: “Super-block” One-project“, Art Madrid 2012 Art Fair – Astarté Gallery, Madrid, Spain.
- 2011: “Diario de viaje” Drawing, spaces and other pieces”, Kling Store, Madrid, Spain.
- 2010: “Empty objects, spaces and other pieces“, Galeria Astarté, Madrid, Spain.
- 1998: “Identidades Terminales” Models for the Libaration of Inanimate Objects”, Galeria Terraquea, Caracas, Venezuela.
- 1998: “Der Golem, Sketches and Models”, Museo de Arte Contemporaneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 1996: “Maquinando Otra”, Escuela de Comunicación Visual PRODiseño, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2014: “Estampa Art Fair Madrid-Matadero“, Galeria Astarté – Centro Matadero de Madrid, Madrid, Spain.
- 2014: “Smell of Cerdanyola“, Museu d’Art de Cerdanyola, Cerdanyola, Barcelona, Spain.
- 2014: “Degrees of saparation“, Maddox Arts Gallery, London, UK.
- 2013: “Sluice Art Fair“, Square Art Projects, London, UK.
- 2013: “Casa-Decor Art Fair”, Galería Astarté, Madrid, Spain.
- 2012: “Willow Foundation Blank Canvas Project”, Maddox Art Gallery with Willow Foundation , London, UK.
- 2012: “Gego obra abierta: testimonios y vigencia”, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 2012: “Photo Opportunity“, Maddox Art Gallery, London, UK.
- 2012: “Paramito“, Group pop-up show by Square Studio, Caracas, Venezuela.
- 2011: “Art Lisboa” International Contemporary Art fair”, Galeria Astarté, Lisbon, Portugal.
- 2011: “INSIDE-OUT 6 Colecciones“, Galería Astarté, Madrid, Spain.
- 2011: “PINTA London Art Fair” International Contemporary Art fair”, Maddox Art Gallery, London, UK.
- 2010: “Art Lisboa” International Contemporary Art fair”, Galeria Astarté, Lisbon, Portugal.
- 2010: “Cuerpo Maquinico”, Museo de Arte Contemporaneo del Zulia, Marcaibo, Venezuela.
- 2010: “PAPEL(ES)“, Galería Astarté, Madrid, Spain.
- 2009: “The New truth of Leather”, Centro Tecnológico de la Piel, Fundación Movex, Sevilla, Spain.
- 2009: “Cuerpo Maquinico I”, Museo de Arte Acarigua Araure, Acarigua, Venezuela.
- 2009: “Viajando en Papel”, Cabinet Gallery , Madrid, Spain.
- 2005: “Der Golem”, Museum of Contemporary Art of Acarigua Araure, Acarigua, Venezuela.
- 2005: “Ingravitas”, Museo Jacobo Borges de Catia, Caracas, Venezuela.
- 2003: “II Exxon Mobil”, Galería de Arte Nacional, Caracas, Venezuela.
- 2002: “Happening Extreme 5”, Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
- 2001: ““Cuando todo se ha visto y hecho” V Salón Pirelli de Jóvenes Artistas”, Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Caracas, Venezuela.
- 2001: ““Liberating Old York Road” DALI Reaserch Program final show”, Chelsea College of Art And Design, London, UK.
- 2000: ““ASSEMBLY SHOW” “, Royal College of Art, Goldsmiths College and ARTslag. Stepney City E1, London, UK.
- 2000: “Chelsea MA Fine Art Show”, Brighton Media Centre Gallery, Brighton, UK.
- 2000: “Chelsea Fine Art 2000”, Chelsea College of Art and Design, London, UK.
- 2000: “ARK 2000 an Experiment Work”, Cafe Gallery Project, London, UK.
- 1999: “New Blood Young Venezuelan Art”, Bruce castle Museum, London, UK.
Publications
- Jason Potts, Daniel Stout, Theory Aside (North Carolina: Duke University Press Books), 328 pages.
- Rafael Reveron-Pojan, “super block space and other species“, DesignBoom, 22 oct 2012, 1.
Collections
- Olor Visual, Barcelona, Spain.
- ThyssenKrupp Madrid, Madrid, Spain.
Links
January 21, 2015 Adriana Minoliti, Graciela Hasper & Silvia Gurfein: PintorAs https://abstractioninaction.com/happenings/adriana-minoliti-graciela-hasper-silvia-gurfein-pintoras/Artists: Adriana Minoliti, Carla Bertone, Catalina León, Claudia del Ríó, Deborah Pruden, Diana Aisenberg, Florencia Bohtlingk, Graciela Hasper, Ines Raiteri, Leila Tschopp, Maria Guerrieri, Mariana Lopez, María Ibañez Lagos, Paola Vega, Silvia Gurfein, Valeria Maculan, and Veronica Di Toro.
PintorAs
July 31 – August 31, 2014
Sala Rivadavia
Diputación de Cádiz, Spain
PintorAs es la reunión de artistas contemporáneas que centran la creación de su obra en la pintura y son un recorte posible de la producción pictórica en la Argentina de los últimos 20 años. Convocadas por Paola Vega y Adriana Minoliti en 2009, cada artista seleccionó distintas obras de su acervo y PintorAs realiza la primera exposición en el MACRO (Museo de Arte Contemporáneo de Rosario) en marzo del 2010, con la participación de Roberto Echen. Después de esa experiencia inicial Carla Bertone propone el proyecto PintorAs a la Fundación Andreani para el Premio Itinerancia por el país. Una nueva versión de PintorAs se exhibe en el MAC (Museo de Arte Contemporáneo) de Salta; el Museo Vidal de Corrientes y el Museo de Casilda de Santa Fe. Posteriormente, por invitación del curador, Benjamín Aitala, PintorAs se exhibe en el Centro Cultural Hogar San José de Olavarría. Por iniciativa de Claudia del Río la muestra se instala en el Auditorio de Mar del Plata recibida por Daniel Besoytaorube. Verónica Di Toro logra aterrizar una nueva versión en el Centro Cultural Borges de Buenos Aires, gracias a Lía Cristal. Estas muestras son asistidas por PintorAs que curan el montaje y realizan talleres, visitas guiadas y charlas, en relación a la pintura como dispositivo. El grupo toma decisiones expositivas en reuniones reales y virtuales intentando el consenso y se propone como continuación producir nuevas reflexiones teóricas acerca de su trabajo para publicarlas en este blog y eventualmente en formato papel.
August 26, 2014 Andrea Canepa https://abstractioninaction.com/artists/andrea-canepa/
- Andrea Canepa, “A second chance to rephrase the question”, 2013, Wool on canvas, digital print, glass, wooden shelfs, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Wu Galería, Lima, Peru. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Paisaje con cabaña “, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 27 x 37 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Paisaje con molino”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 30 x 24,7 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Arreglo de flores en cesto”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 25 x 25 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Caballo y potro con arbol”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 24,5 x 18 x 4 cm. Colección privada, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Campesina”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 40,5 x 18,5 x 4 cm. Private collection. Photo credit: Edi Hirose.
- Andrea Canepa, “Plaza con monumento”, 2013, Series: A second chance to rephrase the question, Wool on canvas, 26 x 19,5 x 4 cm. Sammlung Goetz. Photo credit: Edi Hirose.
- Andrea Canepa, “Green Piece(s)”, 2013, Cardboard puzzle assembled from 8 different puzzles, 50 x 70 cm. Private collection, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Blue Piece(s)”, 2013, Cardboard puzzle assembled from 8 different puzzles, 50 x 70 cm. Private collection, Lima. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Lineas de desplazamiento”, 2014, Tempera and ink on paper, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Volta Art Fair, Basel, Switzerland. Photo credit: Nicholas Winter.
- Andrea Canepa, “Unir los puntos”, 2014, Series: Lineas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 98 x 149 cm. Private collection, London. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Círculo Cromático”, 2014, Series: Lineas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 90 x 90 cm. Private collection, London. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Línea de tiempo”, 2014, Series: Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 25 x 430 cm. Photo credit: the artist.
- Andrea Canepa, “Líneas 5”, 2014, Series: Líneas por número / Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 21 x 27,5 cm. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
- Andrea Canepa, “Líneas 10”, 2014, Series: Líneas por número / Líneas de desplazamiento, Tempera and ink on paper, 21 x 27,5 cm. Photo credit: Miguel Ramos Alonso.
Translated from Spanish
In recent years, I have focused on the modern tendency of trying to simplify the complexity of the world with the aim to control that which escapes the limits of our understanding.
We tend to categorize, organize, and administer reality as if it was a set of and independent phenomena, creating a system that we take as natural.
My work stems from the alteration of the order in which information is presented. In some cases this modification uncovers some meanings that used to remain hidden under the imposition of a logic that assumes itself as the “correct one.” In others, by schematizing the information previously schematized, both synthesis systems cancel each other out and return mere forms and colors lacking any functionality.
Through my work, I hope to make evident that the regularity of the world obeys a set of rules that as such, they could have been different. In other words. I hope to point out that all logic of functionality, whatever it is, could be different and thus not necessary in itself.
En los últimos años, me he enfocado en la tendencia moderna a intentar simplificar la complejidad del mundo con miras a controlar aquello que escapa los límites de nuestro entendimiento.
Tendemos a categorizar, organizar y administrar la realidad como si se tratase de un conjunto de fenómenos aislados e independientes, creando un sistema que tomamos como natural.
Mi trabajo parte de la alteración del orden en el que la información es presentada. En algunos casos esta modificación libera ciertos significados que permanecían ocultos bajo la imposición de una lógica que se asume como “la correcta”. En otros, al esquematizar la información previamente esquematizada, ambos sistemas de síntesis se anulan entre sí, devolviéndonos meras formas y colores desprovistos de cualquier sentido funcional.
A través de mi obra, pretendo dar cuenta de que la regularidad del mundo obedece a un conjunto de reglas que, como tales, podrían haber sido distintas. En otras palabras, intento señalar que toda lógica de funcionamiento, sea como sea, podría ser diferente y, por lo tanto, no es necesaria en sí misma.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2007-2008: Master en Artes Visuales y Multimedia, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2004-2006: Licenciatura en Bellas Artes, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2000-2003: Facultad De Arte, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Peru.
- 1998-1999: Estudios Generales Letras, Pontificia Universidad Católica del Perú, Lima, Peru.
Prizes / Fellowships
- 2014: Premio Miquel Casablancas, Sant Andreu Contemporani, Barcelona, Spain.
- 2014: Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, Comunidad de Madrid, Madrid, Spain.
- 2013: Premio Generaciones, Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
- 2013: Beca Endesa para Artes Plásticas, Fundación Endesa, Teruel, Spain.
- 2012: Pasaporte para un artista (segundo puesto), Alianza Francesa y Embajada de Francia en el Perú, Lima, Peru.
- 2011: Beca de Formación Pilar Juncosa i Sotheby’s, Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca, Spain.
- 2010: Premio Swab de Dibujo, Feria de Arte Contemporáneo Swab, Barcelona, Spain.
- 2008: Certamen Jóvenes Creadores, Ayuntamiento de Madrid, Madrid, Spain.
- 2006: Valencia Crea, Ayuntamiento de Valencia, Valencia, Spain.
Solo Exhibitions
- 2013: “Ejercicios de Localización”, Galeria L’ Imaginaire, Alianza Francesa, Lima, Peru.
- 2013: “Ejercicios de Localización“, Galería Rosa Santos, Valencia, Spain.
- 2013: “Ornamento y Sistema“, Wu Galería, Lima, Peru.
- 2011: “The Fragile Assembly of Everyday Life”, LAB. Laboratorio de Arte Joven, Murcia, Spain.
- 2009: “El Revés de lo Doméstico”, Galería Rosa Santos, Valencia, Spain.
Group Exhibitions
- 2014: “Generación 2014, Proyectos de arte Caja Madrid”, La Casa Encendida, Madrid, Spain.
- 2013: “As Everything Moves“, Node Center, Berlin, Germany.
- 2013: “Expedición Amazonas”, Galería Pancho Fierro, Lima , Peru.
- 2012: “La tiranía de la intimidad”, Centro Cultural de España, Lima, Peru.
- 2009: “Dibujo: Nuevas Propuestas”, Galería 80m2, Lima, Peru.
Collections
- CA2M: Centro de Arte 2 de Mayo, Madrid, Spain.
- Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
- IVAM, Instituto Valenciano de arte Moderno, Valencia, Spain.
- Colección DKV Arte y Salud, Valencia, Spain.
- Sammlung Goetz, Munich, Germany.
- Cristina Ghetti, “Vibrancy and joy”, 2014, Acrylic on canvas, 180 x 180 x 4 cm. MACBA museum Bs As
- Cristina Ghetti, “rojo”, 2014, Series: shaped, Acrylic on wood, 40 x 70 x 2 cm. Private collection.
- istina Ghetti, “Colour thinking composition”, 2013, Acrylic on canvas, 150 x 150 x 4 cm. Private collection.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2010, Series: Mareas series, Acrylic on canvas, 150 x 150 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2010, Series: Mareas, Acrylic on canvas, 180 x 180 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2010, Series: Mareas, Acrylic on canvas, 120 x 120 x 4 cm. Polythecnic university valencia.
- Cristina Ghetti, “Mareas”, 2012, Series: shaped, Acrylic on wood, 100 x 50 x 2 cm. Private collection.
- Cristina Ghetti, “Double wave”, 2013, Acrylic on canvas, 120 x 120 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “double wave”, 2014, Series: shaped, Acrylic on wood, 60 x 160 x 2 cm.
- Cristina Ghetti, “Mareas (detail)”, 2013, Series: shaped, acrylic on wood, 60 x 100 x 2 cm.
- Cristina Ghetti, “round mirror”, 2014, acrylic, wood and print, 100 x 100 x 15 cm.
- Cristina Ghetti, “Folding”, 2014, Series: Folding patterns, CGI, Variable dimensions.
- Cristina Ghetti, “Folding”, 2014, Series: folding patterns, audio visual instalation, Variable dimensions. Site-specific project. Location: Visual arts Faculty, Fem Code festival, Valencia, Spain.
- Cristina Ghetti, “Blinky”, 2012, Acrylic on canvas, 180 x 180 x 4 cm.
- Cristina Ghetti, “Double wave”, 2014, Series: shaped, Acrylic on wood, 50 x 100 x 2 cm.
- Cristina Ghetti, “ZIG PAINTING M14Ar”, 2014, Series: mareas, Acrylic, 60 x 160 x 2 cm. Private Collection.
I work with geometric abstraction, the goal of my work is both the interest in the re-contextualization of the foundational ideas of Abstraction, incorporating contaminations and re-appropriations, mostly of works of the 60’s.
I’m interested in points from concrete art, constructivism, kinetic and op art, permitting free transits and reconnections between forms and ideas belonging to different periods, traditions and categories in my own work.
Most of my work is a study in progress about perception, or better the boundaries between perception and reality, and art practice is an interesting field to study this condition.
I’m now centralized in the use of digital tools to materialize art pieces of different formats, I’m focused to an evolution of abstract ad kinetic art, with special mention of Op art. Interrelating: geometry, color, movement and sound, using the languages developed in the conceptual territory of abstraction, in the context of new technologies and new ways of producing/diffusing the art work. My production had been mostly centered in painting and installation, but recently I began to incorporate new media in my work believing that it can emphasize concepts as immersive spaces, synesthesia, interactivity and participation, analyzing how these characteristics can enrich the conceptual dimensions of the art work.
I’m interested also in using programming from a visual and creative perspective exploring the results in art pieces. My paintings are generated first in the computer, then translated to traditional painting, I like to mix and play with media crossings. As an artist, I’m interested in the connection with other fields, I’m working in team projects with infomaticians and mathematicians.
I have a Master of visual arts and multimedia at the UPV, Polytechnic University Valencia, Spain, and I actually develop my doctoral thesis “Post Medial Geometry,” where I make a research about the development of new geometries in visual arts.
Traducido del inglés
Trabajo con abstracción geométrica. El objetivo de mi trabajo es el interés en la recontextualización de las ideas fundacionales del abstraccionismo, incorporando contaminaciones y reapropiaciones, en su mayoría obras de la década de los sesenta.
Me interesan puntos del arte concreto, constructivismo, cinetismo y arte Op que permitan libre tránsito y reconexiones entre ideas y formas pertenecientes a diferentes periodos, tradiciones y categorías en mi propia obra.
La mayoría de mi obra es un estudio en proceso sobre la percepción o mejor dicho, los límites entre la percepción y la realidad y la práctica artística es un campo interesante para estudiar esta condición.
Hoy en día me centro en el uso de herramientas digitales para materializar obras en distintos formatos. Me enfoco en la evolución del arte abstracto y cinético con una mención especial al arte Op, interrelacionando geometría, color, movimiento y sonido, usando los lenguajes desarrollados en el territorio conceptual de la abstracción, en el contexto de nuevas tecnologías y nuevas formas de producir y difundir la obra. Mi producción se centraliza en pintura e instalación, pero recientemente comencé a incorporar nuevos medios en mi obra, puesto que creo que puede enfatizar conceptos tales como espacios inmersivos, sinestesia, interactividad y participación analizando cómo éstas características pueden enriquecer las dimensiones conceptuales de la obra.
Me interesa también utilizar programación desde una perspectiva visual y creativa explorando los resultados en las obras. Mis pinturas son primero generadas en la computadora, luego traducidos a pintura tradicional, puesto que me gusta mezclar y jugar con los cruces de medios. Como artista, me interesa la conexión con otros campos y trabajo en proyectos de equipo con especialistas de informática y matemáticos.
Tengo una maestría en artes visuales y multimedios de la Universidad Politécnica de Valencia, España y actualmente me encuentro desarrollando mi tesis doctoral “Geometría post-medios” en la que investigo la evolución de nuevas geometrías en las artes visuales.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 2012: Doctoral thesis in course, UPV Polythecnic university valencia, Valencia, Spain.
- 2008-2010: Master in visual arts and multimedia, UPV Polythecnic university valencia, Valencia, Spain.
Prizes / Fellowships
- 2014: Beca Ifitry 2014, Ifitry, residence international d’artistes http://www.ifitry.ma/, Essaouira, Morocco.
- 2010: Beca de producción de la fundación arte y derecho 2010, para desarrollo de proyectos, Fundacion arte y derecho, Madrid, Spain.
- 2003: Primer premio Bienal de Pintura I Pinazo, Ayuntamiento de Godella, Valencia, Spain.
- 1996: Beca de residencia en la Cité Internationale des Arts, Mozarteum Argentino, Paris, France.
- 1995: Beca a la creación artística, FNA Fondo nacional de las artes, Buenos Aires, : Argentina.
- 1993: Premio Fundación nuevo mundo a la nueva pintura argentina, Fundación nuevo mundo, Buenos Aires, Argentina.
Solo Exhibitions
- 2015: “recent works”, 100 Kubik gallery, Köln, Germany.
- 2014: “colour thinking compositions“, Galleria GUM, Miami, Fl, USA.
- 2014: “Vibrancy and joy, recent works“, Galleria GUM, Miami, USA.
- 2013: “Dynamic land, recent works“, Imaginart Gallery, Barcelona, Spain.
- 2013: “recent works“, Fundación Caixa Vinarós, Vinaros, Spain.
- 2012: “Cristina Ghetti”, GC Arte, Buenos aires, Argentina.
- 2010: “recent works“, Punto Gallery, Valencia, Spain.
- 2009: “Cristina Ghetti, mareas”, Sala Coll Allas, Gandia, Spain.
Group Exhibitions
- 2015: “Flatpack art”, La aurora, Sao Paolo, Brazil.
- 2015: “group show”, Islingtonmil art space, Manchester, England.
- 2014: “Biennale de casablanca“, Ancien cathedral, Casablanca, Casablanca, Morocco
- 2014: “a global exchange, geometric abstraction since 1950“, Frost museum of art, Miami, Fl, USA.
- 2014: “flatpack art “, Kalpany art sapce, Milano, Italy.
- 2014: “Femcode“, Universidad Politécnica de Valencia, Valencia, Spain.
- 2013: “Op & Cinetic Art Then and Now, de Victor Vasarely, Carlos Cruz-Díez, Julio Le Parc, Eusebio Sempere, José María Yturralde, Eon Seon Kim y Cristina Ghetti”, Punto Gallery, Valencia, Spain.
- 2013: “Un Fold“, sala La Metro, Valencia, Spain.
- 2013: “Fem Code Festival Miradas de mujeres“, UPV, Facultad de BBAA de sant carles, Valencia, Spain.
- 2013: “FRAME research 2013“, Museu Soares dos Reis, Porto, Portugal.
- 2013: “ExUrban Screens“, Public spaces in Melbourne city, Melbourne, Australia.
- 2013: “Swapping the shifts”, freiraum art gallery, Berlin, Germany.
- 2013: “Wege Ums Kino“, Spanish embassy in Berlin, Berlin, Germany.
- 2012: “un_fold”, Fondazione Barriera, Torino, Italy.
- 2012: “Overlapping memories”, Space Gallery, Pittsburgh, USA.
- 2010: “Artistainvitartista”, Spazio Museale di Pallazzo Tornielli, Ameno, Italy.
- 1995: “Mesotica, the amercia non representativa”, Museo de arte y diseño contemporaneo, San Jose, Costa Rica.
Publications
- ANALYZING ART,CULTURE AND DESIGN IN THE DGITAL AGE” (IJACDT), chapter “abstraction in motion”.
- “Discursos en transito” (Valencia: UPV).
Collections
- MACBA Museo de arte contemporáneo de buenos aires, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Nacional de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- Universidad politécnica de valencia, Valencia, Spain.
- Fundación Max Aub, Segorbe, Spain.
- Parque escultórico del rincón de Ademuz, Ademuz, Spain.
- Museo Municipal de Artes Plásticas Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina.
Links
- Postmedial geometry
- Folding, A Study about Perception
- R3sist3ncias
- Cristina Ghetti in youtube
- Artista Cristina Guetti
Artists: Jonathan Binet, Nathan Peter, Pablo Rasgado, Karin Sander
Translation Movement
April 26, 2014
Travesía Cuatro
Madrid, Spain
April 28, 2014 Fernanda Laguna, Manuel Mérida: ARCO 2014: #Solo projects https://abstractioninaction.com/happenings/fernanda-laguna-manuel-merida-arco-2014-solo-projects/
Artists: Fernanda Laguna, Manuel Mérida
ARCO 2014: #Solo projects, arte multidisciplinar con sello latino
Cultura & Arte
abc.es
Spain
El arte latinoamericano pasa por un magnífico momento, y ARCOmadrid, consciente de su potencial, ha querido reforzar, un año más, los lazos entre ambos continentes. En la sección Solo Projects: Focus Latinoamérica la feria presenta, a través de 21 proyectos de artistas latinos, una mirada renovada y multidisciplinar de su panorama artístico.
La selección de esta pléyade de galerías ha sido realizada por un equipo ecléctico de cuatro comisarios con una larga trayectoria curatorial y visiones muy diversas: Magali Arriola (México), Marcio Harum (Brasil), Sharon Lerner (Perú) y Tobías Ostrander (Estados Unidos). Pese a que ninguno de ellos es argentino, este año la participación de galerías bonaerenses se ha incrementado respecto del año anterior. No tanto por la exigua presencia dentro del Programa General, donde solo constan dos, sino por las seis que representan a artistas del país austral.
Este el caso de Nora Fisch, que presenta a Fernanda Laguna (1972), «una de las artistas más influyentes de su generación, no solo por su obra visual, sino también por sus libros de poesía y novelas», explica la galerista. En su reducido estand, ubicado en el pabellón 7 de Ifema, las pinturas entablan un diálogo con sus poemas. Las formas negras casi abstractas que protagonizan sus cuadros y que a veces parecen figuras humanas son una de sus características más recurrentes. «Los tajos y los recortes que aparecen en el lienzo son otra de las señas de identidad de Fernanda. Con ello pretende que se vea lo que hay detrás, quiere ir más allá de la realidad aparente», comenta Fisch. Esta es su forma de representar su experiencia como fundadora del proyecto «Eloísa Cartonera», una editorial argentina que reproduce sus libros con tapas compradas y diseñadas por los «cartoneros», las personas que recolectan cartones de los deshechos como forma de subsistencia en los suburbios de Buenos Aires.
Illy sustainArt concede todos los años un premio al mejor estand en esta sección. Este honor le ha correspondido en 2014 a Diego Bruno(1978). Él también nació en Argentina, pero ahora reside en Helsinki, y presenta Location de la mano de la galerista holandesa Mirta Demare. La obra ganadora explora la memoria histórica de su país de origen a través de una experiencia privada: «De forma oral reconstruye la casa en la que sus padres fueron torturados durante la dictadura argentina (1976-1983)», asegura la galerista. Un relato que configura en distintos soportes como el vídeo, el texto escrito, el dibujo y la fotografía.
Otro de las galerías europeas que cree en el potencial emergente de los artistas latinoamericanos es la francesa Espace Meyer Zafra, que apuesta por las creaciones de arte cinético del venezolano Manuel Mérida (1939). «En mis obras motorizadas trato de introducir el movimiento con la intención de evitar una fase fija y única y la posibilidad de cambio perpetuo para evidenciar la calidad de la materia y su comportamiento», explica el autor. «Los artistas venezolanos como Manuel Mérida –que es de la escuela de Jesús Soto– han sido precursores del arte cinético, que comenzó en los años 50, cuando en París aún ni se conocía», destaca Meyer Zafrany, uno de los responsables de la galería, resaltando así la importancia de América Latina en la escena artística contemporánea.
La única representación española en este espacio corre de la cuenta de la galería alicantina Aural, que exhibe una muestra de los trabajos más emblemáticos de la brasileña Anna Bella Geiger. «Una de las voces más versátiles de Brasil», según la directora de la galería, Begoña Martínez. Aunque debutan en Solo Projects por primera vez, han querido resumir las más de seis décadas de trayectoria de la artista en su estand. Se trata de una obra cargada de compromiso sociopolítico, crítica y cuestionamiento del binomio norte-sur.
Con espacios como Solo Projects, ARCOmadrid 2014 impulsa su vocación por tender puentes hacia un mercado que ya cuenta con sello y personalidad propios.
March 11, 2014 Abstraction in Action: ARCOmadrid 2014 https://abstractioninaction.com/happenings/abstraction-action-arcomadrid-2014/ARCOmadrid 2014
19–23 February 2014
Halls 7 & 9, Feria de Madrid
Booth 7H02
Madrid, Spain
Abstraction in Action presents its online platform at an institutional booth during the fair, allowing visitors to interact with the database while gaining a deeper understanding of the project and the artists involved. The website will launch a new “Projects” section during the fair, featuring exhibitions, site-specific installations, and events that AIA has produced. Along with that, AIA features new artists:
Leyla Cárdenas (Colombia, 1975), John Mario Ortiz (Colombia, 1973), G. T. Pellizzi (Mexico, 1978), Rosario López Parra (Colombia, 1970), Macaparana (Brazil, 1952), Fidel Sclavo (Uruguay, 1960), KIRIN (Argentina, 1953), Bernardo Corces (Argentina, 1988), Eduardo Santiere (Argentina, 1962), Georgina Santos (Mexico, 1988), Santiago Reyes Villaveces (Colombia, 1986), Rodrigo Sassi (Brazil, 1981), Nicolás Lamas (Peru, 1980), Nicolás Consuegra (Colombia, 1976), María Ezcurra (Argentina, 1973), Jorge Pedro Núñez (Venezuela, 1976), Jaime Ruiz Otis (RUIZCYCLE) (Mexico, 1976), Gabriel Acevedo Velarde (Peru, 1976), Edwin Monsalve (Colombia, 1984), Chiara Banfi (Brazil, 1979), Barbarita Cardozo (Colombia, 1975), Ana Belén Cantoni (Peru, 1983), Óscar Figueroa (Costa Rica, 1986), and Silvana Lacarra (Argentina, 1962)
Artists: Richard Garet, Barbara Held and Yapci Ramos
BioDerivas
December 13, 2013 – February 14, 2014
Museo de la Naturaleza y el Hombre, Tenerife, Spain
The common link between the first Cabinet of Curiosities of the Renaissance, the Natural History of the seventeenth century and modern research today is the exhibition of objects kept imploring the public to enjoy the experience of the new. The proposal presented to the creators BioDerivas Richard Garet, Barbara Held and Yapci Ramos is closely related to the mission of the museum. Here, in their eagerness to see the world around them, they use technology to capture and display images and sounds that allow re-contextualize our own perception of the world.
The work of Garet, Held and Ramos, both individually and as a whole, highlights the importance of perception through careful listening, focused look and the complex process of human perception, creating a micro-habitat in the museum active exploration rewards and offers thoughtful contemplation for the understanding of the world around us through the senses of sight and hearing.
BioDerivas contrasts the different and unknown to the common, everyday, expanding, thus our knowledge of sound and image within our ecosystem and across the boundaries of language to help understand the complexity of the natural environment.
January 25, 2014 Patrick Hamilton https://abstractioninaction.com/artists/patrick-hamilton/Translated from Spanish
I develop my work through photography, collage, objects and installation, and it comprises an analysis of concepts of inequality, architecture, and spectacle in Chile in the last twenty years—Chile after the dictatorship. In this sense, it presumes an aesthetic reflection of the consequences of the “neoliberal revolution,” imposed on Chile during the ‘80s, and its projection on the social and cultural field since then until this day. In the series Spike Drawings, 2010-2013, I make a type of drawing on the wall with simple geometric shapes such as squares, rhomboids, etc., which is constructed with a metal material that is used as protection on the walls of middle and high class houses in Santiago de Chile. The wall protections are very sharp and comply with the fight against crime and the protection to private property. These works describe the segregation and social divisions, confinement and limitations, in a very simple way, using basic but eloquent shapes such as the square, which is the simplest act of delimitation in geometry. These works also refer to a tradition in modern art linked to Constructivism, geometric abstract art and minimalism. In this sense, it is a series that joins an extreme formalism of minimal shapes, with social content.
Mi trabajo desarrollado en fotografía, collage, objeto e instalaciones, comprende una reflexión en torno a los conceptos de trabajo, desigualdad, arquitectura y espectaculo en el Chile de los últimos 20 años; en el Chile de la postdictadura. En este sentido, supone una reflexión estética sobre las consecuencias de la “revolución neoliberal” implantada en Chile durante los años 80´s y su proyección en el campo social y cultural desde entonces hasta ahora. En la serie “Spike drawings” (2010-2013) realizo un tipo de dibujo sobre la pared con formas geométricas simples -cuadrados, rombos, etc- que están construidos con un material de fierro que se usa como protección en los muros de las casas de gente clase media y media alta en Santiago de Chile. Las protecciones de muro son muy filosas y remiten a la lucha contra la delincuencia así como a la protección de la propiedad privada. Estos trabajos hablan de segregación y división social, de encierro y de límites, de una manera muy simple, usando formas muy básicas y elocuentes como el cuadrado que es el acto geométrico más simple de delimitación. Estos trabajos, hacen referencia también, a cierta tradición del arte moderno vinculada al constructivismo, al arte abstracto geométrico y al minimalismo. En este sentido, es una serie que vincula un formalismo extremo, de formas mínimas, con un contenido social.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1998: BFA, University of Chile, Santiago, Chile.
Prizes / Fellowships
- 2007: Beca Guggenheim, John Simon Guggenheim Memorial Foundation, New York, USA.
Solo Exhibitions
- 2014: “Proyecto Lanz”, Flora Ars Natura, Bogotá, Colombia.
- 2013: “Progreso”, Museo de Arte Contemporáneo de Santiago MAC, Santiago, Chile.
- 2012: “Postdictadura”, Bienal de fotografía de Lima, Centro de la Imagen, Lima, Peru.
- 2012: “Ultramar Sur”, Paco das Artes, Sao Paulo, Brazil.
- 2011: “Máxima tensión”, Galería Baró, Sao Paulo, Brazil.
- 2008: “Santiago dérive”, Stiftung DKM, Duisburg, Germany.
Group Exhibitions
- 2014: “Beyond the Supersquare”, The Bronx Museum of the Arts, New York, USA.
- 2014: “Slow Future”, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw, Poland.
- 2013: “Emergency Pavilion: Rebuilding Utopia”, 55th International Art Exhibition la Biennale di Venezia, Italy.
- 2011: “Terrible Beauty-Art, Crisis, Change & The Office of Non-Compliance”, Dublin Contemporary 2011, Dublin, Ireland.
- 2011: XI Bienal de Curitiba, Museo Oscar Niemayer, Curitiba, Brazil.
- 2011: “Now: obras La Colección Jumex”, Centro Cultural Hospicio de la Cabaña, Guadalajara, Mexico.
- 2009: X Bienal de la Habana, La Habana, Cuba.
Publications
- 2013: “Progreso/Progress”, libro publicado por el Museo de Arte Contemporáneo de Santiago. Textos de Christian Viveros-Fauné & Alma Ruiz.
- 2009: “Proyecto de arquitecturas revestidas para la ciudad de Santiago”, libro publicado por Ediciones UDP, Santiago. Textos de Guillermo Machuca & Marco Scotini.
- 2008: “Santiago Derive”, catálogo publicado por la Fundación DKM, Duisburg, Germany.
- 2006: “Objetos en Tránsito (Dario Escobar & Patrick Hamilton)”, catálogo publicado por la Fundación Gasco en Santiago. Textos de Victor Zamudio-Taylor & Isolde Brielmaier.
- 2004: “Patrick Hamilton en la 26 Bienal de Sao Paulo”, libro publicado por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Chile. Texto de Guillermo Machuca.
Collections
- Fundación / Colección Jumex, Mexico City, Mexico.
- El Museo del Barrio, New York, USA.
- Museo DKM, Duisburg, Germany.
- Izolyatsia Foundation, Donetsk, Ukraine.
- Museum of Latin American Art (MOLAA), Long Beach, CA, USA.
- Sayago & Pardon Collection, Irvine, CA, USA.
- Patrick Hamilton, “Intersección”, 2013, Steel spike wall protections, 280 x 1130 x 7 cm. Museum of Contemporary Art, Santiago, Chile. Photo credit: Museum of Contemporary Art, Santiago.
- Patrick Hamilton, Detail of “Intersección”, 2013, Steel spike wall protections, 280 x 1130 x 7 cm. Museum of Contemporary Art, Santiago, Chile. Photo credit: Museum of Contemporary Art, Santiago.
- Patrick Hamilton, “Patria y Libertad”, 2012, Steel spike wall protections, 150 x 220 cm. Museum of Contemporary Art, Santiago, Chile.
- Patrick Hamilton, “Copper Diamond”, 2011, Steel spike wall protections plated in copper, 140 x 140 cm. Museum of Contemporary Art, Santiago, Chile. Photo credit: Baró Gallery, São Paulo.
- Patrick Hamilton, “Square Composition”, 2011, Steel spike wall protections, 210 x 650 x 7 cm. Dublin Contemporary 2011. Photo credit: Dublin Contemporary and Renato Ghiazza.
- Patrick Hamilton, “Handsaws Construction”, 2013, 64 copper handsaws, 3.8 m diameter, Site-specific project. Location: Emergency Pavilion: Rebuilding Utopia, 55th Venice Biennial, Italia. Photo credit: Baró Gallery, Sao Paulo.
- Patrick Hamilton, “Chuzo”, 2012, Steel, enamel, 161 x 40 x 3 cm each, Site-specific project. Location: Museum of Contemporary Art, Santiago. Photo credit: Baró Gallery, Sao Paulo.
- Patrick Hamilton, “Machetes construction”, 2010, 120 steel machetes, installation, 5 m, Site-specific project. Photo credit: Baró Gallery, Sao Paulo.
Translated from Spanish
My work focuses on the use of mechanisms from the art world, commerce, exhibitions and creative processes, to develop an analysis about reality. Fiction and selection are large-scale processes that break up in spectacle. Through my practice I aim—by reducing the scale of the elements that intervene—to signal these processes to make them latent and to question our participation in them. From my position within the arts (making reference to my position in the world), I propose that one of the ways we use to respond and face these systems would be to utilize their own processes of creating reality in order to create fictions, through a re-selection of this presupposed totality, which is ultimately always partial.
Mi trabajo se centra en el uso de los mecanismos del mundo de arte, el comercio, la exhibición y los procesos de creación para hacer con ello una reflexión acerca de la realidad. La ficción y la selección son procesos que a gran escala se disuelven en el espectáculo. Mediante mi práctica intento, al reducir la escala de los elementos que intervienen, señalar estos procesos para hacerlos latentes y cuestionar nuestra participación en ellos. Desde mi posición en el arte, (haciendo referencia a mi posición en el mundo) propongo que una de las maneras que tenemos para responder y hacer frente a estos sistemas es utilizar sus propios procesos de crear realidad para crear ficciones mediante una re-selección de esta supuesta totalidad, que es finalmente siempre parcial.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Pontificia Universidad Católica del Perú, 6 años de estudios, Licenciada Artes con Mención en Pintura, Lima, Peru.
Prizes / Fellowships
- 2007: AVAM, Madrid. España. Ayuda de Creación Madrid Procesos 07.
- 2004: Marcelino Botín. Santander. España. Beca de Proyectos.
- 2003: MUSAC, Castilla y León. España. Beca de Creación Artística.
- 2001: Fundación Carolina, Madrid, España. Beca de Creación.
Solo Exhibitions
- 2013: “Blanca”, Galería Juana de Aizpuru Madrid, España / Palacio de Molina, Cartagena, Spain.
- 2012: “Autorretrato”, Galería Lucía de la Puente, Lima, Peru.
- 2011: “At the Same Time”, Bass Museum of Art, Miami, USA.
- 2011: “Mantos”, Galería Leme, Sao Paulo, Brazil.
- 2010: “En orden de aparición”, Galería Juana de Aizpuru, Madrid, Spain.
Group Exhibitions
- 2012: “Setting the Scene”, Tate Gallery, London, UK.
- 2011: “Fiction and Reality”, MMOMA, Moscow, Russia.
- 2011: “Arte al Paso”, Estación Pinacoteca, Sao Paulo, Brazil.
- 2011: “XI Bienal de Cuenca”, Cuenca, Ecuador.
- 2010: “Há sempre un copo de mar para um homem navegar”, XXIX Bienal de Sao Paulo, Sao Paulo, Brazil.
Publications
- 2009: Selección natural, Lima, Galería Leme.
- 2009: Buntix, Gustavo, ¨El Museo de Arte borrado (d´aprés Hernández Saavedra 1970)¨, Micromuseo en la Trienal de Chile.
- 2005: Fundación Botín, pp. 40 – 50.
- 2005: LiMAC en el MUSAC, Emergencias, León, MUSAC, pp. 158 – 163.
- 2003: Visita Guiada, Madrid, TF editores.
Collections
- Colección Caja Madrid, Madrid, Spain.
- LiMAC, Lima, Peru.
- MALI, Lima, Peru.
- Micromuseo, Lima, Peru.
- MoMA, New York, USA.
Links
- Sandra Gamarra, “Piece of Gallery”, 2009, Series: Piece of gallery, Oil on canvas, Variable dimensions. Site specific Project. Private Collection in Brazil. Photo credit: Juan Pablo Murrugara
- Sandra Gamarra, “Afiche arte conceptual Moscú”, 2009, Series: Afiches, Oil on canvas, 100 x 59 cm. Private Collection in Brazil. Photo credit: Manuel Blanco
- Sandra Gamarra, “La ilusión del uso VII”, 2008, Series: La ilusión del uso, Oil on canvas, 195 x 162 cm. Private Collection in Perú. Photo credit: Juan Pablo Murrugara
- Sandra Gamarra, “Selección natural II”, 2009, Series: Selección natural, Oil on canvas, Variable dimensions. Site specific Project. Private Collection in Brazil. Photo credit: APJHJ
- Sandra Gamarra, “Selección natural VII”, 2009, Series: Selección natural, Oil on canvas, Variable dimensions, Site specific Project. Location: Galería Leme, Brazil. Photo credit: APJHJ
- Sandra Gamarra, “El segundo cuarto del rescate”, 2009, Series: El segundo cuarto del rescate, Oil on canvas, Variable dimensions, Site specific Project. Private Collection in Perú. Photo credit: APJHJ
- Sandra Gamarra, “En orden de aparición VI”, 2010, Series: En orden de aparición, Oil on canvas, Varibale dimensions, Site specific Project. Location: Galería Juana de Aizpuru, Madrid. Photo credit: APJHJ
- Sandra Gamarra, “En orden de aparición VI”, 2010, Series: En orden de aparición, Oil on canvas, Variable dimensions, Site specific Project. Location: Galería Juana de Aizpuru, Madrid. Photo credit: APJHJ
- Sandra Gamarra, “Déjà vu IV”, 2011, Series: Mantos, Oil on canvas, 72.5 x 80 cm, Private Collection in Brazil. Photo credit: Oak Taylor-Smith
- Sandra Gamarra, “Jamais Vu II”, 2011, Series: Mantos, Oil on canvas, 130 x 162 cm. Private Collection in Brasil. Photo credit: Oak Taylor-Smith
- Sandra Gamarra, “How contemporary is my past”, 2011, Series: Mantos, Oil on canvas, Variable dimensions. Private Collection in Brasil. Photo credit: Oak Taylor-Smith
- Sandra Gamarra, “Autocensura con paños de pudor”, 2012, Series: Autocensura, Oil on press, Variable dimensions. Private Collection in Venezuela. Photo credit: Ricardo Martinez
Translated from Spanish
My artistic research is based on the need to transmit and reveal what I live; it is a continuous self-observation. The initial impulse of creation comes from there, always under the construction of a very personal space that I combine with geometric and constructive traditions, more as a language related to my expressive necessities than as a conceptual avenue. My work is formally and conceptually mechanical, repetitive and obsessive. To constantly repeat a form or a phrase allows an elevated state, and I want to transmit through my work that energy, outwards. The letters, the dots, or bottle caps end up creating, in absolute coherence with my way of creating, a personal and sensorial language; a writing that travels parallel with my visual and spiritual history. I make the series of mandalas with bottle caps by cutting eight spikes to each cap. They turn into a weapon to harm but also to protect, in the form of chakras. The more oxidized and worn out is the cap, the more beautiful it is. I am also interested in their colors, and that the brand is also present. When I mix all the caps there is a light that sends me to the place where they were picked up. Though everything is made by chance, each mandala has its own energy and its particular form—when I arrange them, albeit their minor differences, no cap is the same as the other. Little by little I construct my maps from this unique element that is commonly found in every place of the world and that keeps an identity from each place. The caps have and will have many histories. My dedication to the work is total. There is a symbiosis with what I make, which is something very peculiar. It is not a masterpiece, but a footprint, something from within that is immensely vital and unique. The growth in my life is the growth of my work and vice versa.
Mi investigación artística se fundamenta en la necesidad de transmitir y revelar lo que vivo, es una auto observación continua. De ahí parte el impulso inicial de creación, siempre bajo la construcción de un espacio muy personal que conjugo con la tradición geométrica y constructiva, más como un lenguaje afín a mis necesidades expresivas que como una dirección conceptual en sí. Mi trabajo es mecánico, repetitivo y obsesivo tanto formal como conceptualmente. Repetir constantemente una forma o una frase crea un estado elevado, y en mis obras lo que quiero es transmitir esa energía hacia fuera. Las letras, los puntos, o chapas, terminan creando, en coherencia absoluta con mi manera de producir, un lenguaje personal y sensorial, una escritura que viaja en paralelo con mi historia visual y espiritual. La serie de mandalas de chapas las trabajo cortándole ocho picos a cada una de ellas. Se vuelven un arma cortante y también un arma protectora con forma de chacra. Mientras más oxidada y rota la chapa, más bella. Pero también me interesan sus colores, así como que esté presente la marca que se consume. Cuando mezclo todas las chapas se crea una luz que me remite al lugar donde fueron recogidas. Y aunque todo es al azar, cada mandala tiene su energía y su forma particular, porque al colocarlas, marcando pequeñas diferencias, ninguna resulta igual a la otra. Y así, poco a poco, voy construyendo mis mapas a partir de este único elemento que se encuentra comúnmente en todos los lugares del mundo y que guarda una identidad propia del mismo. Las chapas tienen y tendrán muchas historias. Mi entrega con mi trabajo es total, hay una simbiosis con lo que hago, que es como algo singular. No se trata de una obra maestra, sino de una huella, de algo ti que es inmensamente vital y único. El crecimiento en mi vida es el crecimiento en mi obra y viceversa.
Selected Biographical Information
Education / Training
- 1982-86: Central Saint Martins College of Art & Design, London, UK.
Prizes / Fellowships
- 2006: Programa de Subvenciones de CIFO, Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, USA.
- 2001: Programa de Artistas en Residencia, Fundación La Llama, Caracas y Caribbean Contemporary Arts (CCA7), Puerto España, Trinidad, Spain.
- 2000: Taller Internacional de Artistas La Llama, Tácata, Venezuela.
- 2000: Mención Honorífica, I Premio ABC de Pintura, ARCO´00, Madrid, Spain.
- 1999: Primer Premio, 57 Salón de Artes Visuales Arturo Michelena, Ateneo de Valencia, Venezuela.
- 1997: Taller de Artistas por el Lago, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia,Venezuela.
- 1997: Mención Honorífica, V Bienal de Guayana, Museo de Arte Moderno Jesús Soto, Ciudad Bolívar, Venezuela.
- 1996: Mención Honorífica, V Bienal de Artes Visuales Christian Dior, Centro Cultural Consolidado, Caracas, Venezuela.
- 1992: Tercer Premio, I Bienal Nacional del Paisaje, Fundación Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu, Maracay, Venezuela.
- 1990: Mención Honorífica, VI Premio Eugenio Mendoza, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1988: Residencia de Artista, Institución Libre de Enseñanza, Madrid, Spain.
Solo Exhibitions
- 2011: Galeria Distrito 4, Madrid, Spain.
- 2010: “Sudoku”, Galería Faría + Fábregas, Caracas, Venezuela.
- 2008: “Periférico Caracas”, Centro de Arte Los Galpones, Caracas, Venezuela.
- 2004: Casa de América, Madrid, Spain.
- 2001: “Cerca de mí, Caribbean Contemporary Arts (CCA7)”, Puerto España, Trinidad, Spain.
- 2000: Museo Alejandro Otero, Caracas. Travel exhibition to Ateneo de Valencia, Venezuela y al Centro Cultural de España, Santo Domingo, Dominican Republic.
- 1999: Galería Luis Adelantado, Valencia, Spain.
- 1998: Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1997: “Senderos perforados”, Galería Ars Forum, Caracas, Venezuela.
- 1991: “Obra reciente”, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1990: “Óleos”, Institución Libre de Enseñanza, Fundación Francisco Giner de Los Ríos, Corporación de Antiguos Alumnos, Madrid, Spain.
- 1988: “Pinturas”, Galería Clave, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2011: “Geometrías alteradas”, Galería Faría+Fábregas, Caracas, Venezuela.
- 2009: “Regreso”, Casa de América, Madrid, Spain.
- 2008: “Notas sobre la abstracción”, Colección Berezdivin, San Juan, Puerto Rico.
- 2008: “Objetos Afortunados, Selección de la Colección Ella Fontanals-Cisneros“, Cisneros Fontanals Art Foundation (cifo), Miami, USA.
- 2007: “Jump Cuts, Arte Contemporáneo Venezolano, Colección Mercantil”, Cisneros Fontanals Art Foundation (cifo), Miami, USA.
- 2006: “10 Defining Experiments“, Programa de Becas Cifo, Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), Miami, USA.
- 2006: “Uno a la vez, Dibujos en la Colección Mercantil”, Museo de Arte Contemporáneo del Zulia, Maracaibo, Venezuela.
- 2005: “Jump Cuts, Arte Contemporáneo Venezolano“, Colección Mercantil, Americas Society, Nueva York, USA.
- 2005: “La Costilla Maldita”, Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Las Palmas de Gran Canaria, Spain.
- 2004: ARCO´04, Casa de América (Stand), Madrid, Spain.
- 2003: Bienal de Praga I, Galería Nacional, Veletrzní Palác, Praga, Czech Republic.
- 2002: XXV Bienal de São Paulo, Ciudades, Iconografías Metropolitanas, São Paulo, Brazil.
- 2001: Galería Marlborough, Madrid, Spain.
Publications
- MARTIN LLOPIS, Paloma, Regreso: arte latinoamericano y memoria, Casa de América, Madrid.
- FAJARDO-HILL, Cecilia, Objetos Afortunados, selección de la Colección Ella Fontanals-Cisneros, Cisneros Fontanals Art Foundation (cifo), Miami; Milán: Edizioni Charta.
- GONZÁLEZ, Julieta, Rafael Castillo Zapata y Juan Carlos Ledezma, Arte Contemporáneo de Venezuela, Caracas: Francisco Villanueva Editores.
- RIVERO, Tahía, Jesús Fuenmayor, Gabriela Rangel y otros Jump Cuts, Arte Contemporáneo Venezolano, Colección Mercantil, Americas Society, Nueva York.
- AIZPURU, Margarita, La Costilla Maldita, Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), Las Palmas de Gran Canaria, España.
Collections
- Colección Ella Fontanals Cisneros, Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), Miami, USA.
- Colección Mercantil, Fundación Banco Mercantil, Caracas, Venezuela.
- Colección Banesco, Fundación Banco Banesco, Caracas, Venezuela.
- Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
- Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Venezuela.
- Fundación Coca-Cola, Spain.
- Colección Berezdivin, San Juan, Puerto Rico.
- Colección Patricia Phelps de Cisneros, Fundación Cisneros, Caracas, Venezuela.
- Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu, Maracay, Venezuela.
- Emilia Azcárate, “Sudoku”, 2009-2010, Acrylic on canvas, 180 x 180 cm / 63 x 63 cm. Image of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “La Mar de Letras”, 2013, Green typewriter ink on paper, 26 postcards 10.5cm. X 15.5cm each. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Sin Titulo (México, D.F.)”, 2012, Bottle Caps, 200cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “S/T (azul)”, 2006, Watercolor and acrylic on canvas, 75 x 92 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Sin título”, 2004, Watercolor on canvas, 27 x 22 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Sin título (trini-steel pan)”, 2002, Watercolor on paper, 29,5 x 25cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Sin título”, 2000, Acrylic on canvas, 1.90 x 1.90 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Sin título”, 1999, Acrylic on canvas, 1.80 x 1.80 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Trini to the bone I”, Series: Carnival 2002, 180 x 160 x 30 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
- Emilia Azcárate, “Trini to the bone II”, Series: Carnival 2003, 200 x 210 x 30 cm. Image courtesy of the artist and Henrique Faria Fine Art, New York
Translated from Spanish
During the ‘50s, the post-war scarcities were still latent, and the system took advantage of two buildings that met innovations in construction (concrete) and conceptually (offices, shops and housing in one), used by first-world countries, pretending to give an image of financial prosperity that had not reached Spain during that period of time. Similar attempts were limited, offering with this pair of towers in Plaza España an unreal, blurred and fictitious image of the Madrid of those days. Currently, the towers are part of millionaire real estate affairs, in a developed country that has based part of its economic prosperity in construction and real estate business; within a democratic system that, with its virtues and defects has not yet overcome the effects of Francoism. Therefore I propose the unfinished image, through trees, of the España Building and the Madrid Tower, as icons of a desire and a (failed?) moment in the history of the city; two towers that unsuccessfully tried to “hide” an adverse economic reality and that curiously, today coexist in a veiled social and political situation that is confusing and contradictory against the memory of the Spanish dictatorship. Thus they are two veiled situations, parallel to each other, that coexist in the history of the city and in which these buildings are protagonists and witnesses.
Durante los años cincuenta, las penurias de posguerra aún eran evidentes, y el sistema se valió de dos edificaciones que reunían innovaciones de construcción (hormigón) y conceptuales (oficinas, comercios y viviendas en uno) usadas en países primer-mundistas, para pretender dar una imagen de prosperidad económica que durante esos años aún no había llegado a España. Intentos similares fueron escasos, ofreciendo con este par de torres en la Plaza España, una imagen irreal, velada y ficticia de la Madrid de entonces. Ellas hoy día son parte de millonarias movidas inmobiliarias, en un país desarrollado que ha basado parte de su prosperidad económica en la construcción y negocios inmobiliarios; dentro de un sistema democrático que, en sus virtudes y defectos, aún no ha superado del todo las huellas de franquismo. Es por ello que propongo la imagen inconclusa, a través de árboles, del Edificio España y de la Torre Madrid, como iconos de un deseo y de un momento (fallido?) de la historia de la ciudad, unas torres que trataron infructuosamente de “ocultar” una realidad económica adversa y que, curiosamente, hoy conviven con una situación social y política velada, confusa y contradictoria ante la memoria de la dictadura española. Son por tanto dos situaciones veladas, en paralelo, que coexisten en la historia de la ciudad, y en la que estos edificios son protagonistas y testigos.
Selected Biographical Information
Education / Training
- Universidad Central de Venezuela, Artes, Caracas, Venezuela.
Prizes / Fellowships
- 2012: Fundación Rockefeller, Bellagio, Italy.
- 2011: AICA, Artista de Proyección Internacional, Caracas, Venezuela.
- 2004: Premio, Bienal de Cuenca, Ecuador.
- 2003: Becas Endesa, Museo de Teruel, Spain.
- 2003: I Premio, Jóvenes con FIA, Caracas, Venezuela.
- 2002: Casa de América, Madrid, Spain.
- 2000: I Premio, Jóvenes con FIA, Caracas, Venezuela.
Solo Exhibitions
- 2011: “Alexander Apóstol”, Centro de la Imagen, Lima, Peru.
- 2010: “Proyecto Vitrina”, (c. María Inés Rodríguez), Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, MUSAC, Spain.
- 2007: “In Lieu of Modernity,” (c. José Luis Falconi), DRCLAS, David Rockefeller Center of Latinoamerican Studies, Harvard University, Cambridge, USA.
- 2006: “Recent Works”, (c. Bill Kelley), Los Angeles Contemporary Exhibitions LACE, Los Angeles, USA.
- 2006: “Moderno salvaje”, (c. Cecilia Fajardo-Hill), Cisneros Fontanals Art Foundation CIFO, Miami, USA.
- 2006: “Soy la ciudad”, (c. Iván de La Nuez), Palau de La Virreina (La Capella), Barcelona, Spain.
- 2004: “Caracas Suite”, Sala Mendoza, Fundacion Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 2003: “Residente Pulido/Fontainbleau”, PHotoEspaña ’03, Casa de America, Madrid, Spain.
- 1997/98: “Pasatiempos”, Throckmorton Fine Art, New York, USA / Thomas Cohn Arte Contemporanea, SP/Rio, Brazil / Sala Mendoza, Caracas, Venezuela.
- 1994: “Gallinero feroz”, Museo de Arte Contemporáneo Sofía Imber, Caracas, Venezuela.
Group Exhibitions
- 2012: Manifesta 9, (c. Cuauhtémoc Medina), Limburg, Belgium.
- 2011: 54th Venice Biennale, Arsenale, Venice, Italy.
- 2011: “The End of the Money“, (c. Juan Gaitan), Witte de With, Rotterdam, Netherlands.
- 2010: “Photographic Typologies”, (c. Rachel Taylor), Tate Modern, London, UK.
- 2008: “Islands+Guettos”, (c. John Holten), Heildelberger Kunsverein, Heildebelg, Germany / NGBK Neue Gesellschaft für Bildende Kunst, Berlin, Germany.
- 2004: VI Cuenca Painting Biennial, (curated by Maria E. Ramos), Cuenca, Ecuador.
- 2003: VIII Istanbul Biennial, “Poetic Justice”, (curated by Dan Cameron), Antrepo 4, Istanbul, Turkey.
- 2003: “Printemps de septembre, Gestes”, (curated by Marta Gili), L’espace EDF-Bazacle, Toulouse, France.
- 2002: XXV São Paulo Biennial, “Metropolitan Iconographies”, (c. Alfons Hug), Fundación Bienal de São Paulo, Brazil.
- 1997: VI Havana Biennial, (curated by Nelson Herrera Ysla), Castillo del Morro, Havana, Cuba.
Publications
- 2010: Alexander Apostol / Modernidad Tropical. Gonzalez, Julieta / Herreros, Juan / Medina, Cuauhtemoc. ACTAR, Barcelona / MUSAC, Leon, Spain.
- 2009-10: La Salvaje Revolucionaria en Horario Estelar. Apostol, Alexander. Con la colaboracion de Alberto Barrera, Adriana Bertorelli, Carolina Espada, Lupe Gehrenbeck, Boris Izaguirre, Julio2
- César Mármol, Xiomara Moreno, Elio Palencia, Iraida Tapias, Javier Vidal, Luis Zelkowicz y Alvaro Sotillo. Trienal Poligrafica de San Juan. San Juan, Puerto Rico / Fundación para la Cultura Urbana. Caracas, Venezuela. / Harvard University. Cambridge, USA.
- 2010: The Digital Eye. The Photographic Art in the Electronic Age. Wolf, Sylvia. Prestel Publishing. NY, USA.
- 2010: Contemporary Art in Latinoamerican. Artworld serie. Camnitzer, Luis/ Medina, Cuauhtemoc / Mosquera, Gerardo/ Perez-Barreiro, Gabriel. Black Dog Publishing. London, UK.
- 2009: Fotografica urbana Venezolana, 1850-2009. Niño, William / Szinetar, Vasco / Muñoz, Boris. Fundación para la Cultura Urbana. Caracas, Venezuela.
- 2008: Revisiting the Glass House Contemporary Art and Modern Architecture. Houg, Jessica / Ramierz-Montagut, Mónica. Yale University Press. CT, USA.
- 2008: No sabe / no contesta. Alonso, Rodrigo. Buenos Aires, Argentina.
- 2008: 100 Artistas Latinoamericanos. Olivares, Rosa. Exit. Madrid. Spain.
- 2006: Arte Contemporaneo de Venezuela. Gonzalez, Julieta / Fuenmayor, Jesús. Francisco Villanueva Ed., Dulce Gómez Ed. Caracas, Venezuela.
- 2006: Vitamin PH. Gregos, Katerina. Phaidon Press Limited. London, UK.
- 2006: A Principality of its Own. Falconi, José Luis / Rangel, Gabriela. Americas Society / Harvard University Press. USA.
- 2005: Art & Photography Now. Bright, Susan. Thames & Hudson. London, UK.
- 2003: Mapas abiertos, Fotografía Latinoamericana 91-02. Castellote, Alejandro / Molina, Juan Antonio / De la Nuez, Ivan. Lunverg Editores. Madrid. Spain.
- 2003: Digital Art. Paul, Christiane. Thames & Hudson. London, UK.
- 2003: Fotociudad. Ramos, Maria Elena. Cantv. Caracas, Venezuela.
- 2002: Blink. 100 Photographers /10 Curators/10 Writers. Phaidon Press Limited. London, UK.
- 2001: Fotografia en Venezuela, 1960-2000. Palenzuela, Juan Carlos. Movilnet. Caracas, Venezuela.
- 1997: Image a Memory. Photography from Latin America, 1866-1994. Castro, Fernando. / Kossoy B./ Parkinson L. UT Press. Houston, Texas. USA.
Collections
- Tate Modern, London, UK.
- Fundación Cisneros, Caracas, Venezuela.
- Centre Pompidou, París, France.
- Daros – Latin America, Zurich, Switzerland.
- Perez Art Museum Miami, USA.
- MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, León, Spain.
- Getty Research Institute, Getty Center, Los Angeles, USA.
- Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), Miami, USA.
- Fundación ARCO, Madrid, Spain.
- Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Venezuela.
- Fundación Banco Mercantil, Caracas, Venezuela.
- Comunidad de Madrid, Spain.
- Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica.
- The Alkazi Collection of Photography, Nueva York, USA.
- Museo de Arte Moderno de Cuenca, Ecuador.
- Fundación Endesa / Museo de Teruel, Teruel, Spain.
- Fundación para la Cultura Urbana, Caracas, Venezuela.
- MNBA Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina.
- Museo Alejandro Otero, Caracas, Venezuela.
- Lehigh University Art Galleries, Bethlehem, PA, USA.
- Art Museum of the Americas, Washington, USA.
- El Museo del Barrio, Nueva York, USA.
- Alexander Apóstol, “Los Cuatro Jinetes”, 2005-2008, Series: Moderno Salvaje, Video HD 8 min aprox. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “# 1”, 2005, Series: Le Corbusier quemado en Bogotá, Digital Photo, 100 x 120 cm. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “# 6”, 2005, Series: Le Corbusier quemado en Bogotá, Digital Photo, 100 x 120 cm. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “# 3”, 2005, Series: Skeleton Coast, Digital Photo, 75 x 100 cm. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apostol, “Limoges”, 2001, Series: Residente Pulido, Digital Photo, 200 x 150 cm. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “Meissen”, 2001, Series: Residente Pulido, Digital Photo, 200 x 150 cm. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “# 4”, 2003, Series: Residente Pulido. Ranchos, Digital Photo, 200 x 150 cm. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “# 6”, 2003, Series: Residente Pulido. Ranchos, Digital Photo, 200 x 150 cm. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “Av. Libertador”, 2006, Video 4 min. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “Contrato Colectivo Cromosaturado”, 2012, Video HD. 3 channels. 54 min. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “Contrato Colectivo Cromosaturado”, 2012, Video HD. 3 channels. 54 min. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apostol, “Contrato Colectivo Cromosaturado”, 2012, Video HD. 3 channels. 54 min. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “Contrato Colectivo Cromosaturado”, 2012, Video HD. 3 channels. 54 min. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “Grupo”, 2014, Series: Ideología del Color, Digital Photo, Variable Dimensions. Image courtesy of the artist.
- Alexander Apóstol, “La salvaje Revolucionaria en Horario Estelar”, 2009, Artist Book, 28 x 21 cm. Image courtesy of the artist.