Abstraction in Action Lucía Pizzani https://abstractioninaction.com/artists/lucia-pizzani/

My work revolves around issues of gender, the body, and a lifelong interest in nature. This combination also draws from my various studies in Visual Communication, Conservation Biology and Fine Arts. In recent years I have been developing a visual approach that uses photography, performance, installation, sculpture and video. Through these processes I tackle issues that concerned the Surrealists and the body art of the seventies, while maintaining a contemporary approach through my research-based practice. I seek stories that often come from literary and artistic references in significant periods both in Europe and South America. Ultimately I mix a wide range of aesthetics, cultures and historical figures in my work.

 
Traducido del inglés

Mi trabajo gira en torno a las cuestiones de género, el cuerpo, y un interés de por vida hacia la naturaleza. Esta combinación se basa también en mis diversos estudios en Comunicación Visual, Biología de la Conservación y Bellas Artes. En los últimos años, he desarrollado un enfoque visual a través de la fotografía, performance, instalación, escultura y video. A través de estos procesos, abordo cuestiones que preocupaban a los Surrealistas y al arte del cuerpo en los años setenta, manteniendo un enfoque contemporáneo a través de mi práctica basada en la investigación. Busco historias que a menudo provienen de referencias literarias y artísticas en períodos significativos tanto en Europa y América del Sur. En última instancia, mezclo en mi trabajo una amplia gama de la estética, las culturas y figuras históricas.

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August 28, 2015 Ximena Garrido-Lecca https://abstractioninaction.com/artists/ximena-garrido-lecca/

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May 26, 2015 Eduardo Terrazas https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-terrazas/

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May 15, 2015 Andrea Canepa https://abstractioninaction.com/artists/andrea-canepa/
Translated from Spanish

In recent years, I have focused on the modern tendency of trying to simplify the complexity of the world with the aim to control that which escapes the limits of our understanding.

We tend to categorize, organize, and administer reality as if it was a set of and independent phenomena, creating a system that we take as natural.

My work stems from the alteration of the order in which information is presented. In some cases this modification uncovers some meanings that used to remain hidden under the imposition of a logic that assumes itself as the “correct one.” In others, by schematizing the information previously schematized, both synthesis systems cancel each other out and return mere forms and colors lacking any functionality.

Through my work, I hope to make evident that the regularity of the world obeys a set of rules that as such, they could have been different. In other words. I hope to point out that all logic of functionality, whatever it is, could be different and thus not necessary in itself.

 

En los últimos años, me he enfocado en la tendencia moderna a intentar simplificar la complejidad del mundo con miras a controlar aquello que escapa los límites de nuestro entendimiento.

Tendemos a categorizar, organizar y administrar la realidad como si se tratase de un conjunto de fenómenos aislados e independientes, creando un sistema que tomamos como natural.

Mi trabajo parte de la alteración del orden en el que la información es presentada. En algunos casos esta modificación libera ciertos significados que permanecían ocultos bajo la imposición de una lógica que se asume como “la correcta”. En otros, al esquematizar la información previamente esquematizada, ambos sistemas de síntesis se anulan entre sí, devolviéndonos meras formas y colores desprovistos de cualquier sentido funcional.

A través de mi obra, pretendo dar cuenta de que la regularidad del mundo obedece a un conjunto de reglas que, como tales, podrían haber sido distintas. En otras palabras, intento señalar que toda lógica de funcionamiento, sea como sea, podría ser diferente y, por lo tanto, no es necesaria en sí misma.

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  • 2014: Premio Miquel Casablancas, Sant Andreu Contemporani, Barcelona, Spain.
  • 2014: Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, Comunidad de Madrid, Madrid, Spain.
  • 2013: Premio Generaciones, Fundación Caja Madrid, Madrid, Spain.
  • 2013: Beca Endesa para Artes Plásticas, Fundación Endesa, Teruel, Spain.
  • 2012: Pasaporte para un artista (segundo puesto), Alianza Francesa y Embajada de Francia en el Perú, Lima, Peru.
  • 2011: Beca de Formación Pilar Juncosa i Sotheby’s, Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca, Spain.
  • 2010: Premio Swab de Dibujo, Feria de Arte Contemporáneo Swab, Barcelona, Spain.
  • 2008: Certamen Jóvenes Creadores, Ayuntamiento de Madrid, Madrid, Spain.
  • 2006: Valencia Crea, Ayuntamiento de Valencia, Valencia, Spain.

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August 8, 2014 Pia Camil https://abstractioninaction.com/artists/pia-camil/

Through my work I have shown a proclivity to failure or the decaying associated to the Mexican urban landscape, aspects of modernist culture and traces of art history. My practice has explored the urban ruin – including paintings and photographs of halted projects along Mexico’s highways (Highway Follies); abandoned billboards that become theatre-like backdrops therefore theatricalizing failed capitalist strategies (Espectaculares), or the problems and contradictions that arise when engaging with iconic art works (No A trío A or Cuadrado Negro).

 
Traducido del inglés

A través de mi obra he mostrado una proclividad al fracaso o a la decadencia asociada al paisaje urbano de México, aspectos de la cultura modernista y las huellas de la historia del arte. Mi práctica ha explorado la ruina urbana, incluyendo pinturas y fotografías de proyectos inconclusos a lo largo de las carreteras de México (Highway Follies), espectaculares abandonados que se convierten en telones de fondo teatrales, por tanto teatralizando estrategias capitalistas fracasadas (Espectaculares) o los problemas y contradicciones que surgen al abordar obras de arte icónicas (No A trío A or Cuadrado Negro).

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February 25, 2014 Georgina Santos https://abstractioninaction.com/artists/georgina-santos/
Translated from Spanish

My artistic production in the last few years is the result of working in local contexts.

This is part of a personal position that is derived of questions around artistic representation, the incidence which creative processes have in specific groups and the way in which artists are involved in different realities.

My work seeks to create micro-windows that can reflect concepts such as violence, neglect, resistance, memory, collectivity, or identity.

 

Mi producción artística de los últimos años es resultado del trabajo en contextos locales.

Esto forma parte de una postura personal que se deriva de cuestionamientos entorno a la representación artística, la incidencia que los procesos creativos tienen en grupos específicos y la manera en que los artistas se involucran con distintas realidades.

Mi trabajo busca crear micro ventanas que reflejen conceptos como violencia, abandono, resistencia, memoria, colectividad o identidad.

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February 19, 2014 María Ezcurra https://abstractioninaction.com/artists/maria-ezcurra/
Translated from Spanish

In my work, I use textiles—basically clothing—in order to explore a series of social and personal stereotypes, as well as their relationship with specific cultural codes, by reviewing and reflecting on the current and complex normative structures which define us and from which we participate. A great part of my work involves an analysis on the physical, emotional and social restrictions that are associated with gender roles, in particular feminine stereotypes. With my work, I do not only play with the material and formal possibilities of textile, but I also explore the aesthetic, symbolic, and cultural values of garments, based on deconstruction, re-contextualization or re-aggrupation models which put in evidence the social expectations that they intend to exhibit or cover. Thus I want to make visible the complex and often contradictory relationships we have constructed between the social and the individual, protection and image, beauty and comfort, violence and indifference, men and women, and all the ambiguous intermediate qualities which constitute us but do not necessarily define us.

 

En mi trabajo uso textiles—básicamente ropa—para explorar una serie de estereotipos sociales y personales, así como su relación con ciertos códigos culturales, revisando y reflejando las complejas estructuras normativas actuales que nos definen y en la que todos participamos. Gran parte de mi obra implica una reflexión sobre las restricciones físicas, emocionales y sociales asociadas a roles de género, particularmente a los estereotipos femeninos. Con mis piezas no sólo juego con las posibilidades materiales y formales de los textiles, sino que exploro los valores estéticos, simbólicos y culturales de las prendas de vestir, basándome en procesos de deconstrucción, recontextualización o reagrupación que evidencian las expectativas sociales que intentan exhibir, o cubrir. Quiero evidenciar así las complejas, y a veces contradictorias, relaciones que hemos creado entre lo social y lo individual, la protección y la imagen, la belleza y la comodidad, la violencia y la indiferencia, los hombres y mujeres, y todas las ambiguas cualidades intermedias que sutilmente nos forman sin necesariamente definirnos.

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February 19, 2014 Ana Belén Cantoni https://abstractioninaction.com/artists/ana-belen-cantoni/

The core of my work lies in the dichotomy between interior and exterior space. I explore the idea of the urban architectural space as a restraint, one that denies both the body and the landscape. Lately I’ve been analyzing how the monumentality and infinity of landscape can relate to our perceptions of the body. My installations are ephemeral; they are intricate and expansive constructions, impossible geometries that are meant to be broken.

 

La idea que anima mi trabajo se encuentra en la dicotomía entre espacio interior y exterior, así exploro la arquitectura urbana como una limitación que niega tanto el cuerpo como el paisaje. En mis proyectos más recientes he analizado cómo la monumentalidad y lo ilimitado del paisaje natural pueden relacionarse con nuestras percepciones del cuerpo. Mis instalaciones son efímeras; son intrincadas y expansivas construcciones, geometrías imposibles que habrán de romperse.

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February 19, 2014 Antonio Pichillá https://abstractioninaction.com/artists/antonio-pichilla/

Translated from Spanish

Everything is amorphous, confusing. I restlessly look for a bond that integrates with the environment as something inaccurate, not codified. I struggle to give form to these transitory states. B’atz is the name of a day in the Maya calendar that means the beginning and the end, to roll and unroll, to tie and untie. The knot is the bond between beings and their beginnings; it is the union that allows to continue on a certain path. The knot is the articulation between kinfolk and/or enemies which maintains a structure and at the same time creates tension between them. This bond between two or more systems also represents a closure, a forced enclosure that grasps through the ropes and that hinders that liberation of a determined gesture: the knot in the throat that submerges the voice. We are beginning a new era of Maya world view that is associated with important events. Departing from an interdisciplinary investigation, anthropological approximately ten years, in the city as in the rural areas, I began to work in the reengagement of images, forms, codes, moorings, baskets, chests, Quipos, candles, Maya ceremonies, with meanings charged of deep energetic presence that mark the passage of time. I believe in artistic expression as a product of the everyday. I situate myself within this perspective, materializing though ephemeral objects, like a candle that is lit, is consumed and finished. That action indicates time. I propose to reprise ritual elements like candles, bundles or baskets, incense, flowers, and of course, energy, to create art objects. I am interested in constructing, intervening, wither the visible through the occult; from the private to the public.

 

Todo es amorfo, confuso busco con inquietud un lazo  que se integran al entorno como algo inexacto, no codificado, lucho por darle cuerpo a estados transitorios. B’atz es el nombre de un día del calendario maya, que significa el inicio y el final, enrollar y desenrollar, amarar y desamarrar. El nudo es el vínculo entre los seres y su principio; es la unión que permite continuar cierto trayecto. El nudo es la articulación entre los semejantes y/o entre los contrarios que mantiene una estructura y al mismo tiempo la tensa. Este lazo entre dos o más sistemas representa también un cierre, una fuerza de clausura que se empuña por los cabos y que impide la liberación de un gesto determinado: el nudo en la garganta sumerge la voz. Estamos empezando un nueva era en la cosmovisión maya que se asocia con eventos importantes. Partiendo de una investigación interdisciplinaria, aproximadamente 10 años en especial antropológica, tanto en la ciudad como en el área rural comencé a trabajar el reencuentro con imágenes, formas, códigos, amarres, tanates, bustos, quipos, candelas, ceremonias mayas, con significados cargados de profunda presencia energética que marcan el tiempo. Creo en la expresión artística como producto de lo cotidiano. Me ubico en esta perspectiva proponiéndome materializar a través de objetos efímeros, como una candela que se enciende, se consume y se termina. Así tal acción marca el tiempo. Me propongo retomar elementos rituales como candelas bultos o tanates, incienso, flores y por supuesto la energía, para crear objetos de arte. Me interesa construir, intervenir, marchitar a partir de lo oculto a lo visible  de lo privado a lo público.

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October 16, 2013 Felipe Mujica https://abstractioninaction.com/artists/felipe-mujica/

My work has grown from visual codes linked to geometric abstraction, where the economic devices of image making are simultaneously an historical set of references and a set of creative tools. Also important in my formation has been the practice of collaboration as I constantly intertwine my own work with the work of others through the organization of exhibitions, group projects, publications, and so on. An example would be installations I have produced with fabric panels; which aim to be drawings that occupy space and also curtains that function as space organizers, as temporary walls that canalize the public’s circulation and perception of space as well as the perception of other possible art works in space. In this sense these installations are both an object of contemplation as well as a functional device, they become exhibition design and flexible temporary architecture: they can be used by other artists or curators. These fabric panels also refer directly to avant-garde movements such as Russian Constructivism or the Bauhaus School, as they intend to recover and restage the modernist ideal of democratization of the art object. In ideal situations they can change their position in space as they are hanged from a stainless steel cable that crosses the exhibition room, they work then as a “curtain” that can actually be moved from one side of the gallery to the other. Another body of work consists in the production of drawings and prints through appropriation. Here I reuse and rearrange previous drawings and prints from sources from the late 50’s to mid 70’s, sources such as Latin American political posters, psychedelic imagery, Japanese graphic design, and book covers of publications ranging from Science Fiction to Mathematics. What unites these images is that they all share the historical context of 1969. They also share a universal graphic language. My appropriation of these pre-existing images aims to investigate their social and symbolic status as well as cross culture references they possibly share. This independent body of work functions then as an historical, contextual and formal counterpart to the spatial and geometric based work; somehow confronting avant-garde with neo avant-garde. I also produce sculptures, or better-said sculptural actions, as they are temporary and fragile constructions that do not last after the exhibition (or that are made only to be photographed). This project was born as an homage and critique to the history of modernism in Latin America. Both independent to European modernism and radical in its relationship to social movements, Latin American modernism is far from consolidated. My sculptures then intend to reflect modernist ideals and simultaneously the fragility of all these ideals. This project is also productively open as the sculptures can be made by me or commissioned to curators, museum staff or other artists, which adds a layer of participation and shared authorship to the project. When the sculptures are produced by other people I ask them to register them. I have also used this project in art workshops with children, opening it up to the pedagogical field. An early example of this multilayered practice would be the creation of the artist-run space Galería Chilena, which operated with no physical space in Santiago (1997-2000) as a nomadic yet “commercial” endeavor. The “gallery” set itself the challenge of creating a critical art market for the post-dictatorial Chilean contemporary art scene.

 
Traducido del inglés

Mi obra ha crecido de códigos visuales relacionados con la abstracción geométrica, donde los mecanismos económicos de producción de imágenes son simultáneamente un conjunto de referencias históricas y  un conjunto de herramientas de creación. Igualmente importante en mi formación ha sido la práctica de colaboración ya que constantemente entrelazo mi obra con la de otros por medio de la organización de exposiciones, proyectos de grupo, publicaciones, etcétera. Un ejemplo de ello podrían ser las instalaciones que he producido con paneles de tela, con el propósito de ser dibujos que ocupan el espacio y también cortinas que funcionan como organizadores de espacio, como muros temporales que canalizan la circulación del público y percepción del espacio, así como la percepción de otras obras en el espacio.  En este sentido, estas instalaciones son de igual forma un objeto de contemplación y un objeto funcional; se vuelven parte de la museografía y arquitectura flexible temporal. Pueden ser usadas por otros artistas y curadores. Estos paneles de tela también son referencia directa a movimientos de vanguardia como el constructivismo ruso y la escuela Bauhaus, puesto que intentan recobrar y reinterpretar el ideal modernista de democratización del objeto de arte. En situaciones ideales pueden cambiar su posición en el espacio ya que son colgados de un cable de acero inoxidable que cruza la sala de exposición; entonces funcionan como “cortina” que puede ser movida de un lado a otro.   Otro cuerpo de trabajo consiste en la producción de dibujos y grabados de referencias de los años cincuenta hasta mediados de los setenta, como afiches políticos de Latinoamérica, imágenes psicodélicas, diseño gráfico japonés y portadas de publicaciones de ciencia ficción o matemáticas. Lo que une estas imágenes es que todas comparten el contexto histórico de 1969. También comparten un lenguaje gráfico universal. La apropiación de estas imágenes preexistentes tiene como objetivo la investigación de su estatus social y simbólico y las referencias culturales que posiblemente comparten. Este cuerpo de trabajo independiente funciona como una contraparte histórica, contextual y formal de la obra espacial y geométrica, confrontando de alguna manera la vanguardia con neo-vanguardia. También produzco esculturas, o mejor dicho, acciones escultóricas, ya que son construcciones temporales y frágiles que no perduran después de la exposición (o que son hechas sólo para ser fotografiadas). Este proyecto nació como homenaje y crítica a la historia del modernismo en Latinoamérica. Igualmente independiente del modernismo europeo y radical en su relación con movimientos sociales, el modernismo latinoamericano está lejos de consolidarse. Mis esculturas intentan reflejar los ideales modernistas y simultáneamente evidenciar la fragilidad de estos ideales. Este proyecto también es productivamente abierto puesto que las esculturas pueden ser realizadas por mí o comisionadas a curadores, personal del museo u otros artistas, lo que añade otra capa de participación y autoría compartida del proyecto. Cuando las esculturas son producidas por otra gente les pido que las registren. También he usado este proyecto en talleres para niños, abriendo posibilidades en el campo pedagógico. Un ejemplo temprano de esta práctica multifacética podría ser la creación del espacio Galería Chilena, que fue operado sin espacio físico en Santiago (1997-2000) como un esfuerzo  nómada y comercial. La “galería” se puso a sí misma el reto de crear un mercado de arte crítico para la escena artística de la post-dictadura en Chile.

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Prizes / Fellowships

  • 2013: CONCURSO CHACO-FINLANDIA / 1ra Mencion Honrosa, Colección Vodka Finlandia, Santiago de Chile, Chile.
  • 2013, 2010, 2007, 2004: DIRAC, Ministerio de Relaciones Exteriores, Gobierno de Chile, Santiago de Chile, Chile.
  • 2012: DIVA (Danish International Visiting Artists Programme) – Danish Arts Council Committee for International Visual Arts.
  • 2009, 2004, 2001, 1999: FONDART, Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Santiago de Chile, Chile.
  • 2002: POLLOCK KRASNER FOUNDATION, New York, USA.

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October 5, 2013 Célio Braga https://abstractioninaction.com/artists/celio-braga/

The inspiration for my recent work lies in Brazilian popular culture: its rituals and colours, and processes of patient making that are often based on repetition. This is a culture where materials become infused with beliefs and desires, ritually suffused with the promise of future realisation. Aware of this permeability between the everyday and the spiritual, between concrete matter and intangible memories and wishes, I employ objects as materials that reflect the way desires are ritualized through matter: medical information leaflets and containers, Bonfim wish ribbons and textile fragments become the ground that supports the work, both materially and symbolically. Ingesting medicine and tying knots on Bonfim ribbons are a way of making wishes, and of anxiously awaiting for blessings; fragments of textiles speak of the desire to remember and to be close. In common, these material elements point to the desire of a body that wishes for health, intimacy, love and prosperity; a fragile body that fears mortality.

Influenced by practices of weaving, knotting, tying, cutting, mending, darning, sewing, embroidering and covering, I interweave gestures, rhythms and improvisations based on the repetition of lines and colours. In the Doloridos series, I cover medical leaflets with white gouache, hushing them, and trace horizontal or vertical lines in blue, red, green or yellow. This series is predominantly white, and silent. Ladainhas, on the other hand, is a colourful and vibrant series, in which I use cut paper, Bonfim wish ribbons, textile fragments and colour pencils. It reflects the simple popular geometry of rag rugs and patchwork quilts, but contains voids, around which the lines form grids that resonate as voices in ecstasy or supplication.

These are abstractions where visual perception and bodily pulsation merge. They draw the gaze and invite the viewer to come closer, attracted by what is apparently a rigorous minimalist grid or a rich profusion of colours. As a reward to the attentive and unhurried gaze, the work unveils a surprise – its own materiality and traces of texts from the ribbons and leaflets, now illegible, offer other readings. The work is the white hush that silences words, the interval between voices. It is the colourful voices that cannot be silenced, and intone other words, words that convey belief and desire. The work relates to rituals of cure, purification and protection, and is intended as a materialization of songs of joy and pain.

These works are lamentations and litanies presented as white or colourful geometry.

 
Traducido del inglés

La inspiración en mi obra más reciente yace en la cultura popular de Brasil: sus rituales, colores y pacientes procesos de elaboración que a menudo se basan en la repetición. Esta es una cultura donde los materiales se funden con las creencias y los anhelos, ritualmente cubiertos con la promesa de realización futura. Al tanto de esta permeabilidad entre lo cotidiano y lo espiritual, entre la materia concreta y las memorias y deseos intangibles, uso objetos como materiales que reflejan la forma en la que los deseos son ritualizados por medio de la materia: folletos y contenedores de información médica, listones de deseos de Bonfim y fragmentos de textiles, se vuelven la base que soporta la obra, de manera material y simbólica. Ingerir medicina y hacer nudos en listones de Bonfim son ambas maneras de tener un deseo y de esperar ansiosamente por bendiciones. Piezas de textiles hablan del deseo de recordar y permanecer cercano. En común, estos elementos materiales apuntan al deseo de un cuerpo que anhela salud, intimidad, amor y prosperidad; un cuerpo frágil que teme a la mortalidad.

Influido por prácticas de tejido, anudado, amarrado, cortado, reparado, zurcido, costura, bordado y recubrimiento, entrelazo gestos, ritmos e improvisaciones basadas en la repetición de líneas y colores. En la serie Doloridos, cubro folletos médicos con gouache, silenciándolos y trazando líneas horizontales o verticales en azul, rojo, verde o amarillo. Esta serie es predominantemente blanca y silenciosa. Ladainhas, por otro lado, es una serie colorida y vibrante, en la que uso papel cortado, listones de deseos de Bonfim, fragmentos de textil y lápices de colores. La serie refleja la simple geometría popular de tapetes de trapo y colchas de retazos, pero contiene vacíos alrededor de los cuales las líneas forman retículas que resuenan como voces en éxtasis o suplicio.

Estas son abstracciones donde la percepción visual y la pulsación corporal se unen. Atraen la mirada e invitan al espectador a acercarse, intrigado por lo que aparenta ser una rigurosa cuadrícula minimalista o una rica abundancia de colores. Como recompensa a la mirada atenta y parsimoniosa, la obra revela una sorpresa: su propia materialidad y huellas de textos de los listones y folletos, ahora legibles, producen otras lecturas. La obra es el blanco silencio que calla las palabras, el intervalo entre voces. Son las voces coloridas que no pueden ser silenciadas y entonan otras palabras; palabras que transmiten creencia y deseo. La obra se relaciona con rituales de sanación, purificación y protección y es concebida como una materialización de canciones de alegría y dolor.

Estas obras son lamentos y letanías presentadas como geometría blanca o de colores.

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October 4, 2013