Abstraction in Action Sandra Gamarra, Marco Maggi: 3rd Bienal de Montevideo https://abstractioninaction.com/happenings/sandra-gamarra-marco-maggi-3rd-bienal-de-montevideo/

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Artists: Sandra Gamarra, Marco Maggi.

3rd Bienal de Montevideo
September 29 – December 4, 2016
Palacio Legislativo, Salón de los Pasos Perdidos
Montevideo, Uruguay

 

November 7, 2016 Silvina Arismendi https://abstractioninaction.com/artists/silvina-arismendi/

My latest body of work is the result of an unrelenting research of materials and supplies. In an almost casual and brief gesture, I transform myriad of objects, gathered from everyday life, and compile them into different arrangements and situations. I attempt to give order by measuring my time, my work and my possibilities with certain materials and objects – obsessive repetition allows me to develop unique and personal systems. The work reveals in itself the process of its making, its failure or triumph.

I face every work with curiosity and try to understand how I can intervene the least to achieve the most. I look for an inner logic to my process that might lead the viewer to apparent conclusions.

I like to think of my work as an organized world that welcomes chaos and embraces the power of simplicity.

 

En los últimos ańos mi trabajo se enfoca en una continua investigación de materiales. En un gesto casi casual, transformo una infinidad de objetos, recolectados de la vida cotidiana y los compilo en diferentes arreglos y situaciones. Intento crear orden por medio de sistemas que me permiten medir mi tiempo, mi trabajo y mis posibilidades con ciertos materiales y objetos. La repetición obsesiva me permite crear sistemas únicos y personales. El trabajo revela en sí mismo el proceso de su elaboración , su fracaso o triunfo.

Me enfrento a cada trabajo con curiosidad y trato de entender cómo puedo hacer mínimas alteraciones para obtener máximos resultados, como puedo crear una lógica interna que pueda conducir al espectador a aparentes conclusiones.

Me gusta pensar en mi trabajo como un mundo organizado que acoge el caos y celebra el poder de la simplicidad.

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May 18, 2015 Martin Pelenur: La Pecera https://abstractioninaction.com/happenings/martin-pelenur-la-pecera/

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Artists: Martin Pelenur.

La Pecera
December 13, 2014
Taller abierto / La pecera
Uruguay

 

December 23, 2014 Adán Vallecillo & Eduardo Stupia: 500 Años de Futuro https://abstractioninaction.com/happenings/adan-vallecillo-500-anos-de-futuro/

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Artist: Franz Ackermann, Fernando Álvarez Cozzi, Sarnath Banerjee, Javier Bassi, Daniel Beerstecher, Camila Borgna, Adriana Bustos, Matilde Campodónico, Tanja Deman, Julián Dupont, Leandro Erlich, Francisco Espinosa Silva, Andrea Finkelstein, Rita Fischer, Federica +Lamasa Folco, Mark Formanek, Gianfranco Foschino, Yang Fudong, Cao Guimaraes, Simon Gush, Olaf Holzapfel, Sebastián Preece, Maurício Ianes, Majida Khattari, Ricardo Lanzarini, Pablo Lobato, Lucía Madriz, Sofia Medici, Patricia Mallarini, Paola Monzillo, Marcelo, Moscheta, Adrian Paci, Lucía Pittaluga, Federico Rubio, Haim Sokol, Guillermo Srodek-Hart, Patrick Steeger, Juliana Stein, Eduardo Stupia, Adán Vallecillo, Leonardo González, Diego Velazco, Humberto Vélez, Chen Xiaoyun, and Tobias Zielony.

500 Años de Futuro
Curator: Alfons Hung
September 22 – November 22, 2014
2da Bienal de Montevideo
Montevideo, Uruguay

La distancia que separa el presente del futuro se mide de modos diferentes y en unidades de medida variables en cada época. Ora el futuro parece estar al alcance de la mano, ora se aleja hasta lo inalcanzable. En ocasiones esta distancia se mide en nano segundos, otras en años, décadas y siglos. Los ingenieros intentan traducir la dimensión temporal a otra espacial y determinar la distancia entre presente y futuro con categorías físicas como millas, horas, kilovatios, o con el tacómetro, mientras que a los artistas les toca –no pocas veces– registrar las ruinas que bordean ese camino. Mientras que en el arte esta distancia es vivenciada de forma extremadamzente subjetiva y no lineal, la ciencia y la tecnología aspiran a la objetividad y plausibilidad.

El temor al mañana o, por el contrario, su anhelo, hará aparecer siempre al futuro en un matiz y extensión diferentes.

El futuro como el gran relato del arte

Desde la perspectiva eurocéntrica la cronología en el hemisferio occidental comienza recién en 1507, cuando el nombre “América” aparece por primera vez en un mapamundi de Martin Waldseemüller. Sin embargo, el hecho de que el continente estuviese poblado desde hace más de veinte mil años solía ignorarse, entre otras cosas, porque durante la conquista se destruyó una gran parte del patrimonio indígena.

Ante esta aniquilación a gran escala de una historia y un pasado, no es de extrañar que en Sudamérica también el futuro haya tenido que aplazarse una y otra vez. Esto es particularmente cierto para Brasil, el eterno “país del futuro”. Que en los últimos años ese futuro haya logrado alcanzarse –quizás por primera vez– se debe a un aceleramiento cultural en el que colaboraron, entre otros, las bienales de arte. De modo que estaremos bien aconsejados si entendemos el futuro por medio de la visión de los artistas.

Traspasando los hemisferios, la 2a Bienal de Montevideo desplegará aquellos grandes relatos que harán reducir, aumentar o incluso converger las distancias temporales y espaciales entre los continentes.

El título sugiere que en todos los momentos de la historia el presente ha sido una proyección hacia el futuro. Quizá el pasado y el presente no sean otra cosa que una acumulación de futuros imaginarios que entretanto alcanzaron los 500 años y se encuentran divididos en dos mitades, porque en Sudamérica siempre se tuvo que considerar o incluso vivir la historia de Europa.

Hasta el tiempo fue importado de Europa. En el año 1650 el Rey Felipe III donó un reloj que fue creado por los moros para la Alhambra, a la Catedral de Comayagua (Honduras). Es considerado el reloj más antiguo de América y todavía funciona correctamente.

Una comparación de este antiguo reloj árabe con el tiempo autoconstruido del proyecto Standard Time de Mark Formanek es muy sugestivo. El primero marca el comienzo de la mecánica moderna en América; el último, el retorno consciente a formas artesanales de producción. En el intento por construir cada minuto con la ayuda de tablas de madera, los trabajadores de Standard Time se mueven permanentemente al borde del fracaso. Se trata de una visualización del tiempo que –de manera precaria– todos los días pretende construir un puente entre el pasado y el futuro y que, no obstante, debe ser actual y puntual. Un sólo error interrumpiría para siempre el flujo inexorable del tiempo.

Mientras que los llamados “medios sociales” incrementan la velocidad, como si de esta forma uno podría acercarse más rápidamente al futuro y a otras personas, cada vez más artistas ven como la tarea más noble del arte la detención del curso del tiempo o, más aún, la posibilidad de construirlo ellos mismos.

Por esta razón los artistas contemporáneos recurren crecientemente a archivos de todo tipo que aluden al pasado: objetos de otras épocas, fotografías en blanco y negro de principios del siglo, películas vintage y found footage de los inicios del cine, entre otros. Ahora que todo ya ha sido fotografiado y filmado, y porque se confía cada vez menos en las promesas del presente, armar archivos parece haberse convertido en uno de los procedimientos más modernos. En estas obras se suprime la habitual concepción lineal del tiempo y el progreso, por lo que, en no pocos casos, el artista contemporáneo llega tarde, procesando temáticas antiquísimas.

El arte es una máquina del tiempo que pertenece tanto a las eras más remotas como al presente y, precisamente, la cercanía inesperada entre lo más antiguo y lo más nuevo es una de las paradojas del arte.

© Texto del curador general Alfons Hug

Image: Adán Vallecillo and Leonardo González, “I:492”, 2014
October 17, 2014 Silvana Lacarra: Itineraria. 10 mujeres, 2 territorios https://abstractioninaction.com/happenings/silvana-lacarra-itineraria-10-mujeres-2-territorios/

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Artists: Marta Ares, Patricia Bentancur, Claudia del Río, Colette Hillel, Silvana Lacarra, Ester Nazarian, Teresa Puppo, Silvia Rivas, Mónica Rojas, Anaclara Talento, and Cecilia Vignolo.

Itineraria. 10 mujeres, 2 territorios
August 7, 2014
Curator: Kekena Corvalán y Laura Reginato
Espacio de Arte Contemporáneo
Montevideo, Uruguay

“Mujeres Artistas, re[gener]adoras e inapropiables, contaminando las estructuras del arte, de la identidad, del enunciado, del deseo; desbordan las categorías claras e instituidas, las promesas de paraíso y subordinación; proponiendo nuevas geometrías posibles para considerar relaciones atravesadas y creadas por diferentes contrastes y asimetrías”.
Síntesis de texto curatorial

18:00 hs. – Charla con Francis Alÿs
19:30 hs. – Inauguración de exposiciones

“La acción reveladora o Poética de los intentos”
Francis Alÿs (Bel / Mex)
Curaduría de Fernando Sicco y el propio artista

August 29, 2014 Martin Pelenur: Konkurso https://abstractioninaction.com/happenings/martin-pelenur-konkurso/

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Artistas: Diego Focaccio, Diego Masi, Pablo Conde, Jacqueline Lacasa, Martín Verges, Federico Arnaud, Ernestina Pereyra, Gabriel Regal, Andrea Finkelstein, Gustavo Fernández, Alejandro Turell, Sergio Porro, Rita Fischer, Alvaro Gelabert, Andres Santangelo, Gustavo Jauge y Martín Pelenur.

Konkurso
July 1 – August 10, 2014
Centro de Exposiciones Subte
Montevideo, Uruguay

Se propone como un proyecto curatorial que  pretende intervenir (y no solo reflexionar acerca de) las relaciones de poder, incluso las que corresponderían a su propia existecia y al lugar en el cual existe.
Esta intervención se propone no solo desde lo formal, sino también desde su producción y circulación, en sentidos que se desarrollan más adelante.
Konkurso no es precisamente un concurso de arte aunque se presenta como tal, es más bien un encuentro entre colegas artistas para accionar y pensar.
Es una exhibición colectiva de 21 artistas invitados por el curador a formar parte de un concurso de arte donde el jurado está constituido por los propios artistas participantes.
La mayoría de los artistas invitados pertenecen a un mismo corte generacional, nacidos en los años 60s y 70s, salvo algunas excepciones pero todos vienen desarrollando una producción estética contundente y han participado activamente en exposiciones dentro y fuera de Uruguay, así como de los Concursos y Premios que  se desarrollan en nuestro país.

Existe una cierta diversidad y calidad en sus obras y en sus carreras que hace que sean atractivos para este tipo de proyecto. Los artistas, además de presentar una obra, tienen que participar de manera colectiva, proponiendo, discutiendo, argumentando, pensando y haciendo.
Konkurso es un concurso donde el jurado son los artistas, ellos determinaran cual es la obra merecedora del primer premio.
Ellos decidirán si existe tal premio o simplemente es una mención. También ellos decidirán cual es el montaje más apropiado para la exhibición así como el tipo de charlas y/o encuentros que se realizaran con el público.
A partir del panorama de los concursos en nuestro medio, se intenta reflexionar y cuestionar la actividad de competencia en el arte, así como de la sobrevaloración de los concursos y sus jurados.
Pretende ser una experiencia abierta y un trabajo en proceso.
ALGUNAS POSIBLES PREGUNTAS SOBRE LOS CONCURSOS DE ARTE EN URUGUAY

¿Es saludable competir en el Arte?
¿Por qué hay artistas que solo aparecen en los concursos y casi nunca se los ve exponiendo?
¿Hay artistas concurseros?
¿Podrían definirse como artistas oportunistas?
¿La presentación de carpetas con fotos y proyectos es mejor y ha facilitado la participación de más artistas que la presentación directa de la obra en primera instancia?
¿Tienen la misma oportunidad de participar los artistas del interior que los de la capital?

¿Hay acomodo en los Concursos de Arte?

En nuestro medio donde hay muy poca presencia de Galerías y el Mercado es pequeño. ¿Los concursos son una forma de dar visibilidad, además de “vender” la obra?

¿Por qué en la década de los 80´s y los 90´s había tantos concursos?
¿Por qué, paulatinamente, dejaron de hacerse  los concursos organizados por privados (Coca Cola, Inca, Alcan, United Airlines, etc.)?
¿Por qué, paulatinamente, dejaron de hacerse casi todos los concursos organizados por Bancos y Entes del Estado (Banco Hipotecario, Banco República, etc.?

¿Por qué el Premio Nacional no se realiza todos los años, como lo indica la ley que lo promulga?
¿Por qué cada vez que se realiza se cambian sustancialmente las bases del concurso?
¿Por qué se propone que los participantes voten a uno de los jurados?
¿Traer jurados del exterior, ayuda a la transparencia de los concursos?
¿Quiénes organizan y por consiguiente designan a los jurados, establecen las pautas y los lineamientos para que se premie a tal o cual lenguaje y “tipo” de artista y obra?
¿Los veedores, que se supone representan y defienden los intereses de los artistas, son útiles realmente?

¿Por qué la Intendencia de Montevideo dejo de hacer el Salón Municipal?

July 23, 2014 Martin Pelenur: Diagonal https://abstractioninaction.com/happenings/martin-pelenur-diagonal/

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Artist: Martin Pelenur

Diagonal
February 8, 2014
Galería del Paseo
Manantiales, Maldonado, Uruguay

“Trabajo en Pintura con una lógica de testeo, por ahora, siguiendo un mismo patrón; descompongo la actividad sintética de pintar en elementos constitutivos, haciendo así visible su relación.

Los cuadrados de MDF contienen tres manos de pintura. Base acrílica, barniz y esmalte. Translucidez y brillo son características notables del barniz.

La pintura seca en capas, con un volumen determinado en micras. Cuando la capa  supera esa micra, la pintura queda atrapada en el fondo, generando el corrugado posterior en la superficie.

El corrugado, considerado un error en la pintura,  genera el acto de pintar.

Me interesa producir esas condiciones.

El trabajo en cintas tiene que ver con la repetición. Desarrollo como distintas formas de colocar cintas en un soporte, generan una grilla en la superficie.  En este caso, superponiendo cuatro veces cinta y lograr así, la diagonal dentro del cuadrado.”

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March 31, 2014 Fidel Sclavo https://abstractioninaction.com/artists/fidel-sclavo/
Translated from Spanish

I have always aimed for my work to speak of that which grazes silence, but it is full of voices.

Sometimes imperceptible, in others, in a very low volume.

In a similar way to what happens with the beginning of homeopathy, the more subtle the dissolution is, the more intense its effect will be. The slighter the stimulus is, the more powerful the reaction will be.

A whisper tends to be more powerful than a scream. A small noise in the garden ends up scaring more than a grandiloquent thunder.

To focus there, where there appears to be nothing—and after some careful attention—turns out to be a territory filled of things that speak in a low voice.

As soon as they are perceived and appear, they cannot be silenced.

A great part of my work on paper is like letters that have not been read. They have been written in a language that we don’t recognize at a first glance.

A list of what stands still. A detailed index of that which doesn’t exist.

A meticulous catalogue of the impossible.

The group of papers—sometimes paper cutting, whit incisions, marked, or with perforations—ends up generating an alphabet. A grid more or less uniform or disperse, from which we can device an unusual calligraphic system, with cuneiform memories, a sheet of writing which we do not know how to decipher, but we know it is there, latent,  under those signs and that order that forms words, phrases, and full sentences. We can sense their existence beyond their apparent secrecy. A fragile Rosetta stone. A letter that we receive, ethereal, from another place, but we don’t know in which language it has been written.

And it waits there, still.

Apparently monochromatic from the lights and shadows resulting from the cuts and interventions on the paper, they generate countless hues and semitones within each color, which increase the sense of range of each sign not written out.

 

Siempre he intentado que mi obra hablase sobre eso que roza el silencio, pero está lleno de voces.

A veces, imperceptible. En otras ocasiones, a un volumen muy bajo.

De manera similar a lo que sucede con el principio de la homeopatía, cuanto más sutil es la disolución, más intenso su efecto. Cuanto más leve el estímulo, más poderosa la reacción.

El susurro suele ser más poderoso que el grito. Y el pequeño ruido en el jardín termina asustando mucho más que el trueno grandilocuente.

Hacer foco allí, donde parece que no hay nada, y -tras unos minutos de atención- pasa a ser un territorio repleto de cosas que hablan en voz baja.

Y una vez que son percibidas y aparecen, ya no se callan.

Gran parte de mi obra sobre papel son como cartas no leídas. Escritas en un idioma que no reconocemos a simple vista.

Una lista de lo que permanece quieto. Un pormenorizado índice de lo inexistente.

Un minucioso catálogo de lo imposible.

El conjunto de papeles, a veces calados, con incisiones, marcados o con perforaciones termina generando un alfabeto. Una grilla más o menos uniforme o dispersa, de la que puede adivinarse un inusual sistema caligráfico, con reminiscencias cuneiformes, una plancha de escritura. La cual no sabemos decodificar del todo, pero sabemos que está allí, latente, bajo esos signos y ese orden que forman palabras, frases y oraciones completas, de las que llegamos a intuir su existencia, más allá de su aparente hermetismo. Una piedra de Roseta frágil. Una carta que nos llega, etérea, desde algún lado, pero no sabemos el idioma en que ha sido escrita.

Y allí espera, quieta.

En su aparente monocromía, las luces y sombras resultantes de los calados e intervenciones sobre el papel, generan incontables matices y semitonos dentro de cada color, que amplían el rango y sentido de cada signo no escrito.

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February 19, 2014 Pedro Tyler: Galpón del Molino – Pueblo Garzón https://abstractioninaction.com/happenings/pedro-tyler-galpon-del-molino-pueblo-garzon/

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Pedro Tyler

Galpón del Molino – Pueblo Garzón
February 1 -7, 2014
Galería del Paseo
Punta del Este, Lima, Peru

Refernces to measure are primarily a distraction, the implicit agreement on what is calculated, is an allegory. Imperfection is the artist’s vast territory; imposing to it a form is his challenge. Tyler lets the mind loose mocking accuracy. Pedro uses measuring instruments as a simple and recognizable way to support his inner world.

February 6, 2014 Pedro Tyler https://abstractioninaction.com/artists/pedro-tyler/

I believe that the beauty of an artwork is connected to the way we get to know it. A knowledge that comes along with a pleasing sensation related to understanding. Comprehending and enjoying how its components interact between each other and their mechanisms of sustentation. This can be seen in my works when stacking coins, interlacing rulers or giving mobility to something that seems motionless. I relate beauty to the subtlety of instability. Those moments in which you understand or feel consciously that you are alive, that something overflows and is lost at every instant. I like the static at the moment it waits, like the calm before the storm, because it foretells it. The amazing moment before jumping or not to the void because of heights vertigo and its fall. Depths stillness where silence will listen to my body, or, on the other side, heights, for making me believe I am outside things and there is no center in them. Reflections, because of the question my eyes return. It delights me to know there is always something I can´t understand. Candlelight for not being steady, making shadows bigger and in obscurity, space more dense. I like altering things because I know they are not definitive and by doing so, apprehend them in a different way. The photo that shows the camera that took it, because it´s the perfect symmetry that I can´t achieve before a mirror. Cages, because they are spaces which are difficult to penetrate and from where you might not want to get out. I like art, that when I leave it, I feel like I`m losing something. Feeling the wind, the sun, the cold and the pain of a wound because they make me believe I am in a place. Glass and transparencies because they cut through space, whereas everything else occupies it, and what occupies it because it completes it. For the same reasons I like to think, for the moments in which I believe I learn and move forward, but more than anything, I like to think because I believe I don´t understand. In this search for understanding, is that I use everyday objects as material for my works, so as, by taking them out of context, appreciate them in another way. By putting water inside it, or chiseling its glass, a light bulb becomes, to me, a metaphor about the fragility of the body. How, thanks to that border that is our skin, we develop all our feelings and thoughts. With measuring tapes, wooden or steel rules, you can measure something linear as the body, but you can´t measure, for example, feelings inside that body. Measuring what can´t be measured. The measure of pain related to a close death, started a body of work that developed from a personal concern; how to analyze and reason about feelings. Although the artwork started being self-referential, I have come to know that the intimacy of this subject is universal. Each person interprets this experiences and concerns from his or hers perspective. And is from this perspective, unique and personal, that I hope they will relate to my artwork.

 

Creo que la belleza de una obra tiene que ver con nuestra manera de conocerla, y ese conocimiento acarrea una sensación placentera relacionada al entender. Entender y disfrutar cómo sus componentes interactúan unos con otros y sus mecanismos de sustentación. Esto puede verse al apilar monedas, entrelazar reglas o darle movilidad a algo aparentemente inmóvil.

Relaciono la belleza a la sutileza de la inestabilidad. Esos momentos de entender o sentir conscientemente que se está vivo, que algo se desborda y se pierde a cada instante. Me gusta lo estático en el momento que espera, al igual que la calma antes de la tormenta porque la presagia. El alucinante momento antes de saltar o no al vacío por el vértigo de la altura y la caída. La quietud de las profundidades donde el silencio escuchará mi cuerpo, o por otro lado, las alturas por creer que estoy fuera de las cosas y no hay un centro en ellas. Los reflejos por la pregunta que me devuelven mis ojos. Me agrada que siempre haya algo que no entienda. La luz de la vela por no ser constante, hace a las sombras más grandes y en la penumbra al espacio más denso.

Me gusta alterar las cosas porque sé que no son definitivas y así aprehenderlas de otra manera. La foto en la que sale la cámara que la sacó, porque es la perfecta simetría que ante un espejo no puedo lograr. Las jaulas porque son espacios en que es difícil penetrar y de los que tal vez no se quiera salir. Me gusta el arte que cuando lo dejo, me hace sentir que pierdo algo.  Sentir el viento, el sol, el frío y el dolor de una herida porque me hacen creer que soy en un lugar. El vidrio y las transparencias porque seccionan el espacio mientras que todo lo demás lo ocupa, y lo que lo ocupa porque lo completa. Por lo mismo me gusta pensar, por los momentos en que creo aprender y avanzar, pero más que nada me gusta pensar porque creo no entender.

En esa búsqueda por comprender, es que empleo objetos cotidianos como material de trabajo, para, sacándolos de su contexto, apreciarlos de otra manera.

Al poner agua en su interior, o cincelar su vidrio, una lamparita se convierte para mí en una metáfora de la fragilidad del cuerpo. Como, gracias a esta frontera que es la piel, desarrollamos todo nuestro sentir y pensar.

Con cintas métricas, reglas de madera o de acero, se puede medir algo lineal como el cuerpo, pero no se puede medir, por ejemplo, los sentimientos dentro de ese cuerpo. Medir lo que no se puede medir. La medida del dolor relacionada con una muerte cercana, dispara una serie de obras que nacen de una inquietud personal; cómo analizar y razonar sobre los sentimientos.

Si bien las obras partieron siendo auto referentes me he dado cuenta que la intimidad de estos temas resulta ser universal. Cada persona interpreta estas experiencias e inquietudes según su perspectiva. Y es desde esta perspectiva, única y personal, que espero se relacionen con mis obras.

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October 9, 2013 Ana Tiscornia https://abstractioninaction.com/artists/ana-tiscornia/

My visual rearrangements draw upon the paradoxical bond between architecture –a language of construction par excellence-with that of destruction and dislocation. In rearranging various materials I seek a potential poetics – a kind of cartography of social oblivion –that is simultaneously exposing but also recovering scattered fragments of an unrealized utopian project.

 
Traducido del inglés

Mis composiciones visuales recurren a la paradójica unión entre la arquitectura (un lenguaje de construcción por excelencia) con la destrucción y la dislocación. Al reconfigurar estos diferentes materiales busco una potencial poética, una especie de cartografía del olvido, que simultáneamente revela y también recobra fragmentos desperdigados de un proyecto utópico frustrado.

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Ana Tiscornia / Other impertinences

October 9, 2013 Martin Pelenur https://abstractioninaction.com/artists/martin-pelenur/

Translated from Spanish

I understand painting as a way of thinking and as an experimental practice. I think with images and then I try to conceive them. I work with premises. I think about walking as my form of resistance and about art as the ultimate frontier to redeem the desire to live in a different way. Surfer.

 

Entiendo a la pintura como una forma de pensamiento y como una práctica experimental. Pienso con imágenes y luego intento concebirlas.
Trabajo con premisas.
Pienso en el andar como mi forma de resistencia y al arte como la última frontera para reivindicar el deseo de vivir de forma distinta. Surfista.

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Education / Training

  • 2003: Analista en Economía. Facultad de Ciencias Económicas, Universidad de la República, Montevideo, Uruguay.
  • 2003: Formacion de taller con Fernando López Lage en el FAC (Fundación de Arte Contemporáneo) Montevideo, Uruguay.

Prizes / Fellowships

  • 2012-2014: Beca de creación FEFCA de la dirección Nacional de Cultura del MEC (Ministerio de Educación y Cultura) Montevideo, Uruguay.
  • 2012: Premio Nacional de pintura, Bartolmé Macció, San José, Uruguay.
  • 2012: Premio Paul Cezanne. Alliance Françoise, Montevideo, Uruguay.
  • 2011: Premio Pintura Bicentenario (selección). Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay.
  • 2011: Beca Instituto Goethe Montevideo-Berlin.

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  • 4 Museos + 40 Obras. Colección MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires), Buenos Aires, Argentina.
  • 54 Premio Nacional de Artes Visuales Carmelo Arden Quin. Montevideo, Uruguay.
  • Nuevas Vías de Acceso II. MNAV (Museo Nacional de Artes Visuales). Montevideo, Uruguay.
  • Absorciones. MEC (Ministerio de Educación y Cultura). Montevideo, Uruguay.

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October 8, 2013 Marco Maggi https://abstractioninaction.com/artists/marco-maggi/

From CNN to the DNA, I focus my attention on reaching surfaces without the minor hope to get informed. Everyday, we are condemned to know more and understand less. This antiseptic process prefigures the first global semiotic indigestion. Reality collapses when one tries to portray an ocean by depicting drop after drop of water. My vision of the world is as precise as it is mistaken, and that is why I draw for hours with intense attention and no particular intention.

 
Traducido del inglés

De CNN al ADN, enfoco mi atención a alcanzar superficies sin la menor intención de estar informado. Todos los días estamos condenados a saber más y entender menos. Este proceso antiséptico prefigura la primera indigestión semiótica global. La realidad se colapsa cuando uno intenta representar un océano al ilustrar cada gota de agua. Mi visión del mundo es tan precisa como errada, y es por esto que dibujo por horas con intensa atención y sin particular intención.

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October 5, 2013 Richard Garet https://abstractioninaction.com/artists/richard-garet/

Richard Garet interweaves various media including moving image, sound, multimedia performance, and photography. In work ranging from modified environments to site specific installations to audiovisual screening works, Garet constructs intimate spaces and immersive situations that draw attention to the processes of perception and cognition, and which activate sensorial, physical, psychological phenomena that reflect on the nature and experience of time. Garet’s pieces, whether conceptual in origin or stemming from his investigation of complex systems and algorithmic translations, are informed by the background noise established by mass media culture and the collective arena that surrounds him. Garet’s reductive process seeks to invert the normative function of this background noise, drawing it up from subliminal status to an active presence. He finds further inspiration from material interactions that incorporate problems of context, technology, defunctionalization, commodity, and environment.

 
Traducido del inglés

Richard Garet combina varios medios incluyendo imagen en movimiento, sonido, performance multimedia y fotografía. A partir de obras que abarcan desde ambientes modificados a instalaciones específicas u obras de proyección audiovisual, Garet construye espacios íntimos y situaciones inversivas que se enfocan en procesos de percepción y cognición, activando fenómenos sensoriales, físicos y psicológicos que reflexionan acerca de la naturaleza y el paso del tiempo. Las piezas conceptuales de Garet, o las surgidas a partir de su investigación de sistemas complejos y traducciones de algoritmos, se originan del ruido de fondo establecido por la cultura de medios de masa y el campo de colectividad que lo rodea. El proceso de reducción de Garet tiene como objetivo invertir la función normativa de este ruido de fondo, llevándolo de su estatus subliminal a una presencia activa. Garet encuentra mayor inspiración de las interacciones materiales que incorporan problemas de contexto, tecnología, des-funcionalización, mercancía y medio ambiente.

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October 5, 2013