Abstraction in Action Raquel Rabinovich https://abstractioninaction.com/artists/raquel-rabinovich/

For many years I have been investigating the ineffable nature of things, objects, words, thoughts. My art has always been informed by an underlying awareness of the concealed and ephemeral aspects of existence that we don’t see or that appear to be invisible. Through the processes I have explored, I try to reveal how that which has been concealed emerges into view. Art is for me making visible the invisible. In working across mediums for the last fifty years, I go to the unknown in order to know. I go to the dark to see the light.

  
Traducido del inglés

Durante muchos años, he estado investigando la naturaleza inefable de las cosas, los objetos, las palabras, los pensamientos. Mi arte siempre ha sido informado por una conciencia subyacente de los aspectos ocultos y efímeros de la existencia que no vemos o que parece ser invisible. A través de los procesos que he explorado, trato de mostrar cómo lo que se ha ocultado surge a la vista. El arte es para mí hacer visible lo invisible. Al trabajar en distintos medios durante los últimos cincuenta años, me voy hacia lo desconocido con la finalidad de conocer. Voy a la oscuridad para ver la luz.

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August 11, 2015 Jesús Matheus https://abstractioninaction.com/artists/jesus-matheus/

I am interested in a process of intermediation, in the admixture of media and the possibility of shaping their mutual resonances. What guides that process is a will to construct. Form takes root in those intermediary relations: form as the conceptual development of a tectonic sensation; form as the presentness of an object that migrates from one medium to the other. In each stage of my work, I have searched for that object, the place that cannot be framed within a medium-specific site. Detached from concrete objects, such a place is to be found between the works as a concept or idea in development. It is an ideogrammatic construction.

 
Traducido del inglés

Estoy interesado en un proceso de intermediación, en la mezcla de los medios y la posibilidad de transformar sus resonancias mutuas. Lo que guía este proceso es la voluntad de construir. La forma radica en esas relaciones de intermediación: la forma como el desarrollo conceptual de una sensación tectónica; la forma como el estado presente de un objeto que se desplaza de un medio a otro. En cada etapa de mi trabajo, he buscado para ese objeto el lugar que no se puede enmarcar dentro de un medio específico. Separado de objetos concretos, tal lugar se encuentra entre las obras como un concepto o idea en desarrollo. Se trata de una construcción ideogramática.

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May 18, 2015 Alice Quaresma https://abstractioninaction.com/artists/alice-quaresma/

My work elaborates on life “displacements” that take you to an uncomfortable place and push you to your limits. The cultural remnants that I encounter living overseas as a foreigner have always inspired me to create work that deals with memory, identity and melancholy. I am fascinated by the unique moments I experience when I live away from my culture. Despite the visual clarity of my artwork, the pieces convey a sense of oddness and casual dysfunction. I am interested in materials within my art practice that do not blend, but overlap to hide sections of the composition and reveal others. The revelations in the work come through a sense of surprise. My current work draws great influence from painting and photography. My fascination with painting started as a kid and it is my biggest challenge. Every time I paint I grow restless and find it difficult to resolve an artwork. However, this challenge teaches me to appreciate the qualities of painting as a process in my work.

My work has an almost abstract quality. The precise marks and interventions (with paper, tape, wood, paint and oil pastel) directly on photographic prints – produce an authentic quality to the work. As a result, my artistic investigation transcends the language of photography and acquires qualities of painting. I have been intrigued by ways to break the qualities of the photographic medium in my art practice. One of the art movements that has been especially inspiring to me is the Neo-Concrete art movement from the 1960’s (Rio de Janeiro, Brazil) where artists were using geometry as a way to expand the possibilities of texture and sensorial qualities in art. The work’s often experimental qualities allowed it to undergo a process of self-transformation.

 
Traducido del inglés

Mi trabajo profundiza en los “desplazamientos” de la vida que te llevan a un lugar incómodo y que te empujan hasta sus límites. Los restos culturales con los que me encuentro al estar viviendo en el extranjero siempre me han inspirado a crear obra que tenga que ver con la memoria, la identidad y la melancolía. Tengo una fascinación por los momentos únicos que experimento cuando vivo lejos de mi cultura natal. A pesar de la claridad visual de mi obra, las piezas transmiten una sensación de extrañeza y disfunción casual. Como parte de mi práctica artística, me interesan los materiales que no se mezclan, pero que se superponen para ocultar secciones de la composición y revelar otras. Las revelaciones en mi trabajo vienen a través de un sentido de sorpresa. Mi trabajo actual tiene una gran influencia de la pintura y la fotografía. Mi fascinación por la pintura comenzó desde que era una niña y se ha convertido en mi mayor reto. Cada vez que pinto, crezco de manera inquieta, y me resulta difícil resolver de esta manera la obra de arte. Sin embargo, este reto me enseña a apreciar las cualidades de la pintura como un proceso en mi trabajo.

Mi obra tiene una cualidad casi abstracta. Las marcas e intervenciones (con papel, cinta, madera, pintura y pastel al óleo) hechas sobre impresiones fotográficas, producen una auténtica calidad de la obra. Como resultado, mi investigación artística trasciende el lenguaje de la fotografía y adquiere cualidades de la pintura. Me ha intrigado la manera de romper las cualidades del medio fotográfico como parte de mi práctica artística. Uno de los movimientos artísticos que ha sido especialmente inspirados para mí es el movimiento de arte Neo-concreto de la década de 1960 (Río de Janeiro, Brasil) en donde los artistas utilizaron la geometría como una forma de ampliar las posibilidades de la textura y las cualidades sensoriales en el arte. Las cualidades a menudo experimentales del trabajo, permiten que éste se someta a un proceso de auto-transformación.

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May 15, 2015 Jaime Davidovich https://abstractioninaction.com/artists/jaime-davidovich/

My taped projects are about surfaces, context and space.

I first started working with adhesive tape in 1966. Initially I used the tape to hold my paintings to the wall, but starting in 1970 I eliminated the painting and concentrated on the tapes as my primary medium. I wanted to explore the possibilities of using spaces where the viewer does not expect art to be found. This concept brought me to intervene staircases, landing platforms and outdoor walls and objects. Each work was created for a unique space. When covering a surface, the tape creates an additive grid full of amorphous patterns caused by air bubbles. When developing a tape project, sometimes paper or a photograph was the support and framework for the piece, but many times the project was able to become monumental as it seamlessly adapted to the architecture of the space. Also in 1970, I began to incorporate videotape as part of these projects. The taped projects became “Art on tape and tapes as art”.

 
Traducido del inglés

Mis proyectos con cinta tratan sobre superficies, contexto y espacio.

Comencé trabajando con cinta adhesiva en 1966. Inicialmente utilicé cinta para sostener mis pinturas sobre la pared, pero a partir de 1970, eliminé las pinturas y me concentré en las cintas como mi medio principal. Quería explorar las posibilidades del uso de espacios en donde el espectador no espera encontrar arte. Este concepto me llevó a intervenir escaleras, plataformas de aterrizaje, paredes exteriores y objetos. Cada obra fue creada para un espacio único. Al cubrir una superficie, la cinta crea una retícula de aditivo llena de patrones amorfos causados por burbujas de aire. Durante el desarrollo de un proyecto con cinta, a veces el papel o la fotografía era el soporte y el marco de la pieza, sin embargo, muchas de las veces, el proyecto fue capaz de convertirse en monumental al momento de adaptarse perfectamente a la arquitectura del espacio. También, en 1970, comencé a incorporar cinta de video como parte de estos proyectos. Los proyectos grabados se convirtieron en “Arte en cinta y las cintas como arte”.

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May 4, 2015 Ivelisse Jiménez https://abstractioninaction.com/artists/ivelisse-jimenez/

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January 28, 2015 Rossana Martinez https://abstractioninaction.com/artists/rossana-martinez-2/

I am interested in creating an experience, and a dialogue between the body and common materials. The process and result are raw and unedited.  I investigate subtleties of balance and movement, breath and anatomy—based on the connection between a running and yoga practice, and my interest in dance, conceptual abstraction and performance art. My intention is to allow viewers to interpret and question the work according to their expectations about what art is and how it should appear.

 
Traducido del inglés

Me interesa crear una experiencia, un diálogo entre el cuerpo y los materiales comunes. El proceso y resultado es crudo e íntegro. Investigo las sutilezas del balance y del movimiento, de la respiración y la anatomía, basadas en las conexiones entre la práctica de yoga y correr, así como mi interés en la danza, la abstracción conceptual y el performance. Mi intención es el permitir a los espectadores interpretar y cuestionar la obra de acuerdo a sus expectativas de lo que el arte es y cómo debe verse.

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January 27, 2015 Raul Mourão https://abstractioninaction.com/artists/raul-mourao/

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  • 2014: “MOTO“, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil.
  • 2013: “Movimento Repouso“, Roberto Alban Galeria de Arte, Salvador, Brazil.
  • 2012: “Processo“, Estudio X, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Tração animal“, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Toque devagar“, Praça Tiradentes, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Homenagem ao cubo“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2012: “Chão, Parede e Gente“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2010: “Cuidado Quente“, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil.
  • 2010: “Balanço Geral“, Subterrânea,  Porto Alegre, Brazil.
  • 2007: “Fitografias“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2005: “LULADEPELÚCIA“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2004: “drama.doc“, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Niterói, Brazil.
  • 2004: “Entonces”, Paço Imperial, Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2003: “Pequenas frações“, Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 2003: “Cego só bengala“, Centro Universitário Maria Antonia, São Paulo, Brazil.
  • 2002: “Portátil 98/02“, Gabinete de Arte Raquel Arnaud, São Paulo, Brazil.
  • 2002: “Carga Viva“, Celma Albuquerque Galeria de Arte,  Belo Horizonte, Brazil.
  • 1999: “Sintético“, Agora / Fundição Progresso,  Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1996: “Calouste“, Galeria Ismael Nery – Centro de Arte Calouste Gulbekian, Rio de Janeiro, Brazil.
  • 1993: “Humano“, Galeria Sérgio Porto, Rio de Janeiro, Brazil.

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September 3, 2014 Erica Muralles Hazbun https://abstractioninaction.com/artists/erica-muralles-hazbun/

Through my work I revert the process in which form follows function, referring to actions that hold an established order in society. My purpose is not to build a closed, perfect system, but one that is interwoven with life. This is obtained by interlocking and linking a series of different materials consistently—from chaos to order—by weaving or joining them through other means. Where small changes in initial conditions can lead to large differences in future behavior, preventing long-term prediction.

My work comes from an empirical process that is in constant renewal, where the visual or formal aspects enter into dialogue with the symmetrical composition inherent in everything that human beings design and build. It is sensorial and appeals to a modular design or repetition as a starting point. Dynamic monotony is used as a creative impulse as a vital generator of inquiry. I analyze patterns of human behavior, the quotidian and what takes place in everyday life, what we perceive, and what defines our identity, our mission and place in our environment. My aesthetic concerns are immersed in the present reflecting change in my images. This process helps me to organize reality through representation.

 

En mi trabajo revierto el proceso en donde la forma sigue a la función, haciendo referencia a las acciones que tienen un orden establecido en la sociedad. Mi objetivo no es construir un sistema cerrado, perfecto, pero uno que se entrelaza con la vida, por lo azaroso e imprevisto. Esto lo obtengo mediante el enlace de series de distintos materiales de manera coherente –del caos al orden—al entrelazarlos o al unirlos por otros medios. En donde pequeñas variaciones en las condiciones iniciales pueden implicar grandes diferencias en el comportamiento futuro, dificultando la predicción a largo plazo.

Mi trabajo viene de un proceso empírico, que se encuentra en constante renovación, donde los aspectos visuales o formales dialogan con la composición simétrica inherente en todo lo que diseña o construye el ser humano. Es sensorial, apela a la modulación y a la repetición como método o punto de partida. La monotonía dinámica es utilizada como impulso creativo, como generador vital de indagación. Reflexiono sobre los patrones de comportamiento en el ser humano, lo cotidiano y lo que toma lugar en la vida diaria, lo que percibimos y nos define como personas, nuestro lugar y misión en nuestro entorno. Mis preocupaciones y estética están inmersos en el presente, lo que refleja el cambio en mis imágenes. Este proceso me ayuda a organizar la realidad a través de la representación.

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  • 2011: Primer Lugar – Artista menor de 30 años –III Salón Nacional del Grabado-, Banco G&T Continental, Guatemala, Guatemala.

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August 29, 2014 G. T. Pellizzi https://abstractioninaction.com/artists/g-t-pellizzi/

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February 19, 2014 Sergio Vega https://abstractioninaction.com/artists/sergio-vega/

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October 16, 2013 Mariángeles Soto-Díaz https://abstractioninaction.com/artists/mariangeles-soto-diaz/

Most of my work has implicit connections to my native country, Venezuela, where oil production made the promise of modernism more tangible, and its failure more poignant, than elsewhere in Latin America. I ruminate on the future of abstraction while glancing back at Venezuela’s collapsed modernist project – its chromatic remains – through the fracturing prism of contemporary conditions. I use the language of abstraction as a way to materialize and connect ideas. Conceiving abstraction as the critical and poetic language of potential allows me to pierce the detached geometries of ordering structures, making them responsive and more pliable. I work with paint, paper, ink, slides, spices, felt and vinyl. But my favored material is paradox: the promise and perils of utopian abstraction, political formalisms, universal specificities, and the underlying order of chaos.

 

La mayor parte de mi trabajo tiene conexiones implícitas con mi país natal, Venezuela, donde la producción de petróleo hizo la promesa de la modernidad más tangible, y su fracaso más doloroso, que en otras partes de América Latina. Yo exploro el futuro a través de la abstracción, a su vez miro el pasado, estudiando el colapsado proyecto modernista de Venezuela – sus restos cromáticos – a través del prisma de la fractura de las condiciones contemporáneas. Uso el lenguaje de la abstracción como una forma de materializar y conectar ideas. Concebir la abstracción como lenguaje de crítica y poética de un potencial me permite perforar las geometrías de las estructuras adosadas y llevarlas hacia algo más sensible y más flexible. Trabajo con la pintura, el papel, la tinta, las diapositivas, las especias, el fieltro y vinilo. Pero mi materia favorita es la paradoja: la promesa y los peligros de la abstracción utópica, formalismos políticos, las especificidades universales, y el orden que ya subyace al caos.

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October 16, 2013 Pablo Jansana https://abstractioninaction.com/artists/pablo-jansana/

A way to talk about the future while talking about the past. It is our present moment.

My multi-disciplinary practice, involving painting, sculpture, collages and manipulation.

Locations normally seen out the corner of the eye. The happy themes of arts, books, advertising, languages and different sources. Imagery from other eras where both treatment of the subject and the physical elements of the photography are current convention. Evoking narratives and memories through the juxtaposition of objects and images. I strive to create work that is highly charged and simultaneously empty.

My eclectic use of materials – including resin, aluminum, wood or clay—develops my fascination with the visual importance and presentation of objects. Working with photography, and painting my interests have evolved into the realms of 3D, presenting still images in an ever more engaging and dynamic set-up. Sometimes obscures parts of my found photographs and magazine cutting—playing on the interpretation and interplay between images—after my careful arrangement.

My work might also be interpreted as a comment on populist vs. elitist art. But they’re certainly not meant as criticism, as I am interested in both high and low culture and materials itself.

 
Traducido del inglés

Una forma de hablar sobre el futuro mientras se habla del pasado. Es nuestro momento presente. Una práctica multidisciplinaria, que incluye pintura, escultura, collage y manipulación. Lugares normalmente vistos de reojo. Los temas felices de las artes, libros, publicidad, lenguajes y diversas fuentes. Imágenes de otras eras donde el tratamiento del tema y los elementos físicos de la fotografía son la convención actual. Evocar narrativas y memorias por medio de la yuxtaposición de objetos e imágenes. Lucho por crear obra que está cargada de contenido y es vacía a la vez.

Mi uso ecléctico de materiales, incluyendo resina, aluminio, madera o arcilla, desarrolla mi fascinación con la importancia visual y la presentación de los objetos. Trabajando con fotografía y pintura, mis intereses han evolucionado hacia el campo de la tercera dimensión, presentando imágenes fijas en configuraciones más dinámicas e interesantes. Mi obra también puede ser interpretada como un comentario del arte populista vs. elitista, pero ciertamente no están hechas como crítica, puesto que también estoy interesado en materiales elevados y de cultura popular.

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October 15, 2013 Juan Pablo Garza https://abstractioninaction.com/artists/juan-pablo-garza/

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My work aims to be an exploration on photography as a technique and as a language in itself, becoming an important aspect within my personal discourse. From this central idea derives my interest on the revision and dialogue between the photographic image and other representation mediums, as well as the investigation on the possible transformation of content in everyday spaces, in expressive subjects. I seek to approach the image not as a mere fact anchored to formal rules, but also being interested in the use of the image as a sort of container of ideas, as a vehicle of information. This has taken me, among other things, to the manipulation of found scenes, as well as the complete construction of images. I conceive the creative process as a tool for research and knowledge, as an active way of relating to the world, as an experience that transforms into a process of understanding. I believe as much in intuitive intelligence as in intellectual exercises. Whichever the case, I believe the constant questioning and the formulation of questions is vital for the beginning of new possibilities and directions in the creative endeavor.

Mi trabajo pretende ser una exploración en torno a la fotografía como recurso técnico y como lenguaje en sí mismo, convirtiéndose ésta en un factor determinante dentro de mi discurso personal. De esta idea central parte mi interés por la revisión y el diálogo entre la imagen fotográfica y otros medios de representación, así como también, la indagación en torno a la posible transformación del contenido de espacios cotidianos en materia expresiva. Busco entonces abordar la imagen, no como mero hecho anclado a leyes formales, sino interesándome también en el uso de la imagen como una suerte de contenedor de ideas, como vehículo de información. Esto último me ha llevado, entre otras cosas, tanto a la manipulación de escenas encontradas, como a la construcción completa de imágenes. Concibo el proceso creativo como una herramienta para la investigación y el conocimiento, como una manera activa de relacionarme con el mundo, como experiencias que se transforman de alguna manera en un proceso de comprensión. Creo tanto en la inteligencia intuitiva, como en el ejercicio intelectual. En cualquiera de los dos casos, el constante cuestionamiento, el planteamiento de preguntas me resulta vital para la apertura de nuevas posibilidades y direcciones del hacer creativo.

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October 9, 2013 Ishmael Randall Weeks https://abstractioninaction.com/artists/ishmael-randall-weeks/

My work encompasses site-specific installations, sculpture and video to works on paper.  In these works, issues of urbanization, transformation, regeneration, escape, collapse and nomadic existence have been predominant. While the work in the drawing studio serves as a means for a more intimate exploration of these issues, the foundation of my larger scale work lies in the alteration of found and recycled materials and environmental debris, often on site (including such source materials as books and printed matter, empty tins, old tires, bicycles, boat parts and building construction fragments) that are often altered to create sculptural objects and architectural spaces. These works take the visual form of functional objects while stripping them of their productivity to address notions of labor and utility, forcing an examination of our understanding of culturally specific forms while simultaneously exploiting and adapting their particular codes and associations.

 
Traducido del inglés

Mi obra abarca instalaciones de sitio específico, escultura y video hasta obra en papel. En estas obras, temas de urbanización, transformación, regeneración, escape, derrumbe y existencia nómada han sido predominantes. Mientras que el trabajo en el estudio de dibujo sirve como una forma más íntima de exploración de estas ideas, la base de mi obra a gran escala está en la alteración de materiales encontrados y reciclados y desechos ambientales, a menudo in situ (incluyendo fuentes como libros y material impreso, latas vacías, llantas viejas, bicicletas, partes de barco y fragmentos de construcción), que son a menudo modificados para crear objetos esculturales y espacios arquitectónicos. Estas obras toman la forma visual de objetos funcionales mientras que los despojan de su productividad para abordar nociones de labor y utilidad, forzando un análisis de nuestro entendimiento de formas culturalmente específicas, mientras que explotamos y adaptamos sus códigos y asociaciones particulares.

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October 9, 2013 Clarissa Tossin https://abstractioninaction.com/artists/clarissa-tossin/

The notion of gesture is the primary impulse behind my work. My videos, photographs, installations, sculptures and drawings are the result of subtle gestures that intend to reveal what goes unseen or unexamined, be it architectural similarities between a settlement in the Amazon forest and a small town in Michigan or the intensive labor required to clean a pristine modernist government building in Brasília. Architecture, as a manifestation of identity, ideology and economic power is of great interest to me, as it is to investigate the invisible supporting structures of modernity, urban life and capitalism. In dialogue with these concerns are my interest in indexical processes and the cultural and historical connotations of a given material. My investment in indexicality stems from its intrinsic relationship to our bodies and therefore proximity to the real. Not unlike what happens with history and its material evidences. My works on paper exist in a place between bi and tridimensionality, as they usually hold object-like qualities. Double-sided prints, ink and paper disintegrated into dust, crushed folds and creases are some examples on how I treat surfaces as material. This approach triggers a tension between representation and trace while combining body movements to the articulation of ideas.

 
Traducido del inglés

La noción del gesto es el primer impulse detrás de mi obra. Mis videos, fotografías, instalaciones, esculturas y dibujos son el resultado de sutiles gestos que intentan revelar lo que pasa desapercibido o sin estudiarse, ya sea similitudes arquitectónicas entre una aldea en la selva Amazónica con un pueblito de Michigan; o la intensa labor requerida para limpiar un edificio gubernamental prístino en Brasilia. La arquitectura como manifestación de la identidad, ideología y poder económico es de gran interés para mí, como lo es investigar las estructuras de soporte de la modernidad que son invisibles, la vida y el capitalismo. En diálogo con estas preocupaciones está mi interés en los procesos de indicio y las connotaciones culturales e históricas de un material. Mi dedicación al indicio parte de su relación intrínseca con nuestros cuerpos y por tanto a la proximidad con lo real, no muy alejado de lo que pasa con la historia y sus evidencias materiales. Mi obra en papel existe en un lugar entre la bi y tridimensionalidad, ya que por lo regular poseen cualidades de objeto. Grabados de dos caras, tinta y pape desintegrados en polvo y dobleces machucados, son ejemplos de cómo manejo las superficies como material. Este acercamiento provoca una tensión entre la representación y el trazo mientras combino movimientos corporales a la articulación de las ideas.

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October 9, 2013 Ana Tiscornia https://abstractioninaction.com/artists/ana-tiscornia/

My visual rearrangements draw upon the paradoxical bond between architecture –a language of construction par excellence-with that of destruction and dislocation. In rearranging various materials I seek a potential poetics – a kind of cartography of social oblivion –that is simultaneously exposing but also recovering scattered fragments of an unrealized utopian project.

 
Traducido del inglés

Mis composiciones visuales recurren a la paradójica unión entre la arquitectura (un lenguaje de construcción por excelencia) con la destrucción y la dislocación. Al reconfigurar estos diferentes materiales busco una potencial poética, una especie de cartografía del olvido, que simultáneamente revela y también recobra fragmentos desperdigados de un proyecto utópico frustrado.

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Ana Tiscornia / Other impertinences

October 9, 2013 Luis Roldán https://abstractioninaction.com/artists/luis-roldan/

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October 8, 2013 Iván Navarro https://abstractioninaction.com/artists/ivan-navarro/

Translated from Spanish

Electricity is the foundation of my work. Thanks to it, sculptures and installations can be perceived, and at the same time understood in different levels of relationships with the space that surrounds them, with the encircling architecture, with their social context or with spectators that directly interact with the work in a physical and psychological way.

The work’s content is in part due to the experiences during the period of dictatorship in Chile (1973-1989). This was a period which exerted great violence, intimidation and misinformation on the citizens. This climate of social instability also made evident an alert in the face of the lack of connection between the real and the apparent.

In another level of relationships, the works have a dialogue with the history of design and modern art, subverting its formal purity with their social content. The works presented here use electricity as power source, with a broad meaning: the electrical lights that often celebrate or honor a situation, show here the other side of their luminosity, i.e., darkness and fear, as simultaneous homage to seduction and alienation.

 

La electricidad es la base fundamental de mi trabajo, gracias a ella las esculturas e instalaciones  pueden ser percibidas y al mismo tiempo, comprendidas en distintos niveles de relaciones con el espacio que las rodea; con la arquitectura circundante,  con su contexto social o con espectadores que interactúan directamente con el trabajo en forma física y psicológica.

El contenido de las obras, en parte se debe a experiencias vividas durante el periodo de dictadura en Chile (1973-1989). Periodo que ejerció gran violencia, intimidación y desinformación en la ciudadanía. Este clima de inestabilidad social también evidenció una alerta ante la evidente desconexión entre lo aparente y lo verdadero.

En otro nivel de relaciones, los trabajos mantienen un dialogo con la historia del diseño y del arte moderno, subvirtiendo su pureza formal con sus contenidos sociales.

Los trabajos aquí presentados, ocupan la electricidad como fuente de poder con un amplio significado: las luces eléctricas que muchas veces celebran o festejan una situación, aquí muestran el otro lado de su luminosidad, es decir, la oscuridad y el miedo. Como homenajes simultáneos a la seducción y a la alienación.

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October 5, 2013 Felipe Mujica https://abstractioninaction.com/artists/felipe-mujica/

My work has grown from visual codes linked to geometric abstraction, where the economic devices of image making are simultaneously an historical set of references and a set of creative tools. Also important in my formation has been the practice of collaboration as I constantly intertwine my own work with the work of others through the organization of exhibitions, group projects, publications, and so on. An example would be installations I have produced with fabric panels; which aim to be drawings that occupy space and also curtains that function as space organizers, as temporary walls that canalize the public’s circulation and perception of space as well as the perception of other possible art works in space. In this sense these installations are both an object of contemplation as well as a functional device, they become exhibition design and flexible temporary architecture: they can be used by other artists or curators. These fabric panels also refer directly to avant-garde movements such as Russian Constructivism or the Bauhaus School, as they intend to recover and restage the modernist ideal of democratization of the art object. In ideal situations they can change their position in space as they are hanged from a stainless steel cable that crosses the exhibition room, they work then as a “curtain” that can actually be moved from one side of the gallery to the other. Another body of work consists in the production of drawings and prints through appropriation. Here I reuse and rearrange previous drawings and prints from sources from the late 50’s to mid 70’s, sources such as Latin American political posters, psychedelic imagery, Japanese graphic design, and book covers of publications ranging from Science Fiction to Mathematics. What unites these images is that they all share the historical context of 1969. They also share a universal graphic language. My appropriation of these pre-existing images aims to investigate their social and symbolic status as well as cross culture references they possibly share. This independent body of work functions then as an historical, contextual and formal counterpart to the spatial and geometric based work; somehow confronting avant-garde with neo avant-garde. I also produce sculptures, or better-said sculptural actions, as they are temporary and fragile constructions that do not last after the exhibition (or that are made only to be photographed). This project was born as an homage and critique to the history of modernism in Latin America. Both independent to European modernism and radical in its relationship to social movements, Latin American modernism is far from consolidated. My sculptures then intend to reflect modernist ideals and simultaneously the fragility of all these ideals. This project is also productively open as the sculptures can be made by me or commissioned to curators, museum staff or other artists, which adds a layer of participation and shared authorship to the project. When the sculptures are produced by other people I ask them to register them. I have also used this project in art workshops with children, opening it up to the pedagogical field. An early example of this multilayered practice would be the creation of the artist-run space Galería Chilena, which operated with no physical space in Santiago (1997-2000) as a nomadic yet “commercial” endeavor. The “gallery” set itself the challenge of creating a critical art market for the post-dictatorial Chilean contemporary art scene.

 
Traducido del inglés

Mi obra ha crecido de códigos visuales relacionados con la abstracción geométrica, donde los mecanismos económicos de producción de imágenes son simultáneamente un conjunto de referencias históricas y  un conjunto de herramientas de creación. Igualmente importante en mi formación ha sido la práctica de colaboración ya que constantemente entrelazo mi obra con la de otros por medio de la organización de exposiciones, proyectos de grupo, publicaciones, etcétera. Un ejemplo de ello podrían ser las instalaciones que he producido con paneles de tela, con el propósito de ser dibujos que ocupan el espacio y también cortinas que funcionan como organizadores de espacio, como muros temporales que canalizan la circulación del público y percepción del espacio, así como la percepción de otras obras en el espacio.  En este sentido, estas instalaciones son de igual forma un objeto de contemplación y un objeto funcional; se vuelven parte de la museografía y arquitectura flexible temporal. Pueden ser usadas por otros artistas y curadores. Estos paneles de tela también son referencia directa a movimientos de vanguardia como el constructivismo ruso y la escuela Bauhaus, puesto que intentan recobrar y reinterpretar el ideal modernista de democratización del objeto de arte. En situaciones ideales pueden cambiar su posición en el espacio ya que son colgados de un cable de acero inoxidable que cruza la sala de exposición; entonces funcionan como “cortina” que puede ser movida de un lado a otro.   Otro cuerpo de trabajo consiste en la producción de dibujos y grabados de referencias de los años cincuenta hasta mediados de los setenta, como afiches políticos de Latinoamérica, imágenes psicodélicas, diseño gráfico japonés y portadas de publicaciones de ciencia ficción o matemáticas. Lo que une estas imágenes es que todas comparten el contexto histórico de 1969. También comparten un lenguaje gráfico universal. La apropiación de estas imágenes preexistentes tiene como objetivo la investigación de su estatus social y simbólico y las referencias culturales que posiblemente comparten. Este cuerpo de trabajo independiente funciona como una contraparte histórica, contextual y formal de la obra espacial y geométrica, confrontando de alguna manera la vanguardia con neo-vanguardia. También produzco esculturas, o mejor dicho, acciones escultóricas, ya que son construcciones temporales y frágiles que no perduran después de la exposición (o que son hechas sólo para ser fotografiadas). Este proyecto nació como homenaje y crítica a la historia del modernismo en Latinoamérica. Igualmente independiente del modernismo europeo y radical en su relación con movimientos sociales, el modernismo latinoamericano está lejos de consolidarse. Mis esculturas intentan reflejar los ideales modernistas y simultáneamente evidenciar la fragilidad de estos ideales. Este proyecto también es productivamente abierto puesto que las esculturas pueden ser realizadas por mí o comisionadas a curadores, personal del museo u otros artistas, lo que añade otra capa de participación y autoría compartida del proyecto. Cuando las esculturas son producidas por otra gente les pido que las registren. También he usado este proyecto en talleres para niños, abriendo posibilidades en el campo pedagógico. Un ejemplo temprano de esta práctica multifacética podría ser la creación del espacio Galería Chilena, que fue operado sin espacio físico en Santiago (1997-2000) como un esfuerzo  nómada y comercial. La “galería” se puso a sí misma el reto de crear un mercado de arte crítico para la escena artística de la post-dictadura en Chile.

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Prizes / Fellowships

  • 2013: CONCURSO CHACO-FINLANDIA / 1ra Mencion Honrosa, Colección Vodka Finlandia, Santiago de Chile, Chile.
  • 2013, 2010, 2007, 2004: DIRAC, Ministerio de Relaciones Exteriores, Gobierno de Chile, Santiago de Chile, Chile.
  • 2012: DIVA (Danish International Visiting Artists Programme) – Danish Arts Council Committee for International Visual Arts.
  • 2009, 2004, 2001, 1999: FONDART, Consejo Nacional de la Cultura y las Artes, Santiago de Chile, Chile.
  • 2002: POLLOCK KRASNER FOUNDATION, New York, USA.

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October 5, 2013 Marco Maggi https://abstractioninaction.com/artists/marco-maggi/

From CNN to the DNA, I focus my attention on reaching surfaces without the minor hope to get informed. Everyday, we are condemned to know more and understand less. This antiseptic process prefigures the first global semiotic indigestion. Reality collapses when one tries to portray an ocean by depicting drop after drop of water. My vision of the world is as precise as it is mistaken, and that is why I draw for hours with intense attention and no particular intention.

 
Traducido del inglés

De CNN al ADN, enfoco mi atención a alcanzar superficies sin la menor intención de estar informado. Todos los días estamos condenados a saber más y entender menos. Este proceso antiséptico prefigura la primera indigestión semiótica global. La realidad se colapsa cuando uno intenta representar un océano al ilustrar cada gota de agua. Mi visión del mundo es tan precisa como errada, y es por esto que dibujo por horas con intensa atención y sin particular intención.

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October 5, 2013 Juan Iribarren https://abstractioninaction.com/artists/juan-iribarren/

Translated from Spanish

I work mainly in oil on canvas, although I also regularly produce works of paper in ink, pencil or color pencils, as well as photography series. I make a seemingly abstract painting, nevertheless based on the light that comes through the workshop on an empty wall, and how it affects color.

I depart from a lighting situation (of lights and shadows) that I observe and to which I remain faithful. I believe simultaneously in a geometric structure (given by the planes of light or sun rays on the wall), and the shapeless color fields applied gesturally (though my attempt to reach color and shape precision in light). The result is a collision between two types of painting apparently impossible to reconcile: an ideal geometric structure and an atmospheric, gestural and undefined painting.

Photography takes geometry beyond the oil paintings, transforming them in flat and immediate images. At the same time they speak about the effect of light on color, since they portray the paintings subject to new light situations that complicate color and confuse what is painted with what is captured with the photographic lens.

I am interested in the legacy of modern geometry, but subverting it through the confrontation with an opposing painting that allows the environmental, the soft, the mudded, and the polluted. I research through my works the equivalence, deceptively unrecognizable, between geometry and light.

 

Trabajo mayormente en óleo sobre tela, aunque tambien produzco regularmente obras sobre papel hechas con tinta, lápiz o lápices de colores, así como series de fotografías.  Hago una pintura aparéntemente abstracta, sin embargo basada en la luz que penetra en el taller sobre una pared vacía, y en como ella afecta el color.

Parto de una situación lumínica (de luces y sombras) que observo y a la cual me mantengo fiel. Creo simultaneamente una estructura geométrica (dada por los planos de luz o sol sobre la pared), y campos de colores informes aplicados gestualmente (en mi intento de lograr la exactitud de color y forma de situaciones de luz o luminicas tan cambiantes). El resultado es un choque entre dos tipos de pintura aparentemente imposibles de reconciliar: una estructura geométrica ideal y perfecta, y una pintura atmosférica, gestual e indefinida.

Las fotografías llevan mas allá la geometría presente en los óleos convirtiéndolos en imágenes planas e immediatas. Al mismo tiempo ellas hablan del efecto de la luz sobre el color, ya que éstas retratan los oleos sometidos a  nuevas situaciones lumínicas que complican el color y confunden lo pintado con lo captado por el lente fotográfico.

Me interesa el legado de la geometría modernista, pero esta vez subvertido a través de su confrontación con una pintura normalmente contraria que permite lo atmosferico, lo blando, lo turbio, lo contaminado. Investigo a traves de mis obras una equivalencia, aparentemente irreconciliable, entre la geometría y lo lumínico.

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October 5, 2013 Richard Garet https://abstractioninaction.com/artists/richard-garet/

Richard Garet interweaves various media including moving image, sound, multimedia performance, and photography. In work ranging from modified environments to site specific installations to audiovisual screening works, Garet constructs intimate spaces and immersive situations that draw attention to the processes of perception and cognition, and which activate sensorial, physical, psychological phenomena that reflect on the nature and experience of time. Garet’s pieces, whether conceptual in origin or stemming from his investigation of complex systems and algorithmic translations, are informed by the background noise established by mass media culture and the collective arena that surrounds him. Garet’s reductive process seeks to invert the normative function of this background noise, drawing it up from subliminal status to an active presence. He finds further inspiration from material interactions that incorporate problems of context, technology, defunctionalization, commodity, and environment.

 
Traducido del inglés

Richard Garet combina varios medios incluyendo imagen en movimiento, sonido, performance multimedia y fotografía. A partir de obras que abarcan desde ambientes modificados a instalaciones específicas u obras de proyección audiovisual, Garet construye espacios íntimos y situaciones inversivas que se enfocan en procesos de percepción y cognición, activando fenómenos sensoriales, físicos y psicológicos que reflexionan acerca de la naturaleza y el paso del tiempo. Las piezas conceptuales de Garet, o las surgidas a partir de su investigación de sistemas complejos y traducciones de algoritmos, se originan del ruido de fondo establecido por la cultura de medios de masa y el campo de colectividad que lo rodea. El proceso de reducción de Garet tiene como objetivo invertir la función normativa de este ruido de fondo, llevándolo de su estatus subliminal a una presencia activa. Garet encuentra mayor inspiración de las interacciones materiales que incorporan problemas de contexto, tecnología, des-funcionalización, mercancía y medio ambiente.

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October 5, 2013 Marta Chilindrón https://abstractioninaction.com/artists/marta-chilindron/

My focus has always been on questioning the accuracy of our perception, our interpretation of reality.  I have tried to capture the state of flux of everything. Participation of the viewer is important because it brings the person into the sculpture; the public is the performer and the viewer, and that dual involvement is an important element of my work. I explore the ideas of sequencing, beginning and end, making objects that are simple networks with no definite shape and that exist between the second and third dimension with infinite possible configurations.

 
Traducido del inglés

Mi enfoque siempre ha sido el cuestionar la precisión de nuestra percepción, de nuestra interpretación de la realidad. He intentado capturar el estado de flujo de todas las cosas. La participación del espectador es importante porque trae a la persona dentro de la escultura; el público es el que realiza el performance y el espectador, y esa participación binaria es un elemento importante de mi obra. Exploro ideas de secuencia, principio y fin, realizando objetos que son redes simples sin forma definida y que existen entre la segunda y tercera dimensión, con configuraciones posibles infinitas.

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October 4, 2013