Abstraction in Action Martin Cordiano https://abstractioninaction.com/artists/martin-cordiano/

 

 

About the Artist

As a visual artist I aim to make constructions that offer an insight into the relationship with others and with the space that surrounds us; as well as to explore routine and the way we inhabit space. My practice is an exploration of the contradiction between the dynamic world we live in and the rigid structures of the building environment and architecture that contains it. As a result, art is used as lens to think and rethink this language, trying actively to renegotiate meaning through asking questions differently. Laying down the platform to engage in conversation to try to renegotiate these agreements.

Eminently simple yet complex in its implications, my work stands as a paradigm for a practice of making, which is beyond either art or architecture.

I experiment on and in the real world. Pulling apart the structures of our everyday life, playing with the materials out of which we construct our surroundings and our implements, and opening up new spaces within a world we thought we had defined. What remains inherent throughout my practice is the sense of experimentation and investigation that operates as an extension of our ability to be at home in the world, to remake our reality, and to question our existence through what we make.

Como artista visual me propongo realizar construcciones que ofrecen una mirada sobre la relación con otros y con el espacio que nos rodea; como también de explorar la rutina y la forma como habitamos el espacio. Mi practica es una exploración de las contradicciones entre el mundo dinámico en el cual vivimos y las estructuras rígidas del paisaje construido y de la arquitectura que la contiene. Como resultado, el arte es empleado como un lente para pensar y repensar este lenguaje, de tratar activamente de renegociar el sentido, al preguntar de otras formas. Construir una plataforma para propiciar conversaciones e intentar renegociar estos acuerdos. 

Eminentemente simple pero a la vez complejas estas implicaciones, mi obra se plantea como un paradigma para la practica del hacer, que va mas allá del arte y de la arquitectura.

Yo experimento sobre y dentro del mundo real. Yo desarmo las estructuras del día a día, jugando con los materiales con los cuales construimos nuestros entornos y nuestros implementos,  y así abrir nuevos espacios dentro del mundo que pensamos habíamos definido. Lo que se mantiene inherente a lo largo de mi práctica es el sentido de experimentación e investigación que opera como extensión de nuestra habilidad de sentirnos en casa en el mundo, de rehacer nuestra realidad, y de interrogar nuestra existencia a través de lo que hacemos.

 

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December 6, 2016 Andrea Ostera https://abstractioninaction.com/artists/andrea-ostera/

 

 

About the Artist

My work is traversed by two conceptual axis. On the one hand, by the exploration of the conditions and limits of photography. The matter relating to physics and chemistry in the materials sensitive to light; the quotes about the history of the photographic representation; the tricks of the monocular device; and, more recently, the migration of images from the photographic paper to the screen. I have developed much of my work around these components.

On the other hand, I have dealt with issues of representation and translation between one medium and another. The mediation, an invariably imperfect operation, has been a field of play and manipulation in my work. The appearance of daily objects in my work, is simply a pretext for my work. The use of banal objects respond to the need of making with what is available, the material “at hand”, easy to find, and ready to be used.  The home, the neighborhood, are the stages where the work takes place: the objects, necessary actors, inevitable accomplices, are the condition of possibility of these images.

Dos ejes conceptuales atraviesan mi obra. Por un lado, la exploración de las condiciones y los límites de la fotografía. Las cuestiones de física y química en los materiales sensibles a luz, las citas a la historia de la representación fotográfica, las trampas del aparato monocular y, más recientemente, la migración de las imágenes desde el papel fotográfico a la pantalla, componen una trama sobre la que se ha desarrollado gran parte de mi trabajo.

Por el otro, la experimentación con cuestiones de representación y traducción entre un medio y otro. La mediación, esa operación siempre imperfecta, ha sido en mi obra un terreno de juego y manipulación. La aparición de objetos cotidianos en mi trabajo no es más que un pretexto para mi obra. La utilización de objetos banales responde a la necesidad de un hacer con lo disponible: material “a mano”, fácil de conseguir y listo para ser usado. La casa, el vecindario son el escenario donde sucede la obra; los objetos, actores necesarios, cómplices inevitables, condición de posibilidad de estas imágenes.

 

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December 5, 2016 Marcela Astorga https://abstractioninaction.com/artists/marcela-astorga/

About the Artist

Trabajo en la realización de objetos,  instalaciones, videos, fotografías, acciones etc. A través de estos medios investigo y experimento con la intención de generar nuevas imágenes, en las cuales se produzca un encuentro entre las ideas,  formas y materiales y que éstas se fusionen y se pertenezcan.

Me motivan los lugares de contención, de pertenencia, de identificación, de protección, de construcción, y en ese sentido la PIEL es el concepto, el material, la representación, y la metáfora que me interesa.

Creo que es allí, en la piel como gran órgano sensor, donde está el registro de nuestra experiencia.

Ampliando su sentido, pienso que tenemos otras pieles: la ropa, la casa, la ciudad, el universo y,  este imaginario forma parte de mi práctica artística.

Valoro el poder de las imágenes cuando contienen la fuerza para despertarnos y en mi trabajo intento que sean las protagonistas.

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I work in the production of objects, installations, videos, photography, actions, etc. Through these mediums I research and experiment with the objective to generate new images, where the encounter between ideas, forms and materials merge and permeate with each other.

I’m motivated by places of contention, belonging, identification, protection and construction. In this way the SKIN is the concept, the material, the representation, and the metaphor that interests me.

I believe that the skin is the great organ- sensor where experience is registered.

Broadening its meaning, I think that we have other skins such as our clothes, the house, the city, the universe, and that this imaginary is part of my artistic practice.

I value the power of images when these contain the strength to awaken us, and in my work I attempt for these to be the protagonists.

 

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June 8, 2016 KIRIN: DIDERÓTICA https://abstractioninaction.com/happenings/kirin-diderotica/

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Artist: KIRIN

DIDERÓTICA
April 9th, 2016 -May 31st, 2016
Jorge Mara-La Ruche
Buenos Aires, Argentina

DIDERÓTICA is a double tribute, or an “appreciation”, as specified in the subtitle of the exhibition. On the one hand, the figure of famous French philosopher and writer Denis Diderot (1784 1713) is celebrated, creator, animator and editor of one of the most ambitious and influential intellectual endeavors of the human spirit, L’Encyclopédie (1751 -1772). On the other hand, the exhibition celebrates a color present in all the works on display: red.

There is no direct, causal link between the life and work of Diderot and the color red. The encyclopedic – who was perhaps the first great art critic in history – does not even have any explicit mention of red in his writing. It could be surmised that the color red is usually used to mark or highlight something and Kirin uses it to reveal details or aspects of the work from Diderot. The fact is that Kirin dreamed about this writer he admires in reds and it is known that dreams have a mysterious logic of their own. Some of the works on show are recreations made by the artist of the wonderful illustrations from L’Encyclopédie. Kirin recreates, draws, copies and pixelates these images and intervenes with red, or rather with variations of the range of this color that is so powerful and symbolic. Kirin uses vermilion, cadmium, scarlet, cinnabar and several shades of red, as Michel Pastoureau says in his Dictionary of colors, “… it is the color par excellence, the archetypal color, first of all colors “. Kirin had already used a single color in some previous pictorial series: Negro de marfil (2004) or black-white dialogue in Entrelíneas (2014), both of which were exhibited at the Jorge Mara – La Ruche Gallery. In both exhibitions there is an illustrated catalog.

In this series Kirin continues developing variations on geometric shapes, sometimes large in size. Along with these, there are smaller oils on paper, showing a kind of weaving or linking of graphic signs evocative of ancient, archaic alphabets with a singular poetic content: pure pictorial representations without further reference than their own mystery.

 

June 1, 2016 Horacio Zabala: Purity Is in the Mix https://abstractioninaction.com/happenings/horacio-zabala-purity-mix/

Zabala

Artist: Horacio Zabala

La pureza está en la mezcla/Purity Is in the Mix
March, 2016 – July, 2016
Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat
Buenos Aires, Argentina

Horacio Zabala: La pureza está en la mezcla / Purity Is in the Mix,  is a retrospective exhibition curated by Rodrigo Alonso for the Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat in Buenos Aires. It is open to the public until July  and it will travel to the Phoenix art Museum to inaugurate in October and will be on public view until March of 2017.

The exhibitions is not organized chronologically, but it moves dialectically across time to demonstrate how Zabala has explored some ideas and forms of abstraction since the early 1970s to today. Constant areas of investigation are the monochrome and the use of mathematical and and punctuation symbols which create a tension between the color planes and the wall. Also a singular form of criticality and irony is present in much of his work, ranging from the political and the everyday in the global world.
-Cecilia Fajardo-Hill
May 27, 2016 Mauro Giaconi: From the Depths of Time https://abstractioninaction.com/happenings/mauro-giaconi-depths-time/

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Artist: Mauro Giaconi

From the Depths of Time
Until July 24, 2016
Museo Universitario Del Chopo
Mexico City, Mexico

The Argentine artist works against the boundaries of a discipline that is conventionally understood as marks on a surface. In his practice, he continually redefines the act of drawing using autobiographical reflection, historical references and his anchoringin a present-day commitment with the awareness of someone who has lived in different latitudes and grew up under a dictatorship.

The exhibition comprises three works that present his working processes: an ephemeral mural that covers the walls of the room, incorporating architectural elements from the museum’s immediate surroundings. The installation Alma (Soul) is made up of a heap of “rocks” formed from empty plastic bags. Finally, the museum’s storage room is used to project the video Línea transversal (Transversal Line), which records an action inspired by an episode from the military dictatorship in Uruguay.

May 17, 2016 Horacio Zabala: Entre líneas https://abstractioninaction.com/happenings/horacio-zabala-entre-lineas/

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Artist: Horacio Zabala 

Entre líneas
April 8, 2016 – May 9, 2016
Henrique Faria Buenos Aires
Buenos Aires, Argentina

La muestra de Horacio Zabala que presenta la galería Henrique Faria y que lleva por título Entre líneas, puede interpretarse a partir del acto de tachar. Si la escritura –como quería su inventor Thot– tiene como fin preservar la memoria, ¿qué sentido tiene la tachadura? ¿Qué es lo que sucede cuando se oculta lo escrito? ¿Se hace una impugnación de lo recordado, se censura un mensaje, se borra un acto de comunicación, se instaura un nuevo tipo de escritura que ya no sirve a la memoria sino al olvido? Horacio Zabala le quita a la tachadura todas las connotaciones negativas que posee para ponerla en un plano de la invención. Tachar y crear son, en su obra, un gesto único e indivisible. Y eso desencadena, por lo menos, tres procesos: la tachadura como manifestación sensorial, como investigación de la censura y como afirmación del monocromo.

La escritura, que en estas obras es el origen o el punto de partida, está escamoteada. Está dentro de los libros, pero son libros que no se pueden abrir. Está en los periódicos, aunque en palabras y números que no se dejan leer. Debería estar en los lomos pero lo único que ellos nos ofrecen son monocromos rojos. A la vez, esa escritura que se oculta es el andamiaje de la obra: regula el juego de líneas, impone sus límites. La primera operación de Zabala es pasar –con sus tachaduras– del orden de lo legible a lo visible, de la escritura al color. La mancha nos hace ver algo y, en ese mismo gesto, ver lo que no se puede pensar: visibiliza lo ininteligible.

Ese juego de borradura y ocultamiento hace pensar en la censura. Más cuando se sabe que Zabala participó en el arte político de los años setenta y vivió fuera del país en tiempos de la última dictadura militar. Mario Perniola, que leyó su obra bajo la noción psicoanalítica de censura, dijo que el artista “suprime todo con una determinación radical” y “opera la negación de la negación” porque en los periódicos ya operan mecanismos de silenciamiento y desinformación. ¿Al evidenciar los mecanismos de la censura –se pregunta el crítico italiano– se trata de regenerar el arte? La respuesta de Zabala es doble: política y existencial.

Por el lado político, sus obras nos extraen del entorno pero no lo olvidan nunca. El entorno siempre está ahí: tachado y por eso mismo visible. Los títulos de algunas obras lo evidencian al reponer las fechas del periódico que le dan origen: La Nación, jueves 14 de julio de 1988 o Le Monde Censurado – Bourse de Paris, 24-11-93. Ahí están como indicaciones de un día determinado. Ese momento nos remite a otros: imposible no pensar las rayas coloridas que tachan los registros de la Bolsa de París en relación con el

predominio de lo económico en la actualidad y con un lenguaje –el de los indicadores financieros– que apenas sabemos leer pero que influye tanto en nuestras vidas. Esa es la lectura contextual y, si se quiere, política: el mecanismo de la censura habla de la memoria pero también de las complejas apariciones del olvido involuntario o deliberado. Exhibe problemas de legibilidad y los resignifica en términos visuales. La máquina de arte debe procesar tanto las memorias como los olvidos, los recuerdos como lo que quedó reprimido o borrado. Al tachar, Zabala exhibe las diversas aristas de la censura.

La respuesta existencial no niega la lectura política sino que la potencia desde otro lugar. En Zabala, la tachadura es también el camino a un desamparo mayor como sus planos de cárceles o sus cálculos matemáticos. La cárcel no es sólo la represión del poder, también remite a la precariedad humana. La biblioteca sin palabras además de la cancelación de la lectura, es también la apertura a otras actividades humanas: mirar, clasificar, archivar, incorporar lo leído. Las obsesiones con la página de un periódico exceden la ironía sobre las jergas financieras para convertirse en una aventura del color y de la invención. En definitiva: el monocromo, en Zabala, es existencial, testimonio extremo en que la tachadura oculta tanto como revela, en el que lo sensible y lo conceptual se unen en el mismo momento en que se separan.

Horacio Zabala hizo sus primeras obras en la década del sesenta: a diferencia de otros artistas que fueron desplazándose hacia el arte conceptual, Zabala nació conceptual. Formado como arquitecto, en Zabala los anteproyectos son tan importantes como la obra misma: son todas transformaciones de una sensibilidad artística que se despliega, un pensamiento que se hace en imágenes. De ahí la importancia de esta muestra: en las bibliotecas monocromáticas, en los trabajos con los periódicos, en los avatares del rojo, el espectador (un lector de signos) puede acompañar los procesos de un arte dinámico que nos lleva a sensibilizarnos, a partir del color y la forma, sobre los actos de escribir, censurar, tachar, dibujar, planificar, componer y agregar un objeto al mundo.

Gonzalo Aguilar

May 6, 2016 Alejandro Dron https://abstractioninaction.com/artists/alejandro-dron/

 

About the Artist

QUE PONGAS TU CUERPO, TU TIEMPO

Porque así vivo el arte, como una fuerza vital que se compromete con todo. Un fuego personal que da sentido al concepto hebraico de la realidad.
Me refiero al flujo temporal que derrite las imágenes congeladas, estáticas. Imagenes fijas que nada tienen que ver con el dios único, inefable, total, infinito, fluido, liminal de mis raices.

Para mi lo sustancial pasa de manera ‘diagonal’, como se ubica la mesuzah en el umbral de la puerta, esquivando el obstáculo, contemporizando extremos ortogonales y así creando una síntesis que ‘pase a través’, que fluya.

Se podría también decir que mis esculturas plegables y voladoras se parecen a letras hebreas, palabras, una sintaxis, una semiótica pero que no quedan ahí disciplinadas en la cabeza, sino que son totales por delimitar sus blancos de fondo y hacerlos uno con sus negros. Un ‘continum’ de letra/fondo real de infinitas posibilidades.

Mis obras intentan lo multifacético, lo multidireccional, lo multidimensional. Son eccentricas. No tienen posiciónes únicas. Están creadas para que yo las abra como a un libro. Si no para mi no valen, no tienen gracia. Las quiero totales e infinitas. Totales, absolutas y que comprendan a todas sus transformaciones. Cambios que apunten a mostrar la unidad invisible. No hay dos participantes que puedan ver o configurar lo mismo al mismo tiempo. Ni componerlas totalmente en un instante determinado. Mi tiempo ‘por etapas’ despliega lo invisible. La mitzva ‘azamra’ que me comanda a ‘ser feliz todo el tiempo’ me asiste a crear estos desplegables, y a leerlos también con mi cuerpo.

Soy un continuador de la obra de los artistas Agam y Kosice. Agam fue quien decidió concientemente darle una forma expresiva al concepto de realidad hebraico. Kosice por su obra articulable Royi, su aguas vitales controladas por la alegria genuina y sus ciudades hidro-espaciales de carácter mesiánico.

En el ultimo siglo vimos como la academia fue sobrepasada por la vanguardias. Como su refinamiento elitista sin vida fue suplantado por una fuerza cruda rejuvenecedora que tan bien nos hizo. Luego el ‘dada’ que nacio como rebeldía autentica contra la razón se volvió un comercio banal.  Un dada preciosista.Y por otro lado el arte político-ideologico de izquierda.

Yo entiendo que el arte tiene su origen en lo religioso. Y es allí donde reside su carácter verdaderamente político, porque es movido por una fuerza activa, que es ‘visión’ mesiánica. Trabajar hoy para esta fuerza activa – en contra de lo sin sentido que quiere impedir – demanda una ingeniería sofisticada. Se trata de ‘volver al origen’ a contracorriente de la colosal redundancia. Estamos en una lucha por la supervivencia espiritual.

Quizás siempre ha sido así para todo verdadero artista.
Como lo intento por mi parte? Como hago para escuchar en medio de este ensordecedor ruido? Escuchando a mis amigos de ruta que alcanzaron saber algo de ese origen y me señalan que queda allí, alla adelante!

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THAT YOU PUT FORWARD YOUR BODY, YOUR TIME

Because this is the way I live art, as a vital force that is committed with everything. It is a personal fire that gives meaning to the Hebraic concept of reality. I refer here to the temporary flux that melts frozen and static images. Fixed images that have nothing to do with the unique God, ineffable, total, infinite, fluid, liminal of my roots.

For me the essential takes place in a ‘diagonal’ manner, as you place the mezuzah on the door threshold, avoiding the obstacle, temporizing  the extremes orthogonal and thus creating a synthesis, that ‘goes through’, that flows.

We could also say that my foldable and flying sculptures look like Hebraic letters, words, that they are a syntax, a semiotic, that are not disciplined in the head, instead are totals to demarcate the white in the background, and create a unity with their blacks. This is a continuum of real letters/background of infinite possibilities.

My works attempt the multifaceted, the multidirectional, the multidimensional. They are eccentric.  They don’t have unique positions. They are created so that I can open them like a book. Otherwise the have no worth, they have no grace. I want them total and infinite. They should be total, absolute, and that they understand all their transformations. Their changes should point to an invisible unit. There are no two participants that can see or configure the same at the same time. They cannot compose them totally in a determined instant. My time ‘in stages’ unfolds the invisible. The Mitzva ‘azamra’ that commands me to ‘be happy all the time’ assists me in creating these foldable works, and also to read them with my body.

I carry on the work of artists Agam and Kosice. Agam was who decided consciously to give an expressive form to the concept of the Hebraic reality. Kosice with his movable Royi, with his controlled vital waters through the genuine happiness and his hydro spatial  cities of messianic character.

This last century we saw how the academy was overtaken by the Avant-gardes. We saw how their lifeless elitist refinement was replaced by a raw rejuvenating strength that did us good. Afterwards ‘Dada’ which was born as an authentic rebellion against reason, became a banal commerce; an affected Dada. We also find the political-ideological art of the left.

I understand that art has its origin in the religious. It is there where we find its true political character, because it is propelled by an active force, which is a messianic ‘vision’. To work today for this active force – against the nonsense which impedes- requires a sophisticated engineering.  It is about ‘returning to the origin’, in countercurrent  to the colossal redundancy. We are in a fight for the spiritual survival.

Perhaps it has always been this way for all true artists.

How do I attempt it on my side? How do I listen in the midst of the deafening noise? By listening to my friends of path,  that have achieved to knowing something of this origin and signal me that it is found there, ahead!

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May 4, 2016 Karina Peisajovich: Background https://abstractioninaction.com/happenings/karina-peisajovich-background/

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Artist: Karina Peisajovich

Background
April 14, 2016 – June 4, 2016
Alejandra von Hartz Gallery
Miami, Florida

Peisajovich explores the material constitution of the image more than that of representation. Whether through her environmental lighting projects as in her drawings, she alters the sensory experience of the viewer and at the same time, prompting him/her to wonder about the construction of his/her own perceptual process. In her own words “I think of visuality as an unnatural and imaginary phenomenon, fragile, contingent and constructed at the same time. From all of this are made the images in which we live”.

With their absolute formal nudity, the drawings titled “Gradient” can be seen as time encrypted in color. The palette of these works is organized based on the tension produced by chromatic relations, manifesting the unstable parameters of the eye.

“All that sinks into light is the resonance of what the night submerges” *, it is an intervention of the Gallery’s illumination system.  Peisajovich alters the existing electrical system and the disposition of the space’s lighting fixtures, changing their role and orientation.

In relation to this work, Peisajovich says: “In the latest Light Works I was more focused on using the already existing illumination systems of the premises where I was invited to show. In art spaces, especially in museums, lighting is used to impart a certain theatricality to the works. There is something of overacting in this operation. In this sense, these works disarm and absorb this setting.”

In both, the drawings and the intervention of light, appear the idea of the pictorial background, not as an inert support, but as an active space which realizes imaginary expectations. As produced by the fluctuations of the natural light in an environment, backgrounds are planes where latent forms that have not found their place are projected.

*The title of this work is taken from the film “Passion” of Jean Luc Godard.

April 25, 2016 Kirin, Macaparana, Sclavo, Stupía: El color de los sueños https://abstractioninaction.com/happenings/kirin-macaparana-sclavo-stupia-el-color-de-los-suenos/

Fidel Sclavo- Mixta sobre papel -36 x 36 cm.- año 2012

Artists: Arnaiz, Greco, Grilo, Kemble, Kirin, Lecuona, Lío, F. Muro, Macaparana, Minujín, Pakovskà, Pucciarelli, Sacerdote, Sakai, Sclavo, and Stupía.

El color de los sueños
November 6 – December 30, 2015
Jorge Mara La Ruche
Buenos Aires, Argentina

A blue stain on the white fabric and beside it the words: ceci-est-la-couleur-de-mes- rêves. That is how Joan Miró named his monochrome picture.

Many other artists – before and after- felt attracted by the use of a single color in their works. Klee, Kandinsky, Fontana, Klein and Malevich painted monochrome works. Sometimes the dominance of one color is inextricably associated with the artist: Ives Klein is blue, Beuys and Jasper Johns are identified with gray, Rothko and Tapies with roasted reds. Black is Goya and Ad Reinhardt, Millares and Saura too. Gray evokes Joseph Beuys, Jasper Johns and Robert Morris. Blue is Miró; red belongs to Matisse and Newman. Roasted red belongs to Rothko and Tapies. Black is Goya and Millares, Ad Reinhardt, Saura …

Art history provides examples of various possible meanings for monochrome painting. This is sometimes negation and sometimes affirmation. The monochrome is a vacuum which, by definition, means absence of image. The rectangle of a single color is a tabula rasa on which the unique relationship that it counts is the one between the pictorial surface and the viewer.

The first fully monochrome paintings, three fabrics that Rodchenko painted in 1915, Red, Yellow, Blue, expressed a return to the primary colors, or in other words, the principle ones. For artists of the revolutionary vanguard, the goal was to go “beyond the painting”. The tabula rasa corresponds to the revolutionary impulse of starting over: Russian and Polish constructivists, the School of New York in the post-war, Burri, Fontana and Manzoni in Italy, Yves Klein in Paris and the Zero Group in Germany use monochromes in the immediate post war. During Franco’s dictatorship the Spanish abstraction is characterized by mostly almost black paintings. Blacks are typical Saura pictures, including a series based on the black paintings from Goya. In fact, the first specific identification of single color paintings in art history goes back to the series of frescoes painted by Goya in the Quinta del Sordo, known as “black paintings”. His Perro semi-hundido (1819) is certainly the first monochrome works of art history.
From there onwards, there were and are many artists who aspire- through the use of one color only – an eloquent silence, to an irradiation of light and color, or an unrelenting darkness. In this exhibition we present various works, mostly related to our gallery artists who explore in their works, and in their own way, this singular and complex way of using a dominant color.

November 24, 2015 Amadeo Azar: La tormenta que imaginamos https://abstractioninaction.com/happenings/amadeo-azar-la-tormenta-que-imaginamos/

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Artist: Amadeo Azar

La tormenta que imaginamos
September 18 – October 30, 2015
Nora Fisch
Buenos Aires, Argentina

¿Qué pasa cuando un artista pinta en acuarela la modernidad? ¿Pueden las formas del arte moderno inventarse otra vez, o descubrirse como si hubieran pasado siglos olvidadas y perdidas para deslumbrar con aliento renovado? ¿Cómo puede volverse a ellas libre de vicios? ¿O volverlas tema sin hacer revisionismo, sin ahondar en el fracaso del gran proyecto moderno y de la revolución? ¿Sin caer en un conceptualismo que se pretenda superador? Sumergido en su taller, Amadeo Azar emprende una aventura infinita hacia lo profundo de su interés por las formas de la modernidad guiado por el encantamiento romántico y puntilloso con el que se entrega a su trabajo de artista, fundamentalmente de pintor. Y de su combinación aparentemente incompatible de tema y método, resulta un trabajo delicado y conmovedor en el que las formas supuestamente anónimas y prácticas, neutras y absolutas de la modernidad, se despliegan en imágenes donde la naturaleza de la acuarela -veloz, difusa y transparente- las carga de ánimo y hace visibles en una atmósfera de gran intimidad.

Si a partir del camino abierto por la abstracción, el artista moderno intensifica su búsqueda por obras que signifiquen la pura invención y, por ende, la pura verdad, el trabajo de Azar retoma, a través de ellas, el camino de la ilusión y la referencialidad. Sus pinturas de esculturas de Naum Gabo, Enio Iommi, Gyula Kosice, de obras de Raúl Lozza, son imágenes de imágenes. Lo que presentan no son ya el movimiento, el volumen o el color irrumpiendo en el espacio, sino radiografías exquisitas que traen a la vista algo para su reconocimiento. Con estos estudios, Azar penetra no sólo en la intimidad de una obra sino también en el proceso de invención de quien la creó, hace de la pieza que mira un retrato psicológico, la recorre y reproduce para entender, desde el hacer, su forma, sus brillos, sus líneas, sus volúmenes, sus quiebres; para representarla en toda su materialidad y, por qué no, en su espiritualidad. Fantasmales, las pinturas -algunas incluso fotografiadas e impresas sobre el mismo tipo de papel sobre el que él pinta- parecen eternizar, aunque en composiciones más oscuras, su luminosidad.

En el otro extremo de esta serie de trabajos, que se reproducen como espejismos, Azar parece probar la modernidad por sí mismo. Aunque con toda la carga del siglo pasado en sus manos y en sus ojos de artista, perdido en el ensimismamiento en el que se entrega a pintar, algunos de sus papeles buscan conquistar como se hizo antaño el plano puro de pintura como habiendo llegado otra vez al punto en que la materia exige no ser más que ella misma. Y, silenciosas, se asocian a estas imágenes casi fotográficas de obras reconocidas, papeles donde la acuarela logra plenos audaces en que sólo ella se hace escuchar. Crujiendo sobre el papel, sin embargo, no hay en ellos exclusiva precisión, uniformidad y pureza de color; por el contrario, es imposible no sentir en ellos la evocación de la niebla, o de una bruma de paisaje romántico o renacentista. Si, por un lado, estos plenos intensifican la relación con las fuentes que inspiran el trabajo de Azar, y se alinean con ellas, por otro, parecen defender el valor de lo inacabado, difuso, sugerente y abierto frente a la obra concluida y perfecta.

Una serie de esculturas -piezas que recuerdan los primeros trabajos constructivistas de Vladimir Tatlin que combinan planos y volúmenes de materiales diversos-, también se animan a probar estos momentos iniciáticos de las vanguardias. Combinando libros, recortes de diarios, partes de yeso, restos de papeles pintados, Azar arma volúmenes en los que incluso la pintura se integra al espacio, poniéndola nuevamente a prueba. Continuando con el principio del arte abstracto de ser fiel a los materiales, estas piezas integran al trabajo el flujo de lo que rodea al artista en su taller y tal vez buscan compartir, en el acto de su descubrimiento y composición, algo del júbilo inventivo que los guiaba.

Si la modernidad pretendía redefinir la sensibilidad colectiva, la obra de Azar renueva nuestra sensibilidad hacia ella. En el tratamiento personal, íntimo y minucioso que da a este proyecto que se cantó concreto y puro, lo homenajea andando sobre sus propios pasos con silencio y más de su propia y única delicadeza.

Alejandra Aguado

Images courtesy of the artist.
September 25, 2015 Lucila Amatista: Vida Primaria https://abstractioninaction.com/happenings/lucila-amatista-vida-primaria/

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Artist: Lucila Amatista

Vida Primaria
Curator: Valeria González
August 20 – October 16, 2015
Ro Galería de Arte
Buenos Aires, Argentina

Lucila Amatista (Buenos Aires, 1978) presenta una selección de acuarelas y cerámicas que nos muestran entidades que no pueden ser definidas como una especie del reino animal o vegetal. Organismos que viven en un mundo rebosante de vida, tan monstruoso como bello, silencioso e inmóvil. La  forma de exhibición propone una mirada crítica sobre las ciencias naturales y sus métodos de investigación y exposición.

Como plantea Valeria González en el texto que acompaña la exposición:“Hagamos el esfuerzo de comprender que, si las manchas de pigmento acuoso –lo mismo que los trozos de arcilla- crecen pacientemente a través de mínimos matices y se multiplican flotantes sobre planos ingrávidos, no se trata simplemente de decisiones cromáticas y compositivas de una artista, sino de su esfuerzo por proceder con la materia del mismo modo en que la vida se auto produce microscópicamente. (…) Y así, la obra de Lucila Amatista podrá comprenderse, también, en sus implicancias éticas y políticas”.

Texto de la exposición

En uno de sus espacios de creación, Lucila Amatista genera lo que podrían ser los objetos o los rastros de un extraño personaje. Primorosas cajas donde ha atesorado rarezas naturales; o su mesa de observación, detenida en un instante, donde los especímenes, antes de ser guardados, participan de un cierto desorden en el que podemos espiar las curiosas relaciones entre las cosas que su mente imagina. Se trata, sin duda, de un coleccionista al margen de las ciencias, o de un tiempo anterior, en el que los gabinetes de curiosidades aún no habían sido atravesados –desmantelados- por el orden racional de las clasificaciones biológicas y geológicas.
Podríamos resumir en el nombre de Mark Dion todo un espacio del arte contemporáneo dedicado a la apropiación crítica de los saberes de las ciencias naturales y sus dispositivos de display. Este distanciamiento conceptual está lejos de la escala íntima, el cuidado artesanal y el espíritu amateur con que Lucila Amatista dota a su personaje.
Sin embargo, no importa cuán caprichoso o personal, se trata de un orden humano aplicado a especies naturales. Pero los organismos vivos, a diferencias de las ideas, se organizan a sí mismos y se auto reproducen. En un segundo espacio de creación, la artista no procede representando formas de la naturaleza, sino intentando emular su dinámica de génesis y multiplicación celular. He aquí el sentido primero –ya no de la cerámica y la acuarela como medios artísticos- sino del agua y la tierra como el sustrato desde donde se origina la vida primaria.
Si una semilla es capaz de hacer estallar a un muro ¿qué sentido tiene preguntarse por su forma? La única pregunta importante por hacerle a la semilla es ¿hasta dónde irás?. Esta es la lección que nos trae Deleuze para comprender la visión de Spinoza: no una jerarquía de seres organizados bajo el dominio de la mente humana –Dios creador por encima del mundo- sino un Dios-energía repartido en cantidades diferenciales de potencias que se expanden, combinan y cesan en un gran plano inmanente.
Hagamos el esfuerzo de comprender que, si las manchas de pigmento acuoso –lo mismo que los trozos de arcilla- crecen pacientemente a través de mínimos matices y se multiplican flotantes sobre planos ingrávidos, no se trata simplemente de decisiones cromáticas y compositivas de una artista, sino de su esfuerzo por proceder con la materia del mismo modo en que la vida se auto produce microscópicamente.
El esfuerzo no será menor si tenemos en cuenta que el destino último de las ciencias no es producir saber sino legalizar, mediante patentes de propiedad intelectual, la posesión empresaria de las capacidades generativas de los organismos vivos, separando poblaciones enteras del acceso a su propio medioambiente. Y así, la obra de Lucila Amatista podrá comprenderse, también, en sus implicancias éticas y políticas.

Valeria González

September 15, 2015 Guido Ignatti: Vista interior de una cámara https://abstractioninaction.com/happenings/guido-ignatti-vista-interior-de-una-camara/

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Artist: Guido Ignatti

Vista interior de una cámara
August 11 – 30, 2015
Centro Cultural Recoleta
Buenos Aires, Argentina

La muestra permite una lectura narrativa en relación al lugar donde está montada, contiene una escena que juega con la ficción y el enunciado conceptual de su sitio específico. La sala 10 oficia de cámara, un espacio aislado, quizá sagrado. Aunque el público puede ingresar a su interior solo por uno de sus accesos, el resto de las aberturas están bloqueadas por tapiados de madera que recuerdan su condición de claustro; que señalan su función concreta y simbólica de lugar íntimo donde se atesora un valor intangible. Lo cierto es que adentro, no hay más que soledad y la materialidad rústica de los tablones de madera. La cámara ha sido profanada. Su secreto ya no existe. Solo queda su atisbo aurático, las sombras de lo que fueron objetos de culto: ¿obras de arte?

August 26, 2015 Pablo Méndez https://abstractioninaction.com/artists/pablo-mendez/

Poetry can lead us to the flow of wind. The words, or mental images can take us away, into trance. The relation with the unknown takes shape in that stopped time, and it’s up to us to give body to the experience. Everything is an abstraction. Let’s overlay this with words, feelings and movement.

 
Traducido del inglés

La poesía nos puede llevar al flujo del viento. Las palabras o imágenes mentales nos pueden llevar lejos, a un trance. La relación con lo desconocido toma forma en este tiempo detenido, y nos toca a nosotros darle cuerpo a esa experiencia. Todo es una abstracción. Vamos a poner palabras, sentimientos y movimiento sobre ésta.

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August 17, 2015 Raquel Rabinovich https://abstractioninaction.com/artists/raquel-rabinovich/

For many years I have been investigating the ineffable nature of things, objects, words, thoughts. My art has always been informed by an underlying awareness of the concealed and ephemeral aspects of existence that we don’t see or that appear to be invisible. Through the processes I have explored, I try to reveal how that which has been concealed emerges into view. Art is for me making visible the invisible. In working across mediums for the last fifty years, I go to the unknown in order to know. I go to the dark to see the light.

  
Traducido del inglés

Durante muchos años, he estado investigando la naturaleza inefable de las cosas, los objetos, las palabras, los pensamientos. Mi arte siempre ha sido informado por una conciencia subyacente de los aspectos ocultos y efímeros de la existencia que no vemos o que parece ser invisible. A través de los procesos que he explorado, trato de mostrar cómo lo que se ha ocultado surge a la vista. El arte es para mí hacer visible lo invisible. Al trabajar en distintos medios durante los últimos cincuenta años, me voy hacia lo desconocido con la finalidad de conocer. Voy a la oscuridad para ver la luz.

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August 11, 2015 Jorge Pedro Núñez: Fantasy https://abstractioninaction.com/happenings/jorge-pedro-nunez-fantasy/

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Artist: Jorge Pedro Núñez

Fantasy
August 6, 2015
Ignacio Liprandi Arte Contemporáneo
Buenos Aires, Argentina

…La tecnología historiográfica también nació con una distorsión inicialmente politizada: la convención de las periodizaciones de la historia se tomó prestada de la historiografía política y así se tradujo en la museología moderna. Los últimos trabajos de Jorge Pedro Núñez (Caracas, 1976) ponen en cuestión la lógica misma del museo. El marco o la vitrina, modalidades convencionales del parergon, de la delimitación del campo que contiene el signo artístico en su interior, son utilizados como un espacio de confrontación entre elementos históricos concatenados….

Manuel Sagade

August 6, 2015 Emilia Azcárate, Sigfredo Chacón, Emilio Chapela, Osvaldo Romberg, Eduardo Santiere & Horacio Zabala: Grafías y ecuaciones https://abstractioninaction.com/happenings/emilia-azcarate-sigfredo-chacon-emilio-chapela-osvaldo-romberg-eduardo-santiere-horacio-zabala-grafias-y-ecuaciones/

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Artists: Emilia Azcárate, Artur Barrio, Jacques Bedel, Coco Bedoya, Luis F. Benedit, Paulo Bruscky, Jorge Caraballo, Sigfredo Chacón, Emilio Chapela, Guillermo Deisler, Mirtha Dermisache, Anna Bella Geiger , León Ferrari, Jaime Higa, Eduardo Kac, Leandro Katz, Guillermo Kuitca, David Lamelas, Marie Orensanz , Clemente Padín, Claudio Perna, Federico Peralta Ramos, Dalila Puzzovio, Juan Pablo Renzi, Osvaldo Romberg, Juan Carlos Romero, Eduardo Santiere, Mira Schendel, Pablo Suarez, Horacio Zabala, and Carlos Zerpa.

Grafías y ecuaciones
June 1 – August 5, 2015
Henrique Faria Buenos Aires
Buenos Aires, Argentina

¿En qué momento una letra se convierte en una figura, un garabato en un signo, una línea en un significante, una imagen en una palabra, un poema en un dibujo, una consigna política en una afirmación de lo sensible? ¿En qué momento, en qué preciso momento, nuestra percepción se disloca para entrar en una zona de turbulencia en la  que se entreveran signos y figuras? Grafías y ecuaciones es una exploración en las obras de artistas que transitaron por esa zona de turbulencia donde las divisiones convencionales entre palabra e imagen ya no funcionan.

Las grafías de las obras que se exhiben en esta exposición son también ecuaciones: equivalencias y analogías que hace la imaginación para encontrarse con la diferencia, lo irreductible o el sinsentido en un laberinto de trazos metafísicos, políticos o plásticos. Sea como medición previa para cualquier obra, sea como traducción irrisoria o paródica, sea como pasaje de un sistema a otro, la diferencia entre signo lingüístico e imagen visual colapsa para dar lugar a un campo experimental que nos impulsa a una indagación por el Sentido y, al mismo tiempo, a una exploración de los sentidos.

Gonzalo Aguilar

August 5, 2015 Guido Ignatti: Sistemas de recuperación de la catástrofe https://abstractioninaction.com/happenings/guido-ignatti-sistemas-de-recuperacion-de-la-catastrofe/

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Artist: Guido Ignatti

Sistemas de recuperación de la catástrofe
July 7 – August 7, 2015
Nora Fisch Arte Contemporáneo
Buenos Aires, Argentina

La instalación de Guido Ignatti presenta una serie de macetas caídas y rotas, como símbolo de un auge venido a menos, sus plantas con destino incierto están ahora sometidas a una serie de medidas para su recuperación, sostenidas por sistemas de alambres y flejes que las erigen nuevamente. Vienen acompañadas por instructivos para su multiplicación por sistema de esquejes. Las piezas que componen esta instalación funcionan como una metáfora del momento posterior a una tragedia y las posibilidades de recuperarse por medio de un tratamiento que circunstancialmente podría ser traumático. Cada pieza es una obra viva y en cierto modo performática, que se completa con un plan de acción tendiente a la supervivencia de la especie. Esta muestra es una precuela ya que se va a realizar en una escala mayor en el contexto de una exhibición individual de Ignatti en el Museum of Contemporary Art de Denver, Colorado, Estados Unidos, donde el artista presentará cuatro grandes instalaciones a mediados del 2016.

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July 13, 2015 Marcolina Dipierro, Bruno Dubner, Guido Ignatti, Julián León Camargo & Carola Zech: About Line https://abstractioninaction.com/happenings/marcolina-dipierro-bruno-dubner-guido-ignatti-julian-leon-camargo-carola-zech-line/

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Artists: Gaspar Acebo, Marcolina DipierroBruno Dubner, Sofía Durrieu, Bruno Gruppalli, Julián León CamargoGuido Ignatti, Kirsten Mosel, Andrés Sobrino, Carola Zech.

About Line
July 3, 2015
Espacio Kamm
Buenos Aires, Argentina

Group show.

July 1, 2015 Marcolina Dipierro: Acuerdo Formal https://abstractioninaction.com/happenings/marcolina-dipierro-acuerdo-formal/

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Artists: Marcolina Dipierro and María Carballo.

Acuerdo Formal
June 2 – July 10, 2015
Fondo Nacional de las Artes
Buenos Aires, Argentina

En una fotografía existe la tensión que proviene del no saber qué viene antes o después, uno está suspendido en la ficción de ese instante único, atrapado en el medio de algo que se hace y se deshace.

‘Acuerdo Formal’ es una imagen que refleja este instante precisamente. La sala parece estar multiplicándose ocultamente hasta que entramos y presenciamos su estado congelado en disyuntiva. Como un cristal de hielo cuyos dos elementos se ordenan radicalmente con el aumento de la presión, así la arquitectura de la misma se expande en una acumulación geométrica de tabiques y goma, una configuración que es sólo una de sus posibilidades infinitas.

Construímos pisos para sostener las paredes que nos circundan y cortamos agujeros para movilizarnos entre ellas. Dipierro y Carballo toman estos elementos estructurales, los componentes básicos de todo recinto arquitectónico, como su punto de encuentro. La sala tradicional es por definición un espacio neutro o “no espacio” que permite que los observadores se absorban en una obra de arte sin sentirse conscientes de una restricción física. Las artistas responden precisamente a este modelo familiar y lo invierten. Mediante la réplica meticulosa del piso y paredes como únicos materiales, nos presentan un espacio compuesto solamente de su arquitectura, enfatizando la materialidad de aquello que normalmente se ignora.

Al toparse con los tabiques y tener que esquivar los desniveles del piso, somos conscientes de que la narrativa de la instalación se relaciona con nuestros cuerpos y cómo nos trasladamos por ella.

Vemos cómo una simple operación arquitectónica puede hacernos reconsiderar una sala familiar y darnos una textura diferente de aire, luz, y sonido.

-Claudia Cortinez

June 26, 2015 Graciela Hasper, Fernanda Laguna, José Luis Landet, Adriana Minoliti, Mariela Scafati, Pablo Siquier & Eduardo Stupía: My Buenos Aires https://abstractioninaction.com/happenings/graciela-hasper-fernanda-laguna-jose-luis-landet-adriana-minoliti-mariela-scafati-pablo-siquier-eduardo-stupia-buenos-aires/

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Artists: Roberto Aizenberg, Nicanor Araoz, Marcela Astorga, Hugo Aveta, Nicolás Bacal, Ernesto Ballesteros, Eduardo Tomás Basualdo, Diego Bianchi, Joaquín Boz, Marcelo Brodsky, Eugenia Calvo, Gabriel Chaile, Nicola Costantino, Ariel Cusnir, Julián D’Angiolillo, Flavia Da Rin, Marina De Caro, Andrés Denegri, Mirtha Dermisache, Sebastián Diaz Morales, Matías Duville, Leandro Erlich, Tomás Espina & Martin Cordiano, León Ferrari, Ana Gallardo, Alberto Goldenstein, Gabriela Golder, Max Gómez Canle, Sebastián Gordin, Jorge Gumier Maier, Luján Fúnes, Graciela Hasper, Carlos Herrera, Carlos Huffmann, Roberto Jacoby, Magdalena Jitrik, Fabio Kacero, Guillermo Kuitca, Fernanda Laguna, Luciana Lamothe, José Luis Landet, Martín Legón, Catalina León, Donjo León, Marcos López, Jorge Macchi, Adriana Minoliti, Marta Minujín with Mark Brusse, Guillermina Mongan, Margarita Paksa, Esteban Pastorino, Marcelo Pombo, Santiago Porter, “Middle School Liliana Maresca Project” (Lorena Bossi, Ariel Cusnir, Sebastián Friedman, Leandro Tartaglia, Dani Zelko) with the students of highschool n°44 of La Cava de Fiorito, Pablo Reinoso, Marisa Rubio, Mariela Scafati, Pablo Siquier, Elisa Strada, Eduardo Stupía, Pablo Suárez, Luis Terán, Valeria Vilar, and Adrián Villar Rojas.

My Buenos Aires
June 20 – September 20, 2015
Maison Rouge
Buenos Aires, Argentina

My Buenos Aires at la maison rouge continues a series of exhibitions that showcases the art scene in cities worldwide. The series was launched in summer 2011 with Winnipeg, Canada, followed in 2013 by Johannesburg, South Africa. Some regret what they see as a “standardized” art world, laying the blame at globalization’s door, and so this seemed the opportune moment to look at centres of creativity which, though out of the spotlight, enjoy a thriving art scene of works infused with the city, its territory, history and myths.

Buenos Aires, a mystery reinvented

A mirror city, established twice (in 1536 and then again in 1580), “Our Lady of the Fair Winds” stands on Río de la Plata, the “silver river” that gave the country its name. Buenos Aires extends over two hundred square kilometres and is home to three million porteños (“port-dwellers” in Spanish). The Greater Buenos Aires conurbation has a population of fifteen and a half million, making it Latin America’s third most-populated agglomeration after Mexico City and São Paulo.

Described by Malraux as “the capital of an empire that never existed”, Buenos Aires fuels many fantasies. The mere mention of tango or beef, of Borges or Maradona, of Argentinean beauties will plunge anyone, even someone who has never set foot in the city, into dreamy nostalgia.

The visual and cultural familiarity that greets a European visitor can disappoint those in search of instant exoticism and pre-packaged emotions. Yet this is precisely where its power of seduction lies; in the (un)acquaintance of what we find when we peel away the masks of this tentacular city, which in 1914 was home to as many immigrants as Argentineans and where still today 40% of its residents were born elsewhere.

Buenos Aires is a child of immigration, whether voluntary or forced; a city haunted by absence. To live there is to accept estrangement and to overcome loss. Hardly surprisingly then, Buenos Aires shares New York’s love of psychoanalysis, and has one therapist for 120 inhabitants.

Seductive, Buenos Aires is no less sombre. It bears the stigmata of violence endured, of uprooting, dictatorship and the mourning of the many disappearances including, since the financial and economic crisis of 2001, that of its own image as a “major European power” that would inexplicably have alighted on the American continent.

The public protests that arose following the 2001 crisis have shown a capacity for counterpower that has no equivalent in the history of modern nations. Even in the throes of crisis, strikes and the pillaging of recent decades, Argentineans continue to wield sarcasm, dark humour and irony as a remedy against resignation.

A chameleon city, Buenos Aires comes with all the accoutrements of a modern conurbation – urban violence, air and noise pollution – yet behind the jacarandas that line its avenues it conserves the extraordinary capacity to reinvent itself and to reveal, unabashedly and sometimes even brutally, the pressing need to live better.

An artistic community that stand together

Authors and actors from all disciplines have in them this extraordinary and also determined capacity for reinvention. In the visual arts, decades of crisis and “getting by” have at least forged a community of artists who, irrespective of rivalries and conflicting views, face adversity as one.

Artists have responded to the lack of infrastructures and learning opportunities by throwing open their studios, hosting charlas (group discussions) where ideas can be brought out into the open. Those who do manage to enter the global art market willingly put their own money into supporting local creation. The grant endowed by painter Guillermo Kuitca, for example, gave an entire generation of artists between 1991 and 2011 access to a studio, and to critical and technical support with which to develop their work. Bola de nieve (“snowball”), a free website set up in 2005 by Ramona magazine, is a database of images where each artist invites another, thereby forming an endless chain. 1,135 artists now show their work there. In a similar spirit, an artist might often recommend visiting another artist’s studio, even when this means putting off visits to his or her own studio to another day.

A compelling movement

In the space of a few years, the map of Buenos Aires contemporary art has undergone substantial transformation to become more evenly spread between the city’s various neighbourhoods. Little by little, the art scene is moving away from the centre. Ruth Benzacar’s gallery, now in its fiftieth year, is leaving the historic Calle Florida for new premises west of the Palermo neighbourhood. New venues are opening in the north, such as Hotel de Inmigrantes. Further north still, the Haroldo Conti Memorial Cultural Centre includes a sculpture park that pays tribute to the men and women who disappeared during the dictatorship, and a cultural centre showing contemporary art. Di Tella, a private university with a famous past, launched an experimental research programme in 2010 under the directorship of the historian and curator Inés Katzenstein. To the south of the city, new director Victoria Noorthoorn is revolutionising the Buenos Aires Modern Art Museum (MAMBA).

The microcentro remains the city’s nerve centre at the heart of its history, and is still the site of numerous art venues, including the Fundación Osde, and galleries. The disgruntled still march on Plaza de Mayo while artists have begun to install works under the obelisk. This reconfiguration of Buenos Aires’ art venues symbolises a city that is gaining momentum, spreading its wings ready to fly. The direction it will take remains to be seen.

Cultural Policy

The city’s Culture Department is behind a number of initiatives which support this quality cultural provision.

The Patronage Law has forged stronger ties between business and the worlds of art and culture by encouraging the private sector to become involved with projects of cultural significance for the city. In a similar vein, thanks to the creation and development of the city’s southern zone (Polo Sur), artists have been able to revive parts of Buenos Aires which for decades languished outside the main exhibition circuits. Initiatives such as the arts district (Distrito de las Artes), the art factory (Usina del Arte), and numerous theatres, cultural centres and exhibition spaces have breathed new life into the south of the city whose industrial landscape now offers something new.

For several years, the successful Tandem programme has enabled art and culture taking place in Buenos Aires to resonate with comparable projects in other capital cities around the world, including Madrid, Amsterdam, Medellín and Paris.

Taking art into public spaces, installing sculptures in the city’s squares, organising open-air performances, launching new circuits such as in Calle Florida or the Borges Xul Solar walking tour… these and other initiatives illustrate the fusion between tradition and modernity, and show how new generations are embracing the city and its mythology.

My Buenos Aires, the exhibition

My Buenos Aires runs counter to the romantic vision of Buenos Aires. Paula Aisemberg and Albertine de Galbert seek to offer visitors to la maison rouge neither a portrait of the city nor a “who’s who” of Argentinean artists, but rather a sensation, an experience of the dynamics at work in the Argentine capital.

The exhibition moves back and forth between political and private, public space, the domestic and the unconscious, exploring themes such as instability, tension and explosion, masks, encryption and the strange.

Along their way, visitors will encounter remnants of facades, mutant scaffoldings, car bonnets, motorway junctions, burned-out houses and headless statues. They will decipher coded languages to the gentle sway of the music rising from the city and the whir of fans. When night falls, they can settle onto an old sofa and listen to a raspy tango, pick their way through the patched-up ruins of a kitchen that’s acting as though nothing was wrong, or study their reflection in the black ink of a white marble basin. They will sink into a waking dream inhabited by strangely unnerving doubles and faceless people falling from the sky, only to wake in the muffled folds of a stucco wedding cake.

With more than sixty artists working in all media, from installation to painting, sculpture, video and photography, four generations are represented. Established names such as León Ferrari, Guillermo Kuitca or Jorge Macchi will join others to be discovered. More than 15 of them will travel to Paris to work on in situ installations.

My Buenos Aires is an invitation to plunge into the mystery of Buenos Aires without attempting to resolve it, and to experience the unsettling strangeness of its multiple personalities.

June 23, 2015 Omar Barquet, Mauro Giaconi & José Luis Landet: Amplificar https://abstractioninaction.com/happenings/omar-barquet-mauro-giaconi-jose-luis-landet-amplificar/

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Artists: Omar Barquet, Mauro Giaconi, and José Luis Landet.

Amplificar
May 30 – July 16, 2015
Document Art
Buenos Aires, Argentina

La simplicidad de la existencia: su agitación, su inquietud, su pena y su gozo, su espesor, su densidad, su cosa extensa, su tiempo convulso, desunido, su indisciplina, sus farfulladas, su inconciencia visceral y su lucidez no menos clavada al cuerpo… ̈Jean-Luc Nancy (1940).

Los artistas Omar Barquet (México), Mauro Giaconi y José Luis Landet (Argentina) se reúnen para plantear nuevamente una experiencia abierta, donde conceptos como paisaje, lenguaje y entorno son algunas de los ejes temáticos que traman esta propuesta.Ubicando al espectador como potencial protagonista y generando un espacio-terreno de juego, donde una serie de dispositivos lúdicos y simbólicos se disponen para ser activados, Barquet, Giaconi y Landet buscan desde la acción física e interactiva, amplificar el debate sostenido a larga distancia en forma de cadáver exquisito a través de medios de comunicación digitales.

June 15, 2015 Guido Ignatti: Bonzo https://abstractioninaction.com/happenings/guido-ignatti-bonzo/

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Artists: Carlos Bissolino, Carlos Baragli, Daniel Callori, Julián León Camargo, Juan Giribaldi, Guido Ignatti, Julim Rosa, Leo Ocello, Luis Ortega, Sofi Quirno, Alejandro Taliano, and Natasha Voliakovsky.

Bonzo
May 16, 2015
Casa Uno
Buenos Aires, Argentina

Bonzo es un proyecto artístico que, gracias al apoyo de Metro Building, se aloja temporalmente en casas que serán demolidas, con el fin de establecer talleres de artistas y generar proyectos autónomos de investigación y experimentación en un tiempo denido por el propio lugar.

Las casas, ya deshabitadas y a la espera de su demolición, serán laboratorio de diversas experiencias. Cada casa albergará una propuesta determinada, y cada propuesta artistas, talleres e hipótesis de trabajo durante el tiempo en que esa casa espera para ser otra cosa.

Bonzo es cada una de las casas y todas a la vez. Cada espacio tendrá autonomía funcional y a su vez formará parte del proyecto total. Cada casa tendrá un núcleo creativo fuerte que será integrado por aquellos que quieran desarrollar un asunto en esa situación determinada, y que podrá incluir a los artistas responsables, a curadores y a invitados especiales que puedan potenciar la propuesta.

El ciclo de trabajo será entre cinco y ocho meses para los artistas que usen las instalaciones como taller/laboratorio y se evaluará cada caso particular en los artistas que propongan una muestra o acción especíca. Antes de la demolición, se harán al menos dos aperturas de cada casa con el fin de mostrar las producciones nales, así como también las que estén en proceso, tanto de los artistas en situación de taller como de los invitados especiales.

Cada nueva casa construida sobre un bonzo tendrá un espacio destinado a mencionar el proyecto que ahí se integró y a los artistas que lo compusieron, enlazando las etapas de la casa, como una transformación del espacio y como una memoria de lo sucedido.

Dependiendo de la propuesta de cada artista, algunos fragmentos u obras completas podrán resguardarse para formar parte del patrimonio del nuevo edificio.

Proyecto curaduría y gestión: Carlos Baragli, Juan Giribaldi y Guido Ignatti.

May 26, 2015 Amadeo Azar, Silvia Gurfein, Ana Tiscornia & Guido Ignatti: Selección de trastienda https://abstractioninaction.com/happenings/amadeo-azar-silvia-gurfein-ana-tiscornia-guido-ignatti-seleccion-de-trastienda/

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Artists: Marcelo Grosman, Sofía Bohtlingk y Alfredo Londaibere, Amadeo Azar, Julián Terán, Guido Ignatti, Silva Gurfein, Lux Lindner, Nicolás Gullotta, Ana Tiscornia and Tiziana Pierri.

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May 9 – June 12, 2015
Nora Fisch Arte Contemporáneo
Buenos Aires, Argentina

Group show, selected artists from gallery.

May 19, 2015 Jaime Davidovich https://abstractioninaction.com/artists/jaime-davidovich/

My taped projects are about surfaces, context and space.

I first started working with adhesive tape in 1966. Initially I used the tape to hold my paintings to the wall, but starting in 1970 I eliminated the painting and concentrated on the tapes as my primary medium. I wanted to explore the possibilities of using spaces where the viewer does not expect art to be found. This concept brought me to intervene staircases, landing platforms and outdoor walls and objects. Each work was created for a unique space. When covering a surface, the tape creates an additive grid full of amorphous patterns caused by air bubbles. When developing a tape project, sometimes paper or a photograph was the support and framework for the piece, but many times the project was able to become monumental as it seamlessly adapted to the architecture of the space. Also in 1970, I began to incorporate videotape as part of these projects. The taped projects became “Art on tape and tapes as art”.

 
Traducido del inglés

Mis proyectos con cinta tratan sobre superficies, contexto y espacio.

Comencé trabajando con cinta adhesiva en 1966. Inicialmente utilicé cinta para sostener mis pinturas sobre la pared, pero a partir de 1970, eliminé las pinturas y me concentré en las cintas como mi medio principal. Quería explorar las posibilidades del uso de espacios en donde el espectador no espera encontrar arte. Este concepto me llevó a intervenir escaleras, plataformas de aterrizaje, paredes exteriores y objetos. Cada obra fue creada para un espacio único. Al cubrir una superficie, la cinta crea una retícula de aditivo llena de patrones amorfos causados por burbujas de aire. Durante el desarrollo de un proyecto con cinta, a veces el papel o la fotografía era el soporte y el marco de la pieza, sin embargo, muchas de las veces, el proyecto fue capaz de convertirse en monumental al momento de adaptarse perfectamente a la arquitectura del espacio. También, en 1970, comencé a incorporar cinta de video como parte de estos proyectos. Los proyectos grabados se convirtieron en “Arte en cinta y las cintas como arte”.

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May 4, 2015 Mariela Scafati, Silvia Gurfein & Silvana Lacarra: In Fraganti https://abstractioninaction.com/happenings/mariela-scafati-silvia-gurfein-silvana-lacarra-fraganti/

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Artists: Ananké Asseff, Juan Becú, Joaquín Boz, Sofía Bohtlingk, Dino Bruzzone, Elena Dahn, Bruno Dubner, Matías Duville, Julieta Escardó, Raúl Flores, Margarita García Faure, Lisa Giménez, Alberto Goldenstein, Max Gómez Canle, Sebastiám Gordín, Diego Gravinese, Silvia Gurfein, Silvana Lacarra, Estefanía Landesmann, Marcos López, Eduardo Médici, Emiliano Miliyo, Jorge Miño, Andrea Ostera, Esteban Pastorino, Oscar Pintor, Santiago Porter, Dalila Puzzovio, Res, Jorge Roiger, Rosa Chancho, Mariela Scafati, Pablo Suárez, Rosana Schoijett, Paula Senderowicz, Rosana Simonassi, Cecilia Szalkowicz, Mariano Vilela, Martín Weber, Pablo Ziccarello.

In Fraganti
Curated by Valeria González
April 11 – July 18, 2015
ArtexArte
Buenos Aires, Argentina

Proyecto que investiga la “y” que une y separa, de manera fluctuante, a la pintura y la fotografía, no tanto como disciplinas estables sino los espacios intermedios, dialógicos o conflictivos, en que los lenguajes se cruzan y engendran nuevas prácticas y pensamientos.

Se trata sobre todo de cruces de dispositivos, algunos de los cuales advienen en la desembocadura de largos procesos históricos.

 

April 30, 2015 Adriana Minoliti & Fernanda Laguna: Monumento https://abstractioninaction.com/happenings/adriana-minoliti-fernanda-laguna-monumento/

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Artists: Jimena Croceri, Dana Ferrari, Adriana Minoliti and Fernanda Laguna.

Monumento
March 20 – April 18, 2015
Mite Galería
Buenos Aires, Argentina

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Images: Fernanda Laguna, “Sin título”, 2014, Mixed media / Adriana Minoliti, “Geometría tropical”, 2015, Acrylic on fabric.
April 17, 2015 Amadeo Azar: Los restos del triunfo (Dos por tres) https://abstractioninaction.com/happenings/amadeo-azar-los-restos-del-triunfo-dos-por-tres/

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Artists: Jorge Miño and Amadeo Azar.

Los restos del triunfo (Dos por tres)
Curated by Valeria González
April 8, 2015
Fundación Federico Jorge Klemm
Buenos Aires, Argentina

Religiosa o no, una revelación es un acontecimiento que excede a sí mismo, señalando una verdad que lo precede. Aún antes de saberlo ellos mismos, las obras de Jorge Miño y Amadeo Azar avanzaban en sintonías paralelas. La experiencia artística que hoy nos presentan, en la que han trabajado como un auténtico dúo, es una desembocadura que ilumina y resignifica sus propios pasados.

A nadie habrá escapado que ambos comparten el interés por los idiomas geométricos de las utopías constructivas que brillaron antes de la segunda guerra mundial. Pero se trata aún de un rasgo demasiado genérico, casi consustancial al arte posmoderno. Para captar algo de la singularidad de su espíritu es preciso aclarar lo que ellos no hacen. Miño y Azar no condescienden a la risa triste de la ironía. No trabajan con cadáveres de proyectos fracasados (“fracaso” puede decir aquel que espera de la utopía una respuesta útil) sino con un acervo de inquietudes formales e imaginarias aún inagotable.

Para remarcar sus coincidencias, pero sobre todo cómo un repertorio acotado y riguroso es capaz de combinatorias infinitas, los artistas dicen todo en blanco, negro y rojo. En una gran retícula donde las fotografías de Miño y las acuarelas de Azar se intercalan, vemos que los colores netos del diseño ruso se abren a la multiplicación de matices sutiles, creando un efecto casi atmosférico.

Hace años, su pasión por las vanguardias geométricas los llevó a tensar los límites del plano: Azar comenzó sus piezas de papel plegado y Miño a multiplicar los efectos ópticos de sus distorsiones fotográficas. Aquí, por primera vez, integran sus lenguajes en una secuencia de piezas realizadas en conjunto.

En un tercer y último paso, los artistas ponen en diálogo dos obras individuales de gran tamaño. Visto musicalmente, el dúo se presenta entonces al compás de tres partituras diferentes. En el primer mural, las dos voces al unísono se integran en una melodía continua. Como instrumentos afinados en una misma clave, la copia sobre papel de algodón acerca su registro al de la acuarela. Gradientes cromáticos y lumínicos modulan la textura de esta gran superficie como suaves diferenciales sonoros de timbres y alturas.

La secuencia de piezas en coautoría puede pensarse como una segunda partitura compuesta de breves arreglos contrapuntísticos a intervalos mayores. Fotografía y papel plegado se superponen como dos interpretaciones vocales en base a un mismo motivo musical.

Por último, asistimos a la alternancia de dos cantos solistas de largo aliento. En tanto los papeles plegados de Azar componen una línea melódica en degradé continuo, la fotografía de Miño acude a los contrastes. Ambos pulsan la geometría hacia la incertidumbre de los reflejos y las reverberaciones lumínicas.

Dos artistas que jamás fueron a Rusia pueden volver a hacer del duro abecedario del constructivismo una experiencia estética de inesperadas resonancias.

Image: Amadeo Azar, 72 acuarelas sobre papel plegados, 2015, 120 x 520 x 20 cm
April 15, 2015 Camilo Guinot: La forma promiscua https://abstractioninaction.com/happenings/camilo-guinot-la-forma-promiscua/

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Artist: Camilo Guinot

La forma promiscua
March 12 – April 5, 2015
Centro Cultural Recoleta
Buenos Aires, Argentina

La propuesta del artista consiste en una instalación escultórica utilizando ramas de la poda pública. Guinot reúne, combina y tensiona la idea de producción humana y la de naturaleza. Asimismo involucra en la exposición las nociones de constructivismo austero, el antimonumento (escultura efímera), la sinergia, la ambigüedad temporal, además de aplicar la idea de lo promiscuo a la mezcla y la diversidad que subyace tanto en el proceso artístico como en el de la vida.
En el lenguaje del artista, la poda le otorga a las ramas el status de desecho. Las mismas son recolectadas y recontextualizadas formalmente en relación al entorno. Cada rama puede entenderse como patrón constructivo, y su vez como unidad de tiempo. Acumuladas y dispuestas en el espacio implican la traducción de tiempo a forma.

March 27, 2015 Kirin, Macaparana, Fidel Sclavo, Eduardo Stupía: Déjà Vu https://abstractioninaction.com/happenings/kirin-macaparana-fidel-sclavo-eduardo-stupia-deja-vu/

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Artists: Abot Allievi, Arnaiz Dipierro, Grilo Hlito, Kirin, Macaparana, Lucía Mara, Fabio Miniotti, Fidel Sclavo, Eduardo Stupía, Ana Sacerdote.

Déjà Vu
November 17, 2014 – March 6, 2015
Galería Jorge Mara La Ruche
Buenos Aires, Argentina

Selección de obra de artistas de la galería.

January 14, 2015 José Luis Landet: Gomez https://abstractioninaction.com/happenings/jose-luis-landet-gomez/

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Artist: José Luis Landet

Gomez
December 19, 2014
Document Art
Buenos Aires, Argentina

For more information about the exhibition, please refer to the following video narrated by the artist.

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December 23, 2014 Alexis Minkiewicz: Mecánico de Día https://abstractioninaction.com/happenings/alexis-minkiewicz-mecanico-de-dia/

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Artist: Alexis Minkiewicz and Santiago Rey.

Mecánico de Día
November 27, 2014 – March 2015
ZabaletaLab
Buenos Aires, Argentina

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El origen del mundo 1 Baja.
El origen del mundo 2 baja
El origen del mundo 3. Baja.
El origen del mundo 4
Nidos baja
Nidos Detalle 1 Baja
Sala 1 Baja.
Sala 2 Baja.
Sala 4 Baja.
sala recorte

Imágenes (de arriba hacia abajo): “Nidos”, 2014 (detalle); “Piel”, 2014, Grafito y carbon sobre papel fabriano 300 gramos, 200 x 140 cm; “El origen del mundo”, 2014, Grafito y carbon sobre papel fabriano 300 gramos, 200 x 140 cm; “El origen del mundo”, 2014, Metal desplegado cable de acero, Pintura, Medidas variables 11 metros de Largo; “Nidos”, 2014, Metal desplegado, calbe de acero, varilla de acero, pintura, Medidas variables; Vistas de sala.
December 22, 2014 Marcolina Dipierro, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, Fernanda Laguna, Adriana Minoliti & Mariela Scafati: El teatro de la pintura https://abstractioninaction.com/happenings/marcolina-dipierro-silvia-gurfein-graciela-hasper-fernanda-laguna-adriana-minoliti-mariela-scafati-el-teatro-de-la-pintura/

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Artists: Sergio Avello, Chiachio & Gianonne, Flavia Da Rin, Tulio de Sagastizabal, Juan del Prete, Marcolina Dipierro, Jorge Gumier Maier, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, Magdalena Jitrik, Fabio Kacero, Fernanda Laguna, Alfredo Londaibere, Adriana Minoliti, Guillermina Mongan, Inés Raiteri, Mariela Scafati, Cristina Schiavi, Leila Tschopp, Paola Vega and Yente (Eugenia Crenovich).

El teatro de la pintura. Artistas argentinos en diálogo con Sonia Delaunay
November 8, 2014 – February 22, 2015
MAMBA
Buenos Aires, Argentina

La exposición, con curaduría de Jimena Ferreiro, toma como punto de partida las obras de Sonia Delaunay (Gradzihsk, Ucrania, 1885 – París, 1979) pertenecientes al patrimonio del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires para contar una nueva historia, en tiempo presente, que la hace convivir con artistas argentinos modernos y contemporáneos. Una propuesta que sitúa a Delaunay fuera del relato habitual –aquel que la confina a ser la única mujer en un mundo europeo, moderno y profundamente masculino– para ensayar otra historia que despliega secuencias temporales distantes entre sí, las cuales permiten establecer correspondencias entre artistas y contextos diversos.

Las obras de Sergio Avello, Chiachio & Gianonne, Flavia Da Rin, Tulio de Sagastizabal, Juan del Prete, Marcolina Dipierro, Jorge Gumier Maier, Silvia Gurfein, Graciela Hasper, Magdalena Jitrik, Fabio Kacero, Fernanda Laguna, Alfredo Londaibere, Adriana Minoliti, Guillermina Mongan, Inés Raiteri, Mariela Scafati, Cristina Schiavi, Leila Tschopp, Paola Vega y Yente (Eugenia Crenovich), en diálogo con Sonia Delaunayprovocan la activación de otros sentidos de lo moderno, que permiten comprender las maneras en que estos artistas abordan la pintura y sus tradiciones. De este modo, más que una colección de imágenes que se aproximan por forma y color según el relato moderno tradicional, esta exposición convierte a Sonia Delaunay en un modo de hacer cuya fuerza irradiadora despliega una genealogía del arte local en clave abstracta, pero desobediente y sensual.

Imagen: Marcolina Dipierro, CME0002 – Instalación. Sin título. 7 círculos. Medidas variables sujetas a disposición -Madera, espejo, hierro y pintura acrílica – Año 2014
December 16, 2014 Silvia Gurfein: Aguardamos conexión https://abstractioninaction.com/happenings/silvia-gurfein-aguardamos-conexion/

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Artists: Silvia Gurfein, Guillermo Faivovich and Javier Villa.

Aguardamos conexión
November 1 -29, 2014
Diagonal
Buenos Aires, Argentina

En 1925, luego de cuatro años de trabajo, Howard Carter abre el sarcófago de Tutankamón y se convierte en la primera persona en enfrentarse a su máscara luego de más de 3.000 años. En 2009, se hunde el Polar Mist cerca del Estrecho de Magallanes con una carga de 9,5 toneladas de metal doré, una aleación de oro y plata. En Julio de 2015, la sonda New Horizons, después de viajar más de 5.000 millones de kilómetros, ofrecerá una nueva imagen de Plutón. Entre 2008 y 2009, durante su estadía en la academia Städelschule de Frankfurt, Alemania, Guillermo Faivovich investiga estos sucesos, quizás interesado por la imagen latente que en un momento dado es vista por un solo hombre y luego se expande hacia la cabeza de toda la humanidad, por una imagen tangible de la economía que, de un instante a otro, se vuelve pura abstracción y por las imágenes que aún no existen.

¿Si las imágenes son máquinas del tiempo lanzadas hacia dos direcciones, no navegarían en un bucle infinito y, por lo tanto, tendrían un espacio reservado en todo tiempo y lugar, situando al arte en el rol de un guardián que preserva viva, dentro de una cripta, la posibilidad de la imagen aún no vista?

En 1969, Silvia Gurfein asiste al estreno en Argentina de 2001: Odisea del Espacio. En la década del ochenta, ensaya la obra El esfuerzo del destino de Vivi Tellas; se prepara para esas sesiones escuchando cassettes que le provee Nora Loiseau, su prima astrofísica. Las cintas contienen radiaciones electromagnéticas en longitud de onda, obtenidas con la antena del IAR (Instituto Argentino de Radioastronomía,) y luego convertidas en audio. En 2009, durante un estudio abierto de la Städelschule, Faivovich exhibe una foto de la primera torre erigida para el Radiotelescopio de Arecibo, una mega construcción situada en Puerto Rico cuyo objetivo, de algún modo, es la búsqueda de nuevas imágenes.

¿Una imagen nunca vista puede ser reconocida como tal, o es necesario que arrastre consigo un rango de información reconocible que construya identificación con su receptor, al mismo tiempo que lanza datos al futuro para que, ante su llegada, los mismos ya formen parte de una experiencia adquirida y, por lo tanto, puedan ayudar a construir la percepción de nuevas imágenes que aún no podemos ver, situando al arte en el rol de un catapulta que envía señales hacia adelante para activar el espacio reservado de esas nuevas imágenes que ampliarán nuestro conocimiento y goce del mundo?

En 1913, Kasimir Malevich concibe Cuadrado negro sobre fondo blanco, siendo su primera materialización pictórica dos años posterior. El óleo de Malevich podría contener el pasado y un potencial futuro de la historia de la pintura. En 2001, Gurfein desarrolla su primera serie de espectrogramas, frecuencias de color realizadas al óleo que toman como referencia diversas pinturas de la antigüedad. Un espectrógrafo, entre otras cosas, permite conocer la composición de una estrella por el dibujo de los intervalos de luz. Gurfein toma un pequeño fragmento de un cuadro, identifica cada color de ese fragmento como una unidad de sentido y desarrolla esos colores, extrapolados, como una escritura de bandas cromáticas sobre la tela, convencida de que el óleo contiene toda la historia de la pintura como ADN que transporta en el tiempo la información de su génesis. La búsqueda de una mínima unidad que porte la información esencial, plegada, para luego ser arrastrada a otros soportes, trece años después se redirecciona hacia el sistema solar.

¿Si nunca antes la imagen se había impuesto con tanta fuerza en nuestro universo estético, técnico, cotidiano, político e histórico, no debería una sola imagen ser capaz, al mismo tiempo, de reunir todo lo anterior y ser entendida, por turnos, como documento y como objeto de sueño, obra y objeto de paso, monumento y objeto de montaje, no-saber y objeto de ciencia, un tesoro y una tumba de la memoria? ¿Si pensáramos a la historia de las imágenes como una historia de profecías, el arte sería aquello que hoy nos otorga la percepción más precisa de la experiencia contemporánea del tiempo, sin caer en linealidades evolutivas sino aportando relaciones cercanas a una idea de montaje, que escapa de las teleologías, hace visibles las supervivencias, los anacronismos, los encuentros de temporalidades contradictorias que afectan a cada objeto, cada acontecimiento, cada persona, cada gesto, conteniendo todos los estratos de la arqueología y todos los punteados del destino?

Obras exhibidas:
Sistema Solar espectral. Silvia Gurfein, 2014. Lapiz sobre papel, medidas variables – ángulos precisos.
Tower 1962. Guillermo Faivovich, 2009-2014. Impresión sobre papel, medidas variables (mural). Cortesía NAIC – Arecibo Observatory, a facility of the NSF.

Texto:
Javier Villa (basado en las charlas del trío y en las ideas de George Didi-Huberman).

December 1, 2014 Horacio Zabala, Silvana Lacarra & Marcolina Dipierro: Cromofobia https://abstractioninaction.com/happenings/horacio-zabala-silvana-lacarra-marcolina-dipierro-cromofobia/

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Artists: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani, Mariano Vilela, Anna María Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão and Raúl Lozza.

Cromofobia
November 15, 2014 – March 1, 2015
Curator: Teresa Riccardi
MACBA
Buenos Aires, Argentina

Entre la luz y su ausencia, una reunión de imágenes, esculturas, dibujos y fotografías contemporáneas proyectan temporariamente  un espacio formal y acromático en MACBA.  Como si se tratara de una cámara resonante que desafía el umbral audible intensificándolo o neutralizándolo, las piezas que integran esta exhibición en blanco y negro ocupan la arquitectura del museo creando un relato que cancela la posibilidad expansiva e inmaterial que nos propone el color para pensar la gramática formal  que instalan los extremos lumínicos y opacos.

En esta constelación, la certeza gobierna sobre la inestabilidad sugerida por la variación de tintes y cromas, evitando los desvaríos del color, las explosiones y sus afinidades selectivas. Cromofobia  no intenta construir formas de interacción a partir de sus tintes, sino a partir de sus valores y significaciones. Donde cada intervalo de sentido se elabora en la superficie material, y las gradaciones o volúmenes espaciales se reparten entre las distintas intensidades de fuente lumínica. En esta manifestación, ciertas piezas, exteriorizan las progresiones intermedias que componen  la escala de los grises.

Cromofobia nos invita a percibir las obras, su planteo formal y nos acerca a la subjetividad que se inscribe detrás del conocimiento sensible y lenguaje de cada artista. Expone un modo posible de ver usos diversos del blanco y el negro, y en ello, de qué modo ésta elección adquiere un peso específico, una gravedad discursiva.  No obstante la restricción del color, la exhibición nos abre hacia otra lectura fenomenológica de los objetos, las cuales despliegan un horizonte de posibilidades para poder mirarlas y comprenderlas.

Esta exhibición reúne piezas de: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani y Mariano Vilela. También se incluyen obras de la Colección MACBA de los artistas Anna María Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão y Raúl Lozza.

Andrés Sobrino, Sin título, 2010, Esmalte sintético sobre multilaminado uréico (plywood), 75 x 55cm. cada uno
Guido Yannito, Perder el nombre, 2013, fotografía, 40x50cm
Horacio Zabala, Los siete días de la semana, 2014, serígrafía sobre papel, 70 x 490 cm.
Inauguración (3)
Inauguración (4)
Inauguración (5)
Inauguración (6)
Inauguración (7)
Tomás Espina, Sin título, 2013, hollín sobre papel, 32 x 23 cm. (1)

MACBA presents Chromophobia, an exhibition that brings together works from its collection with the work of invited contemporary artists. The pieces included in this exhibition in black and white occupy the museum’s architecture creating a story that cancels the expansive and intangible possibilities of color in order to think of the formal grammar and senses installed by lighting and opaque matter extremes.

Chromophobia brings together works by: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani and Mariano Vilela. Works of the MACBA Collection by Anna Maria Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão and Raúl Lozza are also included.

It is a constellation of artists working on pieces that talk about the corporal experience of space, as in the case of Anna Maria Maiolino and Ascânio MMM of Brazil, which inspire and open the bet to other object-based and perceptual dialogues with Argentine artists of the same generation, such as Horacio Zabala and Leandro Katz, or new generations of artists as Eduardo Basualdo, Pablo Accinelli and Marcolina Dipierro. In all cases, their poetics- anchored in the gap between analytical reason and sensorial experience of space and language- suggest a palpable, tactile and visible condition of the body projected or absorbed into the surface of the material and conceptual pieces.

As if they were dissociated from the apparent reality, certain photographic pieces move metaphorically from the earthly to the spectrum, giving spatiality other senses. This is true in the series of photographs by Erica Bohm, Jorge Miño, Guido Yannitto and Leandro Katz, that transport us into a dimension disclosed only by the fictional pact.

Certain gestures, heirs of a formal and conceptual minimalism, dialogue with the MACBA Collection in pieces by Horacio Zabala, Andrés Sobrino, Marcolina Dipierro and Lucio Dorr, compositions that install a narrative space with geometry of minimal units.

The white corporeality is tested by other relationships: Pablo Accinelli, Silvana Lacarra and Ivana Vollaro reduce the image to a minimum in their works, revealing the sensitivity of the materials. Other subsections bodies and cutting materials take shape such as Marcela Sinclair’s intervention performed on a vintage photographs, and pieces of soot on paper with geometrical figures and mandalas of Tomas Espina. The black and white, the paper, the charcoal and the graphite come to life in the imaginary worlds of Matías Duville and abstract pieces by Mariano Vilela, respectively.

In this statement from Chromophobia, perceiving the works and their formal proposal is to see how the use of white and black acquires a specific weight, discursive and poetic gravity that empowers the spatial relationship with the viewer.

Images: Andrés Sobrino, Sin título, 2010, Esmalte sintético sobre multilaminado uréico (plywood), 75 x 55cm. cada uno / Guido Yannito, Perder el nombre, 2013, fotografía, 40x50cm / Horacio Zabala, Los siete días de la semana, 2014, serígrafía sobre papel, 70 x 490 cm. / Vista de sala / Tomás Espina, Sin título, 2013, hollín sobre papel, 32 x 23 cm. (1) / Mathieu Mercier, Sin título, 2012, impresión digital sobre papel baritado, 44 x 29,3 cm.
November 24, 2014 Guido Ignatti, Silvia Gurfein, Fernanda Laguna, Ramiro Oller & Mariela Scafati: Pintura Buenos Aires 2014 https://abstractioninaction.com/happenings/guido-ignatti-silvia-gurfein-fernanda-laguna-ramiro-oller-mariela-scafati-pintura-buenos-aires-2014/

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Artists: Juan Becú, Sofía Bohtlingk, Rosa Chancho, Silvia GurfeinGuido IgnattiFernanda LagunaRamiro Oller, Tiziana Pierri, Marisa Rubio, Mariela Scafati and Juan Tessi.

Pintura Buenos Aires 2014
November 15 – December 31, 2014
Nora Fisch
Buenos Aires, Argentina

En Argentina se pinta.  La tradición pictórica es fuerte, y a pesar de la energía con que se despliegan otras prácticas artísticas a nivel local –ya sean relacionadas a la imagen en movimiento, lo conceptual o la performance– la pintura permanece viva, empujando sus propios límites, reconsiderándose, en el centro del foco de artistas de generaciones jóvenes e intermedias.  Esta muestra, que inaugura el nuevo espacio de la galería, aspira a ser un recorrido por algunas de estas obras, que empujan, fuerzan, tuercen, reconsideran lo pictórico, ya sea desde su lenguaje mismo (Pierri, Becú, Gurfein),  contaminándolo desde otros medios y materiales (Scaffatti, Oller, Bothlingk, Ignatti) o desde una mirada desde afuera, desde prácticas performáticas o esencialmente conceptuales (Rosa Chancho, Marisa Rubio).

Image: Guido Ignatti, Collage para cajones, collage, papel enmarcado en cajones, 60 x 44 cm, 2014
November 21, 2014 Guido Ignatti: Luz de día https://abstractioninaction.com/happenings/guido-ignatti-luz-de-dia/

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Artist: Guido Ignatti

Luz de día
November 14, 2014 – February, 2015
MACRO
Rosario, Argentina

La muestra se compone de diez tapiados (obras diseñadas para ventanas, realizadas en madera policromada con anilinas y esmalte sintético, y con iluminación interior). Ocho se ubican sobre las ventanas que normalmente se encuentran bloqueadas de la sala, operando en conjunto son el cuerpo central de la obra. Los dos tapiados restantes se ubican sobre un par de ventanas cementadas, a modo de apertura ficcionada. Las piezas de madera policromada poseen iluminación fluorescente en su interior. La muestra se completa con la proyección de un video en el hall de la sala que relata una secuencia lumínica de la sala.

La exposición se puede apreciar a cualquier hora del día, sin embargo, su auge es durante la puesta de sol, cuando el gradiente de la luz natural hacia la artificial atraviesa la obra.

Ve video aquí

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November 19, 2014 Alexis Minkiewicz: Fantasía Fantasma https://abstractioninaction.com/happenings/alexis-minkiewicz-fantasia-fantasma/

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Artists: Leonardo Cavalcante, Diego Cirulli, Linhuel González, Miguel Harte, Santiago Licata, Brian Maltz, Alexis Minkiewicz, Tadeo Muleiro, Marcela Oliva, Jorge Opazo, Hernán Soriano, and Catalina Schliebener.

Fantasía Fantasma
November 7 – December 5, 2014
Curated by Lucas Marín
Mapa Líquido / Fundación Lebensohn
Buenos Aires, Argentina

Pintura, objeto, dibujo, escultura, video, collage y mural.

November 6, 2014 Carola Zech: Espacio es espacios https://abstractioninaction.com/happenings/carola-zech-espacio-es-espacios/

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Artist: Carola Zech

Espacio es espacios
November 6, 2014 – January 10, 2015
Espacio de Arte Fundación Osde La Vidriera
Buenos Aires, Argentina

Partiendo de la analogía entre las dimensiones de la vidriera y su taller, Carola imagina la idea de transparentar la realidad de su espacio/taller, lugar en donde conviven una serie de materiales que en su acomodo, se superponen, se conectan, se ensamblan. Esa lógica, trasladada a la vidriera del Espacio de Arte de la fundación OSDE, tiene como resultado Espacio es espacios. La vidriera, tridimensional pero no transitable, sugiere algunos desafíos en los que Zech se ha detenido para proyectar su obra.

En sus obras en general, Carola busca mostrar la relación entre el color, el espacio y la forma, relación en sus palabras, magnética. En esta oportunidad, poniendo en tensión la dualidad del espacio tridimensional intransitable, decide desestructurar su lógica a partir del dibujo con formas que, vistas a través del vidrio, resultan en un espacio bidimensional como el de la pintura. El espacio real se multiplica  entonces, según señala la artista, en espacio/contexto, espacio/taller, espacio/pintura, espacio/tridimensión.

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November 6, 2014 Guido Ignatti: Lo mismo, su eco, su sombra https://abstractioninaction.com/happenings/guido-ignatti-lo-mismo-su-eco-su-sombra/

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Artists: Guido Ignatti and Hernán Soriano.

Lo mismo, su eco, su sombra
November 6 – December 6, 2014
Curator: Mariano Soto
Fundación OSDE
Buenos Aires, Argentina

Resuena cierta tensión espacial, abstracta, ambigua, como tejida de pequeñas inexactitudes, de corrimientos sutiles, pero también de ajustes sorpresivos e innecesarios.
En la construcción de un espacio paralelo con realidades, circulaciones y códigos de habitabilidad superpuestos, el hecho artístico se traspasa al espectador, al que mira, al que recorre ese espacio, convirtiéndolo en catalizador, en el Capitán Morris del cuento de Bioy. ¿Cómo reaccionaríamos si al despertar una mañana nos encontráramos con una realidad físicaligeramente alterada?, y lo peor: ¿qué pasaría si ese ligeramente fuera la prueba irrefutable de que no somos ya quiénes y cómo éramos la noche anterior?
Entremos a la sala. Agucemos los sentidos. Veremos asomar guiños literarios donde lo ficcional se pone de uno y otro lado de la pared, alternadamente. Ficción por delante o ficción por detrás, pero, al final, lo que prevalece va más allá del cuento. El señalamiento principal pone el dedo en lo presente, en lo residual, en las presencias como huellas, en la posibilidad de la multiplicidad… y en el regodeo en ella.
Aquel “montaje de tiempos heterogéneos” del que habla Didi-Huberman, y que se me antoja (Bioy nos lleva irremediablemente a Borges, y este punto sería un buen tema al que volver en clave estética una y otra vez) tan central en la producción artística contemporánea, es un buen punto para detenerse a observar y pensar. ¿Qué posibilidades de ser leído y clasificado temporalmente tendrá en el futuro nuestro legado contemporáneo de imágenes, fábrica de citas y re-visitas del pasado artístico, rey indiscutido de la posproducción, el ensamble y el objet trouvé?
Pero ese no era el punto, aunque ayude a potenciarlo y darle densidad. El punto es el espacio en sí, la referencia a él, a los modos de habitarlo y sus derroteros; su condición de vórtice de tiempos yuxtapuestos. Es aquí y ahora en donde la irrupción de Ignatti y de Soriano convierten la densidad semántica (y ya altamente citacionista) del estilo Belle Époque en sombras desclasadas, en artefactos irracionalmente inútiles como eco de realidades abandonadas: un espejo retrovisor donde asomarse a la mismidad de las cosas y a nuestro torpe circular entre ellas.

Mariano Soto

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November 5, 2014 Graciela Hasper: Tramando https://abstractioninaction.com/happenings/graciela-hasper-tramando/

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Artist: Graciela Hasper

Graciela Hasper
October 9 – November 6, 2014
Tramando Espacio Vidriera
Buenos Aires, Argentina

 

October 24, 2014 Alejandra Barreda: Geometría extendida https://abstractioninaction.com/happenings/alejandra-barreda-geometria-extendida/

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Artist: Alejandra Barreda

Geometría extendida
Curator: Danielle Perret
September 18 – November 12, 2014
Ro Galería de Arte
Buenos Aires, Argentina

Según Danielle Perret, curadora independiente y autora del texto que acompaña la exposición: “La pintura de Barreda podría definirse, más que por el término de «geometría sensible» –utilizado por los críticos más o menos recientemente–, por el de «geometría prospectiva», es decir un arte (geométrico) que tiende, cada vez, a explorar el espacio pictórico comprendido también como un espacio significante que incluye, además, una dimensión metafórica.”

Alejandra Barreda vive y trabaja en Buenos Aires. Recientemente recibió el 2° premio del 9° Concurso Nacional de Pintura organizado por la Universidad Argentina de la Empresa (UADE). Su obra formó parte de numerosas exposiciones y entre las últimas se destacan Geometría al límite organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y Geometría desvíos y desmesuras, curada por Danielle Perret en Espacio de Arte de la Fundación OSDE. Su obra forma parte de colecciones privadas en Argentina y en el exterior, de la Colección MACBA (Buenos Aires) y la colección Sayago-Pardon (EE.UU)

October 7, 2014 Horacio Zabala: Espacio entre paréntesis https://abstractioninaction.com/happenings/horacio-zabala-espacio-entre-parentesis/

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Artists: Horacio Zabala, Gabriela Golder & Mariela Yeregui, Horacio Gallo, Gaspar Libedinsky and Luciana Lamothe.

Espacio entre paréntesis
Novembre 1 – December 30, 2014
Microcentro / BA Sitio Específico
Buenos Aires, Argentina

Se conocieron los cinco ganadores de “Buenos Aires – Sitio Específico” el concurso de intervenciones urbanas lanzado el 25 de mayo pasado por el Gobierno de la Ciudad. Cada uno de los ganadores recibirá 250 mil pesos para la realización de los proyectos que serán emplazados en la vía publica antes de fin de año. Los ganadores son: Horacio Zabala por Microcentro; Gabriela Golder y Mariela Yeregui por Distrito de las Artes; Horacio Gallo por Distrito del Diseño; Gaspar Libedinsky por Distrito Tecnológico y Luciana Lamothe por Distrito Audiovisual.

De esta manera, en pocos meses, los habitantes y los turistas que caminen por Buenos Aires podrán encontrarse por ejemplo con un signo entre paréntesis tamaño humano que funciona como un intervalo en medio del fluyo vertiginoso de la calle Florida; subirse a una calesita de bicicletas que funciona a fuerza de pedaleo en el Parque de los Patricios; jugar con un metegol para equipos de once jugadores con los muñequitos tallados a imagen y semejanza de los vecinos de Barracas; reflexionar con los carteles de neón con textos creados por un taller para jóvenes del barrio de La Boca y subirse a una escultura de caños de andamio que se levanta a 15 metros de altura y balconea sobre la confluencia de las avenidas Forest, Corrientes y Jorge Newbery en Chacarita.

Sin dudas, experiencias atractivas y excitantes que invitan a la participación colectiva al mismo tiempo que le suman identidad y atractivo a cinco espacios emblemáticos de la ciudad.

El jurado estuvo integrado por Victoria Noorthoorn, directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA); Máximo Jacoby, coordinador de Artes Visuales del Centro Cultural Ricardo Rojas; Valeria González, licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Buenos Aires; Augusto Rodríguez Larreta, subsecretario de Gobierno de la Ciudad; Patricio Di Stefano, subsecretario de Uso del Espacio Público y Enrique Avogadro, subsecretario de Economía Creativa.

Sobre un total de 108 propuestas recibidas el jurado distinguió también, con menciones de honor, a los proyectos de Luis Terán, Patricio Larrambebere, Fernando Brizuela, Carlos Huffmann, Julián D’Angiolillo y el colectivo Las Sin Futuro, cuyos proyectos serán incluidos en una publicación junto a la obra de los ganadores.

El proyecto de Horacio Zabala se compone de dos volúmenes idénticos, separados entre sí, que visualmente componen dos paréntesis con un espacio entre ellos. El título del proyecto indica y describe la obra misma: en esa esquina de alto tránsito peatonal se emplazarán dos paréntesis enfrentados a una distancia de 1,50 metros. Por su uso en el lenguaje corriente, por su poder referencial y por su sentido figurado, los paréntesis exceden su función específica de signos gramaticales e indican una interrupción por un tiempo o un espacio determinado.

September 22, 2014 Mauro Giaconi: Hay una imagen de esa idea https://abstractioninaction.com/happenings/mauro-giaconi-hay-una-imagen-de-esa-idea/

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Artists: Camila Ramírez, Magdalena Jitrik, Daniel Santoro, Aurelio García, Mauro Giaconi, Leonel Luna, and Nicolás Arispe.

Hay una imagen de esa idea
August 30, 2014
Curators: Andrés Labaké and Emmanuel Muleiro
Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti
Buenos Aires, Argentina

Una muestra colectiva con diversos abordajes, posicionamientos y poéticas desde las artes visuales y la literatura al imaginario y a la construcción de discurso y pensamiento político revolucionario y emancipatorio.

Organizada en conjunto con el Ministerio de Cultura de la Nación. La exposición cuenta con textos y publicaciones de Juan Forn, Yuyo Noé and Etienne de la Boetle, entre otros.

September 10, 2014 Silvana Lacarra: ZavaletaLab https://abstractioninaction.com/happenings/silvana-lacarra-zavaletalab/

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Artists: Florencia Bohtlingk and Silvana Lacarra.

Florencia Bohtlingk + Silvana Lacarra
July 8 – August 10, 2014
Zavaleta Lab Arte Contemporáneo
Buenos Aires, Argentina

Esta serie salio de una obra anterior, Jardín, cuando charlaba con otro artista. Un arte que surgió del arte. Arte al cuadrado. La profundización de otra obra, llevándola más allá de la obra misma. Arte naciendo del arte por el camino de la profundización de lo formal, de las luces y las sombras generadas por los huecos circulares y las raíces de mi Jardín. Aparición de lo que no suele ser visible por estar debajo de la tierra. Según como se mire, pueden hallarse en esas proyecciones de luz, imágenes figurativas: cielos estrellados; autos avanzando caóticos en coreografías extrañas por ciudades completamente oscuras; el mapa de un radar. Quién sabe. Lo que vemos de las cosas son, en última instancia, luces y sombras. Las cosas son apariencias, lo que aparece tal como aparece: fantasmas.

August 18, 2014 Alejandra Barreda: 9 Concurso Nacional UADE de Pintura https://abstractioninaction.com/happenings/alejandra-barreda-9-concurso-nacional-uade-de-pintura/

UADE Art

Artists: Pablo Archetti, Marta Ares, Alejandra Barreda, Juan Becu, Alejandro Bonzo, Santiago Cabré Flores, Valeria Calvo, Andrés Compagnucci, Daniel Corvino, Eugenia Descalzo, Verónica Di Toro, Juan Dolhare, Diana Dreyfus, María Ferrari Hardoy, Liliana Fleurquin, Juan Manuel Funes, Fernando Goin, Paula Grazzini, Nora Lestón, Balbina Lightowler, Emiliano López, Juan Facundo Maldonado, Mariela Marcus, Alberto Méndez, Mariano Molina, Alejandra Noguera, Adrián Paiva, Isabel Peña, Diego Perrota, Leonardo Robertazzi, Susana Rodríguez, Viviana Rodríguez, Matias Siragusa, Valeria Traversa, and Pablo Zicarello.

9 Concurso Nacional UADE de Pintura
September 4 – 26, 2014
Universidad Argentina de la Empresa
Buenos Aires, Argentina

En su reunión del jueves 12 de junio de 2014, el jurado del 9° Concurso Nacional UADE de Pintura, integrado por Laura Feinsilber, Valeria González, Fabián Lebenglik, Diana Wechsler y Horacio de las Carreras en representación de UADE, seleccionó la obra de los siguientes participantes: Pablo Archetti, Marta Ares, Alejandra Barreda, Juan Becu, Alejandro Bonzo, Santiago Cabré Flores, Valeria Calvo, Andrés Compagnucci, Daniel Corvino, Eugenia Descalzo, Verónica Di Toro, Juan Dolhare, Diana Dreyfus, María Ferrari Hardoy, Liliana Fleurquin, Juan Manuel Funes, Fernando Goin, Paula Grazzini, Nora Lestón, Balbina Lightowler, Emiliano López, Juan Facundo Maldonado, Mariela Marcus, Alberto Méndez, Mariano Molina, Alejandra Noguera, Adrián Paiva, Isabel Peña, Diego Perrota, Leonardo Robertazzi, Susana Rodríguez, Viviana Rodríguez, Matias Siragusa, Valeria Traversa, and Pablo Zicarello.

La artista Alejandra Barreda fue seleccionada con el segundo premio con la obra “Reverso III”, 2013, 150 x 150 cm.

El día 4 de septiembre de 2014 será la entrega de premios e inauguracion de la muestra en UADE Art, Lima 775, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. La exposición podrá ser visitada hasta el viernes 26 de septiembre, de lunes a viernes de 12 a 20, con entrada libre y gratuita contra acreditación de identidad.

August 12, 2014 Ramiro Oller: LPS (luz/shoji/piel) https://abstractioninaction.com/happenings/ramiro-oller-lps-luzshojipiel/

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Artist: Ramiro Oller

LPS (luz/shoji/piel)
Opening May 14, 2014
Centro Cultural San Martín
Buenos Aires, Argentina

“Subiendo las escaleras a oscuras, veo, en cada piso un haz de luz debajo de cada puerta; cada pliegue de cada ropaje de cada pintura”.

Este nuevo ciclo inaugura con una obra del artista Ramiro Oller, LPS (luz/shoji/piel): un objeto lumínico de escala monumental, que juega con la idea del vitral pero reformulado en torno a la abstracción y al concepto de negativo fotográfico.

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August 6, 2014 Cristina Ghetti https://abstractioninaction.com/artists/cristina-ghetti/

I work with geometric abstraction, the goal of my work is both the interest in the re-contextualization of the foundational ideas of Abstraction, incorporating contaminations and re-appropriations, mostly of works of the 60’s.

I’m interested in points from concrete art, constructivism, kinetic and op art, permitting free transits and reconnections between forms and ideas belonging to different periods, traditions and categories in my own work.

Most of my work is a study in progress about perception, or better the boundaries between perception and reality, and art practice is an interesting field to study this condition.

I’m now centralized in the use of digital tools to materialize art pieces of different formats, I’m focused to an evolution of abstract ad kinetic art, with special mention of Op art. Interrelating: geometry, color, movement and sound, using the languages developed in the conceptual territory of abstraction, in the context of new technologies and new ways of producing/diffusing the art work.  My production had been mostly centered in painting and installation, but recently I began to incorporate new media in my work believing that it can emphasize concepts as immersive spaces, synesthesia, interactivity and participation, analyzing how these characteristics can enrich the conceptual dimensions of the art work.

I’m interested also in using programming from a visual and creative perspective exploring the results in art pieces. My paintings are generated first in the computer, then translated to traditional painting, I like to mix and play with media crossings. As an artist, I’m interested in the connection with other fields, I’m working in team projects with infomaticians and mathematicians.

I have a Master of visual arts and multimedia at the UPV, Polytechnic University Valencia, Spain, and I actually develop my doctoral thesis “Post Medial Geometry,” where I make a research about the development of new geometries in visual arts.

 
Traducido del inglés

Trabajo con abstracción geométrica. El objetivo de mi trabajo es el interés en la recontextualización de las ideas fundacionales del abstraccionismo, incorporando contaminaciones y reapropiaciones, en su mayoría obras de la década de los sesenta.

Me interesan puntos del arte concreto, constructivismo, cinetismo y arte Op que permitan libre tránsito y reconexiones entre ideas y formas pertenecientes a diferentes periodos, tradiciones y categorías en mi propia obra.

La mayoría de mi obra es un estudio en proceso sobre la percepción o mejor dicho, los límites entre la percepción y la realidad y la práctica artística es un campo interesante para estudiar esta condición.

Hoy en día me centro en el uso de herramientas digitales para materializar obras en distintos formatos. Me enfoco en la evolución del arte abstracto y cinético con una mención especial al arte Op, interrelacionando geometría, color, movimiento y sonido, usando los lenguajes desarrollados en el territorio conceptual de la abstracción, en el contexto de nuevas tecnologías y nuevas formas de producir y difundir la obra. Mi producción se centraliza en pintura e instalación, pero recientemente comencé a incorporar nuevos medios en mi obra, puesto que creo que puede enfatizar conceptos tales como espacios inmersivos, sinestesia, interactividad y participación analizando cómo éstas características pueden enriquecer las dimensiones conceptuales de la obra.

Me interesa también utilizar programación desde una perspectiva visual y creativa explorando los resultados en las obras. Mis pinturas son primero generadas en la computadora, luego traducidos a pintura tradicional, puesto que me gusta mezclar y jugar con los cruces de medios. Como artista, me interesa la conexión con otros campos y trabajo en proyectos de equipo con especialistas de informática y matemáticos.

Tengo una maestría en artes visuales y multimedios de la Universidad Politécnica de Valencia, España y actualmente me encuentro desarrollando mi tesis doctoral “Geometría post-medios” en la que investigo la evolución de nuevas geometrías en las artes visuales.

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August 4, 2014 Mariano Dal Verme, Barbara Kaplan & José Luis Landet: Castillo Abierto https://abstractioninaction.com/happenings/mariano-dal-verme-barbara-kaplan-jose-luis-landet-castillo-abierto/

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Artists: Basualdo, Mariano Dal Verme, Barbara Kaplan, José Luis Landet, Soriano and Luis Terán.

Castillo Abierto
July 4, 2014
Document Art Gallery
Buenos Aires, Argentina

 

July 11, 2014 Guido Ignatti: Premio Lucio Fontana https://abstractioninaction.com/happenings/guido-ignatti-premio-lucio-fontana/

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Artists: Nicolás Mastracchio, Guido Yannitto, Julieta Bech, Erica Bohm, Ayelen Coccoz, Mariano Ferrante, Carolina Fusilier, Guido Ignatti, David López Mastrángelo, Milca Ronzoni, Rosana Simonassi, Mariana Sissia, Rodolfo Schmidt, Alejandro Somaschini and Valeria Traversa.

Premio Lucio Fontana
Exposición de los finalistas
June 28 – August 3, 2014
Museo Sivori
Buenos Aires, Argentina

Premiación de los trabajos de los dos artistas ganadores y de los artistas distinguidos con mención del jurado e la segunda edición del Premio Lucio Fontana.

El Premio, gracias al apoyo de Pirelli Neumáticos S.A.I.C., le permitirá a dos jóvenes artistas argentinos de origen italiano permanecer por dos meses en la ciudad de Turín, donde podrán desarrollar su propia capacidad creativa en contacto con el ambiente cultural y artístico local contando con el apoyo de la fundación IGAV (Instituto Garuzzo por el Arte Contemporáneo).

Con esta iniciativa, el Consulado General desea contribuir a renovar y recrear, aunque sea idealmente, el trayecto del gran lazo artístico-cultural entre Italia y Argentina, que en la figura de Lucio Fontana encuentra una de las expresiones más emblemáticas: nacido en Rosario en 1899, después de sus primeros estudios en Italia regresa a la Argentina donde inicia su actividad artística para luego establecerse definitivamente en Italia en 1947, donde concretará lo escrito previamente en Buenos Aires en el “Manifiesto blanco”, fundando el “movimiento espacialista” que lo llevará, con sus famosos “tajos”, a ser considerado uno de los más grandes innovadores del arte contemporáneo.

La selección de los artistas será realizada por un jurado compuesto por personalidades de reconocida experiencia de la realidad artística argentina contemporánea y cuyos nombres serán anunciados en el curso de la presentación del premio.

July 3, 2014 Julián León & Carola Zech: About Wall https://abstractioninaction.com/happenings/julian-leon-carola-zech-wall/

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Artists: Elena Dahn, Julián León Camargo, Kirsten Mosel, Carola Zech

About Wall
May 18 – June 20, 2014
EspacioKamm
Buenos Aires, Argentina

ESPACIO KAMM is a new project room which is located in the heart of the Argentinian neighborhood Palermo. This initiative is a project in Buenos Aires that begun with the association of the two foreign artists: Kirsten Mosel (Germany) and Julián León Camargo (Colombia) plus the Swiss art gallery, specialized in contemporary Latin-American art, IVO KAMM (Zurich). This art space opens its doors to continue with the project that has started by this European gallery, to establish a dialogue between the artists in both continents.

This month ESPACIO KAMM inaugurates its art space with “ABOUT WALL”, a collective exhibition integrated by four artists (Argentinians and foreigners), that functions as a foretaste of its annual cycle which involves six exhibitions of international artists. This event is taking place this year, first in Buenos Aires and then in Zurich.

This show consists in site-specific pieces by Elena Dahn (Argentina), Julián León Camargo (Colombia), Kirsten Mosel (Germany) and Carola Zech (Argentina). Each intervention thinks about the nature of the pictorial issue in an space expansion, both conceptual and physical.

 

Ubicado en el corazón del barrio porteño de Palermo, ESPACIO KAMM es un nuevo emprendimiento expositivo en Buenos Aires que surge de la asociación de los artistas extranjeros Kirsten Mosel (Alemania) y Julian León Camargo (Colombia) y de la galería suiza IVO KAMM (Zurich) . Se abre con el objetivo de integrar el proyecto iniciado en Europa por esta galería especializada en arte contemporáneo latinoamericano de establecer un diálogo entre artistas de este continente con sus pares europeos.

Este nuevo espacio en Buenos Aires abre sus puertas en mayo con “ABOUT WALL” una colectiva de 4 artistas (extranjeros y argentinos) como antesala del ciclo anual de seis exposiciones de artistas internacionales que realizará en el 2014 y que luego viajará a Zurich.

Esta primera exposición consiste en intervenciones para espacio específico de Elena Dahn (Argentina), Julián León Camargo (Colombia), Kirsten Mosel (Alemania), Carola Zech (Argentina) con intervenciones que reflexionan sobre el carácter de lo pictórico en una expansión conceptual y física de la obra en el espacio.

June 2, 2014 Mariela Scafati: Las palabras vienen después https://abstractioninaction.com/happenings/mariela-scafati-las-palabras-vienen-despues/

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Artist: Mariela Scafati

Las palabras vienen después
May 11, 2014
María Casado Home Gallery
Buenos Aires, Argentina

 

May 23, 2014 Fabián Burgos: Instante Eterno https://abstractioninaction.com/happenings/fabian-burgos-instante-eterno/

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Artist: Fabián Burgos

Instante Eterno
Curated by Maria Constanza Cerullo
May 10 – July 11, 2014
MACBA
Buenos Aires, Argentina

MACBA inaugura el calendario 2014 en el mes de mayo con una exhibición antológica del artista argentino Fabián Burgos. Un conjunto de más de 15 piezas del artista realizadas entre los años 2000 y 2014, se reúnen bajo la perspectiva curatorial de María Constanza Cerullo, Curadora en Jefe de la colección MACBA.

Con un juego de sentidos opuestos y en convivencia, en palabras de la curadora, Instante eterno, nos remite a las diversas investigaciones que Fabián Burgos recorre en el terreno pictórico, asociado a las vertientes del neocinetismo y el arte óptico. Siguiendo una larga tradición que se vincula a las corrientes de la abstracción geométrica preocupadas por el efecto de la forma, el color y la vibración de los mismos que percibe la retina, Burgos dialoga de forma libre e impertinente con las figuras canónicas de la tendencia.

A partir del empleo de mecanismos de apropiación y cita, así como los efectos retinianos del fenómeno moiré, Burgos repiensa y homenajea a artistas claves de la historia del arte moderno y contemporáneo. En su texto Constanza Cerullo, a propósito del título El amor probablemente de una muestra que presentó Burgos en la que fuera durante años su galería -Dabbah Torrejón- la curadora menciona:

“Este rotulo tan provocativo pareciera referir a la admiración por los artistas que cita a la vez que un juego irreverente. La producción de Burgos esta signada por una profunda transgresión, al alterar los rasgos mas característicos de cada una de las piezas referidas. Las obras mas representativas de Soto, Riley, Max Bill y Buren fueron apropiadas y reformuladas. Esta transgresión a los artistas por los que el tiene devoción se replica en el titulo, que hace referencia a la película, El diablo probablemente (1977), de Robert Bresson, uno de sus directores favoritos”.

Asimismo se presentarán piezas de las series tituladas Sin fin, espirales y aquellas conocidas como cercos, obras donde además de la anécdota cinéfila, el accidente y la certeza conviven entre sus universos de referencia.

May 19, 2014 Eduardo Santiere: Lo contrario de la magia https://abstractioninaction.com/happenings/eduardo-santiere-lo-contrario-de-la-magia/

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Artists: Héctor Meana, Aimé Pastorino, Eduardo Santiere, Julián Terán, Leticia Obeid, Nuna Mangiante, Pablo La Padua, Rodolfo Marqués, Julián D’Angiolillo.

Lo contrario de la magia
March 28 – July 27, 2014
Curator: Lux Lindner
Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
Buenos Aires, Argentina

La exposición propone un acercamiento a la producción reciente de artistas cuyos procesos de trabajo se alejan de los facilismos y promesas de inmediatez de la magia, y están más ligados a la paciencia y descomposición propias del método científico. Las aproximaciones son tan variadas como lo es el recorrido artístico de cada uno, aunque se ha buscado un predominio del dibujo.

April 11, 2014 Alexis Minkiewicz & Ramiro Oller: ZavaletaLab https://abstractioninaction.com/happenings/alexis-minkiewicz-ramiro-oller-zavaletalab/

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Artist: Alexis Minkiewicz, Diego Atucha, Irina Kirchuk, Joaquin Boz, Maximiliano Ocampo Salinas, Ramiro Oller, Santiago Rey, and Sofia Wiñazki

Curator: Philippe Cyrulnik
March 20, 2014
Zavaleta Lab Arte Contemporáneo
Buenos Aires, Argentina

 

March 27, 2014 Carola Zech: Instabile https://abstractioninaction.com/happenings/carola-zech-instabile/

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Artist: Carola Zech

Instabile
Curator: Philippe Cyroulnik
March 7 – April 18, 2014
Galeria Vasari
Buenos Aires, Argentina

Instabile refers to the attribute of color being unstable. The aluminum and metallic colors give shape to this concept, accentuated by the magnetism, the levitating shapes and the inclined planes, all of which are incorporated to the working system. The notion of Instabile interacts with the concept of mobile and stable by Alexander Calder.

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March 17, 2014 Macaparana, Sclavo: Rojo(s) https://abstractioninaction.com/happenings/macaparana-sclavo-rojos/

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Artists: Arden Quin, Carlos Arnaiz, Estrada, José Antonio Fernández-Muro, Sarah Grilo, Juan Lecuona, Macaparana, Kvĕta Pacovská, Cesar Paternosto, Ana Sacerdote, Fidel Sclavo, Torner

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February 3 – March 6, 2014
Jorge Mara – La Ruche Gallery
Buenos Aires, Argentina

February 21, 2014 Fidel Sclavo https://abstractioninaction.com/artists/fidel-sclavo/
Translated from Spanish

I have always aimed for my work to speak of that which grazes silence, but it is full of voices.

Sometimes imperceptible, in others, in a very low volume.

In a similar way to what happens with the beginning of homeopathy, the more subtle the dissolution is, the more intense its effect will be. The slighter the stimulus is, the more powerful the reaction will be.

A whisper tends to be more powerful than a scream. A small noise in the garden ends up scaring more than a grandiloquent thunder.

To focus there, where there appears to be nothing—and after some careful attention—turns out to be a territory filled of things that speak in a low voice.

As soon as they are perceived and appear, they cannot be silenced.

A great part of my work on paper is like letters that have not been read. They have been written in a language that we don’t recognize at a first glance.

A list of what stands still. A detailed index of that which doesn’t exist.

A meticulous catalogue of the impossible.

The group of papers—sometimes paper cutting, whit incisions, marked, or with perforations—ends up generating an alphabet. A grid more or less uniform or disperse, from which we can device an unusual calligraphic system, with cuneiform memories, a sheet of writing which we do not know how to decipher, but we know it is there, latent,  under those signs and that order that forms words, phrases, and full sentences. We can sense their existence beyond their apparent secrecy. A fragile Rosetta stone. A letter that we receive, ethereal, from another place, but we don’t know in which language it has been written.

And it waits there, still.

Apparently monochromatic from the lights and shadows resulting from the cuts and interventions on the paper, they generate countless hues and semitones within each color, which increase the sense of range of each sign not written out.

 

Siempre he intentado que mi obra hablase sobre eso que roza el silencio, pero está lleno de voces.

A veces, imperceptible. En otras ocasiones, a un volumen muy bajo.

De manera similar a lo que sucede con el principio de la homeopatía, cuanto más sutil es la disolución, más intenso su efecto. Cuanto más leve el estímulo, más poderosa la reacción.

El susurro suele ser más poderoso que el grito. Y el pequeño ruido en el jardín termina asustando mucho más que el trueno grandilocuente.

Hacer foco allí, donde parece que no hay nada, y -tras unos minutos de atención- pasa a ser un territorio repleto de cosas que hablan en voz baja.

Y una vez que son percibidas y aparecen, ya no se callan.

Gran parte de mi obra sobre papel son como cartas no leídas. Escritas en un idioma que no reconocemos a simple vista.

Una lista de lo que permanece quieto. Un pormenorizado índice de lo inexistente.

Un minucioso catálogo de lo imposible.

El conjunto de papeles, a veces calados, con incisiones, marcados o con perforaciones termina generando un alfabeto. Una grilla más o menos uniforme o dispersa, de la que puede adivinarse un inusual sistema caligráfico, con reminiscencias cuneiformes, una plancha de escritura. La cual no sabemos decodificar del todo, pero sabemos que está allí, latente, bajo esos signos y ese orden que forman palabras, frases y oraciones completas, de las que llegamos a intuir su existencia, más allá de su aparente hermetismo. Una piedra de Roseta frágil. Una carta que nos llega, etérea, desde algún lado, pero no sabemos el idioma en que ha sido escrita.

Y allí espera, quieta.

En su aparente monocromía, las luces y sombras resultantes de los calados e intervenciones sobre el papel, generan incontables matices y semitonos dentro de cada color, que amplían el rango y sentido de cada signo no escrito.

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February 19, 2014 KIRIN https://abstractioninaction.com/artists/kirin/

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February 19, 2014 Bernardo Corces https://abstractioninaction.com/artists/bernardo-corces/

Somewhere or maybe everywhere … without script, perhaps like many others, restricted by a minimum budget or better yet, not thinking about budgets.

I choose to work from what I find, from that others have left. The image starts as a riddle formulated between the places I live, things and materials collected.

Someone observes from beyond. Maybe is a neighbor who sees me under the bridge collecting cans, or the gaze of that who finds those objects in an exhibition gallery, evoking what flows under the bridge. Both cases are for me acts of survival.

I try to synchronize myself with places, to hear what the material proposes and follow the way marked by the circumstances. The image is always provisional. It works, but barely, just enough.

I insist on a premise. I am aware that something magical could be happening.

 

En algún lugar o tal vez en todas partes… sin guiones, quizás como tantos otros, condicionado por un presupuesto mínimo o mejor aún, sin pensar en presupuestos.

Elijo trabajar desde lo encontrado, con lo que otros han dejado. La imagen se inicia como un acertijo que formulo entre los lugares que habito, las cosas y materiales recolectados.

Más allá, alguien observa. Tal vez un vecino que me ve bajo el puente recogiendo unas latas, o es la mirada de quien encuentra en una sala de exposición esos objetos evocando lo que corre bajo el puente. Ambos casos son para mí un acto de supervivencia.

Procuro afinarme con los espacios, escuchar lo que el material propone y seguir el rumbo que marcan las circunstancias. La imagen es siempre provisional. Funciona pero apenas, sólo lo justo.

Insisto en una premisa. Estoy atento de que algo mágico pueda estar ocurriendo.

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February 19, 2014 Eduardo Santiere https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-santiere/
Translated from Spanish

I consider myself sensitive to human relations, to the context of society and the future, to the multiple possibilities of existence, to imagination, to music… all that surrounds me is present in my work, and in the moment of creation.

I do not seek preconceived images. I find them in my work process, enjoying from the sharpest and flashy trace to the most delicate and imperceptible detail, creating an intimate atmosphere between the viewer and the work.

I define the image of my drawings with these words:

Partes fragmentadas de un todo

Que define un futuro incierto

La desaparición del ser humano

Convirtiéndose en más automático, más nada, más ilusión.

 

Me considero sensible a las relaciones humanas, al contexto de la sociedad y del futuro; a las múltiples posibilidades de la existencia, a la imaginación, a la música… todo lo que me circunda incide en mi obra, en el momento creativo.

No busco imágenes preconcebidas. Las encuentro en mi proceso de trabajo, gozando desde el trazo más punzante y llamativo hasta el delicado detalle, imperceptible, creando una atmósfera intimista entre el observador y la obra.

Defino la imagen de mis dibujos con estas pocas palabras:

Fragmented parts of a whole

Which defines an uncertain future

Disappearance of the human being

Becoming more automatic, more nothing, more illusion.

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February 19, 2014 María Ezcurra https://abstractioninaction.com/artists/maria-ezcurra/
Translated from Spanish

In my work, I use textiles—basically clothing—in order to explore a series of social and personal stereotypes, as well as their relationship with specific cultural codes, by reviewing and reflecting on the current and complex normative structures which define us and from which we participate. A great part of my work involves an analysis on the physical, emotional and social restrictions that are associated with gender roles, in particular feminine stereotypes. With my work, I do not only play with the material and formal possibilities of textile, but I also explore the aesthetic, symbolic, and cultural values of garments, based on deconstruction, re-contextualization or re-aggrupation models which put in evidence the social expectations that they intend to exhibit or cover. Thus I want to make visible the complex and often contradictory relationships we have constructed between the social and the individual, protection and image, beauty and comfort, violence and indifference, men and women, and all the ambiguous intermediate qualities which constitute us but do not necessarily define us.

 

En mi trabajo uso textiles—básicamente ropa—para explorar una serie de estereotipos sociales y personales, así como su relación con ciertos códigos culturales, revisando y reflejando las complejas estructuras normativas actuales que nos definen y en la que todos participamos. Gran parte de mi obra implica una reflexión sobre las restricciones físicas, emocionales y sociales asociadas a roles de género, particularmente a los estereotipos femeninos. Con mis piezas no sólo juego con las posibilidades materiales y formales de los textiles, sino que exploro los valores estéticos, simbólicos y culturales de las prendas de vestir, basándome en procesos de deconstrucción, recontextualización o reagrupación que evidencian las expectativas sociales que intentan exhibir, o cubrir. Quiero evidenciar así las complejas, y a veces contradictorias, relaciones que hemos creado entre lo social y lo individual, la protección y la imagen, la belleza y la comodidad, la violencia y la indiferencia, los hombres y mujeres, y todas las ambiguas cualidades intermedias que sutilmente nos forman sin necesariamente definirnos.

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February 19, 2014 Silvana Lacarra https://abstractioninaction.com/artists/silvana-lacarra/
Translated from Spanish

Artistic practice exists in the antithesis of what is considered solid: it moves forward blindly without reaching its destination, or in the best case scenario, simulating arrivals, fragmenting destinies. Every material, exposed in the abstraction of the work itself, tells a triple meaning. First, the history of itself, revealed as material. Secondly, its history in and through the objects, where material is in itself and ceases to be simultaneously, without changing; and finally, its own history, which is inflected through its existence as part of an everyday that ignores it because it does not belong to it—our own fragility.

 

El trabajo artístico está en las antípodas de lo que se considera sólido: avanza a tientas sin llegar a destino o, en el mejor de los casos, simulando las llegadas, fragmentando los destinos. Todo material, expuesto en la abstracción de la obra misma, cuenta un triple sentido: en primer lugar, la historia de sí mismo, develado como materia; en segundo, su historia en y a través de los objetos, donde el material es sí mismo y deja de serlo, al mismo tiempo, sin cambiar materialmente; por último, su propia historia, la que se conjuga a través de su existencia como parte de una cotidianeidad que ignora porque no le pertenece: la fragilidad de nosotros todos.

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February 18, 2014 Marcolina Dipierro: ….. In Circle https://abstractioninaction.com/happenings/marcolina-dipierro-circle/

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Marcolina Dipierro

….. In Circle
February 15 – April 5, 2014
Alejandra von Hartz Gallery
Miami, FL, USA

For her first solo show at the Gallery and in the USA, Marcolina Dipierro has immersed herself with the investigation of the possibilities and potentiality of the circular form. To show its formal visual and perceptive infinity while identifying dialogues of direction, attitude, limits, volumes, and folds.

In her practice, Dipierro explores the unlimited possibilities that SPACE offers as the support of art work, as a constructive tool of the creative instance, and as a protagonist.

“Object” pieces of elemental geometric lines (volumes, planes and shapes), elaborated in simple materials that enter in direct dialogue with the walls and floor, establish formal ties with the shadows and the materials of the same,  rendering subjective the superficies and  the tridimensional.
The series of works that Dipierro presents for this occasion reflect on the formal continuity of the circle and its respective quadrature as constituent members of the geometrical universe:

Continuity in time
Continuity in reflection
Continuity in shadow

Born in Chivilcoy, Buenos Aires, Argentina, holds a Fine Arts Degree from the National Fine Arts School “Prilidiano Pueyrredón” in 2000. Amongst her solo and group exhibitions: Color y Consecuencias, site-specific light intervention at the Museum of Contemporary Art, Rosario, Argentina – MACRO (2007)Projections, Les dix ans du 19, Centre Régional d’ Art Contemporain de Montbéliard, Paris (2007); Ficción Encendida, CCEBA, Spanish Cultural Center at Buenos Aires (2009); Planograf, Zabaleta Lab-Arte Contemporáneo (2010); en ángulo, Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, Argentina (2011); “en cuadre “, Jorge Mara La Ruche Gallery, Buenos Aires (2012). She was recipient of the Scholarship FONCA-CONACULTA for the Program of Artistic Residencies for Ibero American and Haiti Creators in Mexico (2009) and was awarded the National Fund for the Arts Scholarship (2013). Dipierro lives and works in Buenos Aires, Argentina.

February 13, 2014 Mariano Dal Verme, Pablo Siquier: Encuentros / Tensiones. Arte latinoamericano contemporáneo. Colección Malba + Comodatos https://abstractioninaction.com/happenings/mariano-dal-verme-pablo-siquier-encuentros-tensiones-arte-latinoamericano-contemporaneo-coleccion-malba-comodatos/

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Artists: Mira Schendel, Liliana Porter, Antônio Dias, Luis Camnitzer, Anna Maria Maiolino, Guillermo Deisler, Nelson Leirner, Margarita Paksa, Marta Minujín, Helio Oiticica, Ana Mendieta, Guillermo Kuitca, Julio Galán, Marcia Schvartz, Pepe Fernández (José María Fernández), Pablo Suárez, José Bedia Valdés, Marcelo Pombo, Alejandra Seeber, Liliana Porter, Liliana Maresca, Sergio Avello, Feliciano Centurión, Omar Schilliro, Andrés Toro, Los Carpinteros, Allora & Calzadilla, León Ferrari, Jorge Gumier Maier, Jorge Macchi, Mondongo, Anna María Maioilino, Artur Lescher, Waltercio Caldas, Iran do Espirito Santo, Mariano Dal Verme, Ramsés Larzábal, Lucio Dorr, Oscar Bony, Tomás Saraceno, Fabio Kacero, Leo Battistelli, Artur Lescher, Daniel Joglar, Tomás Espina, Víctor Grippo, Ernesto Neto, Alfredo Jaar, Fernando Brizuela, Adriana Bustos, Tomás Espina, Oscar Muñoz, Alejandro Cesarco, Víctor Grippo, Cristina Piffer, Francis Alÿs, José Carlos Martinat, León Ferrari, Miguel Angel Ríos, Fernando Bryce, María Teresa Ponce, Colectivo Sociedad Civil, Matías Duville, Eduardo Stupía, Pablo Siquier, Gachi Hasper, Cristina Schiavi, Mónica Giron y Gabriel Baggio.

Encuentros / Tensiones. Arte latinoamericano contemporáneo. Colección Malba + Comodatos
October 18 – February 10, 2014
Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
Buenos Aires, Argentina

Un nuevo recorrido por el arte latinoamericano contemporáneo, a través de una selección de más de 100 obras pertenecientes al acervo del museo y un conjunto de comodatos. Se incluyen pinturas, dibujos, objetos, instalaciones y videos de 60 destacados artistas latinoamericanos.

Encuentros /Tensiones está organizada en siete núcleos, reunidos por afinidades temáticas y formales. Se inicia con una serie de piezas centrales del conceptualismo latinoamericano de fines de los años 60 –que retoma la cronología de la puesta actual de la colección permanente- y llega hasta nuestros días.

En el marco de esta exposición, Malba presenta la incorporación de seis nuevas piezas a su patrimonio de los artistas Ana Mendieta (Cuba) Ernesto Neto (Brasil), Oscar Muñoz (Colombia), Alfredo Hlito (Argentina, en la sala 2 del primer piso), Pablo Suárez (Argentina) y la dupla Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla (Puerto Rico), gracias a las compras y donaciones gestionadas por el Comité de Adquisiciones.

Con Encuentros /Tensiones, Malba ratifica su misión de coleccionar, conservar, estudiar y difundir el arte latinoamericano desde principios del siglo XX hasta la actualidad. “Reafirmamos el compromiso del museo con la promoción del arte de la región, a través de la constante ampliación del acervo y de la exhibición y puesta en valor de los principales artistas de la región”, afirma Eduardo F. Costantini, fundador y presidente de Malba.

Encuentros / Tensiones

Los debates actuales sobre el arte contemporáneo ponen en tensión las relaciones entre lo local y lo universal. Hoy se considera obsoleta la noción eurocéntrica del arte y se habla de un quiebre del proyecto de globalización, acentuándose los rasgos de regionalidad cultural. En relación a la producción artística, América Latina es una región con características que la identifican, pero también con culturas locales bien definidas.

El espacio de la exposición fue organizado según ejes conceptuales, puntos de contacto, pero también según tensiones o discordancias entre el inicio del arte contemporáneo latinoamericano y el arte actual, y entre postulados artísticos diversos. Se intenta mostrar las continuidades o herencias, pero también las dislocaciones, controversias, reacciones y cambios.

Núcleos y artistas

Conceptualismos – Mira Schendel, Liliana Porter, Antônio Dias, Luis Camnitzer, Anna Maria Maiolino, Guillermo Deisler, Nelson Leirner, Margarita Paksa, Marta Minujín, Helio Oiticica, Ana Mendieta

Los años 80, el posmodernismo – Guillermo Kuitca, Julio Galán, Marcia Schvartz, Pepe Fernández (José María Fernández), Pablo Suárez, José Bedia Valdés

Neo Dadá – Marcelo Pombo, Alejandra Seeber, Liliana Porter, Liliana Maresca, Sergio Avello, Feliciano Centurión, Omar Schilliro, Andrés Toro, Los Carpinteros, Allora & Calzadilla, León Ferrari, Jorge Gumier Maier, Jorge Macchi, Mondongo

Nuevos minimal – Anna María Maioilino, Artur Lescher, Waltercio Caldas, Iran do Espirito Santo, Mariano Dal Verme, Ramsés Larzábal, Lucio Dorr, Oscar Bony, Tomás Saraceno, Fabio Kacero

Transformación de la materia – Leo Battistelli, Artur Lescher, Daniel Joglar, Tomás Espina, Víctor Grippo, Ernesto Neto

Violencias – Alfredo Jaar, Fernando Brizuela, Adriana Bustos, Tomás Espina, Oscar Muñoz, Alejandro Cesarco, Víctor Grippo

Geopolítica – Cristina Piffer, Francis Alÿs, José Carlos Martinat, León Ferrari, Miguel Angel Ríos, Fernando Bryce, María Teresa Ponce, Colectivo Sociedad Civil

También se exhibirán en la galería del segundo piso piezas de los artistas Matías Duville, Eduardo Stupía, Pablo Siquier, Gachi Hasper, Cristina Schiavi, Mónica Giron y Gabriel Baggio

February 12, 2014 Karina Peisajovich: El aire tomará esta forma https://abstractioninaction.com/happenings/karina-peisajovich-el-aire-tomara-esta-forma/

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Karina PeisajovichEl aire tomará esta forma
Sala 1º piso.
Until: Januray 12, 2014
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina

El Museo de Arte Moderno presenta El aire tomará esta forma de Karina Peisajovich, una obra producida integralmente por el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
La luz modulará el espacio, su volumen y límites con el color y el movimiento como únicos ejes. El aire tomará esta forma materializa ante el ojo una posible representación o registro de aquello que pareciera invisible: percibir al color en absoluta desnudez formal (más allá del mundo de las líneas, los planos y sus límites) para llegar a sentir su longitud y frecuencia de onda. Peisajovich trabaja forzando el acto de ver, intentando empujar al ojo a que se encuentre con el color en estado puro, luego de una paulatina adaptación de la retina. Y que sea el ojo, posteriormente, el músculo que comience a construir imágenes: lograr recuperar la percepción como fuerza productiva al emanciparse parcialmente de su actual y constante actividad receptiva.

January 12, 2014 Mariela Scafati https://abstractioninaction.com/projects/mariela-scafati-project/

Mariela Scafati
Paintings Where I Am (1998-2013)

Centro Cultural Recoleta, EGGO, Argentina

Mariela Scafati’s paintings comprise a record on personal experiences, displayed over a very wide diapason of artistic aspirations and abilities—the language of geometric abstraction, modern design and applied art, the activation of communication with the viewer and of spaces for artistic participation in the city, political propaganda and direct action, are some of the applications Scafati found for her painting in a time span encompassing her work in Buenos Aires since the late 90s, after having studied Fine Arts in Bahía Blanca. Painting, in these conditions, is not only the outlet for biography, but also a language contiguous with more experiences and practices: a language, in the end, which can be spoken in the street, at the gallery, in artists’ spaces like Belleza y Felicidad (where Scafati produced some of her main exhibitions) in political demonstrations, or in a home radio station. To find Scafati’s whereabouts in these and other spaces and environments during the last fifteen years would be analogous to measure the recent artistic history of Buenos Aires, to discover its places, its obsessions and ambitions. Color and geometric patterns are the elements through which Scafati’s works settle their time and environment. “Being,” within Scafati’s vocabulary, is a verb stronger than its common definitions; it means involvement with the spirit of an era, and a strange sense of belonging.

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La pintura de Mariela Scafati forma un registro de experiencias personales, desplegado sobre un diapasón muy amplio de anhelos y capacidades artísticas: el lenguaje de la abstracción geométrica, el diseño moderno y el arte aplicado, la activación de mecanismos de comunicación con el espectador y de espacios de participación artística en la ciudad, la propaganda y la acción directa son algunas de las aplicaciones que Scafati encontró para la pintura en un arco temporal que la encuentra trabajando en Buenos Aires desde fines de los años noventa del siglo pasado, luego de haber estudiado Bellas Artes en la ciudad de Bahía Blanca. La pintura, en estas condiciones, no sólo resulta el canal de una biografía, sino también un lenguaje contiguo con otras experiencias y prácticas: un lenguaje que puede hablarse en la calle, en la galería, en espacios de artistas como Belleza y Felicidad (donde Scafati realizó algunas de sus principales exhibiciones), en una manifestación política o desde una estación de radio casera. Averiguar el paradero de Scafati en estos y otros espacios y ambientes a lo largo de los últimos quince años equivaldría a realizar una medición de la historia reciente de la escena artística de Buenos Aires, descubrir sus lugares, sus manías y sus ambiciones. El color y los patrones geométricos son los elementos mediante los cuales la obra de Scafati deja sedimentado su ambiente y su tiempo. “Estar”, en el vocabulario de Scafati, es un verbo mucho más fuerte que cualquiera de sus acepciones corriente: significa involucramiento con el ánimo de una época, y un extraño sentido de pertenencia.

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January 1, 2014 Guido Ignatti: Premio estímulo de la Fundación Castagnino https://abstractioninaction.com/happenings/guido-ignatti-premio-estimulo-de-la-fundacion-castagnino/

GUIDO

Guido Ignatti‘s work is awarded with the Premio estímulo, Fundación Castagnino for emergent artists that is part of the XVII Salón Nacional de Rosario Castagnino – MACRO in Argentina. The artist explores aesthetic theories through site-specific intervention and installation. In his work, the de-codification of the space is clearly a place of departure. Sometimes this approach within the exhibition context helps to propose something new and other times to adapt a preexisting idea that works in the space.

December 17, 2013 Silvia Gurfein: Lo intratable https://abstractioninaction.com/happenings/silvia-gurfein-lo-intratable/

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Silvia Gurfein: Lo intratable
December 10th, 2013
Fundación Federico Jorge Klemm Arte Contemporáneo
Buenos Aires, Argentina

Francisco Slepoy guitarra y composición, Miguel Crozzoli saxo tenor y composición, Fernando Toyos contrabajo y Francisco Cossavella percusión.

Ideas abstraídas de las pinturas y textos de la muestra LO INTRATABLE, de Silvia Gurfein. Representadas en sistemas o estructuras que buscan poner al interprete (músical) en la situación de generar su propia exudación del material musical/pictórico. Composiciones sin principio ni fin. Se desarrollan, conviven, colapsan, comparten o disputan el espacio sonoro, generando nuevas capas.

Click here to view Silvia Gurfein on Abstraction in Action.

December 10, 2013 MACBA: Geometría al límite https://abstractioninaction.com/happenings/alejandra-barreda-fabian-burgos-silvia-gurfein-graciela-hasper-karina-peisajovich-pablo-siquier-carola-zech-geometria-al-limite/

Invitación

Geometría al límite
December 14, 2013 – March 14, 2014
MACBA
Buenos Aires, Argentina

MACBA aims to generate new approaches to current geometric abstraction with works from its permanent collection. The exhibition invites us to observe and reflect on the production of twenty-five artists who have developed their lines of researches with intensity from the 90s to present day in Argentina.

In this exhibition some of the artists use industrial materials to investigate on their technical possibilities. They use leds, car paint, adhesive scotch tapes, magnets and tarpaulin as a medium, coexisting with works made with traditional techniques such as oil painting, acrylic and silkscreen, revisited from a contemporary perspective.

On the other hand, some artists reflect on architecture and urban life, and link the experience of “inhabiting” a city with the abstract language through large format works. In the works we find explicit references to speed, spatial representational systems and the experience of living in the cities.

Many of these artists are turning to technology as subject and also as a tool in their production, both present in the process and final result of their artworks. They are torn between the digital and the analog world, reflecting the importance of information in contemporary society.

Some of these artists investigate on the pure form of art, revealing the properties of color. Among these, we find the kinetic qualities, tonal contrasts, the intensity of pigments and vibration, and even their emotional and psychological connotations.

Geometría al límite shows clearly the multiple visual and conceptual possibilities offered by this language. Far from exhausted, continues to renew itself unlimitedly under the direct imprint of each artist in dialogue with the present.

Alejandra Barreda, Carla Bertone, Cecilia Biagini, Gabriela Böer, Fabián Burgos, Juan José Cambre, Natalia Cacchiarelli, Valeria Calvo, Beto de Volder, Verónica Di Toro, Lucio Dorr, Mariano Ferrante, Jimena Fuertes, Silvia GurfeinGraciela Hasper, Guillermo Kuitca, Julia Masvernat, Karina Peisajovich, Inés Raiteri, Roberto Scafidi, Pablo Siquier, Andrés Sobrino, Leila Tchopp, Mariano Vilela and Carola Zech.

December 10, 2013 Adriana Minoliti https://abstractioninaction.com/artists/adriana-minoliti/
Translated from Spanish

My practice is the result of my interest in the eroticism and geometry manifested through painting and installation. My recent work has largely referenced the human body and gender conditions; abstract and geometrical representations of bodies are made with diverse materials such as paint, sand, plaster, wood, fake fruits and shampoo, and more traditional oil paints. A more inclusive vision of sexuality can change and improve the way we live. This has been made apparent through the contributions of Feminism and queer theory. This is also a space where I locate dialogues that are informative for my work. I play with gender pictorially, mixing spiritual values, historical appreciations, aesthetics and styles. I am interested in the anthropological importance of decoration as a process and in its application in objects, and I play with this by challenging fixed ideas and unconscious meaning. How does the mind sense the materials and shapes of things? Why do we make decisions in one way and not in another? Is there a place where these dualities are simultaneously possible? I transform everyday materials into something new, as in Manzanas [Apples] where geometric forms adorn fake plastic fruits. My work as a painter engages a diversity of formats and media, from easel painting and installation, to the organization of cultural projects and results of the relationships between artists. I have participated actively with artist collectives like as Kiosko De Artistas, and in projects of col-leagues, clinical workshops and research meetings. I co-founded PintorAs [Female Painters], a project that includes 20 women artists from Argentina. As a curator, I organized the exhibitions Rework and Figuras [Figures], as a way to collectively investigate answers to questions of that arise from my own work.

 

Mi práctica es el resultado de mi interés en el erotismo y la geometría, manifiesto a través de la pintura pero también en otros medios como instalación. Mi trabajo reciente en gran medida hace referencia al cuerpo humano y a condiciones de género: representaciones abstractas y geométricas hechas con diversos materiales tales como pintura, arena, yeso, madera, frutas falsas y champú, y óleos. Una visión más integradora de la sexualidad puede cambiar y mejorar la forma en que vivimos. Esto ha sido evidente a través de las contribuciones de las teorías feministas y queer. En estas contribuciones, encuentro diálogos que son nutritivos para mi trabajo y desarrollo. También interpeló el género pictórico, mezclando los valores espirituales, la apreciación histórica, estéticas y estilos. Estoy interesada en la importancia escondida de la decoración como un mecanismo y en su aplicación en objetos y dispositivos. Busco desafiar las ideas fijas y los significados inconscientes. ¿Cómo la mente percibe las materialidades y formas de las cosas que nos rodean? ¿Por qué asumimos esa percepción de una manera natural y no en otra dirección? ¿Hay un lugar donde lo dado como opuestos son al mismo tiempo posibles e iguales? Busco convertir materiales de uso cotidiano en algo nuevo, como en Manzanas donde las formas geométricas adornan falsos frutos de plástico. Mi trabajo como pintora involucra una diversidad de formatos, soportes y medios, desde la pintura de caballete y la instalación, a la organización de proyectos culturales, muestras, y las relaciones entre los artistas. Fui co-fundadora de PintorAs, un proyecto que incluye 20 artistas de Argentina. Como artista-curadora, también organicé las muestras Rework y Figuras, siendo una manera de investigar colectivamente las preguntas que surgen en mi proceso de obras.

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November 9, 2013 Juan Sebastián Bruno https://abstractioninaction.com/artists/juan-sebastian-bruno/
Translated from Spanish

I am interested in processes, that what impulses action; movement. I seek minimal spaces to build an objectual, spatial, formal and conceptual structure. I search for the limit of abstraction, of meaning, of the relationship with references in order to assign new functions. The tools and objects that I use have a relation with a personal experience, where I had a good time, as minor as that moment may have been. Therefore they are objects that have an emotional charge, no matter that the mechanism of selection is perceived in the work but that the spectator can have empathy with these objects and sense time in them.

 

Me interesan los procesos, lo que impulsa una acción, los movimientos. Busco los espacios mínimos para armar una estructura, objetual, espacial, formal y conceptual. Busco el límite de la abstracción, del significado, de la relación con los referentes, para poder asignar nuevas funciones. Las herramientas y objetos que uso tienen relación con alguna experiencia personal, en donde la pasé bien, por más mínimo que haya sido ese momento. O sea que son objetos que tienen una carga afectiva, sin interesar que este mecanismo de selección se perciba en la obra, pero sí que el espectador pueda tener empatía con esos objetos, intuir un tiempo en ellos. Este tiempo en los objetos, su memoria emotiva, la tensión que se puede producir entra dos puntos. Uso, pedazos que nos dan una estructura, la voluptuosidad de la distancia y el modo en que esos elementos se relacionan para expresar ese proceso que todavía vincula al arte con la vida cotidiana. Entonces: abstracción, pura forma + la expresión y homenaje a los autores de los que estamos hechos + el peso de los detalles: las cosas que evocan recuerdos. Uno de los mecanismos de trabajo son los anclajes, los referentes y los tributos “a la manera de un adolescente que cuelga pósters en su cuarto” Me armo un playslist, una biblioteca mental de posibilidades, que se va actualizando, y con esas unidades generar nuevos grupos. Me gusta que el trabajo oscile entre el taller y la pantalla, y desde esa acción marcar varios recorridos.

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November 8, 2013 Fabián Burgos https://abstractioninaction.com/artists/fabian-burgos/
Translated from Spanish

The expressive possibilities and the contact with material that oil painting give me, are essential in the construction of my geometric paintings. I can even subordinate some of my ideas to the impulses of the material, as if it had a conscience parallel to my state of will. In this delicate balance, straight lines, angles, spirals, curves, accumulations of dots, and wavelengths appear on the surface of the canvas. Many of these elements of composition that I transfer from the field of scientific representation to the field of art, help me define my interest on some concepts: truth/false, my relationship with Op Art, the movement of the gaze and perception, among others. As an example, Líneas paralelas (parallel lines) is one of the works that questions reality or at least it questions it as a convention. A painting of straight lines that because of tonality, contrast, and arrangement of the squares, they look curved. Can we say they are not? Empirically, they are not, but they are to our perception, and in this case, this is what prevails. Isn’t “truth” what we see? Does accuracy matter in art? I think, for example, in Albers and his theory of color. In the same way, the works from the series Velocidad (speed) are fragments of the light spectrum, which I multiply forward, backwards, up and down. In this way, we see some of the colors that are the same, differently. Geometry interests me in this sense too.

Back when I began to draw still lives as an academy student, the teachers told me not to draw figures but the spaces between them. In a way, this originated in me the seed of geometric abstraction. I would say I still have a fascination for the process of abstracting the invisible from the visible. Years later, contemporary geometric art means to me the same as always: the supremacy of the forms and the invisible spaces over naturalism. We give noise or silence to a form through composition, and it is from that place where we are committing our position or view of the world. In this sense, I like to understand art in the words of these two Argentinean poets, Olga Orozco: “Art is a reflection of the invisible;” and Léonidas Lamborghini: “Poetry is not the music of the soul but the silence of intelligence.” It is as if art and poetry would appear when there is nothing else to say. In this sense, subtraction also operates in my paintings as a tool that I use to define concepts.

In the works of the exhibition El amor probablemente, 2005, I used some names and icons of art (Jesús Soto, Morandi, and Bridget Riley, among others) as a possibility for a historical “dialogue”, but this dialogue, due to the density and imprint of the artists, could not be made through derivation, continuity or contribution without misinterpretation. In a way, I had to destroy those works to make reverence afterwards. In the historical evolution, “conversations” amongst contemporary artists of from different eras, were often of consolidation or continuity of their postulates. But when Soto saw Mondrian, he asked himself how to continue with painting from there, how to follow from the place Mondrian had left of, and when he remembered the light with silver white in the water reflections from the paintings by Reverón, he saw the possibility of incorporating movement to his paintings and developing the idea of a more optical art. What is relevant to me from this historical moment is the need of the artist of relating to his/her equals. En el amor… (in love…) I tried to make a work from the author’s self-consciousness, a sort of painting inside a painting. It was a hinge in my work, in the sense that I added to my formal relationship with science the concept of painting as a legacy, or as a more intense dialogue with previous movements, and especially with some artists. Subtraction then functioned more indispensably to continue these close relationships.

I remember a work by Soto that inspired such love from me to it that I had to become physically involved. It was a background with lines in black and white and in the front had black metal wires hanging. When one moved, the background also produced movement. Soto said that to give movement to a work he didn’t need a motor. I partially reproduced this work but omitted the wire and substituted the black lines from the background for blue and then ochre. In this way, and due to the ability of oil to keep the “breathing” of the color underneath, that a simple effect of movement was increased substantially. Even without Soto’s wires, the work did not stop its motion, meaning that I understood that they were not necessary for the purpose of going beyond the plane. This work, just as more recent ones, are which give me the guidelines and desire to work more intensively within geometry.

 

Las posibilidades expresivas y el contacto con la materia que me proporciona la pintura al óleo son móviles esenciales en la construcción de mis cuadros geométricos. Puedo incluso subordinar algunas de mis ideas a los caprichos de la materia, como si ésta tuviera una conciencia paralela a mi estado de voluntad. En este delgado equilibrio van apareciendo o desplazándose sobre la superficie de la tela: formas rectas, ángulos, espirales, vértices, acumulaciones de puntos, longitudes de onda. Muchos de ellos elementos de composición que mudo del campo de las representaciones científicas al de las artes y que me sirven para delinear mi interés sobre algunos conceptos: verdad/falsedad, mi relación con el Op art, desplazamiento de la mirada y de la percepción, entre otros. A modo de ejemplo, Líneas paralelas es uno de los cuadros que pone en duda la verdad o al menos la cuestiona como convención. Un cuadro de líneas rectas que por un tema de valor de los tonos, contraste y desplazamiento de los cuadrados, se ven curvas. ¿Acaso podemos decir que no lo son?, empíricamente no, pero para nuestra percepción sí, y en tal caso, aquí eso es lo que prima. ¿No es acaso “verdad” lo que vemos?; ¿importa la comprobación en el arte? Pienso en Albers y su teoría de color por ejemplo. Del mismo modo, los cuadros de la serie Velocidad son fragmentos del espectro lumínico que multiplico hacia adelante, hacia atrás, para arriba y para abajo; de esta manera algunos colores que son iguales los vemos diferentes. La geometría me interesa en ese sentido también.

Cuando de estudiante en la academia comencé a dibujar naturalezas muertas, los profesores me decían que dibujara no las figuras sino los espacios entre ellas, de alguna manera esto creó en mí el germen de la abstracción geométrica. Diría que me quedó cierta fascinación por el proceso de abstraer lo invisible de lo visible. Años después, el arte geométrico contemporáneo significa para mí lo mismo que siempre: la supremacía de las formas y los espacios invisibles por sobre el naturalismo. El ruido o silencio de una forma lo damos en la composición y ahí es que estamos comprometiendo nuestra posición o mirada frente al mundo. En este sentido me gusta entender el arte en las frases de estos  dos poetas argentinos; Olga Orozco: “El arte es el reflejo de lo invisible” y  Leónidas Lamborghini: “La poesía no es la música del alma sino el silencio de la inteligencia”. Es como si el arte y la poesía aparecieran cuando ya no hay nada más para decir. En este sentido la sustracción también opera en mis pinturas como una herramienta que utilizo para la definición de conceptos.

En los cuadros de la muestra El amor probablemente, 2005, utilicé algunos nombres e iconos del arte (Jesús Soto, Morandi, Bridget Riley, entre otros) como posibilidad hacia alguna forma de “diálogo” histórico, pero este diálogo, por la espesura y huella de estos artistas, no podía darlo a partir de una derivación, continuidad o aporte hacia ellos sin antes violentarlos. De alguna manera debía destruir esos cuadros para poder reverenciarme luego.  En el devenir histórico las “conversaciones” entre artistas contemporáneos o de diferentes épocas solían ser muchas veces de profundización o continuidad de sus postulados. Pero cuando Soto observó a Mondrian se preguntó cómo seguir con la pintura a partir de ahí, cómo seguir desde el punto que Mondrian la había dejado, y recordando los golpes de luz con blanco de plata en los reflejos del agua de las pinturas de Reverón, vio como posibilidad el incorporar movimiento a sus pinturas e ir desarrollando la idea hasta la aparición  de un arte más óptico. Lo importante para mí en este episodio histórico, es la necesidad del artista en relacionarse con sus pares. “En el amor…”  intenté hacer un trabajo más desde la autoconciencia del pintor, una suerte de pintura dentro de la pintura. Fue una bisagra para mis trabajos en el sentido que sumé a mi relación formal con la ciencia el concepto de pintura como un legado, o en tal caso como un diálogo más intenso con los movimientos anteriores y en particular con algunos artistas. La sustracción entonces, operó aquí de una manera indispensable para continuar esas estrechas relaciones.

Recuerdo una obra de Soto que despertó tal amor de mí hacia ella que debí involucrarme físicamente.  Era un fondo de rayas en blanco y negro y delante colgaban unas varillas negras de metal. Al moverse uno, en el fondo también se producía movimiento. Soto decía que para poner en movimiento la obra no necesitaba ningún motor. Reproduje parcialmente esa obra pero le suprimí las varillas y sustituí el negro de las líneas del fondo, primero con azul y luego una última mano de ocre; de esa manera y por esa capacidad que tiene el óleo de mantener la “respiración” del color de abajo, un simple efecto de movimiento fue potenciado sustancialmente. Aún sin las varillas de Soto, el cuadro no detenía su movimiento, es decir que advertí que no era necesario para lograr ese fin, ir más allá del plano. Este trabajo como otros más actuales en mi producción son los que me van dando las pautas y el deseo de trabajar con intensidad dentro de la geometría.

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Publications

November 7, 2013 Gala Berger https://abstractioninaction.com/artists/gala-berger/

Selected Biographical Information

Education / Training

Solo Exhibitions

  • 2013: “Disponibilidad Arriesgada”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
  • 2012: “Atlas”, Hora del Té, Buenos Aires, Argentina.
  • 2011: “Pollo Frito”, Rayo Lazer, Buenos Aires, Argentina.
  • 2011: “La Tierra Permanece”, Jardín Oculto Galería, Buenos Aires, Argentina.

Group Exhibitions

  • 2013: “Des)afectos”, Biquini Wax, Mexico City.
  • 2013: “Sucursal”, Darling Foundry, Montreal, Canada.
  • 2013: “Casa”, Galería Inmigrante, Buenos Aires, Argentina.
  • 2012: “Monstruo II”, La Fábrica, Buenos Aires, Argentina.

Publications

November 7, 2013 José Luis Landet https://abstractioninaction.com/artists/jose-luis-landet/
Translated from Spanish

I like to think of my studio as a laboratory, a place that allows work to be developed into an accumulative process of the graphic experience. Drawing is a way of thinking that makes connections between acquired concepts and executed forms. Far from representing concepts, I try to present them, shape them, and give them a new type of classification to designate them. The act of drawing connects mind with hand, oral language with the sense of touch. The shape might come close to a raw, primary, organic translation of the mind.

 

Me gusta pensar en mi estudio como un laboratorio, un lugar que permite que el trabajo que hago se desarrolle en un proceso acumulativo de la experiencia gráfica. El dibujo es una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas. Lejos de tratar de representar conceptos trato de presentarlos, darles una forma, un nuevo tipo de clasificación para designarlos. El acto de dibujar conecta la mente con la mano, el lenguaje oral con el tacto. La forma podría acercarse a una traducción cruda, primaria y orgánica  de la mente.

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November 5, 2013 Juane Odriozola https://abstractioninaction.com/artists/juane-odriozola/

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October 31, 2013 Horacio Zabala https://abstractioninaction.com/artists/horacio-zabala/

Translated from Spanish

Art is the world for a second time.

 

El arte es el mundo por segunda vez.

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October 16, 2013 Sergio Vega https://abstractioninaction.com/artists/sergio-vega/

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October 16, 2013 Eduardo Stupía https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-stupia/

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October 16, 2013 Osvaldo Romberg https://abstractioninaction.com/artists/osvaldo-romberg/

Art to Art. Life to Life
Osvaldo Romberg. 
The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 Art begins when life is not enough. In modern culture the acceptance of death signifies the loss of connection with the infinite. It is in this area of thinking, in the loss of the infinite, that art gives relief and new hopes for spirituality. Art makes evident (and occasionally succeeds in resolving) the conflict between being and integrating with the world. This is a dilemma which religion can no longer address.
 All the religions of the world are narratives. In these narratives are implicit mythologies and explanations which help people to survive the panic of death and solitude. In the past, art merely rearticulated these narratives. In recent years, however, I have observed that art is replacing religion by raising its own issues of morality, identity, mortality, and transcendence. Art used to be the illustration of the metaphysical. It has now become the metaphysical itself. The vitality and dynamism of contemporary art challenges religions ability to face the relevant issues at the end of the millennium: artificiality, reproduction of the species, and equality. Paraphrasing Martin Heidegger, we can say that the authentic dialogue with the art of an artist is artistic, as opposed to critical. There is no artistic dialogue between artists and those who do not believe in the power of art to contain essential truths. Art can be viewed as an antidote to the static and paralyzing force of religion in a post-capitalist, globalist era. The idea of art as a regenerative activity is described in The Glass Bead Game by Hermann Hesse, which I read in my adolescence. The book is about the translation of all information systems and human knowledge into one code, The Game. Once you enter this universal language, you can integrate all aspects of human experience. Marcel Duchamp is the “Magister Ludi.” Art today can surpass the two pervasive theories confronting our post-capitalist world: the pseudo-democratic relativism of postmodernism vs. the oppressive dictatorship of fundamentalism. Referring to The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even, in a 1966 interview with Pierre Cabanne, Duchamp said, “… I almost never put any calculations into the Large Glass. Simply, I thought of the idea of a projection, of an invisible fourth dimension, something you couldn’t see with your eyes.” Is this not the domain of the divine?

 
Traducido del inglés

El arte al arte, la vida a la vida. Osvaldo Romberg.
 The Aldrich Museum of Contemporary Art, 2000 El arte comienza cuando la vida no es suficiente. En la cultura moderna, la aceptación de la muerte significa la pérdida de la conexión con lo infinito. Es dentro de esta área de pensamiento, en la pérdida de lo infinito, que el arte da alivio y nuevas esperanzas para una espiritualidad. El arte hace evidente (y en ocasiones tiene éxito en resolver) el conflicto entre ser e integrarse con el mundo. Este es un dilema que la religión no puede abordar. Todas las religiones del mundo son narrativas. En estas narrativas, mitologías y explicaciones que ayudan a la gente a sobrevivir el pánico de la muerte y la soledad se hacen implícitas. En el pasado, el arte simplemente expresaba estas narrativas.  En años recientes, sin embargo, he observado que el arte está reemplazando a la religión al manifestar sus propios problemas de moralidad, identidad, mortalidad y trascendencia. El arte solía ser la ilustración de lo metafísico. Hoy en día se ha vuelto lo metafísico. La vitalidad y el dinamismo del arte contemporáneo cuestionan la capacidad de la religión de enfrentar los temas del fin del milenio: artificialidad, reproducción de las especies, e igualdad. Parafraseando a Martin Heidegger, podemos decir que el diálogo auténtico con el arte de un artista es artístico, a diferencia de crítico. No existe un diálogo artístico entre los artistas y aquellos que no creen en el poder del arte de contener estas verdades esenciales. El arte puede ser visto como antídoto a la fuerza estática y paralizante de la religión en la era post-capitalista y global. La idea del arte como actividad regenerativa es descrita en El Juego de los Abalorios por Hermann Hesse, el cual leí en mi adolescencia. El libro es acerca de la traducción de todos los sistemas de información y el conocimiento humano en un sólo código: El Juego. Al entrar en este lenguaje universal, te puedes integrar a todos los aspectos de la experiencia humana. Marcel Ducham es el “Magister Ludi”. El arte hoy en día puede superar las dos teorías generalizadas que confrontan nuestro mundo post-capitalista: el relativismo pseudo-democrático  del posmodernismo vs. la dictadura opresora del fundamentalismo. Al referirse a La novia puesta al desnudo por sus solteros, incluso, en una entrevista de 1966 con Pierre Cabanne, Duchamp dijo “a pesar de que casi no haya incluido ningún cálculo en Le Grand Verre… Simplemente, pensé en la idea de una proyección, de una cuarta dimensión invisible puesto que no se puede ver con los ojos”. ¿No es este el dominio de lo divino?

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October 16, 2013 Silvia Gurfein https://abstractioninaction.com/artists/silvia-gurfein/

Translated from Spanish

We paint blindly, we see through the canvas, we perceive with more senses. Is painting tabula rasa? Is it writing over writing? I fall in love again and it is as if I would have lost the instructions or if I never had them. I exist between the intersection of two times—the one of my digital mind and the one that belongs to oil painting’s ancient times; in the crossroads between contemporary observation and painting’s historical practice. I think about art history as a palimpsest and I put in tension the discourse of the images by considering a blind painting. Present over present, I rip the canvas so that times can meet. I examine the minimal, looking for painting’s DNA, in such a way that when extracted from a totality it can be included in another, dragging its meaning. I work with reminders, with vestiges, the part that remains in everything, following the traces of what seems to have been left out of sight, what has been discarded from the history of painting and from my own history. The works manifest the preoccupations that surround my work since the beginning: the friction between the acceleration of the world and the delay of pictorial production, the flattening of history and its availability, the change from a narrative flow to the horizontal perception of time. The ludicrous acceleration that our visual perception is put through. I point out in which way painting, its production, as well as its perception and observation, can produce a temporary cradle, an extension of the perception of time and thus an enhancement of its accessibility.

 

Se pinta a ciegas, se ve a través del lienzo, se percibe con más sentidos. ¿Pintar es tabula rasa? ¿Es escritura sobre escritura? Me vuelvo a enamorar, y es como si hubiera perdido las instrucciones o nunca las hubiera tenido. Me sitúo en la intersección de dos tiempos, el de mi mente digital y el tiempo ancestral del óleo. En el cruce entre el mirar contemporáneo y la práctica histórica de la pintura. Pienso la historia del arte como un palimpsesto y pongo en tensión el propio discurso de las imágenes en el planteo de una pintura a ciegas. Presente sobre presente, rasgo el óleo, así los tiempos se encuentran. Examino lo pequeño, buscando el ADN de la pintura, de tal forma que extraído de una totalidad pueda ser incluido en otra, arrastrando el sentido. Trabajo con los restos, los vestigios, la parte que queda del todo, siguiendo los rastros de lo que parece haber quedado fuera de la vista, que ha sido desechado, en la historia de la pintura y en mi propia historia. Las obras manifiestan las preocupaciones que rondan mi trabajo desde el comienzo: la fricción entre la aceleración del mundo y la morosidad de la producción pictórica, el aplanamiento de la historia y su disponibilidad, el cambio del discurrir narrativo a la percepción horizontal de la temporalidad. La disparatada aceleración a la que es sometida nuestra percepción visual. Señalo de qué modo la pintura, su producción, pero también su percepción y observación, produce una cuña temporal, una ampliación de la percepción del tiempo y por lo tanto un aumento de su disponibilidad.

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October 16, 2013 Fernanda Laguna https://abstractioninaction.com/artists/fernanda-laguna/

Translated from Spanish

Extract from “Fernanda Laguna. Central desde los márgenes”  by Inés Katzenstein, in Otra Parte Revista de Letras y Artes, no. 28, Autumn-Winter, 2013 […] The artistic language is a language of communication; a language to speak outside of the art system, outside of the institution of art. It is a form of communication—it should not be a code within a closed system. […] To me, art allows a collective ritual from something personal. It is about sharing something. It is about revealing to other people a very personal experience through which an object or situation is created. […] Sometimes I depart from an idea, not always; sometimes I let myself be guided by the physicality of the act of painting. Sometimes I start by just moving the brush with a little bit of black acrylic paint because I am seduced by the shine of that color, and I begin with that first sensation of the need to paint. Then I paint a cat or anything, and I keep painting the following needs that come up, which sometimes are basic needs that arise from having seen something on the table, but I never say “I am going out to buy green yarn.” If I have pink yarn, I make everything with pink yarn—I think the reason it is there is because it’s calling me. And I let myself be taken by the emotion that the materials produce in me; the lines or curves, the colors… I see something such as a textured wall and I say “I will put a texture here,” and I avoid asking myself if that is good or bad (which is something that is hard for me, but I avoid thinking about it because many times I paint things that I don’t like) or if there is something that appears as a necessity and I don’t like it. And if I were to say “I don’t like it,” and would take it out, I would miss the opportunity of learning something new. Then I try to keep going or postpone, and at some point something will come out of that.

 

Fragmento de “Fernanda Laguna. Central desde los márgenes” por Inés Katzenstein, en Otra Parte Revista de Letras y Artes, no. 28, Otoño-Invierno, 2013 […] El lenguaje artístico es un lenguaje de comunicación, un idioma para hablar fuera del sistema del arte, fuera del instituto del arte. Es una forma de comunicación, no debería ser un código dentro de un sistema cerrado. […] Para mí el arte logra hacer un ritual colectivo de algo personal. Se trata de compartir algo. Se trata de revelar a otras personas una experiencia muy personal a partir de la cual se crea un objeto o situación. […] A veces parto de una idea, a veces no, a veces me dejo llevar bastante por lo físico del pintar. A veces empiezo solamente moviendo el pincel con un poco de acrílico negro porque me seduce el brillo de ese color, y empiezo con esa primera sensación de necesidad de pintar. Y entonces pinto una gata o cualquier cosa y sigo pintando las siguientes necesidades que me van surgiendo, que a veces son necesidades muy básicas que surgen de haber visto algo en la mesa, pero nunca me pasa que digo “voy a salir a comprar lana verde”. Si tengo lana rosa hago todo con lana rosa, igual si está ahí es porque me llama. Y voy dejándome llevar por la emoción que me producen los materiales, las rectas o las curvas, los colores… veo algo como una pared texturada y digo “voy a poner una textura acá”, y evito pensar si está bueno o no –algo que me cuesta, pero evito pensarlo porque muchas veces pinto cosas que no me gustan–, o hay algo que aparece como una necesidad y no me gusta. Y si dijera “no me gusta” y lo sacara, me perdería la posibilidad de conocer algo nuevo, entonces intento seguir y posponer y en algún momento algo se arma.

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October 16, 2013 Guido Ignatti https://abstractioninaction.com/artists/guido-ignatti/

Translated from Spanish

I explore aesthetic theories through site-specific intervention and installation. I appeal to experimentation as a fundamental medium and I combine it with other traditional elements in sculpture or painting, as well as appropriation and relocation of existing cultural patrimony. The everyday image of presentations and representations I produce, are the result of these tangled combinations. My work appeals to the judgment of apparent reality. Since the last few years I have been working intensively with installations and interventions, meaning that I work mainly in specific exhibition spaces. The works are conceptually materialized within and from the place where they will be exhibited. In my work, the de-codification of the space is clearly a place of departure. Sometimes this approach within the exhibition context helps to propose something new and other times to adapt a preexisting idea that works in the space. As modus operandi, I am interested not in forcing ideas nor relationships between them and the place. It is fundamental to perceive and understand the environment, establish and mature the works to then proceed to measure time between both parts. Whichever the process is in each case, it is always necessary to establish a relationship with the place before beginning the work process. In my work, I use the edition of recognizable objects and their symbolic charge to configure a new language. Truthfully, I think about objects as letters that allow me to make words that did not exist before this combination that I propose. In turn, the objects used also retain their initial aural signifier, issue that is not a minor factor in the decision of its use. There is a net of meanings and signifiers that structure each piece. I also write. I began to do it simultaneous to my first installations since it helped to put into words the research process as it was happening and, above all, taking into account that the work was going to be destined to disappear after the exhibition. Something similar happened with the Sauna-revista de arte texts. For me, to be critical is not only to think about the work of somebody else or an idea in particular. The act of writing helps me to re-read my work in relation to what I am speaking about. The questions I have as an artist are not the same as the ones I have when I produce a text. Clearly, I do not consider myself an art critic, but writing about what happens around me also functions as the research for my work.

 

Me dedico a la exploración de teorías estéticas a partir la intervención y la instalación de sitio específico. Apelo a la experimentación como medio fundamental y la combino con otros elementos de tradición escultórica y/o pictórica, así como también con la apropiación y reubicación de bienes culturales existentes. La imagen de cotidianidad de las presentaciones y representaciones a las que llego, son el resultado de tan entramadas combinaciones. Mi labor apela al juicio sobre la realidad aparente. En los últimos años vengo trabajando intensamente en instalaciones e intervenciones, quiero decir que trabajo mayormente a partir de los espacios de exhibición concretos. Las obras se materializan conceptualmente en y desde el lugar donde van a exhibirse: en mi obra la decodificación del espacio es claramente un punto de partida. Algunas veces esa aproximación con el contexto de exhibición sirve para plantear algo nuevo y otras veces para adaptar alguna idea preexistente que funciona con el lugar. Como modo de operar me interesa no forzar ideas ni relaciones entre ellas y el lugar. Percibir y entender el entorno, asentar y madurar las obras para luego medir el tiempo entre ambas partes es algo fundamental. Pero sea como sea el desarrollo específico de cada caso, siempre es necesario establecer una relación con el lugar antes de empezar el proceso de trabajo.   Por otro lado, en mis obras utilizo la edición de objetos reconocibles y de su carga simbólica para configurar un lenguaje nuevo. En realidad, pienso a los objetos como letras que me permiten armar palabras que no existían antes de esta combinación que propongo. A su vez, también los objetos usados conservan su aura significante inicial, cuestión que no es menor en la decisión de su uso. Hay una red de significados y significantes que estructuran cada pieza. También escribo. Comencé a hacerlo en simultáneo con mis primeras instalaciones, me servía poner en palabras el proceso de la investigación a medida que iba sucediendo y, sobretodo, teniendo en cuenta que la obra estaba destinada a desaparecer luego de su exhibición. Con los textos de Sauna-revista de arte pasa algo parecido. Para mi hacer una crítica no es solamnete pensar la obra de alguien o pensar alguna idea en particular, ese acto de escritura fundamentalmente me sirve para releer mi trabajo en relación a eso de lo que estoy hablando. Las preguntas que tengo como artista son las mismas que manifiesto cuando produzco un texto. Está claro que no me considero un crítico de arte pero escribir sobre lo que sucede en mi entorno también me sirve como parte de la investigación de lo que hago, de la investigación de mi obra.

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October 9, 2013 Mariano Dal Verme https://abstractioninaction.com/artists/mariano-dal-verme/

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October 9, 2013 Pablo Siquier https://abstractioninaction.com/artists/pablo-siquier/

Translated from Spanish

-The different ways in which a cultural emanation is developed by different peoples or communities (for example, the constructive utopias of Brazil, Europe, Venezuela, or Argentina).

-The process through which a more specific answer is emptied out from the ideological content that generated it, and is used for different or even contrary purposes (the influence of Bauhaus in serial industrial production).

-The transformation experienced by style when it is transplanted to another physical and social reality (Vitruvius’ model of religious architecture in Spanish colonies in the American continent).

These sentences are some examples of what has always fascinated me sensually and intellectually: the impure condition of culture and the visual expressions of that complexity.

In a young country such as mine, this is an elemental everyday condition. Buenos Aires’ architecture is a proof of that.

I intend to register all of this in my work. If I have to summarize in two words the themes that inspire my work, these would be disease and contamination.

 

-Las diversas formas en que una emanación cultural es desarrollada por diferentes personas o comunidades (por ejemplo, las utopías constructivas en Brasil, Europa, Venezuela o Argentina).

-El proceso por el cual una respuesta formal específica, se vacía de los contenidos ideológicos que le dieron origen y se utiliza para fines diversos y aun opuestos (la influencia de la Bauhaus en la producción industrial en serie).

-La transformación experimentada por el estilo cuando se trasplanta a otra realidad física y social (el modelo de Vitruvio en la arquitectura religiosa en las colonias españolas de América).

Estos enunciados son algunos ejemplos de lo que siempre me ha fascinado, a la vez sensual e intelectualmente: la condición impura de la cultura y las expresiones visuales de esa complejidad.

En un país joven como el mío esto es una condición cotidiana y constitutiva. Buenos Aires y su arquitectura son prueba de ello.

Tengo la intención de registrar todo esto en mi trabajo. Si tengo que sintetizar en dos palabras los temas que inspiran mi trabajo serían enfermedad y contaminación.

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October 9, 2013 Mariela Scafati https://abstractioninaction.com/artists/mariela-scafati/

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October 8, 2013 Miguel Rothschild https://abstractioninaction.com/artists/miguel-rothschild/

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October 8, 2013 Amalia Pica https://abstractioninaction.com/artists/amalia-pica/

It has always been about the overlap between form and politics for me. I believe I need to occupy my own place in the world while taking responsibility for the way I do this, I have chosen to be an artist-this was not imposed upon me-and so I understand form to be my concern. I try to stay in the realm of the visual and the sensible as a means of defending that space itself, a space constantly open to redefinition-one in which subjectivity can be played out. This is why self-reflexivity can be important. To me it is a political stance. If one could say that art is concerned with the imagination, I believe that how imagination is formed is a pertinent question that also speaks to society in a larger sense. The ways we imagine and how we are conditioned to imagine are both artistic and political concerns to me.

 
Traducido del inglés

Para mí, siempre ha sido acerca de la superposición de la forma y la política. Creo que tengo que ocupar mi propio lugar en el mundo mientras me responsabilizo de la forma en la que lo hago. He elegido ser una artista—esto no fue impuesto sobre mí—así que entiendo la forma como interés. Intento permanecer en el ámbito de lo visual y lo sensible como modo de defender ese espacio, un espacio constantemente abierto a las redefiniciones, en el cual la subjetividad puede ser representada. Es por esto que la auto-reflexión puede ser importante. Es para mí una postura política. Si uno pudiera decir que el arte está interesado en la imaginación, creo que la manera en la que se forma la imaginación es también una pregunta pertinente que tiene que ver con la sociedad en un amplio sentido. Las formas en las que imaginaos y cómo estamos condicionados a imaginar son preocupaciones artísticas y políticas para mí.

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October 8, 2013 Karina Peisajovich https://abstractioninaction.com/artists/karina-peisajovich/

Translated from Spanish

Extract from interview by Inés Katzenstein, as part of solo show “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “I never felt much love for objects. I never framed anything, and when I thought that I need it to do it, I decided to adopt the frame as a device of the work in the same way that artifacts are presented in installations before the artifice. Geometry is always present in my work. It keeps moving. In installations, geometry acts as a force that supports a space. It constructs a deception… In these new works, the geometric frame allows me to enclose a light situation. They are architectures of a luminous space that also have shadows (shadows produced from the same immateriality). I like frames that are not orthogonal because they are unstable. (…) The work took its own path, and although my impulses are more toxic, painting keeps being a substance that guides me. Even when my work centers on the act of seeing, what happens in the retina, in the illusion of vision itself. Everything departed from that. If I think about the first painters, to paint is also to do magic.”

 

Fragmento de la entrevista con Inés Katzenstein, como parte de la muestra individual “Influyentes e Influidos”, Galería Braga Menéndez Arte Contemporáneo, 2008 “Nunca sentí mucho amor por los objetos. Nunca enmarqué nada, y cuando pensé que necesitaba hacerlo, decidí adoptar al marco como un dispositivo de la obra del mismo modo en que los artefactos se presentan en las instalaciones delatando el artificio. La geometría siempre está presente en mi obra. Se va trasladando. En las instalaciones, la geometría actúa como una fuerza que sostiene un espacio. Construye un engaño… En estas obras nuevas, el marco geométrico me sirve para acotar una situación de luz. Son arquitecturas de un espacio luminoso que también tienen penumbra (una penumbra que se produce en la misma inmaterialidad). Los marcos no ortogonales me gustan porque son inestables. (…) La obra fue tomando su propio rumbo, y aunque mis impulsos sean más tóxicos,  la pintura sigue siendo una sustancia que me orienta.  Incluso cuando trabajo en obras que se centran en el acto de ver, en lo que pasa en la retina, en la ilusión propia de la visualidad. De ahí salió todo. Si pienso en los primeros pintores, pintar es también hacer magia”.

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October 8, 2013 Ramiro Oller https://abstractioninaction.com/artists/ramiro-oller/

Thinking about the past is the perfect still life. To stop is one of the premises of painting.  It is as if thought, facing the past, acts as a force that fences or at least slows the speed of time and synchronizes the individual and collective velocities.

With the cold and electric light of thunderbolts, El Greco directs the film of Futurism, through which he strives to escape from Lascaux, but cannot. In the background, silvery mesh-like curtains make labyrinths of infinite casual correlations. Through opaque glass windows, crystal palaces interiors are reflected.

I think the only honest way to bond with painting today is to embrace the fact that it has survived over the ages, to look back with love and admiration for what has been done, and to discover the vast universe of what was created. The further back in time one looks, the more mysterious the findings become.

 
Traducido del inglés

Pensar en el pasado es el bodegón perfecto. El detenerse es una de las premisas del pintar. Es como si el pensamiento, de cara al pasado, actuara como una barrera o, al menos, detuviera el paso del tiempo y sincronizara las velocidades individuales y colectivas.

Con la luz fría y eléctrica de los rayos, El Greco dirige la película del Futurismo, a través de la cual se esfuerza por escapar de Lascaux, pero no puede. En el fondo, las cortinas de malla de plata hacen laberintos de correlaciones casuales infinitas. A través de las ventanas de cristal opaco, palacios de cristal interiores se reflejan.

Creo que la única manera honesta de vincular la pintura de hoy, es aceptar el hecho de que ha sobrevivido a lo largo de los siglos, para mirar hacia atrás con cariño y admiración por lo que se ha hecho, y para descubrir el vasto universo de lo que fue creado. Cuanto más atrás en el tiempo se mire, más misteriosos los hallazgos se  convierten.

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October 5, 2013 Magdalena Murua https://abstractioninaction.com/artists/magdalena-murua/

Translated from Spanish

My pleasure for handmade and handcraft work has allowed me to delve into the technique of collage, with which I work since several years ago. This technique lets me construct compositions of movement and color through diverse cut outs.  Thanks to an introspective work I can bring order to the chaos of the small cut outs—a more joyful order.

The amount of images to cut out is infinite, and they vary in their colors and textures. The shapes in which they can be cut out are infinite, such as circles, rectangles, squares, strips, rhombuses, or irregular geometric forms. Their layout in the surface of the work is unlimited; plot, pattern, repetition, overlap; diagonals, horizontally, vertically.

 

Mi gusto por el trabajo manual y artesanal, me ha llevado a profundizar en la técnica del collage, con la cual trabajo hace varios años. Esta técnica me permite construir, a través de distintos recortes, composiciones de movimiento y color. A través de un trabajo introspectivo puedo llevar orden al caos de los pequeños recortes, un orden más alegre.

Es infinita la cantidad de imágenes para recortar, que varían en sus colores o texturas. Ilimitadas las formas en que se pueden recortar como círculos, cuadrados, tiras, rombos o formas geométricas irregulares. Ilimitada es su disposición en el plano de la obra, trama, patrón, repetición, superposición, diagonales, horizontales, verticales.

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October 5, 2013 Alexis Minkiewicz https://abstractioninaction.com/artists/alexis-minkiewicz/

Translated from Spanish

The series of works that I present addresses metamorphosis and change; processes. Taking shape through figuration and expansion and the dialogue between materials as a point of tension between the static and the dynamic.

The title of this series is Variations (on the intermediate state), which I take from the Tibetan book of the dead called Bardo Thodol. Its translation means: The Liberation Through Hearing During the Intermediate State, making reference to the moment of transition between death and reincarnation.

 

La serie de trabajos que presento aborda nuevamente la metamorfosis y el cambio, los procesos. Tomando forma a través de la figuración y la expansión y el dialogo entre los materiales como punto de tensión entre lo estático y lo dinámico.

El título de esta serie es Variaciones (sobre el estado intermedio),  lo tomo del libro tibetano de los muertos, llamado Bardo Thodol la traducción es: Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio, haciendo referencia a esa instancia de transición entre la muerte y la reencarnación.

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October 5, 2013 Julián León https://abstractioninaction.com/artists/julian-leon/

Translated from Spanish

My work consists in looking for connections between things and to make them visible. I usually work with reminders, material and discursive discards. I have always felt irresistibly attracted by discarded construction materials in the street. I recognize in those residual products the face that the world of objects shows me. Nevertheless, by utilizing these discarded materials I do not seek to reproduce or restore the world to which they belonged to, I am not interested in that fiction. On the contrary, my interest on that waste is based precisely on their quality as fragments, as incomplete, in the fact that they are segments of the other narratives they have been ripped apart from. They are extracts, pieces of a story that they cannot tell in its totality, paragraphs of a forever lost text or even words, syllables, letters that by being placed next to each other form new units of meaning, new histories; collage. This possibility of relating them to each other in a new and whimsical way, changing them, modifying them, assembling them—it is a way to operate and in this sense, to think, of configuring and reconfiguring, if desired, of knocking over to generate new orders or understandings of them. Painting, photography, sculpture, writing, drawing, or any of the different artistic disciplines are to me means, not of communication, but of experimentation, tools of formal connection and meaning which limits are dissolved. What is true is that as the rest of the world, I look for a meaning; my life is so fragmented that each time I find a connection between two fragments, I feel tempted to find a meaning. The connection exists, but to give it a meaning would be to build an imaginary world within the real world, and I know that this would not be possible. In moments of courage I adopt the unsensical as basic principle, but then I understand that my role is to see what I have in front of me (even if it is inside of me too) and describe it, understand it, experiment it. Art, according to my experience, is the experimental exercise of reality.

 

Mi trabajo consiste en buscar conexiones entre las cosas y hacerlas visibles. Suelo trabajar con restos, desechos materiales y discursivos. Siempre me he sentido irresistiblemente atraído por los desechos en la calle provenientes de la construcción. Reconozco en esos productos residuales el rostro que el mundo de los objetos me muestra. Sin embargo al utilizar esos desechos no busco reproducir o restaurar el mundo del que hacían parte, no me interesa esa ficción, por el contrario, mi interés en esos desechos se basa precisamente en su cualidad de fragmentos, en su incompletud, en el hecho de que son segmentos de otras narrativas de las que han sido arrancados; extractos, trozos de una historia que no pueden contar en su totalidad, párrafos de un texto perdido para siempre o incluso palabras, silabas, letras que al ser colocadas unas junto a otras forman nuevas unidades de sentido, nuevas historias; collage. Esa posibilidad  de relacionarlos entre sí, de manera nueva y caprichosa, cambiándolos, modificándolos, montándolos “es una forma de operar y en ese sentido, de pensar, de configurar y reconfigurar, si se quiere, de revolcar para generar nuevos “órdenes” o “líneas de entendimiento” sobre los mismos.  La pintura, la fotografía, la escultura, la escritura, el dibujo o cualquiera de las diferentes disciplinas artísticas no son para mí más que medios más no de comunicación sino de experimentación, herramientas de conexión formal y de sentido cuyas fronteras resultan bastante disueltas. Lo cierto es que “al igual que todo el mundo busco un significado; mi vida está tan fragmentada que cada vez que encuentro una conexión entre dos fragmentos, siento la tentación de buscarle un significado. La conexión existe, pero otorgarle un significado, sería construir un mundo imaginario dentro del mundo real, y sé que ese mundo no se sostendría. En los momentos de mayor valentía, adopto el sinsentido como principio básico; pero luego comprendo que mi papel es ver lo que tengo delante (aunque también este en mi interior) y describirlo”, conocerlo, experimentarlo; arte, según mi experiencia, es el ejercicio experimental de la realidad.

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October 5, 2013 Bárbara Kaplan https://abstractioninaction.com/artists/barbara-kaplan/

Translated from Spanish

Through my work, I research the relationship between form and matter and the possibilities of meaning that can be achieved by combining them, proposing objects which meanings lay in the relationship between one and the other. Another characteristic of my work is the repetition of forms or processes, producing objects that look similar but are not, that are the same but differently, as if there is a similarity preserved by difference.

I consider art as a way of thinking, that has the advantage of being the place where the coexistence of contradictions is possible, and where there is even no opposition between the two. I create games and their rules by using rigorous methods to reach absurd results.

 

En mis trabajos investigo la relación entre forma y materia y las posibilidades de sentido que pueden lograrse combinándolas. Planteando objetos cuyo significados están dados en la relación entre uno y otro.

Otra característica de mis trabajos, es la repetición de formas o procesos, dando lugar a objetos que se parecen pero no son iguales, que son lo mismo, pero diferente, como si hubiera una similitud  preservada a través de las diferencias.

Considero el arte, como una forma de pensar, que tiene la ventaja de ser el lugar donde la coexistencia de contradicciones es posible y hasta a veces ni siquiera se oponen.

Invento juegos y sus reglas utilizando métodos rigurosos para llegar a resultados absurdos.

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October 5, 2013 Graciela Hasper https://abstractioninaction.com/artists/graciela-hasper/

Translated from Spanish

My work literally expands since I use large formats and city-scale, as well as photography, video, cement floors and iron in three dimensions, always departing from small drawings and watercolors on paper. It could be seen as a pastiche that is saturated by an enormous quantity of meanings, derived from quotes to historical modernisms and avant-gardes in Latin America. I systematize painting itself and more precisely on the history of geometric and abstract painting.

The concepts that represent on the one hand visual perspective and on the other work as a learning and action tool are fundamental to me. Most of my work is based on color as the support of content. Colors stimulate optic movement and color has also been devalued since the time of the neoplatonic, and is treated as a lesser element. Congruent with my painting, video is (or tries to be) a question about the shape of space, vibration of color and light.

I always wanted to work with architecture. I realized that precisely under the project is linked to the aim of coherence, the expanded sense of three-dimensionality, and also the idea of collaboration appears. I believe that it is possible for art and architecture to work interactively. Even though the discourse of architecture is not the same as that of art for different reasons, meanings and mediums, the affinities are clear: space, work and observer; architecture, artistic proposal and landscape.

Sculpture and digital work in variable measure lacks a horizon or an up and down, and it is possible to install it in any potential position.

 

Mi trabajo se expande literalmente por trabajar la pintura en grandes tamaños y en escala de ciudad y también por usar otros soportes como la fotografía, el video, pisos de cemento y el hierro en tres dimensiones siempre partiendo del pequeño dibujo y acuarela sobre papel. Podrá ser visto como un pastiche saturado por una gran cantidad de significados, derivados de citas a los modernismos históricos latinoamericanos y las vanguardias. Se ejerce una sistematización sobre la pintura misma, y más precisamente sobre la historia de la pintura abstracta y geométrica.

Son fundamentales los conceptos que representan por un lado la perspectiva visual y por otro lado sirven como herramienta de aprendizaje y acción. Mucho de mi trabajo se basa en el color como soporte del contenido. Los colores estimulan el movimiento ocular y además el color está bastante desvalorizado desde los neoplatónicos para aca y asociado como algo menor. Coincidentemente con mi pintura, el video también es [o son o tratan de ser] una pregunta sobre la forma del espacio, la vibración del color y la luz.

Siempre quise trabajar con la arquitectura. Me di cuenta que justamente bajo la palabra proyecto se une la aspiración de coherencia, del sentido expandido de tridimensionalidad y también surge la idea de principio de colaboración. Creo que es posible para el arte y la arquitectura trabajar interactivamente. Aunque el discurso de la arquitectura no sea el mismo que el del arte por diferentes motivos, significados y medios; las afinidades son claras: espacio, obra y observador; arquitectura, propuesta artística y paisaje.

La obra escultórica y digital siempre en medida variable como en el caso de mi pintura carece de horizonte o arriba y abajo y fuese posible ubicarla en cualquier potencial posición.

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October 5, 2013 Camilo Guinot https://abstractioninaction.com/artists/camilo-guinot/
Translated from Spanish

I am interested in the relationship between culture and nature. My work consists in manipulating everyday materials by questioning the mechanisms of perception through which we understand the world.

 

Me interesa la relación entre cultura y naturaleza. Mi trabajo consiste en manipular materiales cotidianos cuestionando los mecanismos perceptivos a través de los cuales comprendemos el mundo.

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October 5, 2013 Mauro Giaconi https://abstractioninaction.com/artists/mauro-giaconi/

Translated from Spanish

Entropy Five hundred four thousand nine hundred and fifty three tons on the lifeless gesture that knows that nothing justifies waking up from a good dream. What it is doesn’t matter. What could have happened, neither. If I could give form to pain, everything would be easier. Pain is ancient, wise, and selfish; pain is born, grows up, travels and expands. It is liquid that copies the shape of the body. It was enemy due to my stubbornness, for not understanding that the question was not why walls exist but how to go through them. Now it is my accomplice and my faithful ally. Now it is noise, dissatisfaction, and hope. The polyhedron will triggers any structure; that is why I look for the shape on the wall that never understood limits, the whisper of the corner that does not like angles, the collapse of the ceiling that denied responsibility. Since I do not know where to start, I shake off the lethargy and erase distrust. The strategy is to withdraw, mix up in the dreams, simplify them and get lost in the trip. Meditate, edit myself and neglect order. I followed the advice and grazed the surface one time after another, looking for the spirit of things. When I find something I will notice. When I lose faith I will too. My hands are precise but I am not, that is why when I squirm hoping not to get lost in the instant, I focus on the space of the body, in the weight of the noise, in the breathing, in the chaotic energy of the continuing present. My nation follows me, it has the shape and the size of my foot. If I could float, even if it is a little bit more, I would abandon the ground for a while, like that nail that got buried looking for sunlight during the night. I want to—if I could—last in the instant that divides dreaming from waking up. It is there where everything weighs the same. I want to—if I could—be the horizontal that looks for elevation: verticality is what tends to fall.

 

Entropía Quinientas noventa y cuatro mil novecientas cincuenta y tres toneladas sobre el gesto inerte que sabe que nada justifica despertar de un buen sueño. Lo que era no importa, lo que pudo ser tampoco. Si pudiera darle forma al dolor sería todo más fácil. El dolor es anciano, sabio, egoísta; el dolor nace y crece y viaja y se expande. Es líquido que copia el contorno del cuerpo. Fue enemigo por mi necedad, por no entender que la pregunta no era por qué existen los muros, sino cómo atravesarlos. Ahora es mi cómplice y mi fiel aliado. Ahora es ruido, es descontento y esperanza. La voluntad poliédrica detona cualquier estructura, por eso busco la forma de la pared que nunca entendió de límites, el suspiro del rincón que no soporta los ángulos, el derrumbe del techo que rechazó la responsabilidad. Como no sé por dónde empezar, me sacudo el letargo y borro el recelo. La estrategia es replegarme, revolver en los sueños, simplificarlos y perderme en el viaje, meditar, editarme y descuidar el orden. Seguí el consejo y rocé la superficie una y otra vez buscando el espíritu de las cosas. Cuando encuentre algo aviso. Cuando pierda la fe también. Mis manos son precisas pero yo no, por eso mientras me retuerzo deseando no perderme el instante, me concentro en el espacio del cuerpo, en el peso del ruido, en la forma de la respiración, en la energía caótica del presente continuo. Mi patria me sigue, tiene la forma y el tamaño de mi pie. Si pudiera flotar, aunque sea un poco más, abandonaría el suelo por un rato, como ese clavo que se hundió buscando la luz del sol durante la noche. Quiero -si pudiera- perdurar en el instante que divide el sueño del despertar: es ahí donde todo pesa lo mismo. Quiero -si pudiera- ser horizontal que busca elevación: es la verticalidad la que tiende a caer.

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October 5, 2013 Bruno Dubner https://abstractioninaction.com/artists/bruno-dubner/

Translated from Spanish

I research photography through what is put in front of it; I research what is put in front of the camera through photography. I am interested in photography as a medium and end in itself. This simultaneity is the raw material that I work with.

 

Investigo la fotografía a través de lo que se sitúa frente a la cámara, investigo lo que se sitúa frente a la cámara a través de la fotografía. Me interesa lo fotográfico como medio y como un fin en sí mismo. Esta simultaneidad es la materia prima con la cual trabajo.

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October 5, 2013 Marcolina Dipierro https://abstractioninaction.com/artists/marcolina-dipierro/

Translated from Spanish

In the current development of my work, I’ve seen necessary to incorporate physical and concrete objectual elements so they dialogue directly with the walls and floors in spaces of determinate spaces, pursuing a more architectural ideal more adapted and articulated to the exhibition space. I am interested on encountering the space by creating spatial and formal connections with the shadows and their materiality, subjecting the surfaces and physical limits of the space, unlimiting it formally, visually and perceptively.

In some cases, I work with a series of “objectual pieces,” consisting of basic geometric elements: volumes, planes and lines made with simple materials, to continue with the idea of space as protagonizer, beyond the materiality of the forms. To develop them I use linear forms of stainless steel, aluminum or carbon fiber, and other materials such as acrylic and woods. Some of the works are constructed in modules so they can adapt to different exhibition spaces and so that I can make combinations subject to the space where they would finally be placed at. This series of works that I have been producing, are an account of my most current analysis about the unlimited possibilities that the space offers as support to the work, as a constructive tool.

 

En el desarrollo actual de mi trabajo he visto necesaria la incorporación de elementos físicos y objetuales concretos para que dialoguen directamente con muros y pisos en ángulos de determinados espacios persiguiendo una idea más arquitectónica, más acoplada y articulada al espacio expositivo. Me interesa salir al encuentro del espacio estableciendo vínculos espaciales y formales con las sombras y las materialidades de las mismas subjetivizando las superficies y fronteras físicas del espacio, ilimitándolo formal, visual y perceptivamente.

En algunos casos, trabajo con una serie de “piezas objetuales” conformadas por elementos geométricos básicos: volúmenes, planos y líneas elaborados en materiales simples, para continuar con la idea del espacio como materia protagónica más allá de la materialidad de las mismas. Para su desarrollo utilizo  formas lineales y planas de acero inoxidable, aluminio ó fibra de carbono, así como también materiales como el acrílico y  madera de diferentes calidades.

Algunas de las obras son construídas en módulos de modo de poder adaptarse a diferentes espacios expositivos y para permitirme realizar con ellas combinaciones supeditadas al espacio donde serán finalmente emplazadas.

Esta serie de obras en las que vengo trabajando dan cuenta de mis últimas investigaciones en las posibilidades ilimitadas que ofrece el espacio como soporte de la obra, como herramienta constructora.

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October 5, 2013 Eduardo Costa https://abstractioninaction.com/artists/eduardo-costa/

My “volumetric paintings” are created by adding layers over layers of acrylic paint with brush and spatula. Volume is obtained with no materiality other than acrylic pigment and the eventual thickener.

My pieces include representational and abstract examples. In representational paintings –fruits, people– I work not only the surface of subjects but also the internal space.

A volumetric painting of a watermelon is green in the surface, white and red inside.  A head portrait is as true to the internal organs, muscles, bones–which will be invisible– as to the visible features shown in flat painting or in sculpture.

The geometric abstractions are usually monochromes painted the same color through and through. The knowledge of all the color we do not see completes conceptually the visual perception of the work. When a viewer knows he or she is seeing a volumetric, pure monochrome, he will integrate into the resulting perception an element of imagination: A mass of the same color he is sampling with his eyes.

I am hoping my volumetric paintings will change art teaching. Currently acrylic paint is taught as if it was oil based. There is at least one basic difference; utilizing the appropriate techniques, acrylic paint can be employed to build volumes.

 
Traducido del inglés

Mis “pinturas volumétricas” son creadas al añadir capas sobre capas de pintura acrílica con pincel y espátula. Se obtiene volumen sin otra materialidad que el pigmento acrílico y el aglutinante.

Mis piezas incluyen ejemplos representacionales y abstractos. En las pinturas representacionales (frutas, gente), no trabajo sólo con la superficie de los temas sino también de sus espacios interiores.

Las abstracciones geométricas son a menudo monocromos pintados con el mismo color de principio a fin. La comprensión de todo el color que no vemos completa la visión perceptual de la obra. Cuando un espectador sabe que él o ella está viendo un monocromo puro y volumétrico, integrará a la percepción final un elemento de la imaginación: una masa del mismo color que está siendo percibido con sus ojos.

Espero que mis pinturas volumétricas cambien la manera en la que se enseña el arte. Hoy en día se enseña a pintar con acrílico como si fuese óleo. Existe por lo menos una diferencia; utilizando técnicas adecuadas, la pintura acrílica puede ser utilizada para crear volúmenes.

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October 5, 2013 Marta Chilindrón https://abstractioninaction.com/artists/marta-chilindron/

My focus has always been on questioning the accuracy of our perception, our interpretation of reality.  I have tried to capture the state of flux of everything. Participation of the viewer is important because it brings the person into the sculpture; the public is the performer and the viewer, and that dual involvement is an important element of my work. I explore the ideas of sequencing, beginning and end, making objects that are simple networks with no definite shape and that exist between the second and third dimension with infinite possible configurations.

 
Traducido del inglés

Mi enfoque siempre ha sido el cuestionar la precisión de nuestra percepción, de nuestra interpretación de la realidad. He intentado capturar el estado de flujo de todas las cosas. La participación del espectador es importante porque trae a la persona dentro de la escultura; el público es el que realiza el performance y el espectador, y esa participación binaria es un elemento importante de mi obra. Exploro ideas de secuencia, principio y fin, realizando objetos que son redes simples sin forma definida y que existen entre la segunda y tercera dimensión, con configuraciones posibles infinitas.

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October 4, 2013 Hernán Cédola https://abstractioninaction.com/artists/hernan-cedola/

Dialectic of forms.

Rational. Irrational

Time denial, space alteration.

Dreams and memories of black holes.

Intangible space.

The work of art is adrift, seeking, roaming, erring and not even reaching a final meeting. The end itself is a random ride. Changing the coordinates, mutating, exploring, destroying, beginning a-new, changing the starting point. Changing the axis. It is no for everything to be indifferent, it is for new possibilities to arise. New states, new alterations, new us, strengths, us.

Singularity that evolves into plurality.

Shape of life without shape, no thirst for shape, no thirst for truth, no thirst for judging or being judged.

To become invisible in order to be.

Let it happen and live with the outcome. A game between tension and liberation.

Work as space of struggle, space of permanent revolution, going beyond things because it is knowledge, it is avant-garde and therefore is a void.

Within the twilight of the form the tension of the shapeless is hidden.

Totality has been lost.

 

Dialéctica de la forma.

Racionalidad. Irracionalidad.

Negación del tiempo, alteración del espacio.

Sueños y recuerdos de agujeros negros.

El espacio imperceptible.

La obra es deriva, búsqueda, deambular, errar; no es un encuentro final. El propio final es un andar errante.

Cambiar las coordenadas, mutar, explorar, destruir y comenzar nuevamente, cambiar el punto de partida. Cambiar el eje. No para que todo sea indiferente, simplemente para ver emerger nuevas posibilidades. Otros estados, otras alteraciones, otras fuerzas, otros nosotros, + fuerzas + nosotros.

Singularidad que deviene pluralidad.

Forma de vida sin forma, sin sed de forma, sin sed de verdad, sin sed de juzgar y ser juzgado.

Volverse invisible para Ser.

Dejar que el acto suceda y convivir con lo sucedido. Un juego entre tensión y liberación.

La obra en tanto espacio de lucha, espacio de revolución permanente, un ir al más allá de la cosas porque es conocimiento, es vanguardia y por ende es vacío.

En el ocaso de la forma se esconde la tensión de lo informe.

La totalidad se ha perdido.

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October 4, 2013 Roberto Behar & Rosario Marquardt https://abstractioninaction.com/artists/roberto-behar-rosario-marquardt/

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October 4, 2013 Alejandra Barreda https://abstractioninaction.com/artists/alejandra-barreda/

Translated from Spanish

I work within the framework of geometric abstraction traditions, in correlation with the contemporary world. I research the net of relationships established between painting and spatial context, so that the installation becomes part of the work and each project becomes inseparable from the specific space in which is inserted. On one hand, I resort to working in series, which prevents that the gaze converges to a fixed point in front of the multiplicity of canvases. On the other hand, I work systematically with lines, which produce a continuity effect and expand the pictorial surface.

 

Trabajo en el marco de la tradición de la abstracción geométrica, en resonancia con el mundo contemporáneo. Investigo la red de relaciones que se establece entre la pintura y el contexto espacial, de modo que el montaje se vuelve una parte de la obra y cada proyecto se vuelve inseparable del espacio específico en que se inserta. Por un lado, recurro a las series, que impiden que la mirada converja hacia un punto fijo frente a la multiplicidad de bastidores. Por otra parte, trabajo sistemáticamente con líneas, que producen ante la mirada un efecto de continuidad y una expansión de la superficie pictórica.

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October 4, 2013 Amadeo Azar https://abstractioninaction.com/artists/amadeo-azar/

My work revisits the historical trajectory developed by the great utopias and ideologies of the 20th century and how they transformed in the fears, skepticism and the “no future” of contemporary life. I am interested in history, sociology and architecture. I consider important in my work the exploration of the notion of ideologies and politics about phenomena rooted in the aesthetic. I work with monuments and projects that embody a certain view of the world and power plays; the tension between what could have been and isn’t. There is a melancholy for the ideal of a just society, an idea of nation that was repeatedly ill-fated. Because of this, I don’t want to transform my research about architecture or social phenomena into formulaic conceptual projects nor in illustrations of ideas, but my aim is to use them as a fertilizer to develop poetics.

Mi trabajo revisita el recorrido histórico desarrollado por las grandes utopías e ideologías del siglo XX y como se transformaron en los miedos, el escepticismo y el “no futuro” de la vida contemporánea.
Me interesa la historia, la sociología, la arquitectura. Considero muy importante en mi obra explorar la noción de ideologías y políticas en cuanto fenómenos enraizados en lo estético, trabajo con monumentos y proyectos que encarnan una cierta visión del mundo y de los juegos de poder, la tensión entre lo que pudo ser y lo que no fue. Hay una añoranza por ese ideal de sociedad justa, una idea de país luego reiteradamente malograda.
 No quiero por ello transformar mis investigaciones acerca de la arquitectura o fenómenos sociales en proyectos conceptuales de receta ni en una ilustración de ideas, sino usarlos como fertilizante para desarrollar una poética.

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October 4, 2013 Soledad Arias https://abstractioninaction.com/artists/soledad-arias/

I explore the materiality of language, the phonetic, visual and poetic dimensions of a text or a word as a two-and three-dimensional entity in the context of human relations. I am drawn to what lies among the uttered and the suppressed. For thinking dictates form, a line, an accent, the cadence of silence, all form narratives both in drawing and language. I expose the intersection of the aural and the visual, one where words, text and involuntary sounds are transformed into a visible, physical form. Eventually words are muffled, subtracted, removed from speech, configuring blocks or silent pauses. In acoustic wall #1 what appears like voiceless theater notations (images 1-2) confronts the viewer with vinyl text phrases (“she whispers to herself,” “quite loud this time,” “faint pause,” “stops herself”) which stretch across a twenty-seven feet wall. In phonetic neon [aha], 2011,(image 3) I distill down the excess of language to make apparent an unintentional sound. Aha outlines a sonorous pause, an involuntary gap in between words. Four, thirty-three, 2011,  (image 4) 1 minute=1 inch, evokes John Cage’s statement that silence is not acoustic, highlighting physically the activity of sound in an environment. Snippets (images 7-10) is a collection of videos of an average duration of 1 minute, of everyday situations that seem to have gone astray. An elevator stops between floors, a woman whispers to herself, a child fumbles for words.  Disembodied characters are aware of their absurd fate, while they do not exist except in the viewer’s imagination. Yet at the end it is all the same, what we don’t see is just as important as what we perceive. Technically these silent subtitled narratives that derive from my writing fade—in and out—on a black slate devoid or other images. Drawn from the video’s discarded sound, recorded words vibrate in inaudible patterns, becoming the graphic representation of the cadence of my voice.

 
Traducido del inglés

Exploro la materialidad del lenguaje, las dimensiones fonéticas visuales y poéticas de un texto o de una palabra como entidad bidimensional y tridimensional en el contexto de las relaciones humanas. Me atrae aquello que se encuentra entre lo pronunciado y lo reprimido.  Debido a que el pensamiento dicta la forma, una línea, un acento, la cadencia del silencio, todos conforman narrativas en el dibujo y en el lenguaje. Revelo la intersección de lo aural y lo visual; donde las palabras, el texto y los sonidos involuntarios se transforman en formas visibles y físicas. Eventualmente las palabras se reprimen, se substraen, se remueven del habla, configurando bloques de pausas silenciosas.   En pared acustica #1(acoustic wall #1), lo que aparentan ser notaciones teatrales sin voz (imágenes 1-2), confrontan al espectador con frases de texto en vinilo (“susurra a sí misma”, “muy alto esta vez”, “tenue pausa”, “se detiene a si misma”), las cuales se extienden a lo largo de un muro de más de ocho metros. En neón fonético [aha] 2011 (phonetic neon[aha])  (imagen 3), depuro el exceso del lenguaje para revelar un sonido accidental. Aha destaca una pausa sonora, un espacio involuntario entre palabras. Cuatro, treinta y tres, 2011 (four thirty-three)(imagen 4), 1 minuto = 1 pulgada, evoca la declaración de John Cage de que el silencio no es acústico, enfatizando físicamente la actividad del sonido en un ambiente.   Breves (snippets) (imagenes 7-10) es una colección de videos con una duración promedio de un minuto, de situaciones cotidianas que parecen estar fuera de control. Un elevador se para entre pisos, una mujer se susurra a sí misma, un niño balbucea en busca de palabras. Personajes incorpóreos se percatan de su destino absurdo, mientras que no existen excepto en la imaginación del espectador. Sin embargo al final todo es lo mismo, lo que no vemos es igual de importante de lo que percibimos. Técnicamente estas narrativas subtituladas silentes que provienen de mi escritura, se desvanecen (por dentro y por fuera) en un fondo negro, carente de otras imágenes. Procedentes del sonido descartado del video, palabras grabadas vibran visualmente en patrones inaudibles, convirtiéndose en representaciones gráficas de la cadencia de mi voz.

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October 4, 2013 Lucila Amatista https://abstractioninaction.com/artists/lucila-amatista/

Translated from Spanish

A superimposition of seemingly ordered geometric layers is tensed, breaking its logic and generating a succession of unpredictable patterns, producing the combination of a rational and systematic work with another one that is freer. Thread, pencil and ink are headed towards a more lyrical abstraction, closer to an organic growth. Nets that form a great cartographic weave, multiply, so it can repeat itself infinitely—spaces of accumulation and emptiness. Macro and micro cosmos. This body of work is the result of an extremely repetitive mechanism generated by a single gesture; the same compulsive action of creating weaves.

 

Una superposición de capas geométricas  en aparente orden  se tensiona, quiebra su lógica, generando una sucesión de patrones imprevisibles. Dando lugar a la combinación de un trabajo sistemático racional con otro más libre. El hilo, el lápiz y la tinta se encaminan hacia una abstracción más lírica, y cercana a un crecimiento orgánico. Proliferan redes que conforman una gran trama cartográfica que podría repetirse al  infinito.  Espacios de acumulación y vacío.  Macro y microcosmos.   Esta familia de obras es consecuencia de  un trabajo sumamente repetitivo generado por un mismo gesto, la misma acción compulsiva a crear tramas.

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October 4, 2013 Claudio Álvarez https://abstractioninaction.com/artists/claudio-alvarez/

Translated from Spanish

I believe that my creative process, can be compared in some aspects, to that of a scientific researcher, in the way that their investigation allows new discoveries to be included to their repertoire. The work I have been developing through my career, starting in the ‘80s, when I lived in Brazil, consists of this repertoire.

When I am prompted, like now, to think about my artistic production, I think that I would have to divide it in different lines of enquiry that intertwine or fuse together in the production of different works.

I think that I could divide it into different groupings. That which explores the possibilities of form in its temporal and spatial relationships, including in this group the strictly kinetic works, from the beginning of my career, such as the series Geometrías Inestables (Unstable Geometries), 2012, comprised by structures connected to each other by threads that deform with movement. Another one, which has light and movement as principal elements, included, for example in some works presented in the exhibition Apariencias (Appearances), in 2010. Finally, the group of works that explores the overlapping between the real and the virtual, inspiring reflection on what we really see. In this group of works I utilized optical resources with lenses and mirrors, to create virtual spaces, in works such as Instalación para viaje (Installation for Traveling), Colector de imágenes (Image Collector), and La fuente de la sala al lado (The Fountain at the Hall to the Side).

To conclude, I consider the possibility of altering conscience through the perception as leitmotif in my work. It is the conscience of perception itself what plays a role in the conception of many of my works.  It is also through perception that the interaction with the viewer is possible. The viewer also discovers something similar to what caused the work to be.

I like to think that my works have the virtue of stimulating the senses, provoking reflection and of awakening in the observer a renewed way to see the world.

 

Creo que mi proceso creativo, en algunos aspectos, puede compararse al de un investigador científico, en la medida que su investigación avanza nuevos descubrimientos se suman a su repertorio. El trabajo que vengo desarrollando a lo largo de mi carrera, iniciada en la década de 80, ya viviendo en Brasil, consiste en la aplicación de este repertorio.

Cuando soy inducido a pensar sobre mi producción artística, como ahora, veo que habría que dividirla en varias líneas de investigación que se entrecruzan o se funden en la elaboración de diversas obras.

Pienso que podría separarla en varios conjuntos. Aquel que explora las posibilidades de la forma en su relación espacial y temporal, incluyendo en este grupo mis trabajos estrictamente cinéticos, del inicio de mi carrera, así como la serie Geometrías Inestables de 2012, compuesta por estructuras conectadas entre sí por hilos, que se deforman por el movimiento. Otro, que tiene la luz y el movimiento como elementos principales, que están incluidos, por ejemplo, en algunos trabajos presentados en la exposición Apariencias en 2010. Por último, el grupo de trabajos que explora la transposición entre lo real y lo virtual, suscitando la reflexión sobre lo que realmente vemos. En este conjunto de trabajos se utilizaron recursos ópticos con lentes y espejos para crear espacios virtuales, tal como en las obras: Instalación para viaje, Colector de imágenes y La fuente de la sala al lado.

Para terminar, considero la posibilidad de alterar la conciencia a través de la percepción como el hilo conductor de mi trabajo. Es la conciencia de la propia percepción que entra en juego en la construcción de muchos de mis trabajos y también es por la percepción que se da la interacción con el observador. Él también descubre algo similar a lo que originó la obra.

Me gusta pensar que mis trabajos poseen la virtud de estimular la sensibilidad, provocar la reflexión y despertar en el observador una forma renovada de ver el mundo.

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  • 2013: “Stand Ybakatu”, SP Arte, Feira Internacional de Arte, Pavilhão da Bienal, São Paulo, Brazil.
  • 2013: ARCO Feira Internacional de Arte, Madrid, Spain.
  • 2012-2013: “Aqui e Lá Ybakatu Espaço de Arte“, Curitiba, Brazil.
  • 2012: “Stand Ybakatu”, SP Arte, Feira Internacional de Arte, Pavilhão da Bienal, São Paulo, Brazil.
  • 2012: ARCO Feira Internacional de Arte, Madrid, Spain.
  • 2012: “PR BR, Produção da Imagem Simbólica do Paraná na Cultura Visual Brasileira”, Museu Oscar Niemeyer Curitiba, Brazil.

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October 4, 2013 Carola Zech https://abstractioninaction.com/artists/carola-zech/

About the Artist

I see and think of colors as magnets that go through space. When two shapes attract each other they connect together visually. In the same way, the viewer’s perception is impregnated of this quality when looking. We look at what attracts us, to where we feel attracted to. Magnético (Magnetic) is a project that relates color to magnetism, and proposes a parallel reading of both concepts. Its aim is to show magnetic quality as a reality of space, color, and form.

I like to think that what exists in the nature of a color combination could be similar to what happens with the nature of human temper. In this sense, I can imagine colors with name and last name and people of diverse colors. In the same way, I imagine magnetic fields that expand our energy towards that of others whom interact getting closer or moving away from each other. A color is shown; it can be named and thought of through the chromatic predominance present in the configuration of its mixture. The specificity of this proportion, in the form and space which contains it, result in a color being what it is. Its location in a specific environment generates a unique situation. Each color module establishes a relationship determined by the affinity or rejection with others, and by going through this magnetic relationship, they will come out of this experience being different from what they were. It happens with colors, and people as well.

To dialogue with the context is the seed of my system of production, and it situates my experiences in a place of reflection that I combine with my two-dimensional production. Magnético is a methodological system of production comprised by magnets and based in simple geometric forms painted in metallic two-layer enamel colors used for car painting, which display their mode of operation in the specificity of the exhibition or public space, from their inherent qualities, moving forward on the wall and the tridimensional space, and becoming part of the work. This system incorporates aluminum as one of the basic colors of its palette.

Pienso y veo los colores como imanes que atraviesan el espacio. Cuando dos formas se atraen, se unen visualmente. Del mismo modo, la percepción del espectador está impregnada de esta cualidad al mirar. Uno mira lo que lo atrae, hacia donde se siente atraído. Magnético es un proyecto que relaciona color con magnetismo, proponiendo una lectura paralela de los dos conceptos. Tiene como objetivo mostrar la cualidad de lo magnético como realidad del espacio, el color y la forma.

Me gusta pensar que lo que hay en la naturaleza de la mezcla de un color podría ser similar a lo que sucede con la naturaleza del temperamento humano. En este sentido podría imaginar colores con nombre y apellido y personas de diversos colores, del mismo modo, imagino campos magnéticos que expanden nuestra energía hacia la de los demás y que interactúan acercándose o alejándose. Un color se muestra, puede ser nombrado y pensado por el predominio cromático presente en la conformación de su mezcla. La especificidad de esta proporción, de la forma que lo contiene y del espacio que le da albergue, hace que ese color sea lo que es. Su ubicación en un entorno determinado genera una situación única. Cada módulo de color establece una relación determinada por la afinidad o rechazo con los demás y atravesados por esa mutua relación magnética, saldrán de esta experiencia siendo otros diferentes a los que eran. Sucede entre los colores, así como sucede entre las personas.

Dialogar con el contexto es germen en mi sistema de trabajo y coloca mis experiencias  en un lugar de reflexión, que mezclo con mi producción bidimensional. Magnético es un sistema metodológico de trabajo compuesto por imanes y basado en formas geométricas simples, pintadas con colores metalizados bicapa para autos, que despliegan su dinámica de funcionamiento en el espacio específico de la sala  y/o del espacio público, desde sus inherentes cualidades, avanzando sobre el muro y el espacio tridimensional, constituyéndose así en parte de la obra. Este sistema incorpora al aluminio como uno de los colores básicos de su paleta.

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September 12, 2013