Artist: Horacio Zabala

La pureza está en la mezcla/Purity Is in the Mix
March, 2016 – July, 2016
Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat
Buenos Aires, Argentina

Horacio Zabala: La pureza está en la mezcla / Purity Is in the Mix,  is a retrospective exhibition curated by Rodrigo Alonso for the Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat in Buenos Aires. It is open to the public until July  and it will travel to the Phoenix art Museum to inaugurate in October and will be on public view until March of 2017.

• Happenings

Artist: Horacio Zabala 

Entre líneas
April 8, 2016 – May 9, 2016
Henrique Faria Buenos Aires
Buenos Aires, Argentina

La muestra de Horacio Zabala que presenta la galería Henrique Faria y que lleva por título Entre líneas, puede interpretarse a partir del acto de tachar. Si la escritura –como quería su inventor Thot– tiene como fin preservar la memoria, ¿qué sentido tiene la tachadura? ¿Qué es lo que sucede cuando se oculta lo escrito? ¿Se hace una impugnación de lo recordado, se censura un mensaje, se borra un acto de comunicación, se instaura un nuevo tipo de escritura que ya no sirve a la memoria sino al olvido? Horacio Zabala le quita a la tachadura todas las connotaciones negativas que posee para ponerla en un plano de la invención. Tachar y crear son, en su obra, un gesto único e indivisible. Y eso desencadena, por lo menos, tres procesos: la tachadura como manifestación sensorial, como investigación de la censura y como afirmación del monocromo.

La escritura, que en estas obras es el origen o el punto de partida, está escamoteada. Está dentro de los libros, pero son libros que no se pueden abrir. Está en los periódicos, aunque en palabras y números que no se dejan leer. Debería estar en los lomos pero lo único que ellos nos ofrecen son monocromos rojos. A la vez, esa escritura que se oculta es el andamiaje de la obra: regula el juego de líneas, impone sus límites. La primera operación de Zabala es pasar –con sus tachaduras– del orden de lo legible a lo visible, de la escritura al color. La mancha nos hace ver algo y, en ese mismo gesto, ver lo que no se puede pensar: visibiliza lo ininteligible.

Ese juego de borradura y ocultamiento hace pensar en la censura. Más cuando se sabe que Zabala participó en el arte político de los años setenta y vivió fuera del país en tiempos de la última dictadura militar. Mario Perniola, que leyó su obra bajo la noción psicoanalítica de censura, dijo que el artista “suprime todo con una determinación radical” y “opera la negación de la negación” porque en los periódicos ya operan mecanismos de silenciamiento y desinformación. ¿Al evidenciar los mecanismos de la censura –se pregunta el crítico italiano– se trata de regenerar el arte? La respuesta de Zabala es doble: política y existencial.

Por el lado político, sus obras nos extraen del entorno pero no lo olvidan nunca. El entorno siempre está ahí: tachado y por eso mismo visible. Los títulos de algunas obras lo evidencian al reponer las fechas del periódico que le dan origen: La Nación, jueves 14 de julio de 1988 o Le Monde Censurado – Bourse de Paris, 24-11-93. Ahí están como indicaciones de un día determinado. Ese momento nos remite a otros: imposible no pensar las rayas coloridas que tachan los registros de la Bolsa de París en relación con el

predominio de lo económico en la actualidad y con un lenguaje –el de los indicadores financieros– que apenas sabemos leer pero que influye tanto en nuestras vidas. Esa es la lectura contextual y, si se quiere, política: el mecanismo de la censura habla de la memoria pero también de las complejas apariciones del olvido involuntario o deliberado. Exhibe problemas de legibilidad y los resignifica en términos visuales. La máquina de arte debe procesar tanto las memorias como los olvidos, los recuerdos como lo que quedó reprimido o borrado. Al tachar, Zabala exhibe las diversas aristas de la censura.

La respuesta existencial no niega la lectura política sino que la potencia desde otro lugar. En Zabala, la tachadura es también el camino a un desamparo mayor como sus planos de cárceles o sus cálculos matemáticos. La cárcel no es sólo la represión del poder, también remite a la precariedad humana. La biblioteca sin palabras además de la cancelación de la lectura, es también la apertura a otras actividades humanas: mirar, clasificar, archivar, incorporar lo leído. Las obsesiones con la página de un periódico exceden la ironía sobre las jergas financieras para convertirse en una aventura del color y de la invención. En definitiva: el monocromo, en Zabala, es existencial, testimonio extremo en que la tachadura oculta tanto como revela, en el que lo sensible y lo conceptual se unen en el mismo momento en que se separan.

Horacio Zabala hizo sus primeras obras en la década del sesenta: a diferencia de otros artistas que fueron desplazándose hacia el arte conceptual, Zabala nació conceptual. Formado como arquitecto, en Zabala los anteproyectos son tan importantes como la obra misma: son todas transformaciones de una sensibilidad artística que se despliega, un pensamiento que se hace en imágenes. De ahí la importancia de esta muestra: en las bibliotecas monocromáticas, en los trabajos con los periódicos, en los avatares del rojo, el espectador (un lector de signos) puede acompañar los procesos de un arte dinámico que nos lleva a sensibilizarnos, a partir del color y la forma, sobre los actos de escribir, censurar, tachar, dibujar, planificar, componer y agregar un objeto al mundo.

Gonzalo Aguilar

• Happenings

Artists: Emilia Azcárate, Jacques Bedel, Fernando ‘Coco’ Bedoya, Paulo Bruscky, Jorge Caraballo, Elda Cerrato, Emilio Chapela, Guillermo Deisler, Noemí Escandell, Nicolás García Uriburu, Anna Bella Geiger, Leandro Katz, Leonel Luna, Jonier Marín, Juan José Olavarría, Alejandro Puente, Osvaldo Romberg, Horacio Zabala, Carlos Zerpa.

América
October 21, 2015 – February 10, 2016
Henrique Faria
Buenos Aires, Argentina

Perfiles múltiples para un continente

La historia de América está repleta de gritos: aquellos del conquistador divisando tierra, los de independencia -desde Dolores a Yara- o los del inmigrante que a comienzos del siglo XX intentaba conjurar con su voz el calvario que atravesaba. Sin embargo, hay otras formas de decir América, modos singulares de invocarla, donde se experimenta con su nombre, su cartografía o su pasado. Aquí América se revela como una construcción, una evocación estratégica para desarmar imágenes naturalizadas, desafiar poderes o confrontar mecanismos de opresión.

A través de las obras que participan de esta exposición es posible distinguir no sólo cómo los diversos problemas de las agendas americanas fueron recurrentes en las investigaciones de los artistas contemporáneos sino la manera en que sus estrategias, sus fundamentos políticos y sus objetivos de intervención se modificaron a lo largo del tiempo. Sin embargo, es necesario regresar hacia las obras, establecer nuevos diálogos entre artistas y clarificar sus contextos de circulación para dar lugar a la tarea que parece más urgente: desarmar lecturas naturalizadas que en el estado actual del arte definen los perfiles de lo latinoamericano.

Agustín Díez Fischer

• Happenings

Artists: Álvaro Barrios, Eduardo Berliner, Luis Camnitzer, Mario Cravo Neto, Antonio Dias, Paz Errázuriz, León Ferrari, Guillermo Kuitca, Liliana Porter, Miguel Ángel Rojas, Melanie Smith and Horacio Zabala.

Dark Mirror, Art from Latinamerica since 1968
September 27, 2015 – January 31, 2016
Kunstmuseum Wolfsburg
Wolfsburg, Germany

In its exhibition, Dark Mirror: Art from Latinamerica since 1968, the Kunstmuseum Wolfsburg provides compelling and multi-faceted look at contemporary art in Central and South America.

Topics such as the literal and metaphorical boundaries of freedom, gender identity, social criticism and political power as well as reflections on nature vs. urban existence will be examined via more than 150 works. These come from all genres of art – including installations, objects, paintings, photographs, videos and works on paper – and will be shown in an exhibition space encompassing 1100 square meters. This extensive selection of works, from the largest and most important institution devoted to contemporary Latin American art in Europe: the Zurich-based Daros Latinamerica Collection, not only sheds light on parallels to the history of European art but also on specific Latin American developments, particularly since the 1960s.

The works by such artists as Álvaro Barrios; Eduardo Berliner; Luis Camnitzer; Mario Cravo Neto; Antonio Dias; Paz Errázuriz; León Ferrari; Guillermo Kuitca; Liliana Porter; Miguel Ángel Rojas; Melanie Smith and Horacio Zabala provide a striking picture of Latin American art’s creative diversity and energy.

With respect to its beginnings in 1967 as well as its focus on groups of works by major artists, there are conceptual parallels between the Daros Latinamerica Collection and the holdings of the Kunstmuseum Wolfsburg. The examination of the artistic continent of Latin America in the Dark Mirror exhibition also serves, in this context, as a laboratory for a global expansion of the Kunstmuseum Wolfsburg’s collection.

The exhibition Dark Mirror Art from Latinamerica since 1968 is supported by the artEDU Foundation.

Image: Marcos López, Criollitas, 1996/2006

• Happenings

Artists: Álvaro Barrios, Eduardo Berliner, Luis Camnitzer, Mario Cravo Neto, Antonio Dias, Paz Errázuriz, León Ferrari, Guillermo Kuitca, Marta María Pérez Bravo, Liliana Porter, Miguel Ángel Rojas, Melanie Smith and Horacio Zabala.

Dark Mirror: Art from Latin America since 1968
September 7, 2015 – January 31, 2016
Kunstmuseum Wolfsburg
Germany

Topics such as the literal and metaphorical boundaries of freedom, gender identity, social criticism and political power as well as reflections on nature vs. urban existence will be examined via more than 150 works. These come from all genres of art – including installations, objects, paintings, photographs, videos and works on paper – and will be shown in an exhibition space encompassing 1100 square meters. This extensive selection of works, from the largest and most important institution devoted to contemporary Latin American art in Europe: the Zurich-based Daros Latinamerica Collection, not only sheds light on parallels to the history of European art but also on specific Latin American developments, particularly since the 1960s.

The works by such artists as Álvaro Barrios; Eduardo Berliner; Luis Camnitzer; Mario Cravo Neto; Antonio Dias; Paz Errázuriz; León Ferrari; Guillermo Kuitca; Marta María Pérez Bravo; Liliana Porter; Miguel Ángel Rojas; Melanie Smith and Horacio Zabala provide a striking picture of Latin American art’s creative diversity and energy.

With respect to its beginnings in 1967 as well as its focus on groups of works by major artists, there are conceptual parallels between the Daros Latinamerica Collection and the holdings of the Kunstmuseum Wolfsburg. The examination of the artistic continent of Latin America in the Dark Mirror exhibition also serves, in this context, as a laboratory for a global expansion of the Kunstmuseum Wolfsburg’s collection.

• Happenings

Monochrome Undone
SPACE Collection

Curated by Cecilia Fajardo-Hill
October 24, 2015 – April 1, 2016
SPACE, Irvine, CA

Artists: Ricardo Alcaide, Alejandra Barreda, Andrés Bedoya*, Emilio Chapela, Eduardo Costa, Danilo Dueñas, Magdalena Fernández, Valentina Liernur, Marco Maggi, Manuel Mérida, Gabriel de la Mora, Miguel Angel Ríos, Lester Rodríguez, Eduardo Santiere, Emilia Azcárate, Marta Chilindrón, Bruno Dubner, Rubén Ortíz-Torres, Fidel Sclavo, Renata Tassinari, Georgina Bringas, Abraham Cruzvillegas, Thomas Glassford, José Luis Landet, Jorge de León, Bernardo Ortiz, Martin Pelenur, Teresa Pereda, Pablo Rasgado, Ricardo Rendón, Santiago Reyes Villaveces, Mariela Scafati, Gabriel Sierra, Jaime Tarazona, Adán Vallecillo, Horacio Zabala.

The monochrome as a focus in the SPACE Collection began in a spontaneous form and soon became a systematic field of research. This exhibition is about the contemporary monochrome in Latin America. The monochrome is one of the most elusive and complex art forms of modern and contemporary art. If we think about its origins or meaning, we find that the monochrome is many contradictory things. The monochrome is neither a movement nor a category; it is not an “ism” or a thing. It may be painting as object, the material surface of the work itself, the denial of perspective or narrative, or anything representational. The monochrome may be a readymade, a found object, or an environment—anything in which a single color dominates. The monochrome can be critical and unstable, especially when it dialogues critically or in tension with modernism. This exhibition is organized into four different themes: The Everyday Monochrome, The White Monochrome, The Elusive Monochrome and The Transparent Monochrome. These themes have been conceived to create context and suggest interpretations that otherwise might be illegible.  These may overlap at times, pointing to the multiplicity of content in many of the works. The unclassifiable and variable nature of the monochrome in Latin America today is borne of self-criticality and from unique Latin contexts, to exist within its own specificity and conceptual urgency.

To purchase the catalogue click here.

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El monocromo, como enfoque de SPACE Collection, comenzó de forma espontánea y a poco se convirtió en un campo de investigación sistemático. Esta exposición trata sobre el monocromo contemporáneo en América latina. El monocromo es una de las formas de arte más elusivas y complejas del arte moderno y contemporáneo. Si reflexionamos acerca de sus orígenes o su significado, nos encontramos con que puede albergar muchas cosas contradictorias. El monocromo no es un movimiento ni una categoría; no es un “ismo” ni una cosa. Puede ser la pintura como objeto, la superficie material de la obra, la negación de la perspectiva o de todo lo representativo o narrativo. El monocromo puede ser un readymade, un objeto encontrado, un cuadro o un ambiente: cualquier cosa definida como una superficie cromáticamente uniforme donde un solo color predomina. El monocromo puede ser crítico e inestable, especialmente cuando se dialoga críticamente o en tensión con el modernismo. Esta exposición está organizada en cuatro temas: el monocromo cotidiano, el monocromo blanco, el monocromo elusivo y el monocromo transparente. Estos temas han sido concebidos a fin de crear un contexto y sugerir interpretaciones que de otra manera podrían ser ilegibles. Éstos pueden superponerse a veces, apuntando a la multiplicidad de contenidos en muchas de las obras. La naturaleza indeterminada, inclasificable y variable del monocromo en Latinoamérica hoy en día es producto de la autocrítica y de los contextos propios, para existir dentro de su propia especificidad y urgencia conceptual.

• Projects

Artists: Emilia Azcárate, Artur Barrio, Jacques Bedel, Coco Bedoya, Luis F. Benedit, Paulo Bruscky, Jorge Caraballo, Sigfredo Chacón, Emilio Chapela, Guillermo Deisler, Mirtha Dermisache, Anna Bella Geiger , León Ferrari, Jaime Higa, Eduardo Kac, Leandro Katz, Guillermo Kuitca, David Lamelas, Marie Orensanz , Clemente Padín, Claudio Perna, Federico Peralta Ramos, Dalila Puzzovio, Juan Pablo Renzi, Osvaldo Romberg, Juan Carlos Romero, Eduardo Santiere, Mira Schendel, Pablo Suarez, Horacio Zabala, and Carlos Zerpa.

Grafías y ecuaciones
June 1 – August 5, 2015
Henrique Faria Buenos Aires
Buenos Aires, Argentina

¿En qué momento una letra se convierte en una figura, un garabato en un signo, una línea en un significante, una imagen en una palabra, un poema en un dibujo, una consigna política en una afirmación de lo sensible? ¿En qué momento, en qué preciso momento, nuestra percepción se disloca para entrar en una zona de turbulencia en la  que se entreveran signos y figuras? Grafías y ecuaciones es una exploración en las obras de artistas que transitaron por esa zona de turbulencia donde las divisiones convencionales entre palabra e imagen ya no funcionan.

Las grafías de las obras que se exhiben en esta exposición son también ecuaciones: equivalencias y analogías que hace la imaginación para encontrarse con la diferencia, lo irreductible o el sinsentido en un laberinto de trazos metafísicos, políticos o plásticos. Sea como medición previa para cualquier obra, sea como traducción irrisoria o paródica, sea como pasaje de un sistema a otro, la diferencia entre signo lingüístico e imagen visual colapsa para dar lugar a un campo experimental que nos impulsa a una indagación por el Sentido y, al mismo tiempo, a una exploración de los sentidos.

Gonzalo Aguilar

• Happenings

Artists: Emilia Azcárate, Alessandro Balteo Yazbeck, Cecilia Biagini, Sigfredo Chacón, Emilio Chapela, Eduardo Costa, Willys de Castro, Diana de Solares, Marcolina Dipierro, Eugenio Espinoza, Jaime Gili, Mathias Goeritz, Juan Iribarren, Bárbara Kaplan, Ramsés Larzábal, Raúl Lozza, Beatriz Olano, César Paternosto, Alejandro Puente, Luis Roldán, Osvaldo Romberg, Joaquín Torres García, and Horacio Zabala.

Dirty Geometry
December 2 -7, 2014
Curated by Osvaldo Romberg
Mana Contemporary
Miami, FL, USA

Dirty geometry has existed throughout 20th century art although not in a manifest way; it implies a subversion of the laws of logical rigor, systemism and utopian modernism that have pervaded geometry since Kandinsky. In his milestone book Concerning the Spiritual in Art, Kandinsky argues against geometry as decoration; instead, he promotes geometrical painting as a spiritual tool. The quest of the spiritual, of a balance between the mind and intellectual order constituted the fundamental idea behind geometric art. Geometrical abstraction was used in different times, as we see for instance in Kandinsky’s compositions, in the rigorous nihilism of Malevich’s “Black on Black”, and in the concrete iconography of Max Bill.

Through my concept of “Dirty Geometry,” I want to undermine the rigid, global imposition of geometry that has dominated from the beginning of the 20th century. Of course, other artists have already played with this approach more or less consciously: Rothko when he broke the grid, Frank Stella with his Cone and Pillars series from the eighties.

However I came to realize that Latin-America offers the most prominent examples of “Dirty Geometry.” First, this might be explained by the often rudimentary absorption of the center by the periphery, as peripheral access to major art trends has long been mediated by art reproductions, and perceived through local cultural prisms. This is even truer in Latin-America where most countries lacked a radical and contemporary art scene. Secondly, in Latin America one always finds forms of political and existential resistance against the values of neo-liberalism embodied by the center.

“Dirty Geometry” will question different aspects of American, Russian and European abstract art such as the imposition of polished finish on paintings, the compositions and the purity of its lines, classical applications of colors inherited from the Bauhaus, Concrete Art, etc.

In the forties for instance, the Latin-American group MADI challenged the format of the canvas, the relation between two and three dimensions, etc. In the sixties the Latin-America group of Kinetic Art in Paris challenged the static geometry produced by artists such as Vasarely and Herbin, and introduced movement, light and shadow to abstract art.

I would therefore suggest that Latin-America has proceeded to elaborate a kind of creolization of the dominant geometrical art; this is a recurrent phenomenon in other fields of Latin-American culture, and we encounter it in religion, education, food, inventions, etc.

The more figuration moves away from reality and representation, the more it needs to resort to theory in order to retain legitimacy. Geometry as we traditionally conceive it can only be legitimized by a tight, rigid theoretical framework. “Dirty Geometry” is therefore a rebellious attempt to break from all theoretical frameworks and thus invent a geometry that would be free from theory. This is a dirty war, one that we could define as “below the belt”.  George Bataille believed that “divine filth” brings about true eroticism; likewise, I would suggest that it is possible to bring about an eroticism of geometry through dirt.

• Happenings

Artists: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani, Mariano Vilela, Anna María Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão and Raúl Lozza.

Cromofobia
November 15, 2014 – March 1, 2015
Curator: Teresa Riccardi
MACBA
Buenos Aires, Argentina

Entre la luz y su ausencia, una reunión de imágenes, esculturas, dibujos y fotografías contemporáneas proyectan temporariamente  un espacio formal y acromático en MACBA.  Como si se tratara de una cámara resonante que desafía el umbral audible intensificándolo o neutralizándolo, las piezas que integran esta exhibición en blanco y negro ocupan la arquitectura del museo creando un relato que cancela la posibilidad expansiva e inmaterial que nos propone el color para pensar la gramática formal  que instalan los extremos lumínicos y opacos.

En esta constelación, la certeza gobierna sobre la inestabilidad sugerida por la variación de tintes y cromas, evitando los desvaríos del color, las explosiones y sus afinidades selectivas. Cromofobia  no intenta construir formas de interacción a partir de sus tintes, sino a partir de sus valores y significaciones. Donde cada intervalo de sentido se elabora en la superficie material, y las gradaciones o volúmenes espaciales se reparten entre las distintas intensidades de fuente lumínica. En esta manifestación, ciertas piezas, exteriorizan las progresiones intermedias que componen  la escala de los grises.

Cromofobia nos invita a percibir las obras, su planteo formal y nos acerca a la subjetividad que se inscribe detrás del conocimiento sensible y lenguaje de cada artista. Expone un modo posible de ver usos diversos del blanco y el negro, y en ello, de qué modo ésta elección adquiere un peso específico, una gravedad discursiva.  No obstante la restricción del color, la exhibición nos abre hacia otra lectura fenomenológica de los objetos, las cuales despliegan un horizonte de posibilidades para poder mirarlas y comprenderlas.

Esta exhibición reúne piezas de: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani y Mariano Vilela. También se incluyen obras de la Colección MACBA de los artistas Anna María Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão y Raúl Lozza.

MACBA presents Chromophobia, an exhibition that brings together works from its collection with the work of invited contemporary artists. The pieces included in this exhibition in black and white occupy the museum’s architecture creating a story that cancels the expansive and intangible possibilities of color in order to think of the formal grammar and senses installed by lighting and opaque matter extremes.

Chromophobia brings together works by: Leandro Katz, Horacio Zabala, Lucio Dorr, Silvana Lacarra, Andrés Sobrino, Jorge Miño, Ivana Vollaro, Pablo Accinelli, Nicolás Mastracchio, Marcela Sinclair, Tomás Espina, Matías Duville, Mathieu Mercier, Marcolina Dipierro, Alfio Demestre, Eduardo Basualdo, Guido Yannitto, Erica Bohm, Malena Pizani and Mariano Vilela. Works of the MACBA Collection by Anna Maria Maiolino, Ascânio MMM, Knopp Ferro, João Costa da Silva, Lothar Charoux, Rogelio Polesello, Beto de Volder, Pilar Ferreira, Manuel Álvarez, João Carlos Galvão and Raúl Lozza are also included.

It is a constellation of artists working on pieces that talk about the corporal experience of space, as in the case of Anna Maria Maiolino and Ascânio MMM of Brazil, which inspire and open the bet to other object-based and perceptual dialogues with Argentine artists of the same generation, such as Horacio Zabala and Leandro Katz, or new generations of artists as Eduardo Basualdo, Pablo Accinelli and Marcolina Dipierro. In all cases, their poetics- anchored in the gap between analytical reason and sensorial experience of space and language- suggest a palpable, tactile and visible condition of the body projected or absorbed into the surface of the material and conceptual pieces.

As if they were dissociated from the apparent reality, certain photographic pieces move metaphorically from the earthly to the spectrum, giving spatiality other senses. This is true in the series of photographs by Erica Bohm, Jorge Miño, Guido Yannitto and Leandro Katz, that transport us into a dimension disclosed only by the fictional pact.

Certain gestures, heirs of a formal and conceptual minimalism, dialogue with the MACBA Collection in pieces by Horacio Zabala, Andrés Sobrino, Marcolina Dipierro and Lucio Dorr, compositions that install a narrative space with geometry of minimal units.

The white corporeality is tested by other relationships: Pablo Accinelli, Silvana Lacarra and Ivana Vollaro reduce the image to a minimum in their works, revealing the sensitivity of the materials. Other subsections bodies and cutting materials take shape such as Marcela Sinclair’s intervention performed on a vintage photographs, and pieces of soot on paper with geometrical figures and mandalas of Tomas Espina. The black and white, the paper, the charcoal and the graphite come to life in the imaginary worlds of Matías Duville and abstract pieces by Mariano Vilela, respectively.

In this statement from Chromophobia, perceiving the works and their formal proposal is to see how the use of white and black acquires a specific weight, discursive and poetic gravity that empowers the spatial relationship with the viewer.

Images: Andrés Sobrino, Sin título, 2010, Esmalte sintético sobre multilaminado uréico (plywood), 75 x 55cm. cada uno / Guido Yannito, Perder el nombre, 2013, fotografía, 40x50cm / Horacio Zabala, Los siete días de la semana, 2014, serígrafía sobre papel, 70 x 490 cm. / Vista de sala / Tomás Espina, Sin título, 2013, hollín sobre papel, 32 x 23 cm. (1) / Mathieu Mercier, Sin título, 2012, impresión digital sobre papel baritado, 44 x 29,3 cm.

• Happenings

Artists: Horacio Zabala, Gabriela Golder & Mariela Yeregui, Horacio Gallo, Gaspar Libedinsky and Luciana Lamothe.

Espacio entre paréntesis
Novembre 1 – December 30, 2014
Microcentro / BA Sitio Específico
Buenos Aires, Argentina

Se conocieron los cinco ganadores de “Buenos Aires – Sitio Específico” el concurso de intervenciones urbanas lanzado el 25 de mayo pasado por el Gobierno de la Ciudad. Cada uno de los ganadores recibirá 250 mil pesos para la realización de los proyectos que serán emplazados en la vía publica antes de fin de año. Los ganadores son: Horacio Zabala por Microcentro; Gabriela Golder y Mariela Yeregui por Distrito de las Artes; Horacio Gallo por Distrito del Diseño; Gaspar Libedinsky por Distrito Tecnológico y Luciana Lamothe por Distrito Audiovisual.

De esta manera, en pocos meses, los habitantes y los turistas que caminen por Buenos Aires podrán encontrarse por ejemplo con un signo entre paréntesis tamaño humano que funciona como un intervalo en medio del fluyo vertiginoso de la calle Florida; subirse a una calesita de bicicletas que funciona a fuerza de pedaleo en el Parque de los Patricios; jugar con un metegol para equipos de once jugadores con los muñequitos tallados a imagen y semejanza de los vecinos de Barracas; reflexionar con los carteles de neón con textos creados por un taller para jóvenes del barrio de La Boca y subirse a una escultura de caños de andamio que se levanta a 15 metros de altura y balconea sobre la confluencia de las avenidas Forest, Corrientes y Jorge Newbery en Chacarita.

Sin dudas, experiencias atractivas y excitantes que invitan a la participación colectiva al mismo tiempo que le suman identidad y atractivo a cinco espacios emblemáticos de la ciudad.

El jurado estuvo integrado por Victoria Noorthoorn, directora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA); Máximo Jacoby, coordinador de Artes Visuales del Centro Cultural Ricardo Rojas; Valeria González, licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Buenos Aires; Augusto Rodríguez Larreta, subsecretario de Gobierno de la Ciudad; Patricio Di Stefano, subsecretario de Uso del Espacio Público y Enrique Avogadro, subsecretario de Economía Creativa.

Sobre un total de 108 propuestas recibidas el jurado distinguió también, con menciones de honor, a los proyectos de Luis Terán, Patricio Larrambebere, Fernando Brizuela, Carlos Huffmann, Julián D’Angiolillo y el colectivo Las Sin Futuro, cuyos proyectos serán incluidos en una publicación junto a la obra de los ganadores.

El proyecto de Horacio Zabala se compone de dos volúmenes idénticos, separados entre sí, que visualmente componen dos paréntesis con un espacio entre ellos. El título del proyecto indica y describe la obra misma: en esa esquina de alto tránsito peatonal se emplazarán dos paréntesis enfrentados a una distancia de 1,50 metros. Por su uso en el lenguaje corriente, por su poder referencial y por su sentido figurado, los paréntesis exceden su función específica de signos gramaticales e indican una interrupción por un tiempo o un espacio determinado.

• Happenings

Artists: Horacio Zabala & Eduardo Kac

Spaces of Repression and Liberation
May 15 – June 21, 2014
Henrique Faria
New York, USA

Spaces of Repression and Liberation is a dual exhibition of historical works by Horacio Zabala and Eduardo Kac. Both artists were working during tumultuous periods, one in Argentina and the other in Brazil, near the end of dictatorial regimes. As societal and political limitations bore down upon civilians, artists sought alternative modes of creative expression as a means to continue developing artistically while, importantly, responding to the harsh realities of their current situation. Through their different series of works, Zabala and Kac explore the effects that authoritarianism, censorship and violence had on the body, identity and individuality.

*Image: Horacio Zabala, Anteproyecto de arquitectura represiva, 1973. Pencil on paper, 12 3/5 x 18 in. (32 x 45.7 cm) each. (Detail)

• Happenings

Artists: Alessandro Balteo Yazbeck, Hercules Barsotti, Willys de Castro, Jaime Davidovich, Guillermo Deisler, Mirtha Dermisache, León Ferrari, Héctor Fuenmayor, Anna Bella Geiger, Leandro Katz, Gerd Leufert, Luis Roldán, Osvaldo Romberg, Eduardo Santiere, Horacio Zabala.

Drawings from the South of America
January 24 – February 8, 2014
Henrique Faria Fine Art
New York, NY, USA

*Image: Horacio Zabala, “Terra Ignota”, 1973, Ink on paper, 36.4 x 82.4 cm

• Happenings

Translated from Spanish

Art is the world for a second time.

El arte es el mundo por segunda vez.

Selected Biographical Information

Education / Training

Prizes / Fellowships

Solo Exhibitions

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