Abstraction in Action José Luis Landet: Doma https://abstractioninaction.com/happenings/jose-luis-landet-doma/

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Artist: José Luis Landet

Doma
Opening November 15, 2016
Arroniz Arte Contemporáneo
Ciudad de México, D.F., Mexico

José Luis Landet*’s work involves a wide range of operating and assimilating cultural processes crossed by social, political and ideological actions, through which he explores cultural remnants.

In Doma, Landet presents the work of South American artist Carlos Gómez (1945-2014), from his epistolary communication with poet Zé Braulio, until his exile to Mexico in 1977. The restoration and presentation of Gomez’s work represents an ideal starting point for Landet’s objectives: to recover, document and innovate.

Doma (Tame):
1 The process of domestication of a wild animal through the repetition of exercises.
2 To deprive a passion or conduct.

November 19, 2016 Monochrome Undone https://abstractioninaction.com/projects/monochrome-undone/

Monochrome Undone
SPACE Collection

Curated by Cecilia Fajardo-Hill
October 24, 2015 – April 1, 2016
SPACE, Irvine, CA

Artists: Ricardo Alcaide, Alejandra Barreda, Andrés Bedoya*, Emilio Chapela, Eduardo Costa, Danilo Dueñas, Magdalena Fernández, Valentina Liernur, Marco Maggi, Manuel Mérida, Gabriel de la Mora, Miguel Angel Ríos, Lester Rodríguez, Eduardo Santiere, Emilia Azcárate, Marta Chilindrón, Bruno Dubner, Rubén Ortíz-Torres, Fidel Sclavo, Renata Tassinari, Georgina Bringas, Abraham Cruzvillegas, Thomas Glassford, José Luis Landet, Jorge de León, Bernardo Ortiz, Martin Pelenur, Teresa Pereda, Pablo Rasgado, Ricardo Rendón, Santiago Reyes Villaveces, Mariela Scafati, Gabriel Sierra, Jaime Tarazona, Adán Vallecillo, Horacio Zabala.

The monochrome as a focus in the SPACE Collection began in a spontaneous form and soon became a systematic field of research. This exhibition is about the contemporary monochrome in Latin America. The monochrome is one of the most elusive and complex art forms of modern and contemporary art. If we think about its origins or meaning, we find that the monochrome is many contradictory things. The monochrome is neither a movement nor a category; it is not an “ism” or a thing. It may be painting as object, the material surface of the work itself, the denial of perspective or narrative, or anything representational. The monochrome may be a readymade, a found object, or an environment—anything in which a single color dominates. The monochrome can be critical and unstable, especially when it dialogues critically or in tension with modernism. This exhibition is organized into four different themes: The Everyday Monochrome, The White Monochrome, The Elusive Monochrome and The Transparent Monochrome. These themes have been conceived to create context and suggest interpretations that otherwise might be illegible.  These may overlap at times, pointing to the multiplicity of content in many of the works. The unclassifiable and variable nature of the monochrome in Latin America today is borne of self-criticality and from unique Latin contexts, to exist within its own specificity and conceptual urgency.

To purchase the catalogue click here.

El monocromo, como enfoque de SPACE Collection, comenzó de forma espontánea y a poco se convirtió en un campo de investigación sistemático. Esta exposición trata sobre el monocromo contemporáneo en América latina. El monocromo es una de las formas de arte más elusivas y complejas del arte moderno y contemporáneo. Si reflexionamos acerca de sus orígenes o su significado, nos encontramos con que puede albergar muchas cosas contradictorias. El monocromo no es un movimiento ni una categoría; no es un “ismo” ni una cosa. Puede ser la pintura como objeto, la superficie material de la obra, la negación de la perspectiva o de todo lo representativo o narrativo. El monocromo puede ser un readymade, un objeto encontrado, un cuadro o un ambiente: cualquier cosa definida como una superficie cromáticamente uniforme donde un solo color predomina. El monocromo puede ser crítico e inestable, especialmente cuando se dialoga críticamente o en tensión con el modernismo. Esta exposición está organizada en cuatro temas: el monocromo cotidiano, el monocromo blanco, el monocromo elusivo y el monocromo transparente. Estos temas han sido concebidos a fin de crear un contexto y sugerir interpretaciones que de otra manera podrían ser ilegibles. Éstos pueden superponerse a veces, apuntando a la multiplicidad de contenidos en muchas de las obras. La naturaleza indeterminada, inclasificable y variable del monocromo en Latinoamérica hoy en día es producto de la autocrítica y de los contextos propios, para existir dentro de su propia especificidad y urgencia conceptual.

Para comprae el libro haz clic aquí.

September 25, 2015 Graciela Hasper, Fernanda Laguna, José Luis Landet, Adriana Minoliti, Mariela Scafati, Pablo Siquier & Eduardo Stupía: My Buenos Aires https://abstractioninaction.com/happenings/graciela-hasper-fernanda-laguna-jose-luis-landet-adriana-minoliti-mariela-scafati-pablo-siquier-eduardo-stupia-buenos-aires/

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Artists: Roberto Aizenberg, Nicanor Araoz, Marcela Astorga, Hugo Aveta, Nicolás Bacal, Ernesto Ballesteros, Eduardo Tomás Basualdo, Diego Bianchi, Joaquín Boz, Marcelo Brodsky, Eugenia Calvo, Gabriel Chaile, Nicola Costantino, Ariel Cusnir, Julián D’Angiolillo, Flavia Da Rin, Marina De Caro, Andrés Denegri, Mirtha Dermisache, Sebastián Diaz Morales, Matías Duville, Leandro Erlich, Tomás Espina & Martin Cordiano, León Ferrari, Ana Gallardo, Alberto Goldenstein, Gabriela Golder, Max Gómez Canle, Sebastián Gordin, Jorge Gumier Maier, Luján Fúnes, Graciela Hasper, Carlos Herrera, Carlos Huffmann, Roberto Jacoby, Magdalena Jitrik, Fabio Kacero, Guillermo Kuitca, Fernanda Laguna, Luciana Lamothe, José Luis Landet, Martín Legón, Catalina León, Donjo León, Marcos López, Jorge Macchi, Adriana Minoliti, Marta Minujín with Mark Brusse, Guillermina Mongan, Margarita Paksa, Esteban Pastorino, Marcelo Pombo, Santiago Porter, “Middle School Liliana Maresca Project” (Lorena Bossi, Ariel Cusnir, Sebastián Friedman, Leandro Tartaglia, Dani Zelko) with the students of highschool n°44 of La Cava de Fiorito, Pablo Reinoso, Marisa Rubio, Mariela Scafati, Pablo Siquier, Elisa Strada, Eduardo Stupía, Pablo Suárez, Luis Terán, Valeria Vilar, and Adrián Villar Rojas.

My Buenos Aires
June 20 – September 20, 2015
Maison Rouge
Buenos Aires, Argentina

My Buenos Aires at la maison rouge continues a series of exhibitions that showcases the art scene in cities worldwide. The series was launched in summer 2011 with Winnipeg, Canada, followed in 2013 by Johannesburg, South Africa. Some regret what they see as a “standardized” art world, laying the blame at globalization’s door, and so this seemed the opportune moment to look at centres of creativity which, though out of the spotlight, enjoy a thriving art scene of works infused with the city, its territory, history and myths.

Buenos Aires, a mystery reinvented

A mirror city, established twice (in 1536 and then again in 1580), “Our Lady of the Fair Winds” stands on Río de la Plata, the “silver river” that gave the country its name. Buenos Aires extends over two hundred square kilometres and is home to three million porteños (“port-dwellers” in Spanish). The Greater Buenos Aires conurbation has a population of fifteen and a half million, making it Latin America’s third most-populated agglomeration after Mexico City and São Paulo.

Described by Malraux as “the capital of an empire that never existed”, Buenos Aires fuels many fantasies. The mere mention of tango or beef, of Borges or Maradona, of Argentinean beauties will plunge anyone, even someone who has never set foot in the city, into dreamy nostalgia.

The visual and cultural familiarity that greets a European visitor can disappoint those in search of instant exoticism and pre-packaged emotions. Yet this is precisely where its power of seduction lies; in the (un)acquaintance of what we find when we peel away the masks of this tentacular city, which in 1914 was home to as many immigrants as Argentineans and where still today 40% of its residents were born elsewhere.

Buenos Aires is a child of immigration, whether voluntary or forced; a city haunted by absence. To live there is to accept estrangement and to overcome loss. Hardly surprisingly then, Buenos Aires shares New York’s love of psychoanalysis, and has one therapist for 120 inhabitants.

Seductive, Buenos Aires is no less sombre. It bears the stigmata of violence endured, of uprooting, dictatorship and the mourning of the many disappearances including, since the financial and economic crisis of 2001, that of its own image as a “major European power” that would inexplicably have alighted on the American continent.

The public protests that arose following the 2001 crisis have shown a capacity for counterpower that has no equivalent in the history of modern nations. Even in the throes of crisis, strikes and the pillaging of recent decades, Argentineans continue to wield sarcasm, dark humour and irony as a remedy against resignation.

A chameleon city, Buenos Aires comes with all the accoutrements of a modern conurbation – urban violence, air and noise pollution – yet behind the jacarandas that line its avenues it conserves the extraordinary capacity to reinvent itself and to reveal, unabashedly and sometimes even brutally, the pressing need to live better.

An artistic community that stand together

Authors and actors from all disciplines have in them this extraordinary and also determined capacity for reinvention. In the visual arts, decades of crisis and “getting by” have at least forged a community of artists who, irrespective of rivalries and conflicting views, face adversity as one.

Artists have responded to the lack of infrastructures and learning opportunities by throwing open their studios, hosting charlas (group discussions) where ideas can be brought out into the open. Those who do manage to enter the global art market willingly put their own money into supporting local creation. The grant endowed by painter Guillermo Kuitca, for example, gave an entire generation of artists between 1991 and 2011 access to a studio, and to critical and technical support with which to develop their work. Bola de nieve (“snowball”), a free website set up in 2005 by Ramona magazine, is a database of images where each artist invites another, thereby forming an endless chain. 1,135 artists now show their work there. In a similar spirit, an artist might often recommend visiting another artist’s studio, even when this means putting off visits to his or her own studio to another day.

A compelling movement

In the space of a few years, the map of Buenos Aires contemporary art has undergone substantial transformation to become more evenly spread between the city’s various neighbourhoods. Little by little, the art scene is moving away from the centre. Ruth Benzacar’s gallery, now in its fiftieth year, is leaving the historic Calle Florida for new premises west of the Palermo neighbourhood. New venues are opening in the north, such as Hotel de Inmigrantes. Further north still, the Haroldo Conti Memorial Cultural Centre includes a sculpture park that pays tribute to the men and women who disappeared during the dictatorship, and a cultural centre showing contemporary art. Di Tella, a private university with a famous past, launched an experimental research programme in 2010 under the directorship of the historian and curator Inés Katzenstein. To the south of the city, new director Victoria Noorthoorn is revolutionising the Buenos Aires Modern Art Museum (MAMBA).

The microcentro remains the city’s nerve centre at the heart of its history, and is still the site of numerous art venues, including the Fundación Osde, and galleries. The disgruntled still march on Plaza de Mayo while artists have begun to install works under the obelisk. This reconfiguration of Buenos Aires’ art venues symbolises a city that is gaining momentum, spreading its wings ready to fly. The direction it will take remains to be seen.

Cultural Policy

The city’s Culture Department is behind a number of initiatives which support this quality cultural provision.

The Patronage Law has forged stronger ties between business and the worlds of art and culture by encouraging the private sector to become involved with projects of cultural significance for the city. In a similar vein, thanks to the creation and development of the city’s southern zone (Polo Sur), artists have been able to revive parts of Buenos Aires which for decades languished outside the main exhibition circuits. Initiatives such as the arts district (Distrito de las Artes), the art factory (Usina del Arte), and numerous theatres, cultural centres and exhibition spaces have breathed new life into the south of the city whose industrial landscape now offers something new.

For several years, the successful Tandem programme has enabled art and culture taking place in Buenos Aires to resonate with comparable projects in other capital cities around the world, including Madrid, Amsterdam, Medellín and Paris.

Taking art into public spaces, installing sculptures in the city’s squares, organising open-air performances, launching new circuits such as in Calle Florida or the Borges Xul Solar walking tour… these and other initiatives illustrate the fusion between tradition and modernity, and show how new generations are embracing the city and its mythology.

My Buenos Aires, the exhibition

My Buenos Aires runs counter to the romantic vision of Buenos Aires. Paula Aisemberg and Albertine de Galbert seek to offer visitors to la maison rouge neither a portrait of the city nor a “who’s who” of Argentinean artists, but rather a sensation, an experience of the dynamics at work in the Argentine capital.

The exhibition moves back and forth between political and private, public space, the domestic and the unconscious, exploring themes such as instability, tension and explosion, masks, encryption and the strange.

Along their way, visitors will encounter remnants of facades, mutant scaffoldings, car bonnets, motorway junctions, burned-out houses and headless statues. They will decipher coded languages to the gentle sway of the music rising from the city and the whir of fans. When night falls, they can settle onto an old sofa and listen to a raspy tango, pick their way through the patched-up ruins of a kitchen that’s acting as though nothing was wrong, or study their reflection in the black ink of a white marble basin. They will sink into a waking dream inhabited by strangely unnerving doubles and faceless people falling from the sky, only to wake in the muffled folds of a stucco wedding cake.

With more than sixty artists working in all media, from installation to painting, sculpture, video and photography, four generations are represented. Established names such as León Ferrari, Guillermo Kuitca or Jorge Macchi will join others to be discovered. More than 15 of them will travel to Paris to work on in situ installations.

My Buenos Aires is an invitation to plunge into the mystery of Buenos Aires without attempting to resolve it, and to experience the unsettling strangeness of its multiple personalities.

June 23, 2015 Omar Barquet, Mauro Giaconi & José Luis Landet: Amplificar https://abstractioninaction.com/happenings/omar-barquet-mauro-giaconi-jose-luis-landet-amplificar/

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Artists: Omar Barquet, Mauro Giaconi, and José Luis Landet.

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May 30 – July 16, 2015
Document Art
Buenos Aires, Argentina

La simplicidad de la existencia: su agitación, su inquietud, su pena y su gozo, su espesor, su densidad, su cosa extensa, su tiempo convulso, desunido, su indisciplina, sus farfulladas, su inconciencia visceral y su lucidez no menos clavada al cuerpo… ̈Jean-Luc Nancy (1940).

Los artistas Omar Barquet (México), Mauro Giaconi y José Luis Landet (Argentina) se reúnen para plantear nuevamente una experiencia abierta, donde conceptos como paisaje, lenguaje y entorno son algunas de los ejes temáticos que traman esta propuesta.Ubicando al espectador como potencial protagonista y generando un espacio-terreno de juego, donde una serie de dispositivos lúdicos y simbólicos se disponen para ser activados, Barquet, Giaconi y Landet buscan desde la acción física e interactiva, amplificar el debate sostenido a larga distancia en forma de cadáver exquisito a través de medios de comunicación digitales.

June 15, 2015 José Luis Landet: Gomez https://abstractioninaction.com/happenings/jose-luis-landet-gomez/

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Artist: José Luis Landet

Gomez
December 19, 2014
Document Art
Buenos Aires, Argentina

For more information about the exhibition, please refer to the following video narrated by the artist.

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December 23, 2014 Omar Barquet, José Luis Landet, Christian Camacho Reynoso & Mauro Giaconi: Diferencias sobre lo blanco https://abstractioninaction.com/happenings/omar-barquet-jose-luis-landet-christian-camacho-reynoso-mauro-giaconi-diferencias-sobre-lo-blanco/

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Artists: Omar Barquet, José Luis Landet, Ernesto Alva, Christian Camacho Reynoso, Ricardo Cuevas, Julie Escoffier, Mauro Giaconi, Blanca González, Sergio Gutiérrez and Nelson Santos.

Diferencias sobre lo blanco
July 5 – August 23, 2014
Curated by Marissa Viani Serrano
Casa Galeria D.F.
Mexico City, Mexico

La muestra multidisciplinaria Diferencias sobre lo blanco, se presentará del 5 de julio al 23 de agosto en Casa Galería, proyecto independiente de producción de arte contemporáneo situado en el sur de la ciudad. Con esta muestra Casa Galería pretende celebrar haberse convertido en proyecto exitoso dentro la plataforma Fondeadora, produciendo una exposición de alta calidad que incluye el trabajo de 10 artistas de contrastada trayectoria, tanto mexicanos como internacionales de países como Argentina, Francia y Ecuador. Encontramos entre los participantes a artistas como Omar Barquet (Mx) (becario del FONCA, beca Bancomer-MACG Arte Actual, seleccionado en la Bienal Rufino Tamayo) o el argentino José Luis Landet (también becario del FONCA y con una larga trayectoria en México…entre otros países). El plantel lo completan Ernesto Alva (Mx); Christian Camacho Reynoso (Mx); Ricardo Cuevas (Mx); Julie Escoffier (Fr); Mauro Giaconi (Ar); Blanca González (Mx); Sergio Gutiérrez (Mx); y Nelson Santos (Ec), todos de una reconocida y consolidada trayectoria.

Bajo la curaduría de Marissa Viani (cineasta, curadora e investigadora), tercera dentro ciclo de curadoras jóvenes que participan en Casa Galería este año,Diferencias sobre lo blanco aborda el concepto de lo “neutro” en la obra artística.

La muestra propone que cada artista, independientemente de su estilo, reflexione sobre su propio proceso encontrando la figura más sencilla o más acabada que le permita recuperar el sentido esencial de su pieza a través de la exposición de un fragmento o resto de ella misma.

Viani asegura que las pinturas, dibujos, collages, videos e instalaciones de esta muestra, se construyen tomando distancia de cualquiera que sea su objeto para poner de manifiesto una relación de infinitud en su propio dis-cursus, curso desunido e interrumpido.

De esta manera, lo “neutro” encuentra su expresión en un objeto que se desobjetiviza para dar origen a un nuevo objeto neutro. Lo “neutro” aparece en el momento en que se comienza a (des)dibujar, a encontrar (perder) el tono, el color, el aspecto, la forma o el motivo. Roland Barthes lo relaciona con el “Minimal Art”, surgido en Nueva York en la década de los sesenta, como reacción al desborde del expresionismo abstracto del action-painting, donde existe un renunciamiento a cualquier significación extra-visual de un objeto presentado como evidencia simple de una realidad irrefutable.

August 6, 2014 Mariano Dal Verme, Barbara Kaplan & José Luis Landet: Castillo Abierto https://abstractioninaction.com/happenings/mariano-dal-verme-barbara-kaplan-jose-luis-landet-castillo-abierto/

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Artists: Basualdo, Mariano Dal Verme, Barbara Kaplan, José Luis Landet, Soriano and Luis Terán.

Castillo Abierto
July 4, 2014
Document Art Gallery
Buenos Aires, Argentina

 

July 11, 2014 Omar Barquet, José Luis Landet, Pablo Rasgado, Omar Rodríguez-Graham: Superficie de Tensión https://abstractioninaction.com/happenings/omar-barquet-jose-luis-landet-pablo-rasgado-omar-rodriguez-graham-superficie-de-tension/

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Artists: Ernesto Alva, Verónica Bapé, Balam Bartolomé, Omar Barquet, Saúl Gómez, José Luis Landet, Moris, Calixto Ramírez, Pablo Rasgado, Omar Rodríguez-Graham, Tania Ximena, Cynthia Yee

Curated by Christian Barragán

Superficie en Tensión
January 25 – March 22, 2014
Diagrama
Mexico City, Mexico

Entre el arte contemporáneo, la pintura en la actualidad continúa una disputa dentro y fuera de sus límites sobrentendidos. De ser una superficie pulida, determinante y estática, pasó a ser una superficie en tensión, abierta, inacabada, donde cada artista -desde su particular condición y posición- cuestiona la naturaleza y el campo de acción de ésta disciplina, generando un diálogo con la historia remota y presente. Fue a partir de 1913 que Marcel Duchamp abandonó la pintura-pintura, aquella con aroma a terebantina, por la pintura-idea; fue el comienzo de su verdadera obra, que incluye los readymades y el Gran Vidrio (1915-1923). Es también ése año el comienzo de una nueva época en el arte: la sustitución de la obra-representación por la obra-presencia, asunto del cual Roland Barthes se ha ocupado en su ensayo el Grado cero de la escritura y Octavio Paz en Apariencia desnuda, de ahí la siguiente cita: “El artista no es un hacedor; sus obras no son hechuras sino actos.” Desde ese momento la pintura para Duchamp es un objeto de investigación interna, lo es en dos sentidos, de sí mismo en tanto creador y como análisis del arte en tanto lenguaje. Respecto a esta decisión de Duchamp, Paz escribió, “su fascinación ante el lenguaje es de orden intelectual: es el instrumento más perfecto para producir significados y, asimismo, para destruirlos.” La pintura, a un mismo tiempo,  arma y cuerpo de su propia batalla.

El siglo veinte es el siglo de las vanguardias: entre otras, Impresionismo, Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Abstracción, Suprematismo, Dadaísmo, Metafísica, Constructivismo, Surrealismo, Arte Conceptual, Minimalismo, Land Art, Pop Art… Un siglo de más de cien años en los cuales el arte fue un campo abierto, dinamitado desde el feudo de la pintura. A semejanza del acto de Duchamp, ahí está Warhol haciendo pintura en serigrafía, apropiándose de la multiplicidad y serialidad de imágenes que ofrecían los medios masivos de comunicación en el momento; o Basquiat recurriendo a cuanto soporte tuvo frente a sí, ya sea la puerta de un refrigerador o muebles de madera en desecho, atando palos y tela, mugre y óleo para pintar; o Richter y su realismo austero de la posguerra, además de sus densos barridos de color; o Oehlen explorando las posibilidades de la escala a través del ordenador sobre polímeros; o Baldessari y su “Cremation Project” (1970), en el cual hizo quemar todas las pinturas que había realizado hasta entonces. Un siglo, aún pues, de “tradición y ruptura” (Paz dixit).

La obra reunida en Superficie en tensión son “actos” interesados en la pintura, investigaciones llevadas a cabo por un grupo disímil de artistas congregados por sus procesos de trabajo sobre la vigencia y alcances de lo pictórico. Por ello, cada obra es una aproximación, un modo de concebir, de enfrentarse, ante el gesto pictórico dentro y fuera del bastidor. Los encuentros con la pintura suceden más allá de la superficie, y así descubren o amplían otros ámbitos y contextos, posturas e incomodidades, dudas y cuestionamientos. No importa ya la condición suprema de la pintura sobre otras disciplinas, sino del arte en su condición de creador-destructor de conocimiento, sentido, crítica y significado para asumirse frente a un tiempo y espacio específicos: el aquí y el ahora del arte contemporáneo. Superficie en tensión es un ejercicio que atiende no sólo la pervivencia de la pintura, sino también la vitalidad del arte.

January 21, 2014 José Luis Landet https://abstractioninaction.com/artists/jose-luis-landet/
Translated from Spanish

I like to think of my studio as a laboratory, a place that allows work to be developed into an accumulative process of the graphic experience. Drawing is a way of thinking that makes connections between acquired concepts and executed forms. Far from representing concepts, I try to present them, shape them, and give them a new type of classification to designate them. The act of drawing connects mind with hand, oral language with the sense of touch. The shape might come close to a raw, primary, organic translation of the mind.

 

Me gusta pensar en mi estudio como un laboratorio, un lugar que permite que el trabajo que hago se desarrolle en un proceso acumulativo de la experiencia gráfica. El dibujo es una forma de pensar que hace conexiones entre los conceptos adquiridos y las formas ejecutadas. Lejos de tratar de representar conceptos trato de presentarlos, darles una forma, un nuevo tipo de clasificación para designarlos. El acto de dibujar conecta la mente con la mano, el lenguaje oral con el tacto. La forma podría acercarse a una traducción cruda, primaria y orgánica  de la mente.

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November 5, 2013