Abstraction in Action Monochrome Undone https://abstractioninaction.com/projects/monochrome-undone/

Monochrome Undone
SPACE Collection

Curated by Cecilia Fajardo-Hill
October 24, 2015 – April 1, 2016
SPACE, Irvine, CA

Artists: Ricardo Alcaide, Alejandra Barreda, Andrés Bedoya*, Emilio Chapela, Eduardo Costa, Danilo Dueñas, Magdalena Fernández, Valentina Liernur, Marco Maggi, Manuel Mérida, Gabriel de la Mora, Miguel Angel Ríos, Lester Rodríguez, Eduardo Santiere, Emilia Azcárate, Marta Chilindrón, Bruno Dubner, Rubén Ortíz-Torres, Fidel Sclavo, Renata Tassinari, Georgina Bringas, Abraham Cruzvillegas, Thomas Glassford, José Luis Landet, Jorge de León, Bernardo Ortiz, Martin Pelenur, Teresa Pereda, Pablo Rasgado, Ricardo Rendón, Santiago Reyes Villaveces, Mariela Scafati, Gabriel Sierra, Jaime Tarazona, Adán Vallecillo, Horacio Zabala.

The monochrome as a focus in the SPACE Collection began in a spontaneous form and soon became a systematic field of research. This exhibition is about the contemporary monochrome in Latin America. The monochrome is one of the most elusive and complex art forms of modern and contemporary art. If we think about its origins or meaning, we find that the monochrome is many contradictory things. The monochrome is neither a movement nor a category; it is not an “ism” or a thing. It may be painting as object, the material surface of the work itself, the denial of perspective or narrative, or anything representational. The monochrome may be a readymade, a found object, or an environment—anything in which a single color dominates. The monochrome can be critical and unstable, especially when it dialogues critically or in tension with modernism. This exhibition is organized into four different themes: The Everyday Monochrome, The White Monochrome, The Elusive Monochrome and The Transparent Monochrome. These themes have been conceived to create context and suggest interpretations that otherwise might be illegible.  These may overlap at times, pointing to the multiplicity of content in many of the works. The unclassifiable and variable nature of the monochrome in Latin America today is borne of self-criticality and from unique Latin contexts, to exist within its own specificity and conceptual urgency.

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El monocromo, como enfoque de SPACE Collection, comenzó de forma espontánea y a poco se convirtió en un campo de investigación sistemático. Esta exposición trata sobre el monocromo contemporáneo en América latina. El monocromo es una de las formas de arte más elusivas y complejas del arte moderno y contemporáneo. Si reflexionamos acerca de sus orígenes o su significado, nos encontramos con que puede albergar muchas cosas contradictorias. El monocromo no es un movimiento ni una categoría; no es un “ismo” ni una cosa. Puede ser la pintura como objeto, la superficie material de la obra, la negación de la perspectiva o de todo lo representativo o narrativo. El monocromo puede ser un readymade, un objeto encontrado, un cuadro o un ambiente: cualquier cosa definida como una superficie cromáticamente uniforme donde un solo color predomina. El monocromo puede ser crítico e inestable, especialmente cuando se dialoga críticamente o en tensión con el modernismo. Esta exposición está organizada en cuatro temas: el monocromo cotidiano, el monocromo blanco, el monocromo elusivo y el monocromo transparente. Estos temas han sido concebidos a fin de crear un contexto y sugerir interpretaciones que de otra manera podrían ser ilegibles. Éstos pueden superponerse a veces, apuntando a la multiplicidad de contenidos en muchas de las obras. La naturaleza indeterminada, inclasificable y variable del monocromo en Latinoamérica hoy en día es producto de la autocrítica y de los contextos propios, para existir dentro de su propia especificidad y urgencia conceptual.

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September 25, 2015 Fernanda Laguna, Manuel Mérida: ARCO 2014: #Solo projects https://abstractioninaction.com/happenings/fernanda-laguna-manuel-merida-arco-2014-solo-projects/

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Artists: Fernanda Laguna, Manuel Mérida

ARCO 2014: #Solo projects, arte multidisciplinar con sello latino
Cultura & Arte
abc.es
Spain

El arte latinoamericano pasa por un magnífico momento, y ARCOmadrid, consciente de su potencial, ha querido reforzar, un año más, los lazos entre ambos continentes. En la sección Solo Projects: Focus Latinoamérica la feria presenta, a través de 21 proyectos de artistas latinos, una mirada renovada y multidisciplinar de su panorama artístico.

La selección de esta pléyade de galerías ha sido realizada por un equipo ecléctico de cuatro comisarios con una larga trayectoria curatorial y visiones muy diversas: Magali Arriola (México), Marcio Harum (Brasil), Sharon Lerner (Perú) y Tobías Ostrander (Estados Unidos). Pese a que ninguno de ellos es argentino, este año la participación de galerías bonaerenses se ha incrementado respecto del año anterior. No tanto por la exigua presencia dentro del Programa General, donde solo constan dos, sino por las seis que representan a artistas del país austral.

Este el caso de Nora Fisch, que presenta a Fernanda Laguna (1972), «una de las artistas más influyentes de su generación, no solo por su obra visual, sino también por sus libros de poesía y novelas», explica la galerista. En su reducido estand, ubicado en el pabellón 7 de Ifema, las pinturas entablan un diálogo con sus poemas. Las formas negras casi abstractas que protagonizan sus cuadros y que a veces parecen figuras humanas son una de sus características más recurrentes. «Los tajos y los recortes que aparecen en el lienzo son otra de las señas de identidad de Fernanda. Con ello pretende que se vea lo que hay detrás, quiere ir más allá de la realidad aparente», comenta Fisch. Esta es su forma de representar su experiencia como fundadora del proyecto «Eloísa Cartonera», una editorial argentina que reproduce sus libros con tapas compradas y diseñadas por los «cartoneros», las personas que recolectan cartones de los deshechos como forma de subsistencia en los suburbios de Buenos Aires.

Illy sustainArt concede todos los años un premio al mejor estand en esta sección. Este honor le ha correspondido en 2014 a Diego Bruno(1978). Él también nació en Argentina, pero ahora reside en Helsinki, y presenta Location de la mano de la galerista holandesa Mirta Demare. La obra ganadora explora la memoria histórica de su país de origen a través de una experiencia privada: «De forma oral reconstruye la casa en la que sus padres fueron torturados durante la dictadura argentina (1976-1983)», asegura la galerista. Un relato que configura en distintos soportes como el vídeo, el texto escrito, el dibujo y la fotografía.

Otro de las galerías europeas que cree en el potencial emergente de los artistas latinoamericanos es la francesa Espace Meyer Zafra, que apuesta por las creaciones de arte cinético del venezolano Manuel Mérida (1939). «En mis obras motorizadas trato de introducir el movimiento con la intención de evitar una fase fija y única y la posibilidad de cambio perpetuo para evidenciar la calidad de la materia y su comportamiento», explica el autor. «Los artistas venezolanos como Manuel Mérida –que es de la escuela de Jesús Soto– han sido precursores del arte cinético, que comenzó en los años 50, cuando en París aún ni se conocía», destaca Meyer Zafrany, uno de los responsables de la galería, resaltando así la importancia de América Latina en la escena artística contemporánea.

La única representación española en este espacio corre de la cuenta de la galería alicantina Aural, que exhibe una muestra de los trabajos más emblemáticos de la brasileña Anna Bella Geiger. «Una de las voces más versátiles de Brasil», según la directora de la galería, Begoña Martínez. Aunque debutan en Solo Projects por primera vez, han querido resumir las más de seis décadas de trayectoria de la artista en su estand. Se trata de una obra cargada de compromiso sociopolítico, crítica y cuestionamiento del binomio norte-sur.

Con espacios como Solo Projects, ARCOmadrid 2014 impulsa su vocación por tender puentes hacia un mercado que ya cuenta con sello y personalidad propios.

March 11, 2014 Manuel Mérida https://abstractioninaction.com/artists/manuel-merida/

Translated from Spanish

Artists have not conformed to being simply artists; they have also needed to create a theoretic framework. Generally, artists have been their own theorists, they have created their own arena as artists, have believed necessary to take a position not only in order to make their works but to create their own world, their own code… Everything we do and think exists, in only in a way. What happens is what we make evident. There are artists that speak about their own trade and who take great pleasure in giving explanations. In my case, I have a lot of issues when analyzing my own work. There are also artists that are better orators than creators… What I meant to say is that their theory often goes beyond their own work. The tendency to take theorist definitions about art, in some cases, traps them in their own creation. In my interactive or motorized works I try to introduce movement with the intention of avoiding a single and fixed phase, and the possibility of perpetual change to make evident the quality of matter and its behavior. I rely on manual or mechanic grounds to animate the work, in which mobility is an accident, creating changing situations just as it occurs at every moment in nature. When I say this, I am based on kinetic art concepts that I acquired very late, in the year ’68 when I arrived in Paris for the first time. It was shocking to discover new ways of tackling art, since I was a gestural artist… The encounter with artists such as Soto, Cruz-Diez, Camargo, Le Parc, Lygia Clark, etc., created a conflict in me, which took me to a contradiction of my previous work. Later I understood that the situation was a possible exit to a new way of seeing, to a new experience… Nevertheless, it is good to say that in my work method is closer to a gestural painter than to a constructivist or kinetic artist. In any case, what is proposed by an artist or creator is not to make “good paintings” or pay the bills, but to try to invent, modify certain established structures despite all the contradictions that this may represent…

 

Los artistas no se han conformado con simples artistas también han necesitado un marco teórico. Generalmente han sido sus propios teóricos, han creado su propio terreno como artistas, han creído necesario tomar posición no solamente para hacer obras, sino para fabricar su proprio mundo, su propio código… Todo lo que hacemos y pensamos existe de una cierta manera tan solo, lo que pasa, es que lo ponemos en evidencia. Hay artistas que hablan de su proprio oficio y que tienen gran placer en dar explicaciones. En mi caso, yo, tengo muchísimos problemas en analizar mi propia obra. También hay artistas que son mejores conversadores que creadores… lo que quiero decir es que su teoría muchas veces va más allá de su propia obra. La tendencia a tomar definiciones teóricas sobre el arte, en ciertos casos, los encierran en su propia creación. En mis obras manipulables o motorizadas, trato de introducir el movimiento con la intención de evitar una fase fija y única y la posibilidad del cambio perpetuo para evidenciar la calidad de la materia y su comportamiento. Me apoyo en fundamento mecánico o manual para animar la obra en la que la movilidad es un accidente creando situaciones siempre cambiantes como ocurre a cada instante en la naturaleza. Cuando digo esto, me baso en conceptos del arte cinético que yo adquirí bastante tarde en el año 68 cuando yo llegue a Paris por la primera vez. Para mí fue un impacto descubrir nuevas maneras de afrontar el arte, siendo yo un artista gestual… El contacto con artistas como Soto, Cruz-Diez, Camargo, Le Parc, Lygia Clark, etc… Crearon en mí un conflicto que me llevo a una contradicción con mi trabajo anterior. Pero luego comprendí que esa situación era una posible salida a una nueva manera de ver, a una nueva experiencia… Sin embargo, es bueno decir, que mi método de trabajo está más cerca de un pintor gestual, que de un artista cinético constructivista. En todo caso, lo que se propone un artista o creador no es de hacer “buena pintura” o buena factura sino trabar de inventar, modificar ciertas estructuras establecidas a pesar todas las contradicciones que esto pueda representar…

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 1950-1958: Fine art training. School of fine art – Arturo Michelena, Valencia, Venezuela.

Prizes / Fellowships

  • 14 prizes given by Venezuelan Salons and Museums along with a prize by Vitry City, France.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions

  • 2012: “10 works in the shop windows”, Hermes of Paris, NY, Monaco, Hong-Kong.
  • 2012: “Fondation Datris”, L’Isle-sur-la-Sorgue, France.
  • 2011-2012: Espace Meyer Zafra, France.
  • 2009: “Atlas Sztuki”, Lodz, Poland.
  • 2006-2012: Art Paris Art Fair, Grand Palais, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2006: “Collective Show Une Histoire du Cinétisme”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2005: “Collective Show Autour de Soto”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2004: “Collective Show Movement and Abstraction”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.
  • 2003: “4 Maitres du Venezuela”, Espace Meyer Zafra, Paris, France.

Collections

  • Musèe des Beaux – Arts, Caracas, Venezuela.

Links

October 16, 2013