Abstraction in Action Martin Pelenur: Fragmentations and other Parables https://abstractioninaction.com/happenings/martin-pelenur-fragmentations-parables/


Artists: Miguel Acosta, Alfredo Alvarez Plagaro, Ana Isabel Diez, Florencio Gelabert, Sonia Falcone, Mabel Poblet, Martin Pelenur, Viviana Zargon.

Fragmentations and other Parables
June 16, 2016 – August 6, 2016
Alejandra von Hartz Gallery
Curated by: Aluna Curatorial Collective
Miami, Florida

Fragmentation and other parables, curated by Aluna Curatorial Collective (Adriana Herrera and Willy Castellanos) at Alejandra von Hartz Gallery is an approximation to the recurrence, meaning, and the logic of fragmentation in contemporary artistic practices: Is it true that it disrupts the threads of connection with history or could it suggest other types of relations to the past and the present? What are the contemporary parables that suggest fragmentation in art?


July 22, 2016 Martin Pelenur: Ballena https://abstractioninaction.com/happenings/martin-pelenur-ballena/


Artist: Martin Pelenur

April 12, 2016 – until June
Curated by Martín Craciun
Centro Cultural Dodecá
Montevideo, Uruguay

Martin Pelenur will open his new solo exhibition Ballena (Whale) at Dodecá Cultural Center in Montevideo. Curated by Martín Craciun the exhibition encompasses a new series of painting within a site specific installation. The intervention transforms the exhibition space into a machine to produce and display an exercise about repetition and time.

“Oh, my. So the whale swallowed all of you, too? My goodness. ”
– Geppetto talking to Pinoccio

A sequence of industrial materials and processes are obsessively sorted. The idea that the experience of paying close attention may result in a pleasurable activity in any context is quite relative. The truth is that visual intelligence is very important in the time of accelerated circulation of images. Therefore deceleration, along with the slowdown in time and perception are key strategies to study things in detail. As enunciated by Gustave Flaubert, God is in the details[1]. – a world of original information, graphics and forms, of synchronicity, of veil and reveal arrhythmias.

Pelenur transform the exhibition space into a workshop, a lab. He creates a system of materials, forms and processes. Pelenur´s blue whale is time and form; is it possible to control the outcome on the basis of catalysis? how to become a dabbler of chemicals and repetitive processes, a master of failure and controlled indeterminacy?. Varnish is here a physical medium to mold and shape, a vehicle for content and ideas. The challenges of life in art as its content are introduced by the artist.

The exhibition is an exercise that intends to translate into the exhibition hall Pelenur´s universe, with its timeframes and temporalities. The installation is a machine for producing and thinking. His personal challenge is to generate sufficient and structural thickness – micron varnish, accumulated in countless layers resting for weeks erected in industrial elements.

Pelenur has been dedicated to develop a sustained experiment on painting. He constantly seeks to modify his approach, resisting the comfort of trends and maintaining the freshness of a practice that he is passionate. Every experience nourishes the next to generate inputs for his next move.

[1] The phrase was attributed throughout history to Voltaire, Flaubert, Aby Warburg and Mies Van der Rohe.

June 1, 2016 Martin Pelenur: Primordial Meditations https://abstractioninaction.com/happenings/martin-pelenur-primordial-meditations/

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Artists: Claudio Vera and Martin Pelenur.

Primordial Meditations
September 17th – October 24th, 2015
Artemisa Gallery
New York, NY, USA

It is embedded in human nature to be thoughtful and innovative for survival. Collectively, a dialogue surrounding this concept is excavated from Vera’s and Pelenur’s parallel bodies of work, to raise thought provoking questions that are inherent to humanity’s progression on earth, as well as, within society. How can humanity move forward in connection with the land, and how does one’s consciousness allow this process to unfold? Such primordial concerns with existence have continued through ancient times into contemporary civilization. To investigate Vera and Pelenur in this vein brings to light the association of physical and cerebral conditions, which are key to the balancing act that humanity must perform throughout time.

Claudio Vera’s newest body of work is intensely contemporary and sensual, evolving seamlessly from his most recent series of wooden sculptures. Vera’s works on paper are created through a similar, physically intensive process of carving blocks of wood; however, instead of sculpting the artist deconstructs flat wooden surfaces and turns them into topographies, territories, physical maps, where we can wander endlessly. Vera has consciously altered his medium of choice – a conceptual reflection on deliberate transformation that exists in the structures of nature, the cosmos, and the ideas of contemporary science explored by humankind. Vera’s roots are linked to the Latin American tradition of the “School of the South,” as the artist studied for many years under one of Joaquín Torres García’s most famous pupils, Julio Alpuy. Like his teacher, Vera’s work embraces and dissolves boundaries, revealing an intimate relation between mankind and the natural world, derived from a deep understanding of organic structures and systems.Martin Pelenur’s newest body of work manifests itself through his use of paint and other synthetic mediums on paper: some forms are painted dense and heavy on the surface, thick with pigment, yet others take on fragile and crystalline structures that seem to emulate the delicate nature of inner thought. Still more, a final group of works are made with commercial packaging tape arranged in lattice form on paper. Each variation of Pelenur’s work shows a progressive creation of simple forms via the human mind. In 2006, the artist started his own self-promoted “Pelenur Scholarship,” based out of his studio Ciudad Vieja – translated as “Old City.” Pelenur’s approach to scholarship is untraditional, and his actions in doing so become an extension of his ongoing practice as an artist who explicitly devotes himself to the research of painterly materials and their collaboration with the “mental drift” that is an integral part of the evolution of society. For Pelenur, the act of painting is an experiment in thought and the inner human discourse that is methodic and repetitive when studied in depth. Even more so, perhaps his superficially manufactured scholarship is reflected in his preferred use of synthetic materials, as opposed to organic, when exploring the progressive nature of human thought.
October 2, 2015 Monochrome Undone https://abstractioninaction.com/projects/monochrome-undone/

Monochrome Undone
SPACE Collection

Curated by Cecilia Fajardo-Hill
October 24, 2015 – April 1, 2016
SPACE, Irvine, CA

Artists: Ricardo Alcaide, Alejandra Barreda, Andrés Bedoya*, Emilio Chapela, Eduardo Costa, Danilo Dueñas, Magdalena Fernández, Valentina Liernur, Marco Maggi, Manuel Mérida, Gabriel de la Mora, Miguel Angel Ríos, Lester Rodríguez, Eduardo Santiere, Emilia Azcárate, Marta Chilindrón, Bruno Dubner, Rubén Ortíz-Torres, Fidel Sclavo, Renata Tassinari, Georgina Bringas, Abraham Cruzvillegas, Thomas Glassford, José Luis Landet, Jorge de León, Bernardo Ortiz, Martin Pelenur, Teresa Pereda, Pablo Rasgado, Ricardo Rendón, Santiago Reyes Villaveces, Mariela Scafati, Gabriel Sierra, Jaime Tarazona, Adán Vallecillo, Horacio Zabala.

The monochrome as a focus in the SPACE Collection began in a spontaneous form and soon became a systematic field of research. This exhibition is about the contemporary monochrome in Latin America. The monochrome is one of the most elusive and complex art forms of modern and contemporary art. If we think about its origins or meaning, we find that the monochrome is many contradictory things. The monochrome is neither a movement nor a category; it is not an “ism” or a thing. It may be painting as object, the material surface of the work itself, the denial of perspective or narrative, or anything representational. The monochrome may be a readymade, a found object, or an environment—anything in which a single color dominates. The monochrome can be critical and unstable, especially when it dialogues critically or in tension with modernism. This exhibition is organized into four different themes: The Everyday Monochrome, The White Monochrome, The Elusive Monochrome and The Transparent Monochrome. These themes have been conceived to create context and suggest interpretations that otherwise might be illegible.  These may overlap at times, pointing to the multiplicity of content in many of the works. The unclassifiable and variable nature of the monochrome in Latin America today is borne of self-criticality and from unique Latin contexts, to exist within its own specificity and conceptual urgency.

To purchase the catalogue click here.

El monocromo, como enfoque de SPACE Collection, comenzó de forma espontánea y a poco se convirtió en un campo de investigación sistemático. Esta exposición trata sobre el monocromo contemporáneo en América latina. El monocromo es una de las formas de arte más elusivas y complejas del arte moderno y contemporáneo. Si reflexionamos acerca de sus orígenes o su significado, nos encontramos con que puede albergar muchas cosas contradictorias. El monocromo no es un movimiento ni una categoría; no es un “ismo” ni una cosa. Puede ser la pintura como objeto, la superficie material de la obra, la negación de la perspectiva o de todo lo representativo o narrativo. El monocromo puede ser un readymade, un objeto encontrado, un cuadro o un ambiente: cualquier cosa definida como una superficie cromáticamente uniforme donde un solo color predomina. El monocromo puede ser crítico e inestable, especialmente cuando se dialoga críticamente o en tensión con el modernismo. Esta exposición está organizada en cuatro temas: el monocromo cotidiano, el monocromo blanco, el monocromo elusivo y el monocromo transparente. Estos temas han sido concebidos a fin de crear un contexto y sugerir interpretaciones que de otra manera podrían ser ilegibles. Éstos pueden superponerse a veces, apuntando a la multiplicidad de contenidos en muchas de las obras. La naturaleza indeterminada, inclasificable y variable del monocromo en Latinoamérica hoy en día es producto de la autocrítica y de los contextos propios, para existir dentro de su propia especificidad y urgencia conceptual.

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September 25, 2015 Martin Pelenur: La Pecera https://abstractioninaction.com/happenings/martin-pelenur-la-pecera/


Artists: Martin Pelenur.

La Pecera
December 13, 2014
Taller abierto / La pecera


December 23, 2014 Martin Pelenur: Konkurso https://abstractioninaction.com/happenings/martin-pelenur-konkurso/


Artistas: Diego Focaccio, Diego Masi, Pablo Conde, Jacqueline Lacasa, Martín Verges, Federico Arnaud, Ernestina Pereyra, Gabriel Regal, Andrea Finkelstein, Gustavo Fernández, Alejandro Turell, Sergio Porro, Rita Fischer, Alvaro Gelabert, Andres Santangelo, Gustavo Jauge y Martín Pelenur.

July 1 – August 10, 2014
Centro de Exposiciones Subte
Montevideo, Uruguay

Se propone como un proyecto curatorial que  pretende intervenir (y no solo reflexionar acerca de) las relaciones de poder, incluso las que corresponderían a su propia existecia y al lugar en el cual existe.
Esta intervención se propone no solo desde lo formal, sino también desde su producción y circulación, en sentidos que se desarrollan más adelante.
Konkurso no es precisamente un concurso de arte aunque se presenta como tal, es más bien un encuentro entre colegas artistas para accionar y pensar.
Es una exhibición colectiva de 21 artistas invitados por el curador a formar parte de un concurso de arte donde el jurado está constituido por los propios artistas participantes.
La mayoría de los artistas invitados pertenecen a un mismo corte generacional, nacidos en los años 60s y 70s, salvo algunas excepciones pero todos vienen desarrollando una producción estética contundente y han participado activamente en exposiciones dentro y fuera de Uruguay, así como de los Concursos y Premios que  se desarrollan en nuestro país.

Existe una cierta diversidad y calidad en sus obras y en sus carreras que hace que sean atractivos para este tipo de proyecto. Los artistas, además de presentar una obra, tienen que participar de manera colectiva, proponiendo, discutiendo, argumentando, pensando y haciendo.
Konkurso es un concurso donde el jurado son los artistas, ellos determinaran cual es la obra merecedora del primer premio.
Ellos decidirán si existe tal premio o simplemente es una mención. También ellos decidirán cual es el montaje más apropiado para la exhibición así como el tipo de charlas y/o encuentros que se realizaran con el público.
A partir del panorama de los concursos en nuestro medio, se intenta reflexionar y cuestionar la actividad de competencia en el arte, así como de la sobrevaloración de los concursos y sus jurados.
Pretende ser una experiencia abierta y un trabajo en proceso.

¿Es saludable competir en el Arte?
¿Por qué hay artistas que solo aparecen en los concursos y casi nunca se los ve exponiendo?
¿Hay artistas concurseros?
¿Podrían definirse como artistas oportunistas?
¿La presentación de carpetas con fotos y proyectos es mejor y ha facilitado la participación de más artistas que la presentación directa de la obra en primera instancia?
¿Tienen la misma oportunidad de participar los artistas del interior que los de la capital?

¿Hay acomodo en los Concursos de Arte?

En nuestro medio donde hay muy poca presencia de Galerías y el Mercado es pequeño. ¿Los concursos son una forma de dar visibilidad, además de “vender” la obra?

¿Por qué en la década de los 80´s y los 90´s había tantos concursos?
¿Por qué, paulatinamente, dejaron de hacerse  los concursos organizados por privados (Coca Cola, Inca, Alcan, United Airlines, etc.)?
¿Por qué, paulatinamente, dejaron de hacerse casi todos los concursos organizados por Bancos y Entes del Estado (Banco Hipotecario, Banco República, etc.?

¿Por qué el Premio Nacional no se realiza todos los años, como lo indica la ley que lo promulga?
¿Por qué cada vez que se realiza se cambian sustancialmente las bases del concurso?
¿Por qué se propone que los participantes voten a uno de los jurados?
¿Traer jurados del exterior, ayuda a la transparencia de los concursos?
¿Quiénes organizan y por consiguiente designan a los jurados, establecen las pautas y los lineamientos para que se premie a tal o cual lenguaje y “tipo” de artista y obra?
¿Los veedores, que se supone representan y defienden los intereses de los artistas, son útiles realmente?

¿Por qué la Intendencia de Montevideo dejo de hacer el Salón Municipal?

July 23, 2014 Martin Pelenur: Diagonal https://abstractioninaction.com/happenings/martin-pelenur-diagonal/


Artist: Martin Pelenur

February 8, 2014
Galería del Paseo
Manantiales, Maldonado, Uruguay

“Trabajo en Pintura con una lógica de testeo, por ahora, siguiendo un mismo patrón; descompongo la actividad sintética de pintar en elementos constitutivos, haciendo así visible su relación.

Los cuadrados de MDF contienen tres manos de pintura. Base acrílica, barniz y esmalte. Translucidez y brillo son características notables del barniz.

La pintura seca en capas, con un volumen determinado en micras. Cuando la capa  supera esa micra, la pintura queda atrapada en el fondo, generando el corrugado posterior en la superficie.

El corrugado, considerado un error en la pintura,  genera el acto de pintar.

Me interesa producir esas condiciones.

El trabajo en cintas tiene que ver con la repetición. Desarrollo como distintas formas de colocar cintas en un soporte, generan una grilla en la superficie.  En este caso, superponiendo cuatro veces cinta y lograr así, la diagonal dentro del cuadrado.”


March 31, 2014 Martin Pelenur https://abstractioninaction.com/artists/martin-pelenur/

Translated from Spanish

I understand painting as a way of thinking and as an experimental practice. I think with images and then I try to conceive them. I work with premises. I think about walking as my form of resistance and about art as the ultimate frontier to redeem the desire to live in a different way. Surfer.


Entiendo a la pintura como una forma de pensamiento y como una práctica experimental. Pienso con imágenes y luego intento concebirlas.
Trabajo con premisas.
Pienso en el andar como mi forma de resistencia y al arte como la última frontera para reivindicar el deseo de vivir de forma distinta. Surfista.

Selected Biographical Information

Education / Training

  • 2003: Analista en Economía. Facultad de Ciencias Económicas, Universidad de la República, Montevideo, Uruguay.
  • 2003: Formacion de taller con Fernando López Lage en el FAC (Fundación de Arte Contemporáneo) Montevideo, Uruguay.

Prizes / Fellowships

  • 2012-2014: Beca de creación FEFCA de la dirección Nacional de Cultura del MEC (Ministerio de Educación y Cultura) Montevideo, Uruguay.
  • 2012: Premio Nacional de pintura, Bartolmé Macció, San José, Uruguay.
  • 2012: Premio Paul Cezanne. Alliance Françoise, Montevideo, Uruguay.
  • 2011: Premio Pintura Bicentenario (selección). Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo, Uruguay.
  • 2011: Beca Instituto Goethe Montevideo-Berlin.

Solo Exhibitions

Group Exhibitions


  • 4 Museos + 40 Obras. Colección MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires), Buenos Aires, Argentina.
  • 54 Premio Nacional de Artes Visuales Carmelo Arden Quin. Montevideo, Uruguay.
  • Nuevas Vías de Acceso II. MNAV (Museo Nacional de Artes Visuales). Montevideo, Uruguay.
  • Absorciones. MEC (Ministerio de Educación y Cultura). Montevideo, Uruguay.



October 8, 2013