Abstraction in Action Claudia Fernández https://abstractioninaction.com/artists/claudia-fernandez/

Para mi la abstracción esta en todos lados y en todos los niveles. Nuestra mente o nuestro conocimiento sólo percibe algunos tipos de abstracción, pero si ahondamos en éste tema, lo pensamos y observamos, nuestra vida esta rodeada de abstracción.

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For me, abstraction is everywhere and at every level. Our mind or knowledge can just perceive some types of abstraction, but if we go deeper into the subject, think about it and observe it, our everyday life is surrounded by abstraction.

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January 11, 2017 Rafael Lozano-Hemmer https://abstractioninaction.com/artists/rafael-lozano-hemmer/

I’m an electronic-based artist. My work, often large scale, is made up of interactive installations in public space and usually deploys new technologies and physical interfaces. Using robotics, projections, sound, internet and mobile phones, sensors and other devices, I make examples of kinetic sculpture, responsive environments, video installations and photography which require the viewer to reconsider their conceptions of art, networks, language, code and meaning through human interactions and production of the ephemeral.

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Soy un artista electrónico, mi obra generalmente de gran escala, se conforma por instalaciones interactivas en espacios públicos, normalmente usando nuevas tecnologías e interfaces físicas. Por medio de la robótica, proyecciones, sonido, Internet y teléfonos móviles, sensores y otros dispositivos, creo ejemplos de escultura cinética, entornos interactivos, instalaciones de vídeo y fotografía que obligan a reconsiderar el concepto unidireccional del arte. Exploro y experimento con lo análogo y digital, con conceptos como el de red, lengua, código y significado a través de la presencia humana y de lo efímero.

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December 27, 2016 Magali Lara https://abstractioninaction.com/artists/magali-lara/

About the Artist

My work is found in an intersection. Text and image coexist in different ways. As Siamese twins, that have developed different personalities but that, in the end, share a vital nucleus.

This is the way I understand as artists we come close to animation because it constitutes a fertile terrain to construct other ways of narrating. Firstly, because of the ease of the programs that are available today, that offer relatively simple ways of solving technical problems. Secondly, because animation, as comics in its moment, also allows to create sequences from a different place to cinema. It is as if drawing supports an exploration about subjectivity, and becoming fictional, it could excavate within memory with more freedom.

Many young artists are interested in exploring, like me, the narrative possibilities of animation. The basic difference between us, aside from the generational, is that even though we share the passion for comics, I’m interested in the evocation more than in the description of existential situations.  They, instead, feed themselves from a rich world that stems from manga, pornography, and commercial caricatures, moving away from the pictorial tradition.

The image in movement is a risky bet and it is related to temporality.

Sound experimentation, the inclusion of chance, the voice in the music sheet, sometimes as a gesture, and others as narration, feed many of my preoccupations, and open a panorama with many combinations. At the same time, present day animation allows me to understand that to employ figuration or abstraction imply different ways of constructing stories.  Figuration is closer to caricature and satire, or to a first person narrative. The visual abstract, sometimes used as a secondary element, appears more like an effect.

I feel closer to animation that uses a more abstract language, as in the movies of Norman McLaren. To want to tell not from the feminine body, but from the experience of the body that has seen, that knows that you do not tell all, and that sound makes the possible appear. Insinuation is sometimes more intense than the declaration.

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Mi trabajo se sitúa en la intersección. Texto e imagen conviven de diferentes maneras. Como hermanas siamesas que han desarrollado distintas personalidades pero que, al final, comparten un núcleo vital.

Así entiendo que muchos artistas nos aproximamos a la animación porque constituye un terreno fértil para construir otros modos de narrar. Primero, por la facilidad de los programas ahora disponibles, que ofrecen maneras relativamente sencillas de resolver problemas técnicos. Y en segundo lugar porque la animación, como el cómic en su momento, también permite hacer secuencias desde un lugar distinto del cine. Como si el dibujo apoyara una exploración sobre la subjetividad y, al hacerse ficticia, pudiera escarbar en la memoria con mayor libertad.

Muchos artistas jóvenes están interesados en explorar, como yo, sus posibilidades narrativas en la animación. La diferencia básica entre nosotros, aparte de la generacional, es que aunque compartimos la afición por los cómics, estoy interesada en una evocación más que en una descripción de situaciones existenciales. Ellos, en cambio, se nutren de un mundo riquísimo que viene tanto del manga, la pornografía, como de caricaturas comerciales, apartándose de la tradición pictórica tradicional.

La imagen en movimiento es una apuesta arriesgada y ligada a la temporalidad.

La experimentación sonora, la inclusión del azar y la voz en la partitura, a veces como gesto y otras como narración, alimentan muchas de mis inquietudes y abren un panorama de muchas combinaciones. Al mismo tiempo, la animación actual me permite entender que usar la figuración o la abstracción implica maneras diferentes de construir relatos. La figuración está más cercana a la caricatura y a la sátira, o a una narrativa en primera persona. Lo abstracto visual, a veces usado como elemento secundario, aparece más como efecto.

La animación que usa un lenguaje más abstracto, como las películas de Norman McLaren, me resulta más cercana. Querer contar no ya desde un cuerpo femenino, sino desde la experiencia del cuerpo que ha visto, que sabe que no lo dices todo, que el sonido hace aparecer lo posible. La insinuación a veces es más intensa que una declaración.

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December 1, 2016 Thomas Glassford: Siphonophora https://abstractioninaction.com/happenings/thomas-glassford-siphonophora/

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Artist: Thomas Glassford 

Siphonophora
Until July 24, 2016
Museo Universitario del Chopo
Mexico City, Mexico

Siphonophora is a site-specific work that echoes earlier chapters in his career—above all his work on the articulation of neo-botanical structures—as well as a glossary constructed in the present. In direct allusion to the siphonophores, colonies of planktonic marine organisms with a peculiar morphology that places them between animals and plants, Glassford constructs a sculptural organism that recalls the building’s former incarnation as a natural history museum. The work combines reference points ranging from the human microbiome—the collection of microbes that colonize the body and that together comprise one hundred times more genes than in our own genome—to the classic children’s story Jack and the Beanstalk, by way of the artist’s own experiences on a farm, weaving together his extensive knowledge and love for plants, which form an important part of his everyday life.

In both the siphonophores and the microbiome, there is a social parallel with the community, the family nucleus, a neighborhood, or city. This dependency and correlation allows unity and divergence. The encounter with this complex installation fluctuates in the perception between a fossil, plant elements, or an animal organism. Depending on the viewpoint, its monumental character situates us walking on the ocean floor, entering a cave, observing from the sea surface, or seeing a climbing plant from cloud level. This ambiguity highlights the construction of parallel worlds in which viewers recognize themselves in the astonishment of a single, unrepeatable yet collective reflection.

 

 

April 18, 2016 Ricardo Rendon: Possible Memory https://abstractioninaction.com/happenings/ricardo-rendon-possible-memory/

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Artist: Ricardo Rendon

Possible Memory
April 2, 2016 – April 30, 2016
Zipper Galeria
São Paulo, Brazil

Against the backdrop of a social vision that remains very clear in the way that the act of physical labor is understood, the artist seems to once again emphasize the sculptural value of his production. Evidently, the works of Rendón never ceased to be properly sculptural, and thus occupying, in an inescapable way, the exhibition space. But what we see here is a clear concern with specific aspects of the sculpture, notably the treatment of weight, or the way in which the weight of each piece is not an accessory but rather central to the creation of the work. By suspending wooden and stone slab fragments, Rendón brings these questions to light, while suggesting a dialogue with references to the recent history of Western sculpture, such as the series Gravitaciones by Eduardo Chillida, among other possible references, thus justifying his claim for a central role for sculpture in the contemporary art scene.

April 13, 2016 Christian Camacho: Como fantasmas que vienen de las sombras… https://abstractioninaction.com/happenings/christian-camacho-como-fantasmas-que-vienen-de-las-sombras/

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Artists: Daniel Aguilar Ruvalcaba, Esteban Aldrete, Maj Britt Jensen, Christian Camacho, Ramiro Chaves, Carolina Esparragoza, Andrés García Riley, Cynthia Gutiérrez, Rodrigo Hernández, Mauricio Marcin, Jonathan Miralda, Jazael Olguín, Rita Ponce de León, Emiliano Rocha, José Luis Sánchez Rull, Daniel Steegmann.

Como fantasmas que vienen de las sombras…
Project: Juan Caloca and Andrés Villalobos
October 30, 2015
ESPAC
Mexico City, Mexico

Contrario a lo evidente esta cueva no es el resultado de una búsqueda primigenia. Esta caverna es un umbral. Un pasaje a otros mundos, una nueva forma de ver y sentir. La cueva en este caso sirve como metáfora de procesos de representación. La cueva es un dibujo expandido, una textura gigante. Esta caverna alude a lo interior, a lo más profundo de los pensamientos escondidos detrás de las pantallas, las imágenes y los seres humanos. Esta cavidad sirve de analogía para hablar de la televisión, el pensamiento y los desdoblamientos del ser. De algún modo esta cueva representa el origen, pero no el de la humanidad, ni mucho menos el de la filosofía como en la de Platón.

La intervención a su vez plantea un esfuerzo para el espectador. Los recorridos probables para transitar la exposición no serán de fácil acceso, requiriendo un esfuerzo extra en los participantes. Exigiéndoles una interacción activa tanto con el espacio como con las piezas contenidas en éste.

Es así que las piezas de la exhibición se afectarán una a otra, formarán parte de un todo conglomerado. No estarán aisladas señalando su aura artística sino que se implantarán en este habitáculo para formar una sola idea antropofágica. Unos comiéndose a los otros. Unos siendo los otros.

November 2, 2015 Elena Damiani: Testigos: un catálogo de fragmentos https://abstractioninaction.com/happenings/elena-damiani-testigos-un-catalogo-de-fragmentos/

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Artist: Elena Damiani.

Testigos: un catálogo de fragmentos / Sediments: an assemblage of remains
Curated by Cecilia Delgado and Amanda de la Garza
September 5, 2015 – February 7, 2016
MUAC Museo Universitario de Arte Contemporaneo
Mexico City, Mexico

La propuesta de Elena Damiani forma parte del programa curatorial Intemperie Sur, que parte de la idea del intersticio como hendidura que media entre dos partes de un mismo cuerpo. Opera desde la posibilidad de vincular el adentro y el afuera del museo, por ello propone que las intervenciones artísticas sucedan en terrazas y patios.

La instalación Testigos: un catálogo de fragmentos se presenta como un interludio espacio-temporal. Conformada por dos esculturas en travertino que aluden a la naturaleza discontinua del tiempo y a la aparición de espacios liminales dentro de éste, Damiani revela los intersticios que el propio material contiene. Estas fisuras -hiatos o lagunas en el tiempo geológico- son los puntos de interés crítico, ya que representan la evidencia de ciertos quiebres, filtraciones y discordancias, factores que señalan sutilmente la existencia de un ‘tiempo perdido’.

En los vacíos es donde se formula un espacio para el cuestionamiento de la continuidad y la estabilidad de lo que entendemos como espacio-tiempo. Si bien, se considera que el tiempo ayuda a revelar la esencia de las cosas: la apariencia de una ilustración cuyos bordes han sido manoseados por un número de personas, el tono oscurecido de un árbol o la rugosidad de una piedra son testigos silenciosos que en su composición material contienen una serie de capas de información que representan un transitar del tiempo.

La primera escultura es una serie de 34 piezas talladas en travertino, son prismas cortados a la vena provenientes de la misma piedra; este corte permite ver las diferentes capas de sedimentación características de la composición de este material. Cada uno se encuentra dispuesto uno junto al otro de manera secuencial sobre el muro, recomponiendo el patrón de estratificación original de la piedra, el cual se ve interrumpido por una incrustación de resina translucida en cada una. La segunda, son dos losas de travertino cortadas a la vena que rotan en uno de sus vértices para incorporarse la una con la otra ubicadas sobre el piso. El área donde se superponen es remplazada por un vidrio del mismo espesor de manera que las capas estratigráficas queden a modo de espejo.

En su conjunto, la instalación hace referencia a dialécticas de linealidad, ruptura y yuxtaposición, de superficie plana y volumen, de adentro y afuera; señalando la potencialidad de los materiales para retener y desplegar información o dejar que ésta se filtre a través de los huecos en las superficies segmentadas. Damiani integra a la instalación resina y vidrio en las fracturas del travertino, destacando la notoria intrusión de elementos ajenos entre los sedimentos naturales, generando así pequeños vanos o paréntesis que exponen una serie de quiebres en la continuidad de la composición morfológica de la piedra. La artista expande las posibilidades del collage como un medio para la escultura y la instalación, presentando una tensión dialéctica entre el todo y sus partes, donde la composición de las obras dispuestas en el espacio señalan la naturaleza fragmentaria, propia del collage, a través de los segmentos y las capas que se acoplan presentándose como un nuevo todo.

October 9, 2015 Mario Navarro: Aesthetical Irregularities https://abstractioninaction.com/happenings/mario-navarro-aesthetical-irregularities/

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Artist: Mario Navarro

Aesthetical Irregularities
September 18, 2015
Proyecto Paralelo
Mexico City, Mexico

Navarro extracts fragments from the exhibition space thus creating voids and duplicates that that echo each other. The artist understands the void as a loss or as something missing, but as a place where it is possible to multiply reality over and over. The void works just as another constructive element that operates by pointing to the limits of forms and things.

September 25, 2015 Christian Camacho Reynoso: Noche y dibujo https://abstractioninaction.com/happenings/christian-camacho-reynoso-noche-y-dibujo/

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Artist: Christian Camacho Reynoso

Noche y dibujo
September 10, 2015
Cooperativa Cráter Invertido
Mexico City, Mexico

a diferencia de la pintura, no requiere de luz; a diferencia de la escultura, no requiere de espacio.

Una plática sobre los vínculos posibles entre el dibujo y la noche, acompañada de la activación de una pieza reciente.

September 16, 2015 Ricardo Alcaide: Not Much Further https://abstractioninaction.com/happenings/ricardo-alcaide-much/

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Artist: Ricardo Alcaide

Not Much Further
September 18, 2015
Arróniz Arte Contemporáneo
Mexico City, Mexico

Podríamos pensar que existe una línea que divide lo inservible y lo útil, lo proyectado y lo alcanzado. Pero esa división no es real cuando deambulamos por una ciudad o recordamos una historia. Es en ese punto de suspensión donde se sitúan las reflexiones de Ricardo Alcaide.

Acostumbrado a mirar desde el modernismo venezolano, su mirada crítica se ha ido trasladando por otros entornos urbanos, ejercitando la agudeza de descubrir las promesas de lo que se imaginaba un futuro mejor en lo que está a punto de desaparecer.  En Not Much Further la sensación de atracción e incomodidad y la indefinición a través de la recuperación estética de formas modernistas, replantean imposiciones y disfunciones de la sociedad actual.

September 16, 2015 Octavio Abúndez: El futuro no es lo que solía ser https://abstractioninaction.com/happenings/octavio-abundez-el-futuro-es-lo-que-solia-ser/

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Artist: Octavio Abúndez.

El futuro no es lo que solía ser
September 4, 2015
Museo de Arte Raúl Anguiano (MURA)
Guadalajara, Jalisco, Mexico

La exposición individual multidisciplinaria de Abúndez propone una reflexión multidireccional acerca del futuro de las sociedades. El futuro, visto como problema, posibilidad y topos (lugar), alimenta las investigaciones más recientes del artista que se vinculan a su anterior exploración fenomenológica y del episteme. Desde la creación de un manifiesto político hasta la invención de un futuro alterno, la apropiación de diálogos cinematográficos o un resumen sumamente tendencioso de la Historia, Abúndez propone al visitante posturas encontradas.

La exhibición estará compuesta en su mayoría por piezas inéditas y nunca exhibidas en Guadalajara, acompañadas por un par de piezas seminales de 2006 y 2008. Esta muestra se divide en dos partes, la primera es un análisis del futuro desde tres perspectivas: el futuro como posibilidad, el futuro como ficción y el futuro como consecuencia. La segunda parte muestra dos vertientes, la emocional y la intelectual al enfrentarnos con la responsabilidad de formar el futuro.

El proyecto consta de dieciocho piezas entre dibujo, instalación, vídeo, fotografías, escultura, pintura, entre otras.

 

September 14, 2015 Jaime Ruiz Otis: XIX Bienal Plástica de Baja California https://abstractioninaction.com/happenings/jaime-ruiz-otis-xix-bienal-plastica-de-baja-california/

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Artists: Jaime Ruiz Otis, Pablo Llana, José Hugo Sánchez, Mario Alberto Rodríguez Herrera, Toni Larios, Miguel Ángel Jiménez, Diana Andrea Fuentes Salinas, Alejandro Jara López, Luis Alderete, and many more.

XIX Bienal Plástica de Baja California
June 29 – December 2015
Centro Estatal de las Artes de Tijuana
Tijuana, Baja California, Mexico

Exposición de 60 obras de diferentes formatos, de 33 artistas plásticos de la región, en la Galería de Exposiciones Internacionales del Centro Estatal de las Artes Tijuana (Ceart Tijuana).

 

August 25, 2015 Mario Navarro https://abstractioninaction.com/artists/mario-navarro/

The formal aesthetics and syntax of my work stand as an alternative reference to certain classes of objects, just as words do not « refer » to things themselves in Saussure’s theory of linguistics. Objects and architectures have meanings as points and conceptual significations within an entire system of relations as each and every element evokes an idea different, let’s say, than that of another class of objects in virtue of their literal properties. I believe in creating a meta-class of language that questions both architecture and the way we look at it but in different terms. Architecture is re-contextualized.

Issues of perception, the combination of language and spatial elements, the sculptural properties of language, matter/materials and their representations are lines of research that I have been investigating lately. The relations between architectures and forms, and more specifically, the decomposition of architectural paradigms (balance, symmetry, organization of units and the figure of the architect) are some of the constant interests and explorations in the ongoing and never finalized propositions that I create.

 
Traducido del inglés

La estética formal y sintaxis de mi trabajo se destacan como una referencia alternativa a ciertas clases de objetos, de la misma forma que las palabras no se « refieren » a las cosas mismas, como en la teoría lingüística de Saussure. Los objetos y las arquitecturas tienen significados como puntos, y significaciones conceptuales dentro de todo un sistema de relaciones, así como cada elemento evoca una idea diferente, digamos, que la de otra clase de objetos en virtud de sus propiedades literales. Creo en la creación de un meta-lenguaje que cuestione tanto la arquitectura como el modo en que lo observamos, pero en diferentes términos. La arquitectura es re-contextualizada.

Las cuestiones de la percepción, la combinación del lenguaje y elementos espaciales, las propiedades escultóricas del lenguaje, materia / materiales y sus representaciones, son las líneas de investigación que he estado realizando últimamente. Las relaciones entre las arquitecturas y las formas, y más específicamente, la descomposición de los paradigmas arquitectónicos (el equilibrio, la simetría, la organización de unidades y la figura del arquitecto) son algunos de los intereses constantes y de las exploraciones de las proposiciones siempre inconclusas y en desarrollo.

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August 18, 2015 José Dávila & Ricardo Rendón: In Girum Imus Nocte et Consumimur Igni https://abstractioninaction.com/happenings/jose-davila-ricardo-rendon-girum-imus-nocte-et-consumimur-igni/

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Artists: Bas Jan Ader, Carlos Amorales, Joseph Beuys, Monica Bonvicini, Stefan Brüggemann, Jeff Burton, Anne Collier, Jose Dávila, Moyra Davey, Carroll Dunham, Gardar Eide Einarsson, Olafur Eliasson, Tracey Emin, Cerith Wyn Evans, Claire Fontaine, Garea, Gelitin, Liam Gillick, Felix González Torres, Thomas Hirschhorn, Jim Hodges, Jenny Holzer, Roni Horn, Dennis Hopper, On Kawara, Mike Kelley, Martin Kippenberger, Gabriel Kuri, Abigail Lane, Gonzalo Lebrija, Jesús León, Robert Longo, Sarah Lucas, David Lynch, John McCraken, Sarah Morris, Ugo Mulas, Luis Felipe Ortega, Jorge Pardo, Liliana Porter, Richard Prince, Tobias Rehberger, Daniela Rossell, Thomas Ruff, Alan Saret, Hedi Slimane, Dash Snow, Mungo Thomson, Wolfgang Tillmans, Rirkrit Tiravanija, Luis Emilio Valdés Rodríguez, John Waters, Ricardo Rendón, and many more.

In Girum Imus Nocte et Consumimur Igni
July 11 – October 4, 2015
Fundación Jumex Arte Contemporáneo
Mexico City, Mexico

Con más de cien obras de la Colección Jumex, In Girum Imus Nocte et Consumimur Igni explora varios acercamientos a la curaduría que nos ayudarán a entender las elecciones implícitas en los actos de formar yactivar una colección de arte. Además de participar en la selección de obras para la exposición, los artistas Bernadette Corporation, Nicolas Ceccaldi y Peter Wächtler también fueron comisionados para crear piezas inspiradas en obras de la Colección Jumex.

July 23, 2015 Gabriel de la Mora: Tres pies: el enigma de la sucesión. Envejecimiento y retiro https://abstractioninaction.com/happenings/gabriel-de-la-mora-tres-pies-el-enigma-de-la-sucesion-envejecimiento-y-retiro/

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Artists: Alejandra Avilés, Gabriel Boils, Virginia Colwell, Rodolfo Díaz Cervantes, Miguel Fernández de Castro, Helena Fernández Cavada, Renato Garza, Sonia Hedstrand, Gonzalo Lebrija, Gabriel de la Mora, Víctor Lerma y Mónica Mayer, Carla Rippey, Ling Sepúlveda.

Tres pies: el enigma de la sucesión. Envejecimiento y retiro
Curaduría: Víctor Palacios y Felipe Zúñiga
June 20 – September 20, 2015
Casa del Lago
Mexico City, Mexico

Exposición colectiva que aborda desde distintas perspectivas artísticas, la experiencia humana del envejecimiento y el retiro. ¿Qué sucede cuando llegamos a esa edad? ¿En qué ocupan su tiempo las personas jubiladas? ¿Es el retiro una medida económica más que humana? ¿Cómo moldea ésta nuestro presente y nuestra visión del futuro?

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Foto cortesía de Gabriel de la Mora

July 13, 2015 Jaime Ruiz Otis: Coordenadas/Frecuencias/Fisuras https://abstractioninaction.com/happenings/jaime-ruiz-otis-coordenadasfrecuenciasfisuras/

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Artist: Jaime Ruiz Otis.

Coordenadas/Frecuencias/Fisuras
July 11 – August 22, 2015
Arróniz Arte Contemporáneo
Mexico City, Mexico

Por más de diez años, Jaime Ruiz Otis ha empleado como método de trabajo la exploración de los contenedores de residuos industriales en las maquiladoras de Baja California. Como resultado, este artista ha conformado una vasta y heterogénea colección de objetos y materias primas con los que produce su obra. Entre estos materiales se encuentran miles de calcomanías utilizadas para identificar las características de aparatos electrónicos y de cómputo, cuyos sobrantes o series defectuosas son desechados en grandes volúmenes.

Una característica constante en la obra de Ruiz Otis ha sido la identificación de los momentos en que la eficiencia de los procesos mecánicos e industriales es interrumpida: la mano humana, aunque invisible, se vuelve necesaria. Sin embargo en Coordenadas / Frecuencias / Fisuras, en vez de observar el accidente, este artista mecaniza sus propios movimientos y labor compositiva intuyendo patrones visuales derivados de las características de cada calcomanía. Este ejercicio de repetición constituye un mantra del que se despliegan formas caleidoscópicas y juegos ópticos variables, de acuerdo con las distancias y perspectivas desde las que se aprecien.

July 9, 2015 Francisco Ugarte: Paisaje Sugerido https://abstractioninaction.com/happenings/francisco-ugarte-paisaje-sugerido/

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Artist: Francisco Ugarte

Paisaje Sugerido
May 15 – July 3, 2015
Curro y Poncho
Zapopan, Jalisco, Mexico

The exhibited pieces have an interest in documenting changes within the natural environment in a specific time frame. Therefore, they are not meant to be observed necessarily from beginning to end, but to be seen like a scene through a vain.

Francisco Ugarte’s work is based on the grounds of architecture, mainly during the creative process: the proposal is generated from a deep focus in the environment, and a subsequent response to it. Using a variety of media including site-specific interventions, video, installation, sculpture and drawing, his work can be understood as a phenomenological exercise in which reality is comprehended through contemplation and perception of things.

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June 26, 2015 Christian Camacho Reynoso: doble electrón https://abstractioninaction.com/happenings/christian-camacho-reynoso-doble-electron/

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Artist: Christian Camacho Reynoso

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May 6, 2015
Arróniz Arte Contemporáneo
Mexico City, Mexico

Solo exhibition by Christian Camacho Reynoso.

May 7, 2015 Aníbal Catalán: Campo Dinámico https://abstractioninaction.com/happenings/anibal-catalan-campo-dinamico/

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Artist: Aníbal Catalán

Campo Dinámico
April 17 – May 17, 2015
Museo de la Ciudad de Querétaro
Querétaro, Mexico

Solo show by Aníbal Catalán.

May 5, 2015 Ricardo Rendón: Límite posible https://abstractioninaction.com/happenings/ricardo-rendon-limite-posible/

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Artist: Ricardo Rendón

Límite posible
March 2 – April 18, 2015
Arroniz Arte Contemporáneo
Mexico City, Mexico

Un Dedo

La posibilidad remota de comprender la estructura del universo en el corto lapso de una vida conformada por ecos espirales se presenta en el momento improbable en que asumo la “nadidad” que me toca encarnar, como quien invoca una visión que regenera, o aquel que se ubica en el umbral de la ordalía, anulando su propia personalidad, y se sumerge en el Vacío.

“La forma es vacío, el vacío es forma”, resuelve el autor del Prajna Paramita, estableciendo los enigmas ontológicos de la física cuántica.

Pero, ¿dónde se encuentra el Vacío que transforma la consciencia?
¿En el espacio profano, repleto de aire tóxico, preñado de tumulto arcaico, de voces silenciadas?
¿En el espacio luminoso, atravesado por agujeros negros, los túneles al fondo del abismo, que conducen a lo que nadie quiere ver?
¿En la materia fatal de un espejismo seductor?
¿En la solidez de la ilusión mental?
¿En la energía atómica que palpita ad infinitum en la intersección de esta grafía: † ?
¿En la reabsorción final?
¿O en el reflejo de mí mismo?

‘El Maestro Gutei, siempre que se le preguntaba algo, sólo levantaba un dedo.
En una época, Gutei tenía un pequeño asistente, a quien un visitante preguntó:
“¿Qué es el Zen que tu Maestro está enseñando?”
El niño también levantó un dedo.
Al enterarse de esto, Gutei le cortó el dedo al niño con un cuchillo.
El niño se alejó corriendo, gritando de dolor, y Gutei lo llamó.
Cuando el niño giró su cabeza para mirarlo, Gutei levantó su dedo.
El niño repentinamente se iluminó.’

Mumonkan (3. Gutei Levanta Un Dedo)

Cuando a las formas se les remueve el contenido, antes de provocar cualquier expresión material o psicológica, de modo que manifiestan sólo sus límites externos, y ocultan su cuerpo inconfesable el Vacío revela, al fin, su verdadera naturaleza omnipresente, como la risa sacra que el lenguaje es incapaz de definir.Así, cuando las fuerzas que acaban despojando todo movimiento artístico de contenido y poder de transformación, intenten también tragarse estas formas, las encontrarán huecas y no podrán hacerlo, ya que no les quedará nada más por devorar.

Gabriel Santamarina,
Ciudad de México 2015.

April 15, 2015 Fabiola Menchelli https://abstractioninaction.com/artists/fabiola-menchelli-2/

My work investigates photography in relation with architecture, drawing, sculpture and other media. Using the language of abstraction I construct images that speak about the architecture of a mental space. The Constructions series consists of simple installations built with paper and lit with digital projectors. The light surrounds the surface of the installations, connecting the physical matter, while the shadows allow the illusion of solid objects. Thus, the works transform and redefine the physical space through the interplay of light and shadow. The work focuses on architecture as a means of constructing ideas to show us the flexibility of mind in relation to the perception of space.

 

Mi trabajo investiga la relación de la fotografía con la arquitectura, el dibujo, la escultura y otros medios. Usando el lenguaje de la abstracción, construyo imágenes que hablan acerca de la arquitectura de un espacio mental. En la serie Constructions compuse sencillas instalaciones construidas con papel e iluminadas con proyectores digitales. La luz rodea la superficie de las instalaciones, conectando la materia física, mientras que las sombras permiten la ilusión de objetos sólidos. De este modo, las obras se transforman y redefinen el espacio físico a través de la interacción de la luz y de la sombra. El trabajo se centra en la arquitectura como un medio para la construcción de ideas para mostrarnos la flexibilidad de la mente en relación con la percepción del espacio.

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April 13, 2015 Carla Arocha & Stéphane Schraene: Landscape https://abstractioninaction.com/happenings/carla-arocha-stephane-schraene-landscape/

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Artists: Carla Arocha & Stéphane Schraene.

Landscape
February 1 – March 1, 2015
Café Benito / Sala Juárez
Guanajuato, Mexico

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Image: courtesy of the artists and Hey Javier Mendez

 

 

March 11, 2015 Emilio Chapela: New International Boundary Commission https://abstractioninaction.com/happenings/emilio-chapela-new-international-boundary-commission/

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Artist: Emilio Chapela

New International Boundary Commission
March 6 – May 10, 2015
Museo de Arte Carrillo Gil
Mexico City, Mexico

The artistic proposal of Emilio Chapela has an interest in the mechanisms involved in human communication and how these processes impact society. Also questioned our relationship with various technological tools, such as books, libraries, the Internet and social networks.

Guillermo Santamarina, chief curator of the MACG, explained that aside from what those who view the works of Emilio Chapela may take away freely from the experience of approaching this anthological show, concerted between the Carrillo Gil Art Museum and the artist, certain lines of reflection may be highlighted that lay the foundation for the structure of the New International Boundary Commission, an organization established by Chapela himself, inspired by the nomenclature of the organism created in 1889 by the United States and Mexico in order to enforce international treaties regarding the lands and waters between these two nations.

A correspondence between gazes from either side of a linguistic portal, resolved through a dynamic of critical activism in response to simulations of referential urban order; the development of poetic inspections that lead to resistance, given the terminal conditions that run like shadows behind the nefarious policies that determine obtuse teaching methods, thus perpetuating inequality and social oppression; a conceptual network that refreshes the irrepressible halo of detournement (an artistic technique that consists of appropriating material from normative culture, the art world and consumer society and intervening it in order to divert its meaning); this New Boundary Commission also accredits another column of expression within the cosmos of Emilio Chapela, singularly articulating a complex of reflection in modern art history: art for art’s sake.

“No matter what vortices the observers of this new commission choose to focus on (and not to confine within borders) in order to gain comprehension of the linguistic complex explored by Emilio Chapela, this experience—plural, open and dynamic— finds its recapitulation unified on the scale of a single floor of the MACG, thus assimilating the articulation of a single entity. As in a home. As in a solitary planet, unique in the cosmos. It is constituted by units interconnected simply by curiosity and emotions. Perhaps like that which, whenever one takes a step, encounters the ground…hard, rough, dirty, and even foul at times. Ground, what it should be, what we have always believed it was. The surface that binds us to life. Essence. Meaning. The things that occur when you close your eyes and off in in the distance, distinguish a line. The Horizon, limitless” Santamarina declared

March 9, 2015 Gabriel de la Mora: (f) https://abstractioninaction.com/happenings/gabriel-de-la-mora-f/

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Artist: Gabriel de la Mora

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February 3, 2015
OMR Galeria
Mexico City, Mexico

Solo show by Mexican artist Gabriel de la Mora

January 30, 2015 Aníbal Catalán: untitled unit until the lit let the litter https://abstractioninaction.com/happenings/anibal-catalan-untitled-unit-lit-let-litter/

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Artist: Aníbal Catalán

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February 7 – March 28, 2015
Yautepec Galería
Mexico City, Mexico

Solo exhibition by Mexican artist Aníbal Catalán.

January 30, 2015 Alexander Apóstol & Adán Vallecillo: Sala de Arte Público Siqueiros https://abstractioninaction.com/happenings/alexander-apostol-adan-vallecillo-sala-de-arte-publico-siqueiros/

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Artists: Alexander Apóstol and Adán Vallecillo.

Geometría, Acción y Souvenirs del Discurso Insurgente (Geometry, Action and Souvenirs of the Insurgent Discourse)
Proyecto Fachada (Façade Project) 
December 18, 2014–March 15, 2015
Proyecto Siqueiros: Sala de Arte Público
Mexico City, Mexico

The new exhibitions at the Sala de Arte Público Siqueiros are centered on a dialogue regarding the leftist political positions that defined part of the strategies of the Modern Art movement in Mexico. Departing from the analysis of David Alfaro Siqueiros’s texts, Alexander Apóstol (b. 1969, Caracas) generates an interdisciplinary collective-practice in open conversation with science—specifically mathematics. His aim is to find possible representation stages that can displace Siqueiros’s writing towards a scientific codification; once deconstructed, it will imply the areas of music, dance, drawing and documentation as catalyst and witness of this research.

Geometría, Acción y Souvenirs del Discurso Insurgente (Geometry, Action and Souvenirs of the Insurgent Discourse) is the title with which Apóstol takes stand amongst Marxist discourses in Latin America; underlining political notions and the definite serial-character it attained on certain historical moments. His research departs from four texts written by Siqueiros: “Manifiesto del Sindicato de obreros, técnicos, pintores y escultores,” 1924; (Manifest of the Workers Union, Painters and Sculptors, 1924); “De tal generador, tal voltaje,” 1933 (Such Generator, Such Voltage, 1933); “En la guerra, arte de guerra,” 1943 (In War, Art of War, 1943); “Hacia la revolución técnica de la pintura,” 1932 (Towards the Technical Revolution in Painting, 1932)—texts where the muralist spoke about the political responsibility of artistic creation and the construction of a new art.

For Apóstol, the replica of these ideological ideas has been a constant in the region—traveling while shaped as assertive policies in servile idealization or absurd parody. Being so, his work is located in this path, breaking down and codifying Siqueiros’s political speech using science-based mechanisms of translation, in pursuit of returning it to representation stages in art.

The interest upon implying science in the translation of ideological-texts is a continuity of the “Absolute”—postulate that defined the inherited “Soviet ways of thinking” in those years. Departing from these four essays, information derives in theorems associated with ideological processes regarding four gnoseological and operative categories: Science, Faith, Politics and Economy. Every codification resolves in a mathematical absolute law, where not only its numerical synthesis rests, but its capacity to bear mechanical reproduction.

Parting from this process, the numbers are returned to the field of representation, where a group of high school students will attempt to interpret them via drawing—geometrical designs that Apóstol transforms in large-format murals. A group of dancers and choreographers displace the theorems (above mentioned) towards spatial-displacement, generating video-installations; finally, music students interpret the mathematical formulae—already converted into scores—carrying them to the field of sound interpretation (Live Act) in the museum space.

On other front, Adam Vallecillo (b. 1977, Honduras) creates a new Intervention for Proyecto Fachada (Façade Project) reflecting upon the relations between art and militancy. His project seeks the coming about of a critical debate that questions political presence as a constant in contemporary Conceptual Latin-American Art.

Composed by an Installation and an action piece—recovering David Alfaro Siqueiros as an emblematic figure of the political activist artist—as well as through various discussion encounters called Interpelaciones (Interpellations)—title that opens up an ongoing critical reflection process and its relation with Latin-American key-artists.

Geometría, Acción y Souvenirs del Discurso Insurgente (Geometry, Action and Souvenirs of the Insurgent Discourse), has been curated by Taiyana Pimentel, Director of Proyecto Siqueiros: SAPS-La Tallera, with curatorial coordination by Mariana Mañón Sepúlveda; while Proyecto Fachada (Façade Project) was curated by Yameli Mera, Curator of the Sala de Arte Público Siqueiros.

January 6, 2015 Óscar Figueroa: Acciones Territoriales https://abstractioninaction.com/happenings/oscar-figueroa-acciones-territoriales/

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Artists: Astrovandalistas, Brian Mackern, Carolina Caycedo, Claudia del Fierro, Enrique Arriaga, Gala Porras-Kim, Gilda Mantilla & Raimond Chaves, Hillary Mushkin, Juan Caloca, Juan Pablo Macías, Luis G. Hernández, Los ingrávidos, Mauricio Palos, Oscar Figueroa Chaves, Ricardo Díaz, and Yollotl Manuel Gómez Alvarado.

Acciones Territoriales
November 5 – 19, 2014
ExTeresa Arte Actual
Mexico City, Mexico

La presente curaduría explora y esquematiza algunas de las distintas formas en que sociedades, comunidades y personas han imaginado y configurado sus territorios como resistencias a un sistema capitalista neoliberal dominante.
Esta muestra, reconoce las implicaciones históricas del Ex Teresa como espacio de experimentación artística. En ese sentido, la revisión y lectura de la curaduría Terreno peligroso/Danger Zone, 1995 (Los Ángeles y Ciudad de México), la cual hace eco en las reflexiones que se plantean en esta curaduría.
Se ha comisionado un despliegue de proyectos artísticos que responden de manera crítica a fundamentos territoriales de la crisis sistémica actual, prácticas artísticas que se vinculan con otros campos de conocimiento y la acción colectiva. Para reforzar estos lazos se han creado dos puentes: los Conversatorios que funcionan como espacios de reflexión colectiva entre público y actores sociales y los Talleres que son espacios abiertos de acción colectiva.
Acciones Territoriales invita a explorar la idea de territorio y sus resistencias bajo cuatro nodos entrelazados: La idea de territorio como Estado-Nación, Resistencias a través de la memoria, Territorios transitables y en tránsito y Vida cotidiana: imaginarios, representaciones y lenguaje.

 

Un fenómeno dominante en México, al igual que en América Latina, y otras partes del mundo; es la facilidad con que el proyecto Neoliberal ha permitido que los Estados y sus alianzas con compañías transnacionales, invadan y exploten territorios sin ninguna consideración a las comunidades que los habitan. Estos desmedidos ejercicios de poder han provocado acciones de resistencia que tratan de revertir estos actos violentos. Algunos responden, dada la urgencia de la situación, desde la misma anquilosada concepción de territorio usada por el Estado; otros, como algunos grupos indígenas, buscan constantemente elaborar una resistencia más compleja, fundada en su historia, cultura, su relación con el espacio habitado y la inclusión de ideas contemporáneas.
Acciones territoriales, es entonces una invitación a dialogar y encontrar otros caminos posibles para entender nuestra situación actual que se vincula con otras miradas y territorios, una invitación a realizar acciones territoriales.

 

Daniela Lieja Quintanar

 

TERRITORIAL ACTS*

This curatorial project seeks to explore and set forth some of the ways in which societies, communities, and people have imagined and configured their territories as resistances and responses to a dominant capitalist, neoliberal system.
Territorial Acts acknowledges the historical implications of Ex-Teresa as a space for artistic experimentation, and thus we include the revision of the curatorial project Terreno peligroso / Danger Zone (Los Angeles-Mexico City, 1995), which echoes the investigations considered in this curatorial project.
A series of actions have been commissioned, and these respond critically to territorial fundaments in the current crisis, these works connect their practice with other fields of knowledge and collective acts. Two bridges have been createdto strengthen these relationships: the Conversationals (Conversatorios), which work as spaces of collective inquiry between the public and social actors; and the Workshops (Talleres), which are open spaces for collective action.
Territorial Acts is a proposal to explore the concept of territory and resistances through four nodes of investigation: The idea of territory as Nation-State; Resistance through Memory; Accessible and In-Transit Territories; and Everyday life: Imaginaries, Representations, and Language.
A phenomenon that has been reproduced in Mexico as well as in Latin America and other parts of the world, is the indulgence by which the Neoliberal project has granted the hegemonic State and its alliances with transnational companies, approval to invade and exploit territories by building mines, freeways, and damns without any consideration of the people who inhabit these territories. These excessive uses of power have provoked actions of resistance that try to revert their violent actions. Some of these resistances responded, due to the urgency of the problem, with the same misconception of territory used by the State; others, such as indigenous groups, constantly seek to elaborate a more complex resistance, based on their history, culture, inhabited space and the inclusion of contemporary ideas.
Territorial Acts is an invitation to dialogue and to find—through other views and territories—further possible ways to understand our current situation, while simultaneously suggesting an invitation to make territorial acts.

 

Daniela Lieja Quintanar
*Traducción Selene Preciado
November 18, 2014 Christian Camacho Reynoso: Lunes https://abstractioninaction.com/happenings/christian-camacho-reynoso-lunes/

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Artist: Christian Camacho Reynoso

Lunes
November 6, 2014
Autjaus / Breve / Neter Proyectos
Mexico City, Mexico

La exposición forma parte del Programa AUTJAUS de NETER proyectos, en colaboración con Breve. Proyecto apoyado por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes

November 11, 2014 Gabriel de la Mora: Lo que no vemos lo que nos mira https://abstractioninaction.com/happenings/gabriel-de-la-mora-lo-que-vemos-lo-que-nos-mira/

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Artist: Gabriel de la Mora

Lo que no vemos lo que nos mira
October 18, 2014 – February 16, 2015
Museo Amparo
Puebla, Mexico

Exposición individual del artista Gabriel de la Mora. En conferencia con el curador Willy Kautz, se inaugura la muestra en Puebla, Mexico.

October 22, 2014 Carmela Gross: Marapé https://abstractioninaction.com/happenings/carmela-gross-marape/

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Artist: Carmela Gross

Marapeé, Project Parede
July 2 – December 14, 2014
MAM
Sao Paulo, Brazil

This work of Carmela Gross is composed by names of foreign immigrants, of the countries they came from, and the age they had when they arrived in Brazil, together with names of places of São Paulo state and other words in Portuguese that came from the Tupi language of the Brazilian indian population. The contrast between the recent immigration to Brazil and the ancient immigration from indian populations, that arrived in America coming from northeast Asia, addresses our ideas of national and foreign.

October 3, 2014 Omar Barquet: 1M1A https://abstractioninaction.com/happenings/omar-barquet-1m1a/

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Artist: Omar Barquet

Solo show
November 2 – 30, 2014
1M1A
Mexico City, Mexico

 

September 29, 2014 Christian Camacho Reynoso: El acto de ver https://abstractioninaction.com/happenings/christian-camacho-reynoso-el-acto-de-ver/

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Artists: Christian Camacho Reynoso, Leo Marz and Apolo Cacho.

El acto de ver
Curator: Octavio Avendaño Trujillo
September 19, 2014
Myl Arte Contemporáneo / Gallery Weekend Mexico
Mexico City, Mexico

En la historia del arte, el acto de ver ha sido motivo de investigaciones filosóficas y poéticas como las de Michel Foucault, quien en su estudio de las Meninas de Velázquez, señalaba la enunciación del artista a través de lo no develado. Sin embargo, a partir de la segunda mitad del siglo XX, con la crisis de la imagen fotográfica -por su explotación mediática- y la preponderancia de los lenguajes conceptuales; el cine abrevó las exploraciones poéticas y contemplativas del “ver”, como es el caso del cineasta alemán Wim Wenders, que acuñó la noción de einstellung que hace referencia a la estrategia del ocultamiento que asola al espectador quien se divisa ante la mirada del artista dejándole una incertidumbre de la “realidad” de lo que está viendo.

Leo Marz (Jalisco, 1979), Christian Camacho (Ciudad de México, 1985) y Apolo Cacho (Ciudad de México, 1987) exploran esta noción que les permita ahondar en la relación de obra-visión-espectador a partir de estrategias de ocultamiento en “El acto de ver”.

September 16, 2014 Georgina Bringas: Nada está inmóvil; todo se mueve, todo vibra https://abstractioninaction.com/happenings/georgina-bringas-nada-esta-inmovil-todo-se-mueve-todo-vibra/

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Artist: Georgina Bringas

Nada está inmóvil; todo se mueve, todo vibra
September 10, 2014 – January, 2015
Museo Universitario del Chopo
Mexico City, Mexico

Georgina Bringas presenta la instalación Nada está inmóvil; todo se mueve; todo vibra, que consiste enun dispositivo mecánico colgado del techo del edificio histórico que mantendrá en oscilación continuatres cuerdas de diferentes características. A través de ese movimiento cobrará notoriedad el espacio, el tiempo y la energía, resaltando la idea de que todo se encuentra en movimiento constante.

La artista parece sugerir, de este modo, que si todo está moviéndose, el campo de representación en el arte también debe hacerlo mediante su transformación constante. Esta obra subraya dos dimensiones: una temporal, donde las oscilaciones continuas y cíclicas de las cuerdas marcan el paso del tiempo; y una espacial que enfatiza la vertical, dirige la atención de los visitantes a las proporciones originales del edificio, las cuales están fuera de toda escala humana. El movimiento de la pieza refuerza esa escala y la experiencia espacial de quien la visita.

El coordinador de exposiciones del Museo, Daniel Garza Usabiaga, señala que a diferencia de otros trabajos de Georgina Bringas, la que presentará en el museo se distingue por ser dinámica. La artista ha analizado el espacio y el tiempo, conceptos abstractos que, mediante sus piezas, adquieren visibilidad. Con sus intervenciones a edificios y lugares de diversa índole, Bringas ha hecho explícitas las dimensiones de esos sitios. También ha desarrollado trabajos que denotan la cuantificación y organización del tiempo. Las soluciones plásticas a las que ha recurrido son sutiles (como el uso de hilo para hacer retículas métricas en los espacios que interviene), y en muchos casos rechazan el terreno de la representación en su totalidad.

Georgina Bringas (ciudad de México, 1975). Es miembro del Sistema Nacional de Creadores  de Arte del FONCA. Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Desde 1996 ha trabajado con video, instalación, dibujo y escultura, entre otros soportes, como recursos para investigar la percepción del espacio, el tiempo y sus representaciones plásticas.

September 16, 2014 Omar Rodríguez-Graham, Sandra Nakamura: Ouroboros / Dominio In UrgenteArtists https://abstractioninaction.com/happenings/omar-rodriguez-graham-sandra-nakamura-ouroboros-dominio-urgenteartists/

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Artists: Omar Rodríguez-Graham, Sandra Nakamura

Ouroboros
Omar Rodríguez-Graham
Dominio In Urgente
Sandra Nakamura
September 19, 2014
Arróniz Arte Contemporáneo / Gallery Weekend Mexico City
Mexico City, Mexico

Ouroboros

Omar Rodriguez-Graham

This exhibit by Omar Rodriguez-Graham is articulated under the premise that everything changes. Thus, the constructions of the present are cemented on the wreckage of the phantoms from the past, which distort memories, destroy narratives and create renewed histories. The works of the artists are cannibalistic in nature: they are based on iconic images of Western painting, taking over their outlines, while reassembling the abstract compositions granting them new parameters. This way, the work goes beyond figurations and restores them, rendering them unrecognizable. However, the artist does not infringe the pictorial restrictions, nor move away from a transcendental idea in art: all acts of destruction are acts of creation.

Dominio In Urgente

Sandra Nakamura

The day this exhibit opened was the anniversary of the 1985 earthquake, an impossible detail to ignore for Nakamura. The artist thus investigated the memory inscribed in the soil of Mexico City, seeking to comprehend (at a distance) a place she has never been to. For Juan Villoro, the memory of water is an essential element in the imagery of the city. The works that make up this exhibit have as a starting point, archived photographs, survivor testimonies, seismological reports and topographic maps. They also recover the image of underground water to suggest change, referencing the moment in which, according to seismologist Cinna Lomnitz, Mexico City became a lake again.

September 12, 2014 Fernando García Correa: Paraíso en Sombra https://abstractioninaction.com/happenings/fernando-garcia-correa-paraiso-en-sombra/

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Artists: Paul Muguet, Rocío Asensi, and Fernando García Correa.

Paraíso en Sombra
August 13 – October 4, 2014
Curator: Berta Kolteniuk
Celda Contemporánea
Mexico City, Mexico

Los tres artistas reunidos en la exposición Paraíso en sombra, producen obras que evidencian la relación del hombre con el principio de aprehensión del universo y de su ser presente, es decir su conciencia y representación de la realidad metafísica en el tiempo y espacio que les toca vivir. La intención introspectiva, tanto intelectual como espiritual, de buscar el origen o esencia de las cosas es la que genera el impulso para luego transformarlas o representarlas en signos (imágenes, palabras, sonidos, gestos, etc.). Podría interpretarse este acto como la ideación que el filósofo alemán, Max Scheler analiza en su conferencia sobre El puesto del hombre en el cosmos. La ideación resulta de una red de actos o prácticas de “anulación ficticia del carácter de realidad”, o de “reducción fenomenológica” para alcanzar la esencia de las ideas. El recorrido metafísico y antropológico de Scheler reúne visiones de oriente y occidente para formular una conducta ascética que le permita al hombre –en este análisis particular, al artista- resistirse al mismo tiempo que hacer conciencia de su vida.

La obra de Paul Muguet, siguiendo esta lectura filosófica, es una metáfora de lo que Scheler resume como la vieja idea de Spinoza, Hegel y otros, sobre la conciencia que el Ser primordial adquiere de sí mismo en el acto de contemplarse y saberse como hombre, en un acto de trascendencia o advenimiento donde lo creado es parte de una unidad funcional, dado que se construye a partir de la individualidad de algunos objetos o signos que representan la impermanencia de las ideas, más allá de la materialidad de las cosas. Es así que sus objetos y esculturas componen figuras abstractas o representacionales de un todo, a partir de la singularidad de un objeto o palabra determinada y conocida a priori.

Rocío Asensi también trabaja a partir de la indagación y meditación de la realidad y sus manifestaciones sociales antagonistas en el mundo occidental y oriental, reconociendo, a partir de sus viajes y experiencias la complementariedad entre ambos. La aceptación de esas realidades mediante la obra y el hacer artístico, permite otro acceso espiritual a la impresión de la vida, donde incluso los actos negativos dotan de energía al espíritu, como dice el metafísico alemán. De esta manera podemos entender al acto creativo no como una denuncia moral, sino como una intención ética o voluntad espiritual por reconocer el lugar del hombre en el universo.

Finalmente, el trabajo de Fernando García Correa se relaciona con las primeras aclaraciones que Max Scheler hace en relación a los grados o estructura del ser psicofísico para diferenciar al hombre de los demás seres vivientes con los que convive. Sin caer en un simple juego de dualidades, las obras de este artista buscan presentar las diversas formas del ser, partiendo de las experiencias afectivas e instintivas comunes entre hombres, plantas y animales, a su vez que la asociativa e intelectiva, que constituyen cualidades desarrolladas por la psique humana. Las imágenes y formas creadas establecen un puente entre las abstracciones simbólicas y las figurativas, que activa el flujo de conexiones que el espectador puede establecer al observarlas.

El artista como asceta, en un sentido actualizado de la palabra, puede enmarcarse en la charla TED que Alain de Botton titula Ascetismo 2.0, donde propone al arte y la cultura como la nueva religión. Ambos filósofos, Scheler y Botton, entienden al arte como un encuentro con las ideas más esenciales del mundo y del ser. El siglo que los separa confirma la esencia en las ideaciones presentes y pasadas.

September 9, 2014 Christian Camacho Reynoso: La Chinche https://abstractioninaction.com/happenings/christian-camacho-reynoso-la-chinche/

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Artist: Christian Camacho Reynoso

Solo exhibition
August 20 – September 20, 2014
La Chince / Museo Experimental El Eco
Mexico City, Mexico

La práctica del creador, que el año pasado expuso I wished to say YES and NO at the same time en la galería 4 Windmill Street de Londres, explora el plano en la obra pictórica y el dibujo: «mi interés no está en imágenes específicas, sino la experimentación con materiales y procesos». El artista expone un filtro de privacidad, una película para proteger información. «La pequeña pieza que preparé para La Chinche es una brevísima muestra de material que otorga al observador distinta información, dependiendo del ángulo desde el que se mire. La idea es trabajar con la probabilidad de notar o no a la galería, debido a sus dimensiones y dirección». La inauguración de la muestra se realizó en La Chinche, y es un proyecto enmarcado en la muestra Desafío a la estabilidad. Procesos artísticos en México 1952-1967.

September 2, 2014 Aníbal Catalán & Omar Barquet: XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo https://abstractioninaction.com/happenings/anibal-catalan-omar-barquet-xvi-bienal-de-pintura-rufino-tamayo/

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Artists: Agustín González García, Alberto Ibáñez Cerda, Alejandra Venegas, Allan Villavicencio, Ángel Solano, Aníbal Catalán, Benjamín Valdés Álvarez, Bernardo Soriano, Carlos Cárdenas, Carlos Bernal Mata, Cecilia Barreto, Claudia Gallegos, Cora Van, David Garza, Enrique Oroz, Eric Pérez, Fabián Ugalde, Felipe Núñez, Fernando Correa Arrazola, Fernando Sandoval García, Franco Manterola, Francisco Muñoz Pérez, Gerardo Monsiváis, Guillermo Álvarez Charvel, Heriberto Quesnel, Iván Villaseñor Castañeda, Javier Peláez Gómez, Jazael Olguín Zapata, Jc Zubiaur, José Ángel Robles, José Luis López Galván, Juan Astianax Hernández Téllez, Karen Dana, Linda Lea Harbert, Lucía Álvarez Martínez, Luis Alfonso Villalobos, Luis Verdejo, Manuel Mathar, Manuel Velázquez, Marco Arce, Mauricio Limón, Miguel Ángel Vega Magallón, Natalia Ibáñez Lario, Omar Barquet, Oscar Wilfredo Mendoza Mancillas, Oscar Ratto, Pablo Cotama, Pablo Serrano, Paul Lozano, Rafael Uriegas, Rodrigo Treviño Barroso, San Martín Roura, Saúl Gómez Jiménez, Sofía Fernández Díaz, Víctor Rodríguez, and Yolanda Mora.

XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo
August 14 – October 19, 2014
Museo Tamayo
Mexico City, Mexico

La Bienal de Pintura Rufino Tamayo tiene el objetivo de fortalecer las expresiones pictóricas nacionales y brindar un espacio de reflexión y análisis sobre la producción actual. Para el 2014, se conformó un comité curatorial integrado por dos pintores y un curador de reconocida trayectoria, quienes definieron el concepto de pintura que guía esta edición. La exposición XVI Bienal de Pintura Rufino Tamayo, después de presentarse en esta sede, viajará al Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca y posteriormente será itinerante durante un año por diversas entidades del país.

September 2, 2014 Nicolás Consuegra & Bernardo Ortiz: XI Bienal Monterrey FEMSA https://abstractioninaction.com/happenings/nicolas-consuegra-bernardo-ortiz-xi-bienal-monterrey-femsa/

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Artists: Javier Areán, Melba Arellano, Sebastián Beltrán, Irène Blaise, Hernán Bravo, Alejandro Cartagena, Colectivo Estética Unisex, Colectivo Objeto Posible, Irene Clouthier, Hugo Crostwaite, Alejandro Equihua, Marco Esparza, Oscar Farfán, María García Ibáñez, David Garza, Rubén Gutiérrez, Miguel Ledesma, Juan Rodrigo Llaguna, Ammner López Bautizo, Pablo López Luz, Amalia Lucrecia López Vélez “Lukresya”,  Jacqueline Judith Lozano “JJ Lozano”, Andrea Martínez, Antonio Monroy, Eliud Nava, Felipe Núñez, Antonio Medina, Coral Revueltas, Eduardo Romo, Marco Vinicio Rosales, Oswaldo Ruiz, Rocío Sáenz, Emilio Said, Mariela Sancari, Fabián Ugalde, Rolando Jacob, Héctor Velázquez Gutiérrez, Gustavo Villegas, Ryuichi Yahagi, Milton Zayas, Marta Combariza, Nicolás Consuegra, Graciela Duarte y Manuel Enrique Santana, Humberto Junca, Deky Morelos, Oscar Moreno, Mario Opazo, Bernardo Ortiz, María Isabel Rueda, Mapa Teatro -laboratorio de artistas.

XI Bienal Monterrey FEMSA
August 14 – November 9, 2014
Centro de las Artes, Parque Fundidora
Monterrey, Nuevo León, Mexico

La Bienal Monterrey FEMSA fue instituida en 1992 con el propósito de reconocer, fortalecer y estimular la creación artística en México. Su consolidación a través de los años, le ha dado el reconocimiento como uno de los certámenes de artes plásticas de mayor prestigio en el país.

August 29, 2014 Felipe Mujica: Arriba como ramas que un mismo viento mueve https://abstractioninaction.com/happenings/felipe-mujica-arriba-como-ramas-que-un-mismo-viento-mueve/

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Artist: Felipe Mujica

Arriba como ramas que un mismo viento mueve
August 15 – November 19, 2014
Museo Experimental El Eco
Mexico City, Mexico

Felipe Mujica trabaja dentro de los territorios del diseño de exposición y la práctica artística. Utilza paneles de tela o “muros de cortina” para dividir o reorganizar el espacio de exhibición, creando nuevas configuraciones espaciales para el espectador, así como espacios únicos para la presentación de arte. Al construir estos paneles de tela, el espectador queda sicológicamente capturado pero no físicamente contenido, de tal modo que puede participar activamente en este diálogo lanzado por el artista.

Como chileno viviendo en Nueva York, la obra de Mujica refleja un sentido de desplazamiento. Para él, no hay un sólo punto de referencia, un discurso dominante: todo y todos existimos en relación los unos a los otros. Para el Eco, Mujica realizará una serie de paneles que contendrán tanto obra suya como de otros artistas invitados por él. Las acciones, proyecciones y piezas activan el espacio articulado por Mujica, y viceversa.

Los participantes de este proyecto son: Manuel Casanueva, Ericka Florez, José Luis Villablanca, Adriana Lara, Julia Rometti y Victor Costales, Poul Gernes y Johanna Unzueta

Primera acción:

16 de agosto, 19:30 horas.

August 25, 2014 Omar Barquet, José Luis Landet, Christian Camacho Reynoso & Mauro Giaconi: Diferencias sobre lo blanco https://abstractioninaction.com/happenings/omar-barquet-jose-luis-landet-christian-camacho-reynoso-mauro-giaconi-diferencias-sobre-lo-blanco/

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Artists: Omar Barquet, José Luis Landet, Ernesto Alva, Christian Camacho Reynoso, Ricardo Cuevas, Julie Escoffier, Mauro Giaconi, Blanca González, Sergio Gutiérrez and Nelson Santos.

Diferencias sobre lo blanco
July 5 – August 23, 2014
Curated by Marissa Viani Serrano
Casa Galeria D.F.
Mexico City, Mexico

La muestra multidisciplinaria Diferencias sobre lo blanco, se presentará del 5 de julio al 23 de agosto en Casa Galería, proyecto independiente de producción de arte contemporáneo situado en el sur de la ciudad. Con esta muestra Casa Galería pretende celebrar haberse convertido en proyecto exitoso dentro la plataforma Fondeadora, produciendo una exposición de alta calidad que incluye el trabajo de 10 artistas de contrastada trayectoria, tanto mexicanos como internacionales de países como Argentina, Francia y Ecuador. Encontramos entre los participantes a artistas como Omar Barquet (Mx) (becario del FONCA, beca Bancomer-MACG Arte Actual, seleccionado en la Bienal Rufino Tamayo) o el argentino José Luis Landet (también becario del FONCA y con una larga trayectoria en México…entre otros países). El plantel lo completan Ernesto Alva (Mx); Christian Camacho Reynoso (Mx); Ricardo Cuevas (Mx); Julie Escoffier (Fr); Mauro Giaconi (Ar); Blanca González (Mx); Sergio Gutiérrez (Mx); y Nelson Santos (Ec), todos de una reconocida y consolidada trayectoria.

Bajo la curaduría de Marissa Viani (cineasta, curadora e investigadora), tercera dentro ciclo de curadoras jóvenes que participan en Casa Galería este año,Diferencias sobre lo blanco aborda el concepto de lo “neutro” en la obra artística.

La muestra propone que cada artista, independientemente de su estilo, reflexione sobre su propio proceso encontrando la figura más sencilla o más acabada que le permita recuperar el sentido esencial de su pieza a través de la exposición de un fragmento o resto de ella misma.

Viani asegura que las pinturas, dibujos, collages, videos e instalaciones de esta muestra, se construyen tomando distancia de cualquiera que sea su objeto para poner de manifiesto una relación de infinitud en su propio dis-cursus, curso desunido e interrumpido.

De esta manera, lo “neutro” encuentra su expresión en un objeto que se desobjetiviza para dar origen a un nuevo objeto neutro. Lo “neutro” aparece en el momento en que se comienza a (des)dibujar, a encontrar (perder) el tono, el color, el aspecto, la forma o el motivo. Roland Barthes lo relaciona con el “Minimal Art”, surgido en Nueva York en la década de los sesenta, como reacción al desborde del expresionismo abstracto del action-painting, donde existe un renunciamiento a cualquier significación extra-visual de un objeto presentado como evidencia simple de una realidad irrefutable.

August 6, 2014 Emilio Chapela: Réquiem Opus II https://abstractioninaction.com/happenings/emilio-chapela-requiem-opus-ii/

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Artists: Emilio Chapela

Réquiem Opus II
July 19 – September 13, 2014
Arróniz Arte Contemporáneo
Mexico City, Mexico

 

August 1, 2014 Omar Barquet: Ghost Variation’s Prelude: The Midnight Sun https://abstractioninaction.com/happenings/omar-barquet-ghost-variations-prelude-midnight-sun/

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Artists: Omar Barquet, Tamara Uribe, Rafael Pérez y Pérez, Irma Palacios, Roger von Gunten, Antonio Chemor, Benito Cabañas and Levi Ponce, Sketch & Noookye.

Ghost Variation’s Prelude: The Midnight Sun
July 18 – September, 2014
Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán MACAY
Yucatán, Mexico

La exposición está organizada por la Fundación Cultural Macay A.C. y el Museo Fernando García Ponce-Macay. A continuación se enlistas los artistas participantes y sus respectivas obras.

Tamara Uribe: Frontera invisible
Sala 1

Rafael Pérez y Pérez: Si yo descubriera América
Sala 2

Irma Palacios: El color de la tierra
Salas 4 y 5

Omar Barquet: Ghost variation ́s prelude: The mindnight sun
Salas 6 y 7

Roger von Gunten: ¿Ante quién ocurre el mundo?
Salas 9, 10 y 11

Antonio Chemor: La mirada de las piedras
Sala 11 bis

Benito Cabañas: Por siempre y para siempre
Galería Norte

Levi Ponce, Sketch y Noookye: Muros pintados
Expoforo

July 25, 2014 Aníbal Catalán: AKA : POLCO https://abstractioninaction.com/happenings/anibal-catalan-aka-polco/

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Artists: Aníbal Catalán

AKA : POLCO
March 30 – July 13, 2014
Gran Centro Cultural Acapulco
Acapulco, Guerrero, Mexico

La Gran Galería del Centro Cultural Acapulco es la sede más importante del arte contemporáneo en Guerrero, donde fue inaugurada la obra estética y visual Aka:polco, del artista guerrerense Aníbal Catalán, acompañado por el secretario de Cultura del estado, Arturo Martínez Núñez.

De acuerdo a un comunicado de prensa, el secretario Arturo Martínez señaló a Aníbal Catalán, como el artista más importante de Guerrero por su trayectoria y representatividad a nivel internacional, y se congratuló que su obra Aka:polco, que aborda un concepto sobre el puerto de Acapulco, pueda ser disfrutada por acapulqueños y visitantes en la Gran Galería.

Asimismo, Aníbal Catalán agradeció la oportunidad que se le brinda de exposición en un espacio “tan apropiado como éste, que ya quisieran tenerlo en cualquier ciudad”, y expuso que el proceso creativo para esta muestra implicó viajar varias veces al puerto, además de un montaje de cinco días.

El artista Aníbal Catalán nació en la ciudad de Iguala en 1973; cuenta con una formación inicial en Arquitectura y con estudios en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda; su actual quehacer se apropia de los procesos de conceptualización de la arquitectura, así como en sus herramientas de producción.

El trabajo del igualteco se ha exhibido en la ciudad de México, así como en Los Ángeles, San Francisco, Suiza y Beijing. Su obra forma parte de la CAN Foundation (Contemporary Art Network Foundation) en Seoul. Korea, y de la Friedrich Ebert Foundation. FES Berlín. Ger, así como de la colección del Museo de Arte Moderno de México MAM y de la Estampa de la Casa, proyecto de apoyo a la producción de obra en el estado de Guerrero. La exposición Aka:Polco utiliza diferentes medios como la escultura, la gráfica digital, instalaciones de sitio específico y video, donde el objeto de estudio de Anibal Catalán es la arquitectura y el paisaje. Este proyecto derivó de la observación y la contemplación durante una serie de caminatas por Acapulco: dentro de las piezas de formato mural denominadas Zonas Morfológicas. La exposición Aka:polco en la Gran Galería forma parte de La Estampa de la Casa y podrá ser visitada hasta el 13 de Julio del presente año en el Centro Cultural Acapulco.

July 23, 2014 Ishmael Randall-Weeks: Escombros https://abstractioninaction.com/happenings/ishmael-randall-weeks-escombros/

Paisaje

Artist: Ishamel Randall-Weeks

Escombros
May 5 – July 7, 2014
Arróniz Arte Contemporáneo
Mexico City, Mexico

 

May 6, 2014 Octavio Abúndez, Adrián S. Bará, José Dávila: Leviatán https://abstractioninaction.com/happenings/octavio-abundez-adrian-s-bara-jose-davila-leviatan/

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Artists: Octavio Abúndez, Adrián S. Bará, Edgar Cobián, José Dávila, Mauricio Cadena, Adrián Guerrero, Cynthia Gutiérrez, Enrique Hernández, Gonzalo Lebrija, Mario Navarro, Fernando Palomar, Gabriel Rico, Javier M. Rodríguez, Paula Silva, Emanuel Tovar, Francisco Ugarte, Luis Alfonso Villalobos, Sebastián Vizcaíno.

Architects: Andrés Aguilar, Marco Amilcar Sánchez, Aldo Álvarez Tostado + Diego Flores, Marco Betancourt, Javier Dueñas, Alejandro Guerrero + Andrea Soto, Óscar Gutiérrez, León Leroy, Rodrigo Loaiza, Juan López Newton, Salvador Macías + Magui Peredo, Javier Monteón, Álvaro Moragrega, Rafael Plascencia, Jorge Rivera, Francisco Solórzano, Alberto Villar + Gerardo Villar, Pablo Zamudio.

Leviatán
March 28 – June 29, 2014
Curator: Jorge Tejeda
Museo de Arte Raúl Anguiano (MURA)
Guadalajara, Jalisco, Mexico

 

April 28, 2014 Gabriel de la Mora: Ruta Mística https://abstractioninaction.com/happenings/gabriel-de-la-mora-ruta-mistica/

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Artists: Alfadir Luna, Antonio Paucar, David Gremard Romero, Gabriel de la Mora, Gabriel Rossell Santillán, Marcos Castro, María García-Ibáñez, Miler Lagos, Pedro Reyes, and Santiago Borja.

Ruta Mística
March 8 – May 5, 2014
Museo Amparo
Puebla, Mexico

La exposición organizada por el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey y curada por Gonzalo Ortega, presenta una revaloración de la noción del misticismo dentro del contexto latinoamericano actual a través de la obra de diez artistas que reflexionan sobre el modelo cultural poscolonial utilizando diversos medios como pintura, escultura, dibujo, fotografía, instalación y video.

La muestra colectiva incluye la obra de Alfadir Luna, Antonio Paucar, David Gremard Romero, Gabriel de la Mora, Gabriel Rossell Santillán, Marcos Castro, María García-Ibáñez, Miler Lagos, Pedro Reyes y Santiago Borja, quienes en su búsqueda de nuevos modelos ideológicos convincentes construyen sus propias identidades y canales de comunicación con lo trascendental al integrar aspectos ancestrales con otros nuevos elementos. En su mayoría se trata de propuestas conceptuales, resultado de la investigación y la recopilación de información.

En el caso de David Gremard Romero y Gabriel Rossell Santillán, su interés los ha llevado a revisar aspectos característicos de cultos de grupos indígenas. David Gremard se aboca a la cosmogonía y simbología azteca en El Tonalamatl Ollin, 2012, y a Gabriel Rossell, su investigación lo ha llevado a conocer de cerca la cultura huichol, dando como resultado la obra El quemado, 2013, y El primer hombre / Watakame (Archivo del Museo Etnológico de Dahlem), 2006.

La obra de Santiago Borja, SELF/Jungcatcher, 2013, banaliza los objetos rituales y cuestiona su valor espiritual, como es el caso de los “atrapa sueños”, objetos que han perdido su poder simbólico al popularizarse. Marcos Castro reflexiona sobre el mito fundacional de México y toma la figura del águila devorando a la serpiente como protagonista de su trabajo, como en la pieza de talavera Disuelve y coagula, 2012, y la instalación Sin título (águila), 2007.

Miler Lagos documenta la realidad actual, en su natal Colombia, de la ceiba, árbol sagrado para las culturas prehispánicas con una relevancia mística innegable, como en el video Nacidos antes de… (Intervención urbana, Cali, Colombia), 2009. Antonio Paucar erige un altar con sus propias manos en el video Altar, 2006, en donde las llamas de sus dedos representan algo inasible y mágico.

Alfadir Luna crea un mito en torno a un personaje ficticio con su proyecto de inserción social Procesión del Señor del maíz (Procesión para unir a un Hombre de maíz), 2011, en el cual involucra a los comerciantes y público del mercado de La Merced en la Ciudad de México. Pedro Reyes, por su parte, se inspira en Pico della Mirandola, pensador italiano renacentista, para realizar en piedra tallada, un gran monolito al que pueden insertarse pequeños ojos, cabellos, narices y bocas.

La muerte es invocada en la obra de Gabriel de la Mora y María García-Ibáñez. De la Mora recrea una reunión familiar con un estilo barroco tenebrista en la pieza Memoria I, 21.10.07, 2007, mientras que García-Ibáñez refiere el culto por los huesos al modelar con cerámica y con gran precisión piezas que luego decora con dibujos fusionando lo humano con lo místico en piezas como Huesos/Piedras/Flores, 2011 e Inmóviles, s/f.

*Images: Gabriel de la Mora, “Memory I”, 2007, Calcium sulfate with an application of cyanoacrylate, resin base, and stainless steel supports, Polyptych of 17 craniums, Dimensions variable.
March 17, 2014 Pia Camil https://abstractioninaction.com/artists/pia-camil/

Through my work I have shown a proclivity to failure or the decaying associated to the Mexican urban landscape, aspects of modernist culture and traces of art history. My practice has explored the urban ruin – including paintings and photographs of halted projects along Mexico’s highways (Highway Follies); abandoned billboards that become theatre-like backdrops therefore theatricalizing failed capitalist strategies (Espectaculares), or the problems and contradictions that arise when engaging with iconic art works (No A trío A or Cuadrado Negro).

 
Traducido del inglés

A través de mi obra he mostrado una proclividad al fracaso o a la decadencia asociada al paisaje urbano de México, aspectos de la cultura modernista y las huellas de la historia del arte. Mi práctica ha explorado la ruina urbana, incluyendo pinturas y fotografías de proyectos inconclusos a lo largo de las carreteras de México (Highway Follies), espectaculares abandonados que se convierten en telones de fondo teatrales, por tanto teatralizando estrategias capitalistas fracasadas (Espectaculares) o los problemas y contradicciones que surgen al abordar obras de arte icónicas (No A trío A or Cuadrado Negro).

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February 25, 2014 G. T. Pellizzi https://abstractioninaction.com/artists/g-t-pellizzi/

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February 19, 2014 Georgina Santos https://abstractioninaction.com/artists/georgina-santos/
Translated from Spanish

My artistic production in the last few years is the result of working in local contexts.

This is part of a personal position that is derived of questions around artistic representation, the incidence which creative processes have in specific groups and the way in which artists are involved in different realities.

My work seeks to create micro-windows that can reflect concepts such as violence, neglect, resistance, memory, collectivity, or identity.

 

Mi producción artística de los últimos años es resultado del trabajo en contextos locales.

Esto forma parte de una postura personal que se deriva de cuestionamientos entorno a la representación artística, la incidencia que los procesos creativos tienen en grupos específicos y la manera en que los artistas se involucran con distintas realidades.

Mi trabajo busca crear micro ventanas que reflejen conceptos como violencia, abandono, resistencia, memoria, colectividad o identidad.

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February 19, 2014 María Ezcurra https://abstractioninaction.com/artists/maria-ezcurra/
Translated from Spanish

In my work, I use textiles—basically clothing—in order to explore a series of social and personal stereotypes, as well as their relationship with specific cultural codes, by reviewing and reflecting on the current and complex normative structures which define us and from which we participate. A great part of my work involves an analysis on the physical, emotional and social restrictions that are associated with gender roles, in particular feminine stereotypes. With my work, I do not only play with the material and formal possibilities of textile, but I also explore the aesthetic, symbolic, and cultural values of garments, based on deconstruction, re-contextualization or re-aggrupation models which put in evidence the social expectations that they intend to exhibit or cover. Thus I want to make visible the complex and often contradictory relationships we have constructed between the social and the individual, protection and image, beauty and comfort, violence and indifference, men and women, and all the ambiguous intermediate qualities which constitute us but do not necessarily define us.

 

En mi trabajo uso textiles—básicamente ropa—para explorar una serie de estereotipos sociales y personales, así como su relación con ciertos códigos culturales, revisando y reflejando las complejas estructuras normativas actuales que nos definen y en la que todos participamos. Gran parte de mi obra implica una reflexión sobre las restricciones físicas, emocionales y sociales asociadas a roles de género, particularmente a los estereotipos femeninos. Con mis piezas no sólo juego con las posibilidades materiales y formales de los textiles, sino que exploro los valores estéticos, simbólicos y culturales de las prendas de vestir, basándome en procesos de deconstrucción, recontextualización o reagrupación que evidencian las expectativas sociales que intentan exhibir, o cubrir. Quiero evidenciar así las complejas, y a veces contradictorias, relaciones que hemos creado entre lo social y lo individual, la protección y la imagen, la belleza y la comodidad, la violencia y la indiferencia, los hombres y mujeres, y todas las ambiguas cualidades intermedias que sutilmente nos forman sin necesariamente definirnos.

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February 19, 2014 Jaime Ruiz Otis (RUIZCYCLE) https://abstractioninaction.com/artists/ruizcycle/
Translated from Spanish

From a very young age, I’ve been attracted by abandoned construction sites, vacant lots, useless things, and the tracks or traces that persist without intention. In these places I have discovered and collected all kinds of things, without a specific purpose in mind. It is until this moment in which I develop this statement that I can trace the origin of my work as artist in these explorations and discoveries of my first years of life.

My first formal experience working with residues was as a worker at a recycling plant, in which I was in charge of handling toxic industrial residues. This activity originated my series Las sobras (the leftovers). This series is comprised by materials and elements taken from waste—meaning that they pass through a double process of selection because I recover them from all that is rejected by factories and then by the recyclers.

Until today, I find the process of looking in industrial waste containers or recyclers, strongly linked to archaic human practices, such as those of the first nomads that learned to recognize and collect fruit, plants, insects, and materials for their survival, in the different territories they walked and lived in.

The work of the scavengers is completely underestimated against the patterns of production, consumption and massive waste of contemporary capitalist societies, even though it is more necessary than ever.

I am amazed by the quantity and I am attracted by the vast variety of materials that I hazardously find in waste containers. The diversity, qualities, and malleability of these materials is what trigger ideas and forms, and which determine what types of supports, media, and compositions I must use. To me, waste is not garbage but an opportunity to explore artistically, finding the most adequate uses and functions within the unusual forms and characteristics that I find. This practice allows me to meditate about existence, life’s origin, and the micro and macro.

The processes that are related with the homogenization of certain forms of life and consumption, which we call civilization, and from which the world is built from molds that are more generic every time, are in fact derived from entropy, and they leave several traces and cosmic tails that I find fascinating. The DNA of things captivates me and keeps me alert, waiting for the next surprise, the next great archeological discovery.

  

Desde pequeño me han fascinado las construcciones abandonadas, los terrenos baldíos, las cosas inservibles, las huellas o rastros que persisten sin que nadie se lo hubiera propuesto. En estos lugares he descubierto y recolectado todo tipo de cosas sin un objetivo específico en mente. Es hasta ahora que desarrollo esta declaración que puedo trazar el origen de mi trabajo como artista en estas exploraciones y descubrimientos de los primeros años de mi vida.

Mi primera experiencia formal trabajando con residuos fue como empleado en una planta recicladora, como encargado de manejo de residuos industriales tóxicos. Fue esta actividad la que dio origen a mi serie Las sobras. Esta serie se compone de materiales y elementos tomados de entre los desperdicios —es decir pasan por un doble proceso de selección, pues los recupero de entre aquello rechazado primero por las maquiladoras y después por las recicladoras.

Hasta la fecha, encuentro el proceso de buscar en los contenedores de basura industrial o recicladoras fuertemente conectado con prácticas humanas arcaicas: como los primeros nómadas que aprendían a reconocer y recolectar frutos, hierbas, insectos y materiales, para su subsistencia, en los distintos territorios que recorrían y habitaban.

La labor de los pepenadores está completamente subestimada en nuestros días frente a los patrones de producción, consumo y desecho masivo de las sociedades capitalistas contemporáneas, a pesar de ser más necesaria que nunca.

Me asombra la cantidad y me atrae la amplia variedad de materiales que azarosamente voy encontrando en los contenedores de basura. La diversidad, cualidades y maleabilidad de los mismos materiales son los que me disparan ideas y formas, y los que determinan qué clase de soportes, medios y composiciones debo utilizar. Para mí los residuos no son desperdicios sino una oportunidad de explorar plásticamente, encontrando el uso y función más adecuados entre las inusitadas formas y características que descubro. Esta práctica me permite meditar sobre la existencia, el origen mismo de la vida, lo micro y lo macro.

Los procesos que llamamos civilización, relacionados con la homogenización de ciertas formas de vida y consumo,  donde el mundo se construye bajo moldes cada vez más genéricos deriva, en cambio, en la entropía y dejan una diversidad de rastros, huellas y estelas que me resultan fascinantes. El ADN de las cosas, eso es lo que me cautiva y me mantiene atento, dispuesto a la próxima sorpresa, al siguiente gran hallazgo arqueológico.

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February 19, 2014 Emilio Chapela: Grenzstraße https://abstractioninaction.com/happenings/emilio-chapela-grenzstrase/

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Emilio Chapela

Grenzstraße (Calle de la frontera / Calle del límite)
Casa Maauad
Mexico City, Mexico

Casa Maauad presenta la exposición Grenzstraße de Emilio Chapela, que consiste en un conjunto de obras que exploran problemas sociales, políticos, filosóficos y cosmológicos desde una óptica común; el concepto de límite (boundary en inglés y Grenze en alemán). La obra intenta señalar y desafiar límites espaciales, políticos, territoriales, tecnológicos y personales. Sitúa el concepto de horizonte como aquello al final del límite, aquello que sobrepasa nuestra vista y nuestro entendimiento. El horizonte cosmológico, por ejemplo, marca el confín del universo visible y escuchable. Las fronteras territoriales señalan líneas que delimitan el libre transito de personas, al mismo tiempo que configuran la identidad nacional. En Internet, los horizontes son amplios y complejos, son límites difíciles de detectar y dibujar. Sus límites confrontan con frecuencia otros horizontes, como aquellos que circunscriben la esfera de lo privado. A través de video, fotografía, grabado y escultura, Emilio Chapela nos invita a reflexionar y preguntar por los alcances del individuo y la sociedad para comprender sus propios limites.

February 3, 2014 Octavio Abúndez: Presentando lo Irrepresentable https://abstractioninaction.com/happenings/octavio-abundez-presentando-lo-irrepresentable/

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Artists: Gabriel Rico Jiménez and Octavio Abúndez

Presentando lo Irrepresentable
January 30 – April 11, 2014
Curro & Poncho
Jalisco, Mexico

CURRO & PONCHO is pleased to present its first show of the year: “Presentando lo Irrepresentable”. A two man show by mexican artists Gabriel Rico Jimenez (Lagos de Moreno, 1980) and Octavio Abundez (Monterrey, 1981).

Borrowing from Francois Lyotard’s 1982 essay entitled Presenting the Unpresentable, this show attempts to confront viewers and their preconceived notions regarding symbology and representation.

By taking as its reference point notions such as liminality, border-related thresholds, rites of passing as well as their philosophical and ambiguous implications, Abundez and Rico transmit the impassible nature of such concepts through an almost esquizofrenic practice.

“Presentando lo Irrepresentable” is curated by Francisco Borrego Vergara

January 29, 2014 Omar Barquet, José Luis Landet, Pablo Rasgado, Omar Rodríguez-Graham: Superficie de Tensión https://abstractioninaction.com/happenings/omar-barquet-jose-luis-landet-pablo-rasgado-omar-rodriguez-graham-superficie-de-tension/

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Artists: Ernesto Alva, Verónica Bapé, Balam Bartolomé, Omar Barquet, Saúl Gómez, José Luis Landet, Moris, Calixto Ramírez, Pablo Rasgado, Omar Rodríguez-Graham, Tania Ximena, Cynthia Yee

Curated by Christian Barragán

Superficie en Tensión
January 25 – March 22, 2014
Diagrama
Mexico City, Mexico

Entre el arte contemporáneo, la pintura en la actualidad continúa una disputa dentro y fuera de sus límites sobrentendidos. De ser una superficie pulida, determinante y estática, pasó a ser una superficie en tensión, abierta, inacabada, donde cada artista -desde su particular condición y posición- cuestiona la naturaleza y el campo de acción de ésta disciplina, generando un diálogo con la historia remota y presente. Fue a partir de 1913 que Marcel Duchamp abandonó la pintura-pintura, aquella con aroma a terebantina, por la pintura-idea; fue el comienzo de su verdadera obra, que incluye los readymades y el Gran Vidrio (1915-1923). Es también ése año el comienzo de una nueva época en el arte: la sustitución de la obra-representación por la obra-presencia, asunto del cual Roland Barthes se ha ocupado en su ensayo el Grado cero de la escritura y Octavio Paz en Apariencia desnuda, de ahí la siguiente cita: “El artista no es un hacedor; sus obras no son hechuras sino actos.” Desde ese momento la pintura para Duchamp es un objeto de investigación interna, lo es en dos sentidos, de sí mismo en tanto creador y como análisis del arte en tanto lenguaje. Respecto a esta decisión de Duchamp, Paz escribió, “su fascinación ante el lenguaje es de orden intelectual: es el instrumento más perfecto para producir significados y, asimismo, para destruirlos.” La pintura, a un mismo tiempo,  arma y cuerpo de su propia batalla.

El siglo veinte es el siglo de las vanguardias: entre otras, Impresionismo, Fauvismo, Expresionismo, Cubismo, Futurismo, Abstracción, Suprematismo, Dadaísmo, Metafísica, Constructivismo, Surrealismo, Arte Conceptual, Minimalismo, Land Art, Pop Art… Un siglo de más de cien años en los cuales el arte fue un campo abierto, dinamitado desde el feudo de la pintura. A semejanza del acto de Duchamp, ahí está Warhol haciendo pintura en serigrafía, apropiándose de la multiplicidad y serialidad de imágenes que ofrecían los medios masivos de comunicación en el momento; o Basquiat recurriendo a cuanto soporte tuvo frente a sí, ya sea la puerta de un refrigerador o muebles de madera en desecho, atando palos y tela, mugre y óleo para pintar; o Richter y su realismo austero de la posguerra, además de sus densos barridos de color; o Oehlen explorando las posibilidades de la escala a través del ordenador sobre polímeros; o Baldessari y su “Cremation Project” (1970), en el cual hizo quemar todas las pinturas que había realizado hasta entonces. Un siglo, aún pues, de “tradición y ruptura” (Paz dixit).

La obra reunida en Superficie en tensión son “actos” interesados en la pintura, investigaciones llevadas a cabo por un grupo disímil de artistas congregados por sus procesos de trabajo sobre la vigencia y alcances de lo pictórico. Por ello, cada obra es una aproximación, un modo de concebir, de enfrentarse, ante el gesto pictórico dentro y fuera del bastidor. Los encuentros con la pintura suceden más allá de la superficie, y así descubren o amplían otros ámbitos y contextos, posturas e incomodidades, dudas y cuestionamientos. No importa ya la condición suprema de la pintura sobre otras disciplinas, sino del arte en su condición de creador-destructor de conocimiento, sentido, crítica y significado para asumirse frente a un tiempo y espacio específicos: el aquí y el ahora del arte contemporáneo. Superficie en tensión es un ejercicio que atiende no sólo la pervivencia de la pintura, sino también la vitalidad del arte.

January 21, 2014 Abstracción Posible / Abstract Possible: The Tamayo Take https://abstractioninaction.com/contexts/contemporary/abstraccion-posible-abstract-possible-tamayo-take/

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ABSTRACT POSSIBLE: THE TAMAYO TAKE

Artists: Doug Ashford, Claire Barclay, José León Cerrillo, Matias Faldbakken, Claudia Fernández, Goldin+Senneby, Liam Gillick, Wade Guyton, Gunilla Klingberg, David Maljković, Mai-Thu Perret, Seth Price, Walid Raad, Emily Roysdon, Salón, Bojan Šarčević, Ultra-red, Anton Vidokle

Abstract Possible is the latest installment in the series Minor Histories, Larger Worlds at the Museo Tamayo. It also forms part of a larger research project on abstraction and contemporary art, entitled Abstract Possible, that is being car- ried out over the course of two years in various locations, including Malmö, Zurich, Stockholm and Stuttgart. A collaboration is being developed in each of the host institutions and will be manifested through different formats such as group shows, a duo exhibition, a seminar, a webpage.

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Microhistorias y Macromundos III

26 de marzo a 7 de agosto de 2011

Curator: Maria Lind

Sala A, Museo Rufino Tamayo

Mexico City, Mexico

January 12, 2014 Omar Barquet https://abstractioninaction.com/projects/omar-barquet-project/

Omar Barquet
Night Tide

Pinta, NY

For the Abstraction in Action project commission at PINTA NY 2013, I proposed the creation of an ephemeral collage mural made with fragments of various failed tests of xylography, offset and photocopy prints, which were the result of several processes and treatments of digital and analog deterioration, providing a memory to these materials and emphasize the idea of interference. I find an interesting connection between the formal languages of Concretism and technical-scientific diagrams related to space, landscape, sound, time, and nature, as languages that take on abstraction, often with contradictory purposes, but from their intersections I saw the possibility of articulating different proposals with diverse mediums and focused on revising the dynamic landscape as a mental scene. Given the dimensions and duration of the commission, I considered that the project would function as an abstract composition which describes a sequence of changes in the pulsations of a night tide. The materials will be subjected to a process of graphic experimentation. The installation and de-installation of the stand will be extended as a circular process, generated from the fragmentation and rearticulation of three scientific encyclopedia’s back covers—their collage feel will be translated to the scale of the stand. — Omar Barquet

Download Brochure

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Para la comisión de un proyecto de Abstracción en Acción para Pinta NY 2013, propuse un collage mural efímero realizado con fragmentos de distintas pruebas fallidas de impresión
en xilografía, offset y fotocopias resultantes de distintos procesos y tratamientos de desgaste, tanto digitales como analógicos, que otorgan una memoria sobre estos materiales y enfatizan la idea de interferencia.

Encuentro una interesante conexión entre los lenguajes formales del Concretismo y los esquemas técnicos de ciencia relativos a espacio, paisaje, sonido, tiempo y naturaleza, como lenguajes que asumen la abstracción con objetivos en muchas ocasiones contradictorios, pero que
en cuyas intersecciones vi la posibilidad de articular distintas propuestas con medios igual- mente diversos y enfocadas a revisar el paisaje dinámico como escena mental.

Por las dimensiones y duración de la comisión, consideré que el proyecto funcionaría como una composición abstracta que des- cribe una secuencia de cambios en las pulsaciones de la marea nocturna. Los materiales serán sometidos a procesos de experimentación gráfica y todo el montaje y desmontaje del stand, será entendido como un proceso circular generado desde la fragmentación y rearticulación de tres contraportadas de una enciclopedia científica cuyo sentido de collage, será trasladado a la escala del stand. — Omar Barquet

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January 2, 2014 Adrián S. Bará https://abstractioninaction.com/artists/adrian-bara/
Translated from Spanish

My work, influenced by my formation as a filmmaker and the constant contact with architecture, make me incorporate elements such as abstraction, geometry, memory, light, shadow, the relationships that exist in the creation processes and interaction with life itself.

The process is part of the result within itself, which makes us discover places or questions that we would not make if it wasn’t for that constant search and experimentation of situations and experiences.

The way I materialize my ideas—photography, painting, sculpture and video.

Based on the concept in which the goal is in the process of creation more than in the result, I always seek to let myself be guided by accidents and the unknown, to be able to explore new ideas of expression and abstraction.

 

Mi trabajo, influenciado por una formación como cinematógrafo y el constante contacto con la arquitectura hacen que incorpore elementos como la abstracción, la geometría, la memoria, la luz, la sombra, la relación que existe en los procesos de creación e interacción con la vida misma.

El proceso es parte del resultado en sí mismo; aquel que hace que descubramos lugares o preguntas que no nos formularíamos si no fuera por esa constante búsqueda y experimentación de situaciones y experiencias.

Las forma en la que materializo mis ideas son: fotografía, pintura, escultura y video.

Basado en el concepto de que la meta está en el proceso de creación más que en el resultado, siempre busco dejarme llevar por los accidentes y lo desconocido para explorar nuevas ideas de expresión y abstracción.

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December 3, 2013 Juan Sebastián Bruno https://abstractioninaction.com/artists/juan-sebastian-bruno/
Translated from Spanish

I am interested in processes, that what impulses action; movement. I seek minimal spaces to build an objectual, spatial, formal and conceptual structure. I search for the limit of abstraction, of meaning, of the relationship with references in order to assign new functions. The tools and objects that I use have a relation with a personal experience, where I had a good time, as minor as that moment may have been. Therefore they are objects that have an emotional charge, no matter that the mechanism of selection is perceived in the work but that the spectator can have empathy with these objects and sense time in them.

 

Me interesan los procesos, lo que impulsa una acción, los movimientos. Busco los espacios mínimos para armar una estructura, objetual, espacial, formal y conceptual. Busco el límite de la abstracción, del significado, de la relación con los referentes, para poder asignar nuevas funciones. Las herramientas y objetos que uso tienen relación con alguna experiencia personal, en donde la pasé bien, por más mínimo que haya sido ese momento. O sea que son objetos que tienen una carga afectiva, sin interesar que este mecanismo de selección se perciba en la obra, pero sí que el espectador pueda tener empatía con esos objetos, intuir un tiempo en ellos. Este tiempo en los objetos, su memoria emotiva, la tensión que se puede producir entra dos puntos. Uso, pedazos que nos dan una estructura, la voluptuosidad de la distancia y el modo en que esos elementos se relacionan para expresar ese proceso que todavía vincula al arte con la vida cotidiana. Entonces: abstracción, pura forma + la expresión y homenaje a los autores de los que estamos hechos + el peso de los detalles: las cosas que evocan recuerdos. Uno de los mecanismos de trabajo son los anclajes, los referentes y los tributos “a la manera de un adolescente que cuelga pósters en su cuarto” Me armo un playslist, una biblioteca mental de posibilidades, que se va actualizando, y con esas unidades generar nuevos grupos. Me gusta que el trabajo oscile entre el taller y la pantalla, y desde esa acción marcar varios recorridos.

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November 8, 2013 Emilio Chapela https://abstractioninaction.com/artists/emilio-chapela/

*This artist statement has been generated by a computer.

Emilio Chapela lives and works both in Mexico City and the Forgotten Realms of the Earth.  He works with the latest technology from Japan and China. His artistic practice is concerned with the development of a system that allows the operator to control various processes such as those used for conventional and unconventional methods to determine the relative importance of individualized factors. He also investigates the effect of increasing importance of the different methods used to identify the specific factors involved in the production and dissemination of a particular type of information. In such a way, he has worked with several different methods to determine how the various systems respond to the needs identified through their own resources. He has participated in shows both at galleries, museums and other cultural institutions, at places like the U.S. Geological Society of America and at the Museum of Modern Art in New York. He was awarded with the prestigiou award for gallantry in the field of public procurement and disposal. In 2010, he published his first book on the history of the world. In the near future, he will be showing his work at the National Institute of Technology and Information Ethics in Washington DC.

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  • Miscomunication: Baragouins, Giberish and Googledygook. 2008. Catálogo de Expoisición. Die Kurt Gödel Bibliothek. 2014. Ed. Sicomoro.

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November 8, 2013 Christian Camacho Reynoso https://abstractioninaction.com/artists/christian-camacho-reynoso/

Work occurs inside the intermittent activity conducted between things immediate and things suspended in thought: the familiar, the unknown and its eventual recombination. The employment of shifting materials and the recurrence of abstraction acts inside the practice as a reminder of all that persists only through relation: ideas which cannot be reflected upon without being translated, altered or negated. It is under these conditions that several aspects of the work are introduced; namely its particular use of the observer’s point of view, its relationship to a specific time of reading and the idea of a fragmentary expectation being the conduct in which the minor and the major activate their difference.

 
Traducido del inglés

El uso de materiales cambiantes y la recurrencia de la abstracción actúan dentro de la práctica como recordatorio de todo lo que persiste sólo por relaciones: ideas que no pueden reflejarse sin ser traducidas, alteradas o negadas. Es dentro de estas condiciones que muchos aspectos de la obra son introducidos; concretamente el uso particular del punto de vista del espectador, su relación con un tiempo específico de lectura y la idea de una expectativa fragmentaria como el conducto a través del cual lo menor y lo mayor activan su diferencia.

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November 5, 2013 Thomas Glassford https://abstractioninaction.com/artists/thomas-glassford/

Extract from “A Touch of Anguish (or two peas in a pod and a self-serving gourd). A Conversation Bewteen Manuel Hernández, Cuauhtémoc Medina & Thomas Glassford,” In: Cádaver Exquisitio: Thomas Glassford, Universidad Nacional Autónoma de Mexico, 2006 (…) The work relates to questioning beauty, lowering itself to the banal and simplistic, which really is the issue of taste because beauty is simply a word based on fashion and the dictates of fashion. In case of art, it’s connected to collecting. For example, I collect containers made from bull’s scrota. As a collector of objects, I try to deal with banality and take it a step backwards from the personal –from corporeal provocation. When, for example, I see and Aster, obviously speaking in respect to sterility in this extreme, for me it’s related to the gourd. (…) I’m into the surface texture and wear of everyday street life, the influence it has on society, how it becomes a passing image in time, the aspect of its defacing one’s contemporary positioning or historic presence. If one waits long enough, what seems defacing becomes classic. (…) Art is a code or a way of encoding these kinds of anguishing thoughts. There isn’t a day when we can stop thinking about art since there isn’t a day when we can stop thinking about the wrinkle that keeps growing –the one we hadn’t noticed before- or about the spot we’re in or the breakdown we’re feeling, about the anguish of realizing we’re forty-something years old.”

 
Traducido del inglés

Fragmento de “A Touch of Anguish (or two peas in a pod and a self-serving gourd). A Conversation Bewteen Manuel Hernández, Cuauhtémoc Medina & Thomas Glassford,” en: Cádaver Exquisitio: Thomas Glassford, Universidad Nacional Autónoma de Mexico, 2006 (…) La obra se relaciona con la cuestión de la belleza, rebajándose a lo banal y simplista, que es en realidad un problema de gusto porque la belleza es simplemente una palabra basada en la moda y lo que ésta dicta. En el caso del arte está ligada al coleccionismo. Por ejemplo, yo colecciono contenedores hechos de genitales de toro. Como coleccionista de objetos, intento considerar la banalidad y dar un paso atrás desde lo personal, desde la provocación corpórea. Cuando veo por ejemplo Aster, obviamente hablando sobre la esterilidad en este extremo, para mí está relacionada con el guaje. (…) Me interesan las texturas de las superficies y el deterioro de la vida urbana cotidiana, la influencia que tiene en la sociedad, cómo se convierte en una imagen que pasa en el tiempo, el aspecto de vandalizar nuestra postura contemporánea o presencia histórica. Si uno espera lo suficiente, lo que parece vandalizado se vuelve clásico (…) El arte es un código o una manera de codificar estas ansiedades. No hay día en el que dejemos de pensar sobre el arte porque no hay un día en el que dejemos de pensar en la arruga que sigue creciendo, la que no habíamos notado antes, o en el lugar en el que estamos o en la crisis que sentimos sobre la angustia de darnos cuenta que tenemos cuarenta y tantos años”.

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November 5, 2013 Fernando Carbajal https://abstractioninaction.com/artists/fernando-carbajal/

My work is a platform of investigation where four lines of work converge. Arriving from different reflections on the idea of production and artistic product, I develop a personal questionnaire to resolve through concepts characteristic of art, beyond supports or specific media. The work begins years before its exhibition under a rigorous daily process –quotidian-­‐ where text and image start to determine the path of apparition of the object and, above all, a recognition of how far to go, so that both the construction process as well as the moments that follow the work: exhibit, documentation, collection, are conducive to a latent state of conditions. The first line of work then, runs and traverses over an Arbeit Journal (workbook) that is usually a container of written poetic acts, preparation drawings, synoptical paintings and new glossaries. In my work there is an interest in the belief that “The syntax is a quality of the soul”, as Paul Valéry said, so it substantially asks not a reading from the possible spectator, but a kind of co-­‐ responsibility from its own substance. My second and third lines to investigate are extremely formal, conceptual and plastic determinants from materiality and the inherent boundaries of each substance used. I try to meditate about sculpture, painting, drawing and photography from their humanistic affiliation, from its undeniable quality as anthropological links; which is why my work is a kind of tracking, punctual, specific, not of art history, but of gaps where, although special circumstances exist, an inexplicable and elusive emptiness evidences a human potential almost lost, forgotten. In these moments of rupture, these breaks on the folded surface of time and space are axes of my personal network, which has been formed 12 years ago. It allows me not only a congruent and organic structure between each work, but it favors territories mainly unique and close to my own entity. Around the idea of painting and sculpture, for example, the raw materials gesticulate their own resonance; they limit the scope of form that the tooling and hand dissect, while the drawing is that possibility of looking at what one desires, almost immediately, almost simultaneously to the desire, like photography. The last line of investigation is the one that defines the links. My work is a field of action for the spectator, an observatory, an inventory. The work is not hermetic but neither immediate. Requires and is required, softens up when seen, solidifies itself at the sight. In the meantime (sway), my interest is to proliferate –more than to explain-­‐ an interest for the questions. Try to make the spectator believe that we surely inhabit an enormous and indecipherable question, and as beings from that realm, we converse through questions, and not through answers, with things. This correspondence and exchange could explain the diversity of appearances in my work. It is not a reflex of a pretentious question. It is evidence of the simplest question that we haven’t been able to formulate. The art work, for me, is that one presence whose origin never distorts its aim, and whose aim extols every moment of its origin. It is my way to have a discussion and to generate bonds from small questions for a more and more extensive listing of answers

 

Mi obra es una plataforma de investigación en donde convergen cuatro líneas de trabajo. A partir de distintas reflexiones en torno a la idea de producción y producto artístico, desarrollo un interrogatorio personal a resolver mediante los conceptos propios del arte, más allá de soportes o medios específicos. El trabajo comienza años antes de su exhibición bajo un riguroso proceso diario –cotidiano-­‐ en donde texto e imágenes comienzan a determinar la ruta de aparición del objeto y, sobretodo, un reconocimiento de hasta dónde ha de detenerse, para que tanto proceso constructivo como los momentos que la a obra suceden: exhibición, documentación, coleccionismo, propicien un estado latente de condiciones. La primera línea de trabajo entonces, corre y atraviesa sobre un Arbeit Journal (libro de trabajo), que usualmente es contenedor de actos poéticos escritos, dibujos preparatorios, cuadros sinópticos y glosarios nuevos. En mi obra existe un interés en la creencia de que “La sintaxis es una cualidad del alma”, según Paul Valéry, por lo que sustancialmente solicita no una lectura del espectador posible, sino una especie de co-­‐responsabilidad desde su propia sustancia. Mi segunda y tercera línea a investigar son sumamente formales, determinantes conceptuales y plásticas a partir de la materialidad y los alcances propios de cada sustancia a utilizar. Intento reflexionar acerca de la escultura, la pintura, el dibujo y la fotografía desde su afiliación humanística, desde su innegable cualidad de eslabón antropológico; por ello, mi obra es una clase de rastreo, puntual, específico, no de la historia del arte, sino de las brechas en donde, si bien existen circunstancias particulares, un vacío inexplicable e inasible evidencia un potencial humano casi perdido, olvidado. Esos momentos de ruptura, esos quiebres sobre la superficie plegada del tiempo y el espacio, son ejes de mi red personal, que se ha venido conformando desde hace 12 años. Me permite no sólo una estructuración congruente y orgánica entre cada obra, sino que propicia territorios mayormente únicos y apegados a mi propia entidad. En torno a la idea de pintura y escultura, por ejemplo, las materias primas gesticulan su propia resonancia, delimitan en sí los alcances de la forma, que el herramental y la mano disecan, mientras que el dibujo es aquella posibilidad de mirar lo que se desea, casi inmediatamente, casi simultáneo al deseo, como la fotografía. La última línea de investigación es la que define: los vínculos. Mi obra es un campo de acción para el espectador, un observatorio, un inventario. No es una obra hermética pero tampoco inmediata. Exige y es exigida, se reblandece al ser vista, se solidifica en la mirada. En ese intervalo (vaivén), mi interés es el de contagiar -­‐más que explicar-­‐ el interés por las preguntas. Hacer creer que seguramente habitamos una pregunta enorme e indescifrable, y que como seres de ese paraje, dialogamos a través de preguntas, y no de respuestas, con las cosas. Esa correspondencia e intercambio podría explicar la diversidad de apariencias de mi trabajo. No es un reflejo de una respuesta pretenciosa. Es una evidencia de la pregunta más simple que no hemos sabido formular. La obra de arte para mí es aquella presencia que nunca tergiversa su fin, y cuyo fin enaltece cada momento de su origen

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November 2, 2013 Fernando García Correa https://abstractioninaction.com/artists/fernando-garcia-correa/

Translated from Spanish

My work has been developing for the past few years as a study of the pictorial within an abstract perspective that many qualify as post-minimalist, and from which I seek to establish links and similarities with scientific thought, psychological experience and the organic and social models around us, through the development of comment based on visual experience.

 

Mi trabajo se desenvuelve desde hace varios años como una reflexión de lo pictórico dentro de una perspectiva abstracta que muchos califican de post-minimalista y en donde a través del desarrollo de comentarios basados en la experiencia visual, busco establecer vínculos y similitudes con el pensamiento científico, la experiencia psicológica y los modelos orgánicos y sociales que nos rodean.

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October 15, 2013 Octavio Abúndez https://abstractioninaction.com/artists/octavio-abundez/
Translated from Spanish

I divide my artistic production in three simultaneous directions. The phenomenological; the epistemological; and the topological. Perception, culture and place. Every direction converges in the human condition. Each one of these directions has its own visual language. The works focused on perception are full of color, of light. They oscillate between geometry and minimalism. Those centered in culture are textual and monochromatic. They oscillate between the joke, the absurd, the messianic and the politically incorrect. The ones focused on place are the backbone of my work. Through trips and moves I determine and subjectively give signs and values to cities and places. An un-scientific anthropology. A unique language in each place, which goes from the figurative to land art. There is a back and forth between directions and visual languages. I find, through constant exploration, my work’s reason to be.

 

Divido mi producción artística en tres direcciones simultáneas. Lo fenoménico, lo epistemológico y lo topológico. La percepción, la cultura y el sitio. Todas las direcciones convergen en la condición humana. Cada una de estas direcciones tiene su lenguaje plástico particular. Las piezas enfocadas a la percepción están llenas de color, de luz. Oscilan entre la geometría y el minimalismo. Aquellas enfocadas a la cultura son textuales y monocromáticas. Oscilan entre la broma, el absurdo, lo mesiánico y lo políticamente incorrecto. Las piezas enfocadas al sitio son la columna vertebral de mi trabajo. A través de viajes y cambios de residencia determino y subjetivamente le doy signos y valores a ciudades y lugares. Una antropología acientífica. Un lenguaje único en cada sitio, que va desde lo figurativo al land art. Existe un ir y venir entre direcciones y entre lenguajes plásticos. Encuentro en una constante exploración la razón de ser de mi trabajo.

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October 15, 2013 José Dávila https://abstractioninaction.com/artists/jose-davila/

Translated from Spanish

My practice is based on an articulate recursion on the margins of homage, imitation, and critique. As a sort of mirage, I use different reproduction strategies which allow me to dismantle the relationships between form and content, as well as to manifest the virtues and lacks from my references.

My work has been engaged in questioning the limits of instrumental values through the use of everyday materials in the creation of sculptures, objects, and installation. More recently, I have explored photography and document as ways of recording and due to their possibilities of re-signification.

 

Mi práctica se vale de una elocuente recursividad que se encuentra en los márgenes del homenaje, la imitación y la crítica. Como una suerte de espejismo, utilizo distintas estrategias de reproducción que me permiten desmantelar las relaciones entre forma y contenido, así como manifestar las virtudes y carencias de mis referencias.

Mi trabajo se ha ocupado de cuestionar los límites de los valores instrumentales a través del uso de materiales ordinarios para la creación de esculturas, objetos e instalación. Recientemente, he explorado la fotografía y el documento como formas de registro y sus posibilidades de re-significación.

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October 9, 2013 Francisco Ugarte https://abstractioninaction.com/artists/francisco-ugarte/

Translated from Spanish

My work is supported by the fields of architecture and above all the creative process. The proposal is generated from the analysis of the environment and it is a reaction to it. It can be understood as a phenomenological exercise, from which reality is understood through the perception of phenomena and the essence of things. The works are self-referential, they speak about themselves. Perception, abstraction, intuition, light, time, change, place, the material and the universal, are some of the recurring themes of my work.

 

Mi trabajo se apoya en los terrenos de la arquitectura, y sobre todo en el del proceso creativo. La propuesta se genera a partir del análisis del entorno y es una respuesta a él. Se puede entender como un ejercicio fenomenológico, con el cual la realidad es conocida a través de la percepción de los fenómenos y las esencias de las cosas. Las obras son autorreferentes, hablan de sí mismas. La percepción, la abstracción, la intuición, la luz, el tiempo, los cambios, el lugar, lo material y lo universal son algunos de los temas recurrentes dentro de mi trabajo.

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October 9, 2013 Omar Rodríguez-Graham https://abstractioninaction.com/artists/omar-rodriguez-graham/

Translated from Spanish

My work creates an ambiguous relationship between abstraction and representation. I compose paintings that depict constructed scenes and objects that borrow from the language of painting, marks are constructed with wooden blocks and painted. By depicting these objects, or more directly the experience that they incite, I present the language of painting. While working within the tradition of still life painting, my process is taken to what must be its obvious conclusion. The objects painted must initially be that thing which they wish to re-present, the language of painting.

 

Mi obra crea una relación ambigua entre la abstracción y la representación. Realizo pinturas que representan escenas construidas y objetos que toman elementos del lenguaje pictórico, construyo marcas con bloques de madera pintada. Al presentar estos objetos, o más directamente la experiencia que incitan, presento el lenguaje de la pintura. Al trabajar desde la tradición de la naturaleza muerta, mi proceso se entiende como lo que debe ser la conclusión más obvia. Los objetos pintados deben ser inicialmente esa cosa que buscan representar; el lenguaje de la pintura.

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Education / Training

  • 2005: Tyler School of Art, M.F.A. Painting, Philadelphia, P.A. USA.
  • 2002: Drew University, B.F.A. Studio Art, Madison, N.J., USA.

Prizes / Fellowships

  • 2013-2014: Fonca Jovenes Creadores, Mexico.
  • 2010: Fonca / The Ban! Centre, Ban!, Alberta.
  • 2006-2007: Fonca Jovenes Creadores, Mexico.

Solo Exhibitions

  • 2013: “Mise en Abyme”, Bogota, Colombia.
  • 2012: “Pintura Construida”, Queretaro, Mexico.
  • 2011: “Variaciones sobre un Tema”, Mexico City, Mexico.
  • 2008: “Reposo”, Querétaro, Mexico.
  • 2008: “La Muerte Reina Bella y Melancólica”, Mexico City, Mexico.

Group Exhibitions

  • 2013: “After the Object”, Manhattan, USA.
  • 2013: “Ensamble”, Mexico City, Mexico.
  • 2012: “Sugar and Wood”, Dallas, USA.
  • 2011: Bienal de Pintura Tamayo, Mexico City, Mexico.
  • 2010: “Bella y Terca”, Mexico City, Mexico.

Publications

  • 2012: Ostrander, Tobias (Compilador), Castillo, Erik & Perez, Daniela: Omar Rodriguez-Graham, Arroniz. Print.

October 8, 2013 Ricardo Rendón https://abstractioninaction.com/artists/ricardo-rendon/

In the work process, in the process of shaping and changing the nature exterior to him, man is shaped and changes himself: My work is presented as a system of questioning of the creative practice, of the execution, productive realization and notion of work. A search of meaning in the activity that makes possible not only locate its motive, the why of creating, but that would also allow to establish a critical vision of the role that the subject plays in the work environment.  Revalue the creative practice and find meaning in the work through the experience in the continuous making: To determine my reality through the experience and practice of my creative abilities, whose activation allows the emergence of forms of subjectivity and one’s own knowledge. Therefore, experience, comprised of the development and accumulation of moments of execution and site-specific plastic exercise, allows me to establish a strategic and perspective relation from where to position facing that which surrounds us.

I recognize from the creative making my position as subject result of the possibilities, events, dialogue and interpretation. Place of continuous transformation, determined by the creative activity within the physical limitations of space and the materials. A scenario of action and experience.

My work is designed as a system of inquiry into creative practice. It is a search for meaning that not only uncovers motivation, answering the question of why to create, but also permits a critical appraisal of the role of the subject who performs personal work. Reassessing the creative process allows me to make sense of making art through experiencing its continual realization.

It consists of determining my subjective reality and setting in motion my creative faculties, which enable the emergence of new understandings. In this way, experience, consisting of the development and accumulation of moments of creation, informs my strategic orientation towards my surroundings.

Accordingly, I recognize that as the subject of creative doing, I am shaped by possibilities, events, dialogues and interpretations in a place of continual transformation, a setting of action and experience in which creative activity is restricted only by the physical limits of workspace and materials.

 

En el proceso del trabajo, en el proceso de moldear y cambiar la naturaleza exterior a él, el hombre se moldea y se cambia a sí mismo: Mi obra se presenta como un sistema de cuestionamiento de la práctica y del quehacer creativo, de la ejecución, realización productiva y la noción del trabajo. Una búsqueda de sentido en la actividad que posibilite no solo ubicar su motivación, el por qué crear, sino que también permita establecer una visión crítica del papel que desempeña el sujeto en el ambiente laboral.

Revalorizar la práctica creativa y encontrar sentido en el trabajo por medio de la experiencia en el hecho continuo de su realización: Determinar mi realidad por medio de la experiencia y puesta en marcha de mis facultades creativas, cuyo accionar permiten la emergencia de formas de subjetividad y conocimientos propios. Es así que la experiencia, constituida por el desarrollo y acumulación de momentos de ejecución y ejercicio plástico in situ, me permite el establecimiento de una relación estratégica y perspectiva desde donde situarse frente aquello que me rodea.

Reconozco desde el hacer creativo mi posición como sujeto fruto de lo eventual, el acontecimiento, el dialogo y la interpretación. Lugar de continua transformación, determinado por la actividad creativa dentro de los límites físicos del espacio y los materiales de trabajo. Un escenario de acción y experiencia.

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October 8, 2013 Pablo Rasgado https://abstractioninaction.com/artists/pablo-rasgado/

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October 8, 2013 Mauro Giaconi https://abstractioninaction.com/artists/mauro-giaconi/

Translated from Spanish

Entropy Five hundred four thousand nine hundred and fifty three tons on the lifeless gesture that knows that nothing justifies waking up from a good dream. What it is doesn’t matter. What could have happened, neither. If I could give form to pain, everything would be easier. Pain is ancient, wise, and selfish; pain is born, grows up, travels and expands. It is liquid that copies the shape of the body. It was enemy due to my stubbornness, for not understanding that the question was not why walls exist but how to go through them. Now it is my accomplice and my faithful ally. Now it is noise, dissatisfaction, and hope. The polyhedron will triggers any structure; that is why I look for the shape on the wall that never understood limits, the whisper of the corner that does not like angles, the collapse of the ceiling that denied responsibility. Since I do not know where to start, I shake off the lethargy and erase distrust. The strategy is to withdraw, mix up in the dreams, simplify them and get lost in the trip. Meditate, edit myself and neglect order. I followed the advice and grazed the surface one time after another, looking for the spirit of things. When I find something I will notice. When I lose faith I will too. My hands are precise but I am not, that is why when I squirm hoping not to get lost in the instant, I focus on the space of the body, in the weight of the noise, in the breathing, in the chaotic energy of the continuing present. My nation follows me, it has the shape and the size of my foot. If I could float, even if it is a little bit more, I would abandon the ground for a while, like that nail that got buried looking for sunlight during the night. I want to—if I could—last in the instant that divides dreaming from waking up. It is there where everything weighs the same. I want to—if I could—be the horizontal that looks for elevation: verticality is what tends to fall.

 

Entropía Quinientas noventa y cuatro mil novecientas cincuenta y tres toneladas sobre el gesto inerte que sabe que nada justifica despertar de un buen sueño. Lo que era no importa, lo que pudo ser tampoco. Si pudiera darle forma al dolor sería todo más fácil. El dolor es anciano, sabio, egoísta; el dolor nace y crece y viaja y se expande. Es líquido que copia el contorno del cuerpo. Fue enemigo por mi necedad, por no entender que la pregunta no era por qué existen los muros, sino cómo atravesarlos. Ahora es mi cómplice y mi fiel aliado. Ahora es ruido, es descontento y esperanza. La voluntad poliédrica detona cualquier estructura, por eso busco la forma de la pared que nunca entendió de límites, el suspiro del rincón que no soporta los ángulos, el derrumbe del techo que rechazó la responsabilidad. Como no sé por dónde empezar, me sacudo el letargo y borro el recelo. La estrategia es replegarme, revolver en los sueños, simplificarlos y perderme en el viaje, meditar, editarme y descuidar el orden. Seguí el consejo y rocé la superficie una y otra vez buscando el espíritu de las cosas. Cuando encuentre algo aviso. Cuando pierda la fe también. Mis manos son precisas pero yo no, por eso mientras me retuerzo deseando no perderme el instante, me concentro en el espacio del cuerpo, en el peso del ruido, en la forma de la respiración, en la energía caótica del presente continuo. Mi patria me sigue, tiene la forma y el tamaño de mi pie. Si pudiera flotar, aunque sea un poco más, abandonaría el suelo por un rato, como ese clavo que se hundió buscando la luz del sol durante la noche. Quiero -si pudiera- perdurar en el instante que divide el sueño del despertar: es ahí donde todo pesa lo mismo. Quiero -si pudiera- ser horizontal que busca elevación: es la verticalidad la que tiende a caer.

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October 5, 2013 Gabriel de la Mora https://abstractioninaction.com/artists/gabriel-de-la-mora/

Translated from Spanish

I always knew that when I would leave architecture, someday I would return to it, not as an architect, but as an artist. I do not consider myself a painter, sculptor, draftsman, or photographer. I find reducing art to one technique to be unfair. I am an artist who works with ideas, possibilities and concepts, where each work requires a particular technique. Since I was a child I have struggled to distinguish fantasy from reality; now I constantly try to transform figuration in abstraction and vice versa. I have always liked to surprise myself and surprise everyone else. When this is incorporated into the fact that the work leaves you thinking, the work becomes complete. I am interested in finding the balance between the formal and the conceptual; between the left and the right. I am left-handed and dyslexic, therefore I write backwards in a natural way since I was 4 years old, using the right hemisphere of the brain; where emotional expression, sign language, musical sensibility and artistic sensibility are located. I work, think and speak with numbers, information, counting, figures, in a repetitive, obsessive way, organized within chaos. I constantly seek originality through repetition; I like something to be universal and particular. I am at the same time minimalist and baroque. I have 6.5 cm between my two pupils. The first impression with any work of art will always be visual, as conceptual as this may be. Thus I am interested in experimenting with different ways of “seeing” that are not only through the eyes. To achieve this I often use psychics and blind people, since I am certain of the parallel that exists between a clairvoyant and an artist. I am drawn by paranormal phenomena, criminology, music and meditation, among many other things. I am interested in accumulating objects from 1860 to 1960, approximately, focused on photography and architectural elements, among others. I look for and find “things” that ceased to fulfill the function they were made for and before they are turned into waste, I negotiate them, exchange them or buy them to turn them into something else. My studio is a sort of laboratory where experimentation is fundamental to the process and development in series. All the processes are documented and are part of an archive. When I make a mistake, it is not fixed or patched up; the work is simply discarded and I begin another one from scratch. I like to question and create through a process of destruction. Also to create something to then undo it, then something that apparently does not take me anywhere ends up being the work itself, through the trace, the mark or the document that remains. Work produces work, work produces more work, and work also produces ideas and ideas generate more ideas and also more work. The workshop functions infinitely and circularly, with a team of people that go from the ordinary to the extraordinary. I buy, collect and accumulate a great diversity of archives that ultimately will be a work in themselves, or the raw material of different series to be developed. I write ideas, projects, phrases, words and quantities in my notebooks every day. I always work in different series or projects simultaneously, in some I have absolute control of the work, and in others everything is random. Some works are a 100% created in the studio, while others are found or transformed from garbage to something else. Time, gravity, fragility, waste, and accident are the constants in any series or any work. The energy factor of the works, the objects and the things in general is an important element, such that my definition of art is parallel to the definition of energy: Art is neither created nor destroyed, it can only be transformed.

 

Siempre supe que al dejar la arquitectura, algún día regresaría a ella, pero ya no más como arquitecto, sino como artista. No me considero pintor, escultor, dibujante, ni fotógrafo; reducir el arte a una técnica me parece injusto. Soy un artista que trabaja con ideas, posibilidades y conceptos, en donde cada obra pide una técnica en particular. Desde pequeño me ha costado diferenciar la fantasía de la realidad; ahora constantemente trato de transformar la figuración en abstracción y viceversa. Siempre me ha gustado sorprenderme y generar sorpresa en los demás, cuando esto se une a que la obra te deje pensando, se completa la pieza. Me interesa encontrar el balance entre lo formal y lo conceptual; entre la izquierda y la derecha. Soy zurdo y disléxico, por lo que escribo al revés desde los 4 años de forma natural, utilizando el hemisferio derecho del cerebro; en donde se localiza la expresión emocional, el lenguaje mímico, la sensibilidad musical y la sensibilidad artística. Trabajo, pienso y hablo con números, información, conteos, cifras, de una forma repetitiva, obsesiva y ordenada dentro de un caos. Busco constantemente la originalidad a través de la repetición, me gusta que algo sea universal y particular; soy minimalista y barroco al mismo tiempo. Tengo 6.5 cm entre cada una de mis dos pupilas. El primer impacto con cualquier obra de arte siempre será visual, por más conceptual que esta sea; por lo que me interesa experimentar con diversas formas de “ver”, que no sea únicamente con los ojos; para lograr esto suelo utilizar videntes e invidentes, ya que estoy seguro del paralelo que existe entre un vidente y un artista. Me llaman la atención los fenómenos paranormales, la criminología, la música y la meditación entre muchas cosas más. Me interesa acumular objetos que van de 1860 a 1960 aproximadamente, enfocados en fotografía y elementos arquitectónicos principalmente, entre muchos más. Busco y encuentro “cosas” que dejaron de cumplir su función para las que fueron hechas y antes de convertirse en un desecho, negociarlas, intercambiarlas o comprarlas para convertirlas en algo más. Mi estudio es una especie de laboratorio, en donde la experimentación es la parte fundamental en el proceso y desarrollo de serie. Todos los procesos quedan documentados y forman parte de un archivo. Cuando cometo un error, no se compone o parcha, simplemente la pieza se descarta y se comienza una nueva desde cero. Me gusta cuestionar y crear mediante de un proceso de destrucción, así como también hacer algo para después deshacerlo y lo que aparentemente no me lleva a nada, en realidad es la obra en sí, a través de la huella, la marca o el registro que queda. El trabajo genera trabajo, el trabajo genera más trabajo, el trabajo genera también ideas y las ideas generan más ideas y a la vez también más trabajo, y así infinitamente y en círculo es la forma en la que funciona el taller, con un equipo de personas que van de lo ordinario a lo extraordinario. Compro, colecciono y acumulo una gran diversidad de archivos que al final serán una obra en sí o la materia prima de diversas series por desarrollar. Todos los días escribo en mis cuadernos ideas, proyectos, frases, palabras y cantidades. Siempre trabajo en varias series o proyectos al mismo tiempo, en algunos tengo un control absoluto de la pieza, en otros todo queda al azar. Algunas obras son creadas al 100% en el estudio, mientras otras son encontradas o transformadas de un desecho a algo más. El tiempo, la gravedad, la fragilidad, el desecho, el accidente, son constantes el cualquier serie o en cualquier pieza. El factor energético de las piezas, de los objetos y las cosas en general es un elemento importante, tanto así que mi definición de arte es un paralelo a la definición de energía: El arte ni se crea ni se destruye, tan solo se transforma.

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October 5, 2013 Aníbal Catalán https://abstractioninaction.com/artists/anibal-catalan/

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My work is based in the fusion of two-dimensional and three-dimensional mediums, from traditional painting to site-specific installations, using architecture as a language that allows me to dialogue within different forms of representation.

The Works emerge and are comprised of traditional basics in visual compositions, adjusting to the limits of the utilized support, in this case, the architectural space.

Architecture is transformed not only in a form of rational and constructive processes in the use of matter in a functional manner. In my work, architecture transforms itself in something that goes beyond. Everything in this world, each thing, as simple as it may be, has architecture of its own. To me, the real meaning of architecture is found in its perception, visualization and reception, in terms of a formal-conceptual production of visual elements. Improvisation is a basic principle related to necessities that have to be solved. The most basic and ancient architecture is based on improvisation, to be adjusted to certain functions and aesthetic solutions.

The principle of my sculptural installations has avant-garde aesthetics from the beginning of the 20th century as their main reference, using Russian Constructivism as a model, and integrating thoughts and aesthetics derived from de-constructivism.

The use of pictorial and sculptural elements establishes a dialogic resistance and interaction. On the other hand, it represents a compositional structure that works in relation to elements of tension and suspension, where time and contemplation provoke a state of uncertainty, through the improvisation of forms, used construction elements and materials and arranged in real spaces, as a tactic of domestic, utopic and experimental architecture.

 

Mi trabajo se basa en la fusión de medios bidimensionales y tridimensionales; de pintura tradicional a instalaciones de sitio específico. Utilizando la arquitectura como un lenguaje que me permite el diálogo entre diferentes formas de representación.

Las obras surgen y se componen de fundamentos tradicionales en composiciones plásticas, ajustándose a los límites del soporte utilizado, en este caso, el espacio arquitectónico.

La arquitectura se convierte no sólo en una forma de procesos racionales y constructivos del uso de masas de una manera funcional. En mi trabajo la arquitectura se convierte en algo que va más allá. Todo en este mundo, cada cosa, por más simple que sea tiene una arquitectura en sí misma, para mí el significado real de la arquitectura se encuentra en su percepcion, visualizacion y recepcion, en términos de una producción formal-conceptual de elementos plasticos.

La improvisación es un principio básico en relación con todas las necesidades que tienen que ser resueltas. La arquitectura en sus formas más básicas y antiguas es en primer termino improvisación para ajustarse a determinadas funciones y soluciones esteticas.

El principio de mis instalaciones escultóricas tiene como referencia principal a  estéticas de la vanguardia de principios del siglo XX, teniendo como modelo el Constructivismo ruso principalmente e integrando pensamientos y esteticas derivados del deconstructivismo.

El uso de elementos pictóricos y escultóricos establece, en un sentido, una resistencia y una interacción dialógica. Por otro lado, representa una estructura compositiva que trabaja en relación con elementos de tensión y suspenso, en donde el tiempo y la contemplación provocan un estado de incertidumbre, a través de la improvisación de formas, elementos y materiales constructivos usados y dispuestos en espacios reales como una forma de arquitectura doméstica, utopica y experimental.

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October 4, 2013 Georgina Bringas https://abstractioninaction.com/artists/georgina-bringas/

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From the personal intention of establishing an approach to the space, distance and time, I integrated elements and quantitative values to my production process, through calculations, units and instruments related to the concept and systems of measure that I have approached through video, drawing, assemblage and installation.

In this process, I reprise the mechanisms that gave way to the first calculations of time and space as they are; the acknowledgement of space and time through experience, identification and production of patterns that work as measuring units, the observation of the manifestations of these concepts, comparing diverse magnitudes and mainly the experimentation and documentation of these events. Based on this, I develop a personal route of exploration of space by comparing numeric manifestations as an artistic proposal about the world and its operation.

If we establish as a way of comparing, that the process of measuring, the final result and the measured value are a means to expand and complement the sensorial capacity of man, and that this capacity is associated to his brain capacity, we can say that to measure is to learn. Following this reasoning, that to measure is to learn or to acquire knowledge of something, we get to know what it is to know that thing, and thus we begin a sequence of events that are linked to each other and lead us to improvement and constant growth of our understanding. 

Personally, I consider this method of production as a possibility to appreciate my surroundings from my artistic process, with measuring instruments and procedures that facilitate a type of emotive and sensorial personal information that does not pretend to be a scientific investigation but an analysis where I use these concepts and tools to reflect artistically on the space, distance and time, from my experience. Also, I am interested in formulating a method of production that based in the experience of using these systems of measurement, would result in a visual investigation that offers a possibility of construction of artistic objects that can be the documentation of the research of my environment, my process and what mean to me the discoveries on the world.

 

A partir del propósito personal de establecer una aproximación al espacio, la distancia y el tiempo, integré dentro de mi proceso de producción artística elementos y valores cuantitativos por medio de cálculos, unidades e instrumentos relacionados con el concepto y sistemas de medición a los que me he aproximado por medio del video, el dibujo, ensamble e instalación.

En este proceso, retomo los mecanismos que dieron lugar a los primeros cálculos de tiempo y el espacio como son, el reconocimiento del espacio y tiempo por medio de la experiencia, la identificación y elaboración de patrones que funcionen como unidades de medición, la observación de las manifestaciones de estos conceptos, la comparación de las diferentes magnitudes y la experimentación y la documentación de estos eventos, principalmente. En base a esto, desarrollo una vía personal de reconocimiento del entorno a través del comparar manifestaciones numéricas como una propuesta plástica acerca el mundo y su funcionamiento.

Si nosotros establecemos, a modo de semejanza, que el proceso de medición, el resultado final y el valor medido, son un medio de ampliar y complementar la capacidad sensorial del hombre y, que esta capacidad está asociada con su actividad cerebral, podemos decir que medir es aprender. Continuando con este razonamiento que medir es aprender o adquirir el conocimiento de alguna cosa, llegamos al saber que es conocer dicha cosa y, por lo tanto, entramos en una secuencia de acontecimientos vinculados entre sí, que, conducen al mejoramiento y al constante crecimiento de nuestro entendimiento.

Personalmente, considero esta forma de producción como una posibilidad para valorar el entorno desde mi proceso de producción artística con instrumentos y procedimientos utilizados en la medición que facilitan la obtención de una clase de información emotiva y sensorial personal que no pretende ser una investigación científica, sino una condición de análisis en donde utilizo estos conceptos y herramientas para hacer reflexiones plásticas del espacio, la distancia y el tiempo desde mi experiencia. Asimismo, me interesa formular un método de producción que, basado en la experiencia de utilizar elementos de los sistemas de medición, desarrolle una investigación plástica que brinde una posibilidad de construcción de objetos artísticos que sean los documentos de una investigación de mi entorno, de mi proceso y de lo que para mí son descubrimientos acerca del mundo.

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October 4, 2013 Omar Barquet https://abstractioninaction.com/artists/omar-barquet/

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I have recently developed an investigation that proposes various relationships among concepts of space, time, landscape, sound, silence, memory, and perception. The idea of variation is understood as the metamorphosis and interaction that occurs within this glossary of concepts, and which merges a series of projects where experimentation with different media and processes function as central axis of my artistic practice, and which allows a sense of dynamics during the process of the work itself.

Based on this outline, I began an interdisciplinary project in 2013, titled Ghost Variations, which states an analogy between the evolutionary phases of a hurricane and the movements of a symphony, giving to each one of its phases a selection of formal elements and collaborative practices for its production.

  

Recientemente, he desarrollado una investigación que propone diversas relaciones entre los conceptos de espacio, tiempo, paisaje, sonido, silencio, memoria y percepción. La idea de variación es entendida como la metamorfosis e interacción que acontece entre este glosario de conceptos y que integran una serie de proyectos donde la experimentación con diversos medios y procesos funciona como eje de mi práctica artística, los cuales otorgan un sentido dinámico durante el proceso mismo de la obra.

Basado en este esquema, inicié en 2013 un proyecto interdisciplinario titulado Ghost Variations, el cual articula una analogía entre las fases evolutivas de un huracán y los movimientos de una sinfonía, otorgando a cada una de sus fases una selección de elementos formales y estrategias colaborativas para su realización.

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